Powszechnie uważa się, że nie ma zasadniczych różnic między sposobami przedstawiania rzeczywistości w folklorze i fikcji. I tu i ówdzie rzeczywistość jest przedstawiona na równi z prawdą i prawdą. Na przykład M. M. Plisetsky w swojej książce o historyzmie eposów rosyjskich nie zgadza się z tymi, którzy twierdzą, że eposy nie przedstawiają wydarzeń z określonej epoki, ale jej aspiracje.
Dlaczego, pyta, wydarzenia historyczne są przedstawione na przykład w pieśniach o schwytaniu Kazania, o Stepanie Razinie, dlaczego Opowieść o kampanii Igora może poprawnie przedstawiać kampanię Połowców przeciwko Rosjanom, dlaczego L. N. Tołstoj w powieści „ Wojna i pokój” czy A. N. Tołstoj w powieści „Piotr Wielki” mógłby przedstawiać wiele historycznych postaci i wydarzeń, ale epopeja tego nie potrafi? „Dlaczego epopeje tego nie dopuszczają?” wykrzykuje autor. Nie ma więc zasadniczej różnicy w przedstawianiu rzeczywistości między eposami, pieśniami historycznymi, „Opowieść o wyprawie Igora” a powieściami historycznymi XIX-XX wieku.
Ta opinia, w której autor nie bierze pod uwagę ani środków artystycznych gatunków folklorystycznych i literackich, ani środowiska społecznego, które tworzy sztukę, ani wieków historycznego rozwoju ludzi, pomimo jej oczywistej i nieco prymitywnej anty- historyczność, jest dość typowa dla wielu dzieł współczesnych. Ten sam prawdziwy obraz rzeczywistości, co w przypadku eposów, jest dozwolony nawet w przypadku baśni.
Na przykład w baśniach szukają odbić tych form walki klasowej, które miały miejsce w XIX wieku. Tak więc E. A. Tudorovskaya pisze o bajce: „Odwieczna wrogość klasowa między ciemiężcami-panami feudalnymi a uciskanym ludem jest naprawdę pokazana”. Ale jeśli chodzi o przykłady, to okazuje się, że: „Baba Jaga, „pani” lasu i zwierząt, jest przedstawiana jako prawdziwy wyzyskiwacz, gnębiący swoje zwierzęce sługi…”. Według E. A. Tudorovskaya walka klasowa w bajce nabiera „rodzaju fikcji”. „To nieco ogranicza realizm baśni”.
Bajka jest więc realistyczna, ale ma jedną wadę – jest fikcją, a to zmniejsza, ogranicza jej realizm. Logiczną konsekwencją takiego poglądu jest twierdzenie, że gdyby w baśni nie było fikcji, byłaby lepsza.
Takie dziwne opinie nie byłyby warte wspomnienia, gdyby punkt widzenia E. A. Tudorowskiej był pojedynczy. Ale inni to podzielają. Tak więc wiceprezes Anikin pisze: „Bezpośrednie doświadczenie społeczno-historyczne jest źródłem prawdziwego przedstawienia rzeczywistości w ustnej twórczości ludzi”. Anikin widzi walkę klas w baśniach o zwierzętach.
Uznaje je za alegorie. „Alegoryczność społeczna jest najważniejszą cechą opowieści ludowych o zwierzętach, a bez tego alegorycznego znaczenia ludzie nie potrzebowaliby baśni”. Tak więc ludzie nie potrzebują bajki jako takiej.
Wszystko, czego potrzeba, to alegoryczne znaczenie społeczne. Autor stara się udowodnić, że wilk jest „prześladowcą ludu”. Niedźwiedź należy do tych samych oprawców. W dziedzinie baśni Koschey i inni antagoniści bohatera są przypisywani ludowym prześladowcom porządku społecznego.
Sprawiedliwość domaga się odnotowania, że w książce V.P. Anikina jest wiele trafnych spostrzeżeń. Ale w latach, w których powstawała ta książka, takie koncepcje uważano w pewnym stopniu za obowiązkowe i postępowe.
Nie będziemy wdawać się w dalsze polemiki, ale spróbujemy podejść do pytania, jak rzeczywistość jest przedstawiana w folklorze, jakie ma do tego znaczenie i jakie są specyficzne różnice między folklorem a literaturą realistyczną, nie poprzez abstrakcyjne spekulacje, ale poprzez studiowanie samego materiału.
Przekonamy się, że folklor rządzi się specyficznymi prawami swojej poetyki, odmiennymi od metod profesjonalnej twórczości artystycznej. Pytanie należało postawić historycznie; jednak zanim to zrobimy, konieczne jest uzyskanie jasnego obrazu tego, co jest obecnie dostępne.
Przyjrzymy się zabytkom folklorystycznym według przekazów z XVIII-XX wieku, przesuwając historyczne badania procesu tworzenia i rozwoju w przyszłość. Rozważymy tylko rosyjski folklor. Takie badanie opisowe należy przeprowadzić przed rozpoczęciem badań historyczno-porównawczych.
Istnieją wzorce, które są wspólne dla wszystkich lub wielu gatunków folkloru, i są wzorce, które są specyficzne tylko dla poszczególnych gatunków. Zajmiemy się problematyką gatunków, bynajmniej nie dążąc do ich wyczerpującego opisu, lecz ograniczając się do problemu relacji folkloru do rzeczywistości.
Rozpoczniemy nasze studia od baśni jako gatunku, w którym kwestia stosunku do rzeczywistości jest stosunkowo prosta. Jednocześnie to właśnie baśń pozwala ujawnić pewne ogólne prawa gatunków narracyjnych w ogóle.
Mówiąc o bajce, należy przypomnieć stwierdzenie V.I. Lenina: „W każdej bajce są elementy rzeczywistości…”. Wystarczy pobieżny rzut oka na opowieść, aby przekonać się o słuszności tego twierdzenia. W baśniach tych elementów jest mniej, w innych jest ich więcej.
Takie zwierzęta, jak lis, wilk, niedźwiedź, zając, kogut, koza i inne, są właśnie zwierzętami, z którymi wieśniak ma do czynienia; chłopi i kobiety, starcy i staruszki, macocha i pasierbica, żołnierze, Cyganie, robotnicy, księża i ziemianie przeszli z życia w bajkę.
Bajka odzwierciedla zarówno prehistoryczną rzeczywistość, jak i średniowieczne zwyczaje i obyczaje oraz stosunki społeczne czasów feudalnych i kapitalistycznych. Wszystkie te elementy rzeczywistości są dokładnie badane przez naukę radziecką i zagraniczną i istnieje już na ich temat bardzo znacząca literatura.
Przyglądając się jednak bliżej słowom Lenina, widzimy, że Lenin wcale nie twierdzi, że bajka składa się wyłącznie z elementów rzeczywistości. Mówi tylko, że oni w nim „są”. Gdy tylko przejdziemy do pytania, co ci realistyczni mężczyźni, kobiety, żołnierze lub inne postacie robią w bajce, czyli zwrócimy się do fabuły, natychmiast zanurzymy się w świat niemożliwego i wymyślonego.
