Nel processo di padronanza dei metodi e delle tecniche di scrittura con gli acquerelli, gli studenti dovrebbero ricordare un noto avvertimento: la tecnica non è fine a se stessa, ma solo un mezzo per trasferire i compiti. Ogni studente, secondo le qualità personali e il gusto artistico, trova il proprio stile di scrittura speciale, secondo le esigenze della natura, sceglie l'uno o l'altro metodo e tecnica.

Ci sono diversi modi per lavorare su un pezzo. Indichiamo i più comuni di essi:

1) lavorare sullo studio del “layout”, dove tratti e riempimenti sono disposti in maniera scomposta tenendo conto della tonalità, della luminosità e della saturazione;

2) il metodo della scrittura “ampia”, dove si passa al particolare e al dettaglio solo dopo l'organizzazione generale nello studio dei grandi rapporti di luce e colore;

3) il metodo di scrittura in parti con lo sviluppo dei dettagli, in cui lo studente è costretto a mantenere ampi rapporti di luce e colore nella sua presentazione;

4) unendo in uno studio i metodi di scrittura "ampia" e lavorando in parti allo stesso tempo.

Tutti questi metodi si eseguono tecnicamente scrivendo su carta asciutta o bagnata, in un unico passaggio oa stadi calcolati per lungo tempo, e devono essere subordinati all'individuazione del contenuto principale della pittura.

Come lavorare su carta asciutta

Il metodo della scrittura studiata a secco. Questo metodo consiste nel lavorare su carta asciutta in piena forza di toni di luce e colore con un'analisi costruttiva di una forma tridimensionale (la cosiddetta rifilatura) mediante piani di riempimento. Senza dare morbidi effetti acquerellati, il metodo della scrittura asciutta e studiata è metodicamente il più corretto per risolvere i problemi quando si lavora dalla natura nella fase iniziale dell'allenamento. Sviluppa la percezione del colore in un acquarellista alle prime armi, rafforza il disegno, fornisce la corretta visualizzazione costruttiva di forma e volume e aiuta a padroneggiare rapidamente i colori e le loro miscele.

Questo metodo viene applicato secondo il disegno preparato con un coerente sviluppo del colore - dal generale ai dettagli, dal principale al secondario, con l'affinamento dell'insieme alla fine del lavoro. Dovrebbe essere utilizzato già nel primo lavoro lungo, dopo aver lavorato su una natura morta di corpi geometrici.

Scrittura a strato singolo. Il metodo a strato singolo della tecnica dell'acquerello elimina la scrittura, calcolata sul palco, ma consente interruzioni nel lavoro. Questo metodo prevede una scrittura ampia con un pennello largo, asciutto e affilato o morbido e succoso, in una sola seduta. Il metodo a strato singolo è adatto per lavorare su studi all'aria aperta.

Il lavoro in un modo a strato singolo è possibile anche in parti. Si esegue a piccoli tratti (scrittura a mosaico) con un pennellino, tratto dopo tratto. Questo lavoro richiede un'adeguata preparazione e abilità, poiché quando si somma un'immagine da una moltitudine di tratti e macchie di colore, è difficile mantenere l'integrità e il colore dell'opera. Nel lavoro vengono utilizzati sia vetri che vernici per il corpo.

Scrittura stratificata. Questo lavoro è calcolato sul palcoscenico e assume fondamentalmente la cosiddetta "scrittura a smalto". Quest'ultimo non preclude l'uso di pitture per carrozzeria entro limiti accettabili alla luce e, se necessario, in primo piano. L'esecuzione del lavoro in più fasi è causata da una serie di ragioni e, soprattutto, dalla complessità del processo di creazione di uno studio (opera), in cui l'immaginazione del principiante non può coprire immediatamente l'intera opera dall'inizio alla fine, dal generale elencare.

Il lavoro inizia con la preparazione del colore: l'applicazione di un rivestimento colorato, progettato per la successiva sovrapposizione dopo l'asciugatura con vernici per vetri. In questo caso, si consiglia di utilizzare tonalità calde di colori. I toni freddi del rivestimento colorato, soprattutto quelli blu, possono scomparire e i luoghi in cui erano posizionati assumono un aspetto sporco.

Il metodo multistrato richiede molta esperienza e conoscenza dei colori della tavolozza. La capacità di prevedere l'inizio di una base di colore attraverso ripetute sovrapposizioni di sfumature diverse è difficile. Ciò non significa una lettera con un pad debole dello stesso colore fino a quando non viene gradualmente rafforzata. Stiamo parlando del metodo di applicazione di diversi colori e sfumature, dando combinazioni totali, il cui verificarsi è possibile solo nella vera smaltatura. Quando si applica più volte colore su colore, sono necessari cura e senso delle proporzioni: esiste un limite, la cui violazione può portare alla perdita di trasparenza del colore nei riempimenti. È consentito combinare metodi di scrittura a strato singolo e multistrato in uno studio.

Lavoro su carta grezza

Lavorare su carta bagnata consente di ottenere un'incredibile unità di masse cromatiche, una transizione delicata e graduale da un colore all'altro.

Operazione a strato singolo. Questa è una lettera ampia senza fasi su carta inumidita. Viene eseguito con un pennello grande con soluzioni di pittura preparate. Spazzolando rapidamente e ampiamente, senza lasciare asciugare le vernici, si determinano grandi relazioni. Le correzioni vengono apportate immediatamente: il tono sbagliato viene rimosso con un pennello semi-asciutto e strizzato. Utilizzare miscele meccaniche di vernici di tutti i gruppi.

Lavora senza interruzioni, in parti, in una sessione (metodo alla prima). Questo è un dipinto fatto su carta bagnata in piena forza di luce e colore, veloce e succoso. Questo modo di scrivere ti consente di trasmettere la sottigliezza e la morbidezza delle transizioni di colore. Una buona soluzione cromatica in acquerello si ottiene mantenendo grandi piani di colore e sagome nel corso del lavoro. Ma la natura della tecnica dell'acquerello non consente di lavorare contemporaneamente in modo succoso e morbido su ampie sezioni dello schizzo e costringe l'immagine a piegarsi in parti. In questo caso, il metodo a la prima è indispensabile per lavorare dalla natura.

Un metodo di scrittura su carta bagnata su vetro. Consiste nel fatto che prima di scrivere la carta viene immersa nell'acqua, dandogli il tempo di impregnarsi e gonfiarsi. Quando la carta si gonfia, viene estratta e posizionata sul vetro, posizionato quasi orizzontalmente. