Arti decorative e applicate, sezione arte; copre una serie di rami della creatività che si dedicano alla creazione di prodotti artistici destinati principalmente alla vita di tutti i giorni. Le sue opere possono essere: utensili vari, mobili, tessuti, utensili, veicoli, nonché vestiti e decorazioni di ogni genere. Insieme alla suddivisione delle opere d'arte decorativa e applicata secondo il loro scopo pratico nella letteratura scientifica della seconda metà del XIX secolo. è stata approvata la classificazione delle industrie per materiale (metallo, ceramica, tessile, legno) o per tecnica (intaglio, pittura, ricamo, stampa, fusione, sbalzo, intarsio, ecc.). Questa classificazione è dovuta all'importante ruolo del principio costruttivo-tecnologico nelle arti e nei mestieri e al suo collegamento diretto con la produzione. Risolvere in forma aggregata, come l'architettura, i compiti pratici e artistici, le arti e i mestieri allo stesso tempo appartiene alle sfere della creazione di valori sia materiali che spirituali. Le opere di questo tipo d'arte sono inseparabili dalla cultura materiale della loro epoca contemporanea, sono strettamente connesse con lo stile di vita che le corrisponde, con l'una o l'altra delle sue caratteristiche etniche e nazionali locali e con le differenze sociali e di gruppo. Componendo una parte organica dell'ambiente soggetto con cui una persona entra in contatto quotidiano, le opere d'arte e di artigianato con i loro pregi estetici, struttura figurativa, carattere influenzano costantemente lo stato d'animo di una persona, il suo umore, sono un'importante fonte di emozioni che influenzano il suo atteggiamento nei confronti del mondo che lo circonda.
Saturando esteticamente l'ambiente che circonda una persona, le opere di questo genere ne vengono allo stesso tempo assorbite, per così dire. sono solitamente percepiti in connessione con la sua progettazione architettonica e spaziale, con altri oggetti in esso inclusi o con i loro complessi (un servizio, un set di mobili, un costume, un set di gioielli). Pertanto, il contenuto ideologico delle opere d'arte e di artigianato può essere compreso più pienamente solo con un'idea chiara (reale o ricreata mentalmente) di queste relazioni dell'oggetto con l'ambiente e con la persona.
L'architettura di un oggetto, determinata dal suo scopo, dalle capacità progettuali e dalle proprietà plastiche del materiale, gioca spesso un ruolo fondamentale nella composizione di un prodotto artistico. Spesso nelle arti e nell'artigianato, la bellezza del materiale, le proporzioni proporzionate delle parti e la struttura ritmica servono come unici mezzi per incarnare il contenuto emotivo e figurativo del prodotto (ad esempio, vetreria o altri materiali non colorati senza decorazioni) . Qui si manifesta chiaramente il significato speciale per l'arte decorativa e applicata dei mezzi puramente emotivi e non pittorici del linguaggio artistico, il cui utilizzo lo rende legato all'architettura. Un'immagine emotivamente significativa viene spesso attivata da un'associazione di immagini (confronto della forma di un oggetto con una goccia, un fiore, una figura di una persona, un animale, i suoi singoli elementi, con qualche altro oggetto - una campana, una balaustra , eccetera.). Il decoro, presente sul prodotto, influisce in modo significativo anche sulla sua struttura figurativa. Spesso è grazie al suo arredamento che un oggetto per la casa diventa un'opera d'arte. Possedendo una propria espressività emotiva, un proprio ritmo e proporzioni (spesso contrastanti in relazione alla forma, come, ad esempio, nei prodotti dei maestri Khokhloma, dove la forma modesta e semplice della ciotola e l'elegante e festosa pittura superficiale sono diverse nel loro suono emotivo), il decoro modifica visivamente la forma e allo stesso tempo si fonde con essa in un'unica immagine artistica.
Per creare decorazioni, ornamenti ed elementi (separatamente o in varie combinazioni) sono ampiamente utilizzati delle belle arti (scultura, pittura, meno spesso grafica). I mezzi delle belle arti e dell'ornamento servono non solo a creare decorazioni, ma a volte penetrano anche nella forma di un oggetto (dettagli di mobili sotto forma di palmette, volute, zampe di animali, teste; vasi a forma di fiore, frutto, figura di un uccello, di una bestia, di un uomo). A volte un ornamento o un'immagine diventa la base per la formazione di un prodotto (motivo a reticolo, pizzo; motivo di tessitura del tessuto, tappeto). La necessità di coordinare l'arredamento con la forma, l'immagine - con la scala e la natura del prodotto, con il suo scopo pratico e artistico porta alla trasformazione dei motivi pittorici, alla convenzionalità dell'interpretazione e del confronto di elementi della natura (ad esempio , una combinazione di motivi di zampa di leone, ali d'aquila e testa di cigno nel design della gamba del tavolo). ).
Nell'unità delle funzioni artistiche e utilitaristiche del prodotto, nella compenetrazione di forma e decoro, principi fini e tettonici, si manifesta la natura sintetica dell'arte decorativa e applicata. Le sue opere sono progettate per la percezione attraverso la vista e il tatto. Pertanto, rivelando la bellezza della trama e le proprietà plastiche del materiale, l'abilità e la varietà dei metodi di lavorazione acquisiscono il significato di mezzi particolarmente attivi di influenza estetica nell'arte decorativa e applicata.
Pittura
Pittura, un tipo di arte figurativa, opere d'arte create utilizzando vernici applicate su qualsiasi superficie solida. Come altri tipi di arte, la pittura adempie a compiti ideologici e cognitivi e funge anche da sfera per la creazione di valori estetici oggettivi, essendo una delle forme altamente sviluppate di lavoro umano.
La pittura riflette e alla luce di alcuni concetti valuta il contenuto spirituale dell'epoca, il suo sviluppo sociale. Influenzando potentemente i sentimenti e i pensieri del pubblico, costringendo quest'ultimo a sperimentare la realtà rappresentata dall'artista, serve come mezzo efficace di educazione sociale. Molte opere di pittura hanno valore documentario e informativo.
A causa della chiarezza dell'immagine, la valutazione della vita dell'artista, espressa nel suo lavoro, acquisisce una particolare persuasività per lo spettatore. Creando immagini artistiche, la pittura utilizza il colore e il disegno, l'espressività dei tratti, che garantisce la flessibilità del suo linguaggio, le consente, con una completezza inaccessibile ad altri tipi di belle arti, di riprodurre sul piano la ricchezza colorata del mondo, il volume degli oggetti, la loro originalità qualitativa e carne materiale, la profondità dello spazio raffigurato, l'ambiente luce-aria. La pittura non solo incarna direttamente e visivamente tutti i fenomeni visibili del mondo reale (compresa la natura nei suoi vari stati), mostra quadri ampi della vita delle persone, ma si sforza anche di rivelare e interpretare l'essenza dei processi che si verificano nella vita e nell'interiorità mondo di una persona.
L'ampiezza e la completezza della copertura della realtà a disposizione di questo tipo di arte si riflette anche nell'abbondanza di generi ad essa inerenti (storico, quotidiano, di battaglia, animalesco, ecc.).
Per finalità, per la natura della performance e delle immagini, si distinguono: pittura monumentale-decorativa (dipinti murali, plafoni, pannelli), partecipando all'organizzazione dello spazio architettonico, creando un ambiente ideologicamente ricco per una persona; cavalletto (dipinti), di natura più intima, solitamente non associato ad alcun luogo particolare; scenografie (bozzetti di scene e costumi teatrali e cinematografici); iconografia; miniatura (illustrazioni di manoscritti, ritratti, ecc.).
Secondo la natura delle sostanze che legano il pigmento (colorante), secondo i metodi tecnologici di fissaggio del pigmento sulla superficie, pittura ad olio, pittura con pitture ad acqua su intonaco - grezzo (affresco) e secco (a secco), tempera , pittura a colla, pittura a cera, smalto, pittura con vernici ceramiche (leganti - vetri fusibili, fondenti, smalti - sono fissati mediante cottura su ceramica), vernici ai silicati (legante - vetro solubile), ecc. Mosaico e vetro colorato sono direttamente collegati ad esso , decidendo lo stesso della pittura monumentale, dei compiti pittorico-decorativi. Per l'esecuzione dei dipinti vengono utilizzati anche acquerello, tempera, pastello e inchiostro.
Il principale mezzo espressivo della pittura - il colore - con la sua espressione, la capacità di evocare varie associazioni sensoriali, esalta l'emotività dell'immagine, determina le ampie possibilità visive e decorative di questo tipo di arte. Nelle opere forma un sistema integrale (colore). Di solito viene utilizzata l'una o l'altra serie di colori correlati e le loro sfumature (gamma colorata), sebbene esista anche un dipinto con sfumature dello stesso colore (monocromatico). La composizione cromatica (il sistema di posizione e relazioni delle macchie di colore) fornisce una certa unità cromatica dell'opera, influenza il corso della sua percezione da parte dello spettatore, essendo una parte della sua struttura artistica specifica dell'opera. Un altro mezzo espressivo della pittura - il disegno (linea e chiaroscuro) - organizza l'immagine ritmicamente e compositivamente insieme al colore; la linea delimita i volumi l'uno dall'altro, spesso è la base costruttiva della forma pittorica, consente di riprodurre in generale o nel dettaglio i contorni degli oggetti, per individuarne gli elementi più piccoli.
Architettura
Architettura (lat. architectura, dal greco architéktón - costruttore), architettura, un sistema di edifici e strutture che formano un ambiente spaziale per la vita e le attività delle persone, nonché l'arte stessa di creare questi edifici e strutture secondo le leggi della bellezza. L'architettura è una parte necessaria dei mezzi di produzione e dei mezzi materiali di esistenza della società umana. Le sue immagini artistiche svolgono un ruolo significativo nella vita spirituale della società. Le qualità funzionali, costruttive ed estetiche dell'architettura (utilità, forza, bellezza) sono correlate.
Le opere di architettura sono edifici con uno spazio interno organizzato, insiemi di edifici, nonché strutture che servono a progettare spazi aperti (monumenti, terrazze, terrapieni, ecc.).
L'oggetto di un'organizzazione intenzionale è lo spazio di un'area popolata nel suo insieme. La creazione di città, paesi e la regolamentazione dell'intero sistema insediativo si sono distinti in un'area speciale, indissolubilmente legata all'architettura - all'urbanistica.
Il mezzo più importante per la soluzione pratica della funzione e dei compiti ideologici e artistici dell'architettura sono le attrezzature da costruzione. Determina la possibilità e la fattibilità economica dell'implementazione di determinati sistemi spaziali. Le proprietà estetiche delle opere di architettura dipendono in gran parte dalla soluzione costruttiva. L'edificio non dovrebbe solo essere, ma anche apparire solido. Il materiale in eccesso dà l'impressione di eccessiva pesantezza; l'insufficienza visibile (apparente) del materiale è associata a instabilità, inaffidabilità e provoca emozioni negative. Nel corso dello sviluppo della tecnologia edilizia, nuovi principi di composizione architettonica, corrispondenti alle proprietà di nuovi materiali e strutture, possono entrare in conflitto con le visioni estetiche tradizionali. Ma man mano che il design si diffonde e viene ulteriormente padroneggiato, le forme da esso definite non solo cessano di essere percepite come insolite, ma si trasformano anche in una fonte di impatto emotivo ed estetico nella coscienza di massa.
I cambiamenti qualitativi nelle attrezzature da costruzione, la creazione di nuove strutture e materiali hanno influenzato in modo significativo l'architettura moderna. Di particolare importanza è la sostituzione dei metodi di costruzione artigianale con quelli industriali, associati ai processi generali di sviluppo della produzione, con la necessità di aumentare il ritmo della costruzione di massa e richiedendo l'introduzione di standardizzazione, strutture e parti unificate.
I mezzi principali per creare un'immagine artistica in architettura sono la formazione dello spazio e dell'architettura. Quando si crea una composizione tridimensionale (compresa l'organizzazione interna delle strutture), vengono utilizzati i principi di simmetria o asimmetria, sfumature o contrasti nel confronto degli elementi, le loro varie relazioni ritmiche, ecc. Di particolare importanza in architettura sono la proporzionalità delle parti e dell'insieme tra loro (un sistema di proporzioni) e la proporzionalità di una struttura e delle sue forme individuali rispetto a una persona (scala). Il numero di mezzi artistici dell'architettura comprende anche struttura e colore, la cui diversità è ottenuta mediante vari metodi di lavorazione della superficie dell'edificio. Un sistema olistico artistico ed espressivo di forme di opere di architettura che soddisfa requisiti funzionali e costruttivi è chiamato composizione architettonica.
