Sztuka już od kilku wieków uznawana jest za jedno z najcenniejszych dóbr. kultura ludzka. Obrazy znany artysta stają się skarbem państwa, nad którym bacznie czuwają tysiące specjalistów, a kosztują setki milionów dolarów. W naszym kraju sztukę ceni się znacznie mniej, ale chyba każdy zna poniższe najbardziej znane obrazy Rosyjscy artyści. Każdy wykształcony człowiek powinien o nich wiedzieć.
Ukazanie się Chrystusa ludziomAleksander Iwanow
„Pojawienie się Chrystusa ludziom” odpowiednio otwiera szczyt najsłynniejszych obrazów rosyjskich artystów. Rosyjski artysta Aleksander Iwanow zasłynął z obrazu „Pojawienie się Chrystusa ludziom”, który malował przez całe dwadzieścia lat. Rozmiar obrazu jest niesamowity, podobnie jak jego szczegółowość. Autor inspirował się oczywiście scenami z Biblii i było to dalekie od pierwszej pracy artysty o tematyce religijnej – Iwanow wiedział, co wszystkim się podoba na pierwszym obrazie, i ucieleśniał to ponownie – w ostatni raz. Obraz został nazwany przez współczesnych nie tylko niesamowitym, ale najbardziej ważne wydarzenie w ich życiu. Jak na ironię, tego samego dnia zmarł sam Iwanow, a car kupił obraz zaraz po śmierci autora.
Wasilij Pukirew
Za niezwykle głęboki obraz Wasilija Pukirewa uważany jest jeden z najsłynniejszych obrazów rosyjskich artystów. Pukirev to niezwykły wieśniak, który zasłynął tylko z jednego obrazu - wszystkie inne dzieła autora zostały zapomniane. Dlaczego dokładnie” Nierówne małżeństwo„? Zdjęcie opisuje fabułę z życia samego Pukirewa - jest on nawet przedstawiony na samym zdjęciu. Młody Pukirew stoi w tle ze skrzyżowanymi ramionami i nie może nic zrobić, bo jego narzeczona wychodzi za mąż za starego generała. Sam Kostomarow, obejrzawszy płótno, poślubił młodą dziewczynę.
Przybyły Wieże Aleksiej Sawrasow
„Przybyły gawrony”- najsłynniejszy obraz rosyjskiego artysty Aleksieja Savrasowa. Obraz zyskał popularność już podczas pierwszej wystawy, gdzie doceniono go za realizm i szczerość. „Takie krajobrazy są tylko w Rooks” – mówili o obrazie Savrasova. Co ciekawe, widoczny w tle kościół istnieje i w niezmienionej formie istnieje do dziś. W tej samej wiosce słynny Susanin dokonał swojego wyczynu.
Myśliwi w spoczynku Wasilij Perow
Autor obrazu „Myśliwi w odwrocie” Jest znany autor Wasilij Grigoriewicz Perow. Teraz wszyscy znają ten jeden z najsłynniejszych obrazów rosyjskich artystów, aw XIX wieku wielu uważało go za nieudany. Byli i tacy, którzy podziwiali twórczość Perowa. Przede wszystkim podziwiałam pracę świetny klasyk Dostojewski. Niektórzy krytykowali obraz ze względu na nierzetelność, ponieważ Perow malował myśliwych od swoich przyjaciół, którzy nie byli zaznajomieni z tego rodzaju zawodem.
Trzej Bogatyrzy Wiktor Wasniecow
Wiktor Wasniecow stworzył jeden z najsłynniejszych obrazów wśród rosyjskich autorów - „Trzej bohaterowie”. Wasnetsow powiedział, że zainspirowały go grube dęby - był zdumiony ich mocą, a bohaterowie pojawili się mu nieco później we śnie. Obrazek przedstawia znane postacie Rosjanie ludowe opowieści. W samym centrum przedstawiony jest Ilja Muromiec, w którego dłoni trzyma włócznię, po lewej stronie Dobrynya Nikitich dobywający miecz, a po prawej Alosza Popowicz z łukiem i strzałami. Wiadomo, że artysta namalował Aloszę od syna Mamontowa, w którego majątku wisiał obraz. A pozostali bohaterowie są podobni do członków rodziny samego Wasnetsowa.
dziewczyna z brzoskwiniami Walenty Sierow
Walentin Aleksandrowicz Sierow, w przeciwieństwie do poprzednich autorów, po malowaniu "Brzoskwiniowa dziewczyna", stał się jednym z najbardziej znaczący artyści w imperium. Zdjęcie zrobiło na publiczności ogromne wrażenie, a nawet rodzina królewskaże zwróciła się do autorki z zamówieniem na kilka kolejnych obrazów, które miały ozdobić pałace królewskie. „Dziewczyna z brzoskwiniami” zasłużenie wchodzi na szczyt najsłynniejszych obrazów rosyjskich artystów ze względu na radość, jaką promieniuje dziewczyna. Krytycy nazywają obraz „żywym”. Ale wyobraźcie sobie, jak to było z dziewczyną, która musiała pozować dla Sierowa, a nie tylko on ucieleśniał tę młodą damę na swoich płótnach.
Przewoźnicy barek na Wołdze Ilia Efimowicz
Ilya Efimovich – pochodząca z Ukrainy, w dzieciństwie nigdy nie widziała duże statki, przewoźnicy barek, a tym bardziej Wołga. Po raz pierwszy Efimowicz zobaczył przewoźników barek na Newie, gdzie ułożył fabułę przyszłego arcydzieła. Teraz „Przewoźnicy barek na Wołdze” jeden z najbardziej odkrywczych obrazów rosyjskich artystów, który zasłużenie trafia do pierwszej dziesiątki. Obraz był wielokrotnie opisywany przez wielkich postacie literackiełącznie z samym Dostojewskim. Na namalowanie obrazu „Przewoźnicy barek na Wołdze” autor potrzebował na podróż zaledwie 200 rubli. Następnie został sprzedany za jedyne 3000 rubli wielkiemu księciu rosyjskiemu Władimirowi Aleksandrowiczowi. Teraz obraz jest dziedzictwem kultury rosyjskiej i nie można oszacować jego wartości.
