Romantyzm w malarstwie to ruch, który rozpoczął się pod koniec XVIII wieku i rozwijał się aż do połowy XIX wieku. Powstała jako odpowiedź na rozczarowanie wartościami okresu oświecenia, a została utworzona przez artystów, którzy studiowali w pracowni Jacques’a-Louisa Davida (twórcy neoklasycyzmu). Wśród nich są Anne-Louis Girodet-Trioson, Antoine Jean Gros, Jean Auguste Dominique Ingres. Zacieranie się granic stylistycznych najlepiej wyrażają obrazy „Apoteoza Homera” Ingresa i „Śmierć Sardanapala” Eugene’a Delacroix. Oba obrazy zostały wystawione na Salonie Paryskim w 1827 roku. Pomimo tego, że dzieło pierwszego, jak mogłoby się wydawać, idealnie ucieleśnia idee rewolucyjnego klasycyzmu, w przeciwieństwie do spektakularnego „nieporządku” Delacroix, w którym przepowiadany jest koniec świata, obaj niszczą Davida modelu, przeciwstawiają się temu, podkreślając swobodę wypowiedzi artysty – centralne pojęcie, które definiuje romantyzm w malarstwie.
Główne tematy kierunku
Należą do nich natura z jej niezłomną mocą i nieprzewidywalnością; nostalgia, zwłaszcza za gotykiem (mistycyzm i fascynacja śmiercią); zainteresowanie tradycjami ludowymi; postać romantycznego bohatera (na przykład rewolucjonisty). Artyści gloryfikowali złożone koncepcje i stany - wolność i męstwo, strach i nienawiść, wzniosłe ideały i rozpacz, „wszystko, co wstrząsa duszami, jest naznaczone uczuciem grozy, prowadzi do wzniosłości” (według francuskiego filozofa edukacji Denisa Diderota). Oczywiście romantyzm w malarstwie stanowił alternatywę dla ideologicznego, programowego, pryncypialnego świata sztuki Oświecenia, w którym wszystko było podporządkowane zadaniom społecznym.
Dzieła symboliczne
We francuskiej i brytyjskiej sztuce pięknej końca XVIII i początku XIX wieku najczęściej ukazywały się sceny przedstawiające wraki statków. Na szczególną uwagę zasługuje oszałamiające dzieło Theodore'a Gericaulta „Tratwa Meduzy”, oparte na prawdziwym zdarzeniu. Bardzo złożone malarstwo, z przerażającą wyrazistością, intensywnością emocjonalną i oczywistą nieobecnością bohatera, stało się symbolem nowego stylu. W podobny sposób można opisać obraz Williama Turnera „Hannibal i jego armia przekraczający Alpy”, na którym dowódca i jego armia, przedstawieni na tle przeważającego krajobrazu, walczą z siłami natury (burza śnieżna) i lokalnymi plemionami.
Romantyzm w malarstwie różnych krajów
Reprezentują ją tak wielkie nazwiska jak John Constable (Anglia), Francesco Hayes (Włochy), Francisco Goya (Hiszpania), Caspar David Friedrich, Karl Brechen, Karl Friedrich Lessing (Niemcy). W Ameryce Frederick Edwin Church i Albert Bierstadt owocnie pracowali nad tym stylem. Artyści wykorzystali swoją wyobraźnię do wyjścia poza konwencjonalne rozumienia i tradycyjne prawdy religijne. Wyrażały tyle emocji, przeżyć i zaburzeń emocjonalnych, ile dało się ująć w granicach płótna. Pomimo tego pozornego buntu większość z nich była ludźmi bardzo uduchowionymi, głęboko pojmującymi sztukę.Malarstwo często stanowiło przeciwwagę dla ograniczonych poglądów zorganizowanej kultury chrześcijańskiej. Ich zdaniem była zbyt surowa, wręcz świętoszkowa, poświęcając się wyłącznie walce z niedoskonałą naturą człowieka (w związku z jego upadkiem). Do znanych artystów, którzy wykazali się indywidualizmem i wolnością osobistą na najwyższym poziomie, poświęcając się temu, co nakazywała tradycja, znaleźli się William Blake, Johann Heinrich Fussli, Francisco de Goya. Nazywa się ich badaczami tematów sił nadprzyrodzonych i mrocznych uczuć.
Romantyzm w malarstwie rosyjskim rozwijał się w ścisłym kontakcie z klasycyzmem i ruchem realistycznym. Pod wpływem jego zasad artyści (portreciści Orest Kiprensky, Wasilij Tropinin, malarz morski Iwan Aiwazowski) stworzyli emocjonalnie wzniosłe, wzniosłe, duchowe obrazy. Jednak w ich twórczości nadal zauważalne jest dążenie do realizmu.
Sztuka okresu romantyzmu ma w swej istocie duchową i twórczą wartość jednostki, jako główny temat filozofii i refleksji. Pojawił się pod koniec XVIII wieku i charakteryzuje się motywami romantycznymi związanymi z różnymi osobliwościami i malowniczymi wydarzeniami lub krajobrazami. W swej istocie pojawienie się tego nurtu było w opozycji do klasycyzmu, a zwiastunem jego pojawienia się był sentymentalizm, który dość wyraźnie wyrażał się w ówczesnej literaturze.
