Opis prezentacji na poszczególnych slajdach:
1 slajd
Opis slajdu:
Gatunek gospodarstwa domowego w sztuce XIX wieku. Lekcja plastyki klasa VII. Opracowany przez nauczyciela sztuk plastycznych MBOU „Gimnazjum Ekonomiczne”
2 slajdy
Opis slajdu:
gatunek domowy. Gatunek codzienny w sztuce to przedstawianie scen i zdarzeń zaczerpniętych z życia codziennego, odzwierciedlających etapy życia człowieka od narodzin do śmierci, jego pracy, odpoczynku, rozrywki.Termin pochodzi od francuskiego słowa – rodzaj, rasa, styl.
3 slajdy
Opis slajdu:
O czym mówi zdjęcie gospodarstwa domowego? O CZYM MÓWI ZDJĘCIE GOSPODARSTWA DOMOWEGO? Jeśli gatunek historyczny zwraca się ku przeszłości, to gatunek codzienny zwraca się ku teraźniejszości, ku życiu codziennemu, współczesnemu artyście. Codzienny gatunek jest często nazywany po prostu gatunkiem, a codzienne obrazy - gatunkiem. Wydawałoby się, że co może być interesującego na obrazie zwykłego, niczym nie wyróżniającego się życia? Ale po pierwsze to, co zwyczajne dla artysty XVII wieku, może być ciekawe dla widza XXI wieku - otrzymujemy możliwość obserwacji życia minionych epok. A po drugie, oczywiście, od dawna stało się dla ciebie jasne, że fabuła i fabuła nie są najważniejsze w obrazie. Chociaż tylko w malarstwie rodzajowym, często można znaleźć zabawne historie. Gatunek gospodarstwa domowego pojawił się w Holandii, gdzie w XVII wieku ludzie prowadzili spokojne, wyważone życie i wcale nie byli zainteresowani ozdabianiem swoich skromnych mieszkań portretami królów czy obrazami mitologicznymi. Cieszyły się, widząc na obrazku swoje własne życie, swoje pokoje, swoje zajęcia i czas wolny – podziwiały więc siebie i swoje życie, tak jak my dziś podziwiamy np. mistrzowsko wykonaną fotografię naszego pokoju, czy ukochanego kota w fotelu lub z przyjaciółmi zebranymi na pogawędkę przy filiżance herbaty.
4 slajdy
Opis slajdu:
Wędrowcy. Wędrowcy byli bliscy idei rewolucyjnych demokratów, tezy Czernyszewskiego - "piękne jest życie", pojmowali swoją sztukę jako obowiązek wobec narodu i Ojczyzny. I dlatego wiodącymi gatunkami są historyczne, codzienne, portretowe, pejzażowe. Sceny z historii narodowej (czasem tak ostro odczytywane w kontekście ustroju politycznego i życia społecznego w drugiej połowie XIX wieku Imperium Rosyjskiego), realistyczny opis życia i życia ludzi, portret psychologiczny z którego na widza patrzy sumienie narodu - przedstawiciele inteligencji i chłopów, bliskie sercu obrazy rodzimej przyrody to główne tematy zaawansowanej sztuki rosyjskiej. Wędrowcy otrzymali wsparcie ideologiczne w osobie teoretyka i krytyka V.V. Stasova, znaczące wsparcie materialne w osobie P.I. Trietiakowa. Każda z tych dziedzin malarstwa w XIX wieku miała znaczący wpływ na przyszłą kulturę Europy, niektóre były ważne jedynie dla rozwoju sztuki, inne stały się pewnym czynnikiem społecznym w kształtowaniu opinii publicznej, a nawet światopoglądu koniec XIX i początek XX wieku.
5 slajdów
Opis slajdu:
Aleksiej Wenecjanow. W malarstwie rosyjskim Venetsianov stał się pierwszym mistrzem gatunku domowego. Przedstawił dobrze znane mu chłopskie życie. Często na obrazach Wenecjanowa osoba jest otoczona naturą. Na obrazie „Na polu uprawnym. Wiosna” kobieta prowadzi za uzdę dwa konie zaprzężone w bronę – ogromne grabie spulchniające ziemię. A na skraju pola siedzi dziecko zajęte zabawą. Aleksiej Wenecjanow. Na gruntach ornych. Wiosna. 1820 Płótno, olej. 51,2x65,5. Państwowa Galeria Trietiakowska W tej kompozycji jest jedna dysproporcja: wieśniaczka jest wyższa od koni, ale to są prawdziwe, duże konie robocze, a nie kucyki. Cóż, okazuje się, że artysta nie wiedział, jak zgodnie z prawdą przedstawić postać ludzką lub konia? Zupełnie nie. Zobaczcie, jak nasza bohaterka stąpa bosymi stopami po zaoranej ziemi – płynnie, lekko, jakby tańczyła. Ale czy pracujące wieśniaczki chodzą boso po gruntach ornych? A dziecko bawi się letnimi kwiatami, chabrami, których wiosną nie ma. To poetycki świat, w którym wieśniaczka jest jak bogini, chodzi po ziemi jak miękka chmura. A zwykły rosyjski krajobraz z polem i wysokim niebem wydaje się być przekształcony i nabiera majestatycznych cech.
