W obliczu sztuki greckiej wiele wybitnych umysłów wyrażało szczery podziw. Jeden z najsłynniejszych badaczy sztuki starożytnej Grecji, Johann Winckelmann (1717-1768) mówi o rzeźbie greckiej: „Koneserzy i naśladowcy dzieł greckich odnajdują w swoich mistrzowskich tworach nie tylko najpiękniejszą naturę, ale i coś więcej niż naturę, mianowicie jakieś jego idealne piękno, które… powstaje z obrazów naszkicowanych przez umysł”. Każdy, kto pisze o sztuce greckiej, zauważa w niej niesamowite połączenie naiwnej bezpośredniości i głębi, rzeczywistości i fikcji. W nim, zwłaszcza w rzeźbie, ucieleśnia się ideał człowieka. Jaka jest natura ideału? Czym tak fascynował ludzi, że wiekowy Goethe płakał w Luwrze przed rzeźbą Afrodyty?
Grecy zawsze wierzyli, że tylko w pięknym ciele może żyć piękna dusza. Dlatego harmonia ciała, zewnętrzna doskonałość jest nieodzownym warunkiem i podstawą idealnej osoby. Grecki ideał jest określony przez termin kalokagatiya(gr. kalosze- piękny + agatos Uprzejmy). Ponieważ kalokagatiya obejmuje doskonałość zarówno konstytucji cielesnej, jak i usposobienia duchowego i moralnego, to wraz z pięknem i siłą ideał niesie ze sobą sprawiedliwość, czystość, odwagę i rozsądek. To właśnie sprawia, że greccy bogowie, wyrzeźbieni przez starożytnych rzeźbiarzy, są wyjątkowo piękni.
Najlepsze pomniki starożytnej rzeźby greckiej powstały w V wieku. PNE. Ale wcześniejsze prace sprowadziły się do nas. Posągi z VII - VI wieku BC są symetryczne: jedna połowa ciała jest lustrzanym odbiciem drugiej. Skute kajdanki, wyciągnięte ramiona przyciśnięte do muskularnego ciała. Ani najmniejszego przechylenia głowy, ani odwrócenia głowy, ale usta rozchylone w uśmiechu. Uśmiech jakby z wnętrza rozświetla rzeźbę wyrazem radości życia.
Później, w okresie klasycyzmu, rzeźby nabierają większej różnorodności form.
Były próby zrozumienia harmonii algebraicznie. Pierwsze naukowe badanie tego, czym jest harmonia, zostało przeprowadzone przez Pitagorasa. Szkoła, którą założył, zajmowała się zagadnieniami natury filozoficznej i matematycznej, stosując obliczenia matematyczne do wszystkich aspektów rzeczywistości. Ani harmonia muzyczna, ani harmonia ludzkiego ciała czy struktury architektonicznej nie były wyjątkiem. Szkoła pitagorejska uważała liczbę za podstawę i początek świata.
Co teoria liczb ma wspólnego ze sztuką grecką? Okazuje się, że jest to najbardziej bezpośrednie, ponieważ harmonia sfer Wszechświata i harmonia całego świata wyrażają się w tych samych stosunkach liczb, z których głównymi są stosunki 2/1, 3/2 i 4 /3 (w muzyce są to odpowiednio oktawa, kwinta i kwarta). Ponadto harmonia implikuje możliwość obliczenia dowolnej korelacji części każdego obiektu, w tym rzeźby, zgodnie z następującą proporcją: a / b \u003d b / c, gdzie a jest dowolną mniejszą częścią obiektu, b jest dowolną dużą częścią , c to całość. Na tej podstawie wielki grecki rzeźbiarz Polikleitos (V wiek p.n.e.) stworzył rzeźbę młodzieńca dzierżącego włócznię (V wpne), którą nazywa się „Dorifor” („Nosiciel włóczni”) lub „Kanon” – z imienia dzieła rzeźbiarza, w których, omawiając teorię sztuki, rozważa prawa obrazu idealnej osoby. Uważa się, że rozumowanie artysty można przypisać jego rzeźbie.
Posągi Polikleta są pełne intensywnego życia. Polikleitos lubił przedstawiać sportowców w stanie spoczynku. Weź tego samego „Włócznika”. Ten potężnie zbudowany mężczyzna jest pełen poczucia własnej wartości. Stoi nieruchomo przed widzem. Ale to nie jest statyczna reszta posągów starożytnego Egiptu. Jak człowiek umiejętnie i łatwo panujący nad swoim ciałem, włócznik lekko ugiął jedną nogę i przeniósł ciężar ciała na drugą. Wydaje się, że minie chwila, a on zrobi krok do przodu, odwróci głowę, dumny ze swojej urody i siły. Przed nami mężczyzna silny, przystojny, wolny od strachu, dumny, powściągliwy - ucieleśnienie greckich ideałów.
Najsłynniejsze dzieła rzeźby starożytnej Grecji.
Wybitni rzeźbiarze V-IV wieku. PNE.
Pierwszy.
Rzeźba oczami Greków
Cecha dziedzictwa rzeźbiarskiego starożytnej Grecji.
Czas okazał się szczególnie nieubłagany wobec dzieł rzeźby greckiej. Jedyny autentyczny grecki posąg z brązu, który do nas dotarł epoka klasyczna – Delficki woźnica(ok. 470 ᴦ. pne ., Muzeum w Delfach ) (il. 96) i jedyny marmurowy posąg z tej samej epoki - Hermes z małym Dionizosem Praksyteles (Muzeum Olimpii) (il. 97). Oryginalne rzeźby z brązu zanikły już pod koniec starożytności (wylewane na monety, dzwony, a później broń). Marmurowe posągi zostały spalone na wapno. Prawie wszystkie greckie wyroby z drewna, kości słoniowej, złota i srebra zniknęły. Z tego powodu możemy oceniać dzieła wielkich mistrzów, po pierwsze, na podstawie późniejszych kopii, a po drugie, przedstawione w materiale innym niż ten w których zostały poczęte.
Rzeźbiarski wizerunek dla Greków nie był tylko pewnym tomem z marmuru lub brązu, w którym można było łatwo rozpoznać mężczyznę, kobietę, młodzieńca itp. Całe myślenie artystyczne Greków było przeniknięte chęcią utożsamienia się z rzeźbą i architekturą pewną prawa ogólne proporcje i harmonia, pragnienie rozsądnego piękna.
Dla przedstawicieli szkoły filozoficznej założonej przez Pitagorasa natura jest mimesis- imitacja harmonicznych systemów liczbowych, dostarczanych przez świat ludzi. Z kolei sama sztuka jest w pewnym stopniu mimesis natury, czyli imitacją zarówno w sensie naśladowania jej widocznej powłoki czy poszczególnych zjawisk, jak i w sensie ujawniania jej harmonicznej struktury. Oznacza to, że posąg był jednocześnie mimesis: podążając za naturą, wyrażał ukrytą w nim harmonię wymiarowych stosunków liczbowych, ujawniał racjonalność właściwą Kosmosowi i naturze, konstrukcji itp. Z tego powodu posąg dla Greków nie tylko odtwarzał widoczną skorupę obrazu osoby, ale także harmonię, rozsądną wymiarowość, piękno, porządek świata w niej ucieleśnionego.
ʼʼ… Rzeźbiarze, tworząc bóstwa dłutem, wyjaśniali świat.
Hostowane na ref.rf
Jakie jest to wyjaśnienie? To jest wyjaśnienie bogów przez człowieka. Rzeczywiście, żadna inna forma nie oddaje dokładniej niewidzialnej i niezbitej obecności bóstwa w świecie niż ciało mężczyzny i kobiety, piękno ludzkiego ciała z nienaganną doskonałością wszystkich jego części, z jego proporcjami - to jest najpiękniejszą rzeczą, jaką ludzie mogą ofiarować nieśmiertelnym bogom, kierując się zasadą: najpiękniejszy - bogom.
Najwcześniejszy pomniki to tzw ksan ( od słowa ociosany)- bożki wyrzeźbione z drewna .
Jeden z pierwszych zachowane greckie posągi Hera z Samos, OK. połowa VI w. PNE. (Paryż, Luwr).
Pierwszy znany nam rzeźbiarz ateński Antenor, wyrzeźbione marmurowe posągi Harmodiusa i Arystogeitona, którzy zabili tyrana Hipparcha w 514 r. pne, wystawiony na akropolu. Posągi zostały zabrane przez Persów podczas wojen grecko-perskich. W 477 r. PNE. Kritias i Nesiod odtworzyli rzeźbiarską grupę tyranobójców (il. 98).
Pierwszy, któremu w rzeźbie udało się przenieść środek ciężkości ciała na jedną nogę i uczynić bardziej naturalną pozę i gest postaci ludzkiej był kierownikiem szkoły rzeźbiarskiej w Argos Agelad(6-5 wieków pne). Dzieło rzeźbiarza nie zachowało się.
kreacja pierwsza latająca postać przypisywany rzeźbiarzowi z połowy VI wieku. PNE. z wyspy Chios Archerma. Wyrzeźbił posąg uskrzydlonego „Nike of Delos”, uosabiającego zwycięstwo w bitwie i rywalizacji. Stopy Niki nie dotykały cokołu – rolę podpórki pełniły fałdy powiewającej tuniki.
POLILKLET. Żył w drugiej połowie V w. PNE. Uważano, że był najlepszy w robieniu posągów ludzi. ʼʼ…Był Pitagorasem rzeźby, poszukującym boskiej matematyki proporcji i formy. Uważał, że wymiary każdej części doskonałego ciała powinny być odniesione w określonej proporcji do wymiarów każdej innej jego części, powiedzmy palca wskazującego. Uważa się, że w swojej pracy teoretycznej „Canon” („Mea”) Polikleitos uogólnił podstawowe prawa rzeźbiarskiego wizerunku osoby i rozwinął prawo idealnych proporcji ciała ludzkiego. Zastosowawszy swoją teorię we własnej twórczości (np. w cieszącym się największą sławą w starożytności posągu „Dorifor” („Włócznicy”) (il. 99, 99-a), rzeźbiarz stworzył nowy język plastyczny oparty na fizycznej harmonii, na idei postaci ludzkiej jako doskonałego mechanizmu, w którym wszystkie części są ze sobą funkcjonalnie połączone.
Odkryciem Polikleitosa w rzeźbie jest krzyżowość nierównomiernego ruchu ciała (o tym później).
diadumen (gr. zwieńczony wstęgą zwycięstwa) (il. 100).
MIRON. Pochodził z Eleuther (Beotia), mieszkał w Atenach. Tworzył rzeźby dla ateńskiego Akropolu, świątyń w Delfach i Olimpii.
· Około 470 ᴦ. odlał w brązie najsłynniejszy ze wszystkich posągów atletów - posąg Dyskobol Lub rzucający dyskiem(Therm Museum, kopia) (il. 101); ʼʼ to zupełny cud męskiej budowy ciała: wszystkie ruchy mięśni, ścięgien i kości, które biorą udział w działaniu ciała, są tu dokładnie zbadane: nogi… ʼʼ; Myron ʼʼ... kontemplował atletę nie przed zawodami ani po nich, ale w chwilach samej walki i zrealizował swój plan w brązie tak dobrze, że żaden inny rzeźbiarz w historii nie mógł go przewyższyć, przedstawiając męskie ciało w akcjiʼʼ. rzucający dyskiem- ϶ᴛᴏ pierwsza próba oddania ruchu nieruchomemu posągowi: w rzeźbie Myronowi udało się uchwycić machnięcie ręką przed rzuceniem dysku, kiedy cały ciężar ciała skierowany jest na prawą nogę, a lewa ręka trzyma figura w równowadze. Technika ta pozwoliła oddać ruch form, co pozwala widzowi śledzić zmianę punktu widzenia.
rzucający dyskiem- jedyne zachowane (w kopii) dzieło rzeźbiarza.