Wystarczy wziąć indeks wątków baśniowych Aarne-Andreeva i otworzyć tam przynajmniej sekcję „Opowieści nowelowe”, aby od razu się przekonać, że tak jest. Gdzie w życiu są ci błazny, którzy oszukują wszystkich na świecie i nigdy nie są pokonani? Czy są w życiu tacy sprytni złodzieje, którzy kradną jajka spod kaczki albo prześcieradło spod ziemianina i jego żony? Czy w życiu tak bywa, że uparte żony ujarzmia się jak w bajce, a czy są na świecie tacy głupcy, co zaglądają przez lufę pistoletu, żeby zobaczyć, jak wylatuje kula? W rosyjskiej bajce nie ma ani jednej wiarygodnej fabuły.
Nie będziemy wchodzić w szczegóły, ale skupimy się na jednym typowym przykładzie jako przykładzie. To opowieść o nieszczęśliwych zmarłych. Ogólnie sprawa wygląda tak. Głupiec przypadkowo zabija swoją matkę: wpada w pułapkę lub wpada do dziury, którą głupiec wykopał przed domem.
Czasami jednak zabija ją celowo; chowa się w skrzyni, aby dowiedzieć się, o czym głupiec rozmawia z rodziną, a on o tym wie i zalewa skrzynię wrzącą wodą. Wkłada zwłoki matki do sań, daje jej obręcz lub pupę, grzebień i wrzeciono i jedzie. W stronę pańskiej trojki pędzi. Nie zjeżdża z drogi i zostaje przewrócony.
Głupiec płacze, że jego matka, królewska złotniczka, została zabita. Otrzymuje sto rubli odszkodowania. Idzie dalej i teraz składa zwłoki w piwnicy księdzu; w dłoniach podaje zmarłej matce dzbanek kwaśnej śmietany i łyżkę. Popadya myśli, że jest złodziejką i uderza ją kijem w głowę. Głupiec ponownie otrzymuje sto rubli odszkodowania. Następnie umieszcza ją w łodzi i opuszcza w dół rzeki. Łódź wpada w sieci rybackie.
Rybacy uderzają w zwłoki wiosłem, wpadają do wody i toną. Głupiec płacze, że jego matka utonęła. Otrzymuje też sto rubli od rybaków. Wraca do domu z pieniędzmi i opowiada braciom, że sprzedał matkę w mieście na targu. Bracia zabijają swoje żony i zabierają je na sprzedaż. Żandarmi zabierają ich do więzienia, a majątek braci trafia do głupca. Z tą posiadłością i przyniesionymi pieniędzmi zaczyna żyć w koniczynie.
Istnieje inna wersja tej opowieści, którą jednak można uznać za inną opowieść. Tutaj sprawy mają się trochę inaczej. Żona mężczyzny traktuje swojego kochanka. Mąż patrzy.
Kiedy ona idzie do piwnicy po oliwę, mąż zabija jej kochanka i wkłada mu do ust naleśnik, żeby myśleli, że się zakrztusił. Następnie zaczynają się sztuczki ze zwłokami, które mogą częściowo pokrywać się z poprzednią wersją, częściowo mają inny kształt.
W takim przypadku trzeba pozbyć się zwłok, aby zrzucić z siebie podejrzenie morderstwa. Mężczyzna opiera zwłoki o dom, w którym odbywa się uczta weselna, i zaczyna przeklinać. Goście wyskakują myśląc, że chłop oparty o ścianę klnie i biją go po głowie. Widząc go martwego, przestraszyli się i aby pozbyć się zmarłego, przywiązali go na koniu do konia i puścili.
Koń wbiega do lasu i psuje pułapki myśliwego. Myśliwy bije zmarłego i myśli, że go zabił. Wkłada zwłoki do łodzi, a akcja kończy się, jak w poprzedniej wersji: nieszczęsny trup od uderzenia rybaka wpada do wody, a zwłoki znikają.
Gdyby współczesna sowiecka pisarka napisała opowiadanie o tym, jak zginęła jej matka i jak później morderca wykorzystał zwłoki do wyłudzenia pieniędzy, to żadne wydawnictwo nie opublikowałoby takiego opowiadania, a gdyby zostało opublikowane, wywołałoby uzasadnione oburzenie czytelnicy.
Tymczasem opowieść nie budzi oburzenia wśród ludu, mimo że chłopi traktują zmarłych ze szczególną czcią. Ta opowieść jest popularna nie tylko wśród Rosjan, ale także wśród wielu narodów europejskich. Przeniknął nawet do Indian Ameryki Północnej.
Dlaczego tak skandaliczny spisek mógł stać się popularny? Było to możliwe tylko dlatego, że ta opowieść jest przezabawną farsą. Ani narrator, ani słuchacz nie odnoszą opowieści do rzeczywistości. Badacz może i powinien odnieść go do rzeczywistości i określić, które aspekty życia codziennego dały początek tej fabule, ale to już należy do dziedziny percepcji nie artystycznej, a naukowej. To nie jest zredukowany, ograniczony ani baśniowy realizm, to nie jest alegoria ani bajka, to jest baśń.
Rozważaliśmy ten przykład tak szczegółowo, ponieważ jest on charakterystyczny i charakterystyczny dla pytania o stosunek bajki do rzeczywistości.
Bajka to przemyślana i poetycka fikcja. Nigdy nie jest przedstawiana jako rzeczywistość. „Bajka to fałda, piosenka to prawdziwa historia” – mówi przysłowie. „Magazyn z bajki, piosenka jest w tonacji czerwonej”. Po zakończeniu opowieści mówią: „Cała bajka, nie możesz już kłamać”. We współczesnym języku słowo „bajka” jest synonimem słowa „kłamstwo”.
Ale co w takim razie przyciąga baśń, jeśli przedstawienie rzeczywistości nie jest jej celem? Przede wszystkim przyciąga niezwykłością swojej historii. Niezgodność z rzeczywistością, fikcja jako taka dostarcza szczególnej przyjemności.
W baśniach rzeczywistość jest celowo wywrócona na lewą stronę i na tym polega cały ich urok dla ludzi. To prawda, że niezwykłość dzieje się w fikcji.
W prozie romantycznej jest mocniejszy (powieści Waltera Scotta, Hugo), w prozie realistycznej słabszy (Czechow). W literaturze niezwykłość jest przedstawiana jako możliwa, wywołując emocje przerażenia, podziwu lub zdziwienia, a my wierzymy w możliwość tego, co jest przedstawiane.
W prozie ludowej niezwykłość jest taka, że w rzeczywistości byłaby niemożliwa w prawdziwym życiu. To prawda, że \u200b\u200bw codziennych bajkach w większości przypadków nie ma naruszenia praw natury. W rzeczywistości wszystko, co zostało powiedziane, może być. Ale wciąż opowiadane wydarzenia są tak niezwykłe, że nigdy nie mogłyby się wydarzyć w rzeczywistości i to właśnie wzbudza zainteresowanie.
V.Ya. Propp. Poetyka folkloru - M., 1998
III. Muzyka w dziełach.
II. Język prac.
Dzieła Ajschylosa charakteryzował podniosły styl mitologiczny, heroiczny, pełen metafor z dziedziny wojny i oręża. To nie przypadek, że sam Ajschylos nazwał swoje tragedie „resztkami ze stołu Homera”. Sztuka orientalna była kolejnym źródłem jego poetyckiego stylu. Oto, co ujawnia Eurypides:
Wszyscy oszuści i twierdze, i tarcze dzwonią
Gryfie orły, miedź i blask mowy głowonogów, -
Zrozumienie ich jest największą pracą.