Na początku XIX wieku romantyzm rozkwitł i całkowicie zanurzył się w obrazach zmysłowych i emocjonalnych. Ponadto bardzo ważnym faktem było ponowne przemyślenie stosunku do religii w tej epoce, a także pojawienie się ateizmu wyrażającego się w kreatywności. Na pierwszy plan wysuwają się wartości uczuć i serdecznych przeżyć, następuje także stopniowe publiczne uznanie obecności intuicji w człowieku.
Romantyzm w malarstwie
Kierunek charakteryzuje się naciskiem na wzniosłe tematy, co jest podstawą tego stylu w każdej działalności twórczej. Zmysłowość wyraża się w każdy możliwy i akceptowalny sposób i to jest najważniejsza różnica w tym kierunku.
(Christiano Banti „Galileusz przed rzymską inkwizycją”)
Wśród twórców romantyzmu filozoficznego można wyróżnić Novalisa i Schleiermachera, ale w malarstwie pod tym względem wyróżnił się Theodore Gericault. W literaturze możemy wyróżnić szczególnie wybitnych pisarzy okresu romantyzmu – braci Grimm, Hoffmanna i Heinego. W wielu krajach europejskich styl ten rozwinął się pod silnymi wpływami niemieckimi.
Główne cechy to:
- romantyczne nuty wyraźnie wyrażone w dziele;
- nuty baśniowe i mitologiczne nawet w prozie zupełnie niebajkowej;
- refleksje filozoficzne na temat sensu życia człowieka;
- pogłębienie tematu rozwoju osobowości.
(Friedrich Caspar David „Wschód księżyca nad morzem”)
Można powiedzieć, że romantyzm charakteryzuje się nutami kultywacji natury i naturalności natury ludzkiej oraz naturalnej zmysłowości. Gloryfikuje się także jedność człowieka z naturą, dużym zainteresowaniem cieszą się także obrazy epoki rycerskiej, otoczonej aurą szlachetności i honoru, a także podróżników, którzy z łatwością wyruszają w romantyczne podróże.
(Jan Martin „Makbet”)
Wydarzenia w literaturze czy malarstwie rozwijają się wokół najsilniejszych namiętności przeżywanych przez bohaterów. Bohaterami zawsze były jednostki skłonne do awanturnictwa, igrania z losem i z góry determinowania losu. W malarstwie romantyzm doskonale charakteryzuje się fantastycznymi zjawiskami, które ukazują proces kształtowania się osobowości i duchowego rozwoju człowieka.
Romantyzm w sztuce rosyjskiej
W kulturze rosyjskiej romantyzm był szczególnie wyraźny w literaturze i uważa się, że pierwsze przejawy tego nurtu znajdują swój wyraz w poezji romantycznej Żukowskiego, choć niektórzy eksperci uważają, że jego twórczość jest bliska klasycznemu sentymentalizmowi.
(V. M. Wasnetsow „Alyonushka”)
Rosyjski romantyzm charakteryzuje się wolnością od klasycznych konwencji, a ruch ten charakteryzuje się romantycznymi fabułami dramatycznymi i długimi balladami. Tak naprawdę jest to najnowsze wyobrażenie o istocie człowieka, a także o znaczeniu poezji i twórczości w życiu człowieka. Pod tym względem ta sama poezja nabiera poważniejszego, znaczącego znaczenia, chociaż wcześniej pisanie poezji uważano za zwykłą pustą zabawę.
(Fedor Aleksandrowicz Wasiliew „Odwilż”)
Najczęściej w rosyjskim romantyzmie kreowany jest wizerunek głównego bohatera jako osoby samotnej i głęboko cierpiącej. To właśnie cierpienie i przeżycia emocjonalne autorzy, zarówno w literaturze, jak i malarstwie, przywiązują największą wagę. W istocie jest to wieczny ruch wraz z różnymi myślami i refleksjami oraz walka człowieka z ciągłymi zmianami w otaczającym go świecie.
(Orest Kiprensky „Portret życia pułkownika husarskiego E.V. Davydova”)
Bohater jest zwykle dość egocentryczny i nieustannie buntuje się przeciwko wulgarnym i materialnym celom i wartościom ludzi. Promowane jest pozbywanie się wartości materialnych na rzecz duchowych i osobistych. Wśród najpopularniejszych i najbarwniejszych rosyjskich postaci stworzonych w ramach tego kierunku twórczego można wyróżnić głównego bohatera powieści „Bohater naszych czasów”. To właśnie ta powieść bardzo wyraźnie ukazuje motywy i nuty romantyzmu tamtego okresu.
(Iwan Konstantinowicz Aiwazowski „Rybacy na brzegu”)
Obraz charakteryzuje się motywami baśniowo-folklorystycznymi, romantycznymi i pełnymi różnorodnych snów. Wszystkie prace są możliwie estetyczne i posiadają prawidłowe, piękne struktury i formy. W tym kierunku nie ma miejsca na twarde linie i geometryczne kształty, a także na zbyt jasne i kontrastujące odcienie. W tym przypadku stosowane są złożone struktury i wiele małych, bardzo ważnych szczegółów obrazu.