Starożytni uznali, że Fidiasz był najlepszy w przedstawianiu posągów bogów.
· Około 438 r. syn artysty Fidiasz stworzył słynny posąg „Ateny Partenos” (Ateny Dziewicy). Prawie 12-metrowy posąg bogini mądrości i czystości górował na 1,5-metrowym marmurowym cokole w świątyni Ateny Miejskiej (Partenon) na ateńskim Akropolu (il. 95). Fidiasz był jednym z pierwszych rzeźbiarzy, którzy przyjęli innowację z V wieku. pne - cokół z płaskorzeźbą (scena narodzin Pandory). Fidiasz wykazał się wielką odwagą, wybierając na 160-metrowy rzeźbiarski fryz świątyni nie mitologiczną fabułę, ale obraz procesji panatenajskiej (gdzie sam lud ateński występuje jako równorzędny partner bogów zajmujących centralną część kompozycji ). Pod kierunkiem Fidiasza i częściowo samodzielnie wykonano wystrój rzeźbiarski.
Hostowane na ref.rf
Rzeźbę umieszczono także na frontonach, wzdłuż fryzu zewnętrznej ściany wnętrza.
Oskarżony o kradzież przez swoich wrogów, Ateńczyków, Fidiasz został skazany, jednak mieszkańcy Olimpii wpłacili za mistrza zadatek pod warunkiem, że stworzy on posąg Zeusa dla świątyni o tej samej nazwie w słynnym sanktuarium. Był więc 18-metrowy posąg siedzącego boga piorunów. W spisie „cudów świata” sporządzonym w II w. PNE. Drugie miejsce zajął Antypator z Sydonu, posąg Zeusa Olimpijskiego. O tym wybitnym zabytku wspominało ponad sześćdziesięciu (!) pisarzy starożytności. Grecki filozof Epiktet radził wszystkim, aby udali się do Olimpii, aby zobaczyć posąg Zeusa, ponieważ nazwał to prawdziwym nieszczęściem umrzeć i nie zobaczyć go. Słynny rzymski mówca Kwintylian ponad pięć wieków później napisał: „Piękno posągu wniosło coś nawet do ogólnie przyjętej religii, gdyż wielkość stworzenia była godna Boga”.
Uważa się, że posąg Zeusa Olimpijskiego został powtórzony przez anonimowego rzymskiego rzeźbiarza, który stworzył posąg Jowisza, obecnie przechowywany w Ermitażu (il. 102).
Los obu posągów jest smutny, ale nie do końca znany; istnieją dowody na to, że obaj zostali przetransportowani już w czasach chrześcijańskich do Konstantynopola, Zeus spłonął w pożarze pod koniec V wieku i Atena zmarł na początku XIII wieku.
Nie ma dokładnych informacji o losach Fidiasza.
PRAKSYTEL.
OK. 390-330 gᴦ. PNE. Syn rzeźbiarza, Praksyteles, Jończyk, pracował z marmurem i brązem do tego stopnia, że ponad dziesięć miast rywalizowało o zamówienia mistrza.
Pierwszy starożytny Grek nagi posąg bogini - ʼʼAfrodyty z Knidusʼʼ (il. 103) przybywał, aby zobaczyć Hellenów z całego basenu Morza Śródziemnego. Krążyła plotka, że patrząc na obowiązujący już wówczas kanon kobiecego piękna, mężczyźni wpadali w „miłosne szaleństwo”. ʼʼ...Przede wszystkim dziełami nie tylko Praksytelesa, ale w ogóle istniejącą we wszechświecie jest Wenus jego dzieła...ʼʼ, pisał po prawie czterech stuleciach rzymski Pliniusz Starszy.
O drugim, najsłynniejszym posągu - ʼʼHermes z małym Dionizosemʼʼ(il. 97) - to było już powiedziane na samym początku pytania. Według mitu, na rozkaz zazdrosnej Hery, Tytani wywlekli nieślubnego syna Zeusa Dionizosa i rozerwali go na strzępy. Babcia Dionizosa Rei przywróciła do życia swojego wnuka. Aby uratować syna, Zeus poprosił Hermesa, aby tymczasowo zmienił Dionizosa w kozę lub baranka i przekazał go do wychowania pięciu nimf. Rzeźbiarz przedstawił Hermesa w chwili, gdy ten, kierując się w stronę nimf, zatrzymał się, opierając się o drzewo i przyniósł kiść winogron małemu Dionizosowi (ręka posągu zaginęła). Dziecko zostało umieszczone w jaskini na górze Nysa i tam właśnie Dionizos wynalazł wino.
Zwróćmy zwłaszcza uwagę na to, że uczniowie Praksytelesa godnie kontynuowali dzieło swojego nauczyciela (il. 107).
Zaczynał jako prosty kotlarz w Sicyonie, a skończył jako nadworny rzeźbiarz Aleksandra Wielkiego. Jak uważano w starożytności, autor półtora tysiąca posągów. Ustanowił nowy kanon rzeźbiarskich proporcji postaci, wprowadzając lekkie wydłużone proporcje, zmniejszając rozmiar głowy. Lizyp mawiał, że dawni artyści ʼʼ... przedstawiają ludzi takimi, jakimi są, a on - takimi, jakimi się wydają<глазу>ʼʼ.
· ʼʼApoksiomenʼʼ (ʼʼOczyszczanieʼʼ) (il. 108) - młody człowiek usuwa olej i piasek skrobakiem po ćwiczeniach.
Inne światowej sławy rzeźby i grupy posągów
· Wenus z Milo(il. 109). Epitet ʼʼMilosʼʼ wiąże się z faktem, że posąg został znaleziony na wyspie Milo w 1820 roku. Sam posąg, wysoki na ponad dwa metry, pochodzi z końca II wieku pne. BC, jest „przeróbką” posągu Praksytelesa.
· Nike z Samotraki(il. 110). Znaleziony w XIX wieku na wyspie Samotraka. Posąg pochodzi z okresu około 190 ᴦ. p.n.e., kiedy to Grecy z wyspy Rodos odnieśli serię zwycięstw nad Antiochem III.
· ʼʼLaokoonʼʼ(il. 111).
Na przełomie II-I wieku. PNE. trzej rzeźbiarze – Agesander i jego synowie Polidoros i Atenodorus – wyrzeźbili „z jednego kamienia” grupę posągów, która już w starożytności była uważana za „dzieło”, ĸᴏᴛᴏᴩᴏᴇ powinno być przedkładane nad wszystkie dzieła zarówno malarstwa, jak i rzeźby w miedzi”.
Fabuła „Śmierci Laokoona i jego synów” wiąże się z najsłynniejszym epizodem wojny trojańskiej. Jak wiecie, Grecy, aby przedostać się do obleganego miasta, zbudowali ogromnego wydrążonego drewnianego konia, po którym wspinało się kilkudziesięciu żołnierzy. Do Troi został wysłany zwiadowca nauczany przez Odyseusza, który zwrócił się do króla Priama w formie przepowiedni: ʼʼ... Jeśli gardzisz tym świętym posągiem, Atena cię zniszczy, ale jeśli posąg trafi do Troi, to ty być w stanie zjednoczyć wszystkie siły Azji, najechać na Grecję i podbić Mykeny. ʼʼTo wszystko kłamstwo! Wszystko to wymyślił Odyseusz” – zawołał Laokoon, kapłan świątyni Posejdona. Bóg Apollo (który był zły na Laokoona, że ożenił się i miał dzieci wbrew jego przysiędze), ostrzec Troya przed czekającym ją smutnym losem, wysłał dwa ogromne węże morskie, które najpierw udusiły bliźniaczych synów Laokoona, a potem, gdy pospieszył im z pomocą, i siebie. Ten straszny znak przekonał Trojan, że grecki zwiadowca mówi prawdę, a król Troi błędnie sądził, że Laokoon został ukarany za wbicie włóczni w drewnianego konia. Koń był poświęcony Atenom, a Trojanie zaczęli ucztować, świętując swoje zwycięstwo. Dalej wiadomo: o północy, przy ogniskach sygnalizacyjnych, Grecy wysiedli z konia i zabili śpiących strażników twierdzy i pałacu Troi.
Oprócz mistrzostwa kompozycji i perfekcji technicznej, nowy był ucieleśnieniem gustów nowej epoki – hellenizmu: starzec, dzieci, bolesna walka, umierające jęki…
Kiedy w 1506 r. w ruinach łaźni cesarza Tytusa w Rzymie odnaleziono „Laokoona”, Michał Anioł powiedział, że jest to najlepszy posąg na świecie i zszokowany bezskutecznie próbował… odnowić złamaną prawą rękę centralnej postaci. Sukces towarzyszył Lorenzo Berniniemu.
Na podstawie fabuły Laoocona stworzył obraz El Greco. Winckelmanna, Lessinga, Goethego.
· Byk Farnese(il. 112, 113, 114, 115). Około 150 ᴦ. PNE. w mieście Tralla, w Caria, rzeźbiarze bracia Apoloniusz i Taurisk odlali dla mieszkańców wyspy Rodos grupę z brązu, znaną obecnie jako Byk Farnese(został znaleziony w łaźni Karakalli w Rzymie, odrestaurowany przez samego Michała Anioła i przechowywany przez jakiś czas w Pałacu Farnese). Według jednej wersji mitu Antiope, córka króla Teb Niktaeusa, zaszła w ciążę z Zeusem i uciekła przed gniewem ojca do króla Sycyonu, który ją poślubił, co wywołało wojnę między dwoma miastami. Tebańczycy wygrali, a wujek Antiope sprowadził Antiope do domu. Tam urodziła dwoje bliźniaków, które od razu zabrał jej wspomniany wujek. W Tebach została niewolnicą swojej ciotki Dirki, która traktowała ją okrutnie. Antiope, która nie mogła znieść uwięzienia w więzieniu, udało się uciec i spotkać jej dorosłych synów, którzy surowo ukarali Dirkę: przywiązali ją do rogów dzikiego byka, który natychmiast się z nią rozprawił – pod aprobującym okiem zadowolony Antiope. Dzieło wyróżnia się wirtuozerią w przekazywaniu różnych kątów oraz dokładnością budowy anatomicznej figur.
· Kolos z Rodos.
Tak zwany posąg boga Heliosa na wyspie Rodos. Syn jednego z dowódców macedońskiego Antygona, Demetriusza, oblegał Rodos, używając 7-piętrowych wież bojowych, ale został zmuszony do odwrotu, porzucając cały sprzęt wojskowy. Według opowieści Pliniusza Starszego mieszkańcy wyspy otrzymali fundusze z jej sprzedaży, na co postawili około 280 ᴦ obok portu. PNE. największy posąg starożytnego świata - 36-metrowy bóg słońca Helios autorstwa architekta Charesa, ucznia Lysippusa. Rodyjczycy czcili Heliosa jako patrona wyspy wyniesionej przez bogów z dna morza, a stolica Rodos była jego świętym miastem. Filon z Bizancjum poinformował, że do stworzenia posągu użyto 13 ton brązu i prawie 8 ton żelaza. Według badań angielskiego naukowca i rzeźbiarza Marion posąg nie został odlany. Oparta była na trzech masywnych filarach osadzonych na czworobocznych kamiennych płytach i spiętych żelaznymi pasami; żelazne belki rozchodziły się promieniście od filarów we wszystkich kierunkach, do zewnętrznych końców których przymocowano żelazne obejście - otaczały one kamienne filary w równych odległościach, zamieniając je w ramę. Posąg był budowany na glinianym modelu w częściach przez okres ponad dziesięciu lat. Według rekonstrukcji na głowie Heliosa znajdowała się korona w kształcie promieni słonecznych, prawa ręka była przyczepiona do czoła, a lewa trzymała płaszcz, który opadał na ziemię i służył jako punkt oparcia. Kolos zawalił się podczas trzęsienia ziemi 227 (222) ᴦ. przed naszą erą, a jego fragmenty leżały przez ponad osiem wieków, aż Arabowie załadowali je na 900 (!) wielbłądów i zabrali „materiał budowlany” na sprzedaż.
· Peoniyu należy do posągu bogini Nike (ok. połowa V wpne): postać została umieszczona w lekkim pochyleniu do przodu i równoważona dużym, nabrzmiałym, jaskrawo pomalowanym płaszczem (il. 116).
Grecka rzeźba utrzymywała ścisły związek z architekturą, harmonijnie współistniała. Artyści nie dążyli do usunięcia pomnika zbyt daleko od budynków. Grecy unikali stawiania pomników na środku placu. Zwykle umieszczano je wzdłuż jej krawędzi lub krawędzi świętej drogi, na tle budynku lub między kolumnami. Ale w ten sposób pomnik nie był dostępny do ominięcia i kompleksowego przeglądu.
Rzeźba Hellady utrzymywała ścisły i harmonijny związek z architekturą. Posągi Atlantydów (il. 117) i kariatydy (il. 56) zastąpiły kolumny lub inne pionowe wsporniki podtrzymujące belkowy strop.
Atlanta- męskie posągi podtrzymujące podłogi budynków przymocowane do ściany. Według mitów grecki tytan, brat Prometeusza, miał trzymać niebo na najdalszych zachodnich krańcach Ziemi w ramach kary za udział w walce tytanów z bogami.
Kariatyda- rzeźbiarski wizerunek stojącej postaci kobiecej. Jeśli na głowie posągu znajduje się kosz z kwiatami lub owocami, nazywano go kanefor(od łac. kosz nośny). Pochodzenie słowa ʼʼkariatydaʼʼ wywodzi się bądź od kariatyd – kapłanek świątyni Artemidy w Kariji (matka księżyc Artemida Karija była też nazywana Kariatydą).
Wreszcie harmonia i koordynacja architektury i rzeźby przejawiała się w dekoracyjnym wykorzystaniu tej ostatniej. Są to metopy zdobione płaskorzeźbami (przęsła między belkami, których końce maskują tryglify) (il. 117) oraz naczółki z grupami rzeźbiarskimi (il. 118, 119). Architektura nadała rzeźbie ramę, a sam budynek został wzbogacony o organiczną dynamikę rzeźby.
Rzeźby umieszczano na cokołach budowli (Ołtarz Pergamoński) (il. 120, 121), na podstawach i głowicach kolumn (il. 11), na stelach nagrobnych (il. 122, 123) oraz wewnątrz podobnych stel (il. 68-n), pełniły funkcję podstawek pod artykuły gospodarstwa domowego (il. 124, 125).
Były też figury pogrzebowe (il. 68-c, 68-d).
Pochodzenie i przyczyny cech rzeźby greckiej
Materiał i jego obróbka
Jednym z godnych uwagi przykładów rzeźby z terakoty są figurki rodzajowe i nagrobne znalezione w grobach w pobliżu Tanagry (il. 126, 127), miasta we wschodniej Beocji. Terakota(z włoskiego terra – ziemia/glina i cotta – wypalona) nazywane są nieszkliwionymi wyrobami ceramicznymi o różnym przeznaczeniu. Wysokość figurek wynosi od 5 do 30 centymetrów. Rozkwit w tworzeniu figurek przypada na III wiek. PNE.
Wykorzystywanie kości słoniowej do wyrobu dzieł sztuki to w świecie greckim długa tradycja. W okresie klasycznym pojawiła się technika łączenia złota i kości słoniowej – chryzoelefantyna. W szczególności wykonane są w nim posągi Fidiasza - Ateny w Partenonie (il. 128) i Zeusa w Olimpii. Na przykład podstawy posągu Ateny są wyrzeźbione z twardego drewna, większość powierzchni pokryto złotem, części odtwarzające nagie ciało, a egidę płytkami z kości słoniowej. Do drewnianej podstawy przymocowano łuskowate płytki (o grubości około 1,5 mm), które można było usunąć. Kość słoniowa, podobnie jak złoto, była przymocowana do drewnianych łusek. Wszystkie poszczególne części rzeźby – jej głowa, tarcza, wąż, włócznia, hełm – zostały wykonane oddzielnie i przymocowane do ustawionej wcześniej podstawy posągu i umocowanej na drewnianym cokole wtopionym w kamienny cokół (il. 95). ).
Twarz i ręce posągu Zeusa Olimpijskiego z wieńcem na głowie, Nika (Zwycięstwo) w prawej ręce i berłem z orłem w lewej, zostały wykonane z kości słoniowej, ubrania i buty ze złota. Aby uchronić się przed zepsuciem spowodowanym wilgotnym klimatem Olimpii, kapłani hojnie smarowali kość słoniową olejem.
Oprócz kości słoniowej do detali użyto wielobarwnego materiału. Na przykład gałka oczna była wykonana z kolorowego kamienia, szkła, srebra z granatową źrenicą (il. 129). Wiele posągów ma wywiercone otwory do mocowania wieńców, wstążek, naszyjników.
Od VII wieku p.n.e. Grecy używali już marmuru (il. 130). Rzeźbiarze często dążyli do swobodnych póz i ruchów, ale były one obiektywnie nieosiągalne w jednym kawałku marmuru. Z tego powodu często spotyka się posągi złożone z kilku części. Ciało słynnej Wenus z Milo (il. 75) jest wyrzeźbione z marmuru z wyspy Paros, część obrobiona z innego rodzaju kamienia, dłonie wykonano z oddzielnych kawałków spiętych metalowymi szelkami.
system obróbki kamienia.
W okresie archaicznym blokowi kamienia nadano najpierw czworościenny kształt, na jego płaszczyznach rzeźbiarz narysował rzut przyszłej rzeźby. Następnie zaczął rzeźbić jednocześnie z czterech stron, w warstwach pionowych i płaskich. Miało to dwie konsekwencje. Posągi wyróżniały się przede wszystkim całkowicie nieruchomą, wyprostowaną pozycją, bez najmniejszego obrotu wokół osi pionowej. Po drugie, w niemal wszystkich rzeźbach archaicznych twarz rozjaśnia uśmiech, zupełnie niezależny od sytuacji przedstawionej na posągu (il. 131, 132). To dlatego, że metoda potraktowanie twarzy jako płaszczyzny prostopadłej do pozostałych dwóch płaszczyzn głowy, doprowadziło do tego, że rysy twarzy (usta, wycięcie oczu, brwi) zaokrąglono nie w głąb, ale ku górze.
Konstrukcja archaicznej figury wynika w dużej mierze ze sposobu pracy rzeźbiarza – wstępne przygotowanie prostokątnej bryły kamienia – ϶ᴛᴏ nie pozwalało na przedstawienie postaci np. z uniesionymi ramionami.
Drugi sposób obróbki kamienia związany jest z przejściem od archaicznego do klasycznego, stał się dominujący w rzeźbie Greków. Istotą metody jest utrwalenie objętości bryły, jej zaokrągleń i przejść. Rzeźbiarz niejako obszedł cały posąg dłutem. Uderzenia archaiki padały w pionowych rzędach, uderzenia klasyków szły w głąb, układały się na okrągło, ukośnie w połączeniu z zakrętami, wypukłościami i kierunkami formy.
Stopniowo posąg zwracał się do widza nie tylko z prostą twarzą i profilem, ale także z bardziej złożonymi obrotami w trzech czwartych, nabierając dynamiki, zaczął niejako obracać się wokół własnej osi. Stała się posągiem, który nie miał tylnej strony, którego nie można było oprzeć o ścianę, wstawić do niszy.
Rzeźba z brązu.
W okresie klasycznym bardzo trudno było wyrzeźbić w marmurze nagą postać ze swobodnie postawioną stopą bez specjalnego podparcia. Tylko brąz pozwolił nadać figurze dowolną pozycję. Większość starożytnych mistrzów odlanych w brązie (il. 133, 134). Jak?
Zastosowaną metodą odlewania był proces zwany „woskiem traconym”. Ulepione z gliny figury pokrywano grubą warstwą wosku, następnie warstwą gliny z licznymi otworami - przepływał przez nie wosk roztopiony w piecu; od góry formę zalewano brązem, aż metal wypełnił całą przestrzeń zajmowaną wcześniej przez wosk. Posąg ochłodzono, usunięto wierzchnią warstwę gliny. Na koniec wykonywano szlifowanie, polerowanie, lakierowanie, malowanie czy złocenie.
W posągu z brązu oczy inkrustowano szklistą pastą i kolorowym kamieniem, a fryzury lub biżuterię wykonano ze stopu brązu o innym odcieniu, usta często złocono lub wyłożono złotymi płytkami.
Wcześniej, na przełomie VII-VI wieku. p.n.e., ze względu na ogromne znaczenie ratowania brązu, technika wykonywania posągów rozpowszechniła się w Grecji, kiedy to drewniane figury obbijano gwoździami blaszkami z brązu. Podobna technika znana była również na Wschodzie, tylko zamiast brązu używano złota.
Polichromować.
Grecy malowali odsłonięte części ciała rzeźb na kolor cielisty, ubrania - na czerwono i niebiesko, broń - na złoto. Oczy zostały napisane na marmurze farbą.
Wykorzystanie kolorowych materiałów w rzeźbie. Oprócz połączenia złota i kości słoniowej Grecy używali materiału wielobarwnego, ale głównie dla detali. Na przykład gałka oczna była wykonana z kolorowego kamienia, szkła, srebra z granatową źrenicą. Wargi posągu z brązu były często złocone lub inkrustowane złotymi płytkami. Wiele greckich posągów ma wywiercone otwory do mocowania wieńców, wstążek, naszyjników. Figurki z Tanagry były malowane w całości, zwykle w odcieniach fioletu, błękitu, złota.
Rola składu plastycznego.
Przez cały czas jednym z najważniejszych problemów stojących przed rzeźbiarzem było obliczenie kształtu i wielkości cokołu oraz skoordynowanie posągu i cokołu z krajobrazem i oprawą architektoniczną.
Hellenowie na ogół preferowali niezbyt wysokie cokoły. w V w. PNE. jego wysokość zwykle nie przekraczała poziomu klatki piersiowej przeciętnego człowieka. W następnym stuleciu cokoły miały najczęściej kształt schodkowy, złożony z kilku poziomych płyt.
Rzeźbiarz już na samym początku swojej pracy musiał wziąć pod uwagę punkt widzenia, z którego będzie postrzegany posąg, optyczną relację między posągiem a widzem. Tak więc mistrzowie dokładnie obliczyli efekt optyczny posągów umieszczonych na frontonie. Na Partenonie skrócili dolną część postaci w posągach siedzących i wydłużyli górną część ciała. Jeśli postać znajdowała się na ostrym zboczu, jej ręce i nogi były skracane lub wydłużane w zależności od pozycji figury.
Motywy ruchu w rzeźbie
Rzeźba archaiczna znała tylko jeden rodzaj ruchu - ruch działania. Uzasadniał motyw jakiejś akcji: bohater rzuca dyskiem, bierze udział w bitwie, konkursie itp. Jeśli nie ma działania, posąg jest całkowicie nieruchomy. Mięśnie podane są jako uogólnione, tułów jest nieruchomy, ręce i nogi działają w jakiś sposób. jeden stronie ciała.