6 slajdów
Opis slajdu:
Obraz Picie herbaty w Mytiszczach, Krótki opis Obraz Picie herbaty w Mytiszczach został namalowany przez Perowa w 1862 roku na zlecenie administracji miasta Mytiszczi. W maju 1775 r. Carycy Katarzynie 2, która w tym czasie postanowiła odwiedzić Ławrę św. Sergiusza, na trasie orszaku królewskiej eskorty w rejonie Mytiszczów, zaproponowano jej ugaszenie pragnienia w jednym z wiele źródeł Mytiszczi dostarcza wodę do Moskwy. Picie herbaty w Mytiszczach było uważane za dobrą formę z niezwykle smacznej wody ze źródeł na terenie Mytiszczów. Fabuła Herbacianego przyjęcia w Mytiszczach oparta była na prawdziwych wydarzeniach, które Perow często obserwował na różnych przedmieściach Moskwy ważnych i zadowolonych z siebie mnichów pijących herbatę, nieraz artysta widział obdartych kalek żebrzących na ulicach w pobliżu majątków, którzy zwykle przegoniony przez pokojówki. Obraz Herbaciane przyjęcie w Mytiszczach Perowa jest odkrywczym obrazem rodzajowym, w którym artysta starał się szczegółowo opisać rzeczywiste wydarzenia z tamtych czasów, jakby szydził z sytej i chichoczącej publiczności poddanej Rosji. Próbując uciec od malarstwa akademickiego, Perov odbił obraz Tea Party w szaro-brązowych odcieniach, jakby pokazując tę nudę codzienności swoimi środkami obrazkowymi. Picie herbaty w Mytiszczi wywarło ogromne wrażenie na ówczesnej postępowej publiczności na wystawach w Moskwie i Petersburgu, współczesnych nazywano Perowa malarzem satyrycznym z głębokim zrozumieniem rosyjskiego
7 slajdów
Opis slajdu:
Malarstwo „Trojka” Perow Malarstwo Trojka. żywo odzwierciedla te straszne czasy, kiedy praca dzieci była uważana za codzienność. Zimno i głód zmusiły te dzieci do pracy za grosze, aby wyżywić siebie i swoje rodziny. Zmęczone wygórowanym ciężarem dzieci wyciągają z rzeki dużą beczkę wypełnioną wodą, ich ścieżka biegnie wzdłuż nudnych murów klasztoru. Jakiś przechodzień, widząc dzieci przy tak katorżniczej pracy, postanowił pomóc, pchając od tyłu ciężki bagaż. Perow namalował obraz Trojki w brązowo-szarych odcieniach zmierzchu, jakby pokazując widzowi całą nudę i podłość tego bezdusznego czasu, porównując dzieci z trójką zaprzęgniętych koni, których praca jest bezwzględnie wykorzystywana przez bogatych i dobrze odżywionych ludzi . Obraz Perowa Trojka został wymyślony przez artystę, aby otworzyć ludziom oczy na rzeczywistość, co pomaga współczuć i eliminować ludzką bezduszność.
8 slajdów
Opis slajdu:
Wozidła barek na Wołdze Ilya Repin. Wozidła barek na Wołdze opis obrazu Repina 1870-1873 Słynny obraz Ilji Efimowicza Repin Wozidła barek na Wołdze, artysta namalował go w latach 1870-1873. Ilja Efimowicz został zainspirowany do namalowania obrazu Wozidła barek na Wołdze przez jego wyprawę do szkiców wzdłuż Newy, w okolicach Ust-Iżory w 1869 roku. Ciesząc się pięknem przyrody, artystę bardzo poruszyło życie zwykłych ludzi, holowników barek ciągnących ciężką barkę. Zmęczeni, brudni tragarze barek w podartych ubraniach bardzo kontrastowali z bogatą i pompatycznie odzianą publicznością, stojącą zwykle niedaleko brzegu. Cała ta scena bardzo poruszyła malarza, budząc w jego duszy współczucie i litość dla tych ludzi. I dlaczego nie ucieleśnić tej fabuły na płótnie, pomyślał Ilja Efimowicz, jadąc wozidłami Barki, zdając sobie z góry sprawę, że ten obraz będzie miał wielu krytyków, zwłaszcza że pomysł na obraz może wzbudzić w widzu współczucie i litość dla tych nędzarzy.