Rzeczywiście, język dzieł Ajschylosa jest wzniosły, uroczysty, nie zawsze zrozumiały. Język Eurypidesa jest prosty i zrozumiały. Jego bohaterowie nie „bełkoczą i nie gadają bzdur”. Kiedy wychodzi, zawsze mówi przede wszystkim o swoim pochodzeniu. Jednak sądząc po jednym ze zdań Dionizosa, wypowiedzianym w pierwszej części, nawet język Eurypidesa nie jest zbyt dobry. Jego prace charakteryzują się naturalistyczną redukcją („eter jest mieszkaniem Zeusa”) i manieryzmem („łapa czasu”).
Szczególne znaczenie mają prologi dzieła. Tak więc w Ajschylosie bohater wypowiada zdanie, w którym dwa synonimy znaczą to samo, co według Eurypidesa jest redundancją mowy:
Dopływ i powrót – jaka jest różnica?
„Słyszeć, słuchać – tutaj tożsamość jest niepodważalna”. Eurypides szczyci się tym, że jego prologi są wolne od zbędnych słów. Zauważa, że Ajschylos ma skłonność do powtarzania tych samych stałych obrotów („Czy prawie się spieszysz, by pomóc znużonemu?”).
Ajschylos zauważa jednak, że prologi Eurypidesa są zbudowane w ten sam sposób, więc wszystkie można kontynuować wersem „zgubiłem butelkę”. Oczywiście jest to przesada ze strony Arystofanesa, nie wszystkie tragedie budowane są według szablonu, ale tylko te, które wybrał do swojego dzieła. Ale wiele z nich jest naprawdę podobnych w swojej konstrukcji:
Bóg Dionizos, który trzymając w ręku tyrs
I pokryty skórą, w blasku pochodni
Delfy tańczą... zgubił butelkę.
Śmiertelnik nie może mieć szczęścia we wszystkim:
Jeden, godny, umiera w nędzy,
Kolejny zły... zgubił butelkę.
Są to fragmenty niezbawionych tragedii Ipsipylos i Stenebeus.
Nie możemy powiedzieć, jaka muzyka towarzyszyła tragediom autorów. Ale Ajschylos w komedii parodiuje przy pomocy tamburynu znakomitą manierę muzycznej kompozycji pieśni chóralnych Eurypidesa. Eurypides wprowadził do spektaklu monodie, monofoniczne arie, wzorując się na muzyce dytyrambicznej
Autorzy, którzy tworzyli w różnych epokach, mają też różne postrzeganie świata. Ajschylos napisał wkrótce po zwycięstwie Greków w bitwie pod Maratonem. Jego dzieła gloryfikują mitycznych królów, wielkie czyny ludzi, dzielnych bohaterów. Tego nie może wymagać od niego Eurypides, który twierdzi, że Ajschylos w swoich tragediach wyprowadzał ludzi aroganckich, aroganckich głupców. A Eurypides mówił na proste tematy, o swoim, bliższym życiu. Jego bohaterem był sprytny Teramenes, znany wśród starożytnych jako przykład podejrzanego, ale pozbawionego zasad polityka. Nadano mu nawet przydomek „Feramen-gramofon”. Eurypides uważa za zasługę, że wprowadził do poezji zdrowy rozsądek. Ale Ajschylos uważa, że dzieła Ajschylosa miały zły wpływ na Ateńczyków. W komedii Arystofanesa twierdzi, że Eurypides zrobił z ludzi rozsądnych, uczciwych, prawdomównych łajdaków. Ludzie, którzy czytali jego dzieła, byli w swoim czasie bohaterami, brawo, nie tkali sprzeczek, wygrywali wojny. Jego dzieła „Siedmiu przeciwko Tebom” i „Persowie” były pełne ducha wojny i inspirowały Ateńczyków pragnieniem zwycięstwa. Słynny dowódca Lamah, który zginął w czasach wyprawy sycylijskiej, wychował się na swoich dziełach. Jeśli chodzi o Eurypidesa, to on wprowadził na scenę, według Ajschylosa, „szmatę” Fedra (w tragedii „Hipolit”). Wizerunek zakochanej kobiety jest całkowicie obcy heroicznemu dziełu Ajschylosa. Ajschylos widzi w przedstawieniach zakochanych kobiet na scenie upadek moralności w Atenach. Uważa, że nie są godni tego obrazu. Ale Eurypides stworzył prawdziwy dramat psychologiczny. Przedstawia psychikę każdego z bohaterów. W dziełach Eurypidesa często pojawiały się bezbożne powiedzenia, w komediach modli się on nawet do bogów innych niż Zeus. W końcu Dionizos używa tych samych powiedzeń, wybierając Ajschylosa jako zwycięzcę.
Komedia Arystofanesa „Żaby” daje bardzo subiektywny opis dwóch największych tragików. W rzeczywistości jest to krytyka Eurypidesa, którego dzieło Arystofanes kontrastował z Ajschylosem. Oczywiście Arystofanes, jako człowiek wykształcony, rozumiał, że nowe czasy wymagają nowych idei i środków wyrazu artystycznego, więc nie mógł nie dostrzec postępowości dramaturgii Eurypidesa. Z drugiej strony zainteresowanie Eurypidesa wewnętrznym światem człowieka, ogarniającymi go namiętnościami i tragicznymi skutkami konfliktów, do których prowadzi niezgodność sprzecznych uczuć, zniszczyło także integralność moralnych podstaw, na których opierała się demokracja ateńska opierała się na tym, co przedkładało to, co publiczne, nad to, co osobiste, jak filozofia sofistów. Arystofanes w komedii bardzo szczegółowo opisał ich zasady twórcze, styl poetycki i charakterystykę spektaklu.
43. Codzienny dramat Menandra "Sądu Arbitrażowego" i jego zastosowanie w
Literatura rzymska („Teściowa” Terence).
