Opis prezentacji na poszczególnych slajdach:
1 slajd
Opis slajdu:
Gatunek gospodarstwa domowego w sztuce XIX wieku. Lekcja plastyki klasa VII. Opracowany przez nauczyciela sztuk plastycznych MBOU „Gimnazjum Ekonomiczne”
2 slajdy
Opis slajdu:
gatunek domowy. Gatunek codzienny w sztuce to przedstawianie scen i zdarzeń zaczerpniętych z życia codziennego, odzwierciedlających etapy życia człowieka od narodzin do śmierci, jego pracy, odpoczynku, rozrywki.Termin pochodzi od francuskiego słowa – rodzaj, rasa, styl.
3 slajdy
Opis slajdu:
O czym mówi zdjęcie gospodarstwa domowego? O CZYM MÓWI ZDJĘCIE GOSPODARSTWA DOMOWEGO? Jeśli gatunek historyczny zwraca się ku przeszłości, to gatunek codzienny zwraca się ku teraźniejszości, ku życiu codziennemu, współczesnemu artyście. Codzienny gatunek jest często nazywany po prostu gatunkiem, a codzienne obrazy - gatunkiem. Wydawałoby się, że co może być interesującego na obrazie zwykłego, niczym nie wyróżniającego się życia? Ale po pierwsze to, co zwyczajne dla artysty XVII wieku, może być ciekawe dla widza XXI wieku - otrzymujemy możliwość obserwacji życia minionych epok. A po drugie, oczywiście, od dawna stało się dla ciebie jasne, że fabuła i fabuła nie są najważniejsze w obrazie. Chociaż tylko w malarstwie rodzajowym, często można znaleźć zabawne historie. Gatunek gospodarstwa domowego pojawił się w Holandii, gdzie w XVII wieku ludzie prowadzili spokojne, wyważone życie i wcale nie byli zainteresowani ozdabianiem swoich skromnych mieszkań portretami królów czy obrazami mitologicznymi. Cieszyły się, widząc na obrazku swoje własne życie, swoje pokoje, swoje zajęcia i czas wolny – podziwiały więc siebie i swoje życie, tak jak my dziś podziwiamy np. mistrzowsko wykonaną fotografię naszego pokoju, czy ukochanego kota w fotelu lub z przyjaciółmi zebranymi na pogawędkę przy filiżance herbaty.
4 slajdy
Opis slajdu:
Wędrowcy. Wędrowcy byli bliscy idei rewolucyjnych demokratów, tezy Czernyszewskiego - "piękne jest życie", pojmowali swoją sztukę jako obowiązek wobec narodu i Ojczyzny. I dlatego wiodącymi gatunkami są historyczne, codzienne, portretowe, pejzażowe. Sceny z historii narodowej (czasem tak ostro odczytywane w kontekście ustroju politycznego i życia społecznego w drugiej połowie XIX wieku Imperium Rosyjskiego), realistyczny opis życia i życia ludzi, portret psychologiczny z którego na widza patrzy sumienie narodu - przedstawiciele inteligencji i chłopów, bliskie sercu obrazy rodzimej przyrody to główne tematy zaawansowanej sztuki rosyjskiej. Wędrowcy otrzymali wsparcie ideologiczne w osobie teoretyka i krytyka V.V. Stasova, znaczące wsparcie materialne w osobie P.I. Trietiakowa. Każda z tych dziedzin malarstwa w XIX wieku miała znaczący wpływ na przyszłą kulturę Europy, niektóre były ważne jedynie dla rozwoju sztuki, inne stały się pewnym czynnikiem społecznym w kształtowaniu opinii publicznej, a nawet światopoglądu koniec XIX i początek XX wieku.
5 slajdów
Opis slajdu:
Aleksiej Wenecjanow. W malarstwie rosyjskim Venetsianov stał się pierwszym mistrzem gatunku domowego. Przedstawił dobrze znane mu chłopskie życie. Często na obrazach Wenecjanowa osoba jest otoczona naturą. Na obrazie „Na polu uprawnym. Wiosna” kobieta prowadzi za uzdę dwa konie zaprzężone w bronę – ogromne grabie spulchniające ziemię. A na skraju pola siedzi dziecko zajęte zabawą. Aleksiej Wenecjanow. Na gruntach ornych. Wiosna. 1820 Płótno, olej. 51,2x65,5. Państwowa Galeria Trietiakowska W tej kompozycji jest jedna dysproporcja: wieśniaczka jest wyższa od koni, ale to są prawdziwe, duże konie robocze, a nie kucyki. Cóż, okazuje się, że artysta nie wiedział, jak zgodnie z prawdą przedstawić postać ludzką lub konia? Zupełnie nie. Zobaczcie, jak nasza bohaterka stąpa bosymi stopami po zaoranej ziemi – płynnie, lekko, jakby tańczyła. Ale czy pracujące wieśniaczki chodzą boso po gruntach ornych? A dziecko bawi się letnimi kwiatami, chabrami, których wiosną nie ma. To poetycki świat, w którym wieśniaczka jest jak bogini, chodzi po ziemi jak miękka chmura. A zwykły rosyjski krajobraz z polem i wysokim niebem wydaje się być przekształcony i nabiera majestatycznych cech.
6 slajdów
Opis slajdu:
Obraz Picie herbaty w Mytiszczach, Krótki opis Obraz Picie herbaty w Mytiszczach został namalowany przez Perowa w 1862 roku na zlecenie administracji miasta Mytiszczi. W maju 1775 r. Carycy Katarzynie 2, która w tym czasie postanowiła odwiedzić Ławrę św. Sergiusza, na trasie orszaku królewskiej eskorty w rejonie Mytiszczów, zaproponowano jej ugaszenie pragnienia w jednym z wiele źródeł Mytiszczi dostarcza wodę do Moskwy. Picie herbaty w Mytiszczach było uważane za dobrą formę z niezwykle smacznej wody ze źródeł na terenie Mytiszczów. Fabuła Herbacianego przyjęcia w Mytiszczach oparta była na prawdziwych wydarzeniach, które Perow często obserwował na różnych przedmieściach Moskwy ważnych i zadowolonych z siebie mnichów pijących herbatę, nieraz artysta widział obdartych kalek żebrzących na ulicach w pobliżu majątków, którzy zwykle przegoniony przez pokojówki. Obraz Herbaciane przyjęcie w Mytiszczach Perowa jest odkrywczym obrazem rodzajowym, w którym artysta starał się szczegółowo opisać rzeczywiste wydarzenia z tamtych czasów, jakby szydził z sytej i chichoczącej publiczności poddanej Rosji. Próbując uciec od malarstwa akademickiego, Perov odbił obraz Tea Party w szaro-brązowych odcieniach, jakby pokazując tę nudę codzienności swoimi środkami obrazkowymi. Picie herbaty w Mytiszczi wywarło ogromne wrażenie na ówczesnej postępowej publiczności na wystawach w Moskwie i Petersburgu, współczesnych nazywano Perowa malarzem satyrycznym z głębokim zrozumieniem języka rosyjskiego
7 slajdów
Opis slajdu:
Malarstwo „Trojka” Perow Malarstwo Trojka. żywo odzwierciedla te straszne czasy, kiedy praca dzieci była uważana za codzienność. Zimno i głód zmusiły te dzieci do pracy za grosze, aby wyżywić siebie i swoje rodziny. Zmęczone wygórowanym ciężarem dzieci wyciągają z rzeki dużą beczkę wypełnioną wodą, ich ścieżka biegnie wzdłuż nudnych murów klasztoru. Jakiś przechodzień, widząc dzieci przy tak katorżniczej pracy, postanowił pomóc, pchając od tyłu ciężki bagaż. Perow namalował obraz Trojki w brązowo-szarych odcieniach zmierzchu, jakby pokazując widzowi całą nudę i podłość tego bezdusznego czasu, porównując dzieci z trójką zaprzęgniętych koni, których praca jest bezwzględnie wykorzystywana przez bogatych i dobrze odżywionych ludzi . Obraz Perowa Trojka został wymyślony przez artystę, aby otworzyć ludziom oczy na rzeczywistość, co pomaga współczuć i eliminować ludzką bezduszność.
8 slajdów
Opis slajdu:
Wozidła barek na Wołdze Ilya Repin. Wozidła barek na Wołdze opis obrazu Repina 1870-1873 Słynny obraz Ilji Efimowicza Repin Wozidła barek na Wołdze, artysta namalował go w latach 1870-1873. Ilja Efimowicz został zainspirowany do namalowania obrazu Wozidła barek na Wołdze przez jego wyprawę do szkiców wzdłuż Newy, w okolicach Ust-Iżory w 1869 roku. Ciesząc się pięknem przyrody, artystę bardzo poruszyło życie zwykłych ludzi, holowników barek ciągnących ciężką barkę. Zmęczeni, brudni tragarze barek w podartych ubraniach bardzo kontrastowali z bogatą i pompatycznie odzianą publicznością, stojącą zwykle niedaleko brzegu. Cała ta scena bardzo poruszyła malarza, budząc w jego duszy współczucie i litość dla tych ludzi. I dlaczego nie ucieleśnić tej fabuły na płótnie, pomyślał Ilja Efimowicz, jadąc wozidłami Barki, zdając sobie z góry sprawę, że ten obraz będzie miał wielu krytyków, zwłaszcza że pomysł na obraz może wzbudzić w widzu współczucie i litość dla tych nędzarzy.
9 slajdów
Opis slajdu:
Pańszczyzna to już przeszłość, ale dla przeciętnego Rosjanina nic się nie zmienia. Obraz Makowskiego Data - napisany w 1883 roku i jest żywym przykładem malarstwa rosyjskiego. Jak większość innych prac artysty, poświęcona jest trudnemu życiu chłopów tamtej epoki. Chłopi nadal muszą pracować dla obszarników za grosze, a synów posyłają na naukę do warsztatów miejskich. Ale raz w dziwnej rodzinie dzieci żyją niezwykle ciężko. Odseparowani od rodziny, wciąż biedni - z trudem przeżywają z dnia na dzień, pracują do wyczerpania i są nieustannie niedożywieni. To właśnie te aspekty życia opisuje Makovsky. Na małym płótnie twórca przedstawia całą epokę. Widzimy dwie bezimienne postacie: nastoletnie dziecko i jego matkę, która przyjechała odwiedzić syna. Nie wiemy, kim są te postacie, ale rozumiemy, że można w nich rozpoznać większość ówczesnych rodzin. Bohaterowie wżerają się w pamięć, zostawiając ślad w duszy widza: martwimy się o los tych ludzi, ale rozumiemy, że nie możemy nic zrobić, by pomóc. I to mnie tak martwi...
10 slajdów
Jan Vermeer Delft POKOJÓWKA Z DZBANKIEM MLEKA Ok. 1658 Amsterdam (Holandia), Rijksmuseum
Za prekursorów dzieł gatunku codziennego można uznać malowidła naskalne wykonane przez ludy prymitywne, przedstawiające sceny polowań, rytualne tańce i procesje. Niektóre obrazy grobowców egipskich i etruskich również miały charakter rodzajowy: uprawa roli, zbieranie owoców i warzyw, polowanie, łowienie ryb i ucztowanie. Uważano, że te obrazy zapewniały zmarłemu bogate i dobrze odżywione życie pozagrobowe. Sceny z życia codziennego zdobiły również antyczne greckie wazy.
W renesansie wiele dzieł historycznych nabrało wyraźnego charakteru gatunkowego: legendarne wydarzenia były często „przenoszone” do teraźniejszości i nasycane wieloma codziennymi szczegółami. A na Rusi gatunek ten pojawił się po raz pierwszy w miniaturze książkowej i został nazwany „listami codziennymi”.