Bojar Morozowa Wasilij Surikow
„Bojar Morozowa” Rosyjski artysta Wasilij Surikow jest jednym z najważniejszych eksponatów Galerii Trietiakowskiej i jednym z najsłynniejszych obrazów rosyjskich artystów. Obraz jest duży i zwiedzający są zdumieni szczegółowością życia na tak dużym płótnie. Galeria Trietiakowska kupił obraz za jedyne 25 tysięcy rubli - pieniądze oczywiście są duże jak na XIX wiek, ale obecnie nie można przecenić jego wartości. Co ciekawe, zakup obrazu był dla galerii ryzykiem, gdyż większość nie przyjęła płótna.
Nieznajomy Iwan Kramskoj
Drugi najsłynniejszy obraz rosyjskich artystów jest słusznie zagadkowy "Nieznajomy" Iwan Kramskoj. Małe płótno przedstawia młodą kobietę ubraną w drogie i najbardziej luksusowe ubrania modne ciuchy koniec XIX wiek. Ktoś twierdzi, że zdjęcie przedstawia Annę Kareninę, a niektórzy nawet uważają, że „Nieznajomy” przynosi wielkie nieszczęście każdemu, kto spojrzy w jej oczy. „Nieznany” to najsłynniejszy obraz ze wszystkich dzieł Kramskoja, a świat wciąż nie wie, od kogo artysta namalował obraz. Sam autor nic nie wspomniał.
Jutro w Las sosnowy Iwan Szyszkin
„Poranek w sosnowym lesie”. Iwan Szyszkin, artysta, który w akademii odpowiedział, że będzie malarzem pejzażu, namalował słynny obraz „Poranek w sosnowym lesie”. Nawet małe dzieci wiedzą o płótnie, chociaż nazywają je „niedźwiedziami”, ponieważ są na nich przedstawiane czekoladki o tej samej nazwie. Wśród artystów rosyjskich najbardziej rozpoznawalnym i często krytykowanym za brak realizmu jest „Poranek w sosnowym lesie” Szyszkina. Najbardziej irytujący narzekają, że jest dokładnie trzy młode, bo niedźwiedzica rzadko ma takie potomstwo. Obraz zyskał popularność dzięki bajecznie pięknemu leśnemu pejzażowi z dodatkiem fabuły zwierzęcej, czyli rodziny niedźwiedziej.
). Jednak w ramach tego artykułu rozważymy tylko sztukę przedmiotową.
Historycznie rzecz biorąc, wszystkie gatunki dzieliły się na wysokie i niskie. DO wysoki gatunek lub malarstwo historyczne obejmowało dzieła o charakterze monumentalnym, które niosą ze sobą pewien rodzaj moralności, sensowny pomysł, przedstawiające wydarzenia historyczne, militarne związane z religią, mitologią lub fikcją.
DO niski gatunek obejmowało wszystko, co dotyczy życia codziennego. Są to martwe natury, portrety, malowanie domu, krajobrazy, zwierzęcość, obrazy nagich ludzi i nie tylko.
Animalizm (łac. zwierzę - zwierzę)
Gatunek zwierzęcy powstał w starożytności, kiedy pierwsi ludzie malowali na skałach drapieżne zwierzęta. Stopniowo ten kierunek rozwinął się niezależny gatunek, sugerując wyrazisty obraz dowolnych zwierząt. Animaliści zazwyczaj wykazują duże zainteresowanie światem zwierząt, na przykład mogą być doskonałymi jeźdźcami, hodować zwierzęta lub po prostu przez długi czas uczyć się swoich nawyków. W zamyśle artysty zwierzęta mogą wyglądać realistycznie lub w formie obrazów artystycznych.
Wśród rosyjskich artystów wielu dobrze znało się na przykład na koniach i. Tak więc w słynnym obrazie Wasnetsowa „Bogatyrs” bohaterskie konie przedstawione z największą umiejętnością: kolory, zachowanie zwierząt, uzdy i ich połączenie z jeźdźcami są starannie przemyślane. Sierow nie lubił ludzi i pod wieloma względami traktował konia lepiej niż mężczyzna, przez co często przedstawiał ją w różnych scenach. chociaż malował zwierzęta, nie uważał się za malarza zwierząt, więc trzyma się swojego sławny obraz„Rano w Las sosnowy„Stworzony przez malarza zwierząt K. Savitsky’ego.
W czasach carskich szczególną popularnością cieszyły się portrety ze zwierzętami, które były bliskie człowiekowi. Na przykład na zdjęciu pojawiła się cesarzowa Katarzyna II ze swoim ukochanym psem. Zwierzęta pojawiały się także na portretach innych rosyjskich artystów.
Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów w gatunku krajowym
malarstwo historyczne
Ten gatunek oznacza monumentalne obrazy, które mają na celu przekazanie społeczeństwu wielki projekt, jakąkolwiek prawdę, moralność lub ukazanie znaczących wydarzeń. Znajdują się w nim dzieła o tematyce historycznej, mitologicznej, religijnej, folklorystycznej, a także sceny militarne.
W starożytnych stanach mity i legendy przez długi czas uważano za wydarzenia z przeszłości, dlatego często przedstawiano je na freskach lub wazach. Później artyści zaczęli oddzielać wydarzenia od fikcji, która wyrażała się przede wszystkim w obrazie sceny walki. W Starożytny Rzym Egipt i Grecja na tarczach zwycięskich wojowników często przedstawiały sceny bohaterskich bitew, aby zademonstrować swój triumf nad wrogiem.