Za wynalazcę innego rodzaju ruchu uważa się Polikleta. istota „ruch przestrzenny” w tym sensie, że oznacza poruszanie się w przestrzeni, ale bez widocznego celu, bez określonego motywu tematycznego. Ale wszystkie członki ciała funkcjonują, pędzą albo do przodu, albo wokół własnej osi.
Grecki rzeźbiarz starał się „przedstawić” ruch. W gestach, chodzie, napięciu mięśni pokazywał Funkcje ruch.
Grecka rzeźba ucieleśnia harmonię między ludzką wolą a ciałem, gotycka uosabia emocjonalną energię człowieka, rzeźba Michała Anioła charakteryzuje się walką woli i uczuć. Rzeźba grecka często unika nadmiernego wysiłku fizycznego, a jeśli już go używa, to zawsze prostolinijnie i jednostronnie. Przeciwnie, Michał Anioł maksymalnie napina mięśnie, zresztą w różnych, czasem przeciwnych kierunkach. Stąd też geniusz renesansu ma ulubiony ruch spiralny, obrotowy, postrzegany jako głęboki konflikt psychologiczny.
Dowiedz się więcej o ewolucji typów ruchu.
Poszukiwanie dynamiki zaczyna się od stóp posągu. Pierwszą oznaką ruchu jest lewa noga wyciągnięta do przodu. Mocno opiera się o podłoże całą podeszwą. Ruch jest ustalony tylko na szkielecie i kończynach. Ale we wszystkich archaicznych okresach tułów pozostaje nieruchomy. Ręce i nogi działają po tej samej stronie ciała, prawej lub lewej.
W epoce klasycznej Polikletos rozwiązuje problem ruchu poprzecznego. Jego istotą jest nowa równowaga ciała. Jego ciężar spoczywa na jednej nodze, druga pozbawiona jest funkcji podporowych. Rzeźbiarz cofa wolną nogę, noga dotyka podłoża tylko czubkami palców. W rezultacie prawa i lewa strona ciała w kolanach i biodrach znajdują się na różnych wysokościach, ale dla zachowania równowagi ciała są w odwrotnej relacji: jeśli prawe kolano jest wyżej niż lewe, to prawe ramię jest niższy niż lewy. Ruchoma równowaga symetrycznych części ciała stała się ulubionym motywem sztuki antycznej (il. 135).
Na Myron w ʼʼDiscoballʼʼ cały ciężar ciała spada na prawą stopę, lewa ledwo dotyka ziemi.
Pod koniec IV w. PNE. Lizyp osiąga maksymalną swobodę ruchów. Ruch ciała jest rozwinięty po przekątnej (ʼʼBorghesian zapaśnikʼʼ), może obracać się wokół własnej osi, a kończyny mogą być kierowane w różnych kierunkach.
Plastyczna ekspresja rzeźby klasycznej.
W epoce hellenizmu przejawiało się dążenie do maksymalnej wyrazistości, energetycznych wypukłości i pogłębień formy. Tak powstały mięśnie atlety Herkulesa (il. 136).
Zwiększa się dynamika tułowia. Zaczyna się wyginać w prawo i w lewo. W Apoksyomena Lysippus (il. 82) związek pomiędzy elementami podpartymi i swobodnymi okazuje się być niemal niezauważalny. Powstało więc nowe zjawisko - absolutnie okrągły posąg, który wymaga ronda. Na koniec zwracamy uwagę na charakterystyczną cechę rzeźby greckiej – przewagę ruchu od środka na zewnątrz, ku zewnętrznemu celowi.
Greccy rzeźbiarze po raz pierwszy indywidualizują posiedzenie statua. Podstawą zmiany jakościowej jest to, że posąg siedzi zupełnie inaczej. Wrażenie indywidualnej postawy polega na stworzeniu wariantu, gdy osoba siedzi na czubku siedziska, a nie całym ciałem i nie całym siedziskiem. Zrelaksowaną i swobodną pozę tworzono, gdy siedzisko znajdowało się poniżej kolan siedzącej osoby. Powstało bogactwo kontrastów - skrzyżowane ręce, noga skrzyżowana na nodze, ciało siedzącej osoby obraca się i wygina.
Odzież i draperie.
Koncepcję twórczą rzeźbiarza determinuje ważny problem – ubiór i draperie. Jego elementy aktywnie uczestniczą w życiu posągu i jego ruchu – charakter ubioru, rytm fałd, sylwetka, rozkład światła i cienia.
Jednym z podstawowych celów draperii w rzeźbie jest cel funkcjonalny ubioru (czyli jego stosunek do ciała ludzkiego). W rzeźbie greckiej to spotkanie znalazło swoje najbardziej uderzające ucieleśnienie. W epoce klasycznej sprzeczność między ubiorem a ciałem przekształciła się w harmonijną interakcję. Ubrania powtarzały, podkreślały, uzupełniały, a czasem zmieniały formy i ruchy ciała rytmem ich fałd (il. 136-a).
Sama natura greckiego ubioru bardzo pomogła w swobodnej interpretacji ubioru. Czworokątny lub okrągły kawałek materii nabierał kształtu tylko z udrapowanego nim ciała. Nie krój, ale sposób noszenia i użytkowania determinował charakter ubioru. A podstawowe zasady ubioru niewiele się zmieniły. Zmieniał się tylko materiał, wysokość paska, sposób drapowania, kształt sprzączki itp.
Styl klasyczny rozwinął podstawową zasadę draperii. Długie, proste, pionowe plisy podkreślają i jednocześnie ukrywają pochyloną nogę, swobodna noga jest modelowana przez ubranie lekkimi fałdami. W połowie V w. PNE. rzeźbiarze rozwiązali również taki problem - prześwitywanie ciała przez ubranie we wszystkich jego załamaniach.
Draperia była bogata i różnorodna, ale emocjonalna interpretacja ubioru była obca rzeźbie. Artyści ucieleśniali bliski kontakt ubrania z ciałem, ale nie było związku między ubraniem a stanem ducha człowieka. Ubiór charakteryzował działalność posągu, ale nie odzwierciedlał jego nastrojów i przeżyć.
We współczesnej europejskiej odzieży punktem podparcia są ramiona i biodra. Odzież grecka Inny w rzeczywistości: ona nie pasuje - przez nią udrapować. Plastyczność draperii była ceniona znacznie wyżej niż koszt tkaniny, a piękno ornamentu, piękno ubioru tkwiło w jego wdzięku.
Jońscy Grecy jako pierwsi wykorzystali draperię jako element rzeźbiarski. W egipskich rzeźbach ubrania są zamrożone. Grecy zaczęli przedstawiać fałdy tkaniny, używając ubrań, aby odsłonić piękno ludzkiego ciała.
W epoce klasycznej sprzeczność między ubiorem a ciałem przekształciła się w harmonijną interakcję. Ubrania, rytmem ich fałd, powtarzały się, podkreślały, dopełniały formy i ruchy ciała.
Podstawową zasadą draperii helleńskiej jest to, że długie, proste, pionowe fałdy podkreślają i jednocześnie ukrywają pochyloną nogę, swobodna noga jest modelowana przez ubranie lekkimi fałdami.
Ogólnie rzecz biorąc, draperia była bogata i różnorodna, ale emocjonalna interpretacja ubioru była obca greckiej rzeźbie. Kontakt odzieży z ciałem nie był związany ze stanem psychicznym osoby. Ubiór charakteryzował działalność posągu, ale nie odzwierciedlał jego nastrojów i przeżyć.
Grupa rzeźbiarska (rzeźbiarska). Jeśli sens kompozycji ujawnia się tylko z jednego punktu widzenia, to posągi są odizolowane od siebie, niezależne, można je od siebie odsuwać, ustawiać na osobnych cokołach, tak by ostatecznie istniały niezależnie od siebie inny, to takiej kompozycji nie można nazwać prawdziwą grupą rzeźbiarską. W Grecji, w epoce stylu klasycznego, grupa rzeźbiarska dochodzi do etapu ucieleśnienia ludzkich relacji między postaciami, wspólnego działania i wspólnego doświadczenia.
Problem światła w rzeźbie.
Światło w rzeźbie (podobnie jak w architekturze) wpływa nie tyle na samą formę, co raczej na wrażenie, jakie oko odbiera z formy. Zależność między światłem a formą plastyczną determinuje obróbkę powierzchni. Po drugie, inscenizując rzeźbę, artysta musi wziąć pod uwagę określone źródło światła. Materiały o szorstkiej i nieprzezroczystej powierzchni (drewno, trochę wapienia) wymagają bezpośredniego światła (nadaje formom wyraźny i określony charakter). Marmur charakteryzuje się przejrzystym światłem. Główny efekt rzeźb Praksytelesa opiera się na kontraście światła bezpośredniego i przezroczystego.
portret rzeźbiarski
Rzeźba okresu archaicznego, który nastąpił po egipskiej zasadzie frontalizmu, była sakralna, dopuszczano posągi współczesnych w przypadkach, gdy były konsekrowane śmiercią lub zwycięstwem w sporcie. Pomnik na cześć zwycięzcy olimpijskiego nie przedstawiał konkretnego mistrza, ale to, jaki był. chciałbym być. Delficki woźnica, np. jest to idealny, a nie konkretny portret zwycięzcy konkursu.
Przedstawiona płaskorzeźba nagrobna Tylko osoba.
Powodem tego jest to, że harmonijny rozwój fizyczny i duchowy był postrzegany przez Greków jako warunek osiągnięcia zarówno harmonii estetycznej, jak i obywatelsko-heroicznej pełnej wartości osoby. Z tego powodu starożytnym wydawało się całkiem naturalne, aby w posągach, na przykład sportowców, ucieleśniać nie indywidualne cechy konkretnej osobowości, ale istotne, typowe, wartościowe i uniwersalne cechy doskonałej osoby (lub każdej osoby) : siła, zręczność, energia, proporcjonalna uroda ciała itp. d. To, co jednostkowo wyjątkowe, postrzegane było jako przypadkowe odstępstwo od normy. Z tego powodu nie tylko grecka, ale cała starożytna sztuka była wolna od prywatności, zwłaszcza w wizerunkach legendarnych bohaterów bogów.
Do tego należy dodać, dlaczego przez długi czas zadania indywidualnej mimiki były obce greckiej rzeźbie. To był kult nagości ciało oraz rozwój swoistego ideału głowy i twarzy (tzw grecki profil) - kontur nosa w linii prostej kontynuuje kontur czoła (il. 137, 138).
Na koniec zwróćmy uwagę na rzecz paradoksalną: w Grecji przywiązywano dużą wagę do jednostki, tego, co szczególne, z drugiej strony za przestępstwo państwowe uważano na przykład wizerunek portretowy. Ponieważ rolą jednostki w klasycznej kulturze starożytnej jest „zbiorowy bohater” – polis.
Istniały dwa główne typy wizerunków mężczyzny epoki archaicznej: surowa, młodzieńcza, naga atletyczna postać z zaciśniętymi pięściami - kouros(il. 139, 140, 141) i skromnie ubrana kobieta, jedną ręką podnoszącą fałdy sukni, drugą składającą dar bogom, - kora(il. 142, 143). W ten sposób można było przedstawić zarówno zwykłych śmiertelników, jak i bogów. W czasach nowożytnych kuros często nazywano „Apollos”; obecnie przyjmuje się, że były to wizerunki sportowców lub nagrobki. Lekko wysunięta do przodu lewa noga kouros wskazuje na wpływy egipskie. kora ( grecki. dziewczyna) to nowoczesne określenie postaci kobiecych epoki archaicznej. Rzeźby te służyły jako wotum przyniesione do sanktuarium. W przeciwieństwie do kouros, postacie korsów były udrapowane.
