Sztuki wizualne powstały wraz z ludzką cywilizacją. Ale można śmiało powiedzieć, że starożytni artyści, którzy dekorowali ściany jaskiń rysunkami, nie mogli sobie nawet wyobrazić, jaką formę przybierze sztuka za tysiące lat.
1. Anamorfoza
Anamorfoza to technika tworzenia obrazów, które można w pełni zrozumieć tylko z określonego punktu lub kąta. W niektórych przypadkach normalny obraz pojawia się tylko wtedy, gdy patrzysz na obraz przez lustro. Jednym z najwcześniejszych znanych przykładów anamorfozy są niektóre pisma Leonarda da Vinci datowane na XV wiek.
Kilka innych godnych uwagi przykładów tej formy sztuki pojawiło się w okresie renesansu, w tym Ambasadorowie Hansa Holbeina Młodszego i freski Andrei Pozzo na kopule Sant'Ignazio w Rzymie. Na przestrzeni wieków technika anamorfozy ewoluowała i obecnie można spotkać zarówno trójwymiarowe obrazy na papierze, jak i sztukę uliczną imitującą dziury w ścianach czy pęknięcia w ziemi. Szczególnie interesująca odmiana ten styl jest typografią anamorficzną.
Przykłady obejmują prace studentów projektowania graficznego, Josepha Egana i Huntera Thompsona, którzy udekorowali swoje korytarze w college'u zniekształconym tekstem, który zmienia się w wiadomości, gdy patrzy się na nie pod pewnym kątem.
2. Fotorealizm
W latach 60. powstał ruch fotorealistów, którzy starali się tworzyć niezwykle realistyczne obrazy, nie do odróżnienia od fotografii. Kopiowali nawet najdrobniejsze szczegóły ze zdjęć, tworząc własne obrazy. Istnieje również nurt zwany superrealizmem lub hiperrealizmem, który obejmuje nie tylko malarstwo, ale także rzeźbę. Był pod dużym wpływem nowoczesny pop-art kultura.
Jednak podczas gdy pop-art nie wykorzystuje obrazów komercyjnych, fotorealizm przekazuje to, co zwykle życie codzienne. Do najbardziej znanych artystów fotorealistów należą Richard Estes, Audrey Flack, Robert Bechtley, Chuck Close i rzeźbiarz Duane Hanson.
3. Malowanie brudnych samochodów
Rysowanie na nieumytym samochodzie często nie jest uważane za takie wysoki poziom artystyczny, ponieważ większość z tych „artystów” rzadko pisze coś więcej niż „umyj mnie”. Ale 52-letni amerykański projektant Scott Wade zasłynął z niesamowitych rysunków, które tworzy na szybach samochodów odkurzonych z teksańskich dróg. Wade pierwotnie malował na szybach samochodowych palcami lub pałeczkami, ale teraz używa specjalnych narzędzi i pędzli. Twórca niezwykłego gatunku sztuki brał już udział w kilku wystawach artystycznych.
4. Stosowanie płynów ustrojowych w art
Może się to wydawać dziwne, ale jest wielu artystów, którzy tworzą swoje prace za pomocą płynów ustrojowych. Na przykład austriacki artysta Hermann Nitsch używa w swoich pracach moczu i ogromnej ilości krwi zwierzęcej. Brazylijski artysta Vinicius Quesada jest dobrze znany ze swojej serii obrazów Blood and Piss Blues. Co ciekawe, Quesada działa tylko z własną krwią. Jego obrazy tworzą mroczną, surrealistyczną atmosferę.
5. Rysowanie częściami ciała
W Ostatnio wzrosła popularność artystów wykorzystujących części własne ciało do rysowania. Na przykład Tim Patch, znany pod pseudonimem „Pricasso” (na cześć wielkiego Hiszpański artysta, Pablo Picasso), rysuje swoim... penisem. Ponadto 65-letni australijski artysta regularnie używa swojego tyłka i moszny jako pędzla. Patch wykonuje tego rodzaju prace od ponad dziesięciu lat, a jego popularność rośnie z roku na rok.
Warto wspomnieć także o Kirie Ain Warseji, która swoimi piersiami maluje abstrakcyjne portrety; Ani K., która rysuje językiem, i Stephen Marmer, nauczycielka, która rysuje pośladkami. Być może najdziwniejszym z tych artystów jest Norweg Morten Wiskum, który podobno maluje odciętą ręką.
6. Odwrotne renderowanie 3D
Podczas gdy anamorfoza ma na celu sprawienie, aby obiekty 2D wyglądały jak obiekty 3D, odwrotne renderowanie 3D ma na celu odwrotne działanie - aby obiekt 3D wyglądał jak rysunek lub obraz. Najbardziej znaną artystką w tej dziedzinie jest Alexa Meade z Los Angeles. Używa nietoksycznych farby akrylowe aby ludzie wyglądali jak nieożywione dwuwymiarowe obrazy. Inną popularną artystką jest Cynthia Greig z Detroit. W przeciwieństwie do Meada, Greig używa raczej zwykłych przedmiotów gospodarstwa domowego niż żywych modeli. Pokrywa je białą farbą i węgiel drzewny stworzyć iluzję nierzeczywistości.
7. Sztuka cienia
Cienie są z natury ulotne, więc trudno powiedzieć, kiedy ludzie po raz pierwszy zaczęli ich używać w sztuce. współcześni artyści osiągnął niesamowite mistrzostwo w pracy z cieniem. Układają różne przedmioty w taki sposób, że tworzy z nich cień piękne zdjęcia ludzie, słowa lub przedmioty. Ponieważ cienie tradycyjnie kojarzą się z czymś tajemniczym lub mistycznym, wielu artystów wykorzystuje w swoich pracach motyw horroru lub dewastacji.
8 odwróconych graffiti
Podobnie jak malowanie brudnych samochodów, sztuka odwróconego graffiti polega na tworzeniu obrazów poprzez usuwanie brudu, a nie dodawanie farby. Artyści często używają węży wodnych do usuwania brudu i usuwania brudu ze ścian, tworząc niesamowite zdjęcia. Ruch narodził się dzięki angielski artysta Paul „Moose” Curtis, który jako nastolatek namalował obraz na zadymionej ścianie restauracji, w której zmywał naczynia. Inny brytyjski artysta, Ben Long, maluje swoje obrazy z tyłu przyczep kempingowych, używając palca do usuwania brudu z rury wydechowej.
9. Iluzje sztuki ciała
Malowanie ciała lub body art istnieje od dawna, nawet Majowie i starożytni Egipcjanie próbowali swoich sił w tej formie sztuki. Współczesna iluzja body artu to malowanie ludzkiego ciała tak, aby wtopiło się ono w otaczające tło lub w inny sposób oszukało oko. Niektórzy ludzie malują się, aby wyglądać jak zwierzęta lub samochody, podczas gdy inni używają farby, aby stworzyć iluzję dziur w skórze.