Romantyzm w architekturze
Architektura epoki romantyzmu przypomina sama w sobie bajkowe zamki i jest niezwykle luksusowa.
(Pałac Blenheim w Anglii)
Najbardziej uderzające i znane budynki tego czasu charakteryzują się:
- zastosowanie konstrukcji metalowych, które w tym okresie były nowym wynalazkiem i stanowiły raczej wyjątkową innowację;
- złożone sylwetki i projekty, które obejmują niesamowite kombinacje pięknych elementów, w tym wieżyczek i wykuszy;
- bogactwo i różnorodność form architektonicznych, bogactwo różnych kombinacji technologii wykorzystania stopów żelaza z kamieniem i szkłem;
- budynek nabiera wizualnej lekkości, cienkie formy umożliwiają tworzenie nawet bardzo dużych budynków przy minimalnej objętości.
Najsłynniejszy most tego okresu powstał w 1779 roku w Anglii i został przerzucony przez rzekę Severn. Jest dość krótka, bo ma nieco ponad 30 metrów, ale była to pierwsza tego typu konstrukcja. Później powstały mosty o długości ponad 70 metrów, a po kilku latach do budowy budynków zaczęto stosować konstrukcje żeliwne.
Budynki liczyły do 4-5 pięter, a układy wnętrz charakteryzowały się asymetrycznymi kształtami. Asymetria widoczna jest także w elewacjach z tej epoki, a kute kraty w oknach pomagają podkreślić odpowiedni nastrój. Można także zastosować witraże, co jest szczególnie ważne w przypadku kościołów i katedr.
życie duchowe człowieka, ukazywanie silnych namiętności, uduchowienie natury, zainteresowanie przeszłością narodową, pragnienie syntetycznych form sztuki łączą się z motywami światowego smutku, chęcią eksploracji i odtworzenia „cienia”, „ nocną” stronę ludzkiej duszy, ze słynną „romantyczną ironią”, która pozwalała romantykom odważnie porównywać i utożsamiać to, co wysokie i niskie, tragiczne i komiczne, realne i fantastyczne. Rozwijając się w wielu krajach, romantyzm wszędzie zyskał silną tożsamość narodową, zdeterminowaną lokalnymi tradycjami i warunkami historycznymi. Najbardziej konsekwentna szkoła romantyczna rozwinęła się we Francji, gdzie artyści, reformując system środków wyrazu, dynamizowali kompozycję, łączyli formy z szybkim ruchem, stosowali jasne, bogate kolory i szeroki, uogólniony styl malarski (malarstwo T. Gericault, E. Delacroix, O. Daumier, plastyka P. J. David d'Angers, A.L. Bari, F. Ryuda. W Niemczech i Austrii wczesny romantyzm charakteryzuje się szczególną dbałością o wszystko, co wysoce indywidualne, melancholijno-kontemplacyjną tonacją struktura figuratywno-emocjonalna, nastroje mistyczno-panteistyczne (portrety i kompozycje alegoryczne F. O. Runge, pejzaże K. D. Friedricha i J. A. Kocha), chęć ożywienia ducha religijnego malarstwa niemieckiego i włoskiego XV w. (dzieło Nazarejczyków); wyjątkowe połączenie zasad romantyzmu i „burgerowego realizmu” stało się sztuką biedermeiera (dzieło L. Richtera, K. Spitzwega, M. von Schwinda, F. G. Waldmüllera). W Wielkiej Brytanii pejzaże J. Constable’a i R. Boningtona słyną z romantycznej świeżości malarstwa, fantastycznych obrazów i niezwykłych środków wyrazu – twórczości W. Turnera oraz przywiązania do kultury średniowiecza i wczesnego renesansu – twórczości mistrzów epoki późnoromantyczny ruch prerafaelitów Shch.G. Rossetti, E. Burne-Jones, W. Morris itp.). W innych krajach Europy i Ameryki ruch romantyczny reprezentowały pejzaże (obrazy J. Innessa i A.P. Rydera w USA), kompozycje na tematy życia ludowego i historii (dzieła L. Galle w Belgii, J. Manesa w Czechach, V. Madaras na Węgrzech, P. Michalovsky i J. Matejko w Polsce itp.). Historyczne losy romantyzmu były złożone i niejednoznaczne. Taka czy inna tendencja romantyczna odznaczała się twórczością największych europejskich mistrzów XIX wieku - artystów szkoły Barbizon, C. Corota, G. Courbeta, J.F. Millet, E. Manet we Francji, A. von Menzel w Niemczech itd. Jednocześnie złożona alegoryzm, elementy mistycyzmu i fantastyki, czasem nieodłącznie związane z romantyzmem, znalazły ciągłość w symbolice, częściowo w sztuce postimpresjonizmu i secesja.Sztuka romantyzmu ukształtowała się w polemice z klasycyzmem. W wymiarze społecznym pojawienie się romantyzmu kojarzone jest z Wielką Rewolucją Francuską XVIII w., powstaje jako reakcja ogólnego entuzjazmu na temat jej początku, ale także jako głębokie rozczarowanie możliwościami człowieka w przypadku jej klęski. Co więcej, niemiecki romantyzm uznano później za bezkrwawą wersję rewolucji francuskiej.
Jako ruch ideowo-artystyczny romantyzm objawił się w pierwszej połowie XIX wieku. Powstaje przede wszystkim jako ruch literacki - tutaj aktywność romantyków jest wysoka i udana. Nie mniej istotna jest muzyka tamtych czasów: wokal, muzyka instrumentalna, teatr muzyczny (opera i balet) romantyzmu do dziś stanowią podstawę repertuaru. Jednak w sztukach wizualnych i przestrzennych romantyzm objawiał się mniej wyraźnie, zarówno w liczbie powstałych dzieł, jak i w ich poziomie. Malarstwo romantyzmu osiąga poziom arcydzieł w Niemczech i Francji, reszta Europy pozostaje w tyle. Nie jest zwyczajowo mówić o architekturze romantyzmu. Dopiero sztuka ogrodnictwa krajobrazowego wykazuje tu pewną oryginalność i już wtedy romantycy rozwinęli tu ideę angielskiego krajobrazu, czyli parku naturalnego. Jest tu także miejsce na pewne tendencje neogotyckie, romantycy swoją sztukę upatrywali w cyklu: Gotyk – Barok – Romantyzm. Takich neogotyków w krajach słowiańskich jest mnóstwo.
Sztuka piękna romantyzmu
W XVIII wieku termin „romantyczny” oznaczał „dziwny”, „fantastyczny”, „malowniczy”. Łatwo zauważyć, że słowa „romans”, „romans” (rycerski) są sobie etymologicznie bardzo bliskie.
W 19-stym wieku termin ten interpretowano jako nazwę ruchu literackiego przeciwstawnego w swoich założeniach klasycyzmowi.
W sztukach plastycznych romantyzm ciekawie objawił się w malarstwie i grafice, mniej wyraźnie w rzeźbie. Najbardziej konsekwentna szkoła romantyzmu rozwinęła się we Francji, gdzie w oficjalnej sztuce w duchu akademickiego klasycyzmu toczyła się uporczywa walka z dogmatyzmem i abstrakcyjnym racjonalizmem. Założycielem romantycznej szkoły malarstwa był Teodora Gericaulta (1791-1824). Studiował u mistrzów klasycyzmu, ale zachowując od klasycyzmu skłonność do ogólnie heroicznych obrazów, Géricault po raz pierwszy wyraził w malarstwie poczucie konfliktu w świecie, chęć ekspresyjnego wyrażenia znaczących wydarzeń naszych czasów. Już pierwsze prace artysty ujawniają dużą emocjonalność, „nerw” epoki wojen napoleońskich, w których nie brakowało brawury („Oficer konnej strażnicy gwardii cesarskiej idący do ataku”, „Ranny kirasjer opuszczenie pola bitwy”). Cechuje je tragiczna postawa i poczucie zagubienia. Bohaterowie klasycyzmu nie doświadczali takich uczuć lub nie wyrażali ich publicznie, nie estetyzowali przygnębienia, zamętu i melancholii. Malownicze płótna artystów romantyzmu malowane są dynamicznie, w kolorystyce dominuje ciemna tonacja, którą ożywiają intensywne akcenty kolorystyczne i szybkie uderzenia impasto.
Gericault tworzy niezwykle dynamiczny obraz „Bieg wolnych koni w Rzymie”. Tutaj przewyższa wszystkich poprzednich artystów w przekonującym przekazywaniu ruchu. Jednym z głównych dzieł Gericaulta jest obraz „Tratwa Meduzy”. Przedstawia w nim fakty rzeczywiste, ale z taką siłą uogólnienia, że współcześni widzieli w nim nie obraz jednego konkretnego wraku, ale pogrążonej w rozpaczy całej Europy. I tylko nieliczni, najbardziej wytrwali ludzie, nadal walczą o przetrwanie. Artystka ukazuje złożoną gamę ludzkich uczuć – od ponurej rozpaczy po burzliwą eksplozję nadziei. O dynamice tego płótna decyduje przekątna kompozycji, efektowne rzeźbienie brył oraz kontrastujące różnice w świetle i cieniu.
Gericaultowi udało się udowodnić, że jest mistrzem gatunku portretu. Tutaj także pełni rolę innowatora, określając figuratywną specyfikę gatunku portretu. „Portret dwudziestolatka Delacroix” i autoportrety wyrażają ideę artysty romantycznego jako twórcy niezależnego, o bystrej, emocjonalnej osobowości. Tworzy podwaliny pod portret romantyczny – później jeden z najpopularniejszych gatunków romantycznych.
Gericault również zapoznał się z krajobrazem. Podróżując po Anglii, był zachwycony jego wyglądem i oddał hołd jego pięknu, tworząc wiele obrazów pejzażowych, malowanych zarówno olejem, jak i akwarelą. Są bogate w kolory, subtelne w obserwacji i nieskrępowane krytyką społeczną. Artysta nazwał je „Dużymi i Małymi Apartamentami Angielskimi”. Jakże typowe dla romantyka jest nazywanie cyklu obrazowego terminem muzycznym!
