Il valore delle arti e dei mestieri nei bambini. Arte decorativa e applicata. Arte decorativa e applicata

01.04.2019

Il ruolo delle arti, dei mestieri e dei mestieri nello sviluppo dei bambini età prescolare.

L’istruzione è stata e rimane il fattore di trasformazione più importante nello sviluppo sociale. Il futuro è in gran parte determinato dal livello di educazione dello sviluppo spirituale e morale delle generazioni più giovani. L'asilo, insieme alla famiglia, svolge un ruolo importante nell'educazione di un bambino in età prescolare. Un istituto di istruzione prescolare ha il suo impatto educativo sul bambino nel periodo più sensibile (sensibile, ricettivo) della sua vita. Compito principale asiloè quello di aumentare l'efficienza e la qualità dell'educazione dei bambini sulla base dell'educazione globale e dello sviluppo della personalità di ciascun bambino. Prima di un istituto di istruzione prescolare, tra i compiti più importanti vi è la formazione fin dalla prima infanzia della cultura di base dell'individuo, alta qualità morali: amore per la madrepatria, rispetto per il suo storico e eredità culturale; cultura e tradizioni di altre nazioni.

Le arti e i mestieri popolari del nostro paese sono parte integrante della cultura. L'emotività, l'immaginario poetico di quest'arte è vicino, comprensibile e caro alle persone. Fa emergere un atteggiamento sensibile nei confronti della bellezza, contribuisce alla formazione di una personalità armoniosamente sviluppata. Basato su profondo tradizioni artistiche, l'arte popolare entra nella vita e nella cultura della nostra gente, ha un effetto benefico sulla formazione di una persona del futuro. Le opere artistiche create da artigiani popolari riflettono sempre l'amore per terra natia la capacità di vedere e comprendere il mondo.

Nella cultura moderna, l'arte popolare vive da sola forme tradizionali. Grazie a ciò, i prodotti degli artigiani popolari mantengono le loro caratteristiche stabili e sono percepiti come portatori di una cultura artistica integrale.

Le tradizioni e lo stile di vita di ogni popolo sono incarnati in costumi, gioielli, articoli per la casa, decorazioni per la casa, da cui provengono tempi antichi e mutare nel tempo, pur mantenendo le caratteristiche principali.

Sempre più spesso le opere d'arte e di artigianato penetrano nella vita delle persone, formano un gusto artistico, creano un ambiente esteticamente completo che determina potenziale creativo personalità. Pertanto, il ruolo della scuola dell'infanzia istituzioni educative, dove si sta lavorando con successo per familiarizzare i bambini con i campioni arte popolare. Gli oggetti dell'arte popolare sono diversi. Questi possono essere giocattoli in legno, argilla, piatti, tappeti, pizzi, miniature laccate.

L'alto significato spirituale e ideologico delle arti e dei mestieri popolari ha una potente influenza sulla formazione mondo interiore bambini. L'impiego sistematico con vari tipi di lavorazione artistica dei materiali ha un effetto benefico sullo sviluppo del gusto estetico dei bambini e, allo stesso tempo, è associato all'acquisizione delle competenze necessarie per il loro ulteriore lavoro.

Grazie all'interesse per queste attività si fa crescere l'entusiasmo per esse, l'operosità e la perseveranza nel lavoro. Attraverso il processo di creazione di prodotti di arti e mestieri belli ed esteticamente giustificati, gradualmente, discretamente, ma in modo molto produttivo, l'amore per varie professioni viene instillato nei bambini.

Il maggiore effetto educativo è dato dalla conoscenza dei bambini in età prescolare con le arti e i mestieri dell'artigianato popolare. I prodotti degli artigiani popolari si distinguono per il senso del materiale, l'unità organica dell'utilitarismo (orientamento pratico) della cosa con il suo arredamento, il colore nazionale e gli alti meriti morali ed estetici. C'è così tanta carica educativa nell'arte popolare (non solo nei prodotti finiti che soddisfano l'occhio, ma anche nel processo stesso, nella tecnologia della loro creazione), che sorge naturalmente la domanda sul suo utilizzo più attivo nel lavorare con i bambini in età prescolare.

Il compito dell'educatore è guidare il processo creativo dei bambini in età prescolare, orientandoli allo studio di esempi di arti e mestieri popolari. Il principio di concentrarsi sull'arte popolare dovrebbe costituire la base del contenuto delle lezioni con bambini in età prescolare in vari tipi di arti e mestieri.

Nel processo di studio dei principali tipi di arte popolare, i bambini padroneggiano la struttura artistica dell'ornamento e conoscono il lavoro degli artisti. Vengono educati sentimenti patriottici, orgoglio per la propria patria, la propria gente, rispetto per la cultura e le tradizioni di altri popoli. Attraverso le tradizioni popolari si sviluppa l'educazione della sensibilità emotiva, della gentilezza, del senso di cameratismo e dell'autostima creatività artistica personalità, senso estetico, orizzonti. Gli alunni ricevono conoscenze sullo sviluppo dei principali tipi di arti e mestieri, sulla creatività della maggior parte artisti significativi e artigiani, tratti caratteristici costumi nazionali e di ornamentazione, sulla raccolta di opere d'arte e di artigianato popolare dei musei locali; conoscere concetti elementari, come colore, ritmo, forma, proporzione, linea, volume, spazio.

L'arte popolare è figurativa, colorata, originale nel suo design. È accessibile alla percezione dei bambini, poiché porta con sé un contenuto comprensibile, che in particolare, in forme semplici e concise, rivela al bambino la bellezza e il fascino del mondo circostante. È sempre familiare ai bambini immagini favolose animali fatti di legno e argilla.

Gli ornamenti utilizzati dagli artigiani popolari per dipingere giocattoli e piatti includono fiori, bacche, foglie, alcuni che il bambino incontra nella foresta, nel campo, nella zona dell'asilo. Gli asili nido dovrebbero avere un numero sufficiente di oggetti di arte popolare. I prodotti artistici vengono mostrati ai bambini durante le conversazioni sugli artigiani e vengono utilizzati nelle attività educative. Per i bambini della scuola dell'infanzia è bene avere giocattoli di legno cesellato, giocattoli divertenti dei maestri di Bogorodsk, prodotti di Kargopol artigiani. Se nel primo gruppo più giovane i bambini giocano con i giocattoli, nel secondo gruppo più giovane questi giocattoli possono essere considerati prima della modellazione. Per gruppo centraleè bello avere giocattoli Semyonov, Filimonov e Kargopol, Bogorodsk ha trasformato giocattoli di legno.

Per i bambini dei gruppi senior e di preparazione alla scuola sono disponibili tutti i giocattoli popolari, in argilla e in legno.

I giocattoli popolari con i loro temi ricchi influenzano l'idea del bambino durante la modellazione, arricchiscono l'idea del mondo che li circonda. Sotto l'influenza di oggetti d'arte popolare, i bambini percepiscono le illustrazioni di racconti popolari, il cui lavoro si basa sulle tradizioni nazionali, in modo più profondo e con grande interesse. L'insegnante deve conoscere i mestieri popolari, la storia della loro esistenza. Ma prima di tutto deve capire e amare arti e mestieri popolari, per sapere a che tipo di artigianato popolare appartiene questo o quel giocattolo. Essere in grado di parlare dei maestri che realizzano giocattoli e raccontarlo in modo entusiasmante per interessare bambino piccolo.

Pertanto, l'arte popolare ha un grande potere di impatto emotivo ed è una buona base per la formazione mondo spirituale persona.

Irina Ufimtseva
Il ruolo delle arti e dei mestieri nello sviluppo artistico ed estetico dei bambini in età prescolare

Gente arte più di ogni altro tipo di creatività, è comprensibile e accessibile ai bambini, aiuta a conoscere meglio le tradizioni della loro regione, la sua ricchezza nazionale. Quando pianifico un lavoro mirato per familiarizzare e familiarizzare i bambini con l'arte popolare, lo svolgo con bambini di 5-7 anni. Questa attività è iniziata con la creazione di condizioni per introdurre bambini e genitori alla cultura popolare. L'evento finale è stato "Città dei maestri", dove i bambini hanno preso parte ad un quiz sull'artigianato popolare e hanno visitato una mostra di artigianato popolare.

Le opere d'arte popolare riflettono l'amore per la terra natale, la capacità di vedere e comprendere il mondo che ci circonda. Nel contenuto della maggioranza arte popolare molto viene dalla natura: dalla terra, dal bosco, dalle erbe, dall'acqua e dal sole. Da tutti gli esseri viventi che una persona ama. Pertanto, oltre alle lezioni sulla familiarità con l'artigianato popolare, le tecniche di disegno, la modellazione, è incluso un GCD per lo studio dell'arte popolare. arte al ritmo del calendario tradizionale - dall'autunno all'estate.

Nel processo di formazione delle competenze disegno decorativo, modellazione e applicazioni, utilizzo le seguenti tecniche e metodi:

Creare una situazione di gioco all'inizio della lezione e durante la revisione del lavoro dei bambini;

Confronto di elementi del modello e varie opzioni composizioni;

Utilizzando i gesti di delineamento (per evidenziare gli elementi del dipinto, la sequenza del disegno);

Dimostrazione della sequenza di disegno ed esercizio nell'immagine di elementi nuovi e complessi del modello;

Combinazione vari tipi attività visiva;

Inclusione nel corso delle lezioni ICT;

L'uso di musica, materiali letterari, elementi di attività teatrali.

