Podczas oglądania zdjęć renesans, nie można nie podziwiać wyrazistości linii, znakomitej palety barw i co najważniejsze niesamowitego realizmu przesyłanych obrazów. Współcześni naukowcy przez długi czas zastanawiali się, jak ówczesnym mistrzom udało się stworzyć takie arcydzieła, ponieważ nie ma pisemnych dowodów na zawiłości i tajemnice techniki wykonawczej. Angielski artysta i fotograf David Hockney twierdzi, że rozwikłał tajemnicę renesansowych artystów, którzy umieli malować „żywe” obrazy.

Jeśli porównamy różne okresy w historii malarstwa, stanie się jasne, że w okresie renesansu (przełom XIV-XV wieku) obrazy „nagle” stały się znacznie bardziej realistyczne niż wcześniej. Patrząc na nie, wydaje się, że bohaterowie zaraz wzdychają, a na przedmiotach igrają promienie słoneczne.

Nasuwa się pytanie: czy artyści renesansu nagle nauczyli się lepiej rysować, a obrazy zaczęły być bardziej obszerne? Znany artysta, grafik i fotograf David Hockney próbował odpowiedzieć na to pytanie ( Davida Hockneya).

W badaniu tym pomógł mu obraz Jana van Eycka „Portret Arnolfinich”. Na płótnie można znaleźć wiele ciekawych szczegółów, a przecież został napisany w 1434 roku. Szczególną uwagę zwraca lustro na ścianie oraz świecznik pod sufitem, który wygląda niesamowicie realistycznie. David Hockney zdobył podobny świecznik i spróbował go narysować. Ku wielkiemu zdziwieniu artysty okazało się, że przedstawienie tego obiektu w perspektywie okazało się dość trudne, a nawet blask światła trzeba oddać w taki sposób, aby było jasne, że jest to blask metalu. Nawiasem mówiąc, przed renesansem nikt nie podejmował obrazu blasku na metalowej powierzchni.

Kiedy odtworzono trójwymiarowy model świecznika, Hockney zadbał o to, aby obraz Van Eycka pokazywał go w perspektywie z pojedynczym punktem zbiegu. Ale haczyk polegał na tym, że XV wiek nie miał camera obscura z obiektywem (urządzenie optyczne, za pomocą którego można tworzyć projekcje).

David Hockney zastanawiał się, w jaki sposób Van Eyck zdołał osiągnąć taki realizm na swoich płótnach. Ale pewnego dnia zwrócił uwagę na obraz lustra na zdjęciu. To było wypukłe. Warto zauważyć, że w tamtych czasach lustra były wklęsłe, ponieważ mistrzowie nie potrafili jeszcze „przykleić” cynowej okładziny do płaskiej powierzchni szkła. Aby uzyskać lustro w XV wieku roztopioną cynę wlewano do szklanej kolby, a następnie odcinano wierzchołek, pozostawiając wklęsłe błyszczące dno. David Hockney zdał sobie sprawę, że Van Eyck używał wklęsłego lustra, przez które patrzył, aby rysować obiekty tak realistycznie, jak to tylko możliwe.

W XVI wieku rzemieślnicy nauczyli się robić duże soczewki wysokiej jakości. Wstawiono je do camera obscura, co umożliwiło uzyskanie projekcji dowolnej wielkości. To była prawdziwa rewolucja w technice realistycznych obrazów. Po prostu większość osób na zdjęciach „stała się” leworęczna. Chodzi o to, że bezpośrednia projekcja obiektywu podczas korzystania z camera obscura jest odzwierciedlana. Na obrazie Pietera Gerritsza van Roestratena „Deklaracja miłości (Gwałtowny kucharz)”, napisanym około 1665-1670, wszystkie postacie są leworęczne. Mężczyzna i kobieta trzymają w lewej ręce szklankę i butelkę, starszy mężczyzna w tle również potrząsa ich lewym palcem. Nawet małpa używa lewej łapy, by zajrzeć pod sukienkę kobiety.

Aby uzyskać prawidłowy, proporcjonalny obraz, konieczne było dokładne ustawienie lustra, w które skierowany był obiektyw. Ale nie wszystkim artystom udało się to zrobić doskonale, a potem było niewiele luster wysokiej jakości. Z tego powodu na niektórych obrazach widać, jak nie zachowano proporcji: małe głowy, duże ramiona czy nogi.

Używanie urządzeń optycznych przez artystów w żaden sposób nie umniejsza ich talentowi. Dzięki osiągniętemu realizmowi malowideł renesansowych współcześni mieszkańcy wiedzą teraz, jak wyglądali ludzie i przedmioty gospodarstwa domowego tamtych czasów.