Una stabile comunanza dei tratti caratteristici della forma artistica dell'architettura e del suo programma ideologico e di contenuto forma il suo stile. Le caratteristiche più importanti dello stile si manifestano nel sistema di organizzazione funzionale e spaziale delle strutture, nella loro architettura, proporzioni, plasticità, arredamento.
Scultura
Scultura (lat. sculptureta, da sculpo - scolpire, ritagliare), scultura, plastica (greco plastike, da plasso - scolpire), una forma d'arte basata sul principio di un'immagine tridimensionale, fisicamente tridimensionale di un oggetto. Di norma, l'oggetto dell'immagine nella scultura è una persona, meno spesso - animali (genere animale), ancora più raramente - natura (paesaggio) e cose (natura morta). Posizionare una figura nello spazio, trasmetterne il movimento, la postura, il gesto, la modellazione di luci e ombre che esalta il rilievo della forma, l'organizzazione architettonica del volume, l'effetto visivo della sua massa, i rapporti di peso, la scelta delle proporzioni, specifici in ciascuno In questo caso, la natura della silhouette è il principale mezzo espressivo di questo tipo di arte. Una forma scultorea tridimensionale è costruita nello spazio reale secondo le leggi di armonia, ritmo, equilibrio, interazione con l'ambiente architettonico o naturale circostante e sulla base delle caratteristiche anatomiche (strutturali) di un particolare modello osservato in natura.
Esistono due tipi principali di scultura: la scultura rotonda, che è posizionata liberamente nello spazio, e il rilievo, dove l'immagine si trova su un piano che ne costituisce lo sfondo. Le opere dei primi, che richiedono solitamente una visione circolare, comprendono: una statua (una figura in crescita), un gruppo (due o più figure che compongono un unico insieme), una statuetta (una figura notevolmente più piccola delle dimensioni naturali) , un torso (l'immagine di un torso umano), un busto (l'immagine del torace di una persona), ecc.
Secondo il contenuto e le funzioni, la scultura è divisa in monumentale-decorativa, da cavalletto, ecc. piccola scultura. Sebbene queste varietà si sviluppino in stretta interazione, ognuna di esse ha le sue caratteristiche. Monumentale-decorativo: la scultura è progettata per uno specifico ambiente architettonico-spaziale o naturale. Ha un carattere pubblico pronunciato, si rivolge alle masse di spettatori ed è collocato principalmente in luoghi pubblici: nelle strade e nelle piazze delle città, nei parchi, sulle facciate e negli interni degli edifici pubblici. La scultura monumentale e decorativa è progettata per concretizzare l'immagine architettonica, per completare l'espressività delle forme architettoniche con nuove sfumature. La capacità della scultura monumentale e decorativa di risolvere grandi compiti ideologici e figurativi si rivela con particolare completezza nelle opere chiamate monumentali e che di solito includono monumenti urbani, monumenti e strutture commemorative. La maestosità delle forme e la durabilità della materia si uniscono in esse all'euforia del sistema figurativo, all'ampiezza della generalizzazione. La scultura da cavalletto, non direttamente correlata all'architettura, è più intima. Sale espositive, musei, interni residenziali, dove può essere osservato da vicino e in tutti i dettagli, sono il suo ambiente abituale. Ciò determina le caratteristiche del linguaggio plastico della scultura, le sue dimensioni, i generi preferiti (ritratto, genere quotidiano, nudo, genere animalesco). La scultura da cavalletto, in misura maggiore rispetto a quella monumentale e decorativa, è caratterizzata da un interesse per il mondo interiore di una persona, dallo psicologismo sottile e dalla narrativa. La scultura di piccole forme comprende una vasta gamma di opere destinate principalmente ad interni residenziali e per molti aspetti si fonde con l'arte e l'artigianato.
Lo scopo e il contenuto di un'opera scultorea determinano la natura della sua struttura plastica, che a sua volta influenza la scelta del materiale scultoreo. La tecnica della scultura dipende in gran parte dalle caratteristiche naturali e dai metodi di lavorazione di quest'ultima. Per la modellazione vengono utilizzate sostanze morbide (argilla, cera, plastilina, ecc.); mentre gli strumenti più comuni sono gli anelli di filo e le pile. Le sostanze solide (vari tipi di pietra, legno, ecc.) vengono lavorate mediante taglio (intaglio) o intaglio, rimuovendo parti non necessarie del materiale e rilasciando gradualmente, per così dire, una forma tridimensionale in esso nascosta; per la lavorazione di un blocco di pietra vengono utilizzati un martello (maglio) e una serie di utensili metallici, per la lavorazione del legno vengono utilizzati principalmente scalpelli e trapani sagomati. Per la fusione delle sculture vengono utilizzate sostanze capaci di passare dallo stato liquido a quello solido (metalli vari, gesso, cemento, plastica, ecc.) utilizzando stampi appositamente realizzati.
Teatro
Teatro (dal greco théatron - luogo di spettacoli; spettacolo), un tipo di arte. Il teatro è una forma di coscienza sociale, è inseparabile dalla vita delle persone, dalla loro storia e cultura nazionale. Il teatro di solito raggiunge un'impennata artistica quando, intriso delle idee progressiste dell'epoca, lotta per ideali umanistici, rivela in modo profondo e veritiero la complessità del mondo interiore di una persona, le sue aspirazioni.
La riflessione artistica della vita, l'affermazione di determinate idee, visioni del mondo e ideologie avviene nel teatro attraverso un'azione drammatica eseguita dagli attori davanti al pubblico. La lotta dei personaggi, la rivelazione di conflitti sociali e psicologici che influenzano il destino delle persone, le loro relazioni sono al centro dell'opera, della performance. La specificità del teatro richiede l'unità emotiva e spirituale del palco e del pubblico, la presenza di interessi comuni tra gli ideatori dello spettacolo e il pubblico. Il teatro ha una grande importanza in materia di educazione estetica, morale e politica. Per questo dispone di ricchi mezzi di generalizzazione artistica, espressività e influenza sul pubblico di massa.
La base della rappresentazione teatrale è il dramma. Il teatro traduce un'opera letteraria nel regno dell'azione scenica e dell'immaginario teatrale specifico; i personaggi e i conflitti del dramma sono incarnati in persone e azioni viventi. La parola, la parola è il mezzo più importante di cui si dota il teatro drammatico. In teatro la parola è soggetta anche alle leggi dell'azione drammatica. In alcuni casi trasforma la parola in un mezzo di caratterizzazione quotidiana del personaggio, in altri rivela complessi conflitti di coscienza e psicologia del personaggio attraverso il tessuto verbale del ruolo. Il discorso sul palco può assumere la forma di una lunga affermazione (monologo), svolgersi come una conversazione con un partner (dialogo), essere rivolto allo spettatore o sembrare il riflesso di un eroe, il suo "monologo interiore", ecc.
Il teatro è un'arte collettiva. Una performance è un'opera che possiede unità artistica, armonia di tutti gli elementi. Viene creato sotto la direzione del regista e secondo le sue intenzioni, attraverso gli sforzi congiunti di attori, scenografo, compositore, coreografo e molti altri. La performance si basa sull'interpretazione del regista dell'opera, sul suo genere, sulla decisione stilistica. L'azione della performance è organizzata nel tempo (tempo, ritmo, aumenti e cadute della tensione emotiva) e nello spazio (sviluppo delle piattaforme sceniche, principio del suo utilizzo, messa in scena, scenografia, movimento, ecc.).
Il principale portatore dell'azione teatrale è l'attore, nel cui lavoro si incarna l'essenza del teatro: la capacità di catturare il pubblico con l'arte. lo spettacolo della vita che scorre direttamente davanti ai loro occhi, il processo creativo della sua incarnazione. L'immagine dell'attore viene creata sulla base dell'opera teatrale e della sua interpretazione da parte del regista, regista dello spettacolo. Ma anche nel sistema di una performance rigorosamente organizzata, l'attore rimane un artista indipendente, capace solo di usare i mezzi disponibili per ricreare un'immagine umana vivente sul palco, per trasmettere la complessità e la ricchezza della psicologia umana. Il lavoro su se stessi e sul ruolo nel processo delle prove, secondo K. S. Stanislavsky, sono due aspetti indissolubilmente legati dell'attività dell'attore.
Spesso un attore crea un'immagine sul palco diversa dalla sua, in ruoli diversi cambia esternamente e internamente. Nell'incarnare l'aspetto, il carattere del personaggio, l'esecutore utilizza i mezzi dell'espressività plastica e ritmica, l'arte della parola, delle espressioni facciali e dei gesti. La storia del teatro mondiale conosce attori che possedevano una virtuosa maestria nella trasformazione esterna.
Nel teatro musicale, l'azione è incarnata per mezzo della drammaturgia musicale, che si basa sulle leggi generali del dramma: la presenza di un conflitto centrale chiaramente espresso che si rivela nella lotta di forze opposte, una certa sequenza di fasi nel divulgazione di drammi. intento. In ciascuno dei tipi di arte scenica musicale, questi schemi generali trovano una rifrazione specifica secondo la natura dei loro mezzi espressivi: nell'opera, l'azione che si svolge sulla scena è espressa dalla musica, cioè dal canto di i personaggi, nonché dal suono dell'orchestra; nel balletto, un ruolo analogo al canto nell'opera appartiene alla danza e alla pantomima. Allo stesso tempo, in entrambi i casi, la musica è il principale mezzo di generalizzazione, che collega insieme tutti gli elementi del dramma. Nell'operetta, che è una sorta di opera con dialoghi parlati, il canto e la danza sono di grande importanza. Nel genere musicale vengono utilizzati i mezzi espressivi delle arti drammatiche, operistiche e coreografiche, della musica pop e quotidiana.
Musica
Musica (dal greco musike, letteralmente - l'arte delle muse), un tipo di arte che riflette la realtà e influenza una persona attraverso sequenze sonore significative e appositamente organizzate, costituite principalmente da toni. La musica è un tipo specifico di attività sonora delle persone. Con altre varietà (discorso, segnalazione sonora strumentale, ecc.), È unito dalla capacità di esprimere pensieri, emozioni e processi volitivi di una persona in una forma udibile e servire come mezzo per comunicare con le persone e controllarne il comportamento. Allo stesso tempo, differisce in modo significativo da tutte le altre varietà di attività sonora umana. Pur mantenendo una certa somiglianza con i suoni della vita reale, il suono musicale differisce fondamentalmente da essi per la loro rigorosa intonazione e organizzazione temporale (ritmica). Questi suoni sono inclusi nei sistemi storicamente stabiliti, che si basano sui toni. In ogni brano musicale i toni formano il proprio sistema di connessioni verticali e sequenze orizzontali: la sua forma.
Nel contenuto della musica, gli stati e i processi emotivi (così come le aspirazioni volitive) giocano un ruolo dominante. Il loro posto di primo piano nel contenuto musicale è predeterminato dal suono (intonazione) e dalla natura temporale della musica, che le consente, da un lato, di fare affidamento sull'esperienza secolare di persone che rivelano esternamente le proprie emozioni e le trasmettono ad altri membri della società, principalmente e principalmente attraverso i suoni e, d'altra parte, - esprimere adeguatamente l'esperienza emotiva come movimento, un processo con tutti i suoi cambiamenti e sfumature, salite e cadute dinamiche, transizioni reciproche di emozioni e loro collisioni.
Tra i diversi tipi di emozioni, la musica incarna principalmente gli stati d'animo. Anche gli aspetti emotivi delle qualità intellettuali e volitive dell'individuo (e i processi corrispondenti) sono ampiamente rappresentati nel contenuto musicale. Ciò consente a questo tipo di arte di rivelare non solo lo stato psicologico delle persone, ma anche i loro personaggi. Nell'espressione più concreta (ma non tradotta nel linguaggio delle parole), molto sottile e "contagiosa" delle emozioni, la musica non ha eguali. È su questo che si basa la sua diffusa definizione come “linguaggio dell'anima” (A. N. Serov).