W pierwszej połowie V w. PNE. wykształcił się pewien typ twarzy: zaokrąglony owal, prosty grzbiet nosa, prosta linia czoła i nosa, gładki łuk brwi wystający ponad oczy w kształcie migdałów, usta raczej opuchnięte, brak uśmiechu. Włosy zostały zinterpretowane jako miękkie faliste pasma, zarysowujące kształt czaszki (ʼʼDelficki woźnicaʼʼ).
Brat Lysippusa, Lysistratus, jako pierwszy wyrzeźbił twarze przypominające portrety, w tym celu wziął nawet gipsowe odlewy żywych twarzy.
W drugiej połowie V w. PNE. Polikleito opracował prawo idealnych proporcjonalnych składników ludzkiego ciała. W rzeźbie wszystkie proporcje ludzkiego ciała zostały obliczone w najdrobniejszych szczegółach. Ręka ma 1/10 wysokości, głowa 1/8, stopa i głowa z szyją 1/6, ramię do łokcia ¼. Czoło, nos i usta z brodą są równej wysokości, od czubka głowy do oczu - tak samo jak od oczu do końca brody. Odległość od korony do pępka i od pępka do palców to
Najsłynniejsze dzieła rzeźby starożytnej Grecji. - pojęcie i rodzaje. Klasyfikacja i cechy kategorii „Najsłynniejsze dzieła rzeźby starożytnej Grecji”. 2017, 2018.
Rzeźba starożytnej Grecji zajmuje szczególne miejsce wśród różnorodnych arcydzieł dziedzictwa kulturowego tego kraju. Gloryfikuje i ucieleśnia za pomocą środków wizualnych piękno ludzkiego ciała, jego ideału. Jednak nie tylko gładkość linii i wdzięk to cechy charakterystyczne, które charakteryzują rzeźbę starożytnej Grecji. Kunszt jego twórców był tak wielki, że nawet w zimnym kamieniu udało im się przekazać wachlarz emocji, nadać postaciom głębokie, szczególne znaczenie, jakby tchnąć w nie życie. Każda starożytna rzeźba grecka jest obdarzona tajemnicą, która wciąż przyciąga. Twórczość wielkich mistrzów nie pozostawia nikogo obojętnym.
Podobnie jak inne kultury, przechodziła różne okresy w swoim rozwoju. Każda z nich naznaczona była przemianami we wszystkich rodzajach sztuk plastycznych, w tym w rzeźbie. Dlatego możliwe jest prześledzenie głównych etapów powstawania tego typu sztuki poprzez krótką charakterystykę rzeźby starożytnej Grecji w różnych okresach rozwoju historycznego tego kraju.
okres archaiczny
Czas od VIII do VI wieku pne. Cechą charakterystyczną rzeźby starożytnej Grecji w tym czasie była pewna prymitywność. Zaobserwowano to, ponieważ obrazy ucieleśnione w pracach nie różniły się różnorodnością, były zbyt uogólnione i nazywano je kors, młodzieńcy - kuros).
Apollo z Tenei
Posąg Apolla z Tenei jest najsłynniejszą ze wszystkich postaci tej epoki, które przetrwały do naszych czasów. W sumie znanych jest już kilkadziesiąt z nich. Wykonany jest z marmuru. Apollo jest przedstawiony jako młody mężczyzna z opuszczonymi rękami i zaciśniętymi pięściami. Jego oczy są szeroko otwarte, a na twarzy odbija się archaiczny uśmiech, typowy dla rzeźb z tego okresu.
postacie kobiece
Wizerunki kobiet i dziewcząt wyróżniały się falującymi włosami, długimi ubraniami, ale najbardziej pociągała ich elegancja i gładkość linii, ucieleśnienie wdzięku, kobiecości.
Archaiczne rzeźby starożytnej Grecji miały pewną dysproporcję, schematyzm. Z drugiej strony każda praca jest atrakcyjna powściągliwą emocjonalnością i prostotą. Dla tej epoki w przedstawianiu postaci ludzkich, jak już zauważyliśmy, charakterystyczny jest półuśmiech, który nadaje im głębi i tajemniczości.
Znajdująca się dziś w Państwowym Muzeum w Berlinie „Bogini z granatem” jest jedną z najlepiej zachowanych postaci wśród innych archaicznych rzeźb. Dzięki „niewłaściwym” proporcjom i zewnętrznej chropowatości obrazu genialnie wykonane przez autora ręce przyciągają uwagę widza. Ekspresyjny gest sprawia, że rzeźba jest szczególnie wyrazista i dynamiczna.
„Kouros z Pireusu”
Znajdujący się w Muzeum Ateńskim „Kouros z Pireusu” jest dziełem późniejszym, a więc doskonalszym, wykonanym przez starożytnego rzeźbiarza. Przed nami pojawia się młody potężny wojownik. a lekkie przechylenie głowy wskazuje na rozmowę, którą prowadzi. Złamane proporcje nie są już tak uderzające. Archaiczne rzeźby starożytnej Grecji, jak już wspomnieliśmy, mają uogólnione rysy twarzy. Figura ta nie jest jednak tak zauważalna jak w dziełach należących do okresu wczesnoarchaicznego.
okres klasyczny
Okres klasyczny to czas od V do IV wieku pne. Dzieła starożytnej greckiej rzeźby w tym czasie uległy pewnym zmianom, o których teraz opowiemy. Wśród rzeźbiarzy tego okresu jedną z najbardziej znanych postaci jest Pitagoras Rhegius.
Cechy rzeźb Pitagorasa
Jego kreacje odznaczają się nowatorskim jak na tamte czasy realizmem i żywiołowością. Niektóre prace tego autora uważane są nawet za zbyt odważne jak na tę epokę (np. pomnik chłopca wyciągającego drzazgę). Bystrość umysłu i niezwykły talent pozwoliły rzeźbiarzowi na badanie znaczenia harmonii za pomocą matematycznych metod obliczeń. Prowadził je w oparciu o założoną przez siebie szkołę filozoficzno-matematyczną. Pitagoras tymi metodami badał harmonię o różnym charakterze: struktury muzyczne, architektoniczne, ludzkie ciało. Istniała szkoła pitagorejska oparta na zasadzie liczby. Że uważano ją za podstawę świata.
Inni rzeźbiarze okresu klasycznego
Okres klasyczny, oprócz imienia Pitagorasa, dał światowej kulturze tak znanych mistrzów, jak Phidias, Poliliklet i Miron. Dzieła rzeźby starożytnej Grecji tych autorów łączy następująca ogólna zasada - odzwierciedlenie harmonii idealnego ciała i zawartej w nim pięknej duszy. Ta zasada jest główną zasadą, która kierowała różnymi mistrzami tamtych czasów podczas tworzenia ich dzieł. Starożytna rzeźba grecka jest ideałem harmonii i piękna.
Myron
Wielki wpływ na sztukę Aten w V wieku pne. mi. wykonał dzieło Myrona (wystarczy przypomnieć sobie słynnego Discobolusa, wykonanego z brązu). Ten mistrz, w przeciwieństwie do Polikleta, o którym będziemy mówić później, lubił przedstawiać postacie w ruchu. Na przykład w powyższym posągu Dyskobola, datowanym na V wiek pne. e. przedstawił przystojnego młodzieńca w momencie, gdy zamachnął się, aby rzucić dyskiem. Jego ciało jest napięte i wygięte, nieruchome, jak sprężyna gotowa do rozwinięcia. Wytrenowane mięśnie napinały się pod elastyczną skórą jego tylnego ramienia. Tworząc niezawodne wsparcie, weszli głęboko w piasek. Taka jest starożytna grecka rzeźba (Discobolus). Posąg został odlany z brązu. Do naszych czasów zachowała się jednak tylko marmurowa kopia wykonana przez Rzymian z oryginału. Poniższy obraz przedstawia posąg Minotaura autorstwa tego rzeźbiarza.
Polikletos
Starożytna grecka rzeźba Polikleitosa ma następującą charakterystyczną cechę - postać mężczyzny stojącego z ręką uniesioną na jednej nodze, równowaga jest nieodłączna. Przykładem jego mistrzowskiego wykonania jest posąg Doryforosa Włócznika. Polikleitos w swoich pracach starał się połączyć idealne dane fizyczne z duchowością i pięknem. To pragnienie zainspirowało go do opublikowania traktatu „Kanon”, który niestety nie zachował się do naszych czasów.
Posągi Polikleta są pełne intensywnego życia. Lubił portretować sportowców w stanie spoczynku. Na przykład „Spearman” to potężny człowiek, który jest pełen poczucia własnej wartości. Stoi nieruchomo przed widzem. Jednak spokój ten nie jest statyczny, charakterystyczny dla posągów starożytnego Egiptu. Niczym człowiek, który łatwo i umiejętnie kontroluje własne ciało, włócznik lekko ugiął nogę, przenosząc ją na inny ciężar kadłuba. Wydaje się, że minie trochę czasu, a on odwróci głowę i zrobi krok do przodu. Pojawia się przed nami piękny, silny mężczyzna, wolny od strachu, powściągliwy, dumny - ucieleśnienie ideałów Greków.
Fidiasz
Fidiasza można słusznie uznać za wielkiego twórcę, twórcę rzeźby, której początki sięgają V wieku pne. mi. To on był w stanie opanować umiejętność odlewania brązu do perfekcji. Fidiasz odlał 13 rzeźbiarskich figurek, które stały się godnymi dekoracjami delfickiej świątyni Apolla. Wśród dzieł tego mistrza znajduje się także posąg Ateny Dziewicy w Partenonie, którego wysokość wynosi 12 metrów. Wykonany jest z kości słoniowej i czystego złota. Ta technika wykonywania posągów została nazwana chryzo-elefantyną.
Rzeźby tego mistrza szczególnie odzwierciedlają fakt, że w Grecji bogowie są obrazami idealnej osoby. Z dzieł Fidiasza najlepiej zachowana jest 160-metrowa marmurowa wstęga płaskorzeźby fryzowej, która przedstawia procesję bogini Ateny zmierzającą do świątyni Partenonu.
Posąg Ateny
Rzeźba tej świątyni została poważnie uszkodzona. Nawet w starożytności zmarła ta postać stała wewnątrz świątyni. Stworzony przez Fidiasza. Starożytna grecka rzeźba Ateny miała następujące cechy: jej głowa z zaokrąglonym podbródkiem i gładkim, niskim czołem, ramiona i szyja wykonane z kości słoniowej, hełm, tarcza, ubranie i włosy z prześcieradeł złoto.
Z tą postacią wiąże się wiele historii. To arcydzieło było tak sławne i wspaniałe, że Fidiasz od razu miał wielu zazdrosnych ludzi, którzy wszelkimi możliwymi sposobami starali się zirytować rzeźbiarza, dla którego szukali powodów, by go o coś oskarżyć. Mistrzowi temu zarzucono na przykład rzekome ukrywanie części złota przeznaczonego na rzeźbę Ateny. Fidiasz, jako dowód swojej niewinności, zdjął z posągu wszystkie złote przedmioty i zważył je. Waga ta pokrywała się dokładnie z ilością dostarczonego mu złota. Następnie rzeźbiarz został oskarżony o bezbożność. Powodem tego była tarcza Ateny. Przedstawiała scenę bitwy z Amazonkami Greków. Fidiasz wśród Greków przedstawiał siebie, a także Peryklesa. Społeczeństwo greckie, pomimo wszystkich zasług tego mistrza, sprzeciwiało się mu. Życie tego rzeźbiarza zakończyło się okrutną egzekucją.
Osiągnięć Fidiasza nie wyczerpały rzeźby wykonane w Partenonie. Stworzył więc z brązu figurę Ateny Promachos, którą wzniesiono około 460 roku p.n.e. mi. na Akropolu.
Posąg Zeusa
Prawdziwa sława przyszła do Fidiasza po stworzeniu przez tego mistrza posągu Zeusa dla świątyni znajdującej się w Olimpii. Wysokość figury wynosiła 13 metrów. Wiele oryginałów niestety nie zachowało się, do dziś zachowały się jedynie ich opisy i kopie. Pod wieloma względami ułatwiało to fanatyczne niszczenie przez chrześcijan. Posąg Zeusa też nie przetrwał. Można to opisać następująco: 13-metrowa postać siedziała na złotym tronie. Głowę boga zdobił wieniec z gałązek oliwnych, który był symbolem jego spokoju. Klatka piersiowa, ramiona, ramiona, twarz zostały wykonane z kości słoniowej. Płaszcz Zeusa jest przerzucony przez lewe ramię. Broda i korona są z błyszczącego złota. Taka jest ta starożytna grecka rzeźba, krótko opisana. Wydaje się, że Bóg, jeśli wstanie i wyprostuje ramiona, nie zmieści się w tej ogromnej sali - sufit będzie dla niego niski.
Okres hellenistyczny
Etapy rozwoju rzeźby antycznej Grecji dopełnia faza hellenistyczna. Okres ten to czas w historii starożytnej Grecji od IV do I wieku pne. Rzeźba w tym czasie była nadal głównym celem dekoracji różnych obiektów architektonicznych. Odzwierciedlała jednak również zmiany, jakie zaszły w administracji państwowej.
W rzeźbie, która wówczas była jednym z głównych rodzajów sztuki, powstało ponadto wiele nurtów i szkół. Istniały na Rodos, w Pergamonie, Aleksandrii. Najlepsze prace prezentowane przez te szkoły odzwierciedlają problemy, które zaprzątały umysły ówczesnych ludzi. Obrazy te, w przeciwieństwie do klasycznej spokojnej celowości, niosą ze sobą namiętny patos, emocjonalne napięcie i dynamikę.
Silny wpływ Wschodu na całą sztukę jako całość charakteryzuje późny starożytność grecka. Pojawiają się nowe cechy rzeźby starożytnej Grecji: liczne detale, wyszukane draperie, skomplikowane kąty. Temperament i emocjonalność Wschodu przenikają się z wielkością i spokojem klasyków.
Znajdujące się w Muzeum Rzymskim Łaźnie „Afrodyta z Cyreny” są pełne zmysłowości, trochę kokieterii.
„Laokoon i jego synowie”
Najbardziej znaną kompozycją rzeźbiarską z tej epoki jest Laokoon i jego synowie, wykonana przez Agesandera z Rodos. To arcydzieło jest obecnie przechowywane w Muzeum Watykańskim. Kompozycja jest pełna dramatyzmu, a fabuła sugeruje emocjonalność. Bohater i jego synowie, desperacko przeciwstawiając się wężom wysłanym przez Atenę, zdają się rozumieć swój straszny los. Rzeźba ta wykonana jest z niezwykłą precyzją. Realistyczne i plastikowe figurki. Mocne wrażenie robią twarze bohaterów.
Trzech wielkich rzeźbiarzy
W dziełach rzeźbiarzy datowanych na IV wiek pne. e. ideał humanistyczny zostaje zachowany, ale znika jedność kolektywu obywatelskiego. Starożytne greckie rzeźby i ich twórcy tracą poczucie pełni życia i integralności światopoglądu. Wielcy mistrzowie, którzy żyli w IV wieku pne. e., tworzyć sztukę, która ujawnia nowe aspekty świata duchowego. Najdobitniej te poszukiwania wyraziło trzech autorów – Lizyp, Praksyteles i Skopas.
Skopas
Skopas stał się najwybitniejszą postacią wśród pozostałych rzeźbiarzy działających w tym czasie. Głębokie wątpliwości, walka, niepokój, impuls i pasja tchną w jego sztukę. Ten rodem z wyspy Paros pracował w wielu miastach Hellady. Umiejętności tego autora zostały ucieleśnione w posągu zwanym „Nike z Samotraki”. Nazwę tę otrzymano na pamiątkę zwycięstwa w 306 rpne. mi. Flota Rodos. Ta figura jest zamontowana na cokole, przypominającym projekt dziobu statku.
„Dancing Maenad” Scopasa ukazana jest w dynamicznej, złożonej perspektywie.
Praksyteles
Ten autor miał inny początek twórczy, ten autor wyśpiewywał zmysłowe piękno ciała i radość życia. Praksyteles cieszył się wielką sławą, był bogaty. Ten rzeźbiarz jest najbardziej znany z posągu Afrodyty, który wykonał dla wyspy Knidus. Była pierwszym przedstawieniem nagiej bogini w sztuce greckiej. Wzorem dla posągu Afrodyty była piękna Fryne, słynna hetera, ukochana Praksytelesa. Ta dziewczyna została oskarżona o bluźnierstwo, a następnie uniewinniona przez podziwiających ją sędziów. Praxiteles jest śpiewaczką kobiecego piękna, która została uhonorowana przez Greków. Niestety, Afrodyta z Knidos znana jest nam tylko z kopii.
Leohar
Leohar – mistrz ateński, największy ze współczesnych Praksytelesowi. Rzeźbiarz ten, pracując w różnych politykach helleńskich, tworzył sceny mitologiczne i wizerunki bogów. Wykonał kilka rzeźb portretowych w technice chryzo-słonia, przedstawiających członków rodziny królewskiej. Następnie został nadwornym mistrzem Aleksandra Wielkiego, jego syna. W tym czasie Leochar stworzył posąg Apolla, bardzo popularny w starożytności. Zachowała się w marmurowej kopii wykonanej przez Rzymian i pod nazwą Apollo Belvedere zyskała światową sławę. Leohar demonstruje wirtuozowską technikę we wszystkich swoich dziełach.
Po panowaniu Aleksandra Wielkiego epoka hellenistyczna stała się okresem szybkiego rozkwitu sztuki portretowej. Na placach miast stawiano pomniki różnych mówców, poetów, filozofów, generałów, mężów stanu. Mistrzowie chcieli osiągnąć zewnętrzne podobieństwo, a jednocześnie podkreślić cechy wyglądu, które zamieniają portret w typowy obraz.
Inni rzeźbiarze i ich dzieła
Klasyczne rzeźby stały się przykładami różnorodnych dzieł mistrzów, którzy pracowali w epoce hellenistycznej. Gigantomania jest wyraźnie widoczna w dziełach tamtych czasów, czyli chęć ucieleśnienia pożądanego obrazu w ogromnym posągu. Szczególnie często objawia się to, gdy powstają starożytne greckie rzeźby bogów. Posąg boga Heliosa jest tego najlepszym przykładem. Wykonany jest z pozłacanego brązu i góruje nad wejściem do portu na Rodos. Wysokość rzeźby wynosi 32 metry. Chares, uczeń Lizypa, pracował nad nim niestrudzenie przez 12 lat. To dzieło sztuki zajęło należne mu miejsce na liście cudów świata.
Wiele posągów, po zdobyciu starożytnej Grecji przez rzymskich zdobywców, zostało wywiezionych z tego kraju. Taki los spotkał nie tylko rzeźby, ale także arcydzieła malarstwa, zbiory bibliotek cesarskich i inne dobra kultury. Schwytano wiele osób, które pracowały w dziedzinie oświaty i nauki. W kulturę starożytnego Rzymu wplecione były więc, mające znaczący wpływ na jej rozwój, różne elementy greckie.
Wniosek
Oczywiście różne okresy rozwoju, jakie przeżywała starożytna Grecja, miały swoje własne przystosowania do procesu formowania się rzeźby, ale jedno łączyło mistrzów należących do różnych epok - chęć pojmowania przestrzenności w sztuce, zamiłowanie do ekspresji przy użyciu różnych metod plastyczności ludzkiego ciała. Starożytna grecka rzeźba, której zdjęcie jest przedstawione powyżej, niestety tylko częściowo przetrwała do dziś. Często marmur służył jako materiał na figury, pomimo swojej kruchości. Tylko w ten sposób można było oddać piękno i elegancję ludzkiego ciała. Brąz, choć był bardziej niezawodnym i szlachetnym materiałem, był używany znacznie rzadziej.
Rzeźba i malarstwo starożytnej Grecji są oryginalne i interesujące. Różne przykłady sztuki dają wyobrażenie o życiu duchowym tego kraju.
Starożytna Grecja była jednym z największych państw na świecie. W czasie jego istnienia i na jego terenie położono podwaliny pod sztukę europejską. Zachowane zabytki kultury z tego okresu świadczą o najwyższych osiągnięciach Greków w dziedzinie architektury, myśli filozoficznej, poezji i oczywiście rzeźby. Oryginałów zostało niewiele: czas nie oszczędza nawet najbardziej unikalnych kreacji. O kunszcie, z którego słynęli starożytni rzeźbiarze, wiemy wiele dzięki źródłom pisanym i późniejszym rzymskim kopiom. Jednak ta informacja wystarczy, aby uświadomić sobie znaczenie wkładu mieszkańców Peloponezu w kulturę światową.
Okresy
Rzeźbiarze starożytnej Grecji nie zawsze byli wielkimi twórcami. Rozkwit ich rzemiosła poprzedził okres archaiczny (VII-VI wiek p.n.e.). Rzeźby z tamtych czasów, które do nas dotarły, są symetryczne i statyczne. Nie mają tej witalności i ukrytego wewnętrznego ruchu, który sprawia, że posągi wyglądają jak zamrożeni ludzie. Całe piękno tych wczesnych prac wyraża się poprzez twarz. Nie jest już tak statyczna jak ciało: uśmiech emanuje uczuciem radości i spokoju, nadając całej rzeźbie szczególny dźwięk.
Po zakończeniu archaiczności następuje najbardziej owocny czas, w którym starożytni rzeźbiarze starożytnej Grecji stworzyli swoje najsłynniejsze dzieła. Dzieli się na kilka okresów:
- wczesnoklasyczny - początek V wieku. pne mi.;
- wysoki klasycyzm - V w. pne mi.;
- późny klasyk - IV w. pne mi.;
- Hellenizm - koniec IV wieku. pne mi. - I wiek. N. mi.
czas przejścia
Wczesna klasyka to okres, w którym rzeźbiarze starożytnej Grecji zaczynają odchodzić od statycznej pozycji w ciele, szukając nowych sposobów wyrażania swoich idei. Proporcje zostają wypełnione naturalnym pięknem, pozy stają się bardziej dynamiczne, a twarze wyraziste.
W tym okresie pracował rzeźbiarz starożytnej Grecji Myron. W źródłach pisanych scharakteryzowany jest jako mistrz przenoszenia anatomicznie poprawnej budowy ciała, potrafiący z dużą dokładnością uchwycić rzeczywistość. Współcześni Mirona wskazywali także na jego wady: ich zdaniem rzeźbiarz nie wiedział, jak nadać piękno i żywotność twarzom swoich dzieł.
Posągi mistrza ucieleśniają bohaterów, bogów i zwierzęta. Jednak rzeźbiarz starożytnej Grecji Myron najbardziej upodobał sobie wizerunek sportowców podczas ich osiągnięć na zawodach. Słynny Disco Thrower jest jego dziełem. Rzeźba nie zachowała się do dziś w oryginale, ale zachowało się kilka jej kopii. „Discobolus” przedstawia atletę przygotowującego się do wystrzelenia pocisku. Ciało atlety jest znakomicie wykonane: napięte mięśnie świadczą o ciężarze krążka, poskręcane ciało przypomina sprężynę gotową do rozłożenia. Wydaje się, że minęła jeszcze sekunda, a atleta rzuci pocisk.
Posągi „Atena” i „Marsjasz” również uważane są za znakomicie wykonane przez Myrona, które również dotarły do nas dopiero w postaci późniejszych kopii.
szczyt
Wybitni rzeźbiarze starożytnej Grecji pracowali przez cały okres wysokiej klasyki. W tym czasie mistrzowie tworzenia płaskorzeźb i posągów rozumieją zarówno sposoby oddania ruchu, jak i podstawy harmonii i proporcji. Wysoka klasyka to okres kształtowania się tych podstaw rzeźby greckiej, które później stały się wzorcem dla wielu pokoleń mistrzów, w tym twórców renesansu.
W tym czasie pracował rzeźbiarz starożytnej Grecji Policlet i genialny Fidiasz. Obaj zostali zmuszeni do podziwiania siebie za życia i nie zostali zapomniani przez wieki.
Spokój i harmonia
Polikleitos działał w drugiej połowie V wieku. pne mi. Znany jest jako mistrz rzeźb przedstawiających odpoczywających sportowców. W przeciwieństwie do Discobolusa Mirona, jego atleci nie są spięci, lecz zrelaksowani, ale jednocześnie widz nie ma wątpliwości co do ich siły i możliwości.
Polikleitos jako pierwszy zastosował specjalną pozycję ciała: jego bohaterowie często opierali się na cokole tylko jedną stopą. Taka postawa wywoływała uczucie naturalnego odprężenia, charakterystyczne dla osoby odpoczywającej.
Kanon
Najsłynniejsza rzeźba Polikleitosa jest uważana za „Dorifor” lub „Włócznik”. Dzieło to nazywane jest także kanonem mistrza, gdyż zawiera w sobie niektóre postanowienia pitagoreizmu i jest przykładem szczególnego sposobu upozowania figury – contraposty. Kompozycja oparta jest na zasadzie krzyżowego nierównomiernego ruchu ciała: lewa strona (ramię trzymające włócznię i cofnięta noga) jest rozluźniona, ale jednocześnie w ruchu, w przeciwieństwie do napiętej i statycznej prawej strony (noga podpierająca i ramię wyciągnięte wzdłuż ciała).
Polikleitos zastosował później podobną technikę w wielu swoich pracach. Jej główne zasady zawarte są w nie dochowanym do naszych czasów traktacie o estetyce, napisanym przez rzeźbiarza i nazwanym przez niego „Kanonem”. Dość duże miejsce w nim Polikleito przypisał zasadzie, którą z powodzeniem stosował również w swoich pracach, gdy zasada ta nie była sprzeczna z naturalnymi parametrami ciała.
Uznany geniusz
Wszyscy starożytni rzeźbiarze starożytnej Grecji z okresu Wysokiego Klasyku pozostawili po sobie godne podziwu dzieła. Jednak najwybitniejszym z nich był Fidiasz, słusznie uważany za twórcę sztuki europejskiej. Niestety, większość dzieł mistrza przetrwała do dziś jedynie jako kopie lub opisy na kartach traktatów starożytnych autorów.
Fidiasz pracował przy dekoracji ateńskiego Partenonu. Dziś wyobrażenie o kunszcie rzeźbiarza można podsumować zachowaną marmurową płaskorzeźbą o długości 1,6 m. Przedstawia ona licznych pielgrzymów udających się do reszty dekoracji Partenonu, która zginęła. Ten sam los spotkał posąg Ateny, zainstalowany tutaj i stworzony przez Fidiasza. Wykonana z kości słoniowej i złota bogini symbolizowała samo miasto, jego potęgę i wielkość.
cud świata
Inni wybitni rzeźbiarze starożytnej Grecji być może nie byli gorsi od Fidiasza, ale żaden z nich nie mógł się pochwalić stworzeniem cudu świata. Olympic został wykonany przez rzemieślnika dla miasta, w którym odbywały się słynne igrzyska. Wysokość Grzmotu siedzącego na złotym tronie była niesamowita (14 metrów). Pomimo takiej mocy bóg nie wyglądał groźnie: Fidiasz stworzył spokojnego, majestatycznego i uroczystego Zeusa, nieco surowego, ale jednocześnie życzliwego. Posąg przed śmiercią przez dziewięć wieków przyciągał wielu pielgrzymów, którzy szukali ukojenia.
późny klasyk
Z końcem V w. pne mi. rzeźbiarzy starożytnej Grecji nie zabrakło. Imiona Skopasa, Praksytelesa i Lizypa znane są każdemu, kto interesuje się sztuką antyczną. Działali w kolejnym okresie, zwanym późną klasyką. Dzieła tych mistrzów rozwijają i uzupełniają dorobek poprzedniej epoki. Każdy na swój sposób przekształca rzeźbę, wzbogacając ją o nowe tematy, sposoby pracy z materiałem i możliwości przekazania emocji.
Wrzące namiętności
Scopasa można nazwać innowatorem z kilku powodów. Wielcy rzeźbiarze starożytnej Grecji, którzy go poprzedzali, woleli używać brązu jako materiału. Scopas tworzył swoje dzieła głównie z marmuru. Zamiast tradycyjnego spokoju i harmonii, które wypełniały jego dzieła starożytnej Grecji, mistrz wybrał ekspresję. Jego kreacje są pełne pasji i doświadczeń, bardziej przypominają prawdziwych ludzi niż niewzruszonych bogów.
Najbardziej znanym dziełem Skopasa jest fryz mauzoleum w Halikarnasie. Przedstawia Amazonomachię - zmagania bohaterów mitów greckich z wojowniczymi Amazonkami. Główne cechy stylu charakterystycznego dla mistrza są wyraźnie widoczne z zachowanych fragmentów tego dzieła.
gładkość
Inny rzeźbiarz tego okresu, Praksyteles, uważany jest za najlepszego greckiego mistrza w przekazywaniu wdzięku ciała i wewnętrznej duchowości. Jedno z jego wybitnych dzieł – Afrodyta z Knidos – zostało uznane przez współczesnych mistrzowi za najlepsze dzieło, jakie kiedykolwiek powstało. bogini stała się pierwszym monumentalnym przedstawieniem nagiego kobiecego ciała. Oryginał nie dotarł do nas.
Cechy stylu charakterystycznego dla Praksytelesa są w pełni widoczne w posągu Hermesa. Dzięki specjalnej inscenizacji nagiego ciała, gładkich linii i miękkich półtonów marmuru mistrzowi udało się stworzyć nieco oniryczny nastrój, który dosłownie otula rzeźbę.
Dbałość o szczegóły
Pod koniec późnej epoki klasycznej pracował inny słynny grecki rzeźbiarz, Lysippos. Jego kreacje wyróżniały się szczególnym naturalizmem, starannym studium szczegółów i pewnym wydłużeniem proporcji. Lizyp dążył do stworzenia posągów pełnych wdzięku i elegancji. Swoje umiejętności doskonalił studiując kanon Polikleta. Współcześni zauważali, że dzieło Lizypa, w przeciwieństwie do „Dorifora”, sprawiało wrażenie bardziej zwartego i wyważonego. Według legendy mistrz był ulubionym twórcą Aleksandra Wielkiego.
Wpływ Wschodu
Nowy etap w rozwoju rzeźby rozpoczyna się pod koniec IV wieku. pne mi. Granica między tymi dwoma okresami to czas podbojów Aleksandra Wielkiego. Tak naprawdę zapoczątkowali erę hellenizmu, który był połączeniem sztuki starożytnej Grecji i krajów wschodnich.
Rzeźby z tego okresu wzorowane są na dokonaniach mistrzów poprzednich wieków. Sztuka hellenistyczna dała światu takie dzieła jak Wenus z Milo. W tym samym czasie pojawiły się słynne płaskorzeźby ołtarza pergamońskiego. W niektórych utworach późnego hellenizmu zauważalne jest odwoływanie się do codziennych wątków i detali. Kultura starożytnej Grecji tego czasu miała silny wpływ na kształtowanie się sztuki Cesarstwa Rzymskiego.
Wreszcie
Znaczenie starożytności jako źródła ideałów duchowych i estetycznych jest nie do przecenienia. Starożytni rzeźbiarze w starożytnej Grecji położyli nie tylko podwaliny pod własne rzemiosło, ale także standardy rozumienia piękna ludzkiego ciała. Udało im się rozwiązać problem przedstawiania ruchu poprzez zmianę postawy i przesunięcie środka ciężkości. Starożytni rzeźbiarze starożytnej Grecji nauczyli się przekazywać emocje i doświadczenia za pomocą przetworzonego kamienia, tworzyć nie tylko posągi, ale praktycznie żywe postacie, gotowe w każdej chwili poruszyć się, oddychać, uśmiechać. Wszystkie te osiągnięcia będą stanowić podstawę rozkwitu kultury w okresie renesansu.
planowanie podróż do Grecji, wiele osób interesuje się nie tylko wygodnymi hotelami, ale także fascynującą historią tego starożytnego kraju, którego integralną częścią są dzieła sztuki.
Duża liczba traktatów znanych historyków sztuki poświęcona jest właśnie rzeźbie starożytnej Grecji, jako podstawowej gałęzi kultury światowej. Niestety wiele zabytków z tego okresu nie zachowało się w pierwotnej formie i znane są z późniejszych kopii. Studiując je, można prześledzić historię rozwoju sztuki greckiej od okresu homeryckiego do epoki hellenistycznej i wyróżnić najbardziej uderzające i słynne dzieła każdego okresu.
Afrodyta de Milo
Słynna na całym świecie Afrodyta z wyspy Milos należy do hellenistycznego okresu sztuki greckiej. W tym czasie, dzięki siłom Aleksandra Wielkiego, kultura Hellady zaczęła rozprzestrzeniać się daleko poza Półwysep Bałkański, co znalazło zauważalne odzwierciedlenie w sztukach wizualnych - rzeźby, obrazy i freski stały się bardziej realistyczne, a na nich twarze bogów mieć cechy ludzkie - zrelaksowaną postawę, abstrakcyjny wygląd, delikatny uśmiech.
Posąg Afrodyty, lub jak nazywali to Rzymianie, Wenus, wykonana jest ze śnieżnobiałego marmuru. Jego wzrost jest nieco większy niż wzrost człowieka i wynosi 2,03 metra. Posąg przypadkowo odkrył zwykły francuski żeglarz, który w 1820 roku wraz z miejscowym chłopem wykopał Afrodytę w pobliżu pozostałości antycznego amfiteatru na wyspie Milos. Podczas transportu i sporów celnych posąg utracił ramiona i cokół, zachowała się jednak wzmianka o autorze wskazanego na nim arcydzieła: Agesander, syn mieszkańca Antiochii Menida.
Dziś, po gruntownej renowacji, Afrodyta wystawiana jest w Luwrze w Paryżu, co roku przyciąga swoim naturalnym pięknem miliony turystów.
Nike z Samotraki
Czas powstania posągu bogini zwycięstwa Nike sięga II wieku pne. Badania wykazały, że Nika została zainstalowana nad brzegiem morza na urwistym klifie - jej marmurowe ubrania powiewają jak od wiatru, a nachylenie ciała oznacza ciągły ruch do przodu. Najcieńsze fałdy szaty okrywają silne ciało bogini, a potężne skrzydła rozpościerają się w radości i triumfie zwycięstwa.
