Jeśli myślisz, że wszyscy wielcy artyści należą do przeszłości, to nie masz pojęcia, jak bardzo się mylisz. W tym artykule dowiesz się o najbardziej znanych i utalentowanych artystach naszych czasów. I uwierz mi, ich dzieła zapadną w Twojej pamięci nie mniej głęboko niż dzieła mistrza z minionych epok.
Wojciecha Babskiego
Wojciech Babski to współczesny polski artysta. Ukończył Politechnikę Śląską, ale związał się z. Ostatnio maluje głównie kobiety. Skupia się na manifestacji emocji, dąży do uzyskania jak największego efektu prostymi środkami.
Uwielbia kolor, ale często sięga po odcienie czerni i szarości, aby uzyskać jak najlepsze wrażenie. Nie boi się eksperymentować z nowymi technikami. Ostatnio coraz większą popularność zdobywa za granicą, głównie w Wielkiej Brytanii, gdzie z powodzeniem sprzedaje swoje prace, które można już znaleźć w wielu prywatnych kolekcjach. Oprócz sztuki interesuje się kosmologią i filozofią. Słucha jazzu. Obecnie mieszka i pracuje w Katowicach.
Warrena Changa
Warren Chang jest współczesnym amerykańskim artystą. Urodzony w 1957 roku i wychowany w Monterey w Kalifornii, w 1981 roku ukończył z wyróżnieniem Art Center College of Design w Pasadenie, uzyskując tytuł Bachelor of Fine Arts w dziedzinie sztuk pięknych. Przez następne dwie dekady pracował jako ilustrator dla różnych firm w Kalifornii i Nowym Jorku, zanim rozpoczął karierę jako profesjonalny artysta w 2009 roku.
Jego realistyczne obrazy można podzielić na dwie główne kategorie: biograficzne obrazy wnętrz oraz obrazy przedstawiające ludzi pracy. Jego zainteresowanie tym stylem malarstwa wywodzi się z twórczości XVI-wiecznego malarza Jana Vermeera i rozciąga się na przedmioty, autoportrety, portrety członków rodziny, przyjaciół, uczniów, pracownie, sale lekcyjne i wnętrza domów. Jego celem jest stworzenie nastroju i emocji w jego realistycznych obrazach poprzez manipulację światłem i użycie stonowanych kolorów.
Chang zasłynął po przejściu na tradycyjne sztuki wizualne. W ciągu ostatnich 12 lat zdobył wiele nagród i wyróżnień, z których najbardziej prestiżowym jest Master Signature od Oil Painters Association of America, największej społeczności malarstwa olejnego w Stanach Zjednoczonych. Tylko jedna osoba na 50 ma szansę otrzymać tę nagrodę. Obecnie Warren mieszka w Monterey i pracuje w swojej pracowni, uczy też (znany jako utalentowany nauczyciel) w San Francisco Academy of the Arts.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni jest włoskim artystą. Urodzony 15 października 1955 w Blair. Ukończyła scenografię w Instytucie Sztuki w Spoleto. Jako artysta jest samoukiem, samodzielnie bowiem „zbudował dom wiedzy” na fundamencie położonym jeszcze w szkole. Zaczął malować olejami w wieku 19 lat. Obecnie mieszka i pracuje w Umbrii.
Wczesne malarstwo Bruniego jest zakorzenione w surrealizmie, ale z czasem zaczyna skupiać się na bliskości lirycznego romantyzmu i symbolizmu, wzmacniając to połączenie znakomitym wyrafinowaniem i czystością swoich postaci. Przedmioty ożywione i nieożywione nabierają równej godności i wyglądają niemal hiperrealistycznie, ale jednocześnie nie chowają się za zasłoną, ale pozwalają zobaczyć esencję swojej duszy. Wszechstronność i wyrafinowanie, zmysłowość i samotność, zamyślenie i płodność to duch Aurelio Bruni, karmiony blaskiem sztuki i harmonią muzyki.
Aleksander Balos
Alkasandr Balos to współczesny polski artysta specjalizujący się w malarstwie olejnym. Urodził się w 1970 roku w Gliwicach, ale od 1989 roku mieszka i pracuje w USA, w mieście Shasta w Kalifornii.
Jako dziecko studiował sztukę pod kierunkiem ojca Jana, artysty-samouka i rzeźbiarza, więc od najmłodszych lat działalność artystyczna miała pełne wsparcie ze strony obojga rodziców. W 1989 roku, w wieku osiemnastu lat, Balos wyjechał z Polski do Stanów Zjednoczonych, gdzie jego nauczycielka i artystka pracująca w niepełnym wymiarze godzin, Cathy Gaggliardi, zachęciła Alcasandera do zapisania się do szkoły artystycznej. Następnie Balos otrzymał pełne stypendium na Uniwersytecie Milwaukee Wisconsin, gdzie studiował malarstwo u profesora filozofii Harry'ego Rosina.
Po ukończeniu studiów w 1995 roku z tytułem licencjata, Balos przeniósł się do Chicago, aby studiować w Szkole Sztuk Pięknych, której metody opierają się na pracach Jacquesa-Louisa Davida. Realizm figuratywny i portrety stanowiły większość prac Balosa w latach 90. i na początku XXI wieku. Dziś Balos posługuje się ludzką postacią, aby podkreślić cechy i wady ludzkiej egzystencji, nie proponując żadnych rozwiązań.
Kompozycje fabularne jego obrazów mają na celu samodzielną interpretację widza, dopiero wtedy płótna nabiorą prawdziwego znaczenia czasowego i subiektywnego. W 2005 roku artysta przeniósł się do Północnej Kalifornii, od tego czasu zakres jego twórczości znacznie się rozszerzył i obecnie obejmuje swobodniejsze metody malowania, w tym abstrakcję i różne style multimedialne, które pomagają wyrazić idee i ideały bycia poprzez malarstwo.
Alicja Monks
Alyssa Monks to współczesna amerykańska artystka. Urodziła się w 1977 roku w Ridgewood w stanie New Jersey. Już jako dziecko zainteresowała się malarstwem. Uczęszczała do The New School w Nowym Jorku i Montclair State University, aw 1999 roku ukończyła Boston College z tytułem licencjata. W tym samym czasie studiowała malarstwo w Akademii Lorenzo Medici we Florencji.
Następnie kontynuowała studia w ramach programu studiów magisterskich w New York Academy of Art, na Wydziale Sztuki Figuratywnej, którą ukończyła w 2001 roku. Ukończyła Fullerton College w 2006 roku. Przez krótki czas wykładała na uniwersytetach i instytucjach edukacyjnych w całym kraju oraz uczyła malarstwa w nowojorskiej Akademii Sztuki, a także na Montclair State University i Lyme Academy College of Art.
„Korzystając z filtrów takich jak szkło, winyl, woda i para, zniekształcam ludzkie ciało. Filtry te umożliwiają tworzenie dużych obszarów abstrakcyjnego projektu, z prześwitującymi wyspami koloru — częściami ludzkiego ciała.
Moje obrazy zmieniają współczesne spojrzenie na utrwalone już, tradycyjne pozy i gesty kąpiących się kobiet. Uważnemu widzowi mogłyby powiedzieć wiele o tak pozornie oczywistych rzeczach, jak korzyści płynące z pływania, tańca itp. Moje postacie są przyciśnięte do szyby kabiny prysznicowej, zniekształcając własne ciało, zdając sobie sprawę, że w ten sposób wpływają na osławione męskie spojrzenie na nagą kobietę. Grube warstwy farby są mieszane ze sobą, aby z daleka naśladować szkło, parę wodną i mięso. Jednak z bliska ujawniają się niesamowite właściwości fizyczne farby olejnej. Eksperymentując z warstwami farby i koloru, znajduję moment, w którym abstrakcyjne pociągnięcia stają się czymś innym.
Kiedy po raz pierwszy zacząłem malować ludzkie ciało, od razu mnie to zafascynowało, a nawet miało na jego punkcie obsesję i poczułem, że muszę sprawić, by moje obrazy były jak najbardziej realistyczne. „Wyznawałem” realizm, dopóki ten nie zaczął się rozpadać i dekonstruować. Teraz badam możliwości i potencjał stylu malarstwa, w którym spotykają się malarstwo przedstawiające i abstrakcja – jeśli oba style mogą współistnieć w tym samym momencie, zrobię to”.