L'organizzazione di attività didattiche per familiarizzare permette ai bambini di sentirsi nel ruolo artista decoratore , per riflettere nel loro lavoro la visione estetica e il sentimento del mondo circostante e ne include due palcoscenico:

Introduzione all'artigianato

Formazione di abilità di disegno e modellazione.

Ad ogni lezione conduco mini-conversazioni su questo o quell'artigianato popolare con un'esposizione di prodotti di artigiani popolari (cucchiai di legno, bambole nidificanti, giocattoli Dymkovo o fotografie e immagini). Insieme ai bambini li consideriamo, accompagnandoli con le spiegazioni necessarie per aiutare i bambini a comprendere le caratteristiche di un particolare mestiere. Per più percezione emotiva bambini popolari arte Utilizzo l'arte popolare orale (rime, poesie, barzellette).

Quando ho conosciuto i prodotti degli artigiani popolari, ho deciso quanto segue compiti:

Conoscere l'artigianato popolare russo, suscitare interesse per l'arte popolare;

Formare le capacità di disegnare elementi di murales e scolpire giocattoli popolari;

- sviluppare capacità di lavorare con un diagramma.

Oltre i compiti campo educativo « Artistico sviluppo estetico »

compiti provenienti da altri percorsi formativi regioni:

Fisico sviluppo:

formare la capacità di coordinare, coordinare i movimenti con la parola;

sviluppare le capacità motorie fini.

Socio-comunicativo sviluppo:

formare una sfera emotivo-volitiva, reattività nella comunicazione con coetanei, adulti e genitori;

coltivare l'amore per la terra natale, l'eredità degli antenati, il rispetto per il proprio lavoro.

cognitivo sviluppo:

per formare ed espandere l’idea della diversità dei soggetti decorativo e applicato arte;

espandere le idee sui materiali con cui gli artigiani creano opere arte(argilla, legno, ceramica, fili, ecc.).

Discorso sviluppo:

arricchire il vocabolario;

sviluppare discorso dialogico e monologo;

sviluppare interesse per l'arte popolare orale.

Passato dalla conversazione alla pratica parti:

Hanno imparato a disegnare elementi di murales, a scolpire un giocattolo popolare prossime lezioni ho conosciuto nuovi elementi, tecniche di modellazione e ho anche corretto la combinazione di colori. Prima di disegnare gli elementi su carta, li disegniamo nell'aria. Nella pratica del mio lavoro utilizzo ampiamente la didattica Giochi: "Impara attraverso la descrizione", "Ripeti elemento", "Crea un modello", "Traccia e colora"…. Lo scopo di questi giochi è insegnare la tecnica di disegnare elementi, sviluppo abilità motorie eccellenti mani, consolidamento delle idee sull'artigianato, combinazione di colori, sviluppo della fantasia, capacità compositiva. A poco a poco, dal disegno su una striscia, un quadrato, un cerchio, passiamo alla pittura di sagome planari. Quando i bambini conoscono questo o quell'elemento, presto attenzione all'individualità di ciascun modello. I bambini iniziano a disegnare, a scolpire con maggiore sicurezza di lezione in lezione. Con l'accumulo di impressioni estetiche nei bambini si sviluppa si forma la percezione visiva, l'udito, l'interesse. Padroneggiano in realtà il colore, le linee, i suoni, i movimenti, il ritmo, la simmetria, che gradualmente appaiono davanti a loro come belle forme e proprietà. La bellezza della gente arte influenza direttamente lo stato d'animo dei bambini, il loro umore, è una fonte di emozioni che influenzano il loro atteggiamento nei confronti del mondo che li circonda. L'esame dell'artigianato provoca gioia nei bambini, buoni sentimenti. La formazione delle abilità di disegno, le tecniche di modellazione sono costruite da semplici a complesse. Dopo che si sono formate le competenze tecniche, sviluppare l'immaginazione creativa dei bambini, utilizzando la didattica Giochi: "Immagini accoppiate", « domino decorativo» , "Assemblare il tutto", "Riconosci il giocattolo"…. Li utilizzo sia in classe che nelle attività libere. Questi giochi aiutano i bambini a inventare nuove composizioni, comporre, disegnare modelli da soli. Durante tutto il lavoro, vengono organizzate mostre di opere per bambini per i genitori per mostrare il loro successo nel padroneggiare i dipinti popolari. Molti genitori capiscono il ruolo delle belle arti nell’educazione dei bambini in età prescolare, ma soprattutto vederla dentro sviluppo del linguaggio, pensando. Sottovalutano il fatto che la percezione che il bambino ha della gente arte, ha un forte impatto sulla formazione della sua personalità, sulla coscienza, sul comportamento, sulla sfera emotiva, sulla formazione di una visione estetica della realtà. Disponibilità artisticamente- La creatività nei bambini è la chiave per un'istruzione di successo, quindi queste abilità dovrebbero esserlo svilupparsi il più presto possibile. Contribuiscono il disegno, la modellazione, l'applicazione, il lavoro manuale sviluppo immaginazione creativa, osservazione, artistico pensiero e memoria del bambino. È nell'attività visiva che ogni bambino può mostrare la sua individualità. Pertanto, conduco un lavoro educativo con i genitori. Il compito principale in questa direzione è inculcare l'interesse per le belle arti. arte; la formazione della capacità di utilizzare determinati metodi metodologici per familiarizzare i bambini con la vista arte tenendo conto delle caratteristiche individuali dei bambini. Lo spostamento delle cartelle e la consultazione aiutano a risolvere questi problemi. Contengono consigli metodologici su cosa cercare nel processo di esame degli oggetti; come insegnare a disegnare elementi murali e creare modelli; cosa dire. Inoltre, organizzo mostre itineranti per i genitori. giochi didattici contribuendo sviluppo dell’interesse per le arti e i mestieri, artisticamente- capacità creative, educazione all'amore e al rispetto della cultura del proprio popolo. Assicurati di includere suggerimenti su come organizzare giochi con i bambini insieme ai giochi. Come risultato del GCD, delle biblioteche di giocattoli, del lavoro con i genitori, i bambini hanno un interesse costante arti e mestieri. I bambini sanno navigare bene su un foglio di carta, imparano gli elementi dei dipinti, i colori; le abilità con il pennello sono migliorate.

Nel corso dell'attuazione dei compiti fissati, è necessario monitorare i risultati della formazione delle idee dei bambini sulle persone arte e artistico tecniche di disegno e scultura basate su dipinti decorativi . Per fare ciò, conduco la diagnostica secondo determinati criteri che mostrano il livello di interesse per l'arte popolare, attività artistica, abilità scultoree e pittoriche. Nel processo di introduzione dei bambini alla gente arte Ho pensato quanto segue conclusioni:

Familiarizzazione con arti e mestieri ha un effetto positivo sull'estetica sviluppo del bambino; arte porta gioia ed emozioni positive nel mondo del bambino.

Quando si conoscono i prodotti arti e mestieri ai bambini si rivela la diversità e la ricchezza della cultura del popolo, si assimilano le tradizioni e i costumi trasmessi di generazione in generazione.

studiando decorativo- Arte applicata, i bambini imparano natura circostante arricchire il vocabolario, sviluppare la capacità di esprimere coerentemente i propri pensieri.

I bambini distinguono i tipi di dipinti (per colore, modello, materiale).

I bambini hanno imparato una varietà di tecniche di disegno e modellazione durante il trasferimento di questo o quel dipinto, dei giocattoli.

Si può quindi affermare che arti e mestieri come una parte educazione estetica aiuta i bambini in età prescolare a svilupparsi i bambini hanno un atteggiamento estetico nei confronti della realtà, amore per la loro terra natale, pensiero, immaginazione. Arte nella vita di un bambino è un metodo di conoscenza figurata della vita; fornisce un contenuto ricco che porta al bambino molte esperienze, pensieri, conoscenze profonde. Esso si sviluppa capacità mentali e apparato percettivo del bambino.

1.1 Luogo speciale di arti e mestieri

1.2 Filosofia delle arti e dei mestieri

2.1 Emersione di arti e mestieri

2.2 Il ruolo delle arti e dei mestieri nella società moderna

2.3 Arti decorative e applicate come parte integrante della vita culturale della società Conclusione Elenco della letteratura utilizzata

Introduzione L'arte decorativa e applicata affonda le sue radici nella profondità dei secoli. L'uomo ha creato oggetti esteticamente preziosi durante tutto il suo sviluppo, riflettendo in essi interessi materiali e spirituali, quindi le opere d'arte e di artigianato sono inseparabili dal momento in cui sono state create. Nel suo significato fondamentale, il termine "arti e mestieri" si riferisce al design articoli casalinghi, che circonda una persona per tutta la sua vita: mobili, tessuti, armi, stoviglie, gioielli, vestiti - cioè tutto ciò che costituisce l'ambiente con cui entra in contatto quotidianamente. Tutte le cose che una persona usa dovrebbero essere non solo comode e pratiche, ma anche belle.