10. Lekka grafika
Jak na ironię, niektóre z pierwszych prób malowania światłem w ogóle nie zostały uznane za sztukę. Frank i Lillian Gilbreth (bohaterowie powieści Taniej dwunastu) zasłynęli ze zwiększania wydajności pracowników. Już w 1914 roku zaczęli używać światła i kamery z otwartą migawką do rejestrowania ruchów poszczególnych pracowników. Badając otrzymane obrazy świetlne, mieli nadzieję znaleźć sposoby na uproszczenie i ułatwienie pracy. W świecie sztuki metoda ta rozpoczęła się w 1935 roku, kiedy surrealistyczny artysta Man Ray użył aparatu z otwartą migawką, aby sfotografować siebie w otoczeniu strumieni światła.
Jeden z głównych sposobów myślenia. Jej efektem jest wykształcenie większości Pojęcia ogólne i sądy (abstrakcje). W sztuce dekoracyjnej abstrakcja to proces stylizacji naturalnych form.
W działalność artystyczna abstrakcja jest zawsze obecna; w swoim ekstremalnym wyrazie sztuki piękne prowadzi do abstrakcjonizmu, specjalny kierunek w sztukach wizualnych XX wieku, który charakteryzuje się odrzuceniem obrazu rzeczywistych obiektów, ostatecznym uogólnieniem lub całkowitym odrzuceniem formy, nieobiektywnymi kompozycjami (z linii, kropek, plam, płaszczyzn itp.), eksperymentami z kolorem, spontaniczną ekspresją wewnętrzny świat artysta, jego podświadomość w chaotycznych, niezorganizowanych formach abstrakcyjnych (ekspresjonizm abstrakcyjny). Obrazy rosyjskiego artysty V. Kandinsky'ego można przypisać temu kierunkowi.
Przedstawiciele niektórych nurtów w Sztuka abstrakcyjna tworzyli logicznie uporządkowane struktury, nawiązujące do poszukiwań racjonalnej organizacji form w architekturze i designie (suprematyzm rosyjskiego malarza K. Malewicza, konstruktywizm itp.) Abstrakcjonizm wyrażał się mniej w rzeźbie niż w malarstwie.
Abstrakcjonizm był odpowiedzią na ogólną dysharmonię współczesnego świata i odniósł sukces, ponieważ głosił odrzucenie świadomego w sztuce i wzywał do „oddania inicjatywy formom, kolorom, kolorom”.
Realizm
od ks. realizm, od łac. realis – prawdziwy. W szeroko rozumianej sztuce prawdziwe, obiektywne, kompleksowe odzwierciedlenie rzeczywistości za pomocą określonych środków właściwych rodzajom twórczości artystycznej.
Cechą wspólną metody realizmu jest rzetelność w odtwarzaniu rzeczywistości. Jednakże, sztuka realistyczna ma ogromną różnorodność sposobów poznania, uogólnienia, refleksja artystyczna rzeczywistość (G.M. Korzhev, M.B. Grekov, A.A. Plastov, A.M. Gierasimow, T.N. Yablonskaya, P.D. Korin itp.)
Sztuka realistyczna XX wieku. nabiera jasności cechy narodowe i różnorodność form. Realizm jest przeciwieństwem modernizmu.
awangarda
od ks. awangarda – zaawansowana, garde – dystans – pojęcie określające eksperymentalne, modernistyczne przedsięwzięcia w sztuce. W każdej epoce pojawiały się nowatorskie zjawiska w sztukach wizualnych, ale termin „awangarda” powstał dopiero na początku XX wieku. W tym czasie pojawiły się takie nurty jak fowizm, kubizm, futuryzm, ekspresjonizm, abstrakcjonizm. Następnie w latach 20. i 30. awangardowe pozycje zajął surrealizm. W latach 60-70 doszły nowe odmiany abstrakcjonizmu - różne formy akcjonizmu, pracy z obiektami (pop-art), sztuka konceptualna, fotorealizm, kinetyzm itp. Artyści awangardowi wyrażają swego rodzaju protest przeciwko tradycyjnej kulturze z ich pracą.
We wszystkich kierunkach awangardowych, pomimo ich duża różnorodność, możemy wyróżnić cechy wspólne: odrzucenie norm klasycznego obrazu, nowość formalną, deformację form, ekspresję i różne przekształcenia gry. Wszystko to prowadzi do zacierania granic między sztuką a rzeczywistością (ready-made, instalacja, environment), kreowania ideału otwartego dzieła sztuki, które bezpośrednio wdziera się w otoczenie. Sztuka awangardy jest przeznaczona do dialogu między artystą a widzem, aktywnej interakcji osoby z dziełem sztuki, udziału w twórczości (np. sztuka kinetyczna, happening itp.).
Dzieła nurtów awangardowych czasami tracą swoje malarskie pochodzenie i są utożsamiane z przedmiotami otaczającej rzeczywistości. Nowoczesne kierunki awangardy są ze sobą ściśle powiązane, tworząc nowe formy sztuki syntetycznej.
pod ziemią
język angielski pod ziemią - pod ziemią, w lochu. Pojęcie oznaczające kulturę „podziemną”, przeciwstawiającą się konwencjom i ograniczeniom kultury tradycyjnej. Wystawy artystów tego kierunku często odbywały się nie w salonach i galeriach, ale bezpośrednio na ziemi, a także w przejściach podziemnych lub metrze, które w wielu krajach nazywane jest podziemiem (metrem). Prawdopodobnie, ta okoliczność wpłynął również na fakt, że za tym nurtem w sztuce XX wieku. nazwa została zatwierdzona.
W Rosji pojęcie undergroundu stało się określeniem społeczności artystów reprezentujących sztukę nieoficjalną.
Surrealizm
ks. surrealizm - superrealizm. Kierunek w literaturze i sztuce XX wieku. założona w latach 20. Powstały we Francji z inicjatywy pisarza A. Bretona surrealizm szybko stał się trendem międzynarodowym. Surrealiści wierzyli, że energia twórcza pochodzi ze sfery podświadomości, która objawia się podczas snu, hipnozy, bolesnych delirium, nagłych olśnień, automatycznych działań ( przypadkowy spacer ołówek na papierze itp.)
Artyści surrealistyczni, w przeciwieństwie do abstrakcjonistów, nie rezygnują z przedstawiania rzeczywistych przedmiotów, lecz przedstawiają je w chaosie, celowo pozbawionym logicznych relacji. Brak sensu, odrzucenie rozsądnego odzwierciedlenia rzeczywistości to główna zasada sztuki surrealizmu. O oderwaniu od prawdziwe życie sama nazwa kierunku mówi: „sur” po francusku „powyżej”; Artyści nie udawali, że odzwierciedlają rzeczywistość, ale mentalnie umieszczali swoje dzieła „ponad” realizmem, udając urojone fantazje jako dzieła sztuki. Tak, w liczbach surrealistyczne obrazy znalazły się podobne, niewytłumaczalne prace M. Ernsta, J. Miro, I. Tanguy, a także przedmioty przetworzone nie do poznania przez surrealistów (M. Oppenheim).