Cercando una portata più ampia del mondo delle idee filosofiche e sociali, i compositori spesso vanno oltre la cosiddetta musica pura (strumentale non programmata), riferendosi alla parola come portatrice di uno specifico contenuto concettuale (musica vocale e strumentale a programma, vedere Musica del programma), nonché per mettere in scena l'azione. Grazie alla sintesi con la parola, l'azione, ecc., si formano nuovi tipi di immagini musicali, che sono stabilmente associate nella coscienza pubblica con concetti e idee espressi da altri componenti della sintesi, per poi passare alla musica “pura” come portatori degli stessi concetti e idee. Per esprimere pensieri, i compositori utilizzano anche simboli sonori (canti o melodie che sono sorti nella pratica sociale, esistenti in un determinato ambiente sociale, che sono diventati "emblemi musicali" di qualsiasi concetto) o creano i propri, nuovi "segni musicali" (per esempio, leitmotiv). Di conseguenza, il contenuto di M. comprende una cerchia di idee enorme e continuamente arricchita.
Per la musica sono disponibili contenuti di diverso tipo: epico, drammatico, lirico. Allo stesso tempo, però, per la sua natura non pittorica, i testi gli si avvicinano di più.
L'incarnazione materiale del contenuto della musica, il modo della sua esistenza è la forma musicale - quel sistema di suoni musicali in cui si realizzano le emozioni, i pensieri e le rappresentazioni figurative del compositore. Anche presi separatamente, i suoni musicali possiedono già possibilità espressive primarie. Ciascuno di essi è in grado di evocare una sensazione fisiologica di piacere o dispiacere, eccitazione o calma, tensione o scarica, nonché sensazioni sinestetiche (pesantezza o leggerezza, caldo o freddo, buio o luce, ecc.) e le più semplici associazioni spaziali.
In ogni brano musicale, dai singoli elementi della sua forma, nel processo della loro combinazione e subordinazione, si forma una struttura generale, composta da diverse strutture private. Questi ultimi includono strutture: melodica, ritmica, armonica, strutturale, timbrica, dinamica, ecc. Di particolare importanza è la struttura tematica, i cui elementi sono temi musicali (insieme a vari tipi e fasi del loro cambiamento e sviluppo). Nella maggior parte degli stili musicali, sono i temi i portatori materiali delle immagini musicali.
La musica ha una sua struttura. Quindi, in una cultura musicale sviluppata, la creatività è rappresentata da molte varietà che possono essere differenziate secondo vari criteri. 1) Per tipo di contenuto: lirico, epico, drammatico, nonché eroico, tragico, umoristico, ecc.; sotto un altro aspetto: musica seria e musica leggera. 2) Per scopo esecutivo: vocale e strumentale; sotto un aspetto diverso: solista, ensemble, orchestrale, corale, misto (con possibile ulteriore specificazione delle composizioni: ad esempio, per un'orchestra sinfonica, per un'orchestra da camera, per il jazz, ecc.). 3) Per sintesi con altri tipi di arte e con la parola: musica teatrale, musica da ballo, software strumentale, melodramma (lettura in musica), musica vocale con parole. Musica fuori sintesi: vocalizzazioni (canto senza parole) e strumentale "puro" (senza programma). A sua volta, il primo è diviso in spettacolare e concerto, il secondo in domestico di massa e rituale. Ciascuna delle quattro varietà risultanti (gruppi di genere) può essere ulteriormente differenziata.
Cinematografia
Cinematografia, un tipo di arte, le cui opere sono create con l'aiuto di riprese di eventi reali, appositamente messi in scena o ricreati mediante l'animazione degli eventi della realtà.
Nella cinematografia, le proprietà estetiche della letteratura, delle arti teatrali e visive e della musica sono sintetizzate sulla base dei suoi mezzi espressivi intrinseci, di cui i principali sono la natura fotografica dell'immagine, che consente di ricreare qualsiasi immagine di realtà con la massima certezza e montaggio. La mobilità della macchina fotografica e la varietà delle ottiche utilizzate nelle riprese permettono di presentare nell'inquadratura enormi spazi e grandi masse di persone (pianta generale), piccoli gruppi di persone nelle loro relazioni (piano medio), un ritratto umano o una dettaglio separato (primo piano). Grazie a ciò, entro i confini della cornice, si possono distinguere gli aspetti più essenziali ed esteticamente significativi dell'oggetto raffigurato. La combinazione delle inquadrature nel montaggio serve come espressione del pensiero dell'autore, crea continuità nello sviluppo dell'azione, organizza la narrazione visiva e la rende possibile, confrontando le singole parti. intende interpretare metaforicamente l'azione, forma il ritmo del film.
La creazione di un'opera d'arte cinematografica, di regola, è un processo creativo e produttivo complesso, che combina il lavoro di artisti di diverse specialità: uno sceneggiatore (sceneggiatore); il regista, che determina l'interpretazione e la realizzazione dell'idea e dirige il lavoro degli altri partecipanti alla produzione; attori che incarnano le immagini dei personaggi; un operatore che caratterizza l'azione mediante l'interpretazione compositiva, luce-tonale e cromatica dei fotogrammi; un artista che trova una descrizione pittorica dell'ambiente d'azione e dei costumi dei personaggi (e nell'animazione, le caratteristiche esterne dei personaggi); compositore, ecc.
Durante lo sviluppo della cinematografia, si sono formati 4 tipi principali di essa: cinematografia artistica (di finzione), che incarna opere di drammaturgia cinematografica o opere adattate di prosa, drammaturgia, poesia mediante arti dello spettacolo; la cinematografia documentaria, che è un tipo speciale di giornalismo figurativo, basato principalmente sulla registrazione diretta della realtà su pellicola; cinematografia animata, personaggi grafici o marionette "animati"; cinematografia scientifica popolare, utilizzando i mezzi di questi 3 tipi per promuovere la conoscenza scientifica.
Le possibilità dell'epica, del lirismo e del dramma sono a disposizione della cinematografia artistica, ma nei film che hanno un carattere narrativo ci sono sempre caratteristiche che li avvicinano al dramma, in particolare al conflitto drammatico. La cinematografia documentaria ha tutta l'ampiezza delle possibilità dei generi giornalistici della letteratura e del giornalismo. Combina sia opere di giornalismo cinematografico figurativo che film informativi (reportage cinematografico). Immagini di animazione grafica e tridimensionale vengono create riprendendo immobili fasi successive del movimento di personaggi disegnati o di marionette. Presta particolare attenzione alla realizzazione di film per bambini. La cinematografia scientifica popolare introduce gli spettatori alla vita della natura e della società, alle scoperte e alle invenzioni scientifiche, ricrea il corso delle ricerche creative di scienziati e maestri d'arte e dimostra chiaramente processi fisici, chimici e biologici. Per risolvere questi problemi utilizza sia mezzi puramente didattici che artistico-figurativi, a seconda del tema e dello scopo del film.
I generi cinematografici che erano relativamente chiaramente delimitati nelle prime fasi dello sviluppo cinematografico (melodramma, film d'avventura, fumetto, ecc.) stanno cambiando, tendendo a fondersi, compenetrarsi o addirittura disintegrarsi. Le aspirazioni innovative dei direttori della fotografia determinano la combinazione in un'unica opera di caratteristiche caratteristiche della prosa, del dramma e dei testi.
Le arti e i mestieri popolari sono un fenomeno complesso e sfaccettato. Include una varietà di direzioni, tipi, forme. Ma tutti sono accomunati dalla combinazione dell'opportunità pratica dei prodotti con la bellezza naturale del loro aspetto, proveniente dalla natura circostante (69, p. 263).
L'arte e l'artigianato popolare sono parte integrante della cultura, influenzano attivamente la formazione dei gusti artistici, arricchiscono l'arte professionale e i mezzi espressivi dell'estetica industriale.
L'arte e l'artigianato popolare è chiamata arte che ci è arrivata dal profondo dei secoli, dal profondo delle generazioni, l'arte è prevalentemente collettiva, formata nell'ambiente popolare e contadino.
Le tradizioni nel campo delle arti e dei mestieri popolari includono le proporzioni e le forme più espressive degli oggetti selezionati e lucidati da molte generazioni di artigiani, la loro combinazione di colori, la visualizzazione artistica dell'ambiente naturale, della flora e della fauna nell'ornamento, sulla base di cui si è formata questa cultura ornamentale e le competenze accumulate nei secoli nella lavorazione artigianale di vari materiali naturali. Di generazione in generazione è stato trasmesso solo ciò che è vitale, progressista, ciò di cui le persone hanno bisogno ed è suscettibile di ulteriore sviluppo.
Nell'antica Rus', l'intera vita delle persone era letteralmente permeata dal desiderio di bellezza e armonia con l'ambiente naturale. Casa, focolare, mobili, strumenti, vestiti, utensili, giocattoli: tutto ciò che toccavano le mani degli artigiani popolari incarnava il loro amore per la loro terra natale e un innato senso di bellezza, e poi i normali oggetti domestici sono diventati opere d'arte. La bellezza della loro forma era completata da ornamenti decorativi sotto forma di ornamenti, immagini di persone, animali, uccelli, scene.
Sin dai tempi antichi, gli artigiani popolari hanno utilizzato nel loro lavoro ciò che la natura stessa ha dato loro: legno, argilla, ossa, ferro, lino, lana. La natura è sempre stata la principale fonte di ispirazione per gli artigiani. Ma, incarnando le immagini della natura nelle loro opere, i maestri non l'hanno mai copiata alla lettera. Illuminata dalla fantasia popolare, la realtà a volte acquisiva tratti magici e fiabeschi, in cui realtà e finzione sembravano inseparabili.
È questa originalità delle arti e dei mestieri popolari, la sua espressività e proporzione uniche che hanno ispirato e continuano a ispirare artisti professionisti. Tuttavia, non tutti riescono a comprendere appieno e a ripensare tutta la sua profondità e potenziale spirituale.
Nelle condizioni moderne, cresce il bisogno delle persone per l'arte popolare, per la sua autenticità e spiritualità. Ma è possibile trovare modi per preservare l'arte popolare e il suo fruttuoso sviluppo solo comprendendone l'essenza, creativa e spirituale, e il suo posto nella cultura moderna.
Le arti e i mestieri popolari sono diversi. Si tratta di ricami, ceramiche, vernici artistiche, tessitura di tappeti, lavorazione artistica di legno, pietra, metallo, osso, pelle, ecc.
Lavorazione artistica del legno. L'albero è uno degli antichi simboli della Russia. Nell'antica mitologia slava, l'albero della vita simboleggiava l'universo. Boschetti ombrosi e boschi di querce, misteriosi boschetti scuri e merletti verde chiaro dei bordi della foresta hanno attirato intenditori di bellezza fin dai tempi antichi, risvegliando l'energia creativa nella nostra gente. Non è un caso che il legno sia uno dei materiali naturali preferiti dagli artigiani popolari.
In diverse parti della Russia si sono sviluppati tipi originali di lavorazione artistica del legno. Ognuno di loro ha la sua storia e caratteristiche uniche.
Scultura di Abramtsevo-Kudrinskaya.
vaso decorativo
Prodotti Bogorodsk sono fatti di legno tenero: tiglio, ontano, pioppo tremulo. Gli strumenti principali degli artigiani popolari erano un'ascia, uno speciale coltello Bogorodsk e una serie di scalpelli rotondi di varie dimensioni. La lama del coltello Bogorodsk termina con una smussatura triangolare ed è affilata come un rasoio.
Scultura di Bogorodskaya. I. K. Stulov.
"Lo zar Dodon e l'astrologo"
Nel corso dei secoli si sono sviluppate le cosiddette tecniche di intaglio del volano. Qualsiasi prodotto viene tagliato con un coltello "al volo", immediatamente pulito, rapido, accurato, senza schizzi preliminari preparati su disegno o argilla.
I giocattoli di Bogorodsk sono interessanti non solo per l'intaglio, ma anche per il loro design originale. Molto spesso si tratta di giocattoli con movimento. Il loro eroe tradizionale è l'orso Bogorodsk, un cucciolo d'orso intelligente e attivo, che si esibisce in compagnia di una persona.