Questo concetto si è formato nella cultura umana non immediatamente. Inizialmente, ciò che circonda una persona nella vita di tutti i giorni non era percepito come dotato di valore estetico, sebbene le cose belle abbiano sempre circondato una persona. Anche nell'età della pietra, oggetti domestici e armi erano decorati con ornamenti e tacche, poco dopo apparvero gioielli in osso, legno e metallo, per il lavoro veniva utilizzata un'ampia varietà di materiali: argilla e pelle, legno e oro, vetro e fibre vegetali, artigli e denti di animali. Utensili e tessuti ricoperti di pittura, abiti ricamati, intagli e ceselli venivano applicati ad armi e utensili, Gioielleria fatto da quasi tutti i materiali. Ma la persona non ha pensato al fatto che le solite cose che lo circondano per tutta la vita possano essere chiamate arte e separate in una tendenza separata. Ma già nel Rinascimento l'atteggiamento nei confronti degli oggetti di uso quotidiano cominciò a cambiare. Ciò è stato causato dal risveglio degli interessi delle persone in passato, associato al culto dell'antichità sorto in quel momento. Allo stesso tempo, è sorto l'interesse per l'edilizia abitativa, come oggetto equivalente in termini di valore estetico altri oggetti d'arte. massimo sviluppo arti e mestieri arriva nell'era del barocco e del classicismo. Molto spesso, la forma semplice e praticamente conveniente dell'oggetto era nascosta dietro decorazioni squisite: pittura, ornamenti, goffratura.

Moderno processo artistico complesso e sfaccettato, così come complesso e sfaccettato realtà moderna. L'arte, comprensibile a tutti, ci circonda ovunque: a casa e in ufficio, in azienda e nel parco, negli edifici pubblici - teatri, gallerie, musei. Tutto: da anelli, braccialetti e set da caffè a un complesso tematico olistico di opere d'arte e artigianato di grandi dimensioni edificio pubblico- sopporta la diversità delle ricerche artistiche dei maestri, che percepiscono sottilmente lo scopo decorativo dell'oggetto, organizzando e riempiendo la nostra vita di bellezza. Per creare il comfort necessario per una persona e allo stesso tempo decorare la sua vita, gli artisti si sforzano di garantire che tutte le cose utilizzate nella vita di tutti i giorni non solo corrispondano al loro scopo, ma siano anche belle, eleganti e originali. E la bellezza e il beneficio sono sempre vicini quando i maestri si occupano della questione, e dalla maggior parte materiali diversi(legno, metallo, vetro, argilla, pietra, ecc.) creano oggetti per la casa che sono opere d'arte.

1. Il ruolo delle arti e dei mestieri nella vita delle persone

1.1 Un posto speciale per le arti e i mestieri Da più di un secolo, i problemi etnici hanno letteralmente invaso, sotto varie forme, le discipline umanistiche, riordinando concetti già più o meno consolidati e rivelando in essi nuovi contenuti. In effetti, il sincretismo esteriormente osservabile e la natura euristica della realtà etnica non possono passare inosservati a quelle sezioni della scienza umana che pretendono di essere sistematiche. Oltre ai compiti di ricerca volti a rivelare il comune e lo speciale nella vita culturale delle diverse comunità etniche, esiste un bisogno acuto, in molti casi urgente, di cercare usanze popolari e la pronta soluzione dei problemi psicologici pratici per stabilire i mezzi culturali minimi. Zavyalov K. F. Religione dei popoli slavi. T. 1, 2 / Tomsk, 1994 - 1995. Un posto speciale tra questi mezzi è occupato dalle arti e dai mestieri (DPI), che sono strettamente connessi, o più precisamente, crescono organicamente dal modo di vivere abituale e radicato delle persone . I DPI dei popoli, in particolare, sono giustamente considerati ormai non come oggetti domestici obsoleti, ma come polifunzionali, costituenti allo stesso tempo la mentalità (secondo L. Fevre) e l'uso utilitaristico, come cose belle, abilmente e opportunamente realizzate, in quali talenti popolari e cultura artistica, tecnologia e autocoscienza del gruppo etnico, personalità dell'autore e norma sociale. DPI non ha mai limitato le sue funzioni al solo design utilitaristico (decorativo). Quale lato della vita Tribù slava Non importa come la guardi, puoi vedere ovunque due influenze reciproche: la vita sull'arte e l'arte sulla vita. In questa "inspirazione ed espirazione" dell'arte si tracciano tangibilmente il ritmo del pensiero popolare, la sua magia e "prelogicità", la visione del mondo e il sistema delle relazioni interpersonali, i fondamenti educativi e le priorità etiche. Il modo in cui questi crogioli del passato comprensione artistica i segni influenzano la prossima generazione comunità etnica, ed è oggetto del nostro studio.

Secondo G. W. F. Hegel, “se noi stiamo parlando riguardo all'obiettivo universale, e non accidentale, dell'arte, quindi, tenendo conto della sua essenza spirituale, questo obiettivo finale può essere solo spirituale e, inoltre, non accidentale, ma radicato nella natura stessa dell'obiettivo. Per quanto riguarda l'edificazione, questo obiettivo potrebbe essere solo quello di portare alla coscienza il contenuto spirituale essenziale attraverso un'opera d'arte. L’arte è diventata davvero la prima maestra dei popoli”. A ciò va aggiunto che l'identità del popolo e della sua cultura significa la sua autorealizzazione, l'alterità del suo spirito, la sua espansione e rappresentazione esterna sotto forma di prodotti della cultura del suo pensiero. L'immagine artistica che accompagna un'opera d'arte non è determinata solo dalla destinazione della cosa o dalla materia di cui è composta, ma è anche fonte, mezzo e risultato dell'attività semiotica, segno e messaggio allo stesso tempo . Pertanto, in relazione ai popoli con un DPI primordialmente conservato, si può sostenere che fin dalla nascita, i messaggeri muti della cultura iniziano ad educare un bambino fin dalla nascita. Qualunque oggetto raccolga un bambino, lui gioventù si trova di fronte alla necessità di deoggettivare questo messaggio, poiché non esiste un simile ambito della vita quotidiana, soprattutto tra i popoli il cui stile di vita non è ancora molto ricettivo agli ideali della cultura di massa europea o asiatica (dove, insieme al carattere di massa, l'alienazione sta crescendo), dove i prodotti della “vita quotidiana” dell'artista non sarebbero penetrati. Compito generale la ricerca psicologica può quindi essere orientata a determinare l’effettivo ruolo dei DPI nella sviluppo del bambino persone, poiché anche l'osservazione più preliminare delle forme educative consolidate indica il profondo coinvolgimento del DPI in tutte le circostanze culturali delle attività dei bambini.

Tra gli slavi, che continuano a vivere nel contesto della natura (villaggi, fattorie, ecc.) e mantengono il loro stile di vita abituale, questa educazione avviene con l'aiuto del mondo circostante, che non è inquadrato solo in "concetti" , come in una società tecnogenica, ma anche nello spazio simbolico simbolico - una sorta di rifrazione attraverso decorazioni, ornamenti e mosaici, incorporati negli oggetti domestici, nei vestiti, nel modo di vivere, nei comandamenti eternamente viventi e custoditi con cura, che vengono trasmessi di secolo in secolo non sotto forma di istruzioni e consigli "come vivere", ma attraverso le tradizioni di studio congiunto, utilizzo, produzione di articoli DPI. Secondo D. Lukacs, "decorando gli strumenti del lavoro, una persona già da tempo immemorabile ha padroneggiato singoli oggetti, che, sia praticamente che tecnicamente, sono stati a lungo una sorta di continuazione del suo raggio d'azione soggettivo, li ha resi parte integrale il suo "io" nel senso più ampio. In effetti, il DPI tra gli slavi è una lingua comunitaria, i primi segni di padronanza che si possono riscontrare anche nei bambini. Questa lingua non è stata appositamente formata, ma nelle condizioni di un collegio nazionale - una sorta di confine tra due culture: esterna e interna, la sua - diventa uno dei sistemi di mezzi più sviluppati di cui un bambino è pronto a disporre in una nuova situazione per se stesso. Zavyalov K. F. Religione dei popoli slavi. Vol. 1, 2 / Tomsk, 1994-1995.

1.2. Filosofia delle arti e dei mestieri La combinazione di metodi etnografici, storici, culturali e psicologici è, secondo I. S. Kon, necessaria per il corretto studio del fenomeno psicologico e filosofico. Ecco perché, nello studio della funzione e del ruolo dei DPI nella formazione di mezzi per un adeguato orientamento dei bambini nel mondo che ci circonda, consideriamo DAYS un fenomeno indipendente, cercando ai primi passi di determinarne i confini e in in termini generali presentare la sua fenomenologia filosofica. In altre parole, il filo della nostra ricerca è rivolto al fenomeno dei DPI in modo tale che dietro le forme di comportamento ludico e di pensiero del bambino, colto nella soluzione di compiti particolari, significato generale DPI per lo sviluppo infantile.

Studi di carattere culturale e filosofico (J. Fraser, E. B. Tylor, L. Levy-Bruhl, K. Levy-Strauss, ecc.) ci rivelano uno spazio speciale per l'esistenza del pensiero degli slavi "naturali" (mantenendo tuttora un rapporto speciale con la natura). Questo spazio è pieno dello spirito (pensiero) del popolo, plasmato dalle sue tradizioni, rituali, stereotipi etnici, saturo di magia, partecipazione, pralogia, ecc. DPI è una parte essenziale e integrante, un momento di questo spirito; una delle sue proprietà più essenziali è quella di rivolgersi a ciascuna nuova generazione emergente di una comunità etnica. È in questa forma (insieme alla scrittura formalizzata o emergente) nel linguaggio dei costumi e degli ornamenti, dei modelli e dei rituali, delle decorazioni e dei colori che i popoli mantengono il legame con i tempi e trasmettono le loro norme etniche dal nonno al nipote. Questo processo di trasmissione è nascosto agli occhi indiscreti; è intimo sebbene quotidiano, non sistematico sebbene regolare; è stabilito dalla routine culturale, ma viene padroneggiato in modo personale.