PIERWSI ARTYŚCI GATUNKU W EUROPIE
Jan Vermeer z Delft DZIEWCZYNA Z LISTEM PRZY OTWARTYM OKNIE lata 50. XVII wieku Drezno, Galeria Starych Mistrzów
Hieronim Bosch, wielki holenderski malarz żyjący na przełomie XV-XVI wieku i włoski artysta XVI wieku, są uważani za twórców gatunku codzienności w sztuce europejskiej. Caravaggio (pełna nazwa - Michelangelo Merisi da Caravaggio). Ale w niezależnym gatunku malarstwo codzienne powstało dopiero w XVII wieku. w Holandii, która niedawno uzyskała niepodległość i założyła pierwszą republikę burżuazyjną. Po wielu latach rządów hiszpańskich artyści szczególnie odczuli urok cichego, spokojnego życia i zaczęli śpiewać o najprostszych czynnościach – opiece nad dziećmi, sprzątaniu pokoju, czytaniu listów.
Jednym z najbardziej znanych mistrzów jest Jan Vermeer. Ulubioną postacią mistrza jest kobieta pogrążona w domowych obowiązkach, jak na przykład bohaterka słynnego obrazu „Sługa z dzbanem mleka”.
GATUNEK DOMOWY W ROSJI
rocznie Fedotov DOPASOWANIE MAJORA 1848 Moskwa, Państwowa Galeria Trietiakowska
W Rosji K. P. Bryullov (jego „włoska seria”) i A. G. Venetsianov, który całą swoją pracę poświęcił życiu rosyjskich chłopów, byli jednymi z pierwszych, którzy zwrócili się ku codziennemu gatunkowi.
Satyryczną nutę w malarstwie rodzajowym wprowadził PA Fedotov. Jego obraz „Swatanie majora” to zabawna opowieść o zbankrutowanym oficerze, który chcąc poprawić swój byt, zamierza poślubić córkę kupca.
Poświęcony codziennemu życiu prywatnemu i publicznemu (zwykle artysta współczesny). Sceny codzienne („rodzajowe”), znane w sztuce od czasów starożytnych, wyróżniały się jako gatunek szczególny w epoce feudalnej (w krajach Dalekiego Wschodu) iw okresie kształtowania się społeczeństwa burżuazyjnego (w Europie). Rozkwit gatunku codzienności współczesności wiąże się z rozwojem demokratycznych i realistycznych nurtów artystycznych, z odwołaniem się artystów do przedstawiania pracy i życia ludowego. Obrazy o tematyce codziennej obecne były już w sztuce prymitywnej (sceny polowań, procesje), w starożytnym malarstwie i płaskorzeźbie orientalnej (przedstawienia z życia królów, szlachty, rzemieślników, rolników), w starożytnym greckim malarstwie wazowym i płaskorzeźbach, gdzie były często zawarte w mitycznych kompozycjach lub scenach życia pozagrobowego. Zajmowały one znaczące miejsce w sztuce hellenistycznej i starożytnego Rzymu (obrazy, mozaiki, rzeźba). W średniowiecznej sztuce Europy i Azji sceny rodzajowe często wplatane były w kompozycje religijne i alegoryczne (obrazy, płaskorzeźby, miniatury). Od IV wieku rozwinęło się malarstwo rodzajowe Dalekiego Wschodu (Chiny, później Korea, Japonia).
W codziennym gatunku rosyjskiego realizmu krytycznego ukazanie feudalnego stylu życia i współczucie dla pokrzywdzonych zostało uzupełnione głębokim i dokładnym wniknięciem w duchowy świat bohaterów, szczegółową narracją i szczegółowym dramatycznym rozwinięciem fabuły . Cechy te wyraźnie zamanifestowały się w połowie XIX wieku. na obrazach P. A. Fiedotowa, pełnych płonącej kpiny i bólu, na rysunkach A. Agina i T. G. Szewczenki, były postrzegane w latach 60. XIX wieku. gatunek-demokraci - V. G. Perov, P. M. Shmelkov, którzy połączyli bezpośrednie i ostre dziennikarstwo z głębokim lirycznym doświadczeniem tragedii życiowych chłopstwa i miejskiej biedoty. Na tej podstawie wyrósł codzienny gatunek Wędrowców, który odegrał wiodącą rolę w ich sztuce, która wyłącznie w pełni i wiernie odzwierciedlała życie ludowe drugiej połowy XIX wieku, intensywnie pojmując jego wzorce społeczne. Szczegółowy obraz życia wszystkich warstw rosyjskiego społeczeństwa dali G. G. Miasojedow, W. M. Maksimow, K. A. Sawicki, W. E. Makowski oraz – ze szczególną głębią i zakresem – I. E. Repin, który ukazał nie tylko barbarzyński ucisk ludu, ale także bojownicy o jego wyzwolenie, potężna żywotność ukryta w ludziach. Taka rozpiętość zadań obrazu rodzajowego często zbliżała go do kompozycji historycznej. Na obrazach N. A. Yaroshenko, N. A. Kasatkina, S. V. Ivanova, A. E. Arkhipova na przełomie XIX i XX wieku. odzwierciedlał rozwarstwienie wsi, życie klasy robotniczej. codzienny gatunek Wędrowców znalazł szeroki oddźwięk w sztuce Ukrainy (N. K. Pimonenko, K. K. Kostandi), Białorusi (Yu. M. Pen), Łotwy (Y. M. Rozental, Y. T. Valter), Gruzji (G I. Gabashvili, A. R. Mrevlishvili ), Armenii (E. M. Tatevosyan) i in. Sukcesy realizmu demokratycznego w gatunku codzienności XIX wieku. były związane z kształtowaniem się i powstaniem kultury artystycznej wielu narodów w toku ich walki o wyzwolenie narodowe i społeczne (M. Munkacsy na Węgrzech, K. Purkin w Czechach, A. i M. Gerymsky oraz Y. Chelmonsky w Polsce, N. Grigorescu w Rumunii, I. Myrkvichka w Bułgarii, D. Skutetsky na Słowacji, J. F. de Almeida Junior w Brazylii, L. Romagnach na Kubie). Cechy gatunkowo-codzienne widoczne są także w pejzażu portretowym, malarstwie historycznym i batalistycznym. Jednocześnie gatunek codzienności bywa przesycony moralnością religijno-patriarchalną lub mieszczańską, cechami idyllicznymi lub rozrywkowymi. Osłabienie tendencji społecznie krytycznych zaznaczyło się w twórczości wielu czołowych malarzy gatunkowych (J. Bastien-Lepage, L. Lermitte we Francji, L. Knaus, B. Vautier w Niemczech, K. E. Makovsky w Rosji). Artyści związani z impresjonizmem (E. Manet, E. Degas, O. Renoir we Francji), w latach 60.-80. zapewnili nowy rodzaj malarstwa rodzajowego, w którym starali się uchwycić niejako przypadkowy, fragmentaryczny aspekt życia, ostrą specyfikę wyglądu postaci, jedność ludzi i ich naturalnego środowiska. Tendencje te dały impuls do swobodniejszej interpretacji gatunku codzienności, bezpośredniego obrazowego postrzegania codziennych scen (M. Lieberman w Niemczech, E. Werenschell, K. Krogh w Norwegii, A. Zorn, E. Yousefson w Szwecji, W. Sickert w Wielkiej Brytanii, T. Aikins w USA, V. A. Serov, F. A. Malyavin, K. F. Yuon w Rosji).