Antoni Finelli
włoski artysta - obserwator czasu” – Antonio Finelli urodził się 23 lutego 1985 roku. Obecnie mieszka i pracuje we Włoszech między Rzymem a Campobasso. Jego prace były wystawiane w kilku galeriach we Włoszech i za granicą: w Rzymie, Florencji, Novarze, Genui, Palermo, Stambule, Ankarze, Nowym Jorku, znajdują się także w kolekcjach prywatnych i publicznych.
Rysunki ołówkiem" Obserwator czasu Antonio Finelli wysyła nas w wieczną podróż po wewnętrznym świecie ludzkiej czasowości i rygorystycznej analizie tego świata z nim związanego, której głównym elementem jest upływ czasu i ślady jakie pozostawia na skórze.
Finelli maluje portrety ludzi w każdym wieku, płci i narodowości, których mimika twarzy wskazuje na upływ czasu, artysta ma też nadzieję na odnalezienie na ciałach swoich bohaterów dowodów na bezwzględność czasu. Antonio określa swoje prace jednym ogólnym tytułem: „Autoportret”, ponieważ w swoich rysunkach ołówkiem nie tylko przedstawia osobę, ale pozwala widzowi kontemplować prawdziwe skutki upływu czasu w człowieku.
Flaminia Carloni
Flaminia Carloni to 37-letnia włoska artystka, córka dyplomaty. Ma troje dzieci. Dwanaście lat mieszkała w Rzymie, trzy lata w Anglii i Francji. Ukończył historię sztuki w BD School of Art. Następnie otrzymała dyplom w specjalności konserwator dzieł sztuki. Zanim znalazła swoje powołanie i całkowicie poświęciła się malarstwu, pracowała jako dziennikarka, kolorystka, projektantka i aktorka.
Pasja Flaminii do malarstwa narodziła się w dzieciństwie. Jej głównym medium jest olej, ponieważ uwielbia „coiffer la pate”, a także bawi się materiałem. Podobną technikę poznała w pracach artysty Pascala Torua. Flaminia inspiruje się wielkimi mistrzami malarstwa, takimi jak Balthus, Hopper i François Legrand, a także różnymi nurtami artystycznymi: street artem, chińskim realizmem, surrealizmem i renesansowym realizmem. Jej ulubionym artystą jest Caravaggio. Jej marzeniem jest odkrycie terapeutycznej mocy sztuki.
Denis Czernow
Denis Chernov to utalentowany ukraiński artysta, urodzony w 1978 roku w Samborze w obwodzie lwowskim na Ukrainie. Po ukończeniu Charkowskiej Akademii Sztuk Pięknych w 1998 roku zamieszkał w Charkowie, gdzie obecnie mieszka i pracuje. Studiował również na Wydziale Grafiki Państwowej Akademii Projektowania i Sztuki w Charkowie, którą ukończył w 2004 roku.
Regularnie bierze udział w wystawach sztuki, w tej chwili było ich ponad sześćdziesiąt, zarówno na Ukrainie, jak i za granicą. Większość prac Denisa Czernowa znajduje się w zbiorach prywatnych na Ukrainie, w Rosji, Włoszech, Anglii, Hiszpanii, Grecji, Francji, USA, Kanadzie i Japonii. Niektóre prace zostały sprzedane w Christie's.
Denis pracuje w szerokim zakresie technik graficznych i malarskich. Rysowanie ołówkiem to jedna z jego ulubionych technik malarskich, tematyka jego rysunków ołówkiem jest również bardzo różnorodna, maluje pejzaże, portrety, akty, kompozycje rodzajowe, ilustracje książkowe, rekonstrukcje literackie i historyczne oraz fantazje.
Każdy współczesny człowiek powinien wiedzieć, czym jest malarstwo. Arcydzieła o światowym znaczeniu, które są prezentowane w naszym artykule, nie mogą pozostawić nikogo obojętnym. Możesz również dowiedzieć się, gdzie znaleźć pełną listę obrazów, które są znane na całym świecie. Malarstwo odgrywa ważną rolę w życiu każdego człowieka. Dzięki niemu możesz ukształtować wielopłaszczyznową osobowość.
Co to jest malarstwo? informacje ogólne
Malarstwo jest rodzajem sztuki. Dzięki niemu artysta przekazuje obrazy wizualne, nakładając farby na dowolną powierzchnię. Pojawienie się malarstwa w Rosji wiąże się z rozwojem realizmu i symbolizmu. Eksperci wyróżniają pięć głównych odmian malarstwa:
- sztaluga;
- monumentalny;
- dekoracyjny;
- teatralne i dekoracyjne;
- miniaturowy.
Przez długi czas wierzono, że historia zaczyna się od holenderskiego artysty Jana van Eycka, który tworzył swoje obrazy w XV wieku. Wielu znawców nazywa go twórcą sztuki olejnej. Teoria ta jest również opisywana w literaturze specjalistycznej. Nie można tego jednak potwierdzić. Wiadomo, że kilku artystów pracowało w olejach na długo przed van Eyckiem.
Wielkie arcydzieła malarstwa pozwalają dowiedzieć się, jak żyli ludzie wiele lat temu. Leonardo da Vinci twierdził, że obrazy są tworzone przez człowieka, naturę i czas. Malowanie można wykonać na absolutnie dowolnej podstawie. Uczestniczy w kształtowaniu środowiska sztucznego i naturalnego.
Malarstwo jest iluzoryczne. Plotyn przekonywał, że nie należy kopiować natury, należy się od niej uczyć. Rozwój malarstwa już dawno wyszedł poza rozumienie jego głównych zadań, jakim jest „odtwarzanie rzeczywistości”. Dlatego wielu artystów rezygnuje z nieistotnych metod wyrażania siebie i oddziaływania na widza. W malarstwie pojawiają się nowe trendy.
Słynne arcydzieła malarstwa i ogólnie tego rodzaju sztuki mogą pełnić następujące funkcje:
- kognitywny;
- religijny;
- estetyka;
- filozoficzny;
- ideologiczny;
- społeczne i edukacyjne;
- film dokumentalny.
Główną i najbardziej znaczącą wartością w malarstwie jest kolor. Uważa się, że jest nosicielem idei.
Istnieje duża różnorodność:
- portret;
- sceneria;
- przystań;
- malarstwo historyczne;
- bitwa;
- martwa natura;
- Malarstwo rodzajowe;
- architektoniczny;
- religijny;
- animalistyczny;
- dekoracyjny.
Malarstwo odgrywa ogromną rolę w samorozwoju. Arcydzieła o światowym znaczeniu, pokazane dziecku, pomagają ukształtować w nim osobowość i uczą go doceniać ten lub inny przedmiot sztuki. Często malowanie pomaga złagodzić stan pacjenta cierpiącego na określoną chorobę. Arteterapia to nie tylko zapoznanie się z rodzajami sztuk plastycznych, ale także próba samodzielnego stworzenia arcydzieła.
Leonardo da Vinci, „Mona Lisa”
Niektóre obrazy (arcydzieła sztuki światowej) zawierają wiele tajemnic i tajemnic. Nadal trudno je rozgryźć. Mona Lisa to obraz Leonarda da Vinci. Uważany jest za jeden z najsłynniejszych obrazów na świecie. Jego oryginał znajduje się w Luwrze (Paryż). Tam jest uważany za główny eksponat. To nie przypadek, ponieważ większość turystów codziennie odwiedza Luwr tylko po to, by obejrzeć obraz Leonarda da Vinci.
Do tej pory „Mona Lisa” nie jest w najlepszym stanie. Dlatego dyrekcja muzeum ogłosiła kilka lat temu, że dzieła sztuki nie będą już udostępniane na żadne wystawy. Portret można zobaczyć tylko w Luwrze.
Obraz stał się popularny po tym, jak został skradziony przez pracownika muzeum w 1911 roku. Poszukiwania skradzionego arcydzieła trwały dwa lata. Cały czas pisali o niej w czasopismach i gazetach, umieszczanych na okładkach. Stopniowo „Mona Lisa” stała się obiektem kopiowania i kultu.
Obrazy (arcydzieła sztuki światowej) są aktywnie badane przez specjalistów. Mona Lisa powstała ponad 500 lat temu. Naukowcy twierdzą, że zmienia się jak prawdziwa kobieta. Z biegiem czasu portret wyblakł, zżółkł, aw niektórych miejscach pojawiły się ciemne plamy. Drewniane wsporniki były pomarszczone i popękane. Wiadomo, że obraz zawiera 25 tajemnic.
9 lat temu zwiedzający muzeum mogli po raz pierwszy cieszyć się oryginalną kolorystyką obrazu. Unikalne ujęcia zaprojektowane przez Pascala Cotte'a pozwoliły zobaczyć, jak wyglądało arcydzieło, zanim zaczęło blaknąć.
Fotografie wykonane unikalną technologią pozwalają stwierdzić, że po stworzeniu arcydzieła Leonardo zmienił ułożenie dłoni Mony Lisy, jej wyraz twarzy i uśmiech. Wiadomo, że na portrecie jest ciemna plama w okolicy oka. Naukowcy twierdzą, że uszkodzenie to powstało z powodu dostania się wody na powłokę lakierniczą. Jego wykształcenie wiąże się z faktem, że obraz przez pewien czas wisiał w łazience Napoleona.
Artysta pracował nad obrazem ponad dwa lata. Znajduje się na liście „500 arcydzieł malarstwa o znaczeniu światowym”. Istnieje teoria, według której portret w ogóle nie przedstawia Mony Lisy. Obraz ma swoją nazwę na podstawie słów Naukowcy naszych czasów twierdzą, że może to być pomyłka, a na arcydziele przedstawiona jest zupełnie inna kobieta. Najwięcej pytań wywołuje uśmiech Giocondy. Istnieje wiele wersji jego interpretacji. Niektórzy twierdzą, że Gioconda jest przedstawiona jako ciężarna, a jej wyraz twarzy wiąże się z chęcią wyczucia ruchu płodu, inni uważają, że uśmiech zdradza ukryty homoseksualizm samego artysty. Niektórzy eksperci uważają, że „Mona Lisa” to autoportret Leonarda da Vinci.
„Koronacja Napoleona”, Jacques Louis David
Wiele osób pociąga malarstwo. Arcydzieła o światowym znaczeniu często pokazują widzowi epizod jakiegoś ważnego wydarzenia historycznego. Obraz namalowany przez Jacquesa Louisa Davida powstał na zamówienie cesarza Francji Napoleona I. „Koronacja Napoleona” przedstawia wydarzenia z 2 grudnia 1804 roku. Wiadomo, że klient poprosił artystę o przedstawienie koronacji lepiej niż jest w rzeczywistości.
David stworzył arcydzieło inspirowane obrazem Rubensa. Pracował nad nim kilka lat. Obraz przez długi czas pozostawał własnością artysty. Trafiła do muzeum po odejściu Jacquesa Louisa Davida. Jego twórczość zrobiła na wielu dobre wrażenie. W 1808 roku artysta otrzymał zamówienie od amerykańskiego przedsiębiorcy, który poprosił go o wykonanie identycznej kopii.
Obraz przedstawia około 150 postaci. Wiadomo, że każdy obraz charakteryzuje się niesamowitą dokładnością i realizmem. W lewym rogu płótna przedstawiono wszystkich krewnych cesarza. Za Napoleonem siedzi jego matka. Nie pojawiła się jednak na koronacji. Eksperci twierdzą, że najprawdopodobniej zrobiono to w związku z życzeniami samego Napoleona. Wiadomo, że traktował ją z wielką czcią.
W tamtych czasach obraz odniósł fantastyczny sukces. Po obaleniu Napoleona płótno przez długi czas leżało w rezerwie i nie było wystawiane. W naszych czasach obraz, podobnie jak wcześniej, zachwyca wielu.
Valentin Serov, „Dziewczyna z brzoskwiniami”
Nie mniej popularne są arcydzieła malarstwa rosyjskiego. „Dziewczyna z brzoskwiniami” to obraz namalowany przez Walentina Sierowa w 1887 roku. Obecnie można ją zobaczyć na żywo w Państwowej Galerii Trietiakowskiej. Obraz przedstawia 12-letnią Verę Mamontovą. Siedzi przy stole z nożem, brzoskwiniami i liśćmi na nim. Dziewczyna ma na sobie różową bluzkę z granatową kokardką.
Obraz Valentina Serowa został namalowany w majątku Sawy Iwanowicza Mamontowa w Abramcewie. W 1871 r. na terenie majątku posadzono brzoskwinie. Opiekowała się nimi specjalnie zatrudniona osoba. Po raz pierwszy artysta przybył do majątku w 1875 roku wraz z matką.
W sierpniu 1877 roku 11-letnia Vera Mamontova usiadła przy stole, podnosząc brzoskwinię. Valentin Serov zaprosił dziewczynę do pozowania. Vera przyjęła propozycję artysty. Pozowała codziennie przez prawie dwa miesiące. Po namalowaniu obrazu artysta przekazał go Elizawiecie Mamontowej, matce dziewczynki. Długo wisiała w jednym z pokoi. Obecnie istnieje kopia, a oryginał znajduje się w muzeum. W 1888 roku autor obrazu otrzymał nagrodę Moskiewskiego Towarzystwa Miłośników Sztuki.
Arcydzieła malarstwa rosyjskiego zawierają wiele mało znanych faktów. Brzoskwiniowa dziewczyna nie jest wyjątkiem. Wiadomo, że Vera Mamontova przedstawiona na płótnie żyła zaledwie 32 lata. Przyczyną jej śmierci było zapalenie płuc. Jej mąż nie ożenił się po śmierci wybranki. Samotnie wychował trójkę dzieci.
Literatura specjalna
Niestety nie każdego stać na zwiedzanie światowej sławy muzeów. Jednak wielu chce zobaczyć arcydzieła malarstwa. Zdjęcia niektórych z nich znajdziecie w naszym artykule. Warto zauważyć, że dziś istnieje ogromna liczba publikacji drukowanych, które prezentują najlepsze obrazy z całego świata. Można tam znaleźć zarówno współczesne, jak i starożytne dzieła różnych artystów. Warto zauważyć, że niektóre edycje są produkowane w limitowanych ilościach i nie jest łatwo je znaleźć.
Czasopismo „50 artystów. Arcydzieła malarstwa rosyjskiego” jest tygodnikiem. Zainteresuje czytelników w każdym wieku. Zawiera fotografie znanych na całym świecie obrazów, historię ich powstania oraz ciekawostki na ich temat. Do pierwszego magazynu, który ukazał się sześć lat temu, dołączono segregator do przechowywania publikacji oraz reprodukcję jednego z obrazów, którą można umieścić na biurku lub ścianie. Każdy numer opisuje twórczość jednego z artystów. Objętość czasopisma wynosi 32 strony. Możesz go znaleźć na terytorium Federacji Rosyjskiej lub krajów pobliskich. „50 Artystów Rosyjskich. Arcydzieła Malarstwa Rosyjskiego” to magazyn, który z pewnością przypadnie do gustu koneserom sztuki. Kompletny zbiór numerów pozwoli zapoznać się z podstawowymi informacjami o najpopularniejszych artystach. Koszt magazynu nie przekracza 100 rubli.
„Arcydzieła malarstwa rosyjskiego” to książka autorstwa L. M. Żukowa, która liczy 180 stron. Publikacja zawiera 150 wysokiej jakości zdjęć. Album-książka przyciąga wielu. Nie jest to przypadek, ponieważ wykazało ogromną liczbę reprodukcji. Dzięki nim można prześledzić, jak kształtowało się malarstwo rosyjskie. Koszt książki waha się od 700 do 1000 rubli.
„Słynne muzea Włoch. Arcydzieła malarstwa” – książka, która ukazała się w tym roku. Prezentuje najlepsze obrazy z sześciu muzeów we Włoszech. W publikacji czytelnik może również zapoznać się z historią powstania muzeów. Książka zawiera 304 strony.
Chętnym do obejrzenia dzieł o światowym znaczeniu z pewnością spodoba się elektroniczna galeria arcydzieł malarstwa. Obecnie istnieje wiele zasobów i aplikacji zawierających najsłynniejsze płótna.
Wiktor Wasniecow, „Bogatyrowie”
„Bogatyrs (Trzej bohaterowie)” – obraz namalowany przez Wiktora Wasniecowa w 1898 roku. Zaliczany jest do arcydzieł sztuki. Malarstwo Vasnetsova jest znane wielu. Praca „Bohaterowie” jest uważana za symbol sztuki rosyjskiej. Podstawą całej twórczości Vasnetsova są motywy folklorystyczne.
Przedstawiono trzech rosyjskich bohaterów. Symbolizują siłę i moc narodu rosyjskiego. Artysta pracował nad stworzeniem tego dzieła przez około 30 lat. Pierwszy szkic wykonał Wasniecow w 1871 roku.