Krótka powtórka komedia Menandra „Zrzęda”. [Zanim historia się zaczęła, miała jednak ogromne znaczenie. Bogaty młodzieniec o imieniu Kharisius zgwałcił nieznaną mu dziewczynę w święto Tauropoly. W rzeczywistości miał się ożenić z tą dziewczyną, ale wszystko wydarzyło się w nocy, Kharisy nic nie pamiętał i nie poznali się. Wkrótce ożenił się z Pamfilą, która była tą zhańbioną, ale on i ona nie pamiętali. Mąż gdzieś wyjechał, a ona urodziła nieślubne dziecko. Co robić? Mąż ją potem zostawi! Decyduje się upuścić dziecko. Dowiaduje się o tym sługa jej męża Onezyma. O wszystkim opowiada właścicielowi. Zgodnie z prawem ateńskim Charisios miał prawo zwrócić Pamfilę swoim rodzicom, ponieważ został oszukany co do tego, że jest dziewczynką. Ale nie odważy się tego zrobić, po prostu idzie do swojego sąsiada-przyjaciela Herestrata, aby się napić i zabawić]. Tu zaczyna się komedia. Charisius bawi się na przyjęciu z flecistą imieniem Gabrotonon, ale sama twierdzi, że nie pozwala jej iść do loży. Ojciec Pamfilii, Smikrin, nie wiedząc nic o porodzie, przyjeżdża odebrać córkę od niewiernego zięcia, który tylko wydaje posag i nie zwraca na nią uwagi. Ale Pamphila to dziewczyna z charakterem. Nie chce opuszczać męża. W tym czasie pasterz Dove znalazł porzucone dziecko. Dziecko miało bogate dary i pierścionek. Wziął dziecko, ale szybko zorientował się, że nie ma czym go nakarmić. Zostawił prezenty w domu, ale chciał komuś podarować dziecko. Spotkałem mojego przyjaciela Siriska, górnika. Sirisk był niewolnikiem Harestraat i błagał o oddanie mu dziecka. Dał. Ale potem Sirisk zaczął go błagać, by rozdawał bogate rzeczy, aby w przypadku odnalezienia rodziców dziecka mogli go zidentyfikować. On nie chce. Następnie proszą Smikrina, aby ich osądził. Smikrin, dowiedziawszy się, o co chodzi, zostawia prezenty i dziecko Siriskowi. W tym czasie Onesimus widzi pierścień w rękach Sirisk. Oświadcza, że jest to pierścień jego pana Charisiusa, który zgubił na festiwalu w Tauropolis. Bierze pierścionek, ale nie ma odwagi pokazać go Kharisiya, bo wtedy będzie musiał uznać ojcostwo nieznanego dziecka. Geter Gabr wychodzi z domu Herestrata O tonon i widzi Onezyma z pierścieniem. Opowiada jej wszystko, a ona przypomina sobie, że w Tauropolii, gdzie była, zgwałcono jedną dziewczynę. Zna swoją twarz, ale nie zna swojego imienia. Sugeruje, aby najpierw poddać Charisiusowi próbę: udawać, że jest tą dziewczyną z Tauropolii, a potem, kiedy wyznaje ojcostwo, odnaleźć matkę. I tak robi. Potem idzie razem z dzieckiem i spotyka Pamfilę, w której rozpoznaje swoją matkę. Smikrin próbuje odebrać córkę zięciowi, który, jak się okazuje, ma jeszcze dziecko z hetery, ale ona odpowiada, że nie zostawi męża w tarapatach. Charisius podsłuchuje i wzruszony zdaje sobie sprawę, że nie jest godzien swojej żony. Tutaj Gabrotonon oznajmia mu, kto jest matką dziecka. Jest ogólna ulga. Gabroton, jako zbawiciel, otrzymuje wolność. Krótka opowieść komedia Terence „Teściowa”. Niedawno poślubieni Pamfil i Filumena są zmuszeni na jakiś czas się rozstać. Podczas ich małżeństwa Pamphilus, wciąż zakochany w swojej byłej dziewczynie Bacchidzie, nie dotyka żony. Pamfil wyjeżdża w interesach na Imbrosie, a Filumena rodzi wcześniaka. Powracający mąż zastaje poród w domu rodziców swojej żony, do której wróciła, rzekomo nie dogadując się z teściową. Pamphilus podejrzewa swoją żonę o zdradę i nie chce się już z nią widywać, po czym wraca do swojej dawnej dziewczyny, hetery Bacchis. Nie zdradza nikomu tajemnic swojej żony i mówi, że jest na nią zły, bo nie szanuje teściowej Sostraty. Sostrata jest gotów jechać na wieś, byle tylko młodzi ludzie byli szczęśliwi. Ojciec Pamphila Laches i ojciec panny młodej Phidipp również próbują rozwiązać konflikt. Osiąga to również hetera Bacchis, której udaje się ustalić, że pierścień, który nosi Philumena, podarował jej Pamphilus, który dopuścił się wobec niej przemocy przed ślubem, podczas wakacji, kiedy był pijany. Komedia kończy się szczęśliwie, dziecko znajduje ojca, a wszyscy bohaterowie, w tym hetery, okazują się życzliwi i szlachetni.
Menander - ostatni poeta, którego urodziła Attyka. Urodził się w Atenach w 342 pne. i żył długo, aż do 293 roku. Pracował w epoce hellenistycznej. Dramaturg ten stał się twórcą komedii neoattyckiej (IV-III w. p.n.e.). W rzeczywistości ten gatunek można określić jako dramat codzienny z elementami tragedii i komedii. Menander wystawił ponad sto takich komedii, ale jemu współcześni go nie lubili. Należał do najwyższej arystokracji, był przodkiem Solona. Po upadku demokracji ateńskiej jego bliski przyjaciel Demetriusz z Faler został gubernatorem Macedonii w Grecji.
Menander tworzył sztuki o charakterze pojednawczym. Komedia nie wyrażała już problemów społecznych, jak to miało miejsce za Arystofanesa. Autor niepokoił się pomysłem odejścia w życiu prywatnym, propagował zasady człowieczeństwa – zaprzeczał okrutnemu traktowaniu niewolników. To była miękka, humanitarna, inteligentna pozycja. Odzwierciedlało to, co działo się w Attyce. Ludzie przestali interesować się polityką i zagłębili się w życie prywatne. Menander był także wyznawcą Talesa, który realizował ideę równości wszystkich obywateli w państwie.
Dramaturgia Menandra jest następcą antycznej komedii i tragedii Eurypidesa. Jego komedie pod wieloma względami kontynuują tradycje miejskiej wesołej zabawy na święto Dionizosa, bo mimo wszystkich prób, jakie czyhają na bohaterów, koniec przedstawienia jest zawsze szczęśliwy. Stałe motywy Menandra – przemoc wobec dziewczyny, rzucanie dziećmi, uznanie – wykorzystywał już Eurypides. Ale u Eurypidesa motywy te są związane z codziennością, u Menandra zaś przenoszone są na codzienność.
Codzienne postacie Menandera, których tak mistrzowsko przedstawił w swojej komedii, uwarunkowane były zjawiskami życia społecznego. Ludzie są zmęczeni wojnami, konfliktami i przewrotami. Jego bohaterowie też nie mają wygórowanych wymagań. Ich ideałem jest spokojne życie rodzinne w obfitości. W jego twórczości nie było czysto komicznego, była mieszanka komizmu i tragizmu. Monolog i dialog autora to mowa codzienna. Nie ma tu archaicznych sformułowań. Chór stopniowo odchodzi z komedii. Tak więc w „Sądzie Arbitrażowym” sceny chóralne pojawiają się dopiero na końcu akcji, pomiędzy aktami.
Komedia „Sąd arbitrażowy”. Został zachowany przez około dwie trzecie. Data jego powstania jest nieznana, ale zgodnie z opanowaniem cech psychologicznych naukowcy umieścili go na końcu dzieła Menandera. Przede wszystkim tę komedię wyróżnia mistrzowskie zarysowanie postaci. Menander stworzył całą galerię typów, które następnie były aktywnie wykorzystywane w literaturze światowej. Ale co ważne, udało mu się wzbogacić typowe obrazy, uczynić je żywymi i autentycznymi. Są to obrazy takie jak:
Starzec. Oszczędny, zrzędliwy ojciec dziewczynki. Chciwy. W "Sądzie Arbitrażowym" rolę tę pełni Smikrin ojciec Pamfilii. Dowiedziawszy się o perypetiach swojego zięcia, postanawia zabrać córkę do domu, bo boi się, że Charisius przeznaczy całe dawanie na rozrywki i zdobycze.