Niestety życie Gericaulta było krótkie, ale położył podwaliny pod chwalebną tradycję.
Od lat dwudziestych XIX wieku zostaje głową malarzy romantycznych Ferdynand Wiktor Eugeniusz Delacroix (1798-1863). Duży wpływ na niego miał Gericault, z którym przyjaźnił się jeszcze z czasów studenckich. Studiował malarstwo dawnych mistrzów, zwłaszcza Rubensa. Podróżował po Anglii i był zafascynowany malarstwem Constable'a. Delacroix miał namiętny temperament, potężną wyobraźnię twórczą i wysoką wydajność. Od pierwszych kroków w swojej karierze zawodowej Delacroix zdecydowanie podążał za romantykami. Pierwszym wystawionym przez niego obrazem był Dante i Wergiliusz w łodzi przepływającej przez Styks (Łódź Dantego). Obraz jest pełen tragedii i ponurego patosu. Kolejnym obrazem „Rzeź na Chios” odpowiedział na rzeczywiste wydarzenia związane z cierpieniami Greków pod tureckim jarzmem. Tutaj otwarcie wyraził swoje stanowisko polityczne, stając po stronie Greków w konflikcie, z którymi sympatyzował, podczas gdy rząd francuski flirtował z Turcją.
Obraz wywołał krytykę zarówno polityczną, jak i artystyczną, zwłaszcza po tym, jak Delacroix pod wpływem twórczości Constable'a przepisał obraz na jaśniejszą kolorystykę. W odpowiedzi na krytykę artysta tworzy płótno „Grecja na ruinach Missolungi”, w którym ponownie porusza palący temat walki Grecji o wyzwolenie spod jarzma tureckiego. Ten obraz Delacroix ma charakter bardziej symboliczny, postać kobieca z podniesioną ręką w geście przekleństwa rzuconego na najeźdźcę lub wezwania do walki, uosabia cały kraj. Wydaje się antycypować obraz Wolności w przyszłym, najsłynniejszym dziele artysty.
W poszukiwaniu nowych bohaterów i silnych osobowości Delacroix często sięga po literackie obrazy Szekspira, Goethego, Byrona, Scotta: „Tasso w szpitalu dla obłąkanych”, „Śmierć Sardanapala”, „Zabójstwo biskupa Liege”; wykonuje litografie do „Fausta” i „Hamleta”, wyrażając najsubtelniejsze odcienie uczuć bohaterów, co zyskało uznanie Goethego. Delacroix podchodzi do fikcji w taki sam sposób, w jaki jego poprzednicy traktowali Pismo Święte, czyniąc z niego niewyczerpane źródło tematów obrazów.
W 1830 roku, pod bezpośrednim wrażeniem rewolucji lipcowej, Delacroix namalował duże płótno „Wolność wiodąca lud” („Wolność na barykadach”). Nad realistycznie przedstawionymi postaciami uczestników walki rewolucyjnej, biednych, w większości młodych ludzi, zainspirowanych walką, unosi się wspaniała kobieta, przypominająca „geniuszy” Veronese. Ma transparent w rękach, jej twarz jest natchniona. To nie tylko alegoria wolności w duchu klasycyzmu, to wysoki symbol rewolucyjnego impulsu. Nie można jednak porzucić żywej, zmysłowej kobiecej sylwetki – jest taka atrakcyjna. Obraz okazał się złożony, uroczy i dynamiczny.
Jak prawdziwy romantyk Delacroix podróżuje do egzotycznych krajów: Algierii, Maroka. Z podróży przywozi pięć obrazów, w tym „Polowanie na lwy w Maroku”, najwyraźniej będące hołdem dla jego ukochanego Rubensa.
Delacroix na co dzień pracuje jako dekorator, tworząc monumentalne dzieła w pałacach Burbonów i Luksemburga oraz w paryskich kościołach. Kontynuuje twórczość portretową, tworząc wizerunki ludzi epoki romantyzmu, m.in. F. Chopina. Twórczość Delacroix należy do szczytów malarstwa XIX-wiecznego.
Malarstwo i grafika Niemiecki romantyzm przeważnie skłania się ku sentymentalizmowi. A jeśli niemiecka literatura romantyczna rzeczywiście stanowi całą epokę, to nie można tego powiedzieć o sztukach pięknych: w literaturze był Sturm i Drang, a w sztukach pięknych idealizacja rodzinnego życia patriarchalnego. W tym sensie kreatywność jest wskazówką Ludwika Richtera (1803-1884): „Wiosna leśna w pobliżu Aricci”, „Wiosenna procesja weselna” itp. Posiada także liczne rysunki o tematyce baśni i pieśni ludowych, wykonane w dość suchy sposób.
Jest jednak jedna wielka postać niemieckiego romantyzmu, której nie można zignorować. Ten Caspara Davida Friedricha (1774-1840). Był malarzem pejzażu, studiował na Akademii Sztuk Pięknych w Kopenhadze. Później osiadł w Dreźnie i zaczął uczyć.