Na przełomie XIX-XX wieku. w sztuce symbolizmu i stylu „nowoczesnym” następuje zerwanie z tradycją XIX-wiecznego gatunku codziennego. Codzienne sceny traktowane są jako ponadczasowe symbole; żywotna konkretność obrazu ustępuje miejsca monumentalnym i dekoracyjnym zadaniom (E. Munch w Norwegii, F. Hodler w Szwajcarii, P. Gauguin we Francji, V. E. Borisov-Musatov w Rosji).
Tradycje realistycznego gatunku codziennego XIX wieku. zostały zebrane w XX wieku. artyści, którzy starali się odsłonić sprzeczności kapitalizmu, ukazać odporność, wewnętrzną siłę i duchowe piękno ludzi od ludu (T. Steinlen we Francji, F. Brangvin w Wielkiej Brytanii, K. Kollwitz w Niemczech, D. Rivera w Meksyku , J. Bellows w USA, F. Mazerel w Belgii, D. Derkovich na Węgrzech, N. Balkansky w Bułgarii, S. Lukyan w Rumunii, M. Galand na Słowacji itp.). Po II wojnie światowej 1939-45 kierunek ten kontynuowali mistrzowie neorealizmu – R. Guttuso, A. Pizzinato i inni we Włoszech, A. Fougeron i B. Taslitsky we Francji, Ueno Makoto w Japonii. Cechą charakterystyczną gatunku codzienności było połączenie przenikliwie dostrzeganych cech codzienności z uogólnieniem, często symboliką obrazów i sytuacji. W wyzwolonych i rozwijających się krajach Azji i Afryki rozwinęły się oryginalne szkoły narodowego gatunku codziennego, wznoszące się od imitacji i stylizacji do głębokiego uogólnionego odzwierciedlenia sposobu życia ich ludów (A. Sher-Gil, K. K. Hebbar w Indiach, K. Affandi w Indonezji, M Sabri w Iraku, A. Tekle w Etiopii, rzeźbiarze Kofi Antubam w Ghanie, F. Idubor w Nigerii). Artyści nurtu modernistycznego – pop-artu i hiperrealizmu – czasami sięgają po sceny z życia codziennego, ale ich twórczość nie wykracza poza bierne utrwalanie fragmentów rzeczywistości wyrwanych z kontekstu realnego życia.
Po Rewolucji Październikowej 1917 r. gatunek codzienności nabrał w Rosji Sowieckiej nowych cech, determinowanych przez formowanie się i rozwój społeczeństwa socjalistycznego – optymizm historyczny, twierdzenie o bezinteresownej wolnej pracy i nowy sposób życia oparty na jedności życia społecznego i osobistego. zasady. Ta jedność doprowadziła do ścisłego związku między gatunkiem codziennym a gatunkiem historycznym, które często się przeplatają. Gatunek codzienny odegrał główną rolę w kształtowaniu się sztuki radzieckiej, odzwierciedlając na wiele sposobów budowanie socjalizmu i komunizmu oraz kształtowanie duchowego świata narodu radzieckiego. Od pierwszych lat władzy radzieckiej artyści (B. M. Kustodiew, I. A. Władimirow) starali się uchwycić zmiany, jakie rewolucja wniosła do życia kraju. w latach 20. stowarzyszenie AHRR zorganizowało szereg wystaw poświęconych sowieckiemu życiu, a jego mistrzowie (E. M. Cheptsov, G. G. Ryazhsky, A. V. Moravov, B. V. Ioganson) stworzyli szereg wiarygodnych typowych obrazów przedstawiających nowe relacje między ludźmi. Artyści stowarzyszenia OST (A. A. Deineka, Yu. I. Pimenov) stworzyli specjalny rodzaj obrazów poświęconych budownictwu, pracy i sportowi, w których generalnie wyrażali nowe cechy wyglądu i życia narodu radzieckiego; poetyckie obrazy tradycyjnego i nowego życia wykonali P. V. Kuzniecow, M. S. Saryan, P. P. Konczałowski, K. S. Petrov-Vodkin. Gatunek gospodarstwa domowego z lat 30. potwierdził radosne, świąteczne postrzeganie życia (S. V. Gerasimov, A. A. Plastov, T. G. Gaponenko, V. G. Odintsov, F. G. Krichevsky). Ciężkie życie z przodu iz tyłu podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej w latach 1941-45 znalazło odzwierciedlenie w sowieckim gatunku codziennym (Yu. M. Neprintsev, B. M. Nemensky, A. I. Laktionov, V. N. Kostetsky, A. F. Pakhomov, L V. Soyfertis), entuzjazm dla zbiorowej pracy i życia społecznego, typowe cechy codziennego stylu życia w latach powojennych (T. N. Yablonskaya, S. A. Chuikov, F. P. Reshetnikov, S. A. Grigoriev, U. M. Dzhaparidze , E. F. Kalnyn, L. A. Ilyina). Od drugiej połowy lat 50. na obrazach G. M. Korzheva, V. I. Ivanova, E. E. Moiseenko, V. E. Popkova, T. T. Salakhova, D. D. Żylińskiego, E. K. Iltnera, I. A. Zarina, I. N. Klycheva, N. I. Andronova, A. P. i S. P. Tkachevs, T. R. Mirzashvili, S. M. Muradyan, ryciny G. F. Zacharow, V. M. Yurkunas, V V. Tolly codzienne życie ludzi wydaje się bogate i złożone, pełne wspaniałych myśli i doświadczeń. Dzieła gatunku domowego z lat 60-80. często służą do wyrażania głębokich filozoficznych przemyśleń na temat życia.