W średniowieczu ze względu na dominację dogmatów kościelnych dominowała tematyka religijna, w okresie renesansu społeczeństwo zwracało się w stronę przeszłości głównie po to, by gloryfikować swoje państwa i władców, a od XVIII wieku gatunek ten często zwracano się w stronę edukacji młodych ludzi. ludzie. W Rosji gatunek ten rozpowszechnił się w XIX wieku, kiedy artyści często próbowali analizować życie rosyjskiego społeczeństwa.
W twórczości rosyjskich artystów prezentowane było na przykład malarstwo batalistyczne i. Tematyka mitologiczna i religijna w jego obrazach dotyczyła m.in. malarstwo historyczne dominował y, folklor - y.
Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów z gatunku malarstwa historycznego
Martwa natura (fr. natura - natura i morte - martwa)
Ten gatunek malarstwa kojarzony jest z obrazem obiekty nieożywione. Mogą to być kwiaty, owoce, naczynia, dziczyzna, przybory kuchenne i inne przedmioty, z których artysta często komponuje kompozycję według swojego planu.
Pierwsze martwe natury pojawiły się w krajach starożytnych. W Starożytny Egipt zwyczajowo przedstawiano ofiary bogom w postaci różnych potraw. Jednocześnie rozpoznanie tematu było na pierwszym miejscu, dlatego starożytni artyści nie przywiązywali szczególnej wagi do światłocienia czy faktury martwych natur. W Starożytna Grecja i Rzymie na obrazach i w domach znaleziono kwiaty i owoce, aby ozdobić wnętrza, dzięki czemu były już przedstawiane bardziej wiarygodnie i malowniczo. Powstanie i rozkwit tego gatunku przypada na XVI i XVII wiek, kiedy martwe natury zaczęły zawierać ukryte znaczenia religijne i inne. Jednocześnie pojawiło się wiele ich odmian, w zależności od tematu obrazu (kwiat, owoc, naukowiec itp.).
W Rosji rozkwit martwej natury przypada dopiero na XX wiek, ponieważ wcześniej używano jej głównie w cele edukacyjne. Ale rozwój ten był szybki i uchwycony, łącznie z abstrakcjonizmem ze wszystkimi jego kierunkami. Na przykład tworzył piękne kompozycje kwiatowe, preferował, w nich pracował i często „ożywiał” swoje martwe natury, dając widzowi wrażenie, że naczynia za chwilę spadną ze stołu lub że wszystkie przedmioty zaczną się teraz obracać.
Oczywiście na przedmioty przedstawiane przez artystów wpływały także ich poglądy teoretyczne, światopogląd, stan umysłu. Były to więc przedmioty ukazane według odkrytej przez niego zasady perspektywy sferycznej, a ich dramatyzmem uderzały ekspresjonistyczne martwe natury.
Wielu rosyjskich artystów wykorzystywało martwą naturę głównie do celów edukacyjnych. A więc nie tylko szlifowane umiejętności artystyczne, ale także przeprowadził wiele eksperymentów, układając przedmioty na różne sposoby, pracując ze światłem i kolorem. eksperymentował z kształtem i kolorem linii, czasem odchodząc od realizmu w stronę czystego prymitywizmu, czasem mieszając oba style.
Inni artyści połączyli w martwych naturach to, co przedstawili wcześniej i swoje ulubione rzeczy. Na obrazach można na przykład odnaleźć jego ulubiony wazon, nuty i portret żony, który stworzył już wcześniej, ale przedstawiał ukochane od dzieciństwa kwiaty.
Na przykład wielu innych rosyjskich artystów pracowało w tym samym gatunku i innych.
Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów z gatunku martwej natury
Akt (fr. nudite - nagość, w skrócie nu)
Gatunek ten ma na celu ukazanie piękna nagiego ciała i pojawił się jeszcze przed naszą erą. W świat starożytny duże skupienie płatny rozwój fizyczny ponieważ od tego zależało przetrwanie wszystkiego. rasa ludzka. Tak więc w starożytnej Grecji sportowcy tradycyjnie rywalizowali nago, aby chłopcy i młodzi mężczyźni mogli zobaczyć swoje dobrze rozwinięte ciała i dążyć do tej samej doskonałości fizycznej. Mniej więcej w VII-VI w. pne mi. Pojawiły się także posągi nagich mężczyzn, uosabiające fizyczną siłę mężczyzny. Wręcz przeciwnie, postacie kobiece zawsze pojawiały się przed publicznością w szatach, gdyż dla wyeksponowania kobiece ciało nie został przyjęty.
W kolejnych epokach zmieniał się stosunek do nagich ciał. Tak więc w czasach hellenizmu (od końca VI wieku p.n.e.) wytrzymałość zeszła na dalszy plan, ustępując miejsca podziwianiu męskiej sylwetki. W tym samym czasie zaczęły pojawiać się pierwsze nagie postacie kobiece. W epoce baroku kobiety o wspaniałych kształtach uważano za idealne, w epoce rokoka zmysłowość stała się priorytetem, a w XIX-XX wiek często zakazano obrazów lub rzeźb przedstawiających nagie ciała (zwłaszcza męskie).
Rosyjscy artyści wielokrotnie sięgali w swoich pracach do gatunku aktu. Są to więc tancerze o teatralnych atrybutach, pozujący dziewczęta lub kobiety w centrum monumentalnych wątków. To mnóstwo zmysłowych kobiet, także w parach, to cała seria obrazów przedstawiających nagie kobiety za różne aktywności, a ty jesteś dziewczynami pełnymi niewinności. Niektórzy na przykład przedstawiali zupełnie nagich mężczyzn, chociaż takie obrazy nie były mile widziane przez społeczeństwo tamtych czasów.