Hetera. Wykształcona kobieta. Umiała prowadzić rozmowę, była utalentowana, inteligentna, wykształcona, o głowę przewyższała zwykłe domowe Greczynki. W Sądzie Arbitrażowym rolę hetery pełnią Gabrotonon- flecista. Jest typową komediantką, ale życzliwość, szczerość i umiłowanie wolności stają się jej indywidualnymi cechami. Jest nie tylko inteligentna, ale i przebiegła. Wie, jak ułożyć, aby kochankowie byli razem, a ona otrzymała wolność. Aktywnie uczestniczy w akcji i przyczynia się do jak najszybszego rozwiązania konfliktu. W stosunku do Pamphila zachowuje się szlachetnie. Początkowo chciała wykorzystać podrzutkę do własnych celów, ale potem odbudowała rodzinę.
„Arbitraż” uznano za klasyczny przykład nowej komedii. W centrum komedii znajduje się niezwykła historia małżeństwa, przed którego domem rozgrywa się akcja. Odbywa się w pobliżu Aten.
Ważne pomysły: Kiedy dziecko Pamphila zostaje odebrane przez Siriska, domaga się on praw dziecka do tego, co zostało mu zasadzone. Po raz pierwszy w komedii wysunięto pomysł, że porzucone dziecko ma prawa. Istotą komedii jest to, że szczęście ludzi zależy od nich samych, a los człowieka, który nie jest wolny od wypadków, zawsze zależy od jego charakteru. Mówi o tym także sługa Onezym, który twierdzi, że wszystkie troski bogów o ludzi sprowadzają się do podziału charakterów.
Codzienna komedia, choć realistyczna, była całkowicie sztuczna. Społeczeństwo greckie traciło kontrolę nad własnym losem. Pozostało budować zamki w powietrzu, komedia oddalała się coraz bardziej od rzeczywistości.
Pochwal się: Arystofanes z Bizancjum powiedział: „Menander i życie, który z was kogo naśladował? ”
Późniejsze użycie w literaturze rzymskiej i europejskiej. Menander jest przodkiem dramatu codziennego, który następnie przeszedł do literatury rzymskiej. Jego komedie charakteryzują się 5 aktami, rozwiniętą intrygą o różnych motywach: porwanie dziewczyny, porzucone dziecko, utrata pamięci. Ogromną rolę w komediach Menandera odgrywa przypadek. Jest to przypadek, który pomaga rozwiązać konflikt. Takie rozwiązanie konfliktu było charakterystyczne dla późniejszej literatury popularnej.
Komicy rzymscy szeroko wykorzystywali sztuki Menandera, zwłaszcza Terentiusa, któremu Cezar nadał przydomek „pół-Menander”. Ale pisarze rzymscy traktowali źródła tak arbitralnie, że absolutnie niemożliwe jest stwierdzenie oryginalności greckich oryginałów na podstawie łacińskich przeróbek.
Publiusz Terencjusz (190-159 pne)- był uwolnionym niewolnikiem senatora Terencjusza, sprowadzonym do Rzymu z Kartaginy. Edukację pobierał w Rzymie, gdzie zetknął się z komedią neoattycką i zaczął pisać sztuki oparte na jej fabule. Wykazywał duże zainteresowanie twórczością Menandra (4 jego komedie pochodzą od Menandra). Nie tylko rysował fabuły, ale także starał się odtworzyć subtelne menandrejskie postacie i humanitarną orientację swoich sztuk. Terencjusz stworzył komedię naśladowczą. Przekazał nie tylko fabułę, ale i postacie i styl dramatu neoattyckiego. Fabuła jego „Teściowej” nie różni się zbytnio od „Sądu Arbitrażowego”. Starał się jedynie nadać dziełom Menandra autentyczną wiarygodność. Jeśli bohaterowie Menandera są typami idealnymi, to bohaterowie Terence'a są jednostkami bliższymi rzeczywistości. Tak więc w Teściowej jest scena między niewolnikiem Parmenonem a hetero Filotidą, w której prosi go, aby opowiedział mu o rozpadzie małżeństwa Pamphilusa, gdyż jest on byłym kochankiem jej przyjaciółki Bakchidy. Początkowo Parmenon odmawia, ale ona mówi mu: „Sam chcesz mi o tym opowiedzieć!” I westchnął: „Tak, to jest moja największa wada”. Podobnie jak dzieła Menandra, sztuki Terencjusza nie cieszyły się zbytnią popularnością.
Jeśli w poprzednim okresie głównym zajęciem Rzymian była działalność państwowa, to teraz zajęcia rekreacyjne, literatura i filozofia zaczęły nabierać coraz większego znaczenia w życiu Rzymian. Sprawy kulturalne załatwiano prywatnie, w domu, a nie na placu, jak to było w zwyczaju w Grecji. Dzieło Terencjusza było odzwierciedleniem takiego kręgu wykształconej szlachty. Tradycyjna rzymska moralność ulega rewizji, życie Greków staje się ideałem.
W prologu do pracy "Teściowa" Terencjusz relacjonuje, że publiczność dwukrotnie przerywała przedstawienie, wychodząc z teatru, by obejrzeć tańczących na linie lub igrzyska gladiatorów. Chociaż komedie Terence'a są przeznaczone dla nielicznych, jego osiągnięcia w charakteryzacji są znaczące i nie przeszły bez echa w historii literatury. Terencjusz starał się przekazać widzowi subtelność postaci Menandera i elegancję języka komedii neoattyckiej. W jego sztukach nie ma szorstkich dowcipów, frazesów, błazeństwa. Jego sztuki należą do gatunku „dramatów wzruszających”, „komedii łzawych”. W przeciwieństwie do Menandera w sztuce jest więcej momentów filozoficznych.
Fabuły Terencjusza zaczerpnięte są z neo-poddaszowej komedii. W jego sztukach bohaterami są także zakochani młodzieńcy, hetery, wolne dziewczęta, surowi ojcowie, usłużni niewolnicy, sutenerzy. Ale podobnie jak Menander stara się wzbogacić typowe obrazy o indywidualne cechy. Jedną z centralnych postaci jego dzieł jest młody człowiek, który jest zdany na łaskę swoich żarliwych uczuć, wybiera dla siebie kierunek działania i zastanawia się, jaką drogą powinien podążać. Problem edukacji okazuje się dla poety jednym z głównych.
Co ciekawe, teściowa w komedii wcale nie jest zła. I miły i we wszystkim stara się pogodzić młodych małżonków.