Ważny wkład w rozwój gatunku realistycznej codzienności wnieśli artyści krajów socjalistycznych, którzy barwnie odzwierciedlili kształtowanie się nowych stosunków społecznych w życiu swoich narodów, ukazując charakterystyczne cechy życia narodowego (K. Baba w Rumunii , S. Venev w Bułgarii, V. Vomaka w NRD, M. Benka, L. Fulla w Czechosłowacji, Nguyen Duc Nung w Wietnamie, Kim Yongjun w KRLD, Jiang Zhaohe w ChRL).
Lit.: N. Apraksina, Malarstwo domowe, L., 1959; B. M. Nikiforov, Malarstwo rodzajowe, M., 1961; Rosyjskie malarstwo rodzajowe XIX wieku. [Album reprodukcji, M., 1961]; Rosyjskie malarstwo rodzajowe XIX - początku XX wieku, M., 1964; [MI. J. Fechner, Holenderskie malarstwo rodzajowe XVII wieku. w stanie Ermitaż, Moskwa, 1979; Brieger L., Das Genrebild. Eine Entwicklung der bürgerlichen Malerei, Münch., ; Hütt W., Das Genrebild, Drezno, .
). Jednak w ramach tego artykułu rozważymy tylko sztukę przedmiotową.
Historycznie wszystkie gatunki dzieliły się na wysokie i niskie. DO wysoki gatunek lub malarstwo historyczne obejmowało dzieła o charakterze monumentalnym, niosące jakąś moralność, znaczącą ideę, ukazujące wydarzenia historyczne, militarne związane z religią, mitologią lub fikcją.
DO niski gatunek obejmowało wszystko, co dotyczy życia codziennego. Są to martwe natury, portrety, malarstwo codzienne, pejzaże, animalizm, wizerunki nagich ludzi i tak dalej.
Animalizm (łac. zwierzę - zwierzę)
Gatunek zwierzęcy powstał w starożytności, kiedy pierwsi ludzie malowali na skałach drapieżne zwierzęta. Stopniowo kierunek ten przekształcił się w niezależny gatunek, sugerujący wyrazisty obraz wszelkich zwierząt. Animaliści zwykle wykazują duże zainteresowanie światem zwierząt, na przykład mogą być doskonałymi jeźdźcami, hodować zwierzęta domowe lub po prostu długo studiować ich zwyczaje. W wyniku intencji artysty zwierzęta mogą wyglądać realistycznie lub w formie artystycznych obrazów.
Wśród rosyjskich artystów wielu było dobrze zorientowanych w koniach, na przykład i. Tak więc na słynnym obrazie Vasnetsova „Bohaterowie” bohaterskie konie są przedstawiane z największą wprawą: kolory, zachowanie zwierząt, uzdy i ich związek z jeźdźcami są dokładnie przemyślane. Sierow nie lubił ludzi i uważał konia pod wieloma względami za lepszego od człowieka, dlatego często przedstawiał go w różnych scenach. chociaż malował zwierzęta, nie uważał się za malarza zwierząt, więc niedźwiedzie na jego słynnym obrazie „Poranek w sosnowym lesie” zostały stworzone przez malarza zwierząt K. Savitsky'ego.
W czasach carskich szczególnie popularne stały się portrety z bliskimi człowiekowi zwierzakami. Na przykład na zdjęciu pojawiła się cesarzowa Katarzyna II ze swoim ukochanym psem. Zwierzęta pojawiały się także na portretach innych rosyjskich artystów.
Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów z gatunku krajowego
malarstwo historii
Ten gatunek implikuje monumentalne obrazy, które mają na celu przekazanie społeczeństwu wspaniałej idei, jakiejkolwiek prawdy, moralności lub pokazanie ważnych wydarzeń. Obejmuje prace o tematyce historycznej, mitologicznej, religijnej, folklorystycznej, a także sceny militarne.
W starożytnych państwach mity i legendy przez długi czas uważano za wydarzenia przeszłe, dlatego często przedstawiano je na freskach lub wazonach. Później artyści zaczęli oddzielać wydarzenia od fikcji, co wyrażało się przede wszystkim w przedstawianiu scen batalistycznych. W starożytnym Rzymie, Egipcie i Grecji zwycięscy wojownicy często przedstawiali na tarczach sceny heroicznych bitew, aby zademonstrować swój triumf nad wrogiem.
W średniowieczu, ze względu na dominację dogmatów kościelnych, dominowała tematyka religijna, w renesansie społeczeństwo zwracało się ku przeszłości głównie w celu gloryfikacji swoich państw i władców, a od XVIII wieku gatunek ten był często zwracany do edukacji młodzieży . W Rosji gatunek ten rozpowszechnił się w XIX wieku, kiedy artyści często próbowali analizować życie rosyjskiego społeczeństwa.
W pracach artystów rosyjskich prezentowano na przykład malarstwo bitewne i. Tematy mitologiczne i religijne w jego obrazach dotyczyły m.in. Wśród ludu dominowało malarstwo historyczne, wśród nich folklor.
Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów z gatunku malarstwa historycznego
Martwa natura (fr. natura - natura i morte - martwy)
Ten gatunek malarstwa związany jest z przedstawianiem przedmiotów nieożywionych. Mogą to być kwiaty, owoce, naczynia, dziczyzna, przybory kuchenne i inne przedmioty, z których artysta często komponuje kompozycję według swojego planu.
Pierwsze martwe natury pojawiły się w krajach starożytnych. W starożytnym Egipcie zwyczajowo przedstawiano ofiary bogom w postaci różnych potraw. Jednocześnie rozpoznawalność tematu była na pierwszym miejscu, więc starożytni artyści nie przywiązywali szczególnej wagi do światłocienia czy faktury martwych natur. W starożytnej Grecji i Rzymie kwiaty i owoce znajdowały się na obrazach iw domach do dekoracji wnętrz, dzięki czemu były już przedstawiane bardziej wiarygodnie i malowniczo. Powstanie i rozkwit tego gatunku przypada na XVI i XVII wiek, kiedy martwe natury zaczęły zawierać ukryte znaczenia religijne i inne. Jednocześnie pojawiło się ich wiele odmian, w zależności od tematu obrazu (kwiat, owoc, naukowiec itp.).