9 slajdów
Opis slajdu:
Pańszczyzna to już przeszłość, ale dla przeciętnego Rosjanina nic się nie zmienia. Obraz Makowskiego Data - napisany w 1883 roku i jest żywym przykładem malarstwa rosyjskiego. Jak większość innych prac artysty, poświęcona jest trudnemu życiu chłopów tamtej epoki. Chłopi nadal muszą pracować dla obszarników za grosze, a synów posyłają na naukę do warsztatów miejskich. Ale raz w dziwnej rodzinie dzieci żyją niezwykle ciężko. Odseparowani od rodziny, wciąż biedni - z trudem przeżywają z dnia na dzień, pracują do wyczerpania i są nieustannie niedożywieni. To właśnie te aspekty życia opisuje Makovsky. Na małym płótnie twórca przedstawia całą epokę. Widzimy dwie bezimienne postacie: nastoletnie dziecko i jego matkę, która przyjechała odwiedzić syna. Nie wiemy, kim są te postacie, ale rozumiemy, że można w nich rozpoznać większość ówczesnych rodzin. Bohaterowie wżerają się w pamięć, zostawiając ślad w duszy widza: martwimy się o los tych ludzi, ale rozumiemy, że nie możemy nic zrobić, by pomóc. I to mnie tak martwi...
10 slajdów
Jan Vermeer Delft POKOJÓWKA Z DZBANKIEM MLEKA Ok. 1658 Amsterdam (Holandia), Rijksmuseum
Za prekursorów dzieł gatunku codziennego można uznać malowidła naskalne wykonane przez ludy prymitywne, przedstawiające sceny polowań, rytualne tańce i procesje. Niektóre obrazy grobowców egipskich i etruskich również miały charakter rodzajowy: uprawa roli, zbieranie owoców i warzyw, polowanie, łowienie ryb i ucztowanie. Uważano, że te obrazy zapewniały zmarłemu bogate i dobrze odżywione życie pozagrobowe. Sceny z życia codziennego zdobiły również antyczne greckie wazy.
W renesansie wiele dzieł historycznych nabrało wyraźnego charakteru gatunkowego: legendarne wydarzenia były często „przenoszone” do teraźniejszości i nasycane wieloma codziennymi szczegółami. A na Rusi gatunek ten pojawił się po raz pierwszy w miniaturze książkowej i został nazwany „listami codziennymi”.
PIERWSI ARTYŚCI GATUNKU W EUROPIE
Jan Vermeer z Delft DZIEWCZYNA Z LISTEM PRZY OTWARTYM OKNIE lata 50. XVII wieku Drezno, Galeria Starych Mistrzów
Hieronim Bosch, wielki holenderski malarz żyjący na przełomie XV-XVI wieku i włoski artysta XVI wieku, są uważani za twórców gatunku codzienności w sztuce europejskiej. Caravaggio (pełna nazwa - Michelangelo Merisi da Caravaggio). Ale w niezależnym gatunku malarstwo codzienne powstało dopiero w XVII wieku. w Holandii, która niedawno uzyskała niepodległość i założyła pierwszą republikę burżuazyjną. Po wielu latach rządów hiszpańskich artyści szczególnie odczuli urok cichego, spokojnego życia i zaczęli śpiewać o najprostszych czynnościach – opiece nad dziećmi, sprzątaniu pokoju, czytaniu listów.
Jednym z najbardziej znanych mistrzów jest Jan Vermeer. Ulubioną postacią mistrza jest kobieta pogrążona w domowych obowiązkach, jak na przykład bohaterka słynnego obrazu „Sługa z dzbanem mleka”.
GATUNEK DOMOWY W ROSJI
rocznie Fedotov DOPASOWANIE MAJORA 1848 Moskwa, Państwowa Galeria Trietiakowska
W Rosji K. P. Bryullov (jego „włoska seria”) i A. G. Venetsianov, który całą swoją pracę poświęcił życiu rosyjskich chłopów, byli jednymi z pierwszych, którzy zwrócili się ku codziennemu gatunkowi.