Przykłady obrazów znanych rosyjskich artystów z gatunku aktu
Krajobraz (fr. Paysage, z płatów - obszar)
W tym gatunku priorytetem jest obraz naturalny lub sztuczny środowisko: zakątki naturalne, typy miast, wsi, pomniki itp. W zależności od wybranego obiektu wyróżnia się krajobrazy naturalne, przemysłowe, morskie, wiejskie, liryczne i inne.
Pierwsze krajobrazy starożytnych artystów odkryto w sztuka naskalna epoki neolitu i były wizerunki drzew, rzek i jezior. Później do dekoracji domu wykorzystano motyw naturalny. W średniowieczu krajobraz został prawie całkowicie zastąpiony motywami religijnymi, a w renesansie wręcz przeciwnie, wysunął się na pierwszy plan harmonijny związek człowiek i przyroda.
W Rosji malarstwo pejzażowe rozwija się od XVIII wieku i początkowo było ograniczone (na przykład pejzaże powstawały w tym stylu i), ale później cała plejada utalentowanych rosyjskich artystów wzbogaciła ten gatunek technikami z różne style i wskazówki. stworzył tzw. dyskretny krajobraz, czyli zamiast gonić spektakularny widok przedstawił najbardziej intymne momenty rosyjskiej przyrody. i doszedł do lirycznego krajobrazu, który uderzył publiczność subtelnie oddanym nastrojem.
I to jest epicki krajobraz, w którym widzowi ukazuje się cała wspaniałość otaczającego świata. bez końca zwracał się do starożytności, E. Wołkow wiedział, jak zamienić każdy dyskretny krajobraz w poetycki obraz, zadziwił widza swoim cudownym światłem w krajobrazach i mógł bez końca podziwiać leśne zakątki, parki, zachody słońca i przekazywać tę miłość widzowi.
Każdy z pejzażystek skupiał się na pejzażu, który szczególnie go fascynował. Wielu artystów nie mogło przejść obojętnie obok wielkoformatowych projektów budowlanych i malowało wiele pejzaży przemysłowych i miejskich. Wśród nich są dzieła
Jeśli myślisz, że wszyscy wielcy artyści są już w przeszłości, to nie masz pojęcia, jak bardzo się mylisz. W tym artykule dowiesz się o najbardziej znanych i utalentowani artyści nowoczesność. I wierzcie mi, ich dzieła zapadną w pamięć nie mniej głęboko niż dzieła mistrza z minionych epok.
Wojciecha Babskiego
Wojciech Babski - nowoczesny Polski artysta. Absolwent śląskiego instytut politechniczny, ale związał się z . W Ostatnio przyciąga głównie kobiety. Koncentruje się na manifestacji emocji, stara się uzyskać jak największy efekt prostymi środkami.
Uwielbia kolor, ale często sięga po odcienie czerni i szarości, aby uzyskać jak najlepsze wrażenie. Nie boi się eksperymentować z nowymi technikami. Ostatnio zyskuje coraz większą popularność za granicą, głównie w Wielkiej Brytanii, gdzie z sukcesem sprzedaje swoje prace, które znajdują się już w wielu prywatnych kolekcjach. Oprócz sztuki interesuje się kosmologią i filozofią. Słucha jazzu. Obecnie mieszka i pracuje w Katowicach.
Warrena Changa
Warren Chang – nowoczesny Amerykański artysta. Urodzony w 1957 r. i wychowany w Monterey w Kalifornii, ukończył z wyróżnieniem Art Center College of Design w Pasadenie w 1981 r., uzyskując tytuł licencjata sztuk pięknych w dziedzinie sztuk pięknych. Przez następne dwie dekady pracował jako ilustrator dla różnych firm w Kalifornii i Nowym Jorku, zanim w 2009 roku rozpoczął karierę jako profesjonalny artysta.
Jego realistyczne obrazy można podzielić na dwie główne kategorie: biograficzne obrazy do wnętrz i obrazy przedstawiające ludzi pracy. Jego zainteresowanie tym stylem malarstwa ma swoje korzenie w twórczości XVI-wiecznego malarza Jana Vermeera i rozciąga się na przedmioty, autoportrety, portrety członków rodziny, przyjaciół, uczniów, wnętrza pracowni, klas i domów. Jego celem jest realistyczne obrazy kreuj nastrój i emocje poprzez manipulację światłem i użycie stonowanych kolorów.
Chang zasłynął po przejściu na tradycyjne sztuki wizualne. W ciągu ostatnich 12 lat zdobył wiele nagród i wyróżnień, z których najbardziej prestiżowym był Master Signature przyznany przez Oil Painters Association of America, największej społeczności malarskiej w Stanach Zjednoczonych. Tylko jedna osoba na 50 ma zaszczyt otrzymać tę nagrodę. Obecnie Warren mieszka w Monterey i pracuje w swojej pracowni, wykłada także (znany jako utalentowany nauczyciel) w San Francisco Academy of the Arts.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni – włoski artysta. Urodzony w Blair, 15 października 1955 r. Ukończyła scenografię w Instytucie Sztuki w Spoleto. Jako artysta jest samoukiem, gdyż samodzielnie „zbudował dom wiedzy” na fundamencie wyciągniętym w szkole. Zaczął malować olejami w wieku 19 lat. Obecnie mieszka i pracuje w Umbrii.
Wczesne malarstwo Bruniego zakorzenione jest w surrealizmie, jednak z czasem zaczyna on skupiać się na bliskości lirycznego romantyzmu i symboliki, wzmacniając to połączenie wyjątkowym wyrafinowaniem i czystością swoich bohaterów. Obiekty ożywione i nieożywione nabierają równej godności i wyglądają niemal hiperrealistycznie, ale jednocześnie nie chowają się za zasłoną, ale pozwalają dojrzeć istotę swojej duszy. Wszechstronność i wyrafinowanie, zmysłowość i samotność, troskliwość i płodność to duch Aurelio Bruni, karmiony splendorem sztuki i harmonią muzyki.
Aleksander Balos
Alkasandr Balos to współczesny polski artysta specjalizujący się w malarstwie olejnym. Urodzony w 1970 w Gliwicach, od 1989 mieszka i pracuje w USA, w mieście Shasta w Kalifornii.
Już w dzieciństwie uczył się plastyki pod okiem ojca Jana, artysty-samouka i rzeźbiarza, więc od młodym wieku, działalność artystyczna otrzymała pełne wsparcie od obojga rodziców. W 1989 roku, w wieku osiemnastu lat, Balos wyjechał z Polski do Stanów Zjednoczonych, gdzie przebywał nauczyciel szkoły a pracująca na pół etatu artystka Cathy Gaggliardi zachęcała Alcasandera do wejścia Szkoła Artystyczna. Następnie Balos otrzymał pełne stypendium na Uniwersytecie Milwaukee Wisconsin, gdzie studiował malarstwo pod kierunkiem profesora filozofii Harry'ego Rosina.
Po ukończeniu studiów w 1995 roku i uzyskaniu tytułu licencjata Balos przeniósł się do Chicago, aby rozpocząć naukę w szkole Dzieła wizualne których metody opierają się na kreatywności Jacques-Louis David. realizm figuratywny i malarstwo portretowe był bardzo twórczości Balosa z lat 90. i początku XXI wieku. Dziś Balos używa postać ludzka w celu uwypuklenia cech i ukazania braków istota ludzka nie oferując żadnych rozwiązań.
Kompozycje fabularne jego obrazów przeznaczone są do samodzielnej interpretacji przez widza, dopiero wtedy płótna nabiorą prawdziwego znaczenia czasowego i subiektywnego. W 2005 roku artysta przeniósł się do Północnej Kalifornii, od tego czasu zakres jego twórczości znacznie się poszerzył i obejmuje obecnie bardziej swobodne metody malarskie, w tym abstrakcję i różne style multimedialne, które pomagają wyrażać idee i ideały bytu poprzez malarstwo.
Alyssa Monks
Alyssa Monks to współczesna amerykańska artystka. Urodziła się w 1977 roku w Ridgewood w stanie New Jersey. Malowaniem zainteresowała się już jako dziecko. Studiował w New School w Nowym Jorku i Uniwersytet stanowy Montclair i ukończył Boston College w 1999 roku, uzyskując tytuł licencjata. Jednocześnie studiowała malarstwo na tej uczelni Lorenzo Medici we Florencji.
Następnie kontynuowała naukę w ramach programu magisterskiego w New York Academy of Art na Wydziale Sztuki Figuratywnej, którą ukończyła w 2001 roku. W 2006 roku ukończyła Fullerton College. Przez pewien czas wykładała na uniwersytetach i instytucje edukacyjne na terenie całego kraju, wykładając malarstwo w New York Academy of Art, a także na Montclair State University i Lyme Academy College of Art.
„Używając filtrów takich jak szkło, winyl, woda i para, zniekształcam Ludzkie ciało. Filtry te umożliwiają tworzenie duże obszary abstrakcyjny projekt, z prześwitującymi wyspami koloru - częściami ludzkiego ciała.
Moje zdjęcia się zmieniają nowoczesny wygląd do utrwalonych już, tradycyjnych pozycji i gestów kąpiących się kobiet. Mogłyby wiele powiedzieć uważnemu widzowi o tak pozornie oczywistych rzeczach, jak zalety pływania, tańca i tak dalej. Moje postacie są dociskane do szyby okna prysznicowego, zniekształcając je własne ciało, zdając sobie sprawę, że w ten sposób wpływają na notoryczne męskie spojrzenie na nagą kobietę. Grube warstwy farby miesza się ze sobą, aby z daleka imitować szkło, parę, wodę i ciało. Jednak z bliska zachwycający właściwości fizyczne farba olejna. Eksperymentując z warstwami farby i koloru, znajduję moment, w którym abstrakcyjne pociągnięcia stają się czymś innym.
Kiedy po raz pierwszy zacząłem malować ludzkie ciało, od razu byłem nim zafascynowany, a nawet miałem obsesję i poczułem, że muszę uczynić moje obrazy jak najbardziej realistycznymi. „Wyznawałem” realizm, dopóki nie zaczął się on rozpadać i dekonstruować. Teraz badam możliwości i potencjał stylu malarstwa, na którym spotykają się malarstwo przedstawiające i abstrakcja – jeśli oba style będą mogły współistnieć w tym samym momencie, zrobię to”.
Antonia Finelliego
Włoski artysta - obserwator czasu” – Antonio Finelli urodził się 23 lutego 1985 roku. Obecnie mieszka i pracuje we Włoszech pomiędzy Rzymem a Campobasso. Jego prace wystawiane były w kilku galeriach we Włoszech i za granicą: Rzymie, Florencji, Novarze, Genui, Palermo, Stambule, Ankarze, Nowym Jorku, znajdują się także w kolekcjach prywatnych i publicznych.
Rysunki ołówkiem” Strażnik czasu” Antonio Finelli wysyła nas w wieczną podróż wewnętrzny świat czasowość człowieka i związana z nią wnikliwa analiza tego świata, której głównym elementem jest przemijanie czasu i ślady, jakie zostawia na skórze.
Finelli maluje portrety osób w każdym wieku, płci i narodowości, których mimika wskazuje na upływ czasu, a artysta pragnie także znaleźć dowody bezwzględności czasu na ciałach swoich bohaterów. Antonio określa swoje prace jednym ogólnym tytułem: „Autoportret”, ponieważ w swoich rysunkach ołówkiem nie tylko przedstawia osobę, ale pozwala widzowi kontemplować rzeczywiste skutki upływu czasu w człowieku.
