Portrety Michała Anioła Caravaggia. Caravaggio: wielki artysta i skandaliczny buntownik. Bez względu na wszystko zmierzaj do celu

28.06.2020

„Caravaggio wywrócił do góry nogami wszelkie wyobrażenia o tym, co czyni malarstwo pięknym i jak powinien się zachowywać artysta”.

J.P. Belloriego.

Artysta, który wynalazł kierunek w malarstwie europejskim reprezentowany przez jego zwolenników Caravaggia, który istniał w latach 1610-40 XX wieku. Powstało w Rzymie jako alternatywa akademizm bracia Carracci. Karawagizm charakteryzuje się demokratyzmem ideałów artystycznych, zainteresowaniem bezpośrednim odwzorowaniem natury, dramatyzacją obrazów za pomocą kontrastów światła i cienia, chęcią przekazania poczucia namacalnej materialności przedmiotów, zbliżeń, monumentalizacją motywów gatunkowych (sceny z wróżki, postacie grające muzykę itp.), a wręcz przeciwnie, codzienna interpretacja tematów religijnych i mitologicznych.

Zdaniem biografów Caravaggia jego innowacja, o której tak jednomyślnie i z pasją pisali, polegała przede wszystkim na ignorowaniu klasycznych przykładów sztuki antycznej i renesansowej, lekceważeniu powszechnie uznawanych autorytetów artystycznych oraz rzekomo całkowitym i bezwarunkowym odwołaniu się do „natury”, m.in. , co to jest. „Przysiągł sobie, że nie wykona ani jednego ruchu, z wyjątkiem tego, co zrobi z życia” – mówi Zandrart. Musimy jednak pamiętać, że badanie człowieka i otaczającego go prawdziwego świata było podstawą artystycznego światopoglądu mistrzów włoskiego renesansu, dla których „natura” była także podstawą ich metody twórczej. Jednak dążąc do „ścisłej i proporcjonalnej harmonii wszystkich części”, o której mówił Leon Battista Alberta, artyści renesansu, podziwiając starożytną klasykę, opracowali na jej podstawie swoją ideę uogólnionego realistycznego, idealnego obrazu osoby . Wierni ideałom syntetycznego realizmu renesansowego uszlachetnili swoją naturę, wynieśli ją ponad poziom otaczającej rzeczywistości, heroizowali ją i wyrażali w formach adekwatnych do wypracowanych przez siebie koncepcji i zasad estetycznych. A Caravaggio – mówi Bellori – „zaczął malować, słuchając własnego talentu, nie naśladując najwspanialszych marmurowych dzieł starożytnych i słynnego malarstwa Rafaela, ale niemal nimi pogardzając, uznając jedynie przyrodę za przedmiot swojego pędzla. Gdy przypominano mu o słynnych posągach Fidiasza czy Glikona jako o wzorach nauczania, zamiast odpowiadać, wskazywał palcem na tłumy, mówiąc, że wystarczy uczyć się od natury” malarstwo realizm prostota

Caravaggio (prawdziwe nazwisko - Merisi Merisi) Michelangelo da (1573-1610), malarz włoski. Twórca realizmu. tendencje w malarstwie europejskim XVII wieku wprowadziły do niego demokrację, wzmożone poczucie materialności i napięcie emocjonalne wyrażające się poprzez kontrasty światła i cienia (karawagizm). Obrazy Caravaggia wyróżniają się lakonizmem i prostotą kompozycji, energicznym modelowaniem plastycznym. Autor utworów religijnych o wyjątkowej sile dramatycznej („Złożenie do grobu”, ok. 1602-04), mitologicznych. („Bachus”, 1592-93) i rodzajowe („Lutnista”, 1595). Michelangelo Merisi, nazywany Caravaggio, to artysta, który dał imię potężnemu ruchowi realistycznemu w sztuce, który zyskał zwolenników w całej Europie Zachodniej. Jedynym źródłem, z którego Caravaggio uznaje, że warto czerpać tematykę sztuki, jest otaczająca go rzeczywistość. Realistyczne zasady Caravaggia czynią go spadkobiercą renesansu, mimo że obalił tradycje klasyczne. Metoda Caravaggia była antytezą akademizmu, a sam artysta zbuntował się przeciwko niej, utwierdzając własne zasady. Stąd odwołanie (nie bez kwestionowania przyjętych norm) do niezwykłych postaci, takich jak hazardziści, bywalcy, wróżbici, różnego rodzaju poszukiwacze przygód, których wizerunkami Caravaggio położył podwaliny pod codzienne malowanie o głęboko realistycznym duchu, łącząc obserwacyjne umiejętności Holendrów gatunek z przejrzystością i precyzją formy szkoły włoskiej („Lutnista”, ok. 1595 r.; „Gracze”, 1594-1595). Ale głównymi dla mistrza pozostają motywy religijne - obrazy ołtarzowe - które Caravaggio uosabia z prawdziwie innowacyjną odwagą jako niezawodne w życiu. W „Ewangeliście Mateuszu z aniołem” apostoł wygląda jak wieśniak, ma szorstkie ręce przyzwyczajone do ciężkiej pracy, jego pomarszczona twarz jest napięta od niezwykłej czynności - czytania. Caravaggio charakteryzuje się mocnym plastycznym rzeźbieniem formy, maluje dużymi, szerokimi płaszczyznami, wyrywając za pomocą światła z ciemności najważniejsze partie kompozycji. To ostre światłocienie i kontrast plam barwnych tworzy atmosferę wewnętrznego napięcia, dramatyzmu, ekscytacji i wielkiej szczerości. Caravaggio ubiera swoich bohaterów w nowoczesne stroje i umieszcza ich w prostych, znajomych sceneriach, co czyni ich jeszcze bardziej przekonującymi. Dzieła Caravaggia osiągały czasami taką siłę realistycznej wyrazistości, że klienci je odrzucali, nie dostrzegając w obrazach właściwej pobożności i idealności. Upodobanie do naturalistycznych szczegółów i autentyczności sytuacji nie przesłania tego, co najważniejsze w dziełach Caravaggia, z których najlepsze są wyraziste emocjonalnie, głęboko dramatyczne i wzniosłe („Złożenie do grobu”, 1602). Dojrzałe dzieło mistrza charakteryzuje monumentalność, majestat kompozycji, rzeźbiarska forma i klasyczna przejrzystość projektu. Jednocześnie gradacja światła i cienia staje się łagodniejsza, niuanse kolorystyczne stają się delikatniejsze, przestrzeń staje się bardziej przewiewna („Wniebowzięcie Marii”, 1606. Obraz nie został rozpoznany przez klienta ze względu na realistyczną interpretację sceny). Sztuka Caravaggia to bardzo złożony zespół tendencji i rezultatów twórczych. Jest to zespół zagadnień, których aktualność nie ogranicza się jedynie do pierwszych dekad malarstwa europejskiego XVII w. i rozciąga się na wiele ważnych zjawisk kolejnych etapów tej epoki.