Kierunek surrealistyczny, którym kierował S. Dali, opierał się na iluzorycznej dokładności odtwarzania nierealnego obrazu, który powstaje w podświadomości. Jego obrazy wyróżnia staranny sposób pisania, dokładne oddanie światłocienia, typowa dla malarstwa perspektywa malarstwo akademickie. Widz, ulegając perswazyjności malarstwa iluzorycznego, zostaje wciągnięty w labirynt oszustw i nierozwiązywalnych zagadek: stałe przedmioty rozchodzą się, gęste przedmioty stają się przezroczyste, niekompatybilne przedmioty wykręcają się i wywracają na lewą stronę, masywne bryły stają się nieważkie, a wszystko to tworzy obraz. jest to niemożliwe w rzeczywistości.
Ten fakt jest znany. Pewnego razu na wystawie przed dziełem S. Dalego widz stał przez długi czas, przyglądając się uważnie i próbując zrozumieć znaczenie. W końcu, w całkowitej desperacji, powiedział głośno: „Nie rozumiem, co to znaczy!” Okrzyk publiczności usłyszał obecny na wystawie S. Dali. „Jak możesz zrozumieć, co to znaczy, jeśli ja sam tego nie rozumiem” – powiedział artysta, wyrażając w ten sposób podstawową zasadę sztuki surrealistycznej: malować bez myślenia, bez myślenia, porzucając rozum i logikę.
Wystawom prac surrealistycznych zwykle towarzyszyły skandale: publiczność była oburzona, patrząc na niedorzeczne, niezrozumiałe obrazy, uważała, że została oszukana, oszukana. Surrealiści obwiniali publiczność, deklarowali, że zostali w tyle, nie dorastali do twórczości „awansowanych” artystów.
Ogólne cechy sztuki surrealizmu to fantazja absurdu, alogizm, paradoksalne zestawienia form, niestabilność wizualna, zmienność obrazów. Artyści zwrócili się w stronę naśladowania sztuki prymitywnej, twórczości dzieci i osób chorych psychicznie.
Artyści tego nurtu chcieli stworzyć na swoich płótnach rzeczywistość nieodpowiadającą rzeczywistości podpowiadanej przez podświadomość, ale w praktyce skutkowało to powstaniem patologicznie odpychających obrazów, eklektyzmu i kiczu (niem. za efekt zewnętrzny).
Niektóre znaleziska surrealistów były wykorzystywane w obszarach komercyjnych. sztuka dekoracyjna, Na przykład iluzje optyczne, co pozwala zobaczyć dwa różne obrazy lub sceny na jednym zdjęciu, w zależności od kierunku patrzenia.
Twórczość surrealistów budzi najbardziej złożone skojarzenia, można je w naszym postrzeganiu utożsamiać ze złem. Przerażające wizje i idylliczne sny, zamieszki, rozpacz - te uczucia są w modzie różne opcje pojawiają się w dziełach surrealistów, aktywnie oddziałując na widza, absurdalność dzieł surrealizmu oddziałuje na wyobraźnię asocjacyjną i psychikę.
Surrealizm to kontrowersyjne zjawisko artystyczne. Wiele naprawdę zaawansowanych postaci kultury, zdając sobie sprawę, że ten nurt niszczy sztukę, porzuciło następnie surrealistyczne poglądy (artyści P. Picasso, P. Klee i inni, poeci F. Lorca, P. Neruda, hiszpański reżyser L. Bunuel, który realizował surrealistyczne filmy). W połowie lat sześćdziesiątych surrealizm ustąpił miejsca nowym, jeszcze bardziej krzykliwym nurtom modernizmu, ale kapryśnym, przez większą część brzydkie, bezsensowne dzieła surrealistów wciąż wypełniają sale muzealne.
Modernizm
ks. modernizm, od łac. modernus - nowy, nowoczesny. Zbiorcze określenie wszystkich najnowszych nurtów, kierunków, szkół i działań poszczególnych mistrzów sztuki XX wieku, zerwanie z tradycją, realizmem i uznanie eksperymentu za podstawę metoda kreatywna(fowizm, ekspresjonizm, kubizm, futuryzm, abstrakcjonizm, dadaizm, surrealizm, pop-art, op-art, sztuka kinetyczna, hiperrealizm itp.). Modernizm jest bliski znaczeniowo awangardyzmowi i jest przeciwieństwem akademizmu. Modernizm został negatywnie oceniony przez sowieckich krytyków sztuki jako zjawisko kryzysu kultura burżuazyjna. Sztuka ma wolność wyboru ścieżki historyczne. Sprzeczności modernizmu jako takie należy rozpatrywać nie statycznie, ale w dynamice historycznej.
Pop Art
język angielski pop Art, od sztuki popularnej - sztuka popularna. Nurt w sztuce Europy Zachodniej i USA od końca lat 50. XX wieku. Rozkwit pop-artu przypadł na burzliwe lata 60., kiedy to w wielu krajach Europy i Ameryki wybuchły bunty młodzieży. Ruch młodzieżowy nie miał jednego celu - łączył go patos zaprzeczania.
Młodzi ludzie byli gotowi wyrzucić za burtę całą przeszłą kulturę. Wszystko to znajduje odzwierciedlenie w sztuce.
Charakterystyczną cechą pop-artu jest połączenie wyzwania z obojętnością. Wszystko jest równie cenne lub równie bezcenne, równie piękne lub równie brzydkie, równie wartościowe lub nie. Być może tylko biznes reklamowy oparty na tym samym beznamiętnym, biznesowym podejściu do wszystkiego na świecie. To nie przypadek, że to reklama miała ogromny wpływ na pop-art, a wielu jej przedstawicieli pracowało i nadal pracuje w centrach reklamowych. Twórcy reklam i programów są w stanie rozdrobnić je na kawałki i złożyć w odpowiednią kombinację proszek do prania I słynne arcydzieło sztuka, pasta do zębów i fuga Bacha. Pop-art robi to samo.
motywy Kultura masowa wykorzystywane przez pop-art na różne sposoby. Wprowadzony w obraz za pomocą kolażu lub fotografii prawdziwe obiekty z reguły w nieoczekiwanych lub zupełnie absurdalnych zestawieniach (R. Rauschenberg, E. War Hall, R. Hamilton). Malarstwo może naśladować techniki kompozycyjne i technikę billboardów, obraz komiksowy można powiększyć do rozmiarów dużego płótna (R. Lichtenstein). Rzeźbę można łączyć z manekinami. Na przykład artysta K. Oldenburg stworzył podobiznę modeli wystawowych produkty żywieniowe ogromne rozmiary z nietypowych materiałów.
Często nie ma granicy między rzeźbą a malarstwem. Dzieło pop-artu często nie tylko ma trójwymiarowość, ale także wypełnia całą przestrzeń wystawienniczą. Dzięki takim przekształceniom pierwotny wizerunek obiektu kultury masowej jest przekształcany i postrzegany w zupełnie inny sposób niż w realnym, codziennym otoczeniu.
Główną kategorią pop-artu nie jest obraz artystyczny, ale jego „oznaczenie”, które ratuje autora przed sztucznym procesem jego tworzenia, obraz czegoś (M. Duchamp). Proces ten został wprowadzony w celu poszerzenia pojęcia sztuki i włączenia w nią działań pozaartystycznych, „wyjścia” sztuki w pole kultury masowej. Artyści pop-artu byli inicjatorami takich form jak happening, instalacja obiektowa, environment i inne formy sztuka koncepcyjna. Podobne nurty: underground, hiperrealizm, op-art, ready-made itp.
sztuka op
język angielski op-art, w skrócie. ze sztuki optycznej - sztuka optyczna. Nurt w sztuce XX wieku, który rozpowszechnił się w latach 60. Artyści op-artu używali różnych iluzje wizualne, w oparciu o cechy percepcji płaskich i przestrzennych figur. Efekty ruchu przestrzennego, łączenia, płynących form uzyskano poprzez wprowadzenie rytmicznych powtórzeń, ostrych kontrastów kolorystycznych i tonalnych, przecinania się spiralnych i kratowych konfiguracji, meandrujących linii. W op-arcie często stosowano instalacje zmieniającego się światła, dynamiczne konstrukcje (omówione szerzej w części dotyczącej sztuki kinetycznej). Iluzje płynnego ruchu, sukcesywnej zmiany obrazów, niestabilnej, nieustannie odbudowującej się formy powstają w op-arcie tylko w odczuciu widza. Kierunek kontynuuje techniczną linię modernizmu.
sztuka kinetyczna
od gr. kinetikos – wprawianie w ruch. Nurt w sztuce współczesnej związany z powszechnym stosowaniem ruchomych struktur i innych elementów dynamiki. Kinetyczny jak niezależny kierunek ukształtował się w drugiej połowie lat 50., ale poprzedziły go eksperymenty z tworzeniem dynamicznej plastyczności w konstruktywizmie rosyjskim (W. Tatlin, K. Mielnikow, A. Rodczenko), dadaizmie.
Wcześniej Sztuka ludowa pokazał nam również próbki ruchomych przedmiotów i zabawek, takich jak drewniane ptaki szczęścia z regionu Archangielska, zabawki mechaniczne imitujące procesy pracy ze wsi Bogorodskoje itp.
W sztuce kinetycznej ruch wprowadzany jest na różne sposoby, niektóre prace są dynamicznie przekształcane przez samego widza, inne przez fluktuacje środowiska powietrznego, a jeszcze inne wprawiane są w ruch przez silnik lub siły elektromagnetyczne. Nieskończona różnorodność użytych materiałów - od tradycyjnych po ultranowoczesne środki techniczne aż po komputery i lasery. Lustra są często używane w kompozycjach kinetycznych.
W wielu przypadkach iluzja ruchu powstaje poprzez zmianę oświetlenia – tu kinetyka łączy się z op-artem. Techniki kinetyczne znajdują szerokie zastosowanie przy organizacji wystaw, targów, dyskotek, przy projektowaniu skwerów, parków, wnętrz użyteczności publicznej.
Kinetyka dąży do syntezy sztuk: ruch obiektu w przestrzeni może być uzupełniony efektami świetlnymi, dźwiękowymi, lekką muzyką, filmem itp.
Techniki sztuki nowoczesnej (awangardowej).
hiperrealizm
język angielski hiperrealizm. Kierunek w malarstwie i rzeźbie, który powstał w Stanach Zjednoczonych i stał się wydarzeniem w świecie sztuk pięknych w latach 70. XX wieku.
Inną nazwą hiperrealizmu jest fotorealizm.
Artyści tego nurtu naśladowali fotografię środkami malarskimi na płótnie. Przedstawiali świat nowoczesne miasto: witryny sklepowe i restauracje, stacje metra i sygnalizacja świetlna, budynki mieszkalne i przechodnie na ulicach. W której Specjalna uwaga zamienione w błyszczące, odbijające światło powierzchnie: szkło, plastik, lakier samochodowy itp. Gra odbić na takich powierzchniach stwarza wrażenie przenikania się przestrzeni.
Celem hiperrealistów było przedstawienie świata nie tylko w sposób rzetelny, ale także bardzo prawdopodobny, superrzeczywisty. Do tego używali metody mechaniczne kopiowanie zdjęć i powiększanie ich do rozmiaru dużego płótna (rzut z góry i siatka skali). Farbę z reguły natryskiwano aerografem, aby zachować wszystkie cechy obrazu fotograficznego, aby wykluczyć manifestację indywidualnego pisma artysty.
Ponadto w halach mogli się spotkać zwiedzający wystawy w tym kierunku postacie ludzkie, wykonane z nowoczesnych materiałów polimerowych w naturalnej wielkości, ubrane w gotowy strój i pomalowane w taki sposób, aby niczym nie różniły się od publiczności. Wywołało to wiele zamieszania i zszokowało ludzi.
Fotorealizm postawił sobie za zadanie wyostrzenie naszego postrzegania życia codziennego, symbolizującego nowoczesne środowisko, aby odzwierciedlić nasze czasy w formach „sztuki technicznej”, które rozpowszechniły się właśnie w naszej erze postępu technologicznego. Naprawianie i eksponowanie nowoczesności, ukrywanie emocji autora, fotorealizm w swoich programowych utworach balansował na pograniczu. Dzieła wizualne i prawie ją przekroczył, ponieważ starał się konkurować z samym życiem.
gotowe
język angielski gotowy - gotowy. Jedna z powszechnych technik sztuki nowoczesnej (awangardowej), polegająca na tym, że przedmiot produkcji przemysłowej wyłamuje się z codziennego otoczenia i jest eksponowany w sala wystawowa.
Znaczenie gotowego jest następujące: gdy zmienia się otoczenie, zmienia się również postrzeganie obiektu. Widz widzi w wystawionym na podium przedmiocie, nie utylitarnym, ale artystycznym, wyrazistości formy i koloru. Nazwy readymade użył po raz pierwszy w latach 1913-1917 M. Duchamp w odniesieniu do swoich „przedmiotów gotowych” (grzebień, koło od roweru, suszarka do butelek). W latach 60. ready-made rozpowszechniło się w różnych obszarach sztuki awangardowej, zwłaszcza w dadaizmie.
instalacja
Z angielskiego. instalacja - instalacja. Kompozycja przestrzenna stworzona przez artystę z różnych elementów - artykuły gospodarstwa domowego, produkty i materiały przemysłowe, przedmioty naturalne, informacje tekstowe lub wizualne. Założycielami instalacji byli dadaista M. Duchamp i surrealiści. Tworząc niezwykłe zestawienia zwykłych rzeczy, artysta nadaje im nowe znaczenie symboliczne. Estetyczna zawartość instalacji w grze znaczenia semantyczne, które zmieniają się w zależności od tego, gdzie obiekt się znajduje – w znajomym środowisku domowym lub w sali wystawowej. Instalacja została stworzona przez wielu awangardowych artystów R. Rauschenberga, D. Dine'a, G. Uckera, I. Kabakova.