Flaminię Carloni
Flaminia Carloni to 37-letnia włoska artystka, córka dyplomaty. Ma trójkę dzieci. Dwanaście lat mieszkała w Rzymie, trzy lata w Anglii i Francji. Uzyskał dyplom z historii sztuki w BD School of Art. Następnie uzyskała dyplom specjalisty konserwatora dzieł sztuki. Zanim znalazła swoje powołanie i całkowicie poświęciła się malarstwu, pracowała jako dziennikarka, kolorystka, projektantka i aktorka.
Pasja Flaminii do malarstwa zrodziła się już w dzieciństwie. Jej głównym medium jest olej, ponieważ uwielbia „coiffer la pate”, a także bawi się materiałem. Podobnej techniki nauczyła się w pracach artysty Pascala Torui. Flaminia inspirowana jest wielkimi mistrzami malarstwa, takimi jak Balthus, Hopper czy François Legrand, a także różnymi ruchami artystycznymi: street artem, realizmem chińskim, surrealizmem i realizmem renesansowym. Jej ulubione malarz Caravaggio. Jej marzeniem jest odkrycie terapeutycznej mocy sztuki.
Denis Czernow
Denis Chernov to utalentowany ukraiński artysta, urodzony w 1978 roku w Samborze w obwodzie lwowskim na Ukrainie. Po ukończeniu Charkowa Szkoła Artystyczna w 1998 przebywał w Charkowie, gdzie obecnie mieszka i pracuje. Studiował także w Charkowie akademia państwowa projektowanie i plastyka, wydział grafiki, dyplom w 2004 roku.
Regularnie uczestniczy w wystawach sztuki, ten moment było ich ponad sześćdziesiąt, zarówno na Ukrainie, jak i za granicą. Większość dzieł Denisa Chernova znajduje się w kolekcjach prywatnych na Ukrainie, w Rosji, Włoszech, Anglii, Hiszpanii, Grecji, Francji, USA, Kanadzie i Japonii. Niektóre prace zostały sprzedane w Christie's.
Denis zajmuje się szeroką gamą grafik i techniki malarskie. Rysunki ołówkiem to jedna z jego ulubionych metod malarskich, lista jego tematów rysunki ołówkiem także bardzo różnorodny, maluje pejzaże, portrety, akty, kompozycje gatunkowe, ilustracje książkowe, literackie i rekonstrukcje historyczne i fantazje.
Mówiąc o gatunku pejzażu, nie sposób nie nawiązać do twórczości wielkich pejzażystek. Teraz trudno sobie wyobrazić, że dwieście lat temu coś takiego jak krajobraz jeszcze nie istniało. Rosyjskie tradycje pejzaż zaczęło się formować dopiero pod koniec XVIII wiek. Wcześniej artyści malowali pod wpływem mistrzów włoskich i francuskich, uszlachetniając przyrodę zgodnie z akademickimi prawami budownictwa, które uważano za obowiązkowe w malarstwie tamtych czasów.
Ogromny wkład w rozwój rosyjskiego krajobrazu wniosło Stowarzyszenie wystawy objazdowe(Wędrowcy) pod przewodnictwem I. N. Kramskoya. Artyści śpiewali o pięknie dyskretnej rosyjskiej natury, prostocie wiejska sceneria, rozległe połacie Rusi.
Główni mistrzowie krajobrazu:
- Aleksiej Kondratiewicz Sawrasow (1830-1897)
- Iwan Konstantinowicz Aiwazowski (1817–1900)
Iwan Iwanowicz Szyszkin (1832-1898)
Sztuka autorstwa I.I. Shishkin jest zaskakująco jasny i przejrzysty. Jego obrazy są hymnem na cześć dzikiej przyrody, jej piękna. Tworzył sztukę pejzażową z zaroślami iglastymi, o nieograniczonej przestrzeni, z całą prostotą północnego krajobrazu.
W wieku 12 lat, za namową ojca, został skierowany do I gimnazjum w Kazaniu. Pełny kurs nigdy nie skończył. W 1852 przeniósł się do Moskwy i wstąpił do Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury. Tutaj A. N. Mokritsky został mentorem Szyszkina. Po ukończeniu kursu (1856) utalentowanemu uczniowi zalecono kontynuowanie nauki w Petersburgu na Akademii Sztuk Pięknych. Jego szkolenie prowadził S. M. Vorobyov.
Nauczyciele natychmiast zauważyli zamiłowanie Szyszkina do malarstwa pejzażowego. Już w pierwszym roku pobytu na uczelni został odznaczony małym srebrnym medalem za „Widok w okolicach Petersburga”. W 1858 roku artysta otrzymał Wielki Srebrny Medal za obraz „Widok na wyspę Valaam”.
Osiągnięte sukcesy pozwoliły Shishkinowi dokonać podróż zagraniczna jako stypendysta Akademii. Podróż rozpoczęła się w Monachium (1861), gdzie Iwan Iwanowicz odwiedził warsztaty popularnych malarzy zwierząt B. i F. Adamowa. W 1863 r. Szyszkin przeprowadził się do Zurychu, następnie do Genewy, Pragi i Dusseldorfu. Tęskniąc za ojczyzną, w 1866 roku, jeszcze przed wygaśnięciem stypendium, wrócił do Petersburga.
W Rosji artysta otrzymał tytuł akademika (1865). Od tamtego czasu najwięcej owocny okres twórczość malarza. Powstały obrazy „Wycięcie lasu” (1867), „Żyto” (1878), „Sosny oświetlone słońcem” (1886), „Poranek w lesie sosnowym” (1889), niedźwiedzie namalował K. A. Savitsky), „ gaj okrętowy„(1898) i wiele innych.