Misza
44. Hellenistyczny epos Apoloniusza z Rodos „Argonautica”.
Krótka powtórka:
Wiersz zaczyna się listą bohaterów, których Jason zbiera z całej Grecji, aby wyruszyć po Złote Runo – skórę złotego barana, na której książę Frix uciekł kiedyś z Grecji (uciekł przed ludem podnieconym do zabijania przez swoją macochę Frix ). Zebrali się bohaterowie, Arg zbudował statek z 50 wiosłami, usiadł i popłynął przez Morze Egejskie. Wylądowaliśmy na wyspie Lemnos, gdzie żyje plemię Amazonek. Mieszkaliśmy tam przez jakiś czas, potem udaliśmy się nad Morze Marmara i zrobiliśmy tam nasz pierwszy przystanek. Hylas, przyjaciel Herkulesa, poszedł do nadmorskiego lasu, pochylił się nad strumieniem i został wciągnięty do wody przez nimfy. Herkules pobiegł, by go uratować. Reszta myślała, co robić, a potem z morza wyłoniła się wielka głowa i kazała opuścić Herkulesa i płynąć dalej. Na drugim parkingu w Morzu Marmara walczył Dioscurus Polideuces, syn Zeusa i Argonauty, z miejscowym przywódcą i synem Posejdona, który uwielbiał moczyć kosmitów w bójce na pięści. Przywódca przegrał, jego plemię zostało pokonane i popłynęło dalej. Trzecia stacja również znajdowała się na Morzu Marmara i tam uratowali starego króla-wróżbitę Phineusa przed harpiami, wysyłając na nich (harpie) kilka skrzydlatych Boreadów. Fineus wyjaśnił im, jak płynąć dalej. Dalej okazało się, że jest to tak zwana Cieśnina Bosfor, a potem była to szczelina między dwiema wędrującymi skałami. Za radą Fineusa wypuścili gołębicę i udało jej się prześlizgnąć, tracąc kilka piór z ogona. To znaczy, że przejdziemy, zdecydowali Argonauci, wsunęli głowę i nie bez pomocy Ateny przeszli, zostawiając w szczelinie kilka desek z rufy. Skały zamarzły i stały się brzegami Bosforu. W Morzu Czarnym spotykają różne krainy (plemiona Amazonek, siedziby Apolla i Artemidy, gniazda miedzianych ptaków itp.). W Kolchidzie proszą o pomoc Afrodytę, a ta każe Erosowi zakochać się w córce miejscowego króla Medei w Jazonie. Jason wykonuje niemożliwe próby od króla Eet, z pomocą Medei, kradnie Złote Runo strzeżone przez smoka, ładuje je (i jednocześnie Medeę) na statek i odpływa. Po drodze zostają dopadnięci przez syna Eety z jego ludem, zabijają go i płyną do Circe (zachodnia część Morza Śródziemnego), aby odpokutować za grzechy. Następnie płyną niemal trasą Odyseusza (matka Achillesa Tetydy pomaga im przeskoczyć Scyllę i Charybdę na morskiej fali, a syreny zagłusza muzyka Argonauty Orfeusza), a w Teakii wyprzedza ich drugi pościg z Kolchidy. Król feaków decyduje, że Medeę należy oddać, jeśli nie jest jeszcze żoną Jazona, a nocą potajemnie celebrują wesele w jaskini. W końcu burza spycha ich na mieliznę w Afryce, biorą statek w rękę i przez 12 dni i nocy przemierzają pustynię. Potem wpadają do oazy i po martwym wężu i zniszczonych skałach rozumieją, że Herkules już tu był. W końcu docierają do punktu wyjścia i wracają do domu. Na tym kończy się akcja poematu.
Impresjonistyczne sposoby przedstawiania rzeczywistości w opowiadaniu „Kot w butach” Nikołaja Chwyłowego
Volnovy, po V. Stefaniku i M. Kociubyńskim, stworzył własny styl w pisarstwie ukraińskim, rodzaj liryczno-romantycznego, impresjonistycznego opowiadania. Jedno z opowiadań pisarza „Kot w butach”, choć oparte na realistycznym fundamencie – trudnych latach wojny domowej, zawiera w sobie potężny nurt liryczno-impresjonistyczny. W tym opowiadaniu realistyczne wydarzenia ukazane są jakby przez pryzmat impresjonistycznego postrzegania rzeczywistości.
Aby przeanalizować opowiadanie „Kot w butach” z tego punktu widzenia, przypomnijmy pokrótce istotę i zasady estetyczne impresjonizmu.
Impresjonizm to nurt artystyczny w sztuce drugiej połowy XIX – początku XX w. Choć powstał w kręgu artystów, zasady impresjonistycznego przedstawiania otoczenia szybko przeszły do literatury. Pisarze starali się z wdziękiem, poprzez artystyczne detale, oddać subiektywne chwilowe i zmienne wrażenia czegoś oraz najdrobniejsze odcienie obserwacji otaczającej rzeczywistości. I jest w ciągłym ruchu. W związku z tym zadaniem impresjonistów było „złapać” i uchwycić niepowtarzalny moment wrażenia z przedmiotu, krajobrazu lub innego. Dzieła, podobnie jak wcześniej płótna, malowane były pociągnięciami detalu, co wyraża się w dźwiękowych, wizualnych, dotykowych mikroobrazach lub ich elementach. Dynamizm, proceduralność, tajemniczość, rozimknenizm w wieczności – cechy obrazu-wrażenia.
Moim zdaniem takie cechy mają wizerunek „kota w butach” - towarzysza Żuchki. Opowiadanie „Kot w butach” można analizować w trzech aspektach: konkretnych problemów; organizacja kompozycyjna; środki wizualne.
Jednym z najważniejszych problemów tego opowiadania jest problem rozbieżności między snem a rzeczywistością. M. Volnovoi jako impresjonista próbuje przedstawić nadejście upragnionej szczęśliwej przyszłości poprzez człowieczeństwo i spontaniczność towarzysza
Bug, przedstawia osobisty czas Buga, unikając czasu historycznego, ale nieubłagana rzeczywistość pokazuje prawdziwy stan rzeczy.
I stąd - przeciwstawiają się temu dwa tymczasowe plany: wyimaginowana przyszłość (lub kusząca przeszłość) i szpetna teraźniejszość.
Sen: „… początek to październik, a zakończenie to słoneczny wiek, a my do niego zmierzamy”. Rzeczywistość: upadek podstaw moralnych w społeczeństwie w latach rewolucyjnych; brak paliwa i wiele więcej; nierozwiązana kwestia narodowa (Rosjanie i Ukraińcy); prawdę o towarzyszu Żuczce.
Jeśli spróbujemy ustalić kompozycję opowiadania, dojdziemy do wniosku, że jej brakuje. Mówiąc dokładniej, nie ma klasycznej kompozycji z fabułą, rozwinięciem akcji, rozwiązaniem, ale są oddzielne pociągnięcia fabuły. A to bezpośrednio wskazuje na impresjonistyczny charakter kompozycji dzieła. Sam autor opowiadania ostrzega: „I nie spodziewasz się po mnie związania... Rozwiązania w gitarowych poetach…” Jakie kreski można dostrzec w kompozycji opowiadania? Uważam, że jest pięć głównych: wizerunek Towarzysza Buga; wojna domowa, pociąg towarowy; przypadkowe spotkanie lirycznego bohatera z towarzyszem Żuczkiem pod koniec wojny; "dyskusja"; prawdę o towarzyszu Żuczce. Te pociągnięcia nie są bezpośrednio ze sobą powiązane, ale jeśli spojrzeć na to wszystko razem, jest to coś więcej niż reliefowy obraz tego czasu. Na podstawie tych faktów można nawet prognozować rozwój społeczeństwa.
Jeśli chodzi o impresjonizm środków wizualnych, jest ich wiele. Oto tylko kilka uderzających przykładów.
Jak autor powieści przedstawia swojego głównego bohatera? Nie-impresjonista zacząłby to robić opisowo. M. Wołnowoj robi to inaczej: wydaje się, że nie mówi nic bezpośrednio o osobie, ale odnosimy pewne wrażenie: „Gapka jest głuchy, nie jesteśmy Gapką, tylko towarzyszem Żuczokiem. Tak jest, ale to jest głuche. Lub: „Ale haftowanie jest jasne, bo haftowanie: haftowanie złotem lub srebrem”, „Haftowane to pachnące słowo, jak to bywa we wrześniu lub trawa w maziach – trawa, gdy duch idzie z nią na zalaną turzycę”. Autor używa niezwykłych asocjacyjnych i natychmiastowych obrazów, aby przedstawić towarzysza Żuchkę: „Kot w butach”… ciepły i bliski, jak ręka z niebieską żyłą, jak przezroczysty wieczór w jesiennych czerwonkach.