Twórcza droga Caravaggia obejmuje zaledwie dwie dekady, czyli przełom XVI i XVII wieku. Formowaniu się, a co więcej, szybkiemu kształtowaniu się nowego światopoglądu i rozwojowi nowej metody artystycznej, Caravaggio towarzyszyły nie tylko błyskotliwe spostrzeżenia i śmiałe przełomy w przyszłość, ale także odwroty, kompromisy i nieoczekiwane skoki w rozwoju. różne kierunki. Główną sferą twórczości Caravaggia okazał się tradycyjny krąg tematów mitologii chrześcijańskiej na płótnach o tematyce religijnej. Wśród innych charakterystycznych cech repertuaru Caravaggia nie sposób nie zwrócić uwagi na niewielką liczbę utworów opartych na wątkach starożytnych mitów oraz wyzywająco demonstracyjne podejście ich bohaterów do świata rzeczywistości za sprawą odpowiednio zinterpretowanego wyglądu i ironicznych kostiumów. Już pierwszy, wczesny etap ewolucji twórczej Caravaggia naznaczony jest dużą złożonością problematyczną. Bezpośrednia, bezpośrednia wizja „kawałka rzeczywistości” z mocnym akcentem na jej żywą autentyczność nie mogła nie wejść w konflikt z obowiązkowym pierwszym osadzeniem obrazów w formie mitologicznej, gdyż taka mitologizacja już początkowo nosiła znamiona uogólnienia tematycznego, wyniesienie obrazu ponad indywidualność i przejściowość. Twórcze przeznaczenie Caravaggia było takie, że od pierwszych kroków działał jako reformator malarstwa, gdy duch śmiałego eksperymentu wyprzedzał jeszcze dojrzałość myślenia konceptualnego. Wczesny etap jego twórczości jest zatem najbardziej nasycony sprzecznymi dążeniami. Trudno byłoby określić w nim główny nurt tematyczny i wiodącą formę gatunkową odpowiadającą temu nurtowi. W tych samych latach pojawiają się dzieła o bardzo różnej treści i równie odmiennych walorach typologicznych. Artysta, który w niecałe cztery lata przeszedł od „Młodego człowieka z koszem owoców” do „Gracza w karty”, wydaje się wyczerpać przydzielone mu na tej fazie ewolucji zasoby malarstwa gatunkowego. Najwyraźniej okazała się dotychczas zbyt ograniczona w swoich możliwościach, aby stać się podstawą obrazów o naprawdę szerokim zakresie tematycznym. Że rzeczywiście tak było, wynika nie tylko z przykładu samego Caravaggia, ale z całego doświadczenia wielu jego włoskich i europejskich naśladowców, którzy szybko doceniwszy nowatorstwo jego wczesnych dzieł, przejęli je. Po 1596 roku nie widzimy już u niego kompozycji gatunkowych: odtąd Caravaggio zwrócił się całkowicie ku tematyce mitologicznej, w zakresie której zaczął pracować od pierwszych lat swojej drogi twórczej, równolegle z poszukiwaniami w dziedzinie Malarstwo rodzajowe. Caravaggia interpretacja tematu mitologicznego jest dla nas tym bardziej interesująca, że podejmuje go z innych pozycji wyjściowych niż malarze poprzednich czasów, zachowując bowiem całą wrodzoną mu ostrość bezpośredniego postrzegania rzeczywistości żywej.Liczba dzieł tej linii tematycznej w twórczości Caravaggia jest niewielka i w przeciwieństwie do jego motywów gatunkowych nie spotkała się z tak szerokim odzewem w malarstwie europejskim pierwszych dekad XVII wieku. Ale w ogólnej perspektywie epoki ważnym odkryciem było parodyjne podejście do tematu mitologicznego: tutaj zaczynał się jeden z ważnych wątków figuratywnych w mitologicznej poetyce Velazqueza, który dał się odczuć w całej serii jego słynnych kreacje, od „Bachusa” po „Wenus z lustrem”. Obok tej grupy dzieł w twórczości Caravaggia rozwinęła się trzecia linia tematyczna, którą można nazwać linią mitologii tradycyjnej. Temat mitologiczny nie jest dla jej dzieł przyczyną zewnętrzną, ramą, semantyczną paralelą do ucieleśnionego obrazu, ale bezpośrednią podstawą tego ostatniego. Zamiast podwójnego systemu korespondencji figuratywnych, jaki mogliśmy zaobserwować u Bachusa, w twórczości tej linii pojawia się synteza bardziej jednorodnego porządku. Ale w ten sposób Caravaggio nieuchronnie zbliża się do tradycyjnej, organicznej poetyki mitu w malarstwie, z ugruntowanymi od dawna metodami figuratywnego ucieleśnienia. Cykl Contarelliego w rzymskim kościele San Luigi dei Francesi to pierwsze wielkie dzieło dojrzałego Caravaggia, które ma programowe znaczenie dla malarstwa europejskiego XVII wieku w szeregu jego najbardziej obiecujących nurtów twórczych. Jest coś znamiennego w tym, że to właśnie ten zespół kompozycji sztalugowych, który powstał na przełomie dwóch wieków, od 1599 do 1602 roku, otwiera nowe stulecie. Przełom XVI i XVII wieku upłynął więc pod znakiem wkroczenia Caravaggia w nowe horyzonty artystyczne. Fakt, że problem syntezy rzeczywistości i mitu w obrazie na dużą skalę w końcu znalazł swoje owocne rozwiązanie, nadał nowym dziełom mistrza piętno szczególnej intensywności twórczego ujawnienia się. Trzy lata pomiędzy 1599 a 1602 rokiem można nazwać najbardziej produktywnym etapem jego działalności ze względu na niezwykłe zagęszczenie największych osiągnięć, jakie miały miejsce w tych latach. Dowodem rozkwitu twórczego, jakiego doświadczył mistrz, oprócz wysokich walorów artystycznych jego dzieł, jest także jego szalona sprawność fizyczna, która umożliwiła jednoczesne pojawienie się najważniejszych obrazów w dwóch cyklach – Contarelli i Cerasi (w tym dodatkowe możliwości zastąpienia odrzuconych obrazów) – i inne wybitne dzieła. Światło i plastyka to środki artystyczne znane Caravaggio, trudno jednak wskazać inne jego dzieło, w którym stopień ich oddziaływania osiągnąłby taką siłę. Pierwszą z szeregu majestatycznych kompozycji ołtarzowych nowego typu był watykański „Złożenie do grobu” z lat 1602-1604, przeznaczony dla jednego z najnowszych barokowych kościołów Rzymu – kościoła Santa Maria in Vallicella (Chiesa Nuova). Dzieło to należy uznać za pierwszą próbę połączenia wrodzonego Caravaggia poczucia rzeczywistości z uroczystym przedstawieniem, swego rodzaju „dramatyzmem przedstawieniowym”, tak charakterystycznym dla rozwijającej się w tym stuleciu koncepcji malarstwa ołtarzowego.