Instalacja to forma sztuki rozpowszechniona w XX wieku.
Środowisko
język angielski środowisko — środowisko, środowisko. Rozbudowana kompozycja przestrzenna, obejmująca widza niczym rzeczywiste otoczenie, jest jedną z form charakterystycznych dla sztuki awangardowej lat 60. i 70. XX wieku. Naturalistyczne otoczenie imitujące wnętrze z postaciami ludzi stworzyły rzeźby D. Segala, E. Kienholza, K. Oldenburga, D. Hansona. Takie powtórzenia rzeczywistości mogą zawierać elementy fikcji urojeniowej. Innym typem środowiska jest przestrzeń zabaw, która wiąże się z określonymi działaniami publiczności.
Wydarzenie
język angielski dzieje się - dzieje się, dzieje się. Rodzaj akcjonizmu, najbardziej rozpowszechniony w sztuce awangardowej lat 60. i 70. XX wieku. Happening rozwija się jako wydarzenie, raczej sprowokowane niż zorganizowane, ale inicjatorzy akcji siłą rzeczy angażują w nią publiczność. Happening narodził się pod koniec lat 50. jako forma teatru. W przyszłości artyści najczęściej angażują się w organizację happeningów bezpośrednio w środowisku miejskim lub w naturze.
Traktują tę formę jako rodzaj poruszającej pracy, w której otoczenie, przedmioty odgrywają nie mniejszą rolę niż żywi uczestnicy akcji.
Akcja happeningu prowokuje dowolność każdego uczestnika i manipulację przedmiotami. Wszystkie działania rozwijają się według wcześniej zaplanowanego programu, w którym jednak dużą wagę przywiązuje się do improwizacji, która daje upust różnym nieświadomym impulsom. Happening może zawierać elementy humoru i folkloru. Happening dobitnie wyrażał dążenie awangardy do połączenia sztuki z biegiem życia.
I wreszcie najbardziej zaawansowany Sztuka współczesna- Supersamolot
Supersamolot
Superflat to termin ukuty przez współczesnego japońskiego artystę Takashiego Murakamiego.
Termin Superflat powstał w celu wyjaśnienia nowego języka wizualnego aktywnie używanego przez pokolenie młodych ludzi. japońscy artyści, jak Takashi Murakami: „Myślałem o realiach Japoński wzór i malarstwa oraz czym się od nich różnią sztuka zachodnia. Dla Japonii ważne jest poczucie płaskości. Nasza kultura nie jest trójwymiarowa. Formy 2D ustanowione w historycznym malarstwie japońskim są podobne do prostego, płaskiego języka wizualnego współczesnej animacji, komiksów i projektów graficznych”.
Artyści z przeszłości nie mogli sobie nawet wyobrazić, jakie dziwne formy przybiera sztuka współczesna.
A to przybrało następujące formy:
1. Anamorfoza. Ten rodzaj sztuki współczesnej obejmuje technikę przedstawiania, którą można w pełni zrozumieć, patrząc na nią tylko za pomocą pewne miejsce lub pod pewien kąt. Niektóre obrazy można zobaczyć tylko patrząc na nie w lustrze. Ta forma sztuki pojawiła się w czasach Leonarda da Vinci (XV wiek).
Na przestrzeni wieków rozwinęła się anamorfoza nowoczesna forma wygląda jak sztuka uliczna. W tego rodzaju rysunkach artyści naprawdę imitują pęknięcia w ziemi lub dziury w ścianach.
Praca Istvána Orosa
2. Fotorealizm. Ten rodzaj sztuki powstał w latach 60. ubiegłego wieku, a artyści starali się go odtworzyć realistyczne obrazy, który nie różniłby się od fotografii. Najdrobniejsze szczegóły uchwycone przez kamerę tworzyły „obraz obrazu życia”. Krytycy mają ambiwalentny stosunek do fotorealizmu, niektórzy z nich uważają, że mechaniczna produkcja obiektów sztuki przeważa nad pomysłami i stylem.
3. Rysunki na brudnych samochodach. Profesjonaliści tej formy sztuki nie starają się przedstawiać brudny samochód banalny napis „umyj mnie”. Specjaliści używają do swojej pracy specjalnych pędzli i pędzli. W tej dziedzinie 52. Scott Wade (grafik) jest uważany za czołowego mistrza. Stworzył wiele oryginalnych i niesamowitych rysunków, używając jedynie brudu na szybach samochodowych. Nawiasem mówiąc, zaczął od użycia warstwy kurzu na teksańskich drogach jako płótna. Tam rysował karykatury za pomocą małych gałązek i własnych palców.
Dziś Wade jest zapraszany do promowania swoich produktów przez duże korporacje i wystawy sztuki.
Praca Scotta Wade'a
4. Wykorzystanie płynów ustrojowych do produkcji dzieł sztuki. Jest to oczywiście dziwne, ale wielu artystów używa swoich płynów ustrojowych w swojej pracy. Każdy wykształcona osoba słyszał o tym, ale w 100% to, o czym słyszał, to tylko „wierzchołek nieprzyjemnej góry lodowej”.
Na przykład Hermann Nitsch, austriacki artysta, używa do swoich prac moczu lub krwi bydła. Uzależnienia te pojawiły się w czasie II wojny światowej, kiedy był dzieckiem. A teraz, z powodu swojego uzależnienia od niezwykłej formy sztuki, kilka razy stawał przed wymiarem sprawiedliwości.
Brazylijski artysta Vinicius Quesada używa w swoich pracach wyłącznie własnej krwi, bez uciekania się do krwi zwierząt. Jego obrazy mają chorobliwy odcień zieleni, żółci i czerwieni i są wyrażone w bardzo mrocznej, surrealistycznej atmosferze.
Hermann Nitsch i jego praca
5. Obrazy z własnym ciałem. W sztuce współczesnej popularni są nie tylko artyści, którzy do produkcji obrazów wykorzystują własne płyny ustrojowe. Dość znani i poszukiwani są mistrzowie, którzy piszą dzieła własnym ciałem.
Kira Ain Warseji tworzy abstrakcyjne portrety wykorzystując swoje piersi. Była za to bardzo krytykowana. Jednak ta kobieta jest pełnoprawną artystką, która pracuje według klasycznego schematu, używając farb i pędzli.
Czy jest coś więcej dziwni artyści którzy zamiast pędzla używają części ciała zupełnie nieprzeznaczonych do tego celu. Na przykład Ani K. - rysuje językiem i Stephen Marmer ( nauczyciel szkolny) - rysuje pośladki.