Satyryczną nutę w malarstwie rodzajowym wprowadził PA Fedotov. Jego obraz „Swatanie majora” to zabawna opowieść o zbankrutowanym oficerze, który chcąc poprawić swój byt, zamierza poślubić córkę kupca.
W XVII wieku wprowadzono podział gatunków malarstwa na „wysokie” i „niskie”. Pierwsza obejmowała gatunki historyczne, batalistyczne i mitologiczne. Drugi obejmował przyziemne gatunki malarstwa z życia codziennego, np. gatunek codzienny, martwa natura, animalistyka, portret, akt, pejzaż.
gatunek historyczny
Gatunek historyczny w malarstwie przedstawia nie konkretny przedmiot lub osobę, ale pewien moment lub wydarzenie, które miało miejsce w historii minionych epok. Jest zawarty w głównym gatunki malarskie w sztuce. Gatunki portretowe, batalistyczne, codzienne i mitologiczne są często ściśle powiązane z historycznymi.
„Podbój Syberii przez Yermaka” (1891-1895)
Wasilij Surikow
Artyści Nicolas Poussin, Tintoretto, Eugene Delacroix, Peter Rubens, Wasilij Iwanowicz Surikow, Borys Michajłowicz Kustodiew i wielu innych malowało swoje obrazy w gatunku historycznym.
gatunek mitologiczny
Legendy, starożytne legendy i mity, folklor - obraz tych wątków, bohaterów i wydarzeń znalazł swoje miejsce w mitologicznym gatunku malarstwa. Być może można go wyróżnić w malarstwie dowolnego narodu, ponieważ historia każdej grupy etnicznej jest pełna legend i tradycji. Na przykład taka fabuła mitologii greckiej, jak tajny romans boga wojny Aresa i bogini piękna Afrodyty, przedstawia obraz „Parnassus” włoskiego artysty Andrei Mantegny.
„Parnas” (1497)
Andrea Mantegna
Mitologia w malarstwie ukształtowała się ostatecznie w renesansie. Przedstawicielami tego gatunku, oprócz Andrei Mantegny, są Rafael Santi, Giorgione, Lucas Cranach, Sandro Botticelli, Wiktor Michajłowicz Wasniecow i inni.
Gatunek bitewny
Malarstwo batalistyczne opisuje sceny z życia wojskowego. Najczęściej ilustrowane są różne kampanie militarne, a także bitwy morskie i lądowe. A ponieważ te bitwy są często zaczerpnięte z prawdziwej historii, gatunki bitewne i historyczne znajdują tutaj swój punkt przecięcia.
Fragment panoramy „Bitwa pod Borodino” (1912)
Franza Roubauda
Malarstwo batalistyczne ukształtowało się w okresie włoskiego renesansu w twórczości artystów Michelangelo Buonarroti, Leonardo da Vinci, a następnie Theodore Gericault, Francisco Goya, Franz Alekseevich Roubaud, Mitrofan Borisovich Grekov i wielu innych malarzy.
gatunek domowy
Sceny z życia codziennego, publicznego lub prywatnego zwykłych ludzi, czy to miejskiego, czy chłopskiego, obrazują codzienność w malarstwie. Jak wielu innych gatunki malarskie, codzienne obrazy rzadko spotykane są we własnej formie, stając się częścią gatunku portretowego lub pejzażowego.
„Sprzedawca instrumentów muzycznych” (1652)
Karola Fabrycjusza
Pochodzenie malarstwa codziennego miało miejsce w X wieku na Wschodzie, a do Europy i Rosji przeszło dopiero w XVII-XVIII wieku. Jan Vermeer, Karel Fabricius i Gabriel Metsu, Michaił Szibanow i Iwan Aleksiejewicz Ermenew to najbardziej znani artyści malarstwa codziennego tego okresu.
Gatunek zwierzęcy
Głównymi obiektami gatunku zwierzęcego są zwierzęta i ptaki, zarówno dzikie, jak i domowe, i ogólnie wszyscy przedstawiciele świata zwierząt. Początkowo animalistyka była częścią gatunków malarstwa chińskiego, ponieważ po raz pierwszy pojawiła się w Chinach w VIII wieku. W Europie animalizm powstał dopiero w renesansie - zwierzęta w tym czasie były przedstawiane jako ucieleśnienie wad i cnót człowieka.
„Konie na łące” (1649)
Paulus Potter
Antonio Pisanello, Paulus Potter, Albrecht Durer, Frans Snyders, Albert Cuyp to główni przedstawiciele animalistyki w sztukach wizualnych.