Jednym z bohaterów przedstawionych na zdjęciu jest Ilya Muromets. Jest nam znany jako postać rosyjskich eposów. Jednak niewiele osób wie, że ten bohater istniał naprawdę. Wiele opowieści o jego wyczynach jest prawdziwych, a sam Ilya Muromets jest postacią historyczną.
Dobrynya Nikitich, który również jest przedstawiony na zdjęciu, według legend ludowych był bardzo wykształcony i odważny. Z jego osobowością wiąże się wiele niesamowitych historii. Często można usłyszeć historię o jego zaklętym mieczu i zbroi.
Alyosha Popovich różni się wiekiem od pozostałych dwóch bohaterów. Jest młody i szczupły. W jego dłoniach widać łuk i strzały. Na zdjęciu jest wiele drobnych szczegółów, które pomogą dokładnie przestudiować charakter postaci.
Michaił Wrubel, „Siedzący demon”
Innym znanym obrazem jest „Siedzący demon”. Jego autorem jest Michaił Wrubel. Powstał w 1890 roku. Jego oryginał można zobaczyć w Galerii Trietiakowskiej. Uważa się, że obraz uosabia wątpliwości tkwiące w człowieku.
Eksperci uważają, że artysta był opętany przez wizerunek demona, ponieważ wiadomo, że napisał wiele podobnych dzieł. Istnieją informacje, że w tym okresie znajomi Vrubela zauważyli, że u artysty rozwija się zaburzenie psychiczne. Wystąpienie choroby wiąże się z doświadczanym stresem. Wiadomo, że Vrubel miał syna z tak zwaną rozszczepioną wargą. Bliscy artysty zauważyli, że w związku z występowaniem zaburzeń psychicznych wzrosło jego pragnienie sztuki. Jednak zbliżenie się do niego było prawie niemożliwe. Wiosną 1902 roku choroba osiągnęła punkt krytyczny. Artysta został skierowany na leczenie do szpitala psychiatrycznego. Mimo trudnego losu Vrubla jego obrazy nie przestają przyciągać nowych wielbicieli jego twórczości i koneserów sztuki z całego świata. Jego prace prezentowane są na różnych wystawach. „Siedzący demon” to jeden z najpopularniejszych obrazów artysty.
Kuźma Pietrow-Wódkin, „Kąpiel czerwonego konia”
Każdy współczesny człowiek powinien znać arcydzieła malarstwa. Zdjęcia przedstawione w naszym artykule pomogą ci się z nimi zapoznać. „Kąpiel czerwonego konia” to obraz namalowany przez artystę w 1912 roku. Jego autorem jest Kuzma Petrov-Vodkin. Malując konia w nietypowym kolorze, artysta nawiązuje do tradycji rosyjskiego malarstwa ikonowego. Czerwień jest symbolem wielkości życia i poświęcenia. Niezłomny koń symbolizuje niezrozumiałość rosyjskiego ducha. Jasny różowy kolor kojarzy się z obrazem Ogrodu Eden.
10 listopada 1912 r. W Moskwie odbyła się wystawa. Nad drzwiami wejściowymi umieszczono zdjęcie Pietrowa-Wodkina, wierząc, że stanie się ono rodzajem sztandaru. Opinia ta była jednak błędna. Obraz nie spodobał się części zwiedzających wystawę, a także artystom. Wokół pionierskiej pracy wybuchły kontrowersje. W 1914 roku w Szwecji odbyła się wystawa, na której pokazano 10 prac Pietrowa-Wodkina, w tym Kąpiel czerwonego konia. Wyceniono je na dziesiątki milionów dolarów.
Obraz ma ponad 100 lat. Dziś jej rola w rozwoju malarstwa jest oczywista. Jednak w naszych czasach jest wielu koneserów sztuki, którym nie podobała się twórczość Pietrowa-Wódkina.
Salvador Dali, „Trwałość pamięci”
Wiele osób interesuje się malarstwem. Arcydzieła sztuki światowej nie przestają zadziwiać do dziś. Cała twórczość Salvadora Dali jest paradoksalna i trudna do logicznej analizy. Obraz „Trwałość pamięci”, napisany w 1931 roku, przyciągnął uwagę wielu krytyków. Główny obraz dzieła najczęściej tłumaczy się złożonością i nieliniowością natury tamtych czasów. Ulubione symbole Salvadora Dali są zebrane na jednym zdjęciu. Morze symbolizuje nieśmiertelność, jajko - życie, a oliwka - mądrość. Zdjęcie przedstawia wieczorną porę dnia. Wieczór jest symbolem melancholii. Określa ogólny nastrój pracy. Wiadomo, że trzy zegary na zdjęciu to przeszłość, teraźniejszość i przyszłość. Uważa się, że zamazany przedmiot z rzęsami to autoportret śpiącej autorki. Salvador Dali argumentował, że sen uwalnia wszystkie podświadome myśli, a człowiek staje się bezbronny. Dlatego na obrazie jego postać przedstawiona jest jako rozmyty przedmiot.
Co zaskakujące, obraz pracy powstał u artysty po obejrzeniu topionego sera. Obraz stworzył w kilka godzin.
Obraz Salvadora Dali wyróżnia się niewielkimi rozmiarami (24 × 33 cm). Praca stała się symbolem surrealizmu. Obraz został po raz pierwszy wystawiony w Paryżu w 1931 roku. Tam został sprzedany za 250 dolarów.
Podsumowując
Malarstwo odgrywa ważną rolę w naszym życiu. Arcydzieła sztuki pozostają aktualne do dziś. Istnieje wiele godnych obrazów o znaczeniu światowym. Nasz artykuł zawiera niektóre z nich. Każde prezentowane zdjęcie ma indywidualne szczegóły i obrazy. Warto zauważyć, że część z nich wiąże się z mało znanymi faktami i tajemnicami, które nie są dziś do końca zrozumiałe.
Malarstwo odgrywa szczególną rolę w życiu dzieci i młodzieży. Studiując arcydzieła, uczą się analizować, wyrażać swój punkt widzenia i kształtować niezależną i wysoce intelektualną osobowość. Malarstwo odgrywa ważną rolę nie tylko w życiu dzieci, ale także dorosłych. Nie jest tajemnicą, że współczesny człowiek musi być wszechstronnie rozwiniętą osobowością. Ważne jest studiowanie wszystkich dziedzin życia, w tym malarstwa, aby poczuć się godnym w wykształconym społeczeństwie i ewentualnie odnaleźć swoje powołanie w sztuce.
Wśród rosyjskich artystów jest wiele utalentowanych osób. Ich twórczość jest wysoko ceniona na całym świecie i konkuruje z takimi światowymi mistrzami jak Rubens, Michał Anioł, Van Gogh czy Picasso. W tym artykule zebraliśmy 10 najbardziej znanych rosyjskich artystów.
1. Iwan Aiwazowski
Ivan Aivazovsky jest jednym z najbardziej znanych rosyjskich artystów. Urodził się w Teodozji. Od dzieciństwa Aivazovsky wykazywał swoje niesamowite zdolności twórcze: uwielbiał rysować i nauczył się grać na skrzypcach.
W wieku 12 lat młody talent rozpoczął naukę w Symferopolu w Akademii Malarstwa. Tutaj nauczył się kopiować ryciny i malować z natury. Rok później udało mu się wstąpić do Akademii Cesarskiej w Petersburgu, choć nie osiągnął jeszcze wieku 14 lat.
Artysta przez długi czas podróżował po Europie i mieszkał we Włoszech, gdzie również jego obrazy zostały uznane za prawdziwą wartość. Tak więc młody artysta z Teodozji stał się dość sławnym i bogatym człowiekiem.
Później Aivazovsky wrócił do ojczyzny, gdzie otrzymał mundur Ministerstwa Marynarki Wojennej i tytuł akademika. Artysta odwiedził także Egipt i był obecny na otwarciu nowego Kanału Sueskiego. Artysta opisał wszystkie swoje wrażenia na zdjęciach. W tym czasie wykształcił już swój własny, niepowtarzalny styl i umiejętność pisania z pamięci. Aivazovsky krótko szkicował skomplikowane elementy w notatniku, aby później przenieść je na płótno. Obrazy „Odessa”, „Dziewiąta fala” i „Morze Czarne” przyniosły mu światową sławę.