„Ani K w pracy”
6. obraz 3D. najbardziej sławny artysta w tej dziedzinie jest mistrz z Los Angeles, Mead Alexa. W swoich pracach wykorzystuje nietoksyczną farbę akrylową, dzięki czemu jego asystenci wyglądają jak nieożywione dwuwymiarowe obrazy. Mead zaprezentował publicznie swoją technikę w 2009 roku. Inną znaczącą postacią w tej dziedzinie jest artystka i fotografka z Detroit, Cynthia Greig. W swoich pracach wykorzystuje zwykłe i praktyczne przedmioty gospodarstwa domowego, a nie ludzi. Pokrywa je białą farbą lub węglem drzewnym. Z tego powodu rzeczy z boku wyglądają płasko i dwuwymiarowo.
Jedno z dzieł Alexy Meade
7. Sztuka i cienie. Nie wiadomo dokładnie, kiedy ludzkość zaczęła wykorzystywać cień do dzieł sztuki. Ale mimo wszystko współcześni artyści osiągnęli niespotykane wyżyny. Mistrzowie używają cieni do pozycjonowania różnych przedmiotów, a nawet do tworzenia cieniowych obrazów słów, przedmiotów i ludzi.
Sztuka cieni ma nieco przerażającą reputację, jednak nie przeszkadza to „artystom cieni” w używaniu tego stylu do rozwijania motywów dewastacji, upadku, horroru.
Praca artysty Teodosio Aurea
8. „Odwrócone graffiti”. Ta forma sztuki polega na tworzeniu obrazów poprzez usuwanie brudu, ale bez dodawania farby. Bardzo często artyści używają pralek do usuwania brudu z elewacji domów, tworząc jednocześnie piękne dzieła sztuki. Ten typ sztuka przez publiczność jest uważana za dość kontrowersyjną, dlatego osoby zajmujące się „odwrotnym graffiti” prawie zawsze mają starcia z policją.
Praca artysty Moose
9. Iluzje sztuki ciała. Ludzkość była zaangażowana w czerpanie z ciała dosłownie od samego początku. Zarówno Majowie, jak i starożytni Egipcjanie uprawiali sztukę ciała. Ten rodzaj sztuki polega na wykorzystaniu ludzkiego ciała jako płótna, na którym można stworzyć dzieło sztuki różne kąty oszukać obserwatora. Iluzje na ciele mogą wyglądać jak rana, samochód lub zwierzę. Japoński mistrz Hikaru Cho zasłynął z rysowania postaci z kreskówek na ludzkim ciele.
Grafika autorstwa Hikaru Cho
10. Rysowanie światłem. Rysowanie światłem zaczęto wykorzystywać w 1914 r., do celów praktycznych – w produkcji władze rejestrowały ruch robotników. Po przeanalizowaniu danych pracownicy albo odchodzili, albo szukali sposobów na znalezienie łatwiejszego sposobu pracy.
W 1935 roku surrealistyczny artysta Man Ray użył aparatu z otwartą migawką, aby sfotografować siebie stojącego w strumieniach światła. Przez długi czas nikt nie mógł zgadnąć, jakie jasne loki są widoczne na zdjęciu. Dopiero w 2009 roku dzięki postęp techniczny stało się jasne, że nie były to przypadkowe loki, ale lustrzane odbicie podpisu samego artysty.
Sztuka współczesna nazywana jest wszelkiego rodzaju prądy artystyczne powstała pod koniec XX wieku. W okresie powojennym był swego rodzaju ujściem, które po raz kolejny uczyło marzyć i wymyślać nowe realia życia.
Zmęczeni kajdanami surowych reguł przeszłości, młodzi artyści postanowili przełamać dawne artystyczne normy. Starali się stworzyć nowe, nieznane wcześniej praktyki. Przeciwstawiając się modernizmowi, zwrócili się ku nowym sposobom ujawniania swoich historii. Artysta i koncepcja stojąca za jego stworzeniem stały się znacznie ważniejsze niż efekt końcowy. aktywność twórcza. Chęć odejścia od wzniesionych ram doprowadziła do powstania nowych gatunków.
Wśród artystów zaczęły pojawiać się spory o sens sztuki i sposoby jej wyrażania. Czym jest sztuka? Jakimi środkami można osiągnąć prawdziwą sztukę? Konceptualiści i minimaliści znaleźli dla siebie odpowiedź w zdaniu: „Jeśli sztuka może być wszystkim, to może być niczym”. Dla nich odejście od codzienności środki wizualne zaowocowało różnymi akcjami, happeningami i przedstawieniami. Jaka jest specyfika sztuki współczesnej w XXI wieku? O tym porozmawiamy w artykule.
Grafika trójwymiarowa w sztuce XXI wieku
Słynna jest sztuka XXI wieku w grafice 3D. Z rozwojem technologia komputerowa artyści uzyskali dostęp do nowych środków tworzenia swojej sztuki. Istotą grafiki trójwymiarowej jest tworzenie obrazów poprzez modelowanie obiektów w przestrzeni trójwymiarowej. Jeśli weźmiemy pod uwagę większość form sztuki współczesnej w XXI wieku, tworzenie obrazów trójwymiarowych będzie najbardziej tradycyjne. Grafika 3D ma wiele stron, m.in dosłownie to słowo. Jest używany podczas tworzenia programów, gier, obrazów i filmów na komputerze. Ale widać go też tuż pod stopami - na chodniku.
Grafika trójwymiarowa pojawiła się na ulicach kilkadziesiąt lat temu i od tego czasu pozostaje jedną z najważniejszych form street artu. Wielu artystów rysuje na swoich „obrazach” trójwymiarowe obrazy, które mogą zadziwiać swoim realizmem. Edgar Müller, Eduardo Rolero, Kurt Wenner i wielu innych współczesnych artystów tworzy dziś sztukę, która może zaskoczyć każdego.
Sztuka uliczna XXI wieku
Wcześniej okupacją zajmowali się ludzie zamożni. Przez wieki ukrywała się za murami specjalnych instytucji, do których dostęp dla niewtajemniczonych był zamknięty. Oczywiście jego potężna siła nie mogła wiecznie marnieć w dusznych budynkach. Wtedy to wyszło - na szare, ponure ulice. Wybrany, by zmienić swoją historię na zawsze. Chociaż na początku nie było to takie łatwe.
Nie wszyscy cieszyli się z jego narodzin. Wielu uznało to za wynik złego doświadczenia. Niektórzy nawet nie chcieli zwracać uwagi na jego istnienie. W międzyczasie pomysł nadal rósł i rozwijał się.
Artyści uliczni napotykali po drodze trudności. Przy całej swojej różnorodności form sztuka uliczna była czasem trudna do odróżnienia od wandalizmu.