Jego styl pejzażowy jest oryginalny, obrazy pamięta się od pierwszej znajomości, można w nich poczuć, że są to pejzaże artysty romantycznego: konsekwentnie wyrażają specyfikę romantycznego światopoglądu. Malował pejzaże południowych Niemiec i wybrzeża Bałtyku, dzikie skały porośnięte lasem, pustynne wydmy i zamarznięte morze. Na jego obrazach czasami pojawiają się ludzie, ale rzadko widzimy ich twarze: postacie z reguły są odwrócone tyłem do widza. Frederick starał się przekazać elementarną moc natury. Poszukiwał i odkrywał współbrzmienia pomiędzy siłami natury a nastrojami i poszukiwaniami człowieka. I choć dość trafnie odzwierciedla życie, sztuka Friedricha nie jest realistyczna. W niedawnej przeszłości przeraziło to sowieckich krytyków sztuki, niewiele pisano o artyście, a jego reprodukcje prawie nie istniały. Teraz sytuacja się zmieniła i możemy cieszyć się głęboką duchowością jego obrazów, melancholijną, oderwaną kontemplacją pejzaży Fryderyka. Wyraźny rytm kompozycji i surowość rysunku łączą się w jego pracach z kontrastami światłocienia, bogatymi w efekty świetlne. Czasem jednak Fryderyk w swojej emocjonalności osiąga punkt bolesnej melancholii, poczucia kruchości wszystkiego, co ziemskie, aż do odrętwienia mistycznego transu. Dziś obserwujemy wzrost zainteresowania twórczością Friedricha. Do jego najbardziej udanych dzieł należą: „Śmierć „Nadieżdy” w lodzie”, „Cmentarz klasztorny pod śniegiem”, „Msza w gotyckiej ruinie”, „Zachód słońca nad morzem” itp.
W Rosyjski romantyzm W malarstwie jest wiele sprzecznych rzeczy. Poza tym przez wiele lat panowało przekonanie, że dobry artysta to realista. Pewnie dlatego utrwaliła się opinia, że O. Kiprensky i A. Venetsianov, V. Tropinin, a nawet A. Kuindzhi to realiści, co wydaje nam się błędne, to romantycy.
Początek XIX wieku był w Rosji czasem rozkwitu kulturalnego i duchowego. Jeśli pod względem rozwoju gospodarczego i społeczno-politycznego Rosja pozostawała w tyle za zaawansowanymi państwami europejskimi, to pod względem osiągnięć kulturalnych nie tylko dotrzymywała im kroku, ale często wyprzedzała. Rozwój kultury rosyjskiej w pierwszej połowie XIX wieku opierał się na przemianach epoki poprzedniej. Przenikanie elementów stosunków kapitalistycznych do gospodarki zwiększyło zapotrzebowanie na ludzi wykształconych i wykształconych. Miasta stały się głównymi ośrodkami kulturalnymi.
W procesy społeczne wciągnięto nowe warstwy społeczne. Kultura rozwijała się na tle stale rosnącej samoświadomości narodowej narodu rosyjskiego i w związku z tym miała wyraźny charakter narodowy. Wywarła znaczący wpływ na literaturę, teatr, muzykę i sztuki piękne. Wojna Ojczyźniana 1812 r, co w niespotykanym dotąd stopniu przyspieszyło wzrost samoświadomości narodowej narodu rosyjskiego i jej utrwalenie. Nastąpiło zbliżenie z narodem rosyjskim innych narodów Rosji.
Początek XIX wieku słusznie nazywany jest złotym wiekiem malarstwa rosyjskiego. To wtedy rosyjscy artyści osiągnęli poziom umiejętności, który stawiał ich dzieła na równi z najlepszymi przykładami sztuki europejskiej.
Trzy nazwiska ujawniają malarstwo rosyjskie XIX wieku - Kiprensky , Tropinin , Wenecjanow. Każdy ma inne pochodzenie: nieślubnego właściciela ziemskiego, chłopa pańszczyźnianego i potomka kupca. Każdy ma swoje aspiracje twórcze - romantyczny, realistyczny i „wiejski autor tekstów”.
Pomimo wczesnej pasji do malarstwa historycznego, Kiprensky znany jest przede wszystkim jako wybitny portrecista. Można tak powiedzieć na początku XIX w. został pierwszym rosyjskim portrecistą. Starzy mistrzowie, którzy zasłynęli w XVIII wieku, nie mogli już z nim konkurować: Rokotow zmarł w 1808 r., Lewicki, który przeżył go o 14 lat, nie malował już z powodu choroby oczu, i Borovikovsky, który nie przeżył kilku na kilka miesięcy przed powstaniem dekabryści pracowali bardzo mało.
Kiprensky miał szczęście zostać artystycznym kronikarzem swoich czasów. Za „Historię w twarzach” można uznać jego portrety, które przedstawiają wielu uczestników wydarzeń historycznych, którym był współczesny: bohaterów wojny 1812 roku, przedstawicieli ruchu dekabrystów. Przydatna była także technika rysowania ołówkiem, której nauczaniu poświęcono poważną uwagę w Akademii Sztuk Pięknych. Kiprensky stworzył w istocie nowy gatunek - portret obrazkowy.