Artysta ostatnie lata życia spędził w Teodozji, gdzie zbudował sobie dom w stylu włoskim. Nieco później Aivazovsky dodał do niego małą galerię, aby każdy mógł swobodnie cieszyć się jego niesamowitymi obrazami i utonąć w oceanie kolorów. Dziś ta rezydencja nadal służy jako muzeum, a wielu odwiedzających przyjeżdża tu codziennie, aby na własne oczy zobaczyć umiejętności malarza morskiego, który żył długo i szczęśliwie.
2. Wiktor Wasniecow
Viktor Vasnetsov kontynuuje listę najbardziej znanych rosyjskich artystów. Urodził się wiosną 1848 roku w rodzinie księdza w małej wiosce Lopyal. Pragnienie malarstwa obudziło się w nim bardzo wcześnie, ale rodzice nie mogli zapewnić mu należytego wykształcenia z powodu braku pieniędzy. Dlatego w wieku 10 lat Victor zaczął studiować w bezpłatnym seminarium teologicznym.
W 1866 r. praktycznie bez pieniędzy wyjechał do Petersburga. Vasnetsov z łatwością zdał egzamin wstępny i wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych. Tutaj rozpoczęła się jego przyjaźń ze słynnym artystą Repinem, z którym później udał się do Paryża. Po powrocie do Petersburga Wasniecow zaczyna malować swoje najsłynniejsze obrazy: „Trzej bohaterowie”, „Śnieżna panna” i „Bóg Sabaoth”.
Artysta mógł w pełni ujawnić swój talent dopiero po przeprowadzce do Moskwy. Tutaj jest mu przytulnie i wygodnie, a każde kolejne zdjęcie jest lepsze od poprzedniego. To właśnie w Moskwie Wasniecow namalował takie obrazy jak Alionuszka, Iwan Carewicz i Szary Wilk oraz Nestor Kronikarz.
3. Karol Bryulłow
Ten słynny rosyjski artysta urodził się w 1799 roku. Ojciec Karla był znanym malarzem i profesorem Petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych. Dlatego los chłopca był przesądzony. Na szczęście Karlowi Bryullovowi udało się odziedziczyć talent artysty po ojcu.
Studia dały młodemu artyście bardzo łatwo. Był wielokrotnie lepszy od reszty studentów w swojej klasie i ukończył Akademię Sztuk Pięknych z wyróżnieniem. Następnie Karl udał się w podróż po Europie, zatrzymując się na długi czas tylko we Włoszech. To tutaj stworzył swoje arcydzieło - „Ostatni dzień Pompei”, które spędził około sześciu lat na pisaniu.
Po powrocie do Petersburga na Karla Bryulłowa czekała sława i chwała. Cieszyli się, widząc go wszędzie iz pewnością podziwiali jego nowe obrazy. W tym okresie artysta tworzy kilka swoich nieśmiertelnych obrazów: Horsewoman, Oblężenie Pskowa, Narcyz i inne.
4. Iwan Szyszkin
Ivan Shishkin to jeden z najsłynniejszych rosyjskich malarzy pejzażystów, który na swoich obrazach potrafił przedstawić każdy niepozorny pejzaż w najkorzystniejszym świetle. Wydaje się, że sama natura gra na płótnach tego artysty żywymi kolorami.
Ivan Shishkin urodził się w 1832 roku w Yelabuga, który dziś należy do Tatarstanu. Ojciec chciał, aby jego syn w końcu objął stanowisko urzędnika miejskiego, ale Iwan skłaniał się ku rysowaniu. W wieku 20 lat wyjechał do Moskwy na studia malarskie. Po pomyślnym ukończeniu Moskiewskiej Szkoły Sztuk Pięknych Shishkin wstąpił do Akademii Cesarskiej w Petersburgu.
Później długo podróżował po Europie, szkicując niesamowite krajobrazy. W tym czasie stworzył obraz „Widok w okolicach Düsseldorfu”, który przyniósł mu wielką sławę. Po powrocie do Rosji Shishkin nadal tworzy ze zdwojoną energią. Według niego rosyjska przyroda przewyższa kilkaset razy krajobrazy europejskie.
Ivan Shishkin namalował w swoim życiu wiele niesamowitych obrazów: „Poranek w sosnowym lesie”, „Pierwszy śnieg”, „Las sosnowy” i inne. Nawet śmierć dopadła tego malarza tuż za sztalugą.
5. Izaak Lewitan
Ten wielki rosyjski mistrz krajobrazów urodził się na Litwie, ale całe życie mieszkał w Rosji. Wielokrotnie żydowskie pochodzenie przysporzyło mu wielu upokorzeń, ale nie zmusiło go do opuszczenia tego kraju, który ubóstwiał i wychwalał na swoich obrazach.
Już pierwsze pejzaże Lewitana otrzymały wysokie oceny od Perowa i Sawrasowa, a sam Tretiakow kupił nawet swój obraz „Dzień jesieni w Sokolnikach”. Ale w 1879 roku Izaak Lewitan wraz ze wszystkimi Żydami został wydalony z Moskwy. Tylko dzięki wielkim wysiłkom przyjaciół i nauczycieli udaje mu się wrócić do miasta.
W latach 80. XIX wieku artysta namalował wiele niesamowitych obrazów, które uczyniły go bardzo sławnym. Były to „Sosny”, „Jesień” i „Pierwszy śnieg”. Ale kolejne upokorzenie zmusiło autora do ponownego opuszczenia Moskwy i wyjazdu na Krym. Na półwyspie artysta pisze szereg niesamowitych dzieł i znacznie poprawia swoją sytuację finansową. To pozwala mu podróżować po Europie i poznawać twórczość światowych mistrzów. Szczytem twórczości Lewitana był jego obraz „Ponad wiecznym pokojem”.
6. Wasilij Tropinin
Wielki rosyjski portrecista Wasilij Tropinin miał niesamowity los. Urodził się w rodzinie chłopów pańszczyźnianych hrabiego Markowa w 1780 roku i dopiero w wieku 47 lat otrzymał prawo bycia wolnym człowiekiem. Już jako dziecko mały Wasilij miał zamiłowanie do rysowania, ale hrabia wysłał go na studia jako cukiernik. Później nadal jest wysyłany do Imperial Academy, gdzie pokazuje swój talent w całym jego pięknie. Za swoje portrety „Koronkarka” i „Stary żebrak” Wasilij Tropinin otrzymał tytuł akademika.
7. Pietrow-Wodkin Kuzma
Słynny rosyjski artysta Petrov-Vodkin pozostawił po sobie bogate dziedzictwo malarstwa światowego. Urodził się w 1878 r. w Chwalińsku iw młodości zamierzał zostać kolejarzem. Jednak los uczynił go malarzem światowej sławy.
8. Aleksiej Sawrasow
Obrazy tego rosyjskiego artysty sprzedawały się dobrze już w wieku 12 lat. Nieco później wstąpił do Moskiewskiej Szkoły Malarstwa i od razu stał się jednym z najlepszych uczniów. Wycieczka na Ukrainę pomogła Savrasovowi ukończyć studia przed terminem i otrzymać tytuł artysty.
Obrazy „Kamień w lesie” i „Kreml moskiewski” uczyniły tego malarza akademikiem w wieku 24 lat! Rodzina królewska jest zainteresowana młodymi talentami, a sam Trietiakow kupuje wiele swoich prac na międzynarodowe wystawy. Wśród nich były „Zima”, „Przybyły gawrony”, „Odwilż” i inne.
Śmierć dwóch córek i późniejszy rozwód odbijają się na Savrasovie. Dużo pije i wkrótce umiera w szpitalu dla ubogich.
9. Andriej Rublow
Andriej Rublow jest najbardziej znanym rosyjskim malarzem ikon. Urodził się w XV wieku i pozostawił po sobie wielką spuściznę w postaci ikon „Trójca”, „Zwiastowanie”, „Chrzest Pański”. Andriej Rublow wraz z Daniilem Chernym ozdobili freskami wiele kościołów, a także namalowali ikony do ikonostasów.
10. Michaił Wrubel
Naszą listę najsłynniejszych rosyjskich artystów uzupełnia Michaił Wrubel, który w swoim życiu stworzył wiele arcydzieł z różnych dziedzin. Zajmował się malowaniem świątyni w Kijowie, a później w Moskwie przystąpił do tworzenia swojego słynnego cyklu „demonicznych” obrazów. Twórcze rzucanie tego artysty nie znalazło właściwego zrozumienia wśród współczesnych. Zaledwie kilkadziesiąt lat po śmierci Michaiła Wrubla krytycy sztuki przyznali mu rację, a Kościół zgodził się z jego interpretacją wydarzeń biblijnych.