Dramatyczne wydarzenia roku 1606, które doprowadziły do ucieczki Caravaggia na południe Włoch, wyznaczyły granicę między jego sztuką dojrzałą a późną.

Obraz rozwoju sztuki Caravaggia w ostatnich czterech latach jego życia komplikuje wiele okoliczności. Trudne i skomplikowane wzloty i upadki życia artysty odbijały się w ten czy inny sposób w pracy nad nowymi dziełami – na charakterze ich wykonania, na stopniu ich kompletności, a przede wszystkim na bezpieczeństwie wielu z nich. Wśród dzieł tych lat być może nie znajdziemy ani jednego, który pod względem siły i dokładności ucieleśnienia obrazowego i kolorystycznego, pod względem doskonałości i kompletności całości mógłby być na tym samym poziomie z jego kluczowymi dziełami ostatnich lat. W późnych dziełach Caravaggia najważniejsza jest odwaga i obietnica zawartych w nich idei artystycznych oraz rozwiązań wizualnych proponowanych przez mistrza. Mimo skrajnie niesprzyjających warunków zewnętrznych, wiodące walory jego twórczości były już wyraźnie widoczne. Pragnienie Caravaggia wobec obrazów wielkoformatowych nie tylko zostało zachowane, ale wręcz nasiliło się: udział kompozycji wielkoołtowych wśród jego dzieł jest obecnie jeszcze wyższy niż wcześniej. Poszerzył się zakres figuratywny jego rozwiązań, zróżnicowała się ich stylistyka, urozmaiciły się formy typologiczne, a przewijający się przez jego sztukę problem „mit – rzeczywistość”, choć rozwiązywany w kierunkach wskazanych przez główne nurty jego twórczości, twórczością z lat ubiegłych, obecnie pojawia się w większej liczbie wariantów figuratywnych. Caravaggio zawsze wyróżniał się niechęcią do jednolitości, do ponownego wykorzystania przyjętej niegdyś koncepcji obrazu, ale chyba nigdy wcześniej nie był tak złożony i różnorodny jak w swojej późnej twórczości.

CARAVAGGIO (Caravaggio; prawdziwe nazwisko Michelangelo da Merisi, Michelangelo da Merisi), włoski malarz. Największy przedstawiciel sztuki barokowej. Do początku lat 90. XVI w. uczył się u mediolańskiego artysty S. Peterzano; w 1592 wyjechał do Rzymu, być może odwiedzając po drodze Wenecję. Powstał pod wpływem mistrzów z północnych Włoch (G. Savoldo, A. Moretto, G. Romanino, L. Lotto). Przez pewien czas pracował jako asystent rzymskiego artysty manierystycznego G. Cesariego (Cavalier d'Arpino), w którego warsztacie ukończył swoje pierwsze dzieła („Chłopiec z koszem owoców”, 1593-94; „Chory Bachus”, około 1593 roku, oba w Galerii Borghese w Rzymie). Dzięki handlarzowi obrazów Maestro Valentino Caravaggio poznał kardynała Francesco Marię del Monte, który stał się patronem mistrza i wprowadził go w artystyczne środowisko Rzymu. Dla kardynała del Monte namalowano najlepsze obrazy wczesnego okresu rzymskiego: „Bachus” (1595-97, Galeria Uffizi, Florencja), „Lutnista” (1595-97, Ermitaż, St. Petersburg), „Kosz owoców” (1598-1601, Pinakoteka Ambrosiana, Mediolan). W twórczości końca lat 90. XVI w. mistrzostwo iluzjonistycznego przeniesienia materialności (co jest szczególnie widoczne w martwych naturach, które artysta umieszcza w swoich obrazach) łączy się z jej poetyzacją. Pełne poetyckiego uroku i klasycznych reminiscencji, mitologiczne obrazy alegoryczne („Koncert”, 1595-97, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork; „Kupid Zwycięski”, ok. 1603, Art Gallery, Berlin) oprócz dosłowności niosą także ze sobą ukryte znaczenie, zrozumiałe dla ówczesnej wykształconej rzymskiej publiczności, a często niedostępne dla współczesnego widza.