Średniowieczni artyści starali się nie tylko osiągnąć realizm w swoich obrazach, ale także zaszyfrować w nich specjalne symbole. A więc wspaniałe arcydzieło Tycjana

Renesans czy renesans dał nam wiele wspaniałych dzieł sztuki. Był to okres sprzyjający rozwojowi twórczości. Z renesansem kojarzone są nazwiska wielu wielkich artystów. Botticelli, Michelangelo, Raphael, Leonardo Da Vinci, Giotto, Tycjan, Correggio - to tylko niewielka część nazwisk twórców tamtych czasów.

Okres ten związany jest z pojawieniem się nowych stylów i malarstwa. Podejście do przedstawiania ludzkiego ciała stało się niemal naukowe. Artyści dążą do rzeczywistości - dopracowują każdy szczegół. Ludzie i wydarzenia na obrazach z tamtych czasów wyglądają niezwykle realistycznie.

Historycy identyfikują kilka okresów w rozwoju malarstwa w okresie renesansu.

Gotyk - 1200s. Popularny styl na dworze. Wyróżniał się pompatycznością, pretensjonalnością, nadmierną barwnością. Stosowany jako farby. Tematem obrazów były działki ołtarzowe. Najbardziej znanymi przedstawicielami tego nurtu są włoscy artyści Vittore Carpaccio, Sandro Botticelli.

Sandro Botticellego

Proto-renesans - 1300s. W tym czasie następuje restrukturyzacja moralności w malarstwie. Tematyka religijna schodzi na drugi plan, a świecka zyskuje coraz większą popularność. Obraz zajmuje miejsce ikony. Ludzie są przedstawiani bardziej realistycznie, mimika twarzy i gesty stają się ważne dla artystów. Pojawia się nowy gatunek sztuk pięknych -. Przedstawicielami tego czasu są Giotto, Pietro Lorenzetti, Pietro Cavallini.

Wczesny renesans - 1400s. Powstanie malarstwa niereligijnego. Nawet twarze na ikonach stają się bardziej żywe – nabierają cech ludzkich. Artyści wcześniejszych okresów próbowali malować pejzaże, ale służyły one jedynie jako dodatek, jako tło do głównego obrazu. W okresie wczesnego renesansu staje się niezależnym gatunkiem. Portret nadal się rozwija. Naukowcy odkrywają prawo perspektywy liniowej, a artyści budują na tej podstawie swoje obrazy. Na ich płótnach widać poprawną trójwymiarową przestrzeń. Wybitnymi przedstawicielami tego okresu są Masaccio, Piero Della Francesco, Giovanni Bellini, Andrea Mantegna.

Wysoki renesans - złoty wiek. Horyzonty artystów stają się coraz szersze – ich zainteresowania sięgają przestrzeni Kosmosu, uznają człowieka za centrum wszechświata.

W tym czasie pojawiają się „tytani” renesansu - Leonardo Da Vinci, Michał Anioł, Tycjan, Raphael Santi i inni. To ludzie, których zainteresowania nie ograniczały się do malarstwa. Ich wiedza sięgała znacznie dalej. Najwybitniejszym przedstawicielem był Leonardo Da Vinci, który był nie tylko wielkim malarzem, ale także naukowcem, rzeźbiarzem, dramaturgiem. Stworzył fantastyczne techniki malarskie, takie jak „smuffato” – iluzja zamglenia, z którego powstała słynna „La Gioconda”.

Leonardo da Vinci

Późny renesans- schyłek renesansu (połowa XVI w. - koniec XVII w.). Ten czas wiąże się ze zmianami, kryzysem religijnym. Okres świetności się kończy, linie na płótnach stają się bardziej nerwowe, odchodzi indywidualizm. Obraz obrazów staje się coraz bardziej tłumem. Utalentowane dzieła tego czasu należą do pióra Paolo Veronese, Jacopo Tinoretto.

Paolo Veronese

Włochy dały światu najbardziej utalentowanych artystów renesansu, to oni są najczęściej wymieniani w historii malarstwa. Tymczasem w innych krajach w tym okresie rozwijało się również malarstwo, które wpłynęło na rozwój tej sztuki. Malarstwo innych krajów tego okresu nazywa się renesansem północnym.

renesans, która rozkwitła w XV-XVI wieku, była nowym etapem w rozwoju sztuki, aw szczególności malarstwa. Istnieje również francuska nazwa tej epoki - renesans. Sandro Botticelli, Raphael, Leonardo da Vinci, Tycjan, Michał Anioł to tylko niektóre ze znanych nazwisk reprezentujących ten okres.

Artyści renesansu przedstawiali postacie na swoich obrazach tak dokładnie i wyraźnie, jak to tylko możliwe.