Niestety życie osobiste artysty spowodowało u niego ciężką postać zaburzeń psychicznych. Tytuł akademika wyprzedził go w zakładzie dla obłąkanych, z którego nie było mu już przeznaczone wyjść. Niemniej jednak Michaiłowi Vrubelowi udało się stworzyć wiele niesamowitych dzieł sztuki, które zasługują na prawdziwy podziw. Wśród nich szczególnie warto wyróżnić obrazy „Siedzący demon”, „Księżniczka łabędzi” i „Faust”.
) w swoich ekspresyjnych zamaszystych pracach potrafiła zachować przezroczystość mgły, lekkość żagla, płynne kołysanie statku na falach.
Jej obrazy zachwycają głębią, objętością, nasyceniem, a faktura jest taka, że nie sposób oderwać od nich wzroku.
Ciepła prostota Valentina Gubareva
Artysta prymitywny z Mińska Walentin Gubariew nie goniąc za sławą i po prostu robiąc to, co kocha. Jego twórczość jest szalenie popularna za granicą, ale prawie nieznana jego rodakom. W połowie lat 90. Francuzi pokochali jego codzienne szkice i podpisali z artystą kontrakt na 16 lat. Obrazy, które zdawałoby się powinny być zrozumiałe tylko dla nas, nosicieli „skromnego uroku nierozwiniętego socjalizmu”, spodobały się europejskiej publiczności i rozpoczęły się wystawy w Szwajcarii, Niemczech, Wielkiej Brytanii i innych krajach.
Zmysłowy realizm Siergieja Marszennikowa
Siergiej Marszennikow ma 41 lat. Mieszka w Petersburgu i tworzy w najlepszych tradycjach klasycznej rosyjskiej szkoły portretu realistycznego. Bohaterki jego obrazów są delikatne i bezbronne w swoich półnagich kobietach. Wiele z najsłynniejszych obrazów przedstawia muzę i żonę artysty, Natalię.
Krótkowzroczny świat Philipa Barlowa
We współczesnej erze obrazów o wysokiej rozdzielczości i rozkwitu hiperrealizmu prace Philipa Barlowa natychmiast przyciągają uwagę. Wymaga to jednak od widza pewnego wysiłku, aby zmusić się do spojrzenia na rozmyte sylwetki i jasne plamy na płótnach autora. Prawdopodobnie tak osoby cierpiące na krótkowzroczność widzą świat bez okularów i soczewek kontaktowych.
Słoneczne króliczki autorstwa Laurenta Parceliera
Malarstwo Laurenta Parceliera to niesamowity świat, w którym nie ma ani smutku, ani przygnębienia. Nie znajdziesz w nim ponurych i deszczowych obrazków. Na jego płótnach jest dużo światła, powietrza i jaskrawych kolorów, które artysta nakłada charakterystycznymi rozpoznawalnymi pociągnięciami. Stwarza to wrażenie, że obrazy są utkane z tysięcy promieni słonecznych.
Urban Dynamics w pracach Jeremy'ego Manna
Olej na drewnianych panelach autorstwa amerykańskiego artysty Jeremy'ego Manna maluje dynamiczne portrety nowoczesnej metropolii. „Abstrakcyjne formy, linie, kontrast jasnych i ciemnych plam – wszystko to tworzy obraz, który przywołuje uczucie, którego człowiek doświadcza w miejskim tłumie, ale potrafi też wyrazić spokój płynący z kontemplacji cichego piękna” – mówi artysta.
Iluzoryczny świat Neila Simona
Na obrazach brytyjskiego artysty Neila Simone (Neil Simone) wszystko nie jest tym, czym wydaje się na pierwszy rzut oka. „Dla mnie świat wokół mnie to seria kruchych i ciągle zmieniających się kształtów, cieni i granic” — mówi Simon. A na jego obrazach wszystko jest naprawdę iluzoryczne i wzajemnie powiązane. Granice są zmywane, a historie płyną jedna w drugą.
Dramat miłosny Josepha Lorasso
Urodzony we Włoszech współczesny amerykański artysta Joseph Lorusso przenosi na płótno sceny, które widział w codziennym życiu zwykłych ludzi. Uściski i pocałunki, namiętne impulsy, chwile czułości i pożądania wypełniają jego emocjonalne obrazy.
Życie na wsi Dmitrija Levina
Dmitry Levin jest uznanym mistrzem rosyjskiego krajobrazu, który dał się poznać jako utalentowany przedstawiciel rosyjskiej szkoły realistycznej. Najważniejszym źródłem jego sztuki jest przywiązanie do natury, którą czule i namiętnie kocha i czuje się jej częścią.
Jasny Wschód Valery Błochin
Na Wschodzie wszystko jest inne: inne kolory, inne powietrze, inne wartości życiowe, a rzeczywistość jest bardziej bajeczna niż fikcja – tak myśli współczesny artysta
Na początku grudnia 2011 r. na rosyjskich aukcjach w Londynie ustanowiono nowe rekordy cenowe. Podsumowując wyniki roku, na podstawie wyników sprzedaży aukcyjnej sporządziliśmy zestawienie najdroższych dzieł rosyjskich artystów.
33 najdroższe k. Źródło: 33 najdroższe k.
Według ocen najdroższym rosyjskim artystą jest Mark Rothko. Jego White Center (1950), sprzedany za 72,8 miliona dolarów dodatkowo zajmuje 12. miejsce na liście najdroższych obrazów świata w ogóle. Jednak Rothko był Żydem, urodził się na Łotwie i opuścił Rosję w wieku 10 lat. Czy to jest sprawiedliwez podobnym rozciągnięciem pościg dla zapisów? Dlatego Rothko, a także inni emigranci, którzy opuścili Rosję, zanim zostali artystami (np. Tamara Łempicki i Chaim Soutine), usunęliśmy z listy.
Nr 1. Kazimierz Malewicz - 60 milionów dolarów
Autor „Czarnego kwadratu” jest zbyt ważną osobą, by jego prace często można było spotkać na wolnym rynku. Więc to zdjęcie trafiło na aukcję w bardzo trudny sposób. W 1927 roku Malewicz, przygotowując się do wystawy, przywiózł do Berlina prawie sto prac ze swojego leningradzkiego warsztatu. Został jednak pilnie wezwany do ojczyzny i pozostawił je na przechowanie architektowi Hugo Heringowi. Ocalił obrazy w trudnych latach faszystowskiej dyktatury, kiedy mogły zostać zniszczone jako „sztuka zdegenerowana”, aw 1958 roku, po śmierci Malewicza, sprzedał je Państwowemu Muzeum Stedelek (Holandia).
Na początku XXI wieku blisko czterdziestoosobowa grupa spadkobierców Malewicza wszczęła postępowanie sądowe – ponieważ Hering nie był prawnym właścicielem obrazów. W rezultacie muzeum przekazało im ten obraz, a odda jeszcze cztery, co z pewnością wywoła sensację na jakiejś aukcji. W końcu Malewicz jest jednym z najbardziej kutych artystów na świecie, a pochodzenie obrazów z Muzeum Stedelka jest nienaganne. A w styczniu 2012 r. spadkobiercy otrzymali kolejny obraz z tej berlińskiej wystawy, zabierając go ze szwajcarskiego muzeum.
#2 Wassily Kandinsky – 22,9 miliona dolarów
Cena aukcyjna przedmiotu zależy od jego reputacji. To nie tylko wielkie nazwisko artysty, ale także „proweniencja” (pochodzenie). Rzecz ze słynnej prywatnej kolekcji czy dobrego muzeum jest zawsze droższa niż praca z anonimowej kolekcji. Fuga pochodzi ze słynnego Muzeum Guggenheima: pewnego razu dyrektor Thomas Krenz usunął ten Kandinsky, obraz Chagalla i Modiglianiego ze zbiorów muzealnych i wystawił go na sprzedaż. Z jakiegoś powodu za otrzymane pieniądze muzeum nabyło kolekcję 200 dzieł amerykańskich artystów konceptualnych. Za tę decyzję Krenz był przez bardzo długi czas potępiany.
To płótno ojca abstrakcjonizmu jest ciekawe, ponieważ ustanowiło rekord w 1990 roku, kiedy hale aukcyjne w Londynie i Nowym Jorku nie były jeszcze pełne lekkomyślnych rosyjskich kupców. Dzięki temu notabene nie zniknął w jakiejś bardzo prywatnej kolekcji w luksusowej rezydencji, ale jest na stałe eksponowany w prywatnym Muzeum Beyelera w Szwajcarii, gdzie każdy może go zobaczyć. Rzadka okazja na taki zakup!
Nr 3. Aleksiej Jawlenski - 9,43 miliona funtów
Nieznany nabywca zapłacił około 18,5 miliona dolarów za portret przedstawiający dziewczynę z wioski niedaleko Monachium. Shokko to nie imię, ale pseudonim. Modelka, wchodząc do pracowni artystki, za każdym razem prosiła o filiżankę gorącej czekolady. Więc „Shokko” zakorzenił się za nią.
Sprzedawany obraz należy do jego słynnego cyklu „Rasa”, przedstawiającego domowe chłopstwo pierwszej ćwierci XX wieku. I racja, portretowanie z takimi kubkami, że aż strach patrzeć. Tutaj, w postaci pasterza, objawia się chłopski poeta Nikołaj Klujew, prekursor Jesienina. Wśród jego wierszy znajdują się następujące: „W ogniu szkarłatny kwiat stał się głuchy i zwiędły - Lekki bachor jest śmiały Daleko od ukochanej”.
Nr 19. Konstantin Makovsky - 2,03 miliona funtów
Makovsky - malarz salonowy, znany z ogromnej liczby głów głogu w kokoshnikach i sukienkach, a także obrazu „Dzieci uciekające przed burzą”, które kiedyś były stale drukowane na pudełkach prezentów z czekoladkami. Jego słodkie obrazy historyczne cieszą się stałym popytem wśród rosyjskich nabywców.
Temat tego obrazu- Stary rosyjski „obrzęd pocałunków” Szlachetnym kobietom starożytnej Rusi nie wolno było opuszczać kobiecej połowy i tylko ze względu na honorowych gości mogły wychodzić, przynosić filiżankę i (najprzyjemniejsza część) pozwalać się całować. Zwróć uwagę na obraz wiszący na ścianie: to wizerunek cara Aleksieja Michajłowicza, jeden z pierwszych portretów konnych, jakie pojawiły się na Rusi. Jego skład, choć bezczelnie skopiowany z europejskiego wzorca, uznano za niezwykle nowatorski, a nawet szokujący jak na tamte czasy.
nr 20. Światosław Roerich – 2,99 miliona dolarów
Syn Mikołaja Roericha opuścił Rosję jako nastolatek. Mieszkał w Anglii, USA, Indiach. Podobnie jak jego ojciec interesował się filozofią Wschodu. Podobnie jak jego ojciec, namalował wiele obrazów o tematyce indyjskiej. Ogólnie rzecz biorąc, jego ojciec zajmował ogromne miejsce w jego życiu - namalował ponad trzydzieści swoich portretów. Ten obraz powstał w Indiach, gdzie klan osiedlił się w połowie wieku. Obrazy Światosława Roericha rzadko pojawiają się na aukcjach, a w Moskwie dzieła słynnej dynastii można oglądać w salach Muzeum Wschodu, któremu autorzy je prezentowali, a także w muzeum muzeum „Międzynarodowe Centrum Roerichs”, który znajduje się w luksusowej szlacheckiej posiadłości tuż za Muzeum Puszkina. Oba muzea nie przepadają za sobą: Muzeum Orientu zajmuje zarówno budynek, jak i zbiory Centrum Roericha.
Nr 21 Iwan Szyszkin - 1,87 miliona funtów
Główny rosyjski pejzażysta spędził trzy kolejne lata na Valaam i pozostawił wiele obrazów tego obszaru. Ta praca jest trochę ponura i nie wygląda jak klasyczny Shishkin. Wyjaśnia to jednak fakt, że obraz należy do jego wczesnego okresu, kiedy nie szukał po omacku swojego stylu i był pod silnym wpływem szkoły pejzażu z Düsseldorfu, w której studiował.
Wspomnieliśmy już o tej szkole w Düsseldorfie powyżej, w przepisie na fałszywego „Aiwazowskiego”. " Shishkins” są wykonane według tego samego schematu, na przykład w 2004 r Sotheby's wystawił „Pejzaż ze strumieniem" malarza z okresu Düsseldorfu. Wartość wyceniono na milion dolarów i potwierdzono badaniem Galerii Trietiakowskiej. Godzinę przed sprzedażą usunięto działkę - okazał się obrazem przez innego ucznia tej szkoły, Holendra Marinusa Adriana Kukkuka, kupionego w Szwecji za 65 tys. dolarów.
Nr 22. Kuzma Petrov-Vodkin - 1,83 miliona funtów
Portret chłopca z ikoną Matki Boskiej został znaleziony w prywatnej kolekcji w Chicago. Po przekazaniu go do domu aukcyjnego eksperci rozpoczęli badania mające na celu ustalenie jego pochodzenia. Okazało się, że obraz był na wystawach w 1922 i 1932 roku. W latach 30. prace artysty podróżowały po Stanach w ramach wystawy sztuki rosyjskiej. Być może właśnie wtedy właściciele nabyli ten obraz.
Zwróć uwagę na puste miejsce na ścianie za chłopcem. Początkowo autor myślał o napisaniu tam okna z zielonym pejzażem. To zrównoważyłoby obraz zarówno pod względem kompozycji, jak i kolorystyki – trawa miałaby coś wspólnego z zieloną tuniką Matki Boskiej (swoją drogą, zgodnie z kanonem, powinna być niebieska). Nie wiadomo, dlaczego Petrov-Vodkin zamalował okno.
Nr 23. Mikołaj Roerich - 1,76 miliona funtów
Przed wizytą w Szambali i rozpoczęciem korespondencji z Dalajlamą Mikołaj Konstantynowicz Roerich z powodzeniem specjalizował się w tematyce staroruskiej, a nawet tworzył szkice baletowe do sezonów rosyjskich. Sprzedawana partia pochodzi z tego okresu. Przedstawiona scena to cudowne zjawisko nad wodą, które obserwuje rosyjski mnich, najprawdopodobniej Sergiusz z Radoneża. Ciekawe, że obraz został namalowany w tym samym roku, co inna wizja Sergiusza (wówczas młodzieńca Bartłomieja), pojawiająca się w naszym zestawieniu powyżej. Różnica stylistyczna jest ogromna.
Roerich namalował wiele obrazów i lwią część z nich - w Indiach. Podarował kilka kawałków Indyjskiemu Instytutowi Badań Rolniczych. Ostatnio dwa z nich, „Himalaya, Kanchenjunga” i „Sunset, Kashmir pojawił się na aukcji w Londynie. Dopiero wtedy młodsi pracownicy naukowi Instytutu zauważyli, że zostali okradzeni. W styczniu 2011 r. Indianie wystąpili do londyńskiego sądu o pozwolenie na zbadanie zbrodni w Anglii. Zainteresowanie złodziei dziedzictwem Roericha jest zrozumiałe, bo jest popyt.
Nr 24. Lubow Popowa- 1,7 miliona funtów
Lyubov Popova zmarła młodo, więc nie stała się sławna jak inna amazońska awangarda Natalia Gonczarowa. Tak, a jej spuścizna jest mniejsza - dlatego trudno znaleźć jej prace na sprzedaż. Po jej śmierci sporządzono szczegółową inwentaryzację obrazów. Martwa natura znana była przez wiele lat jedynie z czarno-białej reprodukcji, aż trafiła do prywatnej kolekcji, okazując się najbardziej znaczącym dziełem artysty znajdującym się w prywatnych rękach. Zwróć uwagę na tacę Zhostovo - być może jest to nuta gustu Popovej do rękodzieła ludowego. Pochodziła z rodziny kupca z Iwanowa, zajmującego się tkaninami, sama stworzyła wiele szkiców tekstyliów propagandowych opartych na rosyjskich tradycjach.
Nr 25. Aristarkh Lentulov - 1,7 miliona funtów
Lentułow wszedł do historii rosyjskiej awangardy pamiętnym obrazem soboru Wasyla Błogosławionego – albo kubizmem, albo patchworkową kołdrą. W tym pejzażu próbuje rozbić przestrzeń w podobny sposób, ale nie wychodzi to tak ekscytująco. Właściwie dlatego Bazylego Błogosławionego» w Galerii Trietiakowskiej i to zdjęcie- na rynku sztuki. Jeszcze kiedyś pracownicy muzeum mieli okazję odtłuszczać śmietankę.