W tym czasie Caravaggio otworzył nowe możliwości malarstwa, zwracając się po raz pierwszy w stronę martwej natury i gatunku „przygodowego” („Wróżka”, ok. 1596-97, Luwr, Paryż), który rozwinął się wśród jego zwolenników i stał się bardzo popularny w malarstwie europejskim XVII wieku, a także w przedstawianiu obrazu mitologicznego jako pospolitego typu ludowego („Narcyz”, 1598-99, Narodowa Galeria Sztuki Starożytnej, Rzym). We wczesnych dziełach religijnych poetycka interpretacja fabuły jako przykładu moralnego („Św. Marta rozmawia z Marią Magdaleną”, ok. 1598, Institute of Arts, Detroit; „Św. Katarzyna Aleksandryjska”, ok. 1598, Thyssen-Bornemisza kolekcja, Madryt), jako głębokie przeżycie duchowe („Św. Maria Magdalena”, ok. 1596-97, Doria Pamphili Gallery, Rzym; „Ekstaza św. Franciszka”, 1597-98, Wadsworth Atheneum, Hartford, USA), jak objawiona boska obecność w świecie („Odpoczynek” w drodze do Egiptu, 1596-97, Galeria Doria Pamphili, Rzym) łączy się z dramatycznymi scenami przemocy i śmierci („Judyta”, ok. 1598 r., Narodowa Galeria Sztuki Starożytnej , Rzym; „Ofiara Abrahama”, 1601-02, galeria Uffizi Florence).

Pierwszym większym zleceniem kościelnym Caravaggia był cykl obrazów do kaplicy francuskiego kardynała Matteo Contarelliego w kościele San Luigi dei Francesi (1599-1600) w Rzymie. W scenach powołania i męczeństwa apostoła Mateusza Caravaggio zasadniczo aktualizuje koncepcję malarstwa religijnego, w którym światło zaczyna odgrywać szczególną rolę, przemieniając i dramatyzując wydarzenie ewangeliczne. W „Powołanie apostoła Mateusza” (patrz ilustracje do artykułu Jezus Chrystus) światło przecinające ciemność pomieszczenia ma zarówno realny charakter fizyczny, jak i znaczenie metaforyczne (światło Bożej prawdy oświetlające drogę do zbawienia) . Hipnotyzująca ekspresja obrazów Caravaggia opiera się na umiejętności dokładnego oddania prawdziwego motywu, bez sprowadzania go do życia codziennego. Pierwsza wersja obrazu ołtarzowego do kaplicy „Św. Mateusz i Anioł” (1602, zm. w Berlinie podczas II wojny światowej) została odrzucona przez klientów ze względu na zbyt pospolity wygląd apostoła. W ostatecznej wersji (1602-03) Caravaggio osiągnął większą spójność i powagę kompozycji, zachowując żywą spontaniczność w wyglądzie i ruchu obu postaci.

W 1601 roku Caravaggio namalował dwa obrazy – „Nawrócenie Saula” i „Ukrzyżowanie apostoła Piotra” dla kaplicy T. Cerasi w kościele Santa Maria del Popolo w Rzymie. W nich, podobnie jak w cyklu o kaplicy Contarellich, znalazła wyraz nowa postawa religijna, charakterystyczna dla czasów kontrreformacji: zwykła codzienność ludzkiej egzystencji zostaje przemieniona przez Boską obecność; szczera wiara ubogich i cierpiących objawia się w pobożności, w czystości ludowej miłości. Każde dzieło Caravaggia to żywy fragment rzeczywistości, ukazany z maksymalną autentycznością i głęboko przeżyty przez artystę, który stara się zrozumieć wydarzenia z historii chrześcijaństwa, zrozumieć ich motywacje i przekształcić swoje myśli w plastyczne formy podlegające prawom figuratywnym dramaturgia. Realizm dzieł religijnych Caravaggia, daleki od ideałów piękna wypracowanych przez mistrzów renesansu, jest bliski etyce religijnej św. Karola Boromeusza i pobożności ludowej F. Neriego, co jest szczególnie widoczne w tego typu dziełach renesansu. Okres rzymski jako „Chrystus w Emaus” (1601, National Gallery, Londyn), „Zapewnienie Tomasza” (1602-03, Pałac Sanssouci, Poczdam), „Madonna z pielgrzymami” (1604-05, kościół Sant'Agostino, Rzym) i „Madonna z wężem” (1605-08, Galleria Borghese), „Święty Hieronim” (1605-06, Galeria Borghese). Siłą dramatyczną wyróżniają się najlepsze dzieła Caravaggia tego czasu: „Złożenie do grobu” (1602-04, Pinakoteka Watykańska) i „Wniebowzięcie Marii” (ok. 1600-03, Luwr, Paryż), w których osiąga pełnię dojrzałość twórcza. Mocne kontrasty światła i cienia, prosta prostota obrazów, wyrazisty lakonizm gestów z energicznym rzeźbieniem plastikowych brył i bogactwo dźwięcznej barwy pozwalają artyście osiągnąć niespotykaną dotąd głębię i szczerość w przekazywaniu uczuć religijnych, zachęcając widza do wczuć się w wydarzenia z dramatu ewangelii.

Niezależny charakter Caravaggia często doprowadzał go do konfliktu z prawem. W 1606 roku podczas gry w piłkę Caravaggio dopuścił się morderstwa w kłótni, po czym uciekł z Rzymu do Neapolu, skąd w 1607 przeniósł się na Maltę, gdzie został przyjęty do Zakonu Maltańskiego. Jednak po kłótni z wysokim rangą członkiem zakonu artysta został wtrącony do więzienia, skąd uciekł na Sycylię. W wyniku prześladowań ze strony Zakonu Maltańskiego, który wypędził go ze swoich szeregów, w 1610 roku zdecydował się na powrót do Rzymu, licząc na pomoc wpływowych mecenasów, lecz po drodze zmarł na febrę. Podczas swoich wędrówek Caravaggio stworzył wiele wybitnych dzieł malarstwa religijnego. W Neapolu w latach 1606-07 namalował dla kościoła San Domenico Maggiore duże obrazy ołtarzowe „Siedem dzieł miłosierdzia” (kościół Pio Monte della Misericordia, Neapol), „Madonna Różańcowa” (Kunsthistorisches Museum, Wiedeń) i „ Biczowanie Chrystusa” (Muzeum Capodimonte, Neapol); na Malcie w latach 1607-08 – „Ścięcie Jana Chrzciciela” i „Św. Hieronim” (oba w kościele Jana Chrzciciela w Valletcie); na Sycylii w 1609 r. – „Pogrzeb św. Łucji” dla kościoła Santa Lucia (Muzeum Regionalne Palazzo Bellomo w Syrakuzach), „Wskrzeszenie Łazarza” dla genueńskiego kupca Lazzariego oraz „Adoracja pasterzy” dla kościoła Santa Maria degli Angeli (oba w Muzeum Narodowym , Mesyna). Intensywny dramat tkwiący w twórczości artysty w późniejszych pracach nabiera charakteru epickiej tragedii. Monumentalne płótna, zbudowane na relacji matowego, ciemnego tła i dużych postaci na pierwszym planie, rozświetlonych błyskami pulsującego światła, mają niezwykłą siłę oddziaływania emocjonalnego, wciągając widza w przedstawiane wydarzenia. Do ostatnich lat życia Caravaggia należy także obraz „Dawid z głową Goliata” (ok. 1610 r., Galleria Borghese, Rzym), gdzie w wyglądzie Goliata, którego głowę Dawid trzyma na wyciągniętej dłoni, można rozpoznać rysy twarzy samego artysty.