Następny przykład. M. Volnovaya tylko nominalnymi zdaniami i dźwięcznymi słowami przedstawia całe zamieszanie długich lat wojny: „Płacz! Płakać! Płakać! Whoo! Whoo! Kawaler! Kawaler!
Płakać! Płakać! Płakać! Wschód. Zachód. Północ. Południe. Rosja. Ukraina. Syberia. Polska. Turkiestan, Gruzja. Białoruś.
Miesiąc, dwa, trzy, sześć, dwanaście... więcej, więcej, więcej... Whoo! Whoo! Kawaler! Kawaler!
Mijały miesiące”.
Dokąd poszedł „kot w butach” - towarzysze Żuczki? Bo „Towarzyszu Bug nr 1 nie jest”. Zamiast tego - nr 2, 3, 4 itd. Może zginęła w niekończących się wojnach, może zamieniła się, jak powiedział sam M. Khvylovy, w „bękarta świata”, a może została zwykłym biurokratą. Ale wyjątkowy obraz towarzysza Żuczki został zapamiętany przez autora na zawsze.
Artyści i rzeźbiarze, projektanci i architekci - wszyscy ci ludzie codziennie wnoszą piękno i harmonię do naszego życia. Dzięki nim oglądamy pomniki w muzeach, podziwiamy obrazy, zachwycamy się pięknem starożytnych budowli. Nowoczesna sztuka piękna nas zadziwia, sztuka klasyczna skłania do myślenia. Ale w każdym razie dzieła ludzkie otaczają nas wszędzie. Dlatego warto zrozumieć ten problem.
Sztuki piękne
Dzieła sztuki są przestrzenne. Oznacza to, że ma obiektywną formę, która nie zmienia się w czasie. I właśnie wyglądem tej formy wyróżnia się rodzaje sztuk plastycznych.
Można je podzielić na kilka kategorii. Na przykład według czasu pojawienia się. Do XIX wieku za główne uważano tylko trzy typy: rzeźbę, malarstwo i architekturę. Ale historia sztuk pięknych rozwinęła się i wkrótce dołączyła do nich grafika. Później wyróżniały się inne: dekoracyjne i użytkowe, teatralne i dekoracyjne, projektowe i inne.
Do tej pory nie ma zgody co do tego, jakie rodzaje dzieł sztuki należy wyróżnić. Ale jest kilka głównych, których istnienie nie budzi żadnych kontrowersji.
Obraz
Rysunek jest rodzajem sztuki, w której obrazy są przenoszone za pomocą barwników. Nakłada się je na twardą powierzchnię: płótno, szkło, papier, kamień i wiele innych.
Do malowania używa się różnych kolorów. Mogą to być oleje i akwarele, krzemiany i ceramika. W tym samym czasie jest obraz woskowy, emalia i inne. Zależy to od tego, jakie substancje są nakładane na powierzchnię i jak są tam mocowane.
W malarstwie istnieją dwa kierunki: sztalugowy i monumentalny. Pierwsza łączy wszystkie te prace, które powstają na różnych płótnach. Jej nazwa pochodzi od słowa „maszyna”, które odnosi się do sztalugi. Ale malarstwo monumentalne to sztuka piękna, która jest reprodukowana na różnych konstrukcjach architektonicznych. Są to wszelkiego rodzaju świątynie, zamki, kościoły.
Architektura
Budownictwo to monumentalna forma sztuki wizualnej, której celem jest wznoszenie budynków. Jest to praktycznie jedyna kategoria, która ma nie tylko walory estetyczne, ale także pełni funkcje praktyczne. W końcu architektura oznacza wznoszenie budynków i budowli dla życia i działalności ludzi.
Nie odtwarza rzeczywistości, ale wyraża pragnienia i potrzeby ludzkości. Dlatego najlepiej przez nią prześledzić historię sztuk pięknych. W różnych czasach sposób życia i wyobrażenia o pięknie były bardzo różne. Z tego powodu architektura pozwala prześledzić bieg myśli ludzkiej.
Gatunek ten jest również bardzo zależny od środowiska. Na przykład na kształt obiektów architektonicznych mają wpływ warunki klimatyczne i geograficzne, charakter krajobrazu i wiele innych czynników.
Rzeźba
To starożytna sztuka piękna, której próbki mają trójwymiarowy wygląd. Wykonuje się je przez odlewanie, dłutowanie, rąbanie.
Zasadniczo do wykonywania rzeźb używa się kamienia, brązu, drewna lub marmuru. Ale ostatnio beton, plastik i inne sztuczne materiały zyskały nie mniejszą popularność.
Rzeźba ma dwie główne odmiany. Jest okrągły lub wytłaczany. W tym przypadku drugi typ dzieli się na wysoki, niski i wpuszczany.
Podobnie jak w malarstwie, w rzeźbie istnieją kierunki monumentalne i sztalugowe. Ale osobno wyróżnia się także dekoracyjność. Monumentalne rzeźby w formie pomników i pomników zdobią ulice, wyznaczają ważne miejsca. Sztaluga służąca do dekoracji lokalu od wewnątrz. A ozdobne zdobią codzienność jak małe przedmioty z małego plastiku.
Grafika
Jest to sztuka dekoracyjna, na którą składają się rysunki i odbitki artystyczne. Grafika różni się od malarstwa zastosowanymi materiałami, technikami i formami. Do tworzenia rycin lub litografii używa się specjalnych maszyn i urządzeń do drukowania obrazów. A rysunki są wykonane tuszem, ołówkiem i innymi podobnymi materiałami, które pozwalają odtworzyć kształty przedmiotów, ich oświetlenie.
Grafika może być sztalugowa, książkowa i aplikacyjna. Pierwszy powstaje dzięki specjalnym urządzeniom. Są to ryciny, rysunki, szkice. Drugi zdobi strony książek lub ich okładki. A trzeci to wszelkiego rodzaju etykiety, opakowania, marki.
Pierwszymi dziełami grafiki są malowidła naskalne. Ale jego największym osiągnięciem jest malowanie wazonów w starożytnej Grecji.
Sztuka i Rzemiosło
Jest to szczególny rodzaj działalności twórczej, która polega na tworzeniu różnych artykułów gospodarstwa domowego. Zaspokajają nasze potrzeby estetyczne i często pełnią funkcje użytkowe. Co więcej, wcześniej zostały wykonane właśnie ze względów praktycznych.
Nie każda wystawa dzieł sztuki może pochwalić się obecnością rękodzieła artystycznego, ale są one w każdym domu. Są to wyroby jubilerskie i ceramiczne, malowane szkło, hafty i wiele innych.
Sztuka piękna i użytkowa odzwierciedla przede wszystkim charakter narodowy. Faktem jest, że jego ważnym elementem jest rzemiosło sztuki ludowej. A te z kolei opierają się na zwyczajach, tradycjach, wierzeniach i sposobie życia ludzi.