Nr 26. Aleksiej Bogolubow - 1,58 miliona funtów
Sprzedaż tego mało znanego artysty, choć ulubionego pejzażysty cara Aleksandra III, za tak szalone pieniądze jest symptomem szaleństwa rynku w przededniu kryzysu 2008 roku. Wtedy rosyjscy kolekcjonerzy byli gotowi kupić nawet drobnych mistrzów. Co więcej, artyści pierwszej klasy rzadko się sprzedają.
Być może to zdjęcie zostało wysłane jako prezent dla jakiegoś urzędnika: ma odpowiednią fabułę, ponieważ Katedra Chrystusa Zbawiciela już dawno przestała być tylko kościołem, a stała się symbolem. I pochlebne pochodzenie - obraz był przechowywany w pałacu królewskim. Zwróć uwagę na szczegóły: ceglana wieża Kremla pokryta jest białym tynkiem, a wzgórze wewnątrz Kremla jest całkowicie nieumeblowane. Cóż, po co zawracać sobie głowę próbowaniem? W latach siedemdziesiątych XIX wieku stolicą był Petersburg, a nie Moskwa, a Kreml nie był rezydencją.
Nr 27. Izaak Lewitan - 1,56 miliona funtów
Zupełnie nietypowa dla Lewitana praca została sprzedana na tej samej aukcji co obraz Bogolubowa, ale okazała się tańsza. Wynika to oczywiście z faktu, że obraz nie wygląda jak „Lewitan ". Jego autorstwo jest jednak bezsporne, podobna fabuła znajduje się w Muzeum w Dniepropietrowsku. Na cześć koronacji Mikołaja II zapalono 40 000 żarówek, którymi udekorowano Kreml. Za kilka dni nastąpi katastrofa w Chodynce.
Nr 28. Arkhip Kuindzhi - 3 miliony dolarów
Słynny pejzażysta namalował trzy podobne obrazy. Pierwszy znajduje się w Galerii Trietiakowskiej, trzeci w Państwowym Muzeum Białorusi. Drugi prezentowany na aukcji był przeznaczony dla księcia Pawła Pawłowicza Demidowa-San Donato. Ten przedstawiciel słynnej dynastii Uralu mieszkał w willi niedaleko Florencji. Ogólnie rzecz biorąc, Demidovowie, stając się włoskimi książętami, bawili się najlepiej, jak potrafili. Na przykład wujek Pawła, po którym odziedziczył tytuł książęcy, był tak bogaty i szlachetny, że ożenił się z siostrzenicą Napoleona Bonaparte i pewnego dnia wychłostał ją w złym humorze. Biedna kobieta walczyła o rozwód. Zdjęcie jednak nie dotarło do Demidowa, zostało nabyte przez ukraińską cukrownię Tereshchenko.
Nr 29. Konstanty Korowin- 1,497 miliona funtów
impresjoniści nieodłączny jest bardzo „lekki”, zamaszysty styl pisania. Korovin jest głównym rosyjskim impresjonistą. Jest bardzo popularny wśród oszustów; według plotek liczba podróbek na aukcjach sięga 80%. Jeśli obraz z prywatnej kolekcji został wystawiony na osobistej wystawie artysty w słynnym muzeum państwowym, to jego reputacja zostaje wzmocniona, a na następnej aukcji kosztuje znacznie więcej. W 2012 roku Galeria Trietiakowska planuje wielkoformatową wystawę Korowina. Być może pojawią się prace z prywatnych kolekcji. Ten akapit jest przykładem manipulacji umysłem czytelnika poprzez przykład wyliczania faktów, które nie mają ze sobą bezpośredniego logicznego związku.
- Uprzejmie informujemy, że od 26 marca do 12 sierpnia 2012 r. Galeria Trietiakowska obiecuje zorganizowaćWystawa Korowina . Przeczytaj więcej o biografii najbardziej czarujących artystów epoki srebra. w naszej recenzji wernisaże Państwowej Galerii Trietiakowskiej w 2012 roku.
Nr 30. Jurij Annenkow - 2,26 miliona dolarów
Annenkovowi udało się wyemigrować w 1924 roku i zrobił dobrą karierę na Zachodzie. Na przykład w 1954 roku był nominowany do Oscara jako projektant kostiumów do filmu "Pani De..." Najsłynniejszy z jego wczesnych sowieckich portretów- twarze są kubistyczne, fasetowane, ale całkowicie rozpoznawalne. Na przykład wielokrotnie rysował w ten sposób Leona Trockiego - a nawet powtórzył rysunek wiele lat później z pamięci, kiedy magazyn Times chciał ozdobić nim okładkę.
Postać przedstawiona na portrecie metrykalnym to pisarz Tichonow-Serebrow. Do historii literatury rosyjskiej wszedł głównie dzięki bliskiej przyjaźni z. Tak blisko, że według brudnych plotek żona artysty Varvara Shaikevich urodziła nawet córkę wielkiego proletariackiego pisarza. Na reprodukcji nie jest to bardzo widoczne, ale portret jest wykonany techniką kolażu: szkło i gips nachodzą na warstwę farby olejnej, dołączony jest nawet prawdziwy dzwonek do drzwi.
#31 Lew Lagorio – 1,47 miliona funtów
Kolejny pomniejszy pejzażysta, z jakiegoś powodu sprzedany za rekordową cenę. Jednym ze wskaźników sukcesu aukcji jest przekroczenie oszacowania („szacunku”) - ceny minimalnej, którą eksperci domu aukcyjnego ustalili za przedmiot. Szacunek tego krajobrazu wynosił 300-400 tysięcy funtów i został sprzedany 4 razy drożej. Jak powiedział jeden z londyńskich licytatorów: „Szczęście jest gdy dwóch rosyjskich oligarchów rywalizuje o ten sam temat.
Nr 32. Wiktor Wasniecow - 1,1 miliona funtów
Bogatyrs stał się wizytówką w latach 70. XIX wieku. Wraca do swojego gwiezdnego tematu, podobnie jak inni weterani malarstwa rosyjskiego, w latach młodej republiki radzieckiej - zarówno ze względów finansowych, jak i po to, by znów poczuć się rozchwytywanym. To zdjęcie jest powtórzeniem autora „Ilya Muromets” (1915), który jest przechowywany w Domu-Muzeum Artysty (na Prospekt Mira).
Nr 33. Eric Bulatov - 1,084 miliona funtów
Drugi żyjący artysta na naszej liście (powiedział też, że najlepszym sposobem na podniesienie ceny przez artystę jest śmierć). Nawiasem mówiąc, to jest radziecki Warhol, podziemny i antykomunistyczny. Pracował w gatunku Sots Art, który został stworzony przez sowieckie podziemie jako nasza wersja Pop Artu. „Chwała KPZR” to jedno z najsłynniejszych dzieł artysty. Według jego własnych wyjaśnień litery tutaj symbolizują kratę, która blokuje nam niebo, czyli wolność.
Premia: Zinaida Serebryakova – 1,07 miliona funtów
Serebryakova uwielbiała malować nagie kobiety, autoportrety i czwórkę swoich dzieci. Ten idealny feministyczny świat jest harmonijny i spokojny, czego nie można powiedzieć o życiu samej artystki, która po rewolucji z trudem uciekła z Rosji i poświęciła wiele energii, by wywieźć stamtąd swoje dzieci.
„Akt” nie jest obrazem olejnym, ale pastelowym rysunkiem. To najdroższy rosyjski rysunek. Tak wysoka kwota zapłacona za grafikę jest porównywalna z cenami rysunków impresjonistów i wywołała wielkie zdziwienie w Sotheby's, który rozpoczął handel ze 150 000 funtów i otrzymał milion.
Zestawienie opiera się na cenach podanych na oficjalnych stronach internetowych domów aukcyjnych. Ta cena jest sumą wartości netto (wyrażanej, gdy młot spada) i« Premia kupującego” (dodatkowy procent domu aukcyjnego). Inne źródła mogą wskazywać "czysty» cena. Kurs dolara do funta często się zmienia, więc brytyjskie i amerykańskie pozycje są ułożone względem siebie z przybliżoną dokładnością (nie jesteśmy Forbesem).
Dodatki i poprawki do naszej listy są mile widziane.