Głowa i ręce posągu nie zachowały się, choć pojedyncze fragmenty odkryto podczas wykopalisk w 1950 roku. W szczególności Karl Lehmann z grupą archeologów znalazł prawą rękę bogini. Nike z Samotraki jest obecnie jednym z najwybitniejszych eksponatów Luwru. Jej ręka nigdy nie została dodana do wystawy ogólnej, jedynie prawe skrzydło, które zostało wykonane z gipsu, zostało poddane renowacji.
Laokoon i jego synowie
Kompozycja rzeźbiarska przedstawiająca śmiertelną walkę Laokoona, kapłana boga Apolla, i jego synów z dwoma wężami wysłanymi przez Apolla w odwecie za to, że Laokoon nie usłuchał jego woli i próbował zapobiec wkroczeniu konia trojańskiego do miasto.
Posąg wykonano z brązu, jednak jego oryginał nie zachował się do dziś. W XV wieku na terenie „złotego domu” Nerona znaleziono marmurową kopię rzeźby, którą na polecenie papieża Juliusza II umieszczono w oddzielnej niszy watykańskiego Belwederu. W 1798 roku posąg Laokoona został przeniesiony do Paryża, jednak po upadku rządów Napoleona Brytyjczycy przywrócili go na pierwotne miejsce, gdzie znajduje się do dziś.
Kompozycja przedstawiająca desperackie zmagania Laokoona z karą boską na śmierć i życie zainspirowała wielu rzeźbiarzy późnego średniowiecza i renesansu oraz zapoczątkowała modę na przedstawianie w sztuce skomplikowanych, wirowych ruchów ludzkiego ciała.
Zeus z Przylądka Artemizjon
Posąg, znaleziony przez nurków w pobliżu przylądka Artemision, wykonany jest z brązu i jest jednym z nielicznych tego typu dzieł sztuki, które przetrwały do dziś w pierwotnej formie. Badacze nie są zgodni co do tego, czy rzeźba należy konkretnie do Zeusa, uważając, że może przedstawiać również boga mórz, Posejdona.
Posąg ma wysokość 2,09 m i przedstawia najwyższego greckiego boga, który uniósł prawą rękę, aby rzucić piorun w słusznym gniewie. Sama błyskawica nie została zachowana, ale liczne mniejsze figurki pokazują, że wyglądała jak płaski, mocno wydłużony dysk z brązu.
Od prawie dwóch tysięcy lat przebywania pod wodą posąg prawie nie ucierpiał. Zniknęły tylko oczy, które rzekomo były wykonane z kości słoniowej i wysadzane drogocennymi kamieniami. To dzieło sztuki można zobaczyć w Narodowym Muzeum Archeologicznym, które znajduje się w Atenach.
Posąg Diadumenu
Marmurowa kopia wykonanej z brązu rzeźby młodzieńca, który sam koronuje się diademem – symbolem sportowego zwycięstwa, zdobiła prawdopodobnie arenę zawodów w Olimpii czy Delfach. Diademem w tym czasie był czerwony wełniany bandaż, który wraz z wieńcami laurowymi był przyznawany zwycięzcom igrzysk olimpijskich. Autor pracy, Poliklet, wykonał ją w swoim ulubionym stylu - młody człowiek jest w swobodnym ruchu, na jego twarzy maluje się całkowity spokój i skupienie. Zawodnik zachowuje się jak zasłużony zwycięzca – nie wykazuje zmęczenia, choć jego organizm potrzebuje odpoczynku po walce. W rzeźbie autorowi udało się bardzo naturalnie oddać nie tylko drobne elementy, ale także ogólną pozycję ciała, prawidłowo rozkładając masę postaci. Pełna proporcjonalność bryły to szczyt rozwoju tego okresu – klasycyzmu V wieku.
Chociaż oryginał z brązu nie zachował się do naszych czasów, jego kopie można zobaczyć w wielu muzeach na całym świecie - Narodowym Muzeum Archeologicznym w Atenach, Luwrze, Metropolitan, British Museum.
Afrodyta Braschi
Marmurowy posąg Afrodyty przedstawia boginię miłości, która była naga przed zażyciem legendarnej, często opisywanej w mitach kąpieli, przywracającej dziewictwo. Afrodyta w lewej ręce trzyma zdjęte ubranie, które delikatnie opada na pobliski dzban. Z inżynieryjnego punktu widzenia ta decyzja sprawiła, że kruchy posąg był bardziej stabilny i dał rzeźbiarzowi możliwość nadania mu bardziej zrelaksowanej pozy. Wyjątkowość Afrodyty Brasca polega na tym, że jest to pierwszy znany posąg bogini, którego autorka zdecydowała się przedstawić ją nago, co kiedyś uważano za niesłychaną zuchwałość.
Istnieją legendy, według których rzeźbiarz Praksyteles stworzył Afrodytę na obraz swojej ukochanej, hetery Fryny. Gdy dowiedział się o tym jej były wielbiciel, mówca Euthias, wywołał skandal, w wyniku którego Praksyteles został oskarżony o niewybaczalne bluźnierstwo. Na rozprawie obrońca, widząc, że jego argumenty nie przekonały sędziego, ściągnął z Phryne ubranie, aby pokazać obecnym, że tak doskonałe ciało modelki po prostu nie może pomieścić mrocznej duszy. Sędziowie, będąc zwolennikami koncepcji kalokagatiya, zostali zmuszeni do całkowitego uniewinnienia oskarżonych.
Oryginalny posąg został przewieziony do Konstantynopola, gdzie zginął w pożarze. Do naszych czasów zachowało się wiele kopii Afrodyty, ale wszystkie mają swoje własne różnice, ponieważ zostały odrestaurowane zgodnie z ustnymi i pisemnymi opisami oraz obrazami na monetach.
młodzieżowy maraton
Posąg młodzieńca wykonany jest z brązu i przypuszczalnie przedstawia greckiego boga Hermesa, chociaż nie ma żadnych wymagań wstępnych ani jego atrybutów w rękach lub ubraniu młodzieńca. Rzeźba została podniesiona z dna Zatoki Maraton w 1925 roku i od tego czasu uzupełnia ekspozycję Narodowego Muzeum Archeologicznego w Atenach. Ze względu na to, że posąg znajdował się pod wodą przez długi czas, wszystkie jego cechy są bardzo dobrze zachowane.
Styl wykonania posągu zdradza styl słynnego rzeźbiarza Praksytelesa. Młody mężczyzna stoi w rozluźnionej pozie, jego ręka spoczywa na ścianie, przy której została zainstalowana figura.
rzucający dyskiem
Posąg starożytnego greckiego rzeźbiarza Myrona nie zachował się w oryginalnej formie, ale jest powszechnie znany na całym świecie dzięki kopiom z brązu i marmuru. Rzeźba jest wyjątkowa, ponieważ po raz pierwszy przedstawia osobę w złożonym, dynamicznym ruchu. Tak odważna decyzja autora była żywym przykładem dla jego naśladowców, którzy z nie mniejszym powodzeniem tworzyli obiekty sztuki w stylu „Figura serpentinata” – specjalnej techniki przedstawiającej osobę lub zwierzę w często nienaturalnej, napiętej, ale bardzo wyrazista, z punktu widzenia obserwatora, poza.
Delficki woźnica
Brązowa rzeźba woźnicy została odkryta podczas wykopalisk w 1896 roku w Sanktuarium Apolla w Delfach i jest klasycznym przykładem sztuki starożytnej. Postać przedstawia starożytnego greckiego młodzieńca prowadzącego wóz w czasie Igrzyska Pytyjskie.
Wyjątkowość rzeźby polega na tym, że zachowała się inkrustacja oczu kamieniami szlachetnymi. Rzęsy i usta młodzieńca są ozdobione miedzią, a opaska wykonana jest ze srebra i przypuszczalnie również miała intarsję.
Czas powstania rzeźby teoretycznie mieści się na styku archaiczności i wczesnej klasyki - jej poza charakteryzuje się sztywnością i brakiem jakiegokolwiek śladu ruchu, ale głowa i twarz wykonane są z dość dużym realizmem. Jak w późniejszych rzeźbach.
Atena Partenos
Majestatyczny posąg bogini Ateny nie zachował się do naszych czasów, ale zachowało się wiele jego kopii, odrestaurowanych według starożytnych opisów. Rzeźba została w całości wykonana z kości słoniowej i złota, bez użycia kamienia czy brązu i stanęła w głównej świątyni Aten - Partenonie. Charakterystyczną cechą bogini jest wysoki hełm, ozdobiony trzema herbami.
Historia powstania posągu nie była pozbawiona momentów fatalnych: na tarczy bogini rzeźbiarz Fidiasz, oprócz obrazu bitwy z Amazonkami, umieścił swój portret w postaci słabego starca, który podnosi ciężki kamień obiema rękami. Ówczesna opinia publiczna niejednoznacznie oceniła czyn Fidiasza, który kosztował go życie – rzeźbiarz trafił do więzienia, gdzie popełnił samobójstwo za pomocą trucizny.
Kultura grecka stała się założycielem rozwoju sztuk pięknych na całym świecie. Nawet dzisiaj, patrząc na niektóre współczesne obrazy i posągi, można dostrzec wpływ tej starożytnej kultury.
Starożytna Hellada stał się kolebką, w której aktywnie wychowywano kult ludzkiego piękna w jego przejawach fizycznych, moralnych i intelektualnych. Mieszkańcy Grecji tamtych czasów nie tylko czcili wielu olimpijskich bogów, ale także starali się ich jak najbardziej upodobnić. Wszystko to jest widoczne w posągach z brązu i marmuru - nie tylko przekazują obraz osoby lub bóstwa, ale także zbliżają je do siebie.
Chociaż wiele posągów nie przetrwało do dziś, ich dokładne kopie można zobaczyć w wielu muzeach na całym świecie.
Stolica Athos Karea
Karea (słowiańska nazwa Karen) jest stolicą państwa monastycznego Athos. Została założona w IX wieku i jest osadą składającą się z domów klasztornych, położoną w centrum Półwyspu Athos. Historycznie jest wymieniany pod różnymi nazwami, takimi jak „Kareyskaya Lavra”, „Kareysky Skete”, „Królewski Klasztor Najświętszej Matki Bożej Karejskiej” itp.
Saloniki w Grecji. Historia, zabytki (część piąta)
W Górnym Mieście Saloniki, na stromych zboczach górskich o wysokości 130 m, wznosi się klasztor Vlatadon. Położona jest w bardzo malowniczym miejscu - z jej wewnętrznego dziedzińca rozpościera się piękny widok na miasto i bezkresne morze, nad którym przy dobrej pogodzie widoczne są zarysy majestatycznego Olimpu. Na dziedzińcu klasztoru od dawna mieszkają pawie, które w pewien sposób stały się znakiem rozpoznawczym Vlatadonu.
wojna trojańska
Troja, miasto, w którego istnienie wątpiono przez wiele wieków, uważając je za wytwór wyobraźni twórców mitów, znajdowało się nad brzegiem Helespontu, zwanego obecnie Dardanelami. Wspaniała legenda, której poświęcono wiele domysłów, domysłów, sporów, badań naukowych, wykopalisk archeologicznych, znajdowała się kilka kilometrów od wybrzeża, a na jej miejscu znajduje się obecnie nijakie tureckie miasteczko Hisarlik.
dieta śródziemnomorska
Wakacje w Grecji