Twórczość Caravaggia wywarła ogromny wpływ na sztukę współczesną nie tylko Włoch, ale i całej Europy, oddziałując na większość artystów tworzących wówczas (patrz Caravaggizm).

Dosł.: Marangoni M. Il Caravaggio. Florencja, 1922; Znamerovskaya T. P. Michelangelo da Caravaggio. M., 1955; Wsiewołożska S. Michelangelo da Caravaggio. M., 1960; Röttgen N. Il Caravaggio: ryżerche i interpretacje. Rzym, 1974; Michał Anioł da Caravaggio. Dokumenty, wspomnienia współczesnych. M., 1975; Hibbarda N. Caravaggia. L., 1983; Longhi R. Caravaggio // Longhi R. Od Cimabue do Morandiego. M., 1984; Caravaggio i jego tempo. Kot. Neapol, 1985; Mariniego M. Caravaggio. Rzym, 1987; Calvesi M. La realtà del Caravaggio. Turyn, 1990; Cinotti M. Caravaggio: la vita e l’opera. Bergamo, 1991; Longhi R. Caravaggio. 3. Aufl. Drezno; Bazylea, 1993; Gash J. Caravaggio. NY, 1994; Bonsanti G. Caravaggio. M., 1995; Sviderskaya M. I. Caravaggio. Pierwszy nowoczesny artysta. Petersburg, 2001; Lamberta J. Caravaggia. M., 2004; Caravaggio: Originale und Kopien im Spiegel der Forschung / Hrsg. von J. Hartena. Stuttg., 2006.

Malarz włoski, jeden z największych przedstawicieli baroku Michelangelo Merisi da Caravaggio urodził się 28 września 1573 roku we włoskiej wiosce Caravaggio. Jego ojciec był majordomusem i architektem markiza Caravaggia. Do początków lat 90. XVI w. Michelangelo da Caravaggio studiował u mediolańskiego artysty Simone Peterzano, wyjeżdżając około 1593 r. do Rzymu. Początkowo był biedny i pracował do wynajęcia. Po pewnym czasie modny malarz Cesari d'Arpino przyjął Caravaggia jako asystenta w swoim warsztacie, gdzie malował martwe natury na monumentalnych obrazach mistrza.

W tym czasie powstały takie obrazy Caravaggia jak „Mały chory Bachus” i „Chłopiec z koszem owoców”.

Z natury był artystą, który pogrążył go w sytuacjach trudnych i niebezpiecznych. Stoczył wiele pojedynków, za co wielokrotnie był więziony. Często spędzał dni w towarzystwie hazardzistów, oszustów, awanturników i poszukiwaczy przygód. Jego nazwisko często pojawiało się w kronikach policyjnych.

W 1595 roku w osobie kardynała Francesco Marii del Monte Caravaggio znalazł wpływowego mecenasa, który wprowadził go w środowisko artystyczne Rzymu. Dla kardynała del Monte artysta namalował kilka swoich najlepszych obrazów – „Kosz z owocami”, „Bachus” i „Lutnista”. Pod koniec lat 90. XVI wieku artysta stworzył takie dzieła jak „Koncert”, „Zwycięzca Kupidyna”, „Wróżka”, „Narcyz”. Caravaggio otworzył nowe możliwości malarstwa, zwracając się po raz pierwszy w stronę „czystej” martwej natury i gatunku „przygodowego”, który rozwinął się wśród jego zwolenników i stał się popularny w malarstwie europejskim XVII wieku.

Do wczesnych dzieł religijnych Caravaggia należą obrazy „Święta Marta rozmawiająca z Marią Magdaleną”, „Święta Katarzyna Aleksandryjska”, „Święta Maria Magdalena”, „Ekstaza św. Franciszka”, „Odpoczynek w czasie lotu do Egiptu”, „Judyta” , „Ofiara Abrahama”.

Na przełomie XVI i XVII wieku Caravaggio stworzył dwa cykle obrazów opartych na scenach z życia apostołów. W latach 1597-1600 namalowano trzy obrazy poświęcone apostołowi Mateuszowi do kaplicy Contarellich w kościele San Luigi dei Francesi w Rzymie. Spośród nich przetrwały tylko dwa - „Powołanie apostoła Mateusza” i „Męczeństwo apostoła Mateusza” (1599–1600). Dla kaplicy Cerasi w kościele Santa Maria del Popolo w Rzymie Caravaggio wykonał dwie kompozycje – „Nawrócenie Saula” i „Ukrzyżowanie apostoła Piotra”.

W latach 1602-1604 artysta namalował „Złożenie do grobu” („Zejście z krzyża”) dla kościoła Santa Maria in Valicella w Rzymie. W latach 1603-1606 stworzył kompozycję „Madonna di Loreto” dla kościoła Sant'Agostino. W 1606 roku namalowano obraz „Wniebowzięcie Marii”.

W 1606 roku, po kłótni podczas gry w piłkę i zamordowaniu swojego rywala Rannuccio Tommasoniego, Caravaggio uciekł z Rzymu do Neapolu, skąd w 1607 przeniósł się na Maltę, gdzie został przyjęty do Zakonu Maltańskiego. Jednak po kłótni z wysokim rangą członkiem zakonu został uwięziony, skąd uciekł na Sycylię, a następnie do południowych Włoch.

W 1609 roku Caravaggio powrócił do Neapolu, gdzie oczekiwał na ułaskawienie i pozwolenie na powrót do Rzymu.

Podczas swoich wędrówek artysta stworzył wiele wybitnych dzieł malarstwa religijnego. W Neapolu namalował duże ołtarze „Siedem dzieł miłosierdzia” (Kościół Pio Monte della Misaricordia), „Madonnę Różańcową” i „Biczowanie Chrystusa”. Na Malcie dla kościoła San Domenico Maggiore stworzył obrazy „Ścięcie Jana Chrzciciela” i „Święty Hieronim”, na Sycylii – „Pogrzeb świętej Łucji” dla kościoła św. Łucji, „Wskrzeszenie św. Łazarza” dla genueńskiego kupca Lazzari oraz „Pokłon pasterzy” dla kościoła Santa Maria degli Angeli. Do najnowszych dzieł Caravaggia należy także obraz „Dawid z głową Goliata”, na którym głowa Goliata ma przedstawiać autoportret artysty.

W 1610 roku, po ułaskawieniu kardynała Gonzagi, artysta załadował swoje rzeczy na statek, zamierzając wrócić do Rzymu, lecz nigdy nie dotarł do celu. Na brzegu został omyłkowo aresztowany przez hiszpańskich strażników i przetrzymywany przez trzy dni.

18 lipca 1610 roku Caravaggio zmarł w wieku 37 lat na atak malarii we włoskim mieście Porto Ercole.

Twórczość Caravaggia wywarła znaczący wpływ nie tylko na wielu włoskich artystów XVII wieku, ale także na czołowych mistrzów Europy Zachodniej - Petera Paula Rubensa, Diego Velazqueza, Jose de Ribera, a także dała początek nowemu kierunkowi w sztuce - karawagizmowi .

Materiał został przygotowany w oparciu o informacje pochodzące z otwartych źródeł

Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573–1610), nazwany tak od nazwy miasta w Lombardii, z którego pochodził, edukację artystyczną zdobywał w Mediolanie. Biografowie przedstawiają go jako człowieka o burzliwym, kłótliwym charakterze, szalonym temperamencie i niezwykle upartym w dążeniu do celu. Przez całe życie pozostał wierny swoim przekonaniom i wewnętrznej niezależności. Caravaggio był artystą o ogromnej odwadze twórczej. Znając doskonale życie zwykłych ludzi, Caravaggio uczynił go swoim bohaterem. Pierwsze lata życia artysty w Rzymie, dokąd przybył około 1590 roku, były trudne. Aby zarobić pieniądze, malował kwiaty i owoce na obrazach innych artystów, a następnie zaczął samodzielnie tworzyć niepowtarzalne sceny rodzajowe i martwe natury. Przedstawiając chłopców ulicy, gości w tawernach i kosze owoców, jako jeden z pierwszych ustanowił prawo do istnienia tych gatunków. W dziełach Caravaggia nie najważniejsza jest narracja, ale charakterystyczny typ.

Do takich obrazów należy „Młody człowiek z lutnią” (ok. 1595 r., Petersburg, Ermitaż). Na stole przed nim leżą skrzypce, nuty i owoce. Wszystkie te obiekty są malowane z wyrafinowaną umiejętnością w ich gęstej okrągłości, materialności i namacalności. Twarz i sylwetka wyrzeźbiona jest światłocieniem, ciemne tło podkreśla bogactwo wystających do przodu jasnych tonów, obiektywizm wszystkiego co przedstawione. Caravaggio podkreśla wyższość bezpośredniego odtwarzania życia. Kontrastuje chorobliwy wdzięk wciąż powszechnego manieryzmu i patos rozwijającego się baroku z prostotą i naturalnością codzienności. Uogólniając formy, identyfikując to, co istotne, najprostszym przedmiotom nadaje znaczenie i monumentalność. Kompozycje Caravaggia z postaciami odciętymi w pasie są precyzyjnie skonstruowane, charakteryzują się ścisłą schematycznością, integralnością i izolacją, zbliżając Caravaggia do mistrzów renesansu. Nadaje to monumentalności i znaczenia nie tylko jego scenom codziennym, ale także religijnym, jak np. „Niewiara Tomasza” (ok. 1603, Florencja, Uffizi; wersja – Poczdam, Galeria Sztuki Sanssouci).

Niesamowita konkretność i materialność form wyróżnia zamawiane przez artystę dzieła religijne, które przyniosły mu sławę dzięki niezwykłej witalności i demokracji. Caravaggio odważnie interpretuje obrazy religijne, nie bojąc się chamstwa i szorstkości, nadając im cechy podobieństwa do zwykłych ludzi. Swoich bohaterów odnajduje wśród rybaków, rzemieślników, żołnierzy – ludzi uczciwych, obdarzonych siłą charakteru. Ostrymi kontrastami światłocienia wzmacnia mocne, niemal plastyczne modelowanie form, przybliżając postacie do pierwszego planu obrazu, ukazując je pod skomplikowanymi kątami, podkreślając ich znaczenie i monumentalność.

Kompozycja „Powołanie apostoła Mateusza” (1599–1600, Rzym, kaplica Contarelli w kościele San Luigi dei Francesi, gdzie przedstawiona jest dwójka młodych mężczyzn w modnych wówczas strojach, patrzących z zaciekawieniem na wchodzącego Chrystusa. Mateusz zwrócił wzrok na Chrystusa) został rozwiązany jako scena rodzajowa, podczas gdy trzeci młodzieniec, nie podnosząc głowy, kontynuuje przeliczanie pieniędzy. Jasny promień światła, przenikając przez otwarte drzwi, wyciąga z wnętrza żywe postacie o ostrych charakterach. zaciemnienie pomieszczenia Rozwiązanie odcięcia pomaga nie tylko odsłonić wolumen form, ale także zwiększa skuteczność dramatyczną i emocjonalność obrazów.