Wszystko zaczęło się w latach 70. ubiegłego wieku w Nowym Jorku. W tym czasie sztuka uliczna była w powijakach. A wspierali go Julio 204 i Taki 183. Zostawili inskrypcje w różne miejsca ich powierzchni, po rozszerzeniu terytorium dystrybucji. Inni chłopcy postanowili z nimi konkurować. Wtedy zaczęło się najciekawsze. Entuzjazm i chęć popisania się zaowocowały batalią kreatywności. Każdy chciał odkryć dla siebie i innych bardziej oryginalny sposób na zaznaczenie swojej marki.
w 1981 roku Sztuka uliczna udało się przepłynąć ocean. Pomógł mu w tym uliczny artysta z Francji BlekleRat. Uważany jest za jednego z pierwszych artystów graffiti w Paryżu. Nazywany jest także ojcem szablonowego graffiti. Jego znakiem rozpoznawczym są rysunki szczurów, które nawiązują do imienia ich twórcy. Autor zauważył, że po przestawieniu liter w słowie szczur (szczur) uzyskuje się sztukę (sztukę). Blek zauważył kiedyś: „Szczur jest jedynym wolnym zwierzęciem w Paryżu, które chodzi wszędzie, tak jak sztuka uliczna”.
najsławniejszy artysta uliczny jest Banksy, który nazywa BkleRata swoim głównym nauczycielem. Aktualna praca tego utalentowanego Brytyjczyka jest w stanie uciszyć każdego. W swoich rysunkach, tworzonych za pomocą szablonów, potępia współczesne społeczeństwo z jego wadami. Banksy ma tendencję do bycia tradycyjnym, co pozwala wywrzeć jeszcze większe wrażenie na publiczności. Ciekawostką jest to, że do tej pory tożsamość Banksy'ego owiana jest tajemnicą. Nikomu jeszcze nie udało się rozwiązać zagadki osobowości artysty.
Tymczasem sztuka uliczna szybko nabiera rozpędu. Niegdyś zepchnięty do marginalnych nurtów, street art wzniósł się na scenę aukcji. Dzieła artystów są sprzedawane za bajeczne sumy przez tych, którzy kiedyś nie chcieli o nim mówić. Co to jest, życiodajna siła sztuki czy mainstreamowe trendy?
Formularze
Do tej pory istnieje kilka dość interesujących przejawów sztuki współczesnej. Przegląd najbardziej niezwykłych form sztuki współczesnej zostanie Ci zwrócona uwaga poniżej.
gotowe
Termin readymade pochodzi z języka angielskiego i oznacza „gotowy”. Zasadniczo cel ten kierunek nie jest stworzeniem niczego materialnego. Główną ideą jest tutaj to, że w zależności od otoczenia obiektu zmienia się postrzeganie osoby i samego obiektu. Przodkiem prądu jest Marcel Duchamp. Jego najbardziej znanym dziełem jest „Fontanna”, czyli pisuar z autografem i datą.
anamorfozy
Anamorfozy nazywane są techniką tworzenia obrazów w taki sposób, że można je w pełni zobaczyć tylko pod pewnym kątem. Jeden z wybitni przedstawiciele twórcą tego nurtu jest Francuz Bernard Pras. Tworzy instalacje z tego, co wpadnie mu w ręce. Dzięki swoim umiejętnościom udaje mu się tworzyć niesamowite prace, które jednak widać tylko pod pewnym kątem.
Płyny biologiczne w sztuce
Jednym z najbardziej kontrowersyjnych nurtów sztuki współczesnej XXI wieku jest rysunek, malowany płynami ludzkimi. Często zwolennicy tej nowoczesnej formy sztuki używają krwi i moczu. Kolor obrazów w tym przypadku często przybiera ponury, przerażający wygląd. Na przykład Herman Nitsch używa krwi i moczu zwierząt. Wykorzystanie tak nieoczekiwanych materiałów autor tłumaczy trudnym dzieciństwem, które przyszło w czasie II wojny światowej.
Malarstwo XX-XXI wieku
Krótka historia malarstwa zawiera informacje, jakie stały się pod koniec XX wieku Punkt wyjścia dla wielu kultowych współczesnych artystów. w ciężkim lata powojenne Ta dziedzina przeżyła renesans. Artyści starali się odkryć nowe aspekty swoich możliwości.
suprematyzm
Za twórcę suprematyzmu uważa się Kazimierza Malewicza. Jako główny teoretyk głosił suprematyzm jako sposób na oczyszczenie sztuki ze wszystkiego, co zbędne. Odrzucając utarte sposoby przekazywania obrazu, artyści dążyli do uwolnienia sztuki od tego, co pozaartystyczne. Najważniejsza praca w ten gatunek służy jako słynny „Czarny kwadrat” Malewicza.
Pop Art
Pop-art ma swoje korzenie w Stanach Zjednoczonych. W latach powojennych społeczeństwo doświadczyło globalnych zmian. Teraz ludzie mogli sobie pozwolić na więcej. Konsumpcja stała się istotną częściążycie. Ludzi zaczęto wznosić w kult, a produkty konsumpcyjne w symbole. Jasper Johns, Andy Warhol i inni zwolennicy nurtu starali się wykorzystać te symbole w swoich obrazach.
Futuryzm
Futuryzm został odkryty w 1910 roku. Główną ideą tego nurtu było pragnienie nowego, zniszczenia ram przeszłości. Artyści przedstawili to pragnienie za pomocą specjalnej techniki. Ostre kreski, napływy, połączenia i skrzyżowania to oznaki futuryzmu. Bardzo znani przedstawiciele Futuryzm to Marinetti, Severini, Carra.
Sztuka współczesna w Rosji w XXI wieku
Sztuka współczesna w Rosji (XXI wiek) płynnie wypłynęła z podziemnej, „nieoficjalnej” sztuki ZSRR. Młodzi artyści lat 90. szukali w nich nowych dróg realizacji swoich artystycznych ambicji nowy kraj. W tym czasie narodził się moskiewski akcjonizm. Jego zwolennicy rzucili wyzwanie przeszłości i jej ideologii. Zniszczenie granic (bezpośrednio i w przenośni słowa) umożliwiły zobrazowanie relacji Młodsza generacja do sytuacji w kraju. Sztuka współczesna XXI wieku stała się wyrazista, przerażająca, szokująca. Ten, z którego towarzystwo zamknęło się na tak długo. Działania Anatolija Osmolowskiego („Majakowski - Osmołowski”, „Przeciw wszystkim”, „Barykada na Bolszaja Nikitskaja”), ruchu „ETI” („ETI-text”), Olega Kulika („Prosiaczek rozdaje prezenty”, „Wściekły pies lub Ostatnie tabu strzeżone przez samotnego Cerbera”), Avdey Ter-Oganyan („Pop Art”) na zawsze zmienił historię sztuki współczesnej.