Szyszkin aktywnie pracował na świeżym powietrzu, często się angażował cel artystyczny podróżować po Rosji. Wystawiał swoje prace niemal co roku – najpierw w akademii, a potem, już po powstaniu Stowarzyszenia Podróżników. wystawy sztuki(1870) na tych wystawach.
Iwan Iljicz Lewitan (1860-1900)
Urodził się 30 sierpnia 1860 roku w litewskim mieście Kybartai w rodzinie żydowskiej. Mój ojciec był drobnym pracownikiem władz miejskich. Wkrótce po urodzeniu najmłodszego syna rodzina przeniosła się do Moskwy. W wieku 13 lat Izaak został przyjęty Szkoła Moskiewska malarstwo, rzeźba i architektura w klasie A. K. Savrasova i V. D. Polenova. Od samego początku studiów Lewitan zarabiał na życie biorąc lekcje i zlecając portrety. Studia ukończył znakomicie, ale ze względu na swoje pochodzenie uzyskał dyplom nauczyciela kaligrafii.
pierwszy Duży obraz « Ciche mieszkanie– pisał po podróży w 1890 roku na północ Rosji. Płótno zakupił do swojej galerii P. M. Tretiakow. W 1892 roku artysta zmuszony był opuścić Moskwę z powodu zakazu Żydom zamieszkiwania w stolicach. Osiedlił się we wsi położonej wzdłuż szosy włodzimierskiej, którą wywożono skazańców na Syberię. Artysta uwiecznił te miejsca na obrazie „Władimirka” (1892). W latach 90. Lewitan odbył kolejną podróż, tym razem wzdłuż Wołgi. Tam narodził się obraz Świeża bryza. Wołga” (1891-1895). Zaostrzenie gruźlicy spowodowało, że artysta wyjechał za granicę, do Francji, a następnie do Włoch, choć starania przyjaciół pomogły mu uzyskać pozwolenie na zamieszkanie w Moskwie.
Wracając do domu, w 1898 roku Lewitan zaczął uczyć w szkole, którą ukończył, w klasie krajobrazu. Jego stan zdrowia pogarszał się i w 1899 roku artysta na zaproszenie A.P. Czechowa wyjechał do Jałty. Po powrocie zaczął ponownie nauczać, ale jego stan zdrowia nadal się pogarszał i 4 sierpnia 1900 roku Lewitan zmarł.
Krajobrazy piosenkarza o rosyjskiej naturze to nie tylko obraz fotograficzny natura - artystce udało się przekazać swój żywy oddech. Nic dziwnego, że krytyk V.V. Stasov nazwał obrazy Lewitana emocjonalnymi wierszami. Jednocześnie Lewitan był nie tylko wielkim malarzem pejzażu. Jego dziedzictwo twórcze wykonuje także rysunki, akwarele, ilustracje książkowe.
Miasto Plyos jest związane z imieniem Izaaka Lewitana. Lewitan przybywa do Plesu trzy lata z rzędu, w latach 1888–1890. W pobliżu Plyos nie ma ani jednego zakrętu ani ścieżki, gdziekolwiek się udasz Wielki mistrz. Zainspirowany magicznym pięknem Plyos, maluje tu prawie 200 obrazów i szkiców! Teraz słynne obrazy: „Ponad wieczny pokój”, „Po deszczu. Proszę”, „Wieczór. Złoty Plyos, Brzozowy Gaj i wiele innych stały się ozdobą zbiorów Galerii Trietiakowskiej, Muzeum Rosyjskiego oraz wielu kolekcji w Rosji i za granicą.
Wasilij Dmitriewicz Polenow (1844-1927)
Urodzony 1 czerwca 1844 roku w majątku Borok (obecnie Polenovo w Region Tuły) w rodzinie archeologa i bibliografa D. V. Polenova. Po otrzymaniu wykształcenia średniego Wasilij wszedł Akademii Petersburga sztuki (1863), a nieco później zaczął uczęszczać na wykłady u Szkoła prawnicza na Uniwersytecie.
W 1872 r. Polenow, który ukończył oba kursy z wyróżnieniem, otrzymał wyjazd za granicę na koszt akademii. Odwiedził Wiedeń, Wenecję, Florencję, Neapol, przez długi czas mieszkał w Paryżu. Wizyta w domu była krótkotrwała; w 1876 roku artysta zgłosił się na ochotnika do wojny serbsko-czarnogórsko-tureckiej.
W kolejnych latach dużo podróżował po Bliskim Wschodzie i Grecji (1881-1882, 1899, 1909), Włoszech (1883-1884, 1894-1895). W 1879 wstąpił do Towarzystwa Wędrowców. W latach 1882-1895. wykładał w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury.
W uznaniu zasług Polenowa w 1893 roku został wybrany na członka zwyczajnego Akademii Sztuk Pięknych. Od 1910 roku zajmował się rozwojem teatrów prowincjonalnych, stając się trzy lata później kierownikiem sekcji specjalnej Moskiewskiego Towarzystwa Uniwersytetów Ludowych.
Polenov jest znany jako autor dzieła różnych gatunków. Zwrócił się do tematów historycznych i religijnych - „Chrystus i grzesznik” (1886–1887), „Nad Jeziorem Tyberiadzkim” (1888), „Wśród nauczycieli” (1896); w 1877 stworzył serię szkiców kremlowskich katedr i komnat pałacowych; V inny czas stworzył scenografię teatralną. Według jego szkiców kościoły wzniesiono w Abramcewie (we współpracy z V. M. Wasnetsowem) i w Bechowie koło Tarusy (1906). Ale największą sławę przyniosły mu krajobrazy Polenowa: „Dziedziniec moskiewski” (1878), „Ogród babci”, „Lato” (oba 1879), „Zarośnięty staw” (1880), „ Złota jesień„(1893), oddając poetycki urok zakątków miejskiego życia i dziewiczej rosyjskiej przyrody.