Scultura di Bogorodskaya. V.S. Shishkin. Giocattolo "Pompieri"
Il tipo tradizionale di arti e mestieri popolari russi è la produzione di prodotti dal design artistico realizzati con corteccia di betulla, corteccia di betulla.
Anche nei tempi antichi, la corteccia di betulla attirava i maestri dell'arte popolare con il suo candore abbagliante. Durante la lavorazione, la corteccia di betulla conservava le sue proprietà naturali: morbidezza, vellutata, flessibilità e straordinaria resistenza, grazie alle quali veniva utilizzata per realizzare recipienti per liquidi, latte e miele. È noto che nel territorio boscoso della Russia - province di Vologda, Arkhangelsk, Olonets, Vyatka, Vladimir, Nizhny Novgorod, così come negli Urali e in Siberia - a Perm, nelle province di Tobolsk, fin dall'antichità si è sviluppato l'artigianato, famoso per la betulla prodotti della corteccia.
Questi includono navi basse e aperte: checkman, boxer e nabirushka. Una parte significativa è rappresentata dalle lavorazioni in vimini. Questi includono saliere, scarpe di vimini - guadi, coperture, borse - spalline. Gli utensili più complessi e che richiedono tempo sono barbabietole, scatole, tueski.
Martedì.
Grande Ustyug. Martedì. A.E. Markova
tagliare la corteccia di betulla
Lavorazione artistica della pietra. La specificità del materiale - la sua durezza, resistenza, bellezza e varietà di colori - determina l'uso diffuso della pietra dura nell'industria della gioielleria. Si tratta di un particolare ambito della lavorazione artistica della pietra dura, attualmente molto diffuso. Collane, pendenti, spille, braccialetti, anelli, orecchini, forcine per capelli: una vasta gamma di prodotti in pietre dure.
Gli artigiani che lavorano alla creazione di gioielli si affidano alle più ricche tradizioni di quest'arte in Russia. Gli artisti cercano di far risaltare la bellezza naturale della pietra, utilizzando una superficie non sfaccettata, in cui sono particolarmente chiaramente visibili le sfumature di colore e le inclusioni naturali.
Oltre ai gioielli, una gamma abbastanza ampia di prodotti è realizzata in pietra dura. Si tratta di piccoli vasi decorativi, vassoi per gioielli, set da scrivania per strumenti da scrittura, sculture animalesche in miniatura.
Scultura in pietra.
L.N. Puzanov. Vaso "Autunno" Scultura in pietra.
T.Ch. Ondar. Capra con capretto
Intaglio di ossa. L'osso è un materiale ampiamente utilizzato nei tempi antichi.
L'artigianato artistico per la lavorazione delle ossa si è sviluppato soprattutto al Nord. La zanna di elefante, la zanna di mammut e la zanna di tricheco servivano come materiale per la lavorazione artistica e gli artigiani popolari sono stati in grado di identificare e utilizzare le straordinarie proprietà del materiale per prodotti artistici.
La zanna di mammut ha un bellissimo tono giallastro e una consistenza a forma di rete in miniatura. Grazie alla sua durezza, alle dimensioni impressionanti e al bel colore, è adatto per creare una varietà di prodotti artistici. Da esso puoi realizzare vasi, tazze, sculture decorative da tavolo, prodotti con intagli traforati.
Zanna di tricheco - un bellissimo materiale bianco-giallo, utilizzato per creare sculture in miniatura, vari prodotti con trafori e intagli in rilievo, nonché per l'incisione. Oltre a questi principali tipi di ossa, per creare prodotti artistici viene utilizzato un semplice osso animale: il tarso, così come il corno del bestiame. Sebbene, dopo lo sbiancamento e lo sgrassaggio, un semplice osso animale diventi bianco, non ha quelle proprietà, bellezza, colore e durezza che possiedono le zanne di tricheco e mammut.
Scultura in osso di Kholmogory. Vaso decorativo "Primavera". Osso di tricheco. intaglio traforato
Osso intagliato.
L.I. Teyutin. "Macellazione di trichechi in una colonia"
Osso intagliato. Tabacchiera da tavolo
"Su Tony", 1976. A.V. Leontief
Osso intagliato.
N. Kilillo.
famiglia degli orsi
Lavorazione artistica dei metalli ha antiche tradizioni. L'emergere di centri di lavorazione dei metalli artistici in una particolare area è dovuto a una serie di ragioni storiche, geografiche ed economiche.
Nero russo. Piede. 17 ° secolo Armerie
Pos. Mstyora.
Vaso di caramelle.
Rame, filigrana, argentatura
Ceramiche popolari. Ceramica - vari oggetti realizzati in argilla cotta. Sono realizzati dai vasai. Ovunque esistessero riserve naturali di argilla adatta alla lavorazione, i maestri ceramisti realizzavano ciotole, brocche, piatti, fiaschi e altri oggetti largamente utilizzati nella vita quotidiana da persone di varie forme e decori.
Ceramiche Skopinsky. Brocca.
Ultimo quarto del XIX secolo
Ceramica Gzhel. A Gzhel, nella regione di Mosca, esiste da tempo la produzione di prodotti ceramici, effettuata da quasi tutta la popolazione dei villaggi locali.
Già nel XVII secolo. Gli artigiani Gzhel erano famosi per le loro ceramiche e l'argilla che usavano era di alta qualità.
A metà del XVIII secolo, i maestri Gzhel iniziarono a produrre prodotti utilizzando la tecnica della maiolica, dipinta su smalto grezzo. Piatti, kvas, brocche decoravano con eleganti dipinti dai toni verdi, gialli e viola. Raffiguravano fiori, alberi, architettura, intere scene della trama.
Le navi erano anche decorate con sculture: figure umane, uccelli, animali trasferiti condizionatamente. La scultura è stata realizzata separatamente.
Ceramica. A.I. Rozhko.
Kvas su due uccelli Ceramica. Z.V. Okulova. Set teiera
Tessitura del pizzo. Il pizzo russo tessuto a mano è noto nella storia del nostro artigianato popolare già dalla fine del XVIII secolo.La tessitura del pizzo fatto a mano è nata e ha preso forma immediatamente come artigianato popolare, senza passare attraverso la fase dell'artigianato domestico. Il pizzo dell'Europa occidentale iniziò a penetrare in Russia nella seconda metà del XVII - inizio XVIII secolo; serviva come decorazione per gli abiti di nobili e proprietari terrieri. Con il diffondersi della moda dei merletti e delle passamanerie, molti nobili aprirono laboratori di lavorazione dei merletti dei servi. I primi merletti, risalenti al XVIII - prima metà del XIX secolo, erano spesso realizzati con fili d'oro e d'argento con l'aggiunta di perle .
Merletto di Vologda
Pizzo Yelets
Ricamo- uno dei più antichi tipi di arte applicata. Quest'arte ha origini antichissime e viene tramandata di generazione in generazione. Nel corso dei secoli si è gradualmente sviluppata la tradizionale cerchia dei motivi, la natura dei colori e sono state sviluppate numerose tecniche di ricamo.
Il ricamo popolare è stato eseguito senza un disegno preliminare. Le ricamatrici conoscevano a memoria i loro modelli, assimilandoli e memorizzandoli oltre a padroneggiare il processo di esecuzione stesso. I principali modelli tradizionali, caratteristici di ciascuna località, sono sopravvissuti fino ai giorni nostri (69, pp. 263-304).
Ricamo Mstyora
Ricamo Ivanovo Ricamo a punto croce
Il popolo e le arti e i mestieri sono parte integrante della cultura artistica. Le opere d'arte applicata riflettono le tradizioni artistiche della nazione, la visione del mondo, la visione del mondo e l'esperienza artistica delle persone, preservano la memoria storica.
Oggi è ovvio che l'arte popolare è una parte a pieno titolo e a pieno titolo della cultura artistica, e solo pochi decenni fa gli scienziati dovevano dimostrarlo.
L'arte popolare si sviluppa secondo le proprie leggi, determinate dalla sua essenza, e come un tipo di creatività indipendente. interagisce con un altro tipo di creatività: l'arte degli artisti professionisti.
È particolarmente importante notare che l'arte popolare, come parte della cultura spirituale, può essere fonte di idee e ispirazione per gli artisti professionisti. Le tele pittoresche degli straordinari maestri antichi A. Venetsianov, V. Vasnetsov, M. Vrubel, K. Petrov-Vodkin, V. Popov incarnano idee popolari sul mondo, la grandezza dell'uomo e della natura, la comunanza delle tradizioni nell'antica Russia arte e arte popolare.
Numerosi artisti professionisti contemporanei che operano nel campo della pittura, della grafica, del tessile, della tessitura dei tappeti, della lavorazione artistica
vetro, ceramica, legno, metallo, si rivolgono anche all'arte popolare.
In senso lato arte popolare (folclore) -è creato" dal popolo sulla base dell'esperienza creativa collettiva, delle tradizioni nazionali e della poesia (leggende, fiabe, poemi epici), musica (canzoni, melodie, opere teatrali), teatro (dramma, teatro delle marionette, rappresentazioni satiriche), danza, architettura, arte visiva e decorativa - applicata.
Le opere d'arte popolare hanno valore spirituale e materiale, si distinguono per la loro bellezza e utilità. I maestri delle arti e dei mestieri popolari creano le loro opere con una varietà di materiali. I più comuni sono la ceramica artistica, la tessitura, la lavorazione del pizzo, il ricamo, la pittura, l'intaglio del legno o della pietra, la forgiatura, la fusione, l'incisione, il cesello, ecc. Possiamo utilizzare piatti dipinti, tovaglioli di pizzo, tavole di legno intagliate, asciugamani ricamati e altri lavori dell'arte popolare nella vita di tutti i giorni.
Viene data grande importanza nell'arte popolare ornamento, che decora un oggetto (cosa) o ne è l'elemento strutturale. Motivo: gli ornamenti hanno antiche radici mitologiche.
Nell'arte popolare, ci sono due aree: artigianato artistico urbano E arti e mestieri popolari. Come esempio di artigianato artistico tradizionale, si possono citare: pittura su legno Khokhloma, Gorodets, Dvina settentrionale) e su porcellana (Gzhel), giocattoli di argilla (Dymka, Kargopol, Filimonovo), bambole nidificanti (Sergiev Posad, Polkhov - Maidan), vassoi (Zhostovo), miniature laccate (Fedoskino, Palekh, Kholuy), sciarpe (Pavlovsky Posad), giocattoli in legno intagliato (Sergiev Posad, Bogorodskoye), gioielli (Kubachi), ecc.
L'arte popolare vive da secoli. Le capacità di padronanza tecnica e le immagini trovate passano di generazione in generazione, preservate nella memoria degli artisti popolari. Per questo motivo, la tradizione, fissata da secoli, riflette solo i migliori risultati creativi.
Arte decorativa -è uno dei tipi di arti plastiche. L'arte decorativa è divisa in quelle direttamente legate all'architettura: arte monumentale e decorativa(vetrate, mosaici, murali su facciate e interni, sculture decorative di giardini e parchi, ecc. arti e mestieri (prodotti artistici per la casa)
Le arti decorative sono in gran parte associate all'industria artistica e progetto. Insieme all'architettura e al design, forma un ambiente materiale-spaziale, introducendovi un inizio estetico e figurativo. Recentemente, l'arte del design è stata attribuita al design. Le opere d'arte decorativa sono sempre legate all'ambiente a cui sono destinate e solitamente le costituiscono insieme.
Arti e mestieri - area dell'arte decorativa: con la costruzione di prodotti artistici che hanno uno scopo pratico nella vita di tutti i giorni: e si distinguono per immagini decorative (stoviglie, mobili, tessuti, vestiti, gioielli, giocattoli, ecc.). Tutti gli oggetti che circondano una persona dovrebbero essere non solo comodi, pratici, ma anche belli. L'oggetto dovrebbe essere espressivo nel suo insieme: nel design, nelle proporzioni, nei dettagli e così nella decorazione. Dipingere una brocca con motivi, decorare un tagliere con intagli, lavorare a maglia un tovagliolo di pizzo, tessere motivi su tessuto: tutto ciò richiede grande abilità. Probabilmente, tali prodotti decorati con ornamenti sono anche classificati come arti decorative e applicate perché è necessario mettere le mani per creare questa straordinaria bellezza. Il vantaggio e la bellezza sono sempre vicini quando gli artisti si mettono al lavoro e da una varietà di materiali (legno, metallo, vetro, argilla, pietra, tessuto, ecc.) Creano oggetti per la casa che sono opere d'arte.