Kontekst psychologiczny nie był pierwotnie uwzględniony na obrazie. Malarze postawili sobie za cel osiągnięcie żywotności przedstawionych. Niezależnie od tego, czy dynamika ludzkiej twarzy, czy detale otaczającej przyrody miały być jak najdokładniej oddane farbami. Jednak z biegiem czasu w obrazach renesansu moment psychologiczny staje się wyraźnie widoczny, na przykład z portretów można było wyciągnąć wnioski na temat cech charakteru przedstawionej osoby.

Osiągnięcie kultury artystycznej renesansu

Niewątpliwym osiągnięciem renesansu było geometrycznie poprawny projekt obrazu. Artysta budował obraz za pomocą wypracowanych przez siebie technik. Najważniejsze dla ówczesnych malarzy było obserwowanie proporcji przedmiotów. Nawet natura znalazła się pod matematycznymi metodami obliczania proporcjonalności obrazu z innymi obiektami na obrazie.

Innymi słowy, artyści renesansu starali się przekazać dokładny obraz, na przykład osoba na tle natury. W porównaniu z nowoczesnymi metodami odtwarzania widzianego obrazu na jakimś płótnie, najprawdopodobniej zdjęcie z późniejszą korektą pomoże zrozumieć, do czego dążyli artyści renesansu.

Malarze renesansu uważali, że mają prawo do poprawiania niedoskonałości natury, czyli jeśli ktoś miał brzydkie rysy twarzy, artyści korygowali je w taki sposób, że twarz stawała się słodka i atrakcyjna.

Podejście geometryczne w obrazach prowadzi do nowego sposobu przedstawiania przestrzenności. Przed odtworzeniem obrazów na płótnie artysta wytyczył ich układ przestrzenny. Zasada ta ostatecznie została ustalona wśród malarzy tamtej epoki.

Widz miał być pod wrażeniem obrazów na obrazach. Na przykład, Rafał osiągnął pełną zgodność z tą zasadą, tworząc obraz „Szkoła ateńska”. Sklepienia budynku uderzają swoją wysokością. Jest tak wiele przestrzeni, że zaczynasz rozumieć, jaki rozmiar ma ten budynek. A przedstawieni myśliciele starożytności z Platonem i Arystotelesem pośrodku wskazują, że w świecie starożytnym istniała jedność różnych idei filozoficznych.

Działki malarstwa renesansu

Jeśli zaczniesz poznawać malarstwo renesansu, możesz wyciągnąć ciekawy wniosek. Fabuła obrazów oparta była głównie na wydarzeniach opisanych w Biblii. Częściej malarze tamtych czasów przedstawiali historie z Nowego Testamentu. Najpopularniejszym obrazem jest Dziewica i Dzieciątko- mały Jezus Chrystus.

Postać była tak żywa, że ​​ludzie nawet czcili te obrazy, chociaż ludzie rozumieli, że to nie są ikony, ale modlili się do nich i prosili o pomoc i ochronę. Oprócz Madonny malarze renesansu bardzo lubili odtwarzać obrazy Jezus Chrystus, apostołowie, Jan Chrzciciel, a także epizody ewangeliczne. Na przykład, Leonardo da Vinci stworzył słynny na całym świecie obraz „Ostatnia wieczerza”.

Dlaczego artyści renesansu używali działek z Biblii? Dlaczego nie próbowali wyrazić siebie, tworząc portrety swoich współczesnych? Może w ten sposób próbowali przedstawić zwykłych ludzi z ich wrodzonymi cechami charakteru? Tak, malarze tamtych czasów starali się pokazać ludziom, że człowiek jest istotą boską.

Przedstawiając sceny biblijne, artyści renesansu starali się wyjaśnić, że ziemskie przejawy osoby można przedstawić wyraźniej, jeśli jednocześnie używane są historie biblijne. Możesz zrozumieć, czym jest upadek, pokusa, piekło czy niebo, jeśli zaczniesz poznawać twórczość ówczesnych artystów. To samo wizerunek Madonny przekazuje nam piękno kobiety, a także niesie zrozumienie ziemskiej ludzkiej miłości.

Leonardo da Vinci

Renesans stał się taki dzięki wielu kreatywnym osobowościom, które żyły w tym czasie. Znany na całym świecie Leonardo da Vinci (1452 - 1519) stworzył ogromną liczbę arcydzieł, których koszt szacuje się na miliony dolarów, a koneserzy jego sztuki są gotowi kontemplować jego obrazy przez długi czas.

Leonardo rozpoczął studia we Florencji. Jego pierwsze płótno, namalowane około 1478 r., to „Madonna Benois”. Potem były takie kreacje jak "Madonna w Grocie", „Mona Lisa”, wspomniana wyżej Ostatnia Wieczerza i mnóstwo innych arcydzieł napisanych ręką tytana renesansu.

Surowość geometrycznych proporcji i dokładne odwzorowanie budowy anatomicznej człowieka – tym charakteryzuje się malarstwo Leonarda da Vinci. Zgodnie z jego przekonaniami sztuka przedstawiania określonych obrazów na płótnie jest nauką, a nie tylko hobby.

Rafał Santi

Rafał Santi (1483 - 1520) znany w świecie sztuki jako Raphael tworzył swoje prace we Włoszech. Jego obrazy są przepojone liryzmem i wdziękiem. Rafał jest przedstawicielem renesansu, który przedstawiał człowieka i jego bycie na ziemi, uwielbiał malować ściany katedr watykańskich.

Obrazy zdradzały jedność postaci, proporcjonalne odpowiedniki przestrzeni i obrazów, eufonię koloru. Czystość Dziewicy była podstawą wielu obrazów Rafaela. Jego pierwszy obraz Matki Boskiej- To jest Madonna Sykstyńska, namalowana przez słynnego artystę w 1513 roku. Portrety, które stworzył Rafael, odzwierciedlały idealny wizerunek człowieka.

Sandro Botticellego

Sandro Botticelli (1445 - 1510) jest także malarzem renesansu. Jednym z jego pierwszych dzieł był obraz „Pokłon Trzech Króli”. Subtelna poezja i marzycielstwo były jego oryginalnymi manierami na polu przenoszenia artystycznych obrazów.

Na początku lat 80-tych XV wieku wielki artysta malował ściany Kaplicy Watykańskiej. Wykonane przez niego freski wciąż zachwycają.

Z biegiem czasu jego obrazy charakteryzowały się spokojem antycznych budowli, żywotnością przedstawionych postaci, harmonią obrazów. Ponadto znana jest fascynacja Botticellego rysunkami do znanych dzieł literackich, co również dodało tylko chwały jego twórczości.

Michał Anioł Buonarotti

Michał Anioł Buonarotti (1475 - 1564)- włoski artysta, który tworzył również w okresie renesansu. Czego tylko ta znana wielu z nas osoba nie zrobiła. I rzeźba, i malarstwo, i architektura, a także poezja.

Michał Anioł, podobnie jak Rafael i Botticelli, malował ściany świątyń Watykanu. W końcu tylko najbardziej utalentowani malarze tamtych czasów zajmowali się tak odpowiedzialną pracą, jak rysowanie obrazów na ścianach katolickich katedr.

Ponad 600 metrów kwadratowych Kaplicy Sykstyńskiej musiał go pokryć freskami przedstawiającymi różne sceny biblijne.

Najbardziej znane dzieło w tym stylu jest nam znane jako „Sąd Ostateczny”. Znaczenie biblijnej historii jest wyrażone w pełni i jasno. Taka dokładność w przekazywaniu obrazów jest charakterystyczna dla całego dzieła Michała Anioła.

UWAGA! Do jakiegokolwiek wykorzystania materiałów witryny wymagany jest aktywny link do!

Malarstwo renesansowe

Za początek malarstwa renesansowego uważa się epokę Ducenta, tj. XIII wiek. Protorenesans jest nadal ściśle związany ze średniowiecznymi tradycjami romańskimi, gotyckimi i bizantyjskimi. Artyści końca XIII - początku XIV wieku. są jeszcze dalekie od naukowego badania otaczającej nas rzeczywistości. Wyrażają swoje wyobrażenia na ten temat, nadal używając warunkowych obrazów bizantyjskiego systemu wizualnego - skalistych wzgórz, symbolicznych drzew, warunkowych wieżyczek. Ale czasami wygląd konstrukcji architektonicznych jest tak dokładnie odtworzony, że wskazuje to na istnienie szkiców z natury. Tradycyjne postacie religijne zaczynają być przedstawiane w świecie obdarzonym właściwościami rzeczywistości - objętością, przestrzenną głębią, materialną materialnością. Rozpoczyna się poszukiwanie metod transmisji na płaszczyźnie objętości i przestrzeni trójwymiarowej. Ówcześni mistrzowie wskrzeszają znaną starożytności zasadę światłocieniowego modelowania form. Dzięki niemu figury i budowle nabierają gęstości i objętości.

Najwyraźniej pierwszym, który zastosował antyczną perspektywę, był florencki Cenny di Pepo (dane od 1272 do 1302), nazywany Cimabue. Niestety, jego najważniejsze dzieło – cykl obrazów o tematyce Apokalipsy, życia Maryi i Apostoła Piotra w kościele San Francesco w Asyżu – doszedł do naszych czasów niemal w stanie ruiny. Jego kompozycje ołtarzowe, które znajdują się we Florencji iw Luwrze, są lepiej zachowane. Nawiązują również do bizantyjskich pierwowzorów, ale wyraźnie wykazują cechy nowego podejścia do malarstwa religijnego. Cimabue powraca z malarstwa włoskiego

XIII wieku, który przyjął tradycje bizantyjskie, do ich bezpośrednich początków. Wyczuwał w nich to, co pozostawało niedostępne dla współczesnych – harmonijny początek wzniosłej hellenistycznej urody obrazów.