Ostatnie lata życia artysta spędził w majątku Borok, gdzie zorganizował muzeum sztuki i zbiory naukowe. Od 1927 roku działa tu muzeum-posiadłość V. D. Polenova.
Aleksiej Kondratiewicz Sawrasow (1830 - 1897)
Artysta urodził się 12 (24) maja 1830 roku w Moskwie, w rodzinie kupca III cechu, Kondratego Artemyevicha Savrasova. Wbrew woli ojca, który marzył o przystosowaniu syna do „spraw handlowych”, chłopiec wstąpił w 1844 roku do Moskiewskiej Szkoły Malarstwa i Rzeźby, gdzie uczył się w klasie pejzażysty K.I. Rabusa. Podczas studiów, w 1850 r., ukończył obraz „Kamień w lesie koło Razliwa”, który krytycy sztuki uważają za nieco niezgrabny pod względem kompozycyjnym. W tym samym roku za obraz „Widok Kremla w świetle księżyca” otrzymał tytuł artysty nieklasowego.
Członek-założyciel Stowarzyszenia Objazdowych Wystaw Artystycznych (patrz Wędrowcy). W wczesne prace W S. dominują efekty romantyczne („Widok Kremla przy niepogodzie”, 1851, Galeria Trietiakowska).
W latach 1850-60. Savrasov częściej sięga po spokojne, narracyjne obrazy, w wielu przypadkach naznaczone w swoich pracach dążeniem do jedności kolorystycznej (Wyspa Ełk w Sokolnikach, 1869, ibid.), aby wzmocnić emocjonalne brzmienie światłocienia. Rezultatem tych poszukiwań był obraz „Przybyły gawrony” (1871, ibid.), w którym Savrasow, przedstawiając pozornie nieokreślony motyw i podkreślając w życiu środowisko naturalne moment przejścia (początek wczesna wiosna), udało się wykazać głęboką szczerość rodzima przyroda. Kolejne dzieła Savrasowa („Wiejska droga”, 1873, „Dziedziniec”, lata 70. XIX w.; „Grób nad Wołgą”, 1874, zbiory prywatne, Moskwa) również różnią się bezpośredniością liryczną, zainteresowaniem plenerem.
Aleksiej Sawrasow, jeden z najważniejszych przedstawicieli ruchu lirycznego w rosyjskim pejzażu, wywarł ogromny wpływ na rosyjskich malarzy pejzażystów końca XIX i początku XX wieku.
zmarła A. K. Savrasov 26 września 1897, pochowany w Moskwie, dnia Cmentarz Wagankowski. Aleja, w której jest pochowany, nosi jego imię. Jego ulubionym uczniem był Izaak Lewitan
Arkhip Iwanowicz Kuindzhi (1841-1910)
Urodzony w styczniu 1841 roku w Mariupolu w rodzinie szewca pochodzenia greckiego. Osierocony, wychowywany w rodzinie krewnych. Wcześnie zaczął rysować, a malarstwo opanował głównie samodzielnie.
W 1855 r. Udał się pieszo do Teodozji, aby uczyć się u I.K. Aiwazowskiego. Wpływ słynnego malarza morskiego na młodego Kuindzhi był niezaprzeczalny. Pod koniec lat 60. Kuindzhi przybył do Petersburga. Artysta zaprezentował swoje pierwsze prace w 1868 roku na wystawie Akademii Sztuk Pięknych i wkrótce ugruntował swoją pozycję mistrza pejzażu: „Jesienna lawina błotna” (1872); " zapomniana wioska„(1874); „Trakt Chumacki w Mariupolu” (1875) itp.
W 1870 roku po raz pierwszy odwiedził wyspę Valaam, gdzie później dużo malował. Według współczesnych to właśnie powstałe tam krajobrazy przykuwały uwagę publiczności.
Obraz " Ukraińska noc„(1876) po prostu oszołomił publiczność i wyznaczył szczególną drogę autora w sztuce. Od niej Kuindzhi rozpoczął „pogoń za światłem” - starał się uzyskać całkowitą iluzję naturalnego oświetlenia. Przejawiło się to w najwyższym stopniu w obrazie „Noc nad Dnieprem” (1880) z iskrzącą się ścieżką w świetle księżyca, w aksamitnej ciemności.
Malarz w nowy sposób odsłonił możliwości pejzażu, przemieniając, oczyszczając i uwznioślając rzeczywistość. Osiągnął niezwykłą intensywność i jasność barw, coś nowego rozwiązania kolorystyczne. Charakterystyczne dla niego są liczne „słoneczne” obrazy i szkice (m.in. Gaj Brzozowy", 1879).
Intensywny kontrast nasyconych tonów, efekty świetlne – wszystko to było niezwykłe malarstwo XIX V. zjawisko. Nieporozumienie kolegów zmusiło Kuindzhiego do odmowy udziału w wystawach w momencie największego sukcesu. Ostatnią wystawę swoich prac miał w 1882 r.
Artysta mieszkał jako pustelnik na Krymie, gdzie stworzył serię dużych płócien i setki szkiców, kontynuując eksperymenty z farbą i kolorem. Wśród późnych dzieł Kuindzhiego - jedyne, jakie posiada obraz fabuły„Chrystus w ogrodzie Getsemane” (1901) i „Noc” (1905-1908), oddychające niezwykłą harmonią
W 1909 roku Arkhip Iwanowicz założył Towarzystwo Artystów (które później otrzymało jego imię), które zapewniało wsparcie ludziom sztuki. Malarz zapisał temu Towarzystwu cały swój majątek i dzieła znajdujące się w warsztacie.