Od sztuki teatralnej i dekoracyjnej po design
W całej historii pojawia się coraz więcej nowych rodzajów dzieł sztuki. Wraz z powstaniem pierwszej świątyni Melpomeny narodziła się sztuka teatralna i zdobnicza, która polegała na wytwarzaniu rekwizytów, kostiumów, scenografii, a nawet charakteryzacji.
A dizajn, jako jedna z form sztuki, choć pojawił się już w starożytności, dopiero niedawno został wyodrębniony jako osobna kategoria, posiadająca własne prawa, techniki i cechy.
Gatunki sztuki
Każda praca wychodząca spod pióra, młotka czy ołówka mistrza poświęcona jest konkretnemu tematowi. W końcu tworząc ją, twórca chciał przekazać swoje myśli, uczucia, a nawet fabułę. Zgodnie z tymi cechami wyróżnia się gatunki sztuk pięknych.
Po raz pierwszy o jakiejkolwiek systematyzacji ogromnej ilości dziedzictwa kulturowego pomyślano w Holandii w XVI wieku. W tym czasie wyróżniano tylko dwie kategorie: gatunki wysokie i niskie. Pierwsza obejmowała wszystko, co przyczyniło się do duchowego wzbogacenia osoby. Były to prace poświęcone mitom, religii, wydarzeniom historycznym. A do drugiego - rzeczy związane z życiem codziennym. Są to ludzie, przedmioty, przyroda.
Gatunki to formy pokazywania życia w sztukach wizualnych. A wraz z nią zmieniają się, rozwijają i ewoluują. Mijają całe epoki sztuk pięknych, jedne gatunki nabierają nowego znaczenia, inne umierają, inne się rodzą. Ale istnieje kilka głównych, które przeszły przez wieki i nadal istnieją z powodzeniem.
Historia i mitologia
Wysokie gatunki w renesansie obejmowały historyczne i mitologiczne. Uważano, że nie były przeznaczone dla zwykłego laika, ale dla osoby o wysokim poziomie kultury.
Gatunek historyczny jest jednym z głównych w sztukach wizualnych. Poświęcona jest odtwarzaniu tych wydarzeń z przeszłości i teraźniejszości, które mają ogromne znaczenie dla narodu, kraju lub odrębnej miejscowości. Jego fundamenty zostały położone w starożytnym Egipcie. Ale w pełni ukształtował się już we Włoszech, w okresie renesansu, w dziełach Uccelo.
Gatunek mitologiczny obejmuje te dzieła sztuki, które odzwierciedlają legendarne wątki. Już w sztuce starożytnej pojawiły się jej pierwsze przykłady, kiedy eposy stały się zwykłymi pouczającymi opowieściami. Ale najbardziej znane są dzieła renesansu. Na przykład freski Rafaela czy obrazy Botticellego.
Fabuły dzieł sztuki z gatunku religijnego to różne epizody z Ewangelii, Biblii i innych podobnych ksiąg. W malarstwie jego słynnymi mistrzami byli Rafael i Michał Anioł. Ale gatunek ten znalazł również swoje odzwierciedlenie w rycinach, rzeźbie, a nawet architekturze, biorąc pod uwagę budowę świątyń i kościołów.
Wojna i życie
Wojna pokazowa w sztuce rozpoczęła się w starożytności. Ale ten temat był aktywnie rozwijany w XVI wieku. Wszelkiego rodzaju kampanie, bitwy i zwycięstwa znajdowały wyraz w ówczesnych rzeźbach, obrazach, rycinach i gobelinach. Dzieła sztuki na ten temat nazywają gatunkiem bitewnym. Samo słowo ma francuskie korzenie i tłumaczy się jako „wojna”. Artyści, którzy malują takie obrazy, nazywani są malarzami bitewnymi.
Natomiast w sztukach wizualnych istnieje codzienny gatunek. Jest to praca odzwierciedlająca codzienność. Trudno prześledzić historię tego kierunku, ponieważ gdy tylko człowiek nauczył się posługiwać narzędziami, zaczął uwieczniać swoją surową codzienność. Gatunek codzienności w sztukach wizualnych pozwala zapoznać się z wydarzeniami, które miały miejsce tysiące lat temu.
Ludzie i przyroda
Portret jest przedstawieniem osoby w sztuce. To jeden z najstarszych gatunków. Ciekawostką jest, że początkowo miał on znaczenie kultowe. Portrety identyfikowano z duszą zmarłej osoby. Ale kultura sztuk pięknych rozwinęła się i dzisiaj ten gatunek pozwala nam zobaczyć wizerunki ludzi z minionych epok. Co daje wyobrażenie o ubiorze, modzie i gustach tamtych czasów.
Krajobraz to gatunek sztuki, w którym głównym przedmiotem jest natura. Wywodzi się z Holandii. Ale samo malarstwo pejzażowe jest bardzo różnorodne. Może wyświetlać zarówno prawdziwą, jak i fantastyczną naturę. W zależności od rodzaju obrazu wyróżnia się krajobrazy wiejskie i miejskie. Ta ostatnia obejmuje takie podgatunki jak industrial i veduta. Ponadto mówią o istnieniu krajobrazów panoramicznych i kameralnych.
Wyróżnia się również gatunek animacji. Są to dzieła sztuki przedstawiające zwierzęta.
Motyw morski
Pejzaże morskie reprezentują przede wszystkim wczesne malarstwo holenderskie. Sztuki piękne tego kraju dały początek samemu gatunkowi marina. Charakteryzuje się odbiciami morza we wszystkich formach. Morscy artyści malują kipiące żywioły i spokojną taflę wody, hałaśliwe bitwy i samotne żaglowce. Pierwszy obraz tego gatunku pochodzi z XVI wieku. Na nim Cornelis Antonis przedstawił portugalską flotę.
Choć marina to bardziej gatunek malarski, motywy wodne można znaleźć nie tylko w obrazach. Na przykład sztuki dekoracyjne i wizualne często wykorzystują elementy pejzaży morskich. Mogą to być gobeliny, biżuteria, ryciny.
Rzeczy
Martwa natura - głównie także gatunek malarstwa. Jego nazwa jest tłumaczona z francuskiego jako „martwa natura”. W rzeczywistości bohaterami martwych natur są różne przedmioty nieożywione. Zwykle są to rzeczy codziennego użytku, a także warzywa, owoce i kwiaty.
Za główną cechę martwej natury można uznać jej pozorny brak fabuły. Niemniej jednak jest to gatunek filozoficzny, który przez cały czas odzwierciedlał związek między człowiekiem a światem zewnętrznym.
Prototypy martwych natur odnaleźć można w monumentalnym malarstwie Pompejów. Później ten gatunek stał się częścią innych obrazów. Na przykład obrazy religijne. Ale kryjąca się za nią nazwa powstała dopiero w XVI wieku.
Sztuka piękna jest sposobem poznawania rzeczywistości i miejsca w niej człowieka. Pozwala odtworzyć rzeczywistość za pomocą różnych obrazów wizualnych. Dzieła tej sztuki znajdują swoje miejsce nie tylko w muzeach czy na wystawach, ale także na ulicach miast, w domach i bibliotekach, książkach, a nawet kopertach. Są wokół nas. Przynajmniej możemy nauczyć się doceniać, rozumieć i chronić to niesamowite dziedzictwo, które odziedziczyliśmy po wielkich mistrzach minionych epok.