Un'altra area di arti e mestieri è associata all'ornamento della persona stessa: la creazione di un costume eseguito artisticamente, che forma un insieme insieme a un copricapo, scarpe e gioielli. Ma ultimamente il costume viene sempre più attribuito al disegno della moda. Tuttavia, i prodotti decorativi dimostrano non solo il gusto estetico e l'immaginazione dell'artista. Loro, così come nelle opere di altri tipi d'arte, riflettono gli interessi materiali e spirituali delle persone ". E sebbene oggi l'industria artistica crei prodotti di arte applicata, mantengono in gran parte caratteristiche nazionali. Tutto ciò ci permette di dire che nel arte decorativa di una certa epoca storica, le caratteristiche dell'unità stilistica sono pronunciate, ad esempio il periodo del gotico, dell'Art Nouveau, del classicismo, ecc.
Come si può determinare se un determinato prodotto è un'opera d'arte e di artigianato? A volte discutono in questo modo: se un vaso ha una bella forma, ma non è decorato con nulla, allora non è un'opera d'arte decorativa, ma se ci metti sopra una sorta di motivo, si trasformerà immediatamente in un'opera dell'arte. Questo è sbagliato. A volte gli ornamenti che decorano un vaso lo rendono un falso di cattivo gusto, lo trasformano in kitsch. Al contrario, un vaso fatto di pura argilla o legno può essere così sorprendente nella sua perfezione da farne emergere il valore artistico.
Quali sono le somiglianze e le differenze tra le opere delle arti e dei mestieri popolari e professionali? Come fai a sapere se un vaso o un tappeto è un'opera d'arte decorativa popolare o professionale?
Forse il livello di istruzione del maestro o dell'artista aiuterà qui? No, non aiuterà, anche se è generalmente accettato che un maestro popolare non abbia un'istruzione speciale, ma un artista di arte applicata deve necessariamente diplomarsi in un istituto di istruzione speciale. Tuttavia, oggi ci sono istituzioni educative specializzate che formano specialisti per centri come Gzhel, Fedoskino, Semenov, ecc.
A volte, in base al metodo di realizzazione di una cosa, alla quota di lavoro manuale in questo processo e alla circolazione di massa, si tenta di attribuire opere d'arte applicata all'arte decorativa popolare o professionale. È estremamente difficile farlo, poiché i prodotti di arte popolare vengono talvolta creati nelle fabbriche e le opere decorative di artisti professionisti vengono talvolta create in una copia.
Oggi, come cento anni fa, l'artigianato popolare lo esegue principalmente a mano. Allo stesso tempo, il maestro può lavorare sia da solo che in gruppo, così come in laboratori organizzati e persino nelle fabbriche nei centri delle arti e dei mestieri popolari tradizionali. Di norma, le opere d'arte e di artigianato sono create da artisti di imprese o laboratori dell'industria artistica. Partecipano sia alla produzione di oggetti decorativi prodotti in circolazione di massa, sia alla creazione di progetti di singoli autori. Gli artisti professionisti nel loro lavoro possono fare affidamento sulle immagini della cultura artistica mondiale, rifrangere le tradizioni dell'arte popolare a modo loro o seguire completamente solo la propria individualità e immaginazione.
Probabilmente la cosa più importante nel determinare quale tipo di abilità possedere questa o quella cosa è determinare in quale composizione artistica è stata creata, se si osservano i segni del tipo di immagine di una particolare tecnologia di elaborazione dei materiali.
Le creazioni di artigiani popolari e artisti applicati sono accomunate dalla premurosità delle forme, dall'opportunità delle proporzioni, dalla disposizione stilistica di tutti gli elementi.
La capacità di analizzare i mezzi espressivi dell'immagine artistica nelle arti popolari e nelle arti e mestieri è necessaria affinché i migliori possano sentire e imparare a comprendere meglio il generale e lo speciale in ciascuno di essi.
A questo proposito, una delle più importanti è la questione del rapporto della fisica pittorica nelle opere decorative, di ciò che in esse è trasfigurato. figuratività o plasticità. Va detto della complessa interazione tra plastica e pancia iniziata nelle arti decorative. In alcuni prodotti, la plastica porta l'inizio del pittoresco: ceramiche Skopinskaya, Kargopol, giocattoli Dymkovo. La sintesi della parte e del tutto è obbligatoria per il maestro popolare, non importa come si espanda la sua tavolozza, non importa cosa prevale: il principio pittorico o mentale.
L'espressività della linea, della silhouette, del ritmo, del colore, delle proporzioni, della forma, dello spazio in ciascuno dei tipi di arte decorativa dipendeva in gran parte dai materiali utilizzati e dalla tecnologia della loro lavorazione.
Il rapporto tra forma e materia è evidente. La plasticità dell'argilla, del legno, la fragilità e la trasparenza del vetro, la resistenza del metallo consentono la creazione di vasi di varie forme, la sua migliore soluzione artistica è determinata dalle proprietà del materiale.
Un artigiano popolare o un artista di arti e mestieri si sforza nel suo lavoro di mostrare nel miglior modo possibile le proprietà estetiche dei materiali: legno, tessuti, metallo, ceramica, vetro, carta, pelle, pietra, ecc.
La decoratività nelle arti e nei mestieri popolari è il mezzo principale per esprimere la bellezza, allo stesso tempo è una caratteristica delle opere di altri tipi di arte.
Va tenuto presente che in ogni tipo di arte l'immagine ha una propria struttura, determinata, da un lato, dalle peculiarità di esprimere il contenuto spirituale e, dall'altro, dalla natura tecnologica del materiale in cui questo contenuto è incorporato. L'immagine artistica nelle arti popolari e nell'artigianato ha entrambe le caratteristiche distintive.
L'immagine decorativa non esprime il singolare, ma il generale: “specie”, specie” (foglia, fiore, albero, uccello, cavallo, ecc.). Un'immagine decorativa richiede un pensiero artistico e figurativo, un atteggiamento mitologico e poetico nei confronti della realtà.
Pertanto, nell'arte popolare, è consuetudine individuare tipi di immagini di prodotti di arti e mestieri tradizionali, che riflettono le idee mitologiche ed estetiche delle persone. Ad esempio, l'immagine di un uccello, un cavallo, un albero della vita, una donna, segni-simboli della terra, dell'acqua, del sole possono essere visti in vari materiali artistici: ricamo, tessitura, pizzo, pittura su legno e metallo, legno intaglio, ceramica, ecc. La stabilità e la natura tradizionale di queste immagini, la loro natura archetipica determinano in gran parte l'alto valore artistico ed estetico delle opere d'arte popolare.
Allo stesso tempo, l'universalità dei tipi di immagini nell'arte di diversi popoli del mondo mostra la loro unità, associata alla comunanza degli approcci al processo di cognizione estetica dei fenomeni naturali e sociali.
Le immagini nell'arte decorativa professionale riflettono anche le idee di questa o quella persona sulla bellezza. Spesso vengono realizzati anche sulla base di motivi naturali o geometrici, ma qui è consentita una grande libertà nell'interpretazione delle immagini. Trame storiche o temi della vita moderna sono utilizzati attivamente nelle opere d'arte applicata.
Consideriamo ora le somiglianze e le differenze nei concetti di "immagine artistica", "simbolo" e "segno" sull'esempio delle opere di arte decorativa popolare. Il concetto di “immagine artistica” sarà il più ampio e sfaccettato. In alcuni casi, un simbolo è un segno dotato di un'ambiguità organica e inesauribile dell'immagine. In altri, il simbolo non equivale all'artistico
immagine, ma, soprattutto, dovrebbe sempre avere un valore artistico. Pertanto, un'immagine artistica non ha sempre un significato simbolico e un simbolo non è sempre figurativamente espressivo. L'immagine del segno, di regola, non ha alcun significato figurativo e simbolico, sebbene nell'arte popolare molto spesso tutti i segni siano simboli, e talvolta anche immagini. La polisemia Takal di immagini-simboli e segni-simboli nell'arte decorativa popolare presenta una certa difficoltà.Ad esempio, un uccello nel dipinto di Gorodets o nella ceramica di Gzhel ha una figuratività diversa.Se parliamo di un uccello in generale, non sarà l'immagine di un uccello specifico e nemmeno l'immagine di un uccello nelle tradizioni di qualsiasi mestiere, ma un'immagine vicina al segno. Allo stesso tempo il simbolo del sole può essere un'immagine decorativa di un gallo. D'altra parte, un certo numero di simboli può avere non uno, ma diversi significati. il simbolo del sole può essere non solo un gallo, ma anche un cavallo. Tale sistema simbolico-poetico ha origine da segni-simboli, associati al culto delle divinità naturali.
Analizzando i meriti artistici di una particolare opera di arte decorativa popolare o professionale, è necessario prestare attenzione alla sua soluzione figurativa, tenendo conto delle caratteristiche del materiale, dell'espressività della forma e delle proporzioni, della combinazione di colori, della connessione tra l'ornamento e la forma del prodotto, i pregi plastici, pittorici o grafici della cosa. Allo stesso tempo, è importante notare come le ripetizioni ritmiche, le caratteristiche compositive della costruzione dell'ornamento e le cose in generale influenzino la sua soluzione figurativa.
Se impari ad analizzare bene l'immagine in uno qualsiasi dei sistemi artistici, si apriranno le opportunità più ricche per rivelare le interconnessioni dei mezzi artistici ed espressivi.
Le arti e i mestieri popolari e professionali sono interpretati come arti che servono i bisogni di una persona e allo stesso tempo soddisfano le sue esigenze estetiche, dando vita alla bellezza.
Tuttavia, bisogna anche essere consapevoli delle differenze significative tra queste forme d'arte. L'arte popolare, che trasforma la realtà, è considerata dagli storici dell'arte moderna come un tipo speciale di creatività artistica, i cui tratti distintivi sono: l'inizio e le tradizioni collettive, la stabilità di temi e immagini, l'universalità del linguaggio comprensibile a tutti i popoli di il mondo, l’universalità dei valori spirituali. Tutte queste caratteristiche dell'arte sono determinate da una percezione olistica del mondo.
Queste qualità sono ugualmente inerenti sia alle arti e ai mestieri popolari, sia al folklore orale, musicale e poetico, al gioco, al teatro e ad altre forme di arte popolare.
L'arte popolare è un fenomeno olistico, poiché la sua base è la vita e la vita delle persone, le loro idee sull'universo, l'attività lavorativa, i rituali e le vacanze. Il pensiero figurativo delle persone si materializza negli oggetti dell'arte popolare. Nel corso dei secoli, vari tipi di arte popolare si sono sviluppati e migliorati in unità: arte popolare orale, folklore musicale, arti e mestieri e architettura.
I risultati dell'attività artistica e creativa delle persone riflettono la loro vita, le loro opinioni, i loro ideali, quindi le opere d'arte popolare contengono l'esperienza di sentimenti morali, conoscenza e comportamento. Unica e ricca di contenuti, l'esperienza conferisce all'arte popolare un valore unico come mezzo di educazione morale ed estetica della persona. Pertanto, in questo contesto, costituisce un'area così importante della vita sociale come la pedagogia popolare. La versatilità dell'arte popolare ci consente di considerarla come un'enorme forza che influenza l'individuo e la società.
L'arte popolare è, prima di tutto, un vasto mondo di esperienza spirituale delle persone, le sue idee artistiche sono parte integrante della cultura. L'arte popolare si basa sull'attività creativa delle persone, riflettendo la loro autocoscienza e memoria storica. La comunicazione con l'arte popolare, con i suoi ideali morali ed estetici sviluppati nel corso dei secoli, svolge un ruolo educativo significativo. L'attrazione dell'arte popolare per una persona e l'impatto sulle sue sfere intellettuali ed emotivo-sensuali aprono grandi opportunità per l'utilizzo dei prodotti delle arti e dei mestieri popolari tradizionali nel sistema educativo.