Kiprensky stworzył wiele portretów rosyjskich postaci kulturowych i oczywiście najbardziej znanym z nich jest Puszkin. Zostało napisane na zamówienie Delviga, przyjaciela poety z liceum, w 1827 r. Współcześni zauważyli zdumiewające podobieństwo portretu do oryginału. Artysta uwolnił wizerunek poety od codziennych cech, które są nieodłącznym elementem portretu Puszkina autorstwa Tropinina, namalowanego w tym samym roku. Artysta uchwycił Aleksandra Siergiejewicza w chwili inspiracji, gdy odwiedziła go poetycka muza.
Śmierć dopadła artystę podczas jego drugiej podróży do Włoch. W ostatnich latach wiele złego wydarzyło się w życiu słynnego malarza. Rozpoczął się twórczy kryzys. Krótko przed śmiercią jego życie zostało przyćmione przez tragiczne wydarzenie: według współczesnych artysta został fałszywie oskarżony o morderstwo i bał się wyjść z domu. Nawet małżeństwo z włoską uczennicą nie rozjaśniło jego ostatnich dni.
Niewiele osób opłakiwało rosyjskiego malarza, który zmarł w obcym kraju. Do nielicznych, którzy naprawdę zrozumieli, jakiego mistrza utraciła rosyjska kultura, był przebywający wówczas we Włoszech artysta Aleksander Iwanow. W tych smutnych dniach napisał: Kiprensky „był pierwszym, który rozsławił rosyjskie nazwisko w Europie”.
Tropinin wszedł do historii sztuki rosyjskiej jako wybitny portrecista. Powiedział: „Portret człowieka maluje się ku pamięci bliskich mu osób, tych, którzy go kochają”. Według współczesnych Tropinin namalował około 3000 portretów. Czy tak jest, trudno powiedzieć. Jedna z książek o artyście zawiera listę 212 precyzyjnie zidentyfikowanych osób, które sportretował Tropinin. Ma także wiele prac zatytułowanych „Portret nieznanej kobiety”. Dostojnicy państwowi, szlachta, wojownicy, biznesmeni, drobni urzędnicy, chłopi pańszczyźniani, intelektualiści i postacie kultury rosyjskiej pozowali Tropininowi. Wśród nich: historyk Karamzin, pisarz Zagoskin, krytyk sztuki Odoevsky, malarze Bryullov i Aiwazowski, rzeźbiarz Witali, architekt Gilardi, kompozytor Alyabyev, aktorzy Szczepkin i Mo-chalov, dramaturg Sukhovo-Kobylin.
Jednym z najlepszych dzieł Tropinina jest portret jego syna. Trzeba powiedzieć, że jedno z „odkryć” sztuki rosyjskiej XIX wieku. był portret dziecka. W średniowieczu dziecko postrzegano jako małego dorosłego, który jeszcze nie dorósł. Dzieci ubierano nawet w stroje nie różniące się od dorosłych: w połowie XVIII wieku. dziewczęta nosiły obcisłe gorsety i szerokie spódnice z klapami. Dopiero na początku XIX w. widzieli w dziecku dziecko. Artyści byli jednymi z pierwszych, którzy to zrobili. W portrecie Tropinina jest dużo prostoty i naturalności. Chłopak nie pozuje. Zainteresowany czymś, odwrócił się na chwilę: usta miał lekko otwarte, oczy błyszczały. Wygląd dziecka jest zaskakująco uroczy i poetycki. Złote, rozczochrane włosy, otwarta, dziecinnie pulchna twarz, żywy wyraz inteligentnych oczu. Można poczuć, z jaką miłością artysta namalował portret swojego syna.
Tropinin dwukrotnie malował autoportrety. Na tej ostatniej, datowanej na rok 1846, artysta ma 70 lat. Przedstawiał siebie z paletą i pędzlami w dłoniach, opartego na masztabelu – specjalnym kiju używanym przez malarzy. Za nim majestatyczna panorama Kremla. W młodości Tropinin posiadał heroiczną siłę i dobry humor. Sądząc po autoportrecie, zachował siłę ciała nawet w starszym wieku. Okrągła twarz w okularach emanuje dobrą naturą. Artysta zmarł 10 lat później, ale jego wizerunek pozostał w pamięci potomków – wielkiego, życzliwego człowieka, który swoim talentem wzbogacił sztukę rosyjską.
Venetsianov odkrył motyw chłopski w malarstwie rosyjskim. Jako pierwszy wśród rosyjskich artystów pokazał na swoich płótnach piękno rodzimej natury. Akademia Sztuk Pięknych nie faworyzowała gatunku pejzażu. Zajmował przedostatnie miejsce pod względem ważności, pozostawiając w tyle jeszcze bardziej nikczemne – gospodarstwo domowe. Tylko nieliczni mistrzowie malowali naturę, preferując pejzaże włoskie lub wyimaginowane.