W Rosji rozkwit martwej natury przypada dopiero na XX wiek, ponieważ wcześniej był używany głównie do celów edukacyjnych. Ale rozwój ten był szybki i uchwycony, w tym abstrakcjonizm ze wszystkimi jego kierunkami. Na przykład tworzył piękne kompozycje kwiatowe w swoich martwych naturach, preferował je, opracowywał i często „ożywiał”, dając widzowi wrażenie, że naczynia zaraz spadną ze stołu lub że wszystkie przedmioty zaczną się teraz obracać.
Na przedstawione przez artystów przedmioty miały oczywiście też wpływ ich poglądy teoretyczne czy światopogląd, stan umysłu. Były to więc przedmioty ukazane zgodnie z odkrytą przez niego zasadą perspektywy sferycznej, a ekspresjonistyczne martwe natury uderzały dramatyzmem.
Wielu rosyjskich artystów wykorzystywało martwą naturę głównie do celów edukacyjnych. Tak więc nie tylko doskonalił swoje umiejętności artystyczne, ale także przeprowadzał wiele eksperymentów, układając przedmioty na różne sposoby, pracując ze światłem i kolorem. eksperymentował z kształtem i kolorem linii, czasem odchodząc od realizmu na rzecz czystego prymitywizmu, czasem mieszając oba style.
Inni artyści łączyli w martwych naturach to, co przedstawili wcześniej i swoje ulubione rzeczy. Na przykład na obrazach można znaleźć jego ulubiony wazon, nuty i portret żony, który stworzył już wcześniej, ale przedstawiał kwiaty, które kochał od dzieciństwa.
Na przykład wielu innych rosyjskich artystów pracowało w tym samym gatunku i innych.
Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów z gatunku martwej natury
Akt (fr. nudite - nagość, w skrócie nu)
Gatunek ten ma na celu przedstawienie piękna nagiego ciała i pojawił się jeszcze przed naszą erą. W starożytnym świecie wielką wagę przywiązywano do rozwoju fizycznego, ponieważ od niego zależało przetrwanie całej rasy ludzkiej. Tak więc w starożytnej Grecji sportowcy tradycyjnie rywalizowali nago, aby chłopcy i młodzi mężczyźni mogli zobaczyć ich dobrze rozwinięte ciała i dążyć do tej samej fizycznej doskonałości. Około VII-VI wieku. pne mi. Pojawiły się także nagie męskie posągi, uosabiające siłę fizyczną mężczyzny. Przeciwnie, postacie kobiece zawsze pojawiały się przed publicznością w szatach, ponieważ nie było zwyczaju eksponowania kobiecego ciała.
W kolejnych epokach zmieniał się stosunek do nagich ciał. Tak więc w czasach hellenizmu (od końca VI wieku p.n.e.) wytrzymałość zeszła na dalszy plan, ustępując miejsca podziwianiu męskiej sylwetki. W tym samym czasie zaczęły pojawiać się pierwsze kobiece akty. W epoce baroku za ideał uchodziły kobiety o wspaniałych formach, w rokoku zmysłowość stała się priorytetem, aw XIX-XX wieku obrazy czy rzeźby przedstawiające nagie ciała (zwłaszcza mężczyzn) były często zakazane.
Rosyjscy artyści wielokrotnie zwracali się w swoich pracach do gatunku aktów. Są to więc tancerki o teatralnych atrybutach, to pozujące dziewczyny lub kobiety w centrum monumentalnych wątków. To dużo zmysłowych kobiet, także w parach, to jest cała seria obrazów przedstawiających nagie kobiety w różnych czynnościach, a to dziewczyny pełne niewinności. Niektóre, na przykład, przedstawiały całkowicie nagich mężczyzn, chociaż takie obrazy nie były mile widziane przez ówczesne społeczeństwo.
Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów z gatunku aktów
Krajobraz (fr. Paysage, od pays - obszar)
W tym gatunku priorytetem jest obraz środowiska naturalnego lub stworzonego przez człowieka: naturalnych zakątków, widoków miast, wsi, pomników itp. W zależności od wybranego obiektu wyróżnia się pejzaże naturalne, przemysłowe, morskie, wiejskie, liryczne i inne.
Pierwsze pejzaże starożytnych artystów odnajdywano w neolitycznej sztuce naskalnej i były to wizerunki drzew, rzek czy jezior. Później do dekoracji domu wykorzystano motyw naturalny. W średniowieczu krajobraz został prawie całkowicie zastąpiony przez motywy religijne, aw renesansie wręcz przeciwnie, na pierwszy plan wysunęła się harmonijna relacja między człowiekiem a naturą.
W Rosji malarstwo pejzażowe rozwijało się od XVIII wieku i początkowo było ograniczone (w tym stylu powstawały np. stworzył tzw. dyskretny pejzaż, czyli zamiast gonić za spektakularnymi widokami, uwieczniał najbardziej intymne momenty rosyjskiej przyrody. i doszedł do lirycznego pejzażu, który poraził publiczność subtelnie oddanym nastrojem.
I to jest epicki krajobraz, kiedy widzowi pokazana jest cała wielkość otaczającego świata. E. Volkov nieustannie zwracał się ku starożytności, wiedział, jak zamienić każdy dyskretny krajobraz w poetycki obraz, zadziwiał widza swoim cudownym światłem w krajobrazach i mógł bez końca podziwiać leśne zakątki, parki, zachody słońca i przekazać tę miłość widzowi.