Quindi, tutti gli articoli per la casa degli slavi erano realizzati esclusivamente con materiali locali. Ogni famiglia aveva molti contenitori di corteccia di betulla forme diverse e appuntamenti, e uomini scolpivano mortai, tinozze, palette, cucchiai di legno. Scatole e targhe erano originali. Vestiti e piccoli oggetti venivano conservati in borse e borse varie fatte di pelli e tessuti. Forse più importanti di queste funzioni puramente pratiche e utilitaristiche erano le funzioni informative e magiche del DPI. Colorato e artistico grande finzione venivano realizzati vestiti e scarpe. La funzione informativa (identificativa) era svolta dagli elementi del disegno del colore e dell'ornamento, che era molto diffuso. I motivi decoravano vestiti, scarpe, cappelli, cinture, custodie per aghi, cuscini, borse, scatole, corpi, culle. L'ornamento degli slavi, come qualsiasi altra lingua etnica del grafema, si distingueva per la ricchezza delle forme, la varietà delle trame, il rigore e la chiarezza della costruzione. Pertanto, l'ornamento degli oggetti, come del resto tutti i DPI in generale, dovrebbe essere percepito da noi non come una bizzarra fantasia del maestro, ma come una parte importante cultura popolare come mezzo per esprimere gusti artistici, caratteristiche nazionali delle persone, la loro visione del mondo e la storia. Hegel GWF Estetica. T.1.M., 1968,

La funzione educativa del DPI può non essere chiaramente espressa per un osservatore esterno, ma la sua completezza e regolarità sono certamente evidenti. Dalla culla, il bambino è accompagnato da oggetti per la casa realizzati con la brillante tecnica artistica del DPI. Per quanto possiamo giudicare dai risultati di sondaggi, interviste e osservazioni, nel corso di questa inclusione nella cultura avviene una sorta di trasformazione della “simbiosi” dell’educatore (nei Khanty non è esplicitamente distinta, questa funzione viene assunta da tutti gli adulti che si trovano accanto al bambino), sistema segnico-simbolico dei DPI e del bambino. La distanza psicologica tra l'adulto, il bambino e l'oggetto comincia già nella prima infanzia a trasformarsi sostanzialmente, in questa cultura laconica, in una sorta di parità.

Essendo il linguaggio della comunità, DPI porta idee che uniscono le persone in un unico insieme, un segno comune che consolida le forze spirituali dei Khanty e i loro modi di autocoscienza ed espressione di fede in un futuro migliore, segni dei quali sono facilmente rilevabile nei bambini. Allo stesso tempo, è degno di nota il fatto che la lingua DPI non è completamente formata (o è già andata perduta) come universale etnico universale e viene utilizzata per lo più senza comprensione.

Molto probabilmente, il valore educativo del DPI supera tutte le nostre possibili idee al riguardo. Una cosa è chiara, non si limita solo alle funzioni pratiche e utilitaristiche: un tempo i prodotti DPI svolgevano la funzione di “talismano” e nessuno poteva farne a meno. Spiriti maligni si avventavano su di lui e lo ferivano o gli trasmettevano malattie. Questi prodotti, come i gioielli per le donne, un ornamento o un segno generico sugli abiti da uomo, proteggevano i loro proprietari dall'influenza di forze che non erano ancora loro chiare. Ai nostri giorni, le persone non sempre ammettono di credere nel potere miracoloso dei gioielli e degli ornamenti, ma continuano a realizzare e indossare questi prodotti. Oltre al fatto che le decorazioni sono belle e sorprendenti, esprimono il carattere nazionale, tribale e etnia, e prima portavano anche l'identificazione e la certezza personale dei loro proprietari. Hegel G.W.F. Estetica. T.1.M., 1968,

Il fenomeno DPI permea tutti gli aspetti della vita: l'organizzazione della vita quotidiana, il modo di vivere le relazioni familiari, tribali, “internazionali” e interpersonali. Il ruolo e le funzioni del DPI (illuminazione, rito, estetica, ecc.) Non sono sempre chiaramente compresi, ma sono costantemente contenuti in qualsiasi oggetto d'arte, nelle manifestazioni di comportamento e di pensiero. Il DPI è compreso, apprezzato e utilizzato da tutti i membri di questa comunità e non sarebbe esagerato affermare che molti ne sono coinvolti. L'atteggiamento nei confronti dei DPI può servire come misura dell'autocoscienza delle persone in quanto contenente integrità mentale ed espressa in un "messaggio" segno-simbolico per gli altri e per se stessi.

2. Lo sviluppo delle arti e dei mestieri nel nostro tempo

2.1 Emersione di arti e mestieri Pertanto, non inventeremo alcuna nuova definizione di DPI e ci rivolgeremo al Dizionario enciclopedico russo (RES), un libro progettato per affermare seccamente opinioni stereotipate su qualsiasi fenomeno scientifico. DPI è presentato in un articolo molto dettagliato:

"Arte decorativa e applicata - il campo dell'arte decorativa: la creazione prodotti d'arte, aventi uno scopo pratico nella vita pubblica e privata, e la lavorazione artistica di oggetti utilitari (utensili, mobili, tessuti, strumenti, veicoli, abbigliamento, gioielli, giocattoli, ecc.). Nella lavorazione dei materiali (metallo, legno, vetro, ceramica, vetro, tessuti, ecc.), vengono utilizzati fusione, forgiatura, goffratura, incisione, intaglio, pittura, intarsio, ricamo, stampa, ecc. D.-p.i. fanno parte dell'ambiente oggettivo che circonda una persona e lo arricchiscono esteticamente. Di solito sono strettamente collegati con l'ambiente architettonico e spaziale, con l'insieme (sulla strada, nel parco, all'interno) e tra loro, formando un sottile. complesso. Sorto in tempi antichissimi, D.p.i. è diventato uno dei aree critiche arte popolare, la sua storia è legata all'artigianato artistico, alle attività artisti professionisti e artigiani popolari, dall'inizio del XX secolo. anche con la progettazione e costruzione. Sokolov K. F. Religione dei popoli slavi. T. 1, 2 / Mosca, 1994 - 1995.

Quindi, nell'arte decorativa si distinguono tre tipologie: arte monumentale e decorativa, arte design e DPI.

Poniamoci subito la domanda: perché di queste tre tipologie solo DPI ha ricevuto un nome breve noto quasi a tutti? Perché esiste un nome comunemente usato per gli artisti che lavorano nel campo delle belle arti - "DPIshniki", e non ci sono "MDIshniki" e "OIshnikov"? Perché quando parlano di “applicati” intendono proprio gli artisti del DPI?

Vediamo: qualunque muralista può dirsi pittore (o scultore), e su questo nessuno si opporrà. I designer (così come i cartellonisti, così come gli scenografi) hanno il diritto di essere chiamati grafici o pittori (e talvolta scultori), e anche questo è nell'ordine delle cose. Ma i "DPIshniki" (ufficialmente - "applicati") sono gioiellieri, ceramisti, fabbricanti di cofanetti e maestri dell'artigianato popolare, e chiunque altro, ma non pittori, non grafici e non scultori.

E se un gioielliere o un ceramista si definisce uno scultore, e un miniatore di Palekh o Rostov si definisce un pittore, allora ciò susciterà una lieve sorpresa tra coloro che lo circondano nella migliore delle ipotesi, e nel peggiore dei casi un'osservazione del tipo “non salire sulla tua slitta. "

Tipicamente, il RES ha “legittimato” anche questa situazione. Senza entrare nelle vicissitudini dei vari ambiti della filosofia dell’arte, i suoi autori affermano:

"Arte,

1) sottile. creatività in generale: letteratura, architettura, scultura, pittura, arti grafiche, arti e mestieri, musica, danza, teatro, cinema e altre varietà di attività umana che si combinano come forme artistiche e fantasiose di dominio del mondo...

2) In senso stretto: le belle arti.

3) Un alto grado di abilità, padronanza in qualsiasi campo di attività.

E "arte in senso stretto" - bene, - secondo gli autori del RES, significa "una sezione dell'arte plastica che unisce pittura, scultura e grafica".

E se l'assenza in questo elenco esaustivo, ad esempio, dell'arte fotografica può essere spiegata dalla relativa novità di quest'ultima, allora perché non è stato incluso qui il DPI, che esiste da molti millenni?

2.2 Il ruolo delle arti e dei mestieri nella società moderna Per capire se una situazione così strana con i DPI sia nata per caso o meno, è necessario ricordare gli anni Trenta e Cinquanta del Novecento - un lungo periodo di formazione di "sindacati di artisti sovietici". Fu allora che quando furono create l'Unione degli artisti di Mosca e l'Unione degli artisti dell'URSS, le sezioni di pittori, grafici, scultori, decoratori, muralisti e "artisti applicati" furono assegnate su un piano di parità.

Probabilmente, nel risolvere i problemi organizzativi dei sindacati, tutte queste sezioni godevano davvero di pari diritti. Ma la confusione era già iniziata. Sokolov K. F. Religione dei popoli slavi. T. 1, 2 / Mosca, 1994 - 1995.

Il fatto è che non è facile nominare un pittore che non abbia mai progettato in vita sua nessun museo, mostra, chiesa o centro culturale. O uno scultore che ha lavorato esclusivamente con la plastica da cavalletto e non ha messo in scena una sola opera monumentale. O un artista grafico che non ha mai illustrato un solo libro.