Święci i wielcy męczennicy jawią się u Caravaggia jako ludzie silni, pełnej krwi: naiwny, niegrzeczny Mateusz, surowy, natchniony przez Piotra i Pawła. W ich plastyczno-namacalnych figurach nie ma nic niezwykłego. Większą część kompozycji „Nawrócenie Pawła” (1600–1601, Rzym, kościół Santa Maria del Popolo) zajmuje obraz kopalni, pod kopytami której oświetlona jasnym światłem postać leżącego na ziemi młodego Pawła , jest widoczny, ukazany w niezwykle złożonej perspektywie. Artysta wykorzystując efekty optyczne osiąga monumentalność i siłę całościowego rozwiązania.

W późniejszych pracach Caravaggia nasila się dramatyzm jego światopoglądu, a jednocześnie pojawia się jeszcze większa tendencja do monumentalizacji. Jedność i intensywność akcji, nastrój, kompletność i niepowtarzalność struktur kompozycyjnych, niesamowita siła modelowania światła i cienia nadają im charakter prawdziwych scen, pełnych wielkich uczuć i przemyśleń. Z malarstwa na malarstwo wzrasta tragiczna siła obrazów Caravaggia. Na obrazie „Złożenie do grobu” (1604, Rzym, Pinakoteka Watykańska) na głębokim, ciemnym tle, zwarta grupa osób bliskich Chrystusowi wyróżnia się jasnym światłem, gdy opuszczają Jego ciało do grobu. Są niegrzeczni i powściągliwi w swoich uczuciach, ale każdy ruch charakteryzuje się szczególnym spokojem. I dopiero ręce Marii, wzniesione w żałosnym wybuchu rozpaczy, kontrastowały z dotkliwym smutkiem pozostałych postaci, kontrastującym z przytłaczającym ciężarem martwego ciała Chrystusa. Nagrobek, przy krawędzi którego zatrzymali się niosący ciało, podkreśla posągową, monolityczną jakość całej grupy, upodabnianej do swoistego pomnika. Widok z dołu potęguje wrażenie majestatu.

Ogromną emocjonalność artysta osiąga w kompozycji „Wniebowzięcie Marii” (1605–1606, Paryż, Luwr), z zapierającą dech w piersiach szczerością emocji, która wyraża się w pozach, gestach i twarzach pogrążonych w żałobie uczniów Chrystusa, którzy otaczali łóżko zmarłego. Wszystko tutaj podporządkowane jest wyrazowi bolesnej świadomości tragedii życia, nieuchronności jego końca. W istocie są to obrazy odważnych ludzi z ludu, obdarzonych głębią percepcji, znaczenia, a jednocześnie spontanicznością wyrażania złożonych ruchów mentalnych. Ostrość obserwacji w charakterystyce każdej postaci łączy się z monumentalną zwięzłością i tragiczną wielkością.

Surowy realizm twórczości Caravaggia nie był zrozumiany przez jego współczesnych, zwolenników „sztuki wysokiej”. Odwoływanie się do natury, którą Caravaggio uczynił bezpośrednim przedmiotem ukazań w swoich dziełach, oraz prawdziwość jej interpretacji spowodowały liczne ataki na artystę ze strony duchowieństwa i urzędników. Gorący temperament Caravaggia i ciągłe starcia z innymi pogłębiały trudności życiowe. Zabił swojego partnera podczas gry w piłkę i został zmuszony do ucieczki z Rzymu. Ostatnie lata życia spędził na wędrówkach.

Wpływ twórczości Caravaggia na rozwój realizmu w sztuce europejskiej był ogromny. W samych Włoszech było wielu jego zwolenników, zwanych karawagistami. Ale jego wpływ poza Włochami był jeszcze bardziej znaczący. Żaden znaczący malarz tamtych czasów nie przeszedł obok pasji do karawagizmu, który był ważnym etapem na drodze europejskiej sztuki realistycznej.

Caravaggio Michał Anioł (Caravaggio) (1573–1610). Właściwie pełna nazwa to Merisi da Caravaggio (Michelangelo Merisi da Caravaggio). Malarz włoski. Urodzony 28 września 1573 r. Studiował w Mediolanie (1584-1588); działał w Rzymie (do 1606), Neapolu (1607 i 1609-1610), na Malcie i Sycylii (1608-1609). Caravaggio, który nie należał do konkretnej szkoły artystycznej, już w swoich wczesnych pracach kontrastował indywidualną ekspresję modela, proste motywy życia codziennego („Chory Bachus”, „Młody człowiek z koszem owoców” – oba w Galerii Borghese , Rzym) z idealizacją obrazów i alegoryczną interpretacją fabuły charakterystyczną dla sztuki manieryzmu i akademizmu. Tradycyjnym wątkom religijnym nadał zupełnie nową, intymną interpretację psychologiczną („Odpoczynek w czasie lotu do Egiptu”, Galeria Doria Pamphili, Rzym). Artysta wniósł ogromny wkład w rozwój gatunku codziennego („Wróżka”, Luwr, Paryż i inne). Dojrzałe dzieła artysty Caravaggia to monumentalne płótna o wyjątkowej sile dramatycznej („Powołanie apostoła Mateusza” i „Męczeństwo apostoła Mateusza”, 1599-1600, kościół San Luigi dei Francesi w Rzymie; „Złożenie do grobu”, 1602-1604, Pinakoteka, Watykan; „Śmierć Marii”, ok. 1605-1606, Luwr, Paryż). Styl malarstwa Caravaggia w tym okresie opierał się na potężnych kontrastach światła i cienia, wyrazistej prostocie gestów, energicznym rzeźbieniu brył, bogactwie koloru - technikach tworzących napięcie emocjonalne i ostrą afektację uczuć. Podkreślanie typów „zwykłych ludzi” i afirmacja ideałów demokracji stawiała Caravaggia w opozycji do sztuki współczesnej, skazując go w ostatnich latach życia na wędrówkę po południowych Włoszech. W późniejszych pracach Caravaggio porusza temat samotności człowieka we wrogim mu świecie, pociąga go obraz małej wspólnoty ludzi, których łączy bliskość rodzinna i duchowe ciepło („Pogrzeb świętej Łucji”, 1608, s. Kościół Santa Lucia w Syrakuzach). Światło w jego obrazach staje się miękkie i poruszające, kolorystyka zmierza w stronę jedności tonalnej, stylu malarskiego