Sztywność i schematyzm ustępują miejsca muzycznej gładkości linii. Postać Madonny nie wydaje się już bezcielesna. W malarstwie średniowiecznym anioły interpretowano jako znaki, jako atrybuty Matki Bożej, przedstawiano je jako małe figurki symboliczne. Z Cimabue nabierają zupełnie nowego znaczenia, są włączone w scenę, to piękne młode stworzenia, antycypujące te wdzięczne anioły, które pojawią się wraz z mistrzami XV wieku.

Twórczość Cimabue była punktem wyjścia tych nowych procesów, które zdeterminowały dalszy rozwój malarstwa. Ale historii sztuki nie da się wyjaśnić wyłącznie w kategoriach ewolucyjnych. Czasami są w nim ostre skoki. Wielcy artyści jawią się jako odważni innowatorzy, odrzucający tradycyjny system. Za takiego reformatora malarstwa włoskiego XIV wieku należy uznać Giotto di Bondone (1266-1337). To geniusz, który wznosi się wysoko ponad swoich współczesnych i wielu jego naśladowców.

Florentczyk z urodzenia, pracował w wielu włoskich miastach. Najsłynniejszym z dzieł Giotta, które do naszych czasów przetrwało, jest cykl malowideł ściennych w kaplicy del Arena w Padwie, poświęconych ewangelicznym opowieściom o życiu Chrystusa. Ten wyjątkowy zespół obrazów jest jednym z kamieni milowych w historii sztuki europejskiej. Zamiast charakterystycznych dla malarstwa średniowiecznego odrębnych pojedynczych scen i postaci, Giotto stworzył jeden cykl epicki. 38 scen z życia Chrystusa i Maryi („Spotkanie Marii i Elżbiety”, „Pocałunek Judasza”, „Opłakiwanie” itp.) łączy język malarski w jedną narrację. Zamiast zwykłego złotego tła bizantyjskiego, Giotto wprowadza tło krajobrazowe. Postacie nie unoszą się już w przestrzeni, lecz zyskują solidny grunt pod stopami. I choć wciąż są nieaktywne, wykazują chęć oddania anatomii ludzkiego ciała i naturalności ruchu. Giotto nadaje formom niemalże rzeźbiarską wyczuwalność, ciężkość, gęstość. Modeluje relief, stopniowo uwydatniając główne kolorowe tło. Ta zasada modelowania światła i cienia, która umożliwiała pracę czystymi, jasnymi kolorami bez ciemnych cieni, dominowała we włoskim malarstwie aż do XVI wieku.

Reforma dokonana w malarstwie Giotta wywarła głębokie wrażenie na wszystkich jego współczesnych.

Wpływ Giotta nabrał siły i owocności dopiero po stuleciu. Artyści Quattrocento realizowali zadania postawione przez Giotta. Etap wczesnego renesansu nazywany jest okresem triumfalnym w historii sztuki. Hojność i zakres twórczości artystycznej we Włoszech w XV wieku sprawia wrażenie bezprecedensowej twórczości rzeźbiarzy i malarzy.

Chwała twórcy malarstwa Quattrocento należy do florenckiego artysty Masaccio, który zmarł bardzo młodo (1401-1428). Na jego freskach postacie, malowane zgodnie z prawami anatomii, łączą się ze sobą iz pejzażem. Jego wzgórza i drzewa odchodzą w dal, tworząc naturalne środowisko powietrzne. Życie ludzi i przyrody łączy się w jedną całość, w jedną dramatyczną akcję. To nowe słowo w światowej sztuce malarstwa.

Szkoła florencka przez długi czas pozostawała liderem sztuki włoskiej. Miał też bardziej konserwatywny trend. Artyści tego nurtu byli mnichami, dlatego w historii sztuki nazywano ich zakonnymi. Jednym z najbardziej znanych z nich był brat Giovanniego Beato Angelico da Fiesole (1387-1455).

Cechą charakterystyczną malarstwa późnego Quattrocenta jest różnorodność szkół i nurtów. W tym czasie powstały szkoły florenckie, umbijskie (Piero dela Francesca, Pinturicchio, Perugino), północnowłoskie (Mantegni), weneckie (Giovanni Bellini).

Jeden z najwybitniejszych artystów Quattrocenta – Sandro Botticelli (1445-1510) – przedstawiciel ideałów estetycznych dworu słynnego tyrana, polityka, mecenasa, poety i filozofa Lorenza de' Medici, zwanego Wspaniałym. Dwór tego niekoronowanego władcy był ośrodkiem kultury artystycznej, skupiającym słynnych filozofów, naukowców i artystów.