E così è successo che tra le sezioni "uguali" c'erano tre "più uguali": pittori, grafici e scultori, che potevano impegnarsi nella loro arte da cavalletto "alta", e allo stesso tempo fare tutto ciò che, in teoria, apparteneva alla competenza di muralisti e designer. E, naturalmente, nessuno poteva vietare ai membri delle sezioni "applicate" di dedicarsi alla "pittura da cavalletto", ma alle mostre di massa di tutta l'Unione potevano contare solo su sale "periferiche", e l'acquisto di opere da cavalletto da loro era l'eccezione piuttosto che la regola.

Di conseguenza, qualsiasi artista che almeno una volta nella sua vita si è cimentato con la pittura da cavalletto, la grafica o la scultura (e come potrebbe essere senza di questa?), ha cercato innanzitutto di unirsi alle sezioni che formavano "l'arte in senso stretto". " E se per qualche motivo non ha funzionato, è andato "in periferia" - da muralisti o designer. Naturalmente c'erano delle eccezioni a questa regola, ma solo per ragioni soggettive: se, ad esempio, tutti gli amici dell'artista N si erano già uniti all'Unione degli artisti di Mosca come designer, allora perché N ha cercato di rivolgersi a pittori o grafici con un rischio enorme di "rotolarsi" alle commissioni di accoglienza? È meglio andare direttamente al tuo...

C'erano anche eccezioni di diverso tipo: nella storia di ciascuna delle “unioni di artisti sovietici”, come nelle attuali unioni creative russe, ci sono periodi in cui muralisti o designer erano “al timone”. Ma queste situazioni erano e sono esclusivamente soggettive.

In tutta onestà, notiamo che la divisione in pittori e grafici era altrettanto condizionata e soggettiva. Ad esempio, quale pittore non ha mai dipinto ad acquerello e non ha mai preso in mano il pastello?

Ma l'incarico del pittore alla grafica, sebbene significasse l'impossibilità di essere al centro onorario di qualsiasi esposizione tutta dell'Unione (e ora tutta russa), non equivaleva ancora a uscire dall '"arte in senso stretto" - belle Arti.

Come abbiamo già visto, muralisti e designer non hanno perso il diritto di essere chiamati pittori e grafici e, di conseguenza, non sono nemmeno usciti dall’“arte in senso stretto”. Gli scultori-monumentalisti non si sono mai distinti dalla “comunità scultorea generale”.

Ma gli “applicatori” sono stati i meno fortunati. Si sono rivelati l'eterna "seconda elementare". Si è scoperto che gioiellieri, ceramisti e artisti del vetro non sono scultori e i miniaturisti non sono pittori. Sul rigoglioso e diffuso albero del riconoscimento ufficiale sovietico, nella migliore delle ipotesi, brillava per loro il titolo di “Artista Onorato” o “Operaio Onorato delle Arti”. Artista popolare dell'URSS, membro corrispondente e ancor più membro a pieno titolo dell'Accademia delle arti: queste "altezze" erano alle stelle per loro. Inoltre, per la stragrande maggioranza dei "lavoratori applicati" il "nuoto libero" era praticamente escluso (ordini da organizzazioni ufficiali, acquisti del Ministero della Cultura da mostre, ecc.) - erano costretti a guadagnare con "artigianato popolare" o "di sinistra" .

Dopo lo schianto Il potere sovietico le restrizioni formali sulle attività dei “richiedenti” sono scomparse, ma rimane lo stigma della “seconda classe”. Recentemente, a uno dei miei conoscenti, un pittore che ha presentato domanda di ammissione all'Unione degli artisti di Mosca, è stato offerto di unirsi alla sezione DPI solo perché ha avuto l'imprudenza di portare comitato di ammissione non fotografie delle loro opere da cavalletto, ma cartoline stampate con le loro riproduzioni. E se ai nostri tempi non esistessero unioni “alternative” di artisti, questo pittore sarebbe rimasto un “artista applicato”. Ramzin V.M.,. Incontra gli slavi. Mosca, 1992.

Allora da dove viene questo “applicatore di second’ordine” a priori, ed è giustificato?

È molto probabile che, nelle condizioni di dominio monopolistico del sistema di distribuzione sovietico, tale status di “seconda classe” avesse alcune ragioni.

"Storicamente" - dal XVIII all'inizio del XX secolo - gioiellieri, soffiatori di vetro, ceramisti, ricamatori e altri "lavoratori applicati" russi erano in gran parte "impersonali". Il grande pubblico conosceva solo i nomi dei proprietari di fabbriche e officine, e quasi tutti gli artigiani, anche quelli più talentuosi, raramente avevano l'opportunità di mostrare l'individualità del proprio autore.

Per quanto riguarda pittori e scultori, l'Accademia Imperiale delle Arti, imponendo rigidamente il proprio stile e le proprie "regole del gioco", non ammetteva quasi mai la spersonalizzazione, conservando per la storia i nomi anche di molti "apprendisti". E la stragrande maggioranza dei maestri "ordinari" dell'industria della gioielleria, del vetro e della porcellana dell'Impero russo sprofondò irrimediabilmente nell'oblio. L'ascesa senza precedenti dell '"arte decorativa e applicata dell'URSS" dell'autore avvenne solo alla fine degli anni Cinquanta del XX secolo.

E negli anni '30 -'50 i leader unioni creative ei loro curatori degli organi del partito hanno cercato sinceramente (in ogni caso, secondo la tradizione "imperiale") di separare gli "agnelli dalle capre" - i "genuini creatori" dagli "artigiani".

Fu allora che nacque la divisione degli artisti in "puliti e impuri" - "pittori da cavalletto" e "artisti applicati". In teoria, i pittori e gli scultori “veri sovietici” non avrebbero dovuto guadagnare soldi extra con l’artigianato popolare e realizzare giocattoli (il fatto che molti veri artisti fossero costretti a guadagnare soldi extra come caricatori e fuochisti è ormai fuori discussione). Sì, e stampare "cloni" delle loro opere, inserire i loro dipinti e sculture nel flusso industriale, in teoria, "veri artisti" non avrebbero dovuto esserlo - ma per un "artista applicato" questo sembra essere nell'ordine delle cose.

2.3 Arti decorative e applicate come parte integrante della vita culturale della società Resta quindi irrisolta una questione: cosa fare con il termine “arte decorativa”, le cui opere, secondo il RES, “formano artisticamente la materia” ambiente che circonda una persona e porta un inizio esteticamente figurativo", ma allo stesso tempo, in contrasto con l'arte da cavalletto "autosufficiente", "rivelano più pienamente il loro contenuto nell'insieme, per l'organizzazione estetica di cui sono creati" ?

Sì, è ancora più difficile abbandonare la divisione delle opere d'arte in “decorative” e “cavalletto” che in “cavalletto” e “applicate”. Ma, a quanto pare, dovremo farlo. Altrimenti, il dibattito se la “Madonna Sistina” abbia un carattere “da cavalletto” o “decorativo” può essere infinito e infruttuoso, poiché qualsiasi opinione qui può essere estremamente soggettiva.

Ad esempio, dove appare meglio la "Trinità" di Andrei Rublev? In una cattedrale poco illuminata e fumosa, ma "nativa", o è nella Galleria Tretyakov, dove è assolutamente conservata ed esposta secondo tutti i canoni espositivi?

Secondo la visione stereotipata, "legittimata" dal RES, risulta che il riconoscimento del capolavoro di Rublev come opera "decorativa" o "da cavalletto" dipende esclusivamente dalla risposta alla domanda su dove "Trinità" sembra migliore. Ma in effetti probabilmente non è vano che si affermi: un capolavoro è un capolavoro anche in Africa. E inoltre, anche se all’improvviso si scoprisse che la “Trinità” di Rublev sembra migliore nella cattedrale che nella Galleria Tretyakov, qualcuno oserebbe chiamare questa icona “un’opera d’arte decorativa”?

In effetti, nessuno chiama la “Trinità” in questo modo. Ma la stragrande maggioranza delle icone viene solitamente classificata in questo modo.

Ciò significa che con “arte decorativa” risulta esattamente lo stesso che con DPI: nella pratica attuale della critica d’arte, questo termine a priori esprime l’opera di second’ordine. Di conseguenza, tutti i tipi di arte in esso inclusi risultano essere “di seconda categoria”: monumentale, progettuale e applicata, da cui abbiamo iniziato il nostro studio.

Ma pochi di loro critici d'arte contemporanea non sarà d'accordo sul fatto che il sentimento dell'insieme, la capacità di formare un unico spazio, l'uscita del concetto dell'autore oltre lo scopo dell'opera stessa è "acrobazia", e non tutti i "pittori da cavalletto" ne sono capaci [ 22, luogo ].

Quindi, abbiamo ragione a parlare di “seconda classe” qui? No e ancora no. Ma è proprio questa “seconda categoria” che ci viene dettata dalla moderna concezione stereotipata di “arte decorativa”.

Naturalmente, non abbandoneremo completamente il concetto di "decoratività" in quanto tale. Ad esempio, è possibile posizionare primariamente un'opera d'arte come “decorativa”, come nel caso di Raffaello con la “Madonna Sistina” o di Rublev con la “Trinità”. Assistiamo anche all'uso diffuso di oggetti “da cavalletto” per scopi decorativi: la maggior parte delle opere d'arte bidimensionali e tridimensionali non si trovano ancora nei musei, ma nella “vita pubblica e privata” negli interni.

Ma oggi una cosa può finire in un interno, domani in un museo, e dopodomani può ritornare di nuovo all’interno. Tutti questi casi sono soggetti solo a una valutazione locale e in nessun caso comportano un'assegnazione classificatoria a categorie globali come il cavalletto o l'arte decorativa.