Martwa natura
W gatunku martwej natury przedstawiane są przedmioty otaczające osobę w życiu. Są to obiekty nieożywione zgrupowane razem. Takie przedmioty mogą należeć do tego samego rodzaju (na przykład na obrazie przedstawiono tylko owoce) lub mogą być heterogeniczne (owoce, przybory, instrumenty muzyczne, kwiaty itp.).
„Kwiaty w koszu, motyl i ważka” (1614)
Ambrosiusa Bosschaerta Starszego
Martwa natura jako niezależny gatunek ukształtowała się w XVII wieku. Szczególnie wyróżniają się szkoły martwej natury: flamandzka i holenderska. Przedstawiciele różnych stylów malowali swoje obrazy w tym gatunku, od realizmu po kubizm. Niektóre z najsłynniejszych martwych natur namalowali malarze Ambrosius Bosschaert Starszy, Albertus Jonah Brandt, Paul Cezanne, Vincent van Gogh, Pierre Auguste Renoir, Willem Claes Heda.
Portret
Portret - gatunek malarstwa, który jest jednym z najbardziej powszechnych w sztukach wizualnych. Celem portretu w malarstwie jest przedstawienie osoby, ale nie tylko jej wyglądu, ale także przekazanie wewnętrznych uczuć i nastroju portretowanej osoby.
Portrety są pojedyncze, parowe, grupowe, a także autoportret, który niekiedy wyróżnia się jako odrębny gatunek. A najbardziej znanym portretem wszechczasów jest prawdopodobnie obraz Leonarda da Vinci zatytułowany „Portret pani Lisy del Giocondo”, znany wszystkim jako „Mona Lisa”.
„Mona Lisa” (1503-1506)
Leonardo da Vinci
Pierwsze portrety pojawiły się tysiące lat temu w starożytnym Egipcie – były to wizerunki faraonów. Od tego czasu większość artystów wszechczasów parała się tym gatunkiem w taki czy inny sposób. Gatunki malarstwa portretowego i historycznego mogą się również krzyżować: obraz wielkiej postaci historycznej zostanie uznany za dzieło gatunku historycznego, chociaż oddaje wygląd i charakter tej osoby jako portret.
nagi
Celem gatunku nago jest przedstawienie nagiego ciała osoby. Okres renesansu uważany jest za moment powstania i rozwoju tego typu malarstwa, a głównym obiektem malarstwa wówczas najczęściej stawało się kobiece ciało, które ucieleśniało piękno epoki.
„Koncert wiejski” (1510)
tycjanowski
Tycjan, Amedeo Modigliani, Antonio da Correggio, Giorgione, Pablo Picasso to najbardziej znani artyści malujący w gatunku aktów.
Sceneria
Tematem przewodnim gatunku pejzażowego jest przyroda, środowiskiem jest miasto, wieś lub bezdroża. Pierwsze pejzaże pojawiły się w starożytności przy malowaniu pałaców i świątyń, tworzeniu miniatur i ikon. Jako niezależny gatunek krajobraz kształtuje się już w XVI wieku i od tego czasu stał się jednym z najpopularniejszych gatunki malarskie.
Jest obecny w twórczości wielu malarzy, począwszy od Petera Rubensa, Aleksieja Kondratiewicza Sawrasowa, Edouarda Maneta, poprzez Izaaka Iljicza Lewitana, Pieta Mondriana, Pabla Picassa, Georgesa Braque'a, a skończywszy na wielu współczesnych artystach XXI wieku.
„Złota jesień” (1895)
Izaak Lewitan
Wśród malarstwa pejzażowego można wyróżnić takie gatunki, jak pejzaże morskie i miejskie.
Weduta
Weduta to pejzaż, którego celem jest przedstawienie wyglądu obszaru miejskiego oraz oddanie jego piękna i koloru. Później, wraz z rozwojem przemysłu, krajobraz miejski przechodzi w krajobraz przemysłowy.
„Plac Świętego Marka” (1730)
Canaletta
Krajobrazy miejskie można docenić, zapoznając się z twórczością Canaletta, Pietera Brueghela, Fiodora Jakowlewicza Aleksiejewa, Sylwestra Feodosiewicza Szczedrina.
przystań
Pejzaż morski lub marina przedstawia naturę żywiołu morza, jego wielkość. Być może najbardziej znanym malarzem morskim na świecie jest Ivan Konstantinovich Aivazovsky, którego obraz Dziewiąta fala można nazwać arcydziełem malarstwa rosyjskiego. Okres rozkwitu mariny nastąpił równocześnie z rozwojem samego krajobrazu.