W sztuce Botticellego dokonuje się swoista synteza średniowiecznego mistycyzmu z tradycją antyczną, ideałami gotyku i renesansu. W jego mitologicznych obrazach następuje odrodzenie symboliki. Przedstawia piękne starożytne boginie nie w zmysłowych formach ziemskiego piękna, ale w romantycznych, uduchowionych, wysublimowanych obrazach. Obrazem, który go gloryfikował, są Narodziny Wenus. Tutaj widzimy osobliwy kobiecy wizerunek Botticellego, którego nie można pomylić z dziełami innych artystów. Botticelli w niesamowity sposób połączył pogańską zmysłowość i zwiększoną duchowość, rzeźbiarską kobiecość i delikatną kruchość, wyrafinowanie, liniową dokładność i emocjonalność, zmienność. Jest jednym z najbardziej poetyckich artystów w historii sztuki. Preferuje tematy symboliczne, alegoryczne, lubi marzyć, wyrażać się w aluzji.

Wczesny renesans trwał około wieku. Uzupełnia go okres Wielkiego Renesansu, który trwa zaledwie około 30 lat. Rzym stał się wówczas głównym ośrodkiem życia artystycznego.

Jeśli sztuka Quattrocento to analiza, poszukiwania, odkrycia, świeżość młodzieńczego światopoglądu, to sztuka Wielkiego Renesansu jest wynikiem, syntezą, mądrą dojrzałością. Poszukiwanie artystycznego ideału w okresie Quattrocento doprowadziło sztukę do uogólnienia, do ujawnienia ogólnych wzorców. Główna różnica między sztuką Wielkiego Renesansu polega na tym, że wyrzeka się ona szczegółów, szczegółów, szczegółów w imię uogólnionego obrazu. Całe doświadczenie, wszystkie poszukiwania poprzedników są kompresowane przez wielkich mistrzów Cinquecento w wielkim uogólnieniu.

Obraz pięknej, silnej woli osoby jest główną treścią sztuki tamtych czasów. W przeciwieństwie do sztuki XV wieku charakteryzuje ją chęć zrozumienia i ucieleśnienia ogólnej prawidłowości zjawisk życia.

Była to era tytanów renesansu, która dała światowej kulturze dzieło Leonarda, Rafaela, Michała Anioła. W historii kultury światowej ci trzej geniusze, pomimo całej ich odmienności, twórcza indywidualność uosabiają główną wartość włoskiego renesansu - harmonię piękna, mocy i intelektu. Ich życie świadczy o charakterystycznej dla renesansu zmianie stosunku społeczeństwa do osobowości twórczej artysty. Mistrzowie sztuki stali się wybitnymi i wartościowymi postaciami społecznymi, słusznie uważani byli za najbardziej wykształconych ludzi swoich czasów.

Ta cecha, być może bardziej niż inne postacie renesansu, jest odpowiednia dla Leonarda da Vinci (1452-1519). Łączył geniusz artystyczny i naukowy. Leonardo był naukowcem, który badał przyrodę nie ze względu na sztukę, ale ze względu na naukę. Dlatego tak niewiele gotowych dzieł Leonarda do nas dotarło. Zaczął robić zdjęcia i porzucał je, gdy tylko problem wydawał mu się wyartykułowany. Wiele jego spostrzeżeń przewiduje rozwój nauki i malarstwa europejskiego na przestrzeni wieków. Współczesne odkrycia naukowe podsycają zainteresowanie jego rysunkami inżynierskimi science-fiction.

Jego „Madonna w Grocie” jest pierwszym monumentalnym ołtarzem Wielkiego Renesansu. Jest to duży obraz formatu powszechnego w malarstwie renesansowym, przypominający zaokrąglone u góry okno.

Nowym etapem w sztuce było malowanie ściany refektarza klasztoru Santa Maria del Grazie na działce Ostatniej Wieczerzy, którą malowało wielu artystów Quattrocento. „Ostatnia Wieczerza” jest kamieniem węgielnym sztuki klasycznej, realizowała program Wielkiego Renesansu. Leonardo pracował nad tym utworem przez 16 lat. Ogromny fresk, na którym postacie namalowane są w półtorakrotności ich naturalnej wielkości, stał się przykładem mądrego rozumienia praw malarstwa monumentalnego związanego z realną przestrzenią wnętrza. Uosabiał on badania naukowe artysty z zakresu fizyki, optyki, matematyki, anatomii, niezbędne do rozwiązania problemów proporcji i perspektyw w rozległej przestrzeni malarskiej. Co najważniejsze, genialne dzieło Leonarda ma ogromną moc psychologiczną. Żaden z artystów przedstawiających Ostatnią Wieczerzę przed Leonardem nie postawił sobie tak trudnego zadania - poprzez reakcje różnych ludzi, osobowości, temperamentów, reakcji emocjonalnych, ukazać jedyne znaczenie tej wielkiej chwili. 12 apostołów, 12 różnych charakterów objawia się na różne sposoby w momencie duchowego przewrotu. Poprzez ich emocjonalne reakcje, wyrażone w ruchu, ujawniają się odwieczne pytania człowieka: o miłość i nienawiść, oddanie i zdradę, szlachetność i podłość.