L.V. Tazba, nel suo articolo "La valutazione degli artisti e la comprensione filosofica dell'arte", pubblicato nel terzo numero del libro di consultazione "Unified Artistic Rating", ha definito il fenomeno dell'arte (al di fuori delle opportunità politiche, economiche e sociali concrete) come un unità soggetto-oggetto “artista-opera”. Questo approccio, secondo L. V. Tazba, offre a tutti l'opportunità di manifestarsi in una situazione di "lavoro-spettatore".

Queste definizioni ci aiuteranno a passare dai concetti obsoleti di cavalletto e arte decorativa a una terminologia più moderna. Dopotutto, "pittura da cavalletto" e "decoratività" classificano le opere d'arte in base alla loro posizione in uno spazio particolare: un tempio, un museo, un corridoio, una camera da letto, ecc. Quindi, abbiamo il diritto di dire che questi termini denotano la componente spaziale della situazione “spettatore-lavoro”.

Tutte le opere hanno indubbio merito artistico, ma in esse c'è anche una certa calma e ripetizioni di tecniche già trovate. Le opere di molti maestri riconosciuti a volte mancano di coraggio creativo, acutezza e ricerca di novità formali. Forse è per questo che l'esposizione attira l'attenzione sui tentativi di introduzione creatività nella tecnica del macramè, che si è diffusa molto negli ultimi anni. Ciò vale principalmente per il grande trittico di T. Myazina (regione di Mosca) "Birch Grove" e l'arazzo degli artisti V. e N. Yanovs "Fair" (Gorky). L'arazzo dei giovani artisti di Krasnodar V. e L. Zubkov "Kubanskaya Niva", realizzato in modo audace ed espressivo, ha suscitato grande interesse alla mostra. Anche la sua consistenza è stata trovata con successo, che ricorda leggermente il denso pane Kuban.

Le arti plastiche: vetro: ceramica, porcellana e altri - sono state presentate nell'esposizione principalmente con lavori sperimentali. Le ricerche sono molto diverse. Nel vetro siamo già abituati a grandi forme decorative, che i nostri principali vetrai utilizzano per esprimere la loro visione del mondo e talvolta pensieri filosofici profondi. Tali sono le opere di L. Savelyeva, V. Muratov, B. Fedorov. Sono interessanti per noi in termini di sviluppo di temi e immagini di cui questi artisti sono costantemente appassionati. Di mostra in mostra, l'abilità di incidere e tagliare il cristallo cresce e si affina da parte di A. Astvatsaturyan (Leningrado), O. Kozlova e V. Korneev (Gus-Khrustalny), la plastica diventa più ricca e piena nelle composizioni di S. Beskinskaya ( Mosca), A. Stepanova (Mosca), L. Urtaeva (Mosca), soluzione cromatica più emotiva e sottile delle opere di G. Antonova (Mosca), S. Ryazanova (Mosca), D. e L. Shushkanov (Mosca) . Grandi opportunità sono aperte agli artisti del vetro per trasmettere proprietà materiali come trasparenza, viscosità, fragilità, malleabilità, spazialità. La scoperta di tutte queste proprietà del vetro è resa possibile dall'alto livello tecnico della nostra industria del vetro. Difficile immaginare come potrebbero essere le opere degli artisti Gusev se la fabbrica non sapesse saldare meravigliosi cristalli colorati, altrimenti difficilmente vedremmo ultimi lavori B. Fedorova, non venire alla fabbrica di cristalli Dyatkovo con una tradizione così ricca di taglio del cristallo.

La percezione dell'unità soggetto-oggetto "artista-opera" dipende in gran parte da questa componente. In effetti, qualsiasi spettatore percepisce l'opera (insieme alle informazioni che ha sull'artista) principalmente nello spazio circostante: museo, interni, culto, pianificazione urbana, ecc.

Chiariamo: non solo lo spettatore percepisce l'opera nello spazio. L'artista è solito abbracciare con la sua idea la natura “da cavalletto” o “decorativa” dell'opera creata, cioè pensa anche per essa una determinata collocazione nello spazio. Ma questa idea è parte integrante dell'atto di creazione di un'opera e, pertanto, è compresa nell'unità soggetto-oggetto “artista-opera”. E successivamente, la collocazione dell'opera nello spazio (per brevità lo designeremo come “luogo dell'opera”) può cambiare molte volte - abbiamo già detto che oggi la cosa può essere all'interno, domani - al museo e dopodomani torna di nuovo all'interno.

Ci sembra utile fare ancora una precisazione. Indubbiamente, i valori dell'arte sono eterni e imperituri: ai nostri tempi difficilmente sono necessarie profonde escursioni nella filosofia per accertare questo fatto. Eppure, la percezione di qualsiasi opera d'arte è significativamente correlata ai gusti e alle tradizioni di un'epoca particolare in cui vive lo spettatore. Anche nella questione dell'attribuzione all'“arte da cavalletto” o all'“arte decorativa” (cioè nella motivazione per collocare una particolare opera in un museo, in una piazza, in un tempio, in una camera da letto, ecc.).

Pertanto, se abbandoniamo i concetti di "pittura da cavalletto" e "decoratività" come classificatori primari, dobbiamo aggiungere all'unità soggetto-oggetto componenti "artista-opera" che denotano la percezione dello spettatore - il luogo e il tempo di percezione dell'opera. Il luogo e il tempo della creazione dell'opera sono inclusi nella prima componente - l '"artista", quindi, per distinguere la percezione dello spettatore dall'atto di creazione dell'opera, chiameremo il luogo e il tempo della percezione dello spettatore l' circostanze di luogo e di tempo.

Quindi, l'unità soggetto-oggetto "artista-opera", esistente nelle circostanze di luogo e tempo, può essere uno strumento teorico esaustivo per la percezione, valutazione e classificazione di una particolare opera d'arte.

Tutti i secolari problemi della percezione del pubblico - "mi piace-non mi piace", "buono-cattivo" - sono determinati dall'interazione di queste categorie primarie. Ma in ogni caso, nell'arte non c'è posto per il plagio e la replica senz'anima - solo l'unicità e l'originalità dell'unità "artista-opera" (diversamente percepita nelle diverse circostanze di luogo e tempo, ma senza cambiare la sua profonda, vera essenza da questo) creano quel fenomeno, che chiamiamo arte.

E tutte le altre componenti della percezione, valutazione e classificazione delle opere d'arte (bidimensionalità o tridimensionalità, posizionamento primario “decorativo” o “da cavalletto”, collocazione decorativa o museale in una determinata epoca, stile realistico o astratto, plastica, colori, materiali artistici, ecc.) possono svolgere il ruolo solo ausiliario, ma non primario.

E a questo livello di comprensione non dovrebbe esserci divisione dei creatori in “puri e impuri” – artisti da cavalletto e applicati, realisti e astrattisti, tradizionalisti e concettualisti, muralisti e miniaturisti. La vera (e non dichiarativa) uguaglianza di tutte le tendenze e tendenze nell'arte è uno dei più grandi risultati della storia dell'arte del 20 ° secolo, ed è tempo di allineare la terminologia di base a questi risultati.

il gioielliere barocco applica il classicismo

Conclusione L'arte decorativa e applicata affonda le sue radici nella profondità dei secoli. L'uomo ha creato oggetti esteticamente preziosi durante tutto il suo sviluppo, riflettendo in essi interessi materiali e spirituali, quindi le opere d'arte e di artigianato sono inseparabili dal momento in cui sono state create. Nel suo significato fondamentale, il termine "arti e mestieri" significa la progettazione di articoli per la casa che circondano una persona per tutta la vita: mobili, tessuti, armi, stoviglie, gioielli, vestiti - cioè tutto ciò che forma l'ambiente con cui vive quotidianamente entra in contatto. Tutte le cose che una persona usa dovrebbero essere non solo comode e pratiche, ma anche belle.

Il dipinto copriva piatti e tessuti, i vestiti erano decorati con ricami, intagli e ceselli venivano applicati su armi e piatti, i gioielli erano realizzati con quasi tutti i materiali. Ma la persona non ha pensato al fatto che le solite cose che lo circondano per tutta la vita possano essere chiamate arte e separate in una tendenza separata. Ma già nel Rinascimento l'atteggiamento nei confronti degli oggetti di uso quotidiano cominciò a cambiare. Ciò è stato causato dal risveglio degli interessi delle persone in passato, associato al culto dell'antichità sorto in quel momento. Allo stesso tempo, è nato l'interesse per l'abitazione come oggetto equivalente in termini di valore estetico ad altri oggetti d'arte. L'arte decorativa e applicata raggiunge il suo massimo sviluppo nell'era del barocco e del classicismo. Molto spesso, la forma semplice e praticamente conveniente dell'oggetto era nascosta dietro decorazioni squisite: pittura, ornamenti, goffratura.

Nelle opere altamente artistiche dei maestri dell'Antica Rus' inizio plastico si manifestava in ogni cosa: cucchiai e tazze si distinguevano per forme scultoree, proporzioni impeccabili, i mestoli di solito assumevano la forma di un uccello: un'anatra o un cigno, la testa e il collo fungevano da manico. Una tale metafora aveva un significato magico e il significato rituale determinava il carattere tradizionale e la stabilità di tale forma nella vita popolare. Catene d'oro, una monista di eleganti medaglioni, perline colorate, pendenti, ampi braccialetti d'argento, anelli preziosi, tessuti decorati con ricami: tutto ciò ha conferito all'abito femminile festivo multicolore e ricchezza. Dipingere una brocca con motivi, decorare un tagliere con intagli, tessere motivi su tessuto: tutto ciò richiede grande abilità. Probabilmente, tali prodotti decorati con ornamenti sono anche classificati come arte decorativa e applicata perché è necessario applicare mani e anima per creare una bellezza straordinaria.

Il processo artistico moderno è complesso e sfaccettato, così come la realtà moderna è complessa e sfaccettata. L'arte, comprensibile a tutti, ci circonda ovunque: a casa e in ufficio, in azienda e nel parco, negli edifici pubblici - teatri, gallerie, musei. Tutto, dagli anelli, braccialetti e set da caffè al complesso tematico olistico di opere d'arte e di artigianato per un grande edificio pubblico, porta con sé la diversità delle ricerche artistiche dei maestri che percepiscono sottilmente lo scopo decorativo dell'oggetto, organizzano e riempiono la nostra vita. bellezza.

Per creare il comfort necessario per una persona e allo stesso tempo decorare la sua vita, gli artisti si sforzano di garantire che tutte le cose utilizzate nella vita di tutti i giorni non solo corrispondano al loro scopo, ma siano anche belle, eleganti e originali.

E la bellezza e l'utilità sono sempre vicine quando gli artigiani si mettono al lavoro e da una varietà di materiali (legno, metallo, vetro, argilla, pietra, ecc.) creano oggetti per la casa che sono opere d'arte.

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Consultazione per i genitori della scuola materna "Il significato e il ruolo delle arti e dei mestieri nella vita di un bambino in età prescolare".

Descrizione del materiale:
Questo materiale pensato per informare i genitori sul tema: arti e mestieri.
Questo sviluppo può essere utilizzato nel loro lavoro da educatori, insegnanti di istruzione aggiuntiva.
Nota esplicativa:
L'educazione di un cittadino e di un patriota che conosce e ama la propria patria è un compito particolarmente urgente oggi e non può essere risolto con successo senza una profonda conoscenza ricchezza spirituale il suo popolo, lo sviluppo della cultura popolare.
Bersaglio:
- trasmettere ai genitori l'importanza di avvicinare i bambini alla bellezza.
Compiti:
- Formarsi un'idea sul termine "Arte decorativa e applicata";
- Incoraggiare il desiderio di partecipare allo sviluppo delle capacità creative del bambino, di impegnarsi individualmente a casa.
“Un’istruzione creata dalle persone stesse e basata su principi popolari, ha quella forza educativa che non si trova nei migliori sistemi basati su idee astratte o prese in prestito da un altro popolo. Ma a parte questo, solo educazione pubblicaè un organo vivo nel processo storico lo sviluppo delle persone… Un popolo senza nazione è un corpo senz’anima, che può solo subire la legge della decadenza ed essere distrutto in altri corpi che hanno conservato la loro originalità”.
K.D. Ušinsky.

Nei primi anni di un bambino iniziano a svilupparsi quei tratti caratteriali e sentimenti che collegano invisibilmente il bambino con il proprio Paese, con la sua storia, con le sue tradizioni. Il concetto di patria, paese, tradizioni non è ancora disponibile per i bambini di questa età, quindi il compito principale dei genitori è gettare e preparare il terreno nei bambini affinché cresca in una famiglia in cui si crea un'atmosfera saturo di immagini vivide, colori vivaci del paese in cui viviamo.
E siamo nati e viviamo tempo difficile grandi cambiamenti, questo è il momento in cui si verifica un impoverimento dei valori spirituali, un impoverimento della personalità, un impoverimento delle tradizioni popolari, dei costumi, delle linee guida morali che si perdono.
In ogni momento, il compito principale la generazione più anziana doveva trasmettere alla generazione più giovane le buone tradizioni del proprio popolo, la conservazione e il rafforzamento dell'esperienza spirituale, generazioni precedenti.
Le nostre vite e quelle dei nostri figli sono cambiate in modo irriconoscibile, gli schermi televisivi sono stati inondati di crudeltà. Invece dei giochi popolari, del divertimento, è arrivata l'era della tecnologia informatica, con i suoi personaggi incomprensibili nei cartoni animati e nei film.

Ma il nostro compito è farlo, quindi non ha iniziato a educare un cittadino e un patriota degno del nostro Grande paese che ha una storia molto lunga.
Pertanto, qualsiasi attività, incontro con un giocattolo, lavoro creativo, conversazione è soggetta all'unico obiettivi: sviluppare la personalità del bambino attraverso il gioco, le fiabe, la musica, la fantasia e la creatività.
L'educazione e lo sviluppo del bambino, compreso quello creativo, sono impossibili senza la partecipazione dei genitori. Ogni bambino, nessuno escluso, ha le proprie capacità e talenti, ognuno ha le proprie inclinazioni che vanno viste nel tempo, cercare di svilupparle. Il compito della famiglia è vedere nel tempo, discernere le capacità del bambino, e il compito dell'insegnante è sviluppare le sue capacità, preparare il terreno affinché queste capacità si realizzino.

Arti e mestieri- uno dei mezzi importanti di educazione artistica dei bambini in età prescolare.
L'arte popolare è ricca e varia. Oggi, quasi ogni famiglia ha opere di artigiani popolari: bambole russe che nidificano, piatti Gzhel, ciotole e cucchiai Khokhloma, scialli Pavloposad, asciugamani tessuti. L’interesse per questa forma d’arte è in crescita.
Ed è positivo che oggi ci sia un ritorno alle tradizioni e ai valori popolari, ma il nostro compito è sostenere e introdurre i bambini all'arte popolare.
Prodotti di artigiani e artigiani popolari oggi c'è quasi ogni casa, che si tratti di una bambola che nidifica, o di prodotti realizzati con vari materiali: piatti di ceramica, gioielli, tappeti, tovaglie ricamate dalle mani di artigiani, giocattoli di legno che attraggono così tanto con la loro bellezza e luminosità di esecuzione.
I bambini moderni, a volte anche gli adulti che vivono in città e villaggi, a volte non sanno o sanno superficialmente come vivevano le persone, come lavoravano, come si servivano nella vita di tutti i giorni, come decoravano se stessi, la loro casa.

Arti e mestieri popolari- uno dei mezzi di educazione estetica, a seguito del quale si sviluppano i bambini gusto estetico, si forma un interesse per il bello nella vita che li circonda e per il mondo che li circonda nel suo insieme. Aiuta a formare un gusto artistico, insegna ai bambini a vedere e comprendere la bellezza nella vita che ci circonda e nell'arte. La natura dell'arte popolare, la sua emotività, vivacità, originalità aiutano il bambino a crescere e svilupparsi come persona creativa, si sviluppa attività mentale, gusto estetico, il bambino nota e gode di qualcosa di bello e bello, il bambino si sviluppa in modo completo.
Il bambino impara che c'erano e ci sono ai nostri tempi artigiani e artigiani dotati di una ricca immaginazione, un dono, per creare con le proprie mani una bellezza straordinaria che piace alla vista.
un ruolo importante nella conoscenza modelli popolari svolgere escursioni ai musei, alle mostre di opere d'arte e artigianato.
Quindi arte popolare nella scuola materna contribuisce all'educazione completa della personalità del bambino, allo sviluppo delle sue capacità creative e del potenziale intrinseco; influenza attivamente lo sviluppo spirituale di un bambino in età prescolare, la formazione di sentimenti patriottici.

Il tipo più alto di arte
il più talentuoso, il più brillante
è arte popolare,
cioè ciò che è sigillato dal popolo,
conservato che il popolo ha portato avanti nei secoli.
MI. Kalinin

Le arti e i mestieri popolari - uno dei mezzi di educazione estetica - aiutano a formare il gusto artistico, ci insegnano a vedere e comprendere la bellezza nella vita che ci circonda e nell'arte. L'arte popolare, nazionale nel contenuto, può influenzare attivamente lo sviluppo spirituale di una persona, la formazione di sentimenti patriottici e internazionali.

L'arte popolare contribuisce all'educazione artistica dei bambini, poiché si basa su tutti i modelli specifici dell'arte decorativa: simmetria e ritmo. Nei modelli di dipinti decorativi, caratteristici di vari mestieri popolari, si osserva un certo ritmo, simmetria, proporzionalità dei singoli elementi e numerabilità nell'esecuzione dell'ornamento. Ciò fornisce materiale per lo sviluppo di concetti matematici elementari.

Le arti e i mestieri popolari russi sono strettamente legati al folclore, ai costumi e ai rituali, feste pubbliche E musica folk. Pertanto, è possibile integrare la familiarità con l'artigianato popolare educazione musicale bambini in età prescolare.

Le arti e i mestieri popolari del nostro paese sono parte integrante della cultura. L'emotività, l'immaginario poetico di quest'arte è vicino, comprensibile e caro alle persone. Come ogni grande arte, promuove un atteggiamento sensibile nei confronti della bellezza e contribuisce alla formazione di una personalità armoniosamente sviluppata. Basata su profonde tradizioni artistiche, l'arte popolare entra nella vita e nella cultura delle persone, ha un effetto benefico sulla formazione di una persona del futuro. Le opere artistiche create dagli artigiani popolari riflettono sempre l'amore per la loro terra natale, la capacità di vedere e comprendere il mondo che li circonda.

Nella cultura contemporanea, l’arte popolare sopravvive nelle sue forme tradizionali. Grazie a ciò, i prodotti degli artigiani popolari mantengono le loro caratteristiche stabili e sono percepiti come portatori di una cultura artistica integrale.

Sempre più spesso le opere d'arte e di artigianato penetrano nella vita delle persone, formando un gusto artistico, creando un ambiente esteticamente completo che determina il potenziale creativo dell'individuo. Pertanto, il ruolo degli asili nido è eccezionale, dove si lavora con successo per familiarizzare i bambini con esempi di arte popolare.