W wielu pracach Venetsianova natura i człowiek są nierozłączni. Są związani tak ściśle, jak chłop z ziemią i jej darami. Artysta stworzył swoje najsłynniejsze dzieła - „Sianokiszonki”, „Na gruntach ornych. Wiosna”, „W żniwach. Lato” - w latach 20. XX wieku. To był szczyt jego twórczości. Nikt w sztuce rosyjskiej nie potrafił pokazać chłopskiego życia i pracy chłopskiej z taką miłością i tak poetycko jak Wenecjanow. Na obrazie „Na zaoranym polu. Wiosna” kobieta bronuje pole. Ta ciężka, wyczerpująca praca wygląda wysublimowanie na płótnie Wenecjanowa: wieśniaczka w eleganckiej sukience i kokoshniku. Swoją piękną twarzą i elastyczną sylwetką przypomina starożytną boginię. Prowadzona za uzdy dwóch posłusznych koni zaprzężonych w bronę, nie idzie, ale zdaje się szybować nad polem. Życie wokół płynie spokojnie, miarowo, spokojnie. Rzadkie drzewa zmieniają kolor na zielony, białe chmury płyną po niebie, pole wydaje się nie mieć końca, na skraju którego siedzi dziecko, czekając na matkę.
Obraz „W żniwa. Lato” zdaje się być kontynuacją poprzedniego. Żniwa już dojrzały, na polach pełno złotego ścierniska – nadszedł czas żniw. Na pierwszym planie wieśniaczka, odkładając sierp, karmi piersią swoje dziecko. Niebo, pole i pracujący na nim ludzie są dla artysty nierozłączni. Jednak głównym przedmiotem jego uwagi jest zawsze człowiek.
Wenecjanow stworzył całą galerię portretów chłopów. Było to nowością w malarstwie rosyjskim. W XVIII wieku ludzie z ludu, a zwłaszcza chłopi pańszczyźniani, nie budzili większego zainteresowania artystów. Według historyków sztuki Wenecjanow jako pierwszy w historii malarstwa rosyjskiego „dokładnie uchwycił i odtworzył rosyjski typ ludowy”. „Żniwiarze”, „Dziewczyna z chabrami”, „Dziewczyna z cielęciem”, „Śpiący pasterz” - piękne wizerunki chłopów uwiecznione przez Wenecjanowa. Szczególne miejsce w twórczości artysty zajmowały portrety dzieci chłopskich. Jak dobry jest „Zakharka” - chłopiec o wielkich oczach, zadartym nosie i dużych ustach z toporem na ramieniu! Zakharka wydaje się uosabiać energiczną chłopską naturę, przyzwyczajoną do pracy od dzieciństwa.
Aleksiej Gawrilowicz pozostawił dobrą pamięć o sobie nie tylko jako artyście, ale także jako wybitnym nauczycielu. Podczas jednej z wizyt w Petersburgu przyjął jako ucznia nowicjusza, potem kolejnego, trzeciego... W ten sposób powstała cała szkoła artystyczna, która przeszła do historii sztuki pod nazwiskiem Venetsianovsky. Przez ćwierć wieku przewinęło się przez nią około 70 utalentowanych młodych mężczyzn. Venetsianov próbował wykupić artystów pańszczyźnianych z niewoli i bardzo się martwił, jeśli to się nie powiedzie. Najzdolniejszy z jego uczniów, Grigorij Soroka, nigdy nie otrzymał wolności od właściciela ziemskiego. Dożył zniesienia pańszczyzny, lecz doprowadzony do rozpaczy wszechmocą swego byłego właściciela, popełnił samobójstwo.
Wielu uczniów Venetsianova mieszkało w jego domu przy pełnym wsparciu. Poznali tajniki malarstwa weneckiego: zdecydowane przestrzeganie praw perspektywy, uważne zwracanie uwagi na naturę. Wśród jego uczniów było wielu utalentowanych mistrzów, którzy pozostawili zauważalny ślad w sztuce rosyjskiej: Grigorij Soroka, Aleksiej Tyranow, Aleksander Aleksiejew, Nikifor Kryłow. „Venetsianovtsy” - z miłością nazywali jego zwierzęta.
Można zatem stwierdzić, że w pierwszej tercji XIX wieku nastąpił gwałtowny wzrost rozwoju kulturalnego Rosji i okres ten nazywany jest złotym wiekiem malarstwa rosyjskiego.
Rosyjscy artyści osiągnęli poziom umiejętności, który stawia ich dzieła na równi z najlepszymi przykładami sztuki europejskiej.
Gloryfikowanie bohaterskich czynów ludu, idea jego duchowego przebudzenia, obnażanie bolączek feudalnej Rosji – to główne tematy sztuk pięknych XIX wieku.
W portrecie cechy romantyzmu - niezależność ludzkiej osobowości, jej indywidualność, swoboda wyrażania uczuć - są szczególnie wyraźne.
Powstało wiele portretów rosyjskich osobistości kultury, w tym portrety dzieci. W modzie staje się motyw chłopski, pejzaż ukazujący piękno naszej rodzimej przyrody.