Nowe pokolenie
Slava ATGM to współczesny artysta z Jekaterynburga. Niektóre z jego prac mogą przypominać twórczość Banksy'ego. Jednak prace Slavy niosą ze sobą idee i uczucia znane tylko obywatelowi Rosji. Jednym z jego najbardziej znanych dzieł jest kampania „Kraina możliwości”. Artysta stworzył napis wykonany z kul na budynku opuszczonego szpitala w Jekaterynburgu. Slava kupował kule od mieszkańców miasta, którzy kiedyś ich używali. Artysta poinformował o akcji na stronie w sieć społeczna, uzupełniony apelem do współobywateli.
Muzea sztuki nowoczesnej
Być może kiedyś nowoczesna sztuka XXI wieku wydawała się środowiskiem marginalnym, ale dziś wszystkim więcej ludzi spróbować dołączyć do nowej dziedziny sztuki. Wszystko więcej muzeów otworzyć swoje drzwi na nowe środki wyrazu. Nowy Jork jest rekordzistą sztuki współczesnej. Istnieją również dwa muzea, które należą do najlepszych na świecie.
Pierwsza to MoMA, która jest repozytorium obrazów Matisse'a, Dali, Warhola. Drugi to muzeum.Niezwykła architektura budynku sąsiaduje z dziełami Picassa, Marca Chagalla, Kandinsky'ego i wielu innych.
Europa słynie również ze wspaniałych muzeów sztuki współczesnej XXI wieku. Muzeum KIASMA w Helsinkach pozwala dotknąć obiektów z wystawy. Centrum w stolicy Francji zachwyca niezwykłą architekturą i dziełami współczesnych artystów. Stedelijkmuseum w Amsterdamie mieści największą kolekcję malarstwa Malewicza. w stolicy Wielkiej Brytanii ma ogromną liczbę obiektów sztuki współczesnej. Wiedeńskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej posiada dzieła Andy'ego Warhola i innych utalentowanych współczesnych artystów.
Sztuka współczesna XXI wieku (malarstwo) - tajemnicza, niezrozumiała, urzekająca, na zawsze zmieniła wektor rozwoju nie tylko odrębnej sfery, ale całego życia ludzkości. Odzwierciedla i jednocześnie kreuje nowoczesność. Zmieniająca się nieustannie sztuka nowoczesności pozwala zatrzymać się na chwilę osobie, która nieustannie się śpieszy. Zatrzymaj się, aby przypomnieć sobie uczucia głęboko w środku. Zatrzymaj się, by znów przyspieszyć i rzucić się w wir wydarzeń i spraw.
Sztuka powstaje po to, by zachwycać, zaskakiwać, a czasem szokować publiczność.
Kreatywni ludzie są zawsze trochę szaleni. Ich fantazja nie ma granic. Przed tobą - najbardziej niezwykłe rodzaje sztuki współczesnej.
1. Anamorfoza to technika tworzenia obrazów, które można w pełni zrozumieć tylko z określonego punktu lub kąta. W niektórych przypadkach normalny obraz pojawia się tylko wtedy, gdy patrzysz na obraz przez lustro. Jednym z najwcześniejszych znanych przykładów anamorfozy są niektóre pisma Leonarda da Vinci datowane na XV wiek.
2. Fotorealizm. Ruch fotorealistyczny pojawił się w latach 60. Twórcy starali się stworzyć niezwykle realistyczne obrazy, które nie różnią się od fotografii. Kopiowali nawet najdrobniejsze szczegóły ze zdjęć, tworząc własne obrazy. Istnieje również ruch zwany superrealizmem lub hiperrealizmem, który obejmuje zarówno rzeźbę, jak i malarstwo. Był pod dużym wpływem współczesnej kultury pop-artu.
3. Malowanie brudnych samochodów. Rysowanie na nieumytym samochodzie często nie jest uważane za sztukę wysoką, ponieważ większość z tych „artystów” rzadko pisze coś więcej niż „umyj mnie”. Ale 52-letni amerykański projektant Scott Wade zasłynął z niesamowitych rysunków, które tworzy na szybach samochodów odkurzonych z teksańskich dróg. Wade pierwotnie malował na szybach samochodowych palcami lub pałeczkami, ale teraz używa specjalnych narzędzi i pędzli.
4. Stosowanie płynów ustrojowych w art. Może się to wydawać dziwne, ale jest wielu artystów, którzy tworzą swoje prace za pomocą płynów ustrojowych. Na przykład austriacki artysta Hermann Nitsch używa w swoich pracach moczu i ogromnej ilości krwi zwierzęcej. Brazylijski artysta Vinicius Quesada jest dobrze znany ze swojej serii obrazów Blood and Piss Blues. Co ciekawe, Quesada działa tylko z własną krwią. Jego obrazy tworzą mroczną, surrealistyczną atmosferę.
5. Rysowanie częściami ciała. Ostatnio wzrosła popularność artystów, którzy do rysowania wykorzystują części własnego ciała. Na przykład Tim Patch, znany pod pseudonimem „Pricasso” (na cześć wielkiego hiszpańskiego artysty Pabla Picassa), rysuje swoim… narządem rozrodczym. Ponadto 65-letni australijski artysta regularnie używa swoich pośladków i moszny jako pędzla. Patch wykonuje tego rodzaju prace od ponad dziesięciu lat, a jego popularność rośnie z roku na rok.
6. Odwrócona wizualizacja 3D. Podczas gdy anamorfoza ma na celu sprawienie, aby obiekty 2D wyglądały jak obiekty 3D, odwrotne renderowanie 3D ma na celu odwrotne działanie - aby obiekt 3D wyglądał jak rysunek lub obraz. Najbardziej znaną artystką w tej dziedzinie jest Alexa Meade z Los Angeles. Używa nietoksycznych farb akrylowych, aby ludzie wyglądali jak dwuwymiarowe nieożywione obrazy.
7. Sztuka cienia. Cienie są z natury ulotne, więc trudno powiedzieć, kiedy ludzie po raz pierwszy zaczęli ich używać w sztuce. Współcześni artyści osiągnęli niesamowite mistrzostwo pracy z cieniami. Układają różne przedmioty w taki sposób, że cień z nich tworzy piękne obrazy ludzi, słów lub przedmiotów. Ponieważ cienie tradycyjnie kojarzą się z czymś tajemniczym lub mistycznym, wielu artystów wykorzystuje w swoich pracach motyw horroru lub dewastacji.
8. Odwróć graffiti. Podobnie jak malowanie brudnych samochodów, sztuka odwróconego graffiti polega na tworzeniu obrazów poprzez usuwanie brudu, a nie dodawanie farby. Artyści często używają węży wypełnionych wodą do usuwania brudu i usuwania brudu ze ścian, tworząc niesamowite obrazy. Ruch ten zapoczątkował angielski artysta Paul „Moose” Curtis, który jako nastolatek namalował obraz na zadymionej ścianie restauracji, w której mył naczynia. Inny brytyjski artysta, Ben Long, maluje swoje obrazy z tyłu przyczep kempingowych, używając palca do usuwania brudu z rury wydechowej.