Każdy z pejzażystów koncentrował się na pejzażu, który szczególnie go fascynował. Wielu artystów nie mogło ominąć projektów budowlanych na dużą skalę i malowało wiele pejzaży przemysłowych i miejskich. Wśród nich są prace
Być może tyle uprzedzeń i perypetii interpretacyjnych nie wiąże się z żadnym gatunkiem, jak z życiem codziennym. Przyciąga zabawną fabułą. Najlepsze dzieła gatunku codzienności przyciągają widza jak umiejętnie skonstruowane historie. A jednocześnie obrazom tego typu często zarzuca się anegdotyzm, małostkowość. Czy sztuka życia codziennego powinna malować sceny z życia codziennego czy uroczystości? Niektórzy artyści wręcz obrażają się, gdy nazywa się ich malarzami gatunkowymi, uważając, że taka definicja niesprawiedliwie umniejsza ich twórczości. Wydaje się, że gatunkowizm, prześlizgujący się po wyglądzie rzeczy i zdarzeń, wyklucza ucieczkę fantazji, sen i symbol, poetycką alegorię.
Co oznacza samo pojęcie gatunku codziennego? Ściśle przylegająca do malarstwa historycznego i portretu, różni się od nich. Artyści malując codzienne tematy nie odwołują się do konkretnych wydarzeń historycznych, nie do jednostek, ale do biegu życia. Codzienny gatunek opowiada o typowym, szczegółowo opisuje ustalone tradycje. Ale nie jest to możliwe bez interakcji z pejzażem i martwą naturą z sąsiadami, wzmacniania oddziaływania obrazów za ich pomocą.
Kiedy artysta po raz pierwszy uchwycił zwykłego człowieka w jego codziennych troskach?
ceny polowania, obrzędy magiczne istniały w kulturze artystycznej od czasów starożytnych. Połączone z mitami nie przekształciły się jeszcze w odrębny gatunek, choć pozostawiły naturalne szkice, które zadziwiają żywą witalnością. Malarstwo starożytnego Egiptu i drobna plastyka zachowały wiele wyrazistych motywów codziennej pracy, które były częścią rytuału pogrzebowego. Postacie pracowitych służących pojawiają się jako magiczne substytuty żywych ludzi, powołanych do służenia swemu panu w zaświatach. Mozaiki, sztuka dekoracyjna późnego antyku zawierają wiele wątków z gatunku codziennego pracy, rodziny, miłości, teatralnego, karykaturalnie-satyrycznego. Pliniusz Starszy w Historii naturalnej (I wne) pisał o pojawieniu się szczególnego rodzaju malarzy, riporografów i pisarzy codziennych, którzy przedstawiali sklepy szewców i fryzjerów.
Wczesne chrześcijaństwo ukrywało się w rzymskich katakumbach, posługując się językiem obrazowych aluzji i symboli.
A codzienność, z pozoru zupełnie zwyczajna, zajmowała honorowe miejsce w tym tajemnym piśmie: łowienie ryb oznaczało chrzest, budowa oznaczała utworzenie wspólnoty kościelnej, wesoła uczta oznaczała błogość sprawiedliwych dusz w raju. Zamiłowanie do obserwacji gatunkowych przeszło także do sztuki dojrzałego europejskiego średniowiecza, choć obecnie zajęło ono bardziej drugorzędne miejsce. Kapitele kolumn zdobią sceny z życia codziennego, teksty średniowiecznych rękopisów. W kamiennych wzorach gotyckich katedr, w marginaliach (od łacińskiego słowa marginalia, co oznacza ornamenty na marginesach rękopisu), zobaczyć można pasterzy, drwali, piekarzy, winiarzy, żonglerów – prawie wszystkie zawody średniowiecznego świata . Ich uciążliwe trudy są czytelną ilustracją ziemskiego czasu, który w codziennych sprawach domyka swój roczny cykl. A na Rusi obok ikon powstawały codzienne wizerunki rodzajowe, początkowo marginalne, potem już w XVII wieku istniejące w formie samodzielnych listów codziennych.
Organiczna fuzja gatunków codziennych i religijnych jest charakterystyczna dla sztuki wielu krajów średniowiecznego Wschodu Indii, Indonezji, Bliskiego i Środkowego Wschodu, Chin i Japonii. Szczególny wpływ na kulturę Dalekiego Wschodu wywarła sekta Chan (w Japonii Zen), w której nauczaniu mały codzienny epizod kupowania konia, siekania padliny przez rzeźnika mógł stać się pretekstem do filozoficznych rozważań nad głęboką istotą wszechświata .
Listy bajtojskie (używając starego rosyjskiego terminu) pochłaniały duchowe poszukiwania ludzi renesansu.
W XV i na początku XVI wieku ukształtował się ostatecznie rodzaj malarstwa niezależnego, poświęconego obrzędom weselnym i karnawałowym, życiu różnych stanów. Każdy szczegół tych obrazów jest pełen symbolicznego znaczenia. Świeca może zapoczątkować ludzkie życie, kwiaty i owoce żywioły ziemi i płodności, ptak w klatce dziewczęcej czystości, miotła oczyszczająca dom nie tylko z kurzu, ale i ze złych duchów. Jak w ludowym rytuale, rzeczy i zdarzenia składają się na teatralny spektakl, który wprowadza prywatny ludzki los w główny nurt wszechświata, mały krąg ludzkich spraw w wielką stromą przestrzeń kosmosu. Jednocześnie codzienne obrazy renesansu, w przeciwieństwie do średniowiecznych, są realistyczne, alegoria nie wyklucza w nich prawdy życia. Średniowieczny światopogląd ustępuje miejsca religii Natury i człowieka, deifikującej nie tyle twórcę, co samo stworzenie, świat ziemski w jego nieskończonej różnorodności. I dlatego malarze pilnie udowadniają materialność bytu, nadają przedmiotom i sytuacjom zmysłową perswazję.
Ponowna ocena średniowiecznych wartości jest wyraźnie dokonywana na przykład w scenach targowych Holendra Joachima Beikelaera, gdzie ewangeliczne epizody spychane są na dalszy plan, a na pierwszy plan wysuwają się silni chłopscy kupcy i ich towary. Warzywa, ryby i mięso, owoce Matki Natury, wyraźnie ucieleśniające jej płodność, wiecznie odnawiającą się energię. Ten nastrój panuje w najlepszych obrazach codziennych XVI-XVII wieku, namalowanych przez Pietera Brueghela Starszego, Caravaggia, braci Lenin, Velasqueza, Vermeera, Brouwera. Jednocześnie klasy niższe (chłopi, biedota miejska) są zwykle przedstawiane ze szczególną miłością - ci mali ludzie tego świata są najbliżsi wspólnej matce, ich obecność podkreśla urok naturalnego umysłu.