„Żaglówka podczas burzy” (1886)
Jamesa Butterswortha
Katsushika Hokusai, James Edward Buttersworth, Alexei Petrovich Bogolyubov, Lev Feliksovich Lagorio i Rafael Montleon Torres są również znani ze swoich pejzaży morskich.
Jeśli chcesz dowiedzieć się jeszcze więcej o tym, jak powstały i rozwijały się gatunki malarstwa w sztuce, obejrzyj poniższy film:
Weź to, powiedz znajomym!
Przeczytaj także na naszej stronie:
Pokaż więcej
Gatunek gospodarstwa domowego, jeden z głównych gatunków sztuk plastycznych, poświęcony przedstawianiu życia prywatnego i publicznego człowieka. Sceny codzienne („rodzajowe”) znane od czasów starożytnych (w sztuce prymitywnej, w malowidłach ściennych i płaskorzeźbach starożytnego Wschodu, starożytnym greckim malarstwie wazowym, malarstwie hellenistycznym, mozaikach, rzeźbie, średniowiecznych freskach i miniaturach) wyróżniały się jako szczególny gatunek w dobie kształtowania się sztuki burżuazyjnej w społeczeństwie europejskim.
Warunki ku temu kładła sztuka renesansu, kiedy artyści zaczęli nasycać kompozycje religijne i alegoryczne detalami życia codziennego (Giotto, A. Lorenzetti we Włoszech, Jan van Eyck, R. Kampen, Gertgen tot Sint-Jans w Holandii , bracia Limburg we Francji, M. Schongauer w Niemczech); koniec XV - początek XVI wieku Gatunek gospodarstwa domowego stopniowo wyizolowywał się wśród Wenecjan V. Carpaccia, J. Bassano, wśród Holendrów K. Masseysa, Łukasza z Lejdy, P. Aartsena, a w twórczości P. Brueghela Starszego obrazy codzienności służyły do wyrażania najgłębsze idee światopoglądowe. w XVII wieku ostatecznie ukształtowany gatunek gospodarstwa domowego uznał życie prywatne za znaczące i najcenniejsze zjawisko życia.
Wysublimowana poetyzacja codziennych motywów, potężna miłość do życia są charakterystyczne dla twórczości P.P. Rubensa i J. Jordansa, podziwiających zdrowe, naturalne piękno zwykłych ludzi – za „bodegones” D. Velasqueza. W Holandii, gdzie ostatecznie ukształtowały się klasyczne formy gatunku, intymną atmosferę, spokojny komfort życia mieszczańskiego i chłopskiego odtworzyli A. van Ostade, K. Fabricius, P. de Hoch, J. Vermeer Delftsky, G. Terborch, G. Metsu, głębokie sprzeczności życia Rembrandt otworzył je w codziennych scenach. we Francji w XVIII wieku. gatunek codzienny reprezentują idylliczne pastorały w stylu rokoko (F. Boucher), „sceny rycerskie”, w których A. Watteau i J.O. Fragonard wniósł emocjonalną subtelność i ostrość obserwacji życia, sentymentalne i dydaktyczne kompozycje J.B. Sny, liryczne płótna J.B.S. Chardin, odtwarzając życie prywatne trzeciego stanu.
Nurt społeczno-krytyczny w gatunku codzienności zapoczątkowały obrazy i ryciny W. Hogartha, ośmieszające obyczaje angielskiego społeczeństwa. W XVI-XVIII wieku Gatunek codzienny kwitł także w sztuce krajów azjatyckich – w miniaturze Iranu, Indii (K. Behzad, Mir Seyid Ali, Reza Abbasi), malarstwie koreańskim (Kim Hongdo), grafice japońskiej (Kitagawa Utamaro, Katsushika Hokusai). Europa w XIX wieku gatunek codzienny stał się polem krytyki społecznej i publicystycznie nakierowanej satyry (grafika i malarstwo O. Daumiera), gatunkiem pełnym witalności i patosu afirmacji piękna i wewnętrznego znaczenia ludzi pracy (G. Courbet i J.F. Millet we Francji, A. von Menzel i V. Leibl w Niemczech, J. Fattori we Włoszech, J. Israels w Holandii itp.). W drugiej połowie XIX wieku. mistrzowie impresjonizmu we Francji (E. Manet, E. Degas, O. Renoir) zatwierdzili nowy typ malarstwa rodzajowego, w którym starali się uchwycić niejako przypadkowy, fragmentaryczny aspekt życia, ostrą charakterystykę wygląd postaci, jedność ludzi i ich otoczenia; ich twórczość dała impuls do swobodniejszej interpretacji gatunku, bezpośredniego obrazowego odtwarzania scen codziennych (M. Lieberman w Niemczech, K. Krogh w Norwegii, A. Zorn w Szwecji, T. Eikins w USA).