Jednym z najsłynniejszych obrazów na świecie było dzieło Leonarda „La Gioconda”. Ten portret żony kupca del Giocondo od wieków przyciąga uwagę, napisano o nim setki stron komentarzy, został porwany, podrobiony, skopiowany, przypisywano mu moc czarów. Nieuchwytny wyraz twarzy Mony Lisy wymyka się dokładnemu opisowi i reprodukcji. Ten portret stał się arcydziełem sztuki renesansowej.

Po raz pierwszy w historii sztuki światowej gatunek portretowy osiągnął ten sam poziom, co kompozycje o tematyce religijnej.

Idee renesansowej sztuki monumentalnej znalazły żywy wyraz w twórczości Rafaela Santiego (1483-1520). Leonardo stworzył styl klasyczny, Rafael go zatwierdził i spopularyzował. Sztuka Rafaela jest często określana mianem „złotego środka”.

Twórczość Rafaela wyróżniają cechy klasyki – klarowność, szlachetna prostota, harmonia. Z całą swoją istotą wiąże się z duchową kulturą renesansu. Był o 30 lat młodszy od Leonarda i zmarł niemal równocześnie z nim, dokonawszy tak wiele w historii sztuki, że trudno sobie wyobrazić, by mógł to wszystko zrobić jeden człowiek. Wszechstronny artysta, architekt, muralista, mistrz portretu i kompozycji wielopostaciowej, utalentowany dekorator, był centralną postacią życia artystycznego Rzymu. Szczytem jego umiejętności była „Madonna Sykstyńska”, napisana w 1516 roku dla klasztoru benedyktynów w Piacenzy (obecnie obraz znajduje się w Dreźnie). Dla wielu jest miarą najpiękniejszego, co sztuka może stworzyć.

Ta kompozycja ołtarzowa od wieków postrzegana jest jako formuła piękna i harmonii. Tragiczne uczucie emanuje z zadziwiająco uduchowionych twarzy Madonny i Bożego Dzieciątka, które daje jako przebłaganie za ludzkie grzechy. Spojrzenie Madonny skierowane jakby przez widza, pełne jest żałobnej przezorności. Obraz ten ucieleśnia syntezę starożytnego ideału piękna z duchowością ideału chrześcijańskiego.

Historyczną zasługą sztuki Rafaela jest to, że połączył on w jedną całość dwa światy – świat chrześcijański i świat pogański. Od tego czasu nowy ideał artystyczny ugruntował się w sztuce sakralnej Europy Zachodniej.

Rzeźba renesansowa

Jasny geniusz Rafaela był daleki od psychologicznej głębi wewnętrznego świata człowieka, takiego jak geniusz Leonarda, ale jeszcze bardziej obcy tragicznemu światopoglądowi Michała Anioła. Michał Anioł Buonarroti (1475-1564) żył długim, trudnym i heroicznym życiem. Jego geniusz przejawiał się w architekturze, malarstwie, poezji, ale najwyraźniej w rzeźbie. Świat postrzegał plastycznie, we wszystkich dziedzinach sztuki jest przede wszystkim rzeźbiarzem. Ludzkie ciało wydaje mu się najbardziej godnym tematem obrazu. Ale to jest człowiek wyjątkowej, potężnej, bohaterskiej rasy. Sztuka Michała Anioła poświęcona jest gloryfikacji ludzkiego wojownika, jego heroicznej działalności i cierpieniu. Jego sztukę charakteryzuje gigantomania, tytaniczny początek. To jest sztuka placów, budynków publicznych, a nie pałacowych sal, sztuka dla ludu, a nie dla dworskiej arystokracji.

XV wiek to okres rozkwitu rzeźby monumentalnej we Włoszech. Opuszcza wnętrza na elewacjach kościołów i budynków cywilnych, na miejskim placu, staje się częścią miejskiego zespołu.

Jednym z najwcześniejszych i najbardziej znanych dzieł Michała Anioła jest pięciometrowy posąg Dawida na placu we Florencji, symbolizujący zwycięstwo młodego Dawida nad olbrzymem Goliatem. Otwarcie pomnika stało się świętem narodowym, bo Florentczycy widzieli w Dawidzie bliskiego sobie bohatera, obywatela i obrońcę republiki.

Renesansowi rzeźbiarze zwrócili się nie tylko do tradycyjnych obrazów chrześcijańskich, ale także do żyjących ludzi, współczesnych. Z tym pragnieniem utrwalenia wizerunku prawdziwego współczesnego wiąże się rozwój gatunku portretu rzeźbiarskiego, nagrobka, medalu portretowego, pomnika konnego. Rzeźby te zdobiły place miast, zmieniając ich wygląd.