I fondamenti teorici dell'arte popolare, la sua essenza e il suo significato come sistema artistico nel suo insieme sono stati confermati dai principali scienziati nazionali A.B. Bakushinsky, I.Ya Baguslavskaya, G.K. Wagner, V.S. Voronov, M.A. B. Rozhdestvenskaya, A. B. Saltykov e altri. Nelle loro opere, le leggi principali dello sviluppo dell'arte popolare erano definite "principio collettivo" e "nazionalità".
Uno dei primi ricercatori di arte popolare, che riconobbe l'alto valore artistico e scientifico dell'arte "contadina", fu V.S. Voronov. Ha definito le tradizioni artistiche come "stile popolare". Lo scienziato credeva che la tradizione fosse capace di cambiare, internamente ed esternamente è mobile.
Per molto tempo, la natura tradizionale dell'arte popolare è stata intesa principalmente come l'antichità delle sue immagini, forme e tecniche, la stabilità della loro conservazione e la continuità nello sviluppo.
Gli autori degli studi moderni nel campo della storia dell'arte considerano le tradizioni come un fenomeno dialettico associato non solo al passato, ma anche al presente e al futuro. Nella comprensione di S.B. Rozhdestvenskaya, la tradizione è un tesoro di tutto ciò che è esteticamente perfetto che è stato tramandato di generazione in generazione, un complesso di mezzi visivi che sono stabili e mutevoli allo stesso tempo.
La formazione e lo sviluppo delle tradizioni artistiche popolari di una particolare area sono avvenuti sotto l'influenza di fattori naturale-geografici, culturali e socio-economici.
M.A. Nekrasova considera l'arte popolare come un sistema creativo, culturale e storico che si afferma attraverso la continuità delle tradizioni, delle funzioni come un tipo speciale di creatività artistica nell'attività collettiva del popolo. E ogni nazione porta con sé la propria cultura di tradizioni poetiche, figurative e artigianali. Si sono evoluti nel corso dei secoli e perfezionati da molte generazioni di persone. Con le tradizioni dell'arte popolare non viene trasmessa solo l'artigianato, ma anche immagini, motivi amati dalla gente, principi e tecniche artistiche. Le tradizioni costituiscono gli strati principali della cultura dell'arte popolare - scuole e allo stesso tempo determinano la speciale vitalità dell'arte popolare.
È impossibile sottovalutare il potere della tradizione per lo sviluppo dell'arte popolare. M.A. Nekrasova sostiene giustamente la ricchezza artistica di immagini, forme, mezzi e tecnologia proprio con questo. Lei pensa solo questo particolarmente peculiare nei sistemi nazionali, nei sistemi regionali, nei sistemi delle scuole d'arte popolare, può determinare la vita dell'arte popolare come centro culturale, solo una tradizione viva dà modo al suo sviluppo. Legge della tradizione risulta forza principale dello sviluppo.
La tradizione, portata avanti attraverso i secoli, non interferisce con la manifestazione di un senso di modernità. Nell'arte popolare, si esprime non tanto nei segni esterni dei tempi, sebbene, ovviamente, abbiano anche luogo, ma nella capacità di rispondere alle esigenze di oggi in una forma tradizionale. Ciò si riflette principalmente nella percezione del mondo, nell'idea di bellezza.
È molto importante l'arte popolare, con il suo significato metaforico e simbolico vivere la creatività e allo stesso tempo memoria storica vivente, memoria delle origini della cultura. Porta l'esperienza di conoscere il mondo. L'integrità dell'arte popolare come struttura artistica è la chiave per la sua comprensione. tradizione in questo caso - metodo creativo.
“Considerando la tradizione come qualcosa di vivo, dobbiamo prima di tutto comprenderla come una relazione olistica con il mondo. Solo allora l'arte popolare sarà rivelata in tutta la portata del suo significato, contenuto ideologico ed emotivo-estetico. Tuttavia, l'integrità non significa l'immutabilità dell'arte popolare.
Le immagini dei motivi originali sono ripensamenti permanenti dell'arte popolare nuova relazione, allegando loro nuove esperienze e idee. Da qui la sua varietà di forme. Tuttavia, allo stesso tempo, la particolarità che distingue questo o quel centro di arte popolare nelle sue caratteristiche nazionali e regionali non deve scomparire; al contrario, risulta essere una condizione necessaria per la diversità artistica”, ritiene M.A. Nekrasova 1 .
La tradizione appare nell'arte popolare sotto forma di un sistema per il quale sono importanti i seguenti aspetti: il legame dell'uomo con la natura, l'espressione del nazionale, la scuola di arte popolare (nazionale, regionale, regionale, la scuola di artigianato individuale ).
La definizione più completa del concetto "Skoda" ha dato a M.A. Nekrasova. Crede che questo concetto includa necessariamente la continuità culturale, cioè l'arte popolare - artistica nostra/nostra, plasmato dalla tradizione. Pertanto, nell'arte popolare, la scuola è vista come fissata dalla continuità delle tradizioni e delle competenze caratteristiche dell'artigianato, delle tecniche professionali e dei sistemi artistici per questo focus dell'arte popolare, e non nel significato di luogo di formazione dei maestri.
La continuità delle tradizioni forma la cultura artistica popolare della regione, mantiene l'alta professionalità dell'artigianato popolare. È questa qualità che consente di individuare le caratteristiche dell'una o dell'altra scuola come comunità creativa. Solo la scuola come continuità culturale, determinata dall'esistenza della tradizione, è in grado di fornire una base artistica tale che renda viva l'arte popolare nel tempo, consenta lo sviluppo dell'artigianato artistico.
La persona principale nelle arti e nei mestieri è il maestro popolare, una personalità creativa speciale, spiritualmente connessa con le persone, la cultura, la natura del kral, portatore di tradizioni ed esperienza collettiva.
"In ogni tocco delle mani del maestro sulla grotta creata, cresce un senso di bellezza, organico alla struttura interna della percezione delle persone. Nell'arte popolare vengono espressi il temperamento nazionale e il carattere nazionale. Determinano in gran parte la diversità delle forme di arte popolare.
Nell'arte popolare, l'abilità artistica, l'abilità tecnica, i metodi di lavoro, le motivazioni vengono trasmesse dal maestro all'allievo. Il sistema dell’arte è elaborato collettivamente”.
Dopo averli padroneggiati, gli studenti hanno l'opportunità di variare i loro motivi pittorici preferiti. E solo sulla base dell'esperienza acquisita passano all'improvvisazione basata sul dipinto, componendo le proprie composizioni. Se tutti attraversano senza fallo la fase di ripetizione e variazione, solo gli studenti più talentuosi che possono diventare veri maestri del loro mestiere possono lavorare a livello di improvvisazione.
Le opere d'arte decorativa popolare e professionale adornano e trasformano la vita.
3. Composizione nelle arti popolari e nei mestieri
La composizione come rapporto significativo tra parti di un'opera d'arte nelle arti popolari, decorative e applicate può essere costruita secondo vari schemi. Convenzionalmente si distinguono i seguenti elementi attivi della composizione decorativa: colore, ornamento, trama (tema), soluzione plastica planare o volumetrica.
Per comprendere gli schemi compositivi è necessario percepire l'immagine di una cosa artistica o di una composizione spazio-volumetrica nel suo insieme.
Il colore (uno dei mezzi espressivi nelle arti popolari e nell'artigianato) è considerato la componente più importante di un'immagine decorativa. Non è associato a caratteristiche specifiche dell'oggetto o del fenomeno raffigurato. Ogni centro di arte popolare crea le proprie soluzioni cromatiche per oggetti artistici, associate alla tradizionale tecnologia di lavorazione dei materiali, preservando archetipi e altre condizioni per la creatività collettiva. Il raggiungimento dell'espressività nel lavoro decorativo è associato ai contrasti di tono e colore.
Nel lavoro decorativo, gli artisti si prendono cura anche del rapporto armonioso dei colori, e i colori reali degli oggetti possono essere sostituiti con quelli simbolici. L'unità coloristica di tutti gli elementi degli ornamenti è ottenuta con l'aiuto di contrasti o sfumature di colore. Quando si selezionano le relazioni cromatiche nel lavoro decorativo, vengono prese in considerazione la dimensione delle parti del disegno, la loro disposizione ritmica, lo scopo dell'oggetto e il materiale con cui è realizzato.
L'ornamento come parte dell'immagine decorativa di una cosa gioca un ruolo molto importante nel modellarne l'aspetto. La stessa nave, decorata con ornamenti diversi, acquisisce ogni volta una nuova immagine, e quindi una diversa espressività. Di grande importanza sono la posizione dell'ornamento e
solo una striscia sottile, in un altro caso si può ornare tutta la sua superficie. Quando si decora un oggetto è necessario tenere conto del rapporto tra l'ornamento e la forma dell'oggetto. Un fiore grande e lo stesso fiorellino decorano la coppa in modi completamente diversi.
Piatti in ceramica, vassoi di metallo o scatole di cartapesta sono decorati non solo con ornamenti, ma anche con disegni di trama. Di solito vengono eseguiti senza riguardo alla prospettiva, poiché i disegni dovrebbero enfatizzare il piano e non mostrare la profondità.
Nella scultura decorativa o sui vasi di ceramica, il tema e la trama possono essere espressi in vari modi. Ad esempio, nella ceramica Gzhel, la scena del consumo del tè è raffigurata su piatti o modellata in piccola plastica. E la nave può essere facilmente trasformata in una bestia o in un uccello.
La composizione decorativa tematica ha i suoi modelli, il suo linguaggio artistico. Lei, come ogni opera d'arte, racconta di persone, cose o eventi. Ma allo stesso tempo, la storia pittorica è subordinata a scopi decorativi, di regola serve a decorare l'oggetto. Pertanto, la composizione decorativa è legata anche all'ornamento. Le sue opzioni sono innumerevoli a seconda dei compiti specifici e le possibilità artistiche possono essere ampliate utilizzando una varietà di materiali e tecniche, modificando lo scopo e la scala dell'immagine.
Il tema di una composizione decorativa può essere espresso in modi che lo distinguono fondamentalmente dalla composizione di un dipinto. Le relazioni spaziali della natura reale possono essere completamente assenti. L'immagine del paesaggio può non svolgersi in profondità, ma verso l'alto, nel qual caso i piani lontani sono posti sopra quelli vicini.
La composizione tematica decorativa è un mondo artistico speciale con un proprio ordine condizionale, e talvolta con una propria architettura e personaggi specifici e facilmente riconoscibili che si relazionano tra loro in modo completamente diverso rispetto alla realtà.
Spesso l'immagine è combinata con un ornamento e acquisisce un carattere quasi ornamentale, come se “si diffondesse” lungo il piano, che è dovuto alla generalizzazione delle forme, una caratteristica cromatica condizionale. Nonostante tutta l'originalità dell'immagine decorativa, non esclude affatto la narrativa, non è privata dell'opportunità di condurre una storia divertente. Anche le illustrazioni dei libri possono essere realizzate in modo decorativo.
In una composizione decorativa, l'espressività della silhouette, la bellezza grafica dei contorni e delle linee delle figure acquisiscono un ruolo speciale, è molto importante trovare il corretto rapporto colore e tono delle figure e dello sfondo della composizione, poiché sono importanti nello stile.
I principali schemi compositivi e modelli di composizione decorativa sono gli stessi di quando si costruisce un'immagine (cerchio, triangolo, quadrato, ovale, ecc.). La composizione è simmetrica e asimmetrica, aperta e chiusa. Il movimento rapido può trasmettere una composizione allineata in diagonale. Ciascuno dei mezzi espressivi elencati in una composizione decorativa ha la sua originalità.
Il ritmo è uno dei principali mezzi di espressività artistica di una composizione decorativa. Una chiara organizzazione ritmica di forme, linee, macchie di colore, relazioni tonali è la chiave per costruire immagini e motivi decorativi.
La proprietà organica di una composizione tematica decorativa è la trasformazione decorativa di qualsiasi natura, l'identificazione dell'eleganza, della vivacità, della modellazione del mondo circostante, l'osservanza di una certa misura di convenzionalità dell'immagine. L'abile generalizzazione della forma non danneggia minimamente l'espressività. Il rifiuto dei dettagli secondari rende i dettagli principali più evidenti, li fa suonare con tutta la loro forza.