Na przełomie XIX i XX wieku. w sztuce postimpresjonizmu, symbolizmu, stylu nowoczesnego rozpoczął się nowy etap w rozwoju gatunku codzienności: codzienne sceny interpretowane są jako ponadczasowe symbole, życiowa konkretność obrazu ustępuje miejsca ekspresji malarskiej, monumentalnej i dekoracyjnej zadania (E. Munch w Norwegii, F. Hodler w Szwajcarii, P. Gauguin, P. Cezanne we Francji itp.). Artyści pracujący w codziennym gatunku nazywani są malarzami gatunkowymi.
Codzienny gatunek w malarstwie jest jednym z najbardziej rozpowszechnionych i starożytnych.
Gatunek codzienny to gatunek sztuk pięknych poświęcony codziennemu życiu prywatnemu i publicznemu, zwykle współczesny artyście.
Antyk
Sceny z życia codziennego odtwarzano w Afryce i starożytnym Egipcie jeszcze przed erą europejskiej starożytności.
Oto obrazy codziennych scen znalezionych w spiżarni grobowej Nakt (starożytny Egipt)
W starożytnej Grecji gatunek codzienności był obecny w malarstwie wazowym.
Akrobatyczny. Muzeum Brytyjskie (Londyn)
W krajach Wschodu pierwsze szkice domowe pojawiły się w malarstwie chińskim z IV wieku pne. N. mi. Często średniowieczne rękopisy ozdabiano miniaturami, które zawierały również sceny z życia codziennego. To samo można powiedzieć o średniowiecznej Europie.
„Kobieta z papugą” Indie (XVI wiek)
renesans
W okresie renesansu we Włoszech, Holandii, a następnie w innych krajach europejskich wyróżniali się artyści tworzący wraz z innymi w tym gatunku: Jan van Eyck, Łodzie (Holandia), bracia Limburg (Francja), Schongauer (Niemcy) .
Rozwój codziennego gatunku w Holandii
Ale w Holandii w XVII wieku. gatunek gospodarstwa domowego otrzymał specjalny rozwój. Holenderskich artystów pociągały wszystkie aspekty zwykłego życia, które widzieli wokół siebie: marynarze, łodzie rybackie, chłopi, zwierzęta gospodarskie, nieoficjalne dzielnice, ciche ulice i zaułki, opuszczone dziedzińce… Wielu artystów zwróciło się w stronę gatunku życia codziennego: Frans Hals , Jan Vermeer, Matthias Stom, Pieter de Hooch, Jan Steen i wielu innych, bardziej znanych i mniej znanych.
Matthias Stom „Młody człowiek czytający przy świecach”
Matthias Stom „Muzycy”
Pieter de Hooch „Matka i córka w pobliżu stodoły” (1658). Amsterdam
Jan Steen „Klatka z papugą” (XVII w.). Rijksmuseum w Amsterdamie
Ale w innych krajach gatunek codzienny nadal zajmował skromne miejsce i był sztuką „niższej klasy” (we Włoszech, Francji, Niemczech, Flandrii, Hiszpanii). Nawet odwołanie się do codziennego gatunku tak wielkich artystów jak Rubens czy Velasquez niewiele zmieniło w upokarzającym stosunku do codziennego malarstwa.
Rubens i inni artyści „Folwark zwierzęcy zimą”
Gatunek gospodarstwa domowego w XVIII wieku
Ale stopniowo zmienia się stosunek do codziennego gatunku. Są artyści, którzy działają głównie w tym gatunku. We Francji są to Antoine Watteau, Francois Boucher, Nicola Lancret, Sebastien Bourdon, Jean Baptiste Simeon Chardin, Claude Vernet, Jean-Honore Fragonard, Jean Baptiste Greuze i inni.
A. Watteau „Towarzystwo w parku” (1718-1719). Galeria Drezdeńska
Codzienne obrazy tego artysty są zwykle poetyckie, w prostych i zwyczajnych, umie widzieć coś romantycznego, chociaż czas na romantyzm jeszcze nie nadszedł.
Elementy prawdziwego obrazu prawdziwego życia widoczne są już w obrazach artystów z innych krajów: Williama Hogartha, Thomasa Gainsborough (Wielka Brytania), rytownika D. Chodowieckiego (Niemcy), J.P. Norblen (Polska), F. Goya (Hiszpania), M. Shibanova, I. Ermeneva (Rosja).