Mały chory Bachus 1593, Galleria Borghese, Rzym

Młody człowiek z koszem owoców, 1593, Galleria Borghese, Rzym

„Chłopiec obierający owoce” ok. 1593

„Chłopiec ugryziony przez jaszczurkę” 1594 National Gallery, Londyn

„Błogosławieństwo św. Franciszka” 1595 Wadsworth Atheneum, Hartford

„Rounders” 1596 Muzeum Kimbella, Fort Worth

„Wróżka” 1596 Luwr, Paryż

„Wróżka” 1596-1597

„Kosz owoców” ok. 1597

Przybiera charakter swobodnej improwizacji. Wydarzenia z biografii Caravaggia uderzają w ich dramatyzmie. Caravaggio miał bardzo porywczy, niezrównoważony i złożony charakter. Począwszy od roku 1600, czyli okresu największego rozkwitu twórczego Caravaggia, jego nazwisko zaczęło stale pojawiać się w protokołach rzymskiej policji. Początkowo Caravaggio i jego przyjaciele dopuścili się drobnych nielegalnych działań (groźby, wulgarna poezja, obelgi), za co zostali postawieni przed sądem. Ale w 1606 roku artysta w ferworze kłótni podczas gry w piłkę popełnił morderstwo i od tego czasu zmuszony był ukrywać się przed policją.

„Muzycy” 1595-1596

„Bachus” 1596

"Bachus" detal 1596

„Martwa natura z kwiatami i owocami” 1590. XVI w

„Lutnista” 1596

„Lutnista” ok. 1600 Metropolitalne Muzeum Sztuki

„Maria Magdalena” 1596-1597

„W drodze na ziemie egipskie” 1597

„Judyta zabijająca Holofernesa”, ok. 1598

„Judyta zabijająca Holofernesa”, ok. Część 1598

„Święta Katarzyna Aleksandryjska” 1598

„Powołanie Świętego Mateusza” 1599-1600

Fragment „Powołanie Świętego Mateusza” z lat 1599-1600

„Meduza Gorgona” 1598-1599

„Marta i Maria Magdalena” 1597-1599

„Wzięcie Chrystusa” ok. 1598

Po morderstwie artysta uciekł z Rzymu do Neapolu. Tam kontynuował pracę przy dużych zamówieniach; jego twórczość wywarła decydujący wpływ na rozwój neapolitańskiej szkoły malarstwa. W 1608 roku Caravaggio przeniósł się na Maltę, gdzie namalował portret Mistrza Zakonu Maltańskiego i sam wstąpił do zakonu. Wkrótce jednak Caravaggio ze względu na swój porywczy charakter musiał uciekać stamtąd na Sycylię. Po pewnym czasie pobytu na Sycylii artysta w 1609 roku wrócił do Neapolu, gdzie został napadnięty w portowej karczmie i okaleczony. W tym czasie Caravaggio był już chory na malarię, na skutek której zmarł 18 lipca 1610 r. Surowy realizm Caravaggia nie był rozumiany przez współczesnych, zwolenników „sztuki wysokiej”. Odwoływanie się do natury, którą czynił bezpośrednim przedmiotem przedstawienia w swoich pracach, oraz prawdziwość jej interpretacji wywołały liczne ataki na artystę ze strony duchowieństwa i urzędników. Niemniej jednak w samych Włoszech było wielu jego zwolenników, zwanych karawagistami.

„Chrystus w Emaus” 1601-1602

„Cud w Emaus” 1606

„Dawid i Goliat” 1600

„Dawid” 1606-1607

„Dawid” 1609-1610

„Zapewnienie Tomasza” 1601-1602

„Zwycięski Kupidyn” 1602-1603

„Koronowanie cierniem” 1602-1603

„Koronacja koroną cierniową” 1603

„Męczeństwo św. Mateusza” 1599 - 1600

„Madonna z wężem” 1606

detal „Madonna z wężem” 1606

„Święty Hieronim czytający książkę” 1606

„Św. Hieronim” 1605-1606

„Św. Hieronim” 1607

„Siedem aktów miłosierdzia” 1607

„Salome z głową Chrzciciela”, ok. 1609

„Salome z głową Jana Chrzciciela” 1610

Styl twórczy Caravaggia miał bezpośredni wpływ na powstanie ruchu karawaggizmu, niezależnego ruchu w sztuce europejskiej XVII wieku. Karawagizm charakteryzuje się demokratyzmem systemu obrazu, podwyższonym poczuciem prawdziwej obiektywności, materialności obrazu, aktywną rolą kontrastów światła i cienia w obrazowym i plastycznym rozwiązaniu obrazu oraz monumentalizacją motywów gatunkowych i codziennych. We Włoszech, gdzie tendencje karawaggizmu pozostawały aktualne aż do końca XVII wieku i znalazły szczególne odzwierciedlenie w malarstwie Rzymu, Genui i Neapolu, najpotężniejszą i najbardziej oryginalną interpretację spuścizny Caravaggia otrzymano w twórczości włoskiego artysty Orazio Gentileschi i jego córka Artemizja.

„Narcyz nad potokiem” 1599-1600

„Jowisz, Neptun i Pluton” 1597-1600

„Madonna z Loreto” 1603-1605

„Madonna del Rosario (Madonna Różańcowa)” 1607

„Alof de Wignacourt” 1607-1608

„Maffeo Barberini” (papież Urban VIII) 1606

Ale jeszcze bardziej znaczący był wpływ twórczości Caravaggia poza Włochami. Żaden znaczący malarz tamtych czasów nie przeszedł obok pasji do karawagizmu, który był ważnym etapem na drodze europejskiej sztuki realistycznej. Wśród europejskich mistrzów karawagizmu poza Włochami najbardziej znaczące są prace karawagistów z Utrechtu w Holandii (Gerrit van Honthorst, Hendrik Terbruggen i in.), a także Jusepe de Ribera w Hiszpanii i Adama Elsheimera w Niemczech. Peter Paul Rubens, Diego Velazquez, Rembrandt van Rijn i Georges de La Tour przeszli przez etap karawagizmu. Wpływ poszczególnych technik karawagizmu zauważalny jest także w twórczości niektórych mistrzów akademickich (Guido Reni, Sebastiano Ricci we Włoszech i William-Adolphe Bouguereau we Francji) i baroku (Karel Skret w Czechach i in.).