Renesansowa rzeźba powraca do starożytnych tradycji sztuk plastycznych. Obiektem badań stają się pomniki rzeźby antycznej, przykład języka plastycznego. Rzeźba przed malarstwem odchodzi od średniowiecznych kanonów i wkracza na nową drogę rozwoju. Być może wynika to z miejsca, jakie zajmowała w średniowiecznych świątyniach. Podczas budowy wielkich katedr powstawały warsztaty, które kształciły dobrze wyszkolonych rzeźbiarzy-dekoratorów. Warsztaty rzeźbiarskie były wiodącymi ośrodkami życia artystycznego i odgrywały ważną rolę w badaniach starożytności i anatomii ludzkiego ciała. Osiągnięcia rzeźby wczesnego renesansu wywarły ogromny wpływ na malarzy, którzy postrzegali żywego człowieka przez pryzmat plastyczności. Rzeźbiarze renesansu osiągają pełnię znaczenia ludzkiego ciała, uwalniają je spod masy ubrań, w których postacie ukrywał średniowieczny gotyk. Ścieżkę, którą podążała Hellada w ciągu trzech wieków, przebyły trzy pokolenia mistrzów renesansu.

Włochy to kraj, który zawsze słynął ze swoich artystów. Wielcy mistrzowie, którzy kiedyś mieszkali we Włoszech, wychwalali sztukę na całym świecie. Możemy z całą pewnością powiedzieć, że gdyby nie włoscy artyści, rzeźbiarze i architekci, świat wyglądałby dziś zupełnie inaczej. Najważniejszy w sztuce włoskiej jest oczywiście brany pod uwagę. Włochy w okresie renesansu lub renesansu osiągnęły bezprecedensowy wzrost i dobrobyt. Utalentowani artyści, rzeźbiarze, wynalazcy, prawdziwi geniusze, którzy pojawili się w tamtych czasach, są nadal znani każdemu uczniowi. Ich sztuka, kreatywność, pomysły, osiągnięcia są dziś uważane za klasykę, rdzeń, na którym zbudowana jest światowa sztuka i kultura.

Jednym z najbardziej znanych geniuszy włoskiego renesansu jest oczywiście Wielki Leonardo da Vinci(1452-1519). Da Vinci był tak utalentowany, że osiągnął wielkie sukcesy w wielu dziedzinach działalności, w tym w sztukach wizualnych i nauce. Innym znanym artystą, który jest uznanym mistrzem, jest Sandro Botticellego(1445-1510). Obrazy Botticellego są prawdziwym darem dla ludzkości. Dziś jego gęste znajdują się w najsłynniejszych muzeach świata i są naprawdę bezcenne. Nie mniej znany niż Leonardo da Vinci i Botticelli Rafał Santi(1483-1520), który żył 38 lat iw tym czasie udało mu się stworzyć całą warstwę oszałamiającego malarstwa, które stało się jednym z najjaśniejszych przykładów wczesnego renesansu. Nie ma wątpliwości, że jest jeszcze jeden wielki geniusz włoskiego renesansu Michał Anioł Buonarotti(1475-1564). Oprócz malarstwa Michał Anioł zajmował się rzeźbą, architekturą i poezją i osiągnął świetne wyniki w tych sztukach. Posąg Michała Anioła zwany „Dawidem” uważany jest za niezrównane arcydzieło, przykład najwyższego osiągnięcia sztuki rzeźbiarskiej.

Oprócz wspomnianych artystów, największymi artystami Włoch renesansu byli tacy mistrzowie jak Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Tycjan, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi i inni. . Wszystkie były doskonałym przykładem wspaniałej weneckiej szkoły malarstwa. Do florenckiej szkoły malarstwa włoskiego należą tacy artyści jak: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, Andrea Del Sarto.

Aby wymienić wszystkich artystów, którzy pracowali w okresie renesansu, późnego renesansu i wieków później, którzy stali się znani całemu światu i gloryfikowali sztukę malarską, opracowali podstawowe zasady i prawa leżące u podstaw wszystkich typów i gatunków malarstwa. sztuk pięknych, być może napisanie tego zajmie kilka tomów, ale ta lista wystarczy, aby zrozumieć, że Wielcy Artyści Włoscy to sztuka, którą znamy, którą kochamy i którą zawsze będziemy cenić!

Obrazy wielkich włoskich artystów

Andrea Mantegna – Fresk w Camera degli Sposi

Giorgione - Trzech Filozofów

Leonardo da Vinci – Mona Lisa

Nicolas Poussin - Wielkoduszność Scypiona

Paolo Veronese - Bitwa pod Lepanto