Epoka oświecenia, która ostatecznie przyjęła punkt widzenia ziemskiego człowieka, przeniosła znaczenie edukacyjne na gatunek codzienny.
Ale z drugiej strony taka postawa, mimo dokonań Hogartha, Chardina, Greuze'a, doprowadziła do tego, że gatunek został zmiażdżony, obciążony moralnością. Nie pokazywał już widzowi tajemniczej relacji między człowiekiem a kosmosem, ale na żywych, anegdotycznych przykładach opowiadał o tym, jak źle jest pić, oszukiwać, a wręcz przeciwnie, jak przyjemne jest pobożne życie rodzinne i ciężka praca. Powtarzając od obrazu do obrazu, motywy te zamieniły się w frazesy, stając się coraz bardziej nieszczere i obłudne. Codzienny gatunek (obecnie tylko gatunek) nieco stracił na wartości.
Artysta Aleksander Iwanow zadał nawet zdezorientowane pytanie: „Ogólnie gatunki, jaki rodzaj malarstwa? Czy to jest malarstwo? Ale jakby w odpowiedzi na ten sceptycyzm, codzienne obrazy pierwszej połowy XIX wieku odzyskały swój autorytet, dowodząc, że są w stanie ucieleśnić doniosłe zadania ideowe, które niepokoiły nawet twórcę Ukazania się Chrystusa ludowi.
W wielu krajach europejskich gatunek gospodarstwa domowego w poetycki sposób odzwierciedlał cechy charakteru narodowego.
Takie są obrazy A. Wenecjanowa w Rosji, lub wręcz przeciwnie, uchwycił społeczne bolączki społeczeństwa z ekspresją, która nie ustępuje literaturze krytycznego realizmu. F.M. Dostojewski, który pozostawił szereg subtelnych sądów na temat sztuki codziennego pisania, zauważył w szczególności, że: „malarz historyczny zna zakończenie przedstawianych przez siebie wydarzeń, podczas gdy malarz gatunkowy, występując jako ich uczestnik i naoczny świadek, działa bardziej losowo”, umieszczając swoich bohaterów w otoczeniu przypominającym wiele obrazów Wędrowców, zwłaszcza W. Perowa. Wraz z kierunkiem dramatycznym rozwija się także przedstawienie idylliczno-narracyjne w gatunku XIX wieku, na przykład w obrazach K. Makovsky'ego.
Salonowy gust wyrządził znaczne szkody codziennemu gatunkowi XIX wieku, sprowadzając wiele jego obrazów do poziomu zabawnej plotki, słodkiego, ale pustego obrazu moralności. Jednak impresjonizm, a następnie sztuka przełomu XIX i XX wieku, ponownie przywróciły znaczenie malarstwa codziennego. Zatrzymany i przetworzony przez artystę przepływ chwilowego bytu nabrał znacznie większego znaczenia niż wielkoformatowe płótna historyczne. Być może dramat nadchodzących zmian nadał sens codzienności. Gatunek ten stał się bajkową legendą lub monumentalną epopeją wśród symbolistów (K. Petrov-Vodkin, J. Segantini, F. Hodler). Z drugiej strony życie prywatne, jego radości i codzienne kłopoty stały się cennym materiałem do obrazów, jakby podsumowujących istnienie przedrewolucyjnej Rosji, w jej jaskrawym (B. Kustodiew) lub liryczno-smutnym wyglądzie (A. Korina).
Losy rosyjskiego gatunku codziennego po rewolucji odzwierciedlały sprzeczności życia artystycznego.
Lata dwudzieste XX wieku dały niezwykłą różnorodność jej typów: tu zarówno monumentalne plakaty (szereg artystów OST), jak i chytrze ironiczne obserwacje (np. S. Łuczyszkina czy S. Adlivankina), jak i skupione, samo- zawierała medytację (artyści z kręgu Makovets). Dalsza historia przyczyniła się do wyrugowania z oficjalnej kultury wszystkiego, co nie mieściło się w haśle o tym, by życie stawało się „lepsze, weselsze”. Gatunku codzienności wymagano, aby pokazywać święta kołchozów ze stołami pękającymi w szwach od jedzenia, wszelkiego rodzaju lśniące, błyszczące obrazy szczęśliwego dzieciństwa i szczęśliwej starości. Ale nawet przez fałszywy splendor prawda często prześwitywała. Od czasu do czasu pojawiały się kameralne sceny z życia codziennego, dawały nadzieję i duchowe wytchnienie od tragedii i otaczającej ich hipokryzji.
W okresie powojennym gatunek codzienny stał się na jakiś czas chyba najpopularniejszą formą sztuki. Na obrazach uchwycono powrót do spokojnej pracy, bezpretensjonalne radości i troski dnia codziennego (nieudaczników, piłkarzy, studentów Suworowa na wakacjach). Ich pozbawiona sztuki codzienność, w przeciwieństwie do bezosobowych pseudo-monumentalnych płócien, wyglądała naturalnie, spokojnie, a przez to atrakcyjnie.
W drugiej połowie XX wieku w różnych szkołach narodowych tematy i motywy związane z gatunkiem codzienności znajdowały różnorodne wcielenia.
Dramatyczna sztywność języka, jak na przykład w obrazach artystów z lat 60., ironiczna przemiana współczesnych w postacie na starych obrazach, podziwianie patriarchalnych cech narodowego stylu życia, wszystko to, co mija przed nami, stanowiła rozległy teatr życia. Artyści lat 70. wprowadzili do swojej sztuki dokumentalną ostrość percepcji, podczas gdy następna generacja wręcz przeciwnie, przedkładała liryczną bezpośredniość nad energiczne, pełne temperamentu malarstwo.
Artyści gatunku codziennego nadal wzbogacają wielowiekową tradycję, zatrzymując chwile i zamieniając je w symbole czasu.
W przygotowaniu publikacji wykorzystano materiały zawarte w artykule
„Gatunek domowy” M. Sokolov, M. 1989