M. Shibanov „Uroczystość kontraktu ślubnego” (1777)
Nowe spojrzenie na życie
W 19-stym wieku gatunek codzienności przeżywa kolejny rozkwit w różnych krajach, bohaterami wątków obrazów są ci, których uważano za wyrzutków: chorzy, biedni, niewolnicy, więźniowie - ludzie z dna społecznego. Wcześniej nie były zauważane przez sztukę. Choć jeńcy i niewolnicy pojawiali się na płótnach już w sztuce baroku, byli jedynie dekoracyjnym detalem z życia monarchów. Dopiero teraz postacie te nabrały niezależnego znaczenia.
Giovanni Segantini „Powrót z lasu” (Włochy)
Spacer więźnia Vincenta van Gogha (Holandia)
Gustave Courbet „Biedna wieśniaczka zimą” (Francja)
Wasilij Wierieszczagin „Wizyta rodziny więźnia we Włoszech” (Rosja)
Artyści - zwolennicy gatunku codzienności: Theodore Rousseau, Honore Daumier, Edouard Manet, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Paul Gauguin (Francja), M.A. Vrubel, I.E. Repin, NA Jaroszenko, V.A. Serov (Rosja), K. Hokusai, Ando Hiroshige (Japonia), Käthe Kollwitz, Adolf Menzel (Niemcy) i inni.
P. A. Fiedotow „Śniadanie arystokraty” (1849–1850). Państwowa Galeria Trietiakowska (Moskwa)
Próżność, życie na pokaz, kłamstwa, pozorna błyskotliwość - wszystkie te ludzkie słabości były dobrze znane artyście i budziły w nim wstręt. Dlatego ma kilka obrazów o podobnej tematyce. Realistycznie, z wielką ironią i dozą litości, ukazuje właściciela zaskoczonego przez nieproszonego gościa. Dlaczego widzimy tu litość? Kiedy taką metodą starannie ukrywa się biedę, zawsze jest szkoda. Współczucie dla człowieka, dla którego najważniejsze jest wnętrze jego mieszkania (tak, żeby nie było gorsze od innych), opinia innych o nim i tak dalej. Artysta nie pokazuje nam karykatury tego arystokraty, po prostu mówi o próżnej małostkowości ludzi, którzy widzą najważniejsze w drugorzędnym. A ten małoletni tak porywa człowieka, że staje się jego esencją. Jakże w ostatniej chwili próbuje jakoś zamaskować dowody (swoją biedę), zakrywając książką kromkę czarnego chleba, która jest śniadaniem tego „arystokraty”!
Gatunek gospodarstwa domowego w epoce symbolizmu
Na przełomie XIX-XX wieku. w sztuce symbolizmu i secesji gatunek codzienności jest nieco zmodyfikowany: codzienne sceny są przedstawiane i interpretowane jako ponadczasowe symbole. W związku z tym przypominamy pracę F. Hodlera w Szwajcarii, V. E. Borisov-Musatov w Rosji.
Dalszy rozwój gatunku codziennego
W XX wieku, kiedy narastały problemy i sprzeczności społeczne we wszystkich dziedzinach życia, szalały wojny, rewolucje, ruchy narodowowyzwoleńcze, ludzie byli wyraźnie zdezorientowani wobec obecnych i przyszłych katastrof, artyści reagowali na te wydarzenia i próbowali analizować to, co dzieje się w ich obrazy metodą artystyczną. . W XX wieku. E. Munch (Norwegia), Pablo Picasso (Francja), Ignacio Zuloaga (Hiszpania), George Bellows, Rockwell Kent, Andrew Wyeth (USA), Boris Kustodiev, A.A. Plastow, A.A. Muraszko, Z.E. Serebryakova, D.D. Żyliński, GM Korzhev, V.E. Popkov, F. Reshetnikov (Rosja), Renato Guttuso (Włochy), Diego Rivera (Meksyk) i inni.
A. Plastov „Wybory Komitetu Ubogich”
D. Bellows „Nowy Jork” (1911)
Dzieła gatunku codziennego często służą wyrażeniu głębokich filozoficznych przemyśleń na temat życia.
V. Popkov „Babcia Anisya była dobrym człowiekiem” (1971-1973)
Nieznana babcia Anisya jest symbolem niezmienności życia każdej osoby. W obrazie rozbrzmiewa motyw indywidualnej piosenki (już skończonej, ale wciąż rozbrzmiewającej w sercach najbliższych) i epickiego śpiewu chóralnego. Wszystko to dzieje się w świątyni, a tą świątynią jest natura.