“La natura delle immagini e dei motivi dell'arte decorativa popolare è indissolubilmente legata ai suoi compiti inerenti di trasformare l'ambiente che circonda una persona e se stesso in conformità con l'idea di bontà e bellezza. Quest'arte ha la capacità di portare nella vita gioia, colori vivaci, ritmi vivaci, affermare ideali positivi. L'arte decorativa popolare contribuisce all'educazione di persone ottimiste riguardo alla vita, spiritualmente ricche, dotate di un sottile sentimento poetico, insegna loro ad amare e ad apprezzare ciò che è riconosciuto dalle persone.

Decoratività, espressività del colore e plasticità, ornamenti a motivi, una varietà di trame di materiali: questi sono i tratti caratteristici delle opere di arte applicata popolare che sono in consonanza con il senso estetico, la percezione e la comprensione dei bambini. Sia nelle opere d'arte popolare che nel lavoro dei bambini, tutto è gioioso e colorato. E qua e là la vita è percepita e rappresentata con toni ottimistici e maggiori. Le immagini di uccelli, animali e piante fantastici raffigurati su tessuti, tavole di pan di zenzero, nei dipinti di filatoi sono percepite dai bambini, prima di tutto, come favolose, e allo stesso tempo riconoscono in esse uccelli e piante a loro familiari vita, perché nell'arte popolare " l'immagine di animali domestici, uccelli, animali e piante, scene domestiche ha acquisito un significato e una spiritualità speciali, e immagini fantastiche non ha perso credibilità.

La composizione del disegno e la sua struttura cromatica sono soggette a leggi estetiche, che diventano gradualmente accessibili ai bambini. A questo proposito, classi disegno decorativo e l'applicazione contribuiscono allo sviluppo del gusto artistico.

L'arte popolare poeticizza la vita. Gli artigiani popolari usano spesso immagini di animali selvatici per creare una forma espressiva speciale di articoli per la casa, per decorarli. Un incontro con un uccello colorato raffigurato su un arcolaio, con un veloce cavallo di argilla, che sparge la criniera al vento, con un ornamento fantasia su un tessuto, con scintillanti ceramiche smaltate può essere materiale fertile per i bambini, sviluppando la loro immaginazione.

Nell'espressività dell'arte popolare immagine artistica ottenuto per lo più generalizzando dettagli, macchie di colore. Manca di illusività e frammentazione nelle soluzioni compositive. La forma tridimensionale, la soluzione pittorica è trasmessa in modo semplice, conciso, solo dalle caratteristiche principali ed essenziali.

Campioni di arte popolare contribuiscono allo sviluppo nei bambini della capacità di lavorare in modo decorativo con il colore, di partire dall'insieme nella creazione di prodotti in argilla, ottenendo nitidezza con mezzi concisi. soluzione plastica, arricchiscono l'espressività grafica delle opere dei bambini.

L'arte applicata popolare è inerente all'unità di estetico e utilitaristico (uso pratico). In qualsiasi oggetto, che si tratti di una brocca di ceramica, di un costume popolare, di un vecchio castello, di una lampada per una torcia, di uno scopo domestico o pratico, l'oggetto è in sorprendente accordo con il suo arredamento. Tutti i mezzi espressivi sono subordinati alla creazione di una cosa: la forma dell'oggetto, il materiale con cui è realizzato, l'ornamento, la combinazione di colori. Dipingendo un tuesok di corteccia di betulla con fiori, decorando un mestolo di legno con intagli, l'artista crea secondo le leggi della bellezza. La ricerca della bellezza attraverso cose la cui funzione sociale consiste non solo nella loro natura utilitaristica, ma anche nella loro capacità di decorare la nostra vita, di moltiplicare in essa la bellezza, è il significato spirituale delle opere d'arte popolare.

Il legame con la vita quotidiana e il lavoro ha determinato le caratteristiche del contenuto e linguaggio artistico arte popolare. La natura forniva ai maestri i materiali più semplici: legno, argilla, metalli, osso, lino, lana, lavorazione che, con l'ausilio di semplici strumenti, raggiungevano un elevato livello artistico e perfezione tecnica.

Rivelando la bellezza naturale del materiale, la capacità di estrarre il massimo effetto decorativo era spesso combinata con metodi semplici e puramente tecnici: applicare buche, tratti e stelle con un timbro speciale, utilizzando intrecci di strisce o fili alternati uniformemente. Essendo una delle importanti fonti di espressività artistica dei prodotti dell'arte popolare, la semplicità tecnica di queste tecniche è di particolare interesse in relazione alla familiarità dei bambini con vari materiali e vari modi di decorarli. Padroneggiare le tecniche individuali è abbastanza accessibile per i bambini in età prescolare e può apportare una certa novità alla creatività dei bambini, rendendola più interessante ed emozionante.

Analizzando le peculiarità della percezione dei bambini delle opere d'arte popolare, N.P. Sakulina osserva: “I bambini in età prescolare sono vicini e comprendono molte delle opere dei maestri della pittura decorativa, dell'intaglio, del ricamo, l'arte di un giocattolaio è comprensibile. I bambini piccoli li percepiscono più profondamente e in modo più completo delle grandi tele di pittura e scultura da cavalletto, e questo aiuta molto l'insegnante dell'asilo nel plasmare il gusto artistico dei bambini e nel dirigere la loro arte. Il valore educativo dell'arte popolare è stato più volte notato da A.P. Usova. Ha scritto che l'uso dell'arte popolare nella scuola materna non è mai stato un impulso o una moda accidentale, ma ha sempre agito in stretta connessione con i compiti pedagogici e artistici della pedagogia prescolare, la cui attuazione pratica è stata notevolmente facilitata dall'arte popolare. “I bambini piccoli non hanno ancora idea della Patria. L'educazione a questa età consiste nel preparare loro il terreno crescendo un bambino in un'atmosfera satura di immagini vivide e colori vivaci del suo paese.

Attualmente, le arti e i mestieri popolari sono ampiamente utilizzati educazione artistica bambini negli asili nido. Autentici esempi di arte popolare e opere contemporanee arti e mestieri sono utilizzati in classe e nella progettazione degli asili nido.

Tutto ciò ci permette di dire che le opere d'arte popolare applicata dovrebbero svolgere un ruolo importante nello sviluppo artistico dei bambini in età prescolare: nello sviluppo della loro immaginazione, fantasia, nella formazione del gusto artistico, nell'arricchimento dell'espressività figurativa delle opere create dai bambini.

I prodotti degli artigiani popolari aiutano a educare i bambini attenti e atteggiamento attento all’ambiente, poiché le arti e l’artigianato sono vicini alla natura nelle loro motivazioni. Per secoli gli artisti hanno osservato il mondo degli animali, la bellezza degli uccelli, la diversità delle piante, hanno visto e sentito l'armonia della natura. Quindi la sua bellezza, proporzione, razionalità e ordine si riflettevano nei motivi dei dipinti decorativi. In essi - l'immagine di un uomo, animali, uccelli, motivi floreali, ornamenti. L'artigianato aiuta a comprendere e sentire che una persona fa parte della natura, e questa è la base sviluppo armonico bambino.

L'arte popolare è proprietà non solo degli adulti, ma anche dei bambini che giocano con entusiasmo sia con bambole nidificanti dipinte in legno che con figurine di argilla dei maestri Kirov. I bambini come Bogorodsk scherzano con i giocattoli e Zagorsk trasformano i prodotti.

Come già accennato, l'arte popolare raffinata ha un grande potere di impatto emotivo ed è una buona base per la formazione del mondo spirituale di una persona. L'arte popolare è figurativa, colorata, originale nel suo design. È accessibile alla percezione dei bambini, poiché porta contenuti comprensibili ai bambini, che in particolare, in forme semplici e concise, rivelano al bambino la bellezza e il fascino del mondo che lo circonda. Queste sono immagini favolose di animali, sempre familiari ai bambini, fatte di legno o argilla.

Gli ornamenti utilizzati dagli artigiani popolari per dipingere giocattoli e piatti includono fiori, bacche, foglie che il bambino incontra nella foresta, nel campo, all'asilo. Quindi, i maestri della pittura Khokhloma realizzano abilmente ornamenti con foglie, bacche di viburno, lamponi, mirtilli rossi. Gli artigiani Gorodets creano i loro ornamenti con foglie e grandi fiori di kupavka, rosa canina e rose.

I maestri dei giocattoli di argilla dipingono i loro prodotti più spesso ornamento geometrico: anelli, strisce, cerchi, comprensibili anche ai bambini piccoli. Tutti questi prodotti, sia in legno che in argilla, vengono utilizzati negli asili nido non solo per decorare l'interno della stanza. Sotto la guida di un insegnante, li esaminano attentamente, disegnano e modellano secondo campioni di prodotti popolari.

Sotto l'influenza di oggetti d'arte acquatica, i bambini percepiscono le illustrazioni dei racconti popolari russi di artisti come I. Bilibin e Yu. Vasnetsov, il cui lavoro si basa sulle tradizioni nazionali, in modo più profondo e con grande interesse.

Le lezioni che utilizzano oggetti di arte popolare aiutano a sviluppare l'attività mentale di un bambino piccolo. Tuttavia, questo è possibile solo se viene effettuata un'introduzione pianificata e sistematica dei bambini all'arte popolare, a seguito della quale i bambini creano le proprie opere decorative: giocattoli, piatti, piatti decorati con ornamenti come piastrelle.