Un tema in una composizione decorativa può essere generalizzato quasi a un simbolo e avere una soluzione artistica adeguata. Una composizione decorativa tematica può essere paragonata a un ornamento, dove è evidente la necessità di collegare elementi, e non solo dove c'è una ripetizione di motivi, ma anche in un disegno che riempie liberamente il piano.
Diamo uno sguardo più da vicino al problema del colore. La principale caratteristica distintiva di un'immagine decorativa da quella realistica è che il colore dell'oggetto può essere dato senza tener conto della luce e dell'ombra, ed è possibile anche un completo rifiuto del colore dell'oggetto in natura. La cosa principale è creare un'immagine artistica con l'aiuto del colore.
Ma non bisogna affrettarsi ad abbandonare il colore reale, può essere preso come base, soprattutto perché in natura una mela, ad esempio, può essere gialla, rossa e verde. Allo stesso tempo, anche un colore può essere chiaro e scuro, caldo e freddo e contenere molte sfumature.
Nella composizione decorativa, la legge dell'integrità gioca un ruolo molto importante. Ciò non esclude la possibilità di unire silhouette e immagini tridimensionali in un'unica opera, utilizzando immagini generalizzate e dettagliate, perché una risalta meglio, contrastando con l'altra. Allo stesso tempo, non bisogna dimenticare l'equilibrio delle parti, che può essere raggiunto rifiutando le inezie, rafforzando la cosa principale, unendo tutto con luce o colore, ecc.
Inoltre, le tecniche compositive nelle arti popolari e nell'artigianato possono enfatizzare il volume o la piattezza dell'oggetto decorato, quindi la posizione e la natura dell'arredamento e dei dettagli saranno subordinati a questo obiettivo. L'espressività di una composizione tridimensionale nel suo insieme è in gran parte raggiunta attraverso la disposizione compositiva delle sue parti. Ad esempio, le composizioni di mosaici decorativi di Z. Tsereteli, realizzate per il complesso del sanatorio di Adler, sono diverse in silhouette, forme liberamente sparse. Alcuni di essi confluiscono dolcemente l'uno nell'altro, mentre altri mantengono la loro struttura.
Forme e sculture giocose nei cortili degli edifici residenziali si distinguono per una speciale varietà di tecniche compositive.
L'analisi delle caratteristiche compositive delle opere d'arte popolare e decorativa e applicata viene effettuata tenendo conto delle leggi generali delle arti plastiche: dall'analisi della forma generale si passa alla valutazione della disposizione delle parti e poi ancora all'espressività generale dell'oggetto.
4. Arte dell'ornamento
L'ornamento è la parte più importante del popolo, delle arti e dei mestieri. Serve per decorare edifici, vestiti, articoli per la casa (utensili, mobili, strumenti, ecc.), armi ed è ampiamente utilizzato nella grafica di libri e applicata, poster, ecc. L'ornamento può essere disegnato con materiale grafico e dipinto con vernici, ricamato o tessuto con fili, scolpito su legno o sbalzato su metallo, ecc. Un ornamento può diventare una cosa se è tessuto sotto forma di pizzo (tovagliolo, colletto, tovaglia, ecc.), stuoie o forgiato in metallo (lampada, setter, recinzione, cancello, ecc.). L'ornamento può essere multicolore (policromo) e monocromatico (monocromo), realizzato sulla superficie dell'oggetto convesso, in rilievo o, al contrario, approfondito. Le caratteristiche stilistiche generali dell'arte ornamentale sono determinate dalle caratteristiche e dalle tradizioni della cultura visiva di ciascuna nazione, hanno una certa stabilità per un lungo periodo storico e hanno un carattere nazionale pronunciato. Possiamo quindi dire che l'ornamento è lo stile dell'epoca, segno attendibile che l'opera appartiene ad un certo tempo e ad un certo paese. (Gotico, Barocco, Art Nouveau e così via.).
Per molti secoli, le persone hanno creduto nel potere protettivo dell'ornamento, credevano che proteggesse dai problemi e portasse felicità e prosperità. A poco a poco, la funzione dell'amuleto andò persa, ma fu preservato il compito principale dell'ornamento: rendere l'oggetto più elegante e attraente, artisticamente espressivo.
Le proprietà dell'ornamento dipendono dallo scopo, dalla forma, dalla struttura e dal materiale dell'oggetto che decora. L'ornamento aiuta a enfatizzare le caratteristiche plastiche e progettuali dell'oggetto, ad esaltarne la soluzione figurativa, a rivelare meglio la naturale bellezza del materiale. Tutto ciò è possibile a condizione di una combinazione armoniosa dell'ornamento e della forma dell'oggetto.
L'arte decorativa e applicata è una vasta sezione dell'arte, che copre varie aree dell'attività artistica e si concentra sulla creazione di oggetti utilitaristici. Il livello estetico di tali opere, di regola, è piuttosto elevato. Il termine collettivo combina due tipi di arte: applicata e decorativa. Il primo ha segni di applicazione pratica, il secondo è destinato a decorare l'ambiente umano.
Creatività e utilità
Arte applicata: che cos'è? Prima di tutto, si tratta di oggetti le cui caratteristiche sono vicine allo stile artistico e il loro scopo è piuttosto diverso. Vasi, brocche, piatti o servizi in fine porcellana, così come molti altri oggetti, decorano soggiorni, servizi da cucina, camere da letto e camerette. Alcuni oggetti possono essere vere e proprie opere d'arte e tuttavia appartenere alla categoria dell'arte applicata.
Ampio spettro di attività
Arte applicata: cos'è dal punto di vista del maestro? Un processo creativo ad alta intensità di manodopera o un semplice mestiere realizzato con materiali improvvisati? un'opera d'arte che merita il massimo elogio. Lo scopo utilitaristico del prodotto non toglie nulla ai suoi pregi. L'arte decorativa e applicata è un ampio campo di attività per artisti e scultori, designer e stilisti. Particolarmente apprezzate sono le opere d'arte esclusive realizzate in un unico esemplare. Allo stesso tempo, i prodotti di massa sono classificati come souvenir.
Decorazioni in casa
Arte decorativa e applicata: cos'è se la consideriamo parte del riempimento estetico dell'ambiente domestico? Si può dire con certezza che tutti i prodotti e gli oggetti che si trovano intorno riflettono i gusti delle persone che si trovano nelle loro immediate vicinanze, poiché una persona cerca di circondarsi di cose belle. L'arte decorativa e applicata consente di decorare abitazioni, uffici, aree ricreative. Particolare attenzione è riservata alla progettazione delle camere per bambini.
E, infine, l'arte applicata: cos'è nella comprensione del pubblico? Si tratta di mostre, vernissage, fiere e tanti altri eventi pubblici che avvicinano le persone alla cultura. Le belle arti e l'artigianato aumentano il livello di sviluppo umano, contribuiscono alla formazione del suo gusto estetico. Inoltre, visitare le esposizioni amplia gli orizzonti generali. Ogni mostra di arte applicata fa conoscere al grande pubblico nuove conquiste nel campo della creatività artistica. Tali eventi sono di particolare importanza nell'educazione delle giovani generazioni.
Un po' di storia
Le arti e i mestieri popolari hanno origine nei villaggi russi. I semplici mestieri degli artigiani locali sono spesso classificati come prodotti nella categoria delle "arti e mestieri popolari". Un buon esempio dello stile folcloristico sono i cosiddetti galletti dipinti, figurine, ornamenti in argilla rossa.
La pesca affonda le sue radici nel passato, ha più di quattrocento anni. L'antica arte applicata è apparsa grazie alla festa nazionale del "Fischio", quando l'intera popolazione femminile ha scolpito fischietti di argilla per questo giorno sotto forma di polli, agnelli, cavalli. La festa durò due giorni.
Nel corso del tempo, la festa perse il suo significato e le arti e i mestieri popolari continuarono a svilupparsi. Attualmente, i prodotti artistici Dymkovo vengono replicati nell'associazione di produzione Vyatka Toy. I prodotti sono tradizionalmente ricoperti di calce e dipinti con colori brillanti e ricchi.
belle arti
I prodotti dell'arte popolare nella loro forma originale, di regola, diventano la base per personaggi fiabeschi inventati dagli abitanti dei villaggi russi, sono esposti nei famosi cofanetti Palekh, vassoi Zhostovo e prodotti in legno Khokhloma. L'arte applicata della Russia è varia, ogni direzione è interessante a modo suo, i prodotti dei maestri russi sono molto richiesti dai collezionisti stranieri.
"La domanda dà origine all'offerta": questa formulazione riflette perfettamente la situazione nel campo dell'artigianato popolare in Russia. Ad esempio, i prodotti artistici in stile Gzhel sono popolari in tutto il mondo da diversi secoli. I famosi vasi, piatti e tazze da tè bianchi e blu sono desiderabili in ogni casa e gli esemplari particolarmente preziosi sono l'orgoglio dei collezionisti. Non è ancora chiaro cosa sia l'arte applicata: lavoro, artigianato o creatività artistica. Ogni prodotto, infatti, richiede un certo impegno per realizzarlo, e allo stesso tempo è necessario conferire all'immagine un valore artistico.
Arte applicata nella cameretta dei bambini
In alcuni casi, il tema della creatività artistica può essere rivolto alle generazioni più giovani. Di particolare valore sono i prodotti realizzati dalle mani dei bambini. La spontaneità insita nei ragazzi e nelle ragazze in età prescolare, la fantasia ingenua mescolata al desiderio di esprimere i propri sentimenti più intimi danno origine a veri e propri capolavori. Le arti e i mestieri dei bambini, rappresentati da disegni, figurine di plastilina, omini di cartone, sono la creatività artistica più vera. Oggi in tutta la Russia si svolgono concorsi a cui partecipano piccoli "artisti" e "scultori".
Arte applicata russa moderna
Sono creazioni artistiche anche fotografie, pugnalitipi, acqueforti, incisioni, stampe e molti altri esempi. I prodotti possono essere molto diversi. Allo stesso tempo, sono tutti uniti dall'appartenenza alla vita sociale e culturale sotto il nome comune: arte decorativa e applicata. Le opere in quest'area si distinguono per uno stile folcloristico speciale. Non per niente tutti i mestieri d'arte hanno avuto origine nell'entroterra russo, in villaggi e villaggi. C'è una senza pretese nostrana e una completa assenza di quella pretenziosità che a volte si trova nelle opere d'arte nei prodotti. Allo stesso tempo, il livello artistico dell'arte popolare è piuttosto elevato.
In Russia, l’arte e l’artigianato fanno parte del potere economico del paese. Di seguito è riportato un elenco delle principali aree di artigianato artistico popolare che hanno ricevuto riconoscimenti a livello mondiale e vengono esportati in volumi industriali.
- Miniature laccate su base di legno (Palekh, Mstyora, Fedoskino).
- Pittura d'arte Zhostovo su metallo, smalto di Limoges, smalto.
- Khokhloma, Gorodets, pittura d'arte Mezen su legno.
- Gzhel, giocattolo Filimonovo, giocattolo Dymkovo - pittura artistica su ceramica.
Palekh
L'artigianato artistico popolare Palekh è apparso negli spazi aperti russi all'inizio del XX secolo. L'arte del disegno su lacca ha avuto origine in un piccolo villaggio nella provincia di Ivanovo chiamato Palekh. L'arte era una continuazione dell'arte della pittura di icone, che affonda le sue radici in epoca pre-petrina. Successivamente, i maestri di Palekh parteciparono al dipinto del Cremlino di Mosca, del Convento di Novodevichy, delle cattedrali della Trinità-Sergio Lavra.
La rivoluzione del 1917 abolì la pittura di icone e gli artisti rimasero senza lavoro. Nel 1918, gli artigiani crearono un artel d'arte Palekh, in cui venivano dipinti oggetti di artigianato in legno. Poi gli artigiani hanno imparato a creare scatole di cartapesta e a dipingerle in miniatura utilizzando le tradizionali tecniche di pittura di icone.
Nel 1923, le miniature laccate furono presentate all'Esposizione agricola e industriale tutta russa, dove ricevettero un diploma di 2 ° grado. E due anni dopo, le bare Palekh furono esposte a Parigi, all'Esposizione Mondiale.
Il successo di prodotti artistici insoliti divenne un incentivo per la creazione delle organizzazioni "Unione degli artisti Palekh" e "Laboratori d'arte Palekh" nell'ambito del Fondo artistico dell'URSS.
Fedoskino
Questa parola è associata alla pittura su lacca russa con l'uso dell'artigianato apparsa nel villaggio di Fedoskino vicino a Mosca nella seconda metà del XVIII secolo. Il disegno è stato applicato su prodotti di cartapesta e poi verniciato in più strati.
L'inizio dell'arte della miniatura Fedoskino fu posto dal mercante russo P. I. Korobov, che visitò la città tedesca di Braunschweig e adottò tecnologie per creare tabacchiere, perline, cofanetti e altri oggetti lì decorati con immagini pittoresche.
La miniatura in lacca Fedoskino è dipinta con colori ad olio in quattro fasi: prima viene realizzato uno schizzo del disegno ("pittura"), quindi uno studio dettagliato ("ridipintura"), verniciatura - rivestimento con vernici trasparenti, l'ultimo processo - abbagliamento , che trasmette luci e ombre nell'immagine.
La tecnica di disegno Fedoskino prevede l'utilizzo di uno strato colorato di componenti riflettenti: polvere metallica o foglia d'oro. In alcuni casi, il maestro può realizzare un rivestimento in madreperla. Le vernici trasparenti per vetri insieme al rivestimento creano un effetto luminoso profondo unico. Lo strato di inchiostro è sottolineato da uno sfondo nero.
Mstera
Questo era il nome dell'artigianato popolare russo, apparso a metà del XVIII secolo nella provincia di Vladimir. Tutto è iniziato con "piccole lettere": icone in miniatura con i più piccoli dettagli. Dopo la rivoluzione del 1917, quando non c'era più bisogno della pittura di icone, mstyora passò ai cofanetti e alle scatole di cartapesta. Il disegno è stato applicato mescolato sui tuorli d'uovo. Entro la metà del 20 ° secolo furono finalmente formate le tecnologie della miniatura laccata della mstyora.
I principi di base del disegno di un'immagine consistono nel trasferire i contorni generali dalla carta da lucido alla superficie del prodotto, quindi segue l'"apertura", disegnando l'immagine stessa. Il passo successivo è la verniciatura dettagliata. E infine "sciogliersi" - la colorazione finale con bagliore, che include l'oro creato (la polvere d'oro più piccola). Il prodotto finito viene ricoperto con vernice trasparente in sei strati con essiccazione intermedia, quindi lucidato.
I tratti caratteristici del dipinto Mstyora sono la decorazione del tappeto, un sofisticato gioco di sfumature e tre combinazioni di colori utilizzate nella colorazione: giallo ocra, rosso e blu-argento. Il tema del disegno è classico: fiabe, monumenti storici, architettura.
Zhostovo
L'artigianato popolare di Zhostovo sono i vassoi di metallo dipinti in uno stile speciale. L'arte di Zhostovo è nata all'inizio del XIX secolo, nei villaggi del Trinity volost, nella regione di Mosca. I residenti di tre villaggi (Ostashkovo, Zhostovo e Khlebnikovo) iniziarono a realizzare oggetti dipinti con cartapesta. E nel laboratorio dei fratelli Vishnyakov iniziarono a realizzare vassoi di latta con un motivo colorato.
Il listino prezzi dei Vishnyakov comprendeva due dozzine di articoli diversi in metallo e cartapesta, tutti dipinti, con disegni colorati e molto richiesti alle fiere, mentre il vassoio dipinto era sempre in primo piano.
Il dipinto di Zhostovo è un tema floreale in diverse versioni: un bouquet da giardino, fiori casuali, una ghirlanda, una ghirlanda di vimini. Le piante di campo costituivano una composizione separata.
I bouquet su un vassoio appaiono naturali grazie allo studio attento dei piccoli dettagli. In questo caso, la tavolozza dei colori viene utilizzata il più satura possibile. Lo sfondo è solitamente nero, i bordi del vassoio sono decorati con ornamenti traforati, vegetativi o stilizzati come una struttura in legno. Il vassoio Zhostovo è sempre dipinto a mano ed è un'opera d'arte esclusiva.
Khokhloma
Questo nome è stato dato all'artigianato popolare russo, risalente all'inizio del XVII secolo. La pittura Khokhloma è la più complessa e costosa di tutte le tecniche attualmente esistenti. L'arte artistica applicata è un lungo processo creativo associato alla lavorazione del legno, al primer multistrato e alla verniciatura con colori ad olio.
Il processo di realizzazione dei prodotti Khokhloma inizia con gli spazi vuoti. Per prima cosa gli artigiani, cioè, tagliano i blocchi di legno con un'ascia. Successivamente i pezzi vengono lavorati su macchine nella dimensione e nella forma desiderate. Gli spazi lavorati sono chiamati "lino". Dopo la macinazione vengono rivestiti con speciale argilla liquida ed essiccati. Quindi i pezzi già innescati vengono ricoperti con diversi strati di olio di lino con essiccazione intermedia. Segue la stagnatura o lo sfregamento della polvere di alluminio sulla superficie, dopodiché il prodotto assume un colore bianco a specchio. In questa fase è già pronto per la verniciatura.
I colori principali di Khokhloma sono il nero e il rosso (fuliggine e cinabro), i colori ausiliari sono oro, marrone, verde chiaro e giallo. In questo caso vengono utilizzati pennelli molto sottili (realizzati esclusivamente con code di scoiattolo), poiché i tratti vengono applicati con un tocco appena percettibile.
Il contenuto tematico dell'immagine sono le bacche di sorbo, il viburno, le fragole, il fogliame piccolo, gli steli verdi sottili e leggermente ricurvi. Tutto è disegnato con colori accesi e intensi, i contorni sono ben delineati. L'immagine è costruita sul principio del contrasto.
Gzhel
Questo è l'artigianato popolare più popolare, un tradizionale centro russo per la produzione di ceramiche artistiche. Occupa una vasta regione, composta da 27 villaggi, sotto il nome generico di Gzhel Bush, a 60 chilometri da Mosca.
Da tempo immemorabile, i luoghi di Gzhel sono famosi per i depositi di argilla di alta qualità, adatta per i vasi da farmacia. Nel 1770, le terre del Gzhel volost furono assegnate all'Ordine Farmaceutico. Allo stesso tempo, nei villaggi di Gzhel, hanno lanciato la produzione di mattoni, tubi di ceramica, piastrelle per stufe e giocattoli per bambini per Mosca.
I piatti realizzati con l'argilla Gzhel erano particolarmente buoni, leggeri e resistenti. All'inizio del XIX secolo nella parrocchia si contavano 25 fabbriche per la produzione di stoviglie. La vicinanza di Mosca stimolò lo sviluppo della produzione di prodotti in argilla: una miriade di ciotole, piatti, stoviglie e altri utensili da cucina venivano venduti alle fiere della capitale.
I giocattoli Gzhel a quel tempo erano realizzati con utensili di scarto. Non importa quanta argilla fosse rimasta, tutta veniva utilizzata per modellare galletti, galline, agnelli e capre. Inizialmente, i laboratori artigianali lavoravano in modo caotico, ma presto si delineava una certa linea di produzione. Le materie prime iniziarono ad essere raccolte appositamente per i souvenir, gli artigiani si specializzarono anche nel profilo dei prodotti più ricercati.
Cavalli e figurine bianchi lucenti furono dipinti in diversi colori finché non apparve il cobalto, una vernice universale. Il colore blu intenso e brillante si abbina al meglio con lo smalto bianco neve del pezzo. Negli anni '50 del secolo scorso, gli artisti abbandonarono completamente tutti gli altri colori e iniziarono a utilizzare la colorazione blu cobalto smaltata. Allo stesso tempo, i motivi del disegno potrebbero essere molto diversi, su qualsiasi argomento.
Altri mestieri
La gamma di arti e mestieri dell'arte popolare russa è insolitamente ampia. Ecco la fusione e la goffratura artistica di Kasli con elementi intervallati. Le tecnologie dell'intarsio e dell'intarsio ti consentono di creare magnifici dipinti e pannelli. L'arte applicata russa è un vasto strato culturale del paese, proprietà della società.
Che copre vari rami dell'attività creativa volti a creare prodotti artistici con funzioni utilitaristiche e artistiche. Il termine collettivo combina condizionatamente due ampi tipi di arti: decorativo E applicato. A differenza delle opere d'arte, destinate al godimento estetico e ad esse correlate arte pura, numerose manifestazioni di arti e mestieri possono essere di utilità pratica nella vita di tutti i giorni.
Le opere d'arte e di artigianato rispondono a diverse caratteristiche: hanno una qualità estetica; progettato per effetti artistici; servire per la registrazione di una vita e di un interno. Tali lavori sono: tessuti per abiti e decorativi, mobili, vetro artistico, porcellana, maiolica, gioielli e altri prodotti artistici.
Dalla seconda metà del XIX secolo, nella letteratura accademica è stata stabilita la classificazione dei rami delle arti e dei mestieri. per materiale
(metallo, ceramica, tessile, legno), secondo la tecnica esecutiva
(intaglio, pittura, ricamo, stampa, fusione, cesello, ecc.) e secondo le caratteristiche funzionali
uso dell'oggetto (mobili, giocattoli). Questa classificazione è dovuta all'importante ruolo del principio costruttivo-tecnologico nelle arti e nei mestieri e al suo collegamento diretto con la produzione.
"Trillage", disegno per carta da parati (1862)
Tipi di arti e mestieri[ | ]
- Applicazione: un modo per ottenere un'immagine; tecnica delle arti e dei mestieri.
- L'infeltrimento è la creazione di sculture, accessori e composizioni in lana naturale. A seconda della tecnica utilizzata si distingue tra infeltrimento a secco e ad umido. La tecnica si basa sulla proprietà unica della lana di cadere, formando il feltro.
- Il ricamo è l'arte di decorare tutti i tipi di tessuti e materiali con una varietà di motivi, dai più grossolani e densi, come stoffa, tela, pelle, ai tessuti più pregiati: batista, mussola, gas, tulle e così via. Strumenti e materiali per il ricamo: aghi, fili, cerchi, forbici.
- Il lavoro a maglia è il processo di realizzazione di prodotti da fili continui piegandoli in anelli e collegando gli anelli tra loro utilizzando strumenti semplici, manualmente o su una macchina speciale.
- Il cucito è la creazione di punti e cuciture sul materiale con ago e filo, lenza e simili. Il cucito è una delle tecnologie di produzione più antiche, risalente all'età della pietra.
- La tessitura è la produzione di tessuti su telai, uno dei più antichi mestieri dell'uomo.
- Tessitura di tappeti - produzione di tappeti.
- Bruciatura: un motivo viene applicato sulla superficie di un materiale organico con un ago caldo.
- - uno dei tipi di lavorazione dei materiali più antichi e diffusi.
- Dipinti di paglia.
- Una vetrata è un'opera d'arte decorativa di natura pittorica o ornamentale realizzata in vetro colorato, progettata per l'illuminazione passante e progettata per riempire un'apertura, molto spesso una finestra, in qualsiasi struttura architettonica o interno.
- Il decoupage è una tecnica decorativa per tessuti, stoviglie, mobili e altro, che consiste nel ritagliare scrupolosamente immagini dalla carta, che vengono poi incollate o comunque fissate su varie superfici per la decorazione.
- Modellazione, scultura, modellatura di materiale plastico con l'ausilio delle mani e di strumenti ausiliari.
- Mosaico: la formazione di un'immagine disponendo, incastonando e fissando pietre multicolori, smalto, piastrelle di ceramica e altri materiali sulla superficie.
- La tessitura è un metodo per realizzare strutture e materiali più rigidi da materiali meno durevoli: fili, steli di piante, fibre, corteccia, ramoscelli, radici e altre materie prime morbide simili.
- Artigianato con fiammiferi e bastoncini.
- Pittura:
- Scrapbooking: progettazione di album fotografici.
- Lavorazione artistica della pelle - produzione di vari articoli in pelle, sia per scopi domestici che decorativi e artistici.
- Topiaria: l'arte di creare alberi decorativi (tavolo e pavimento) da materiali naturali e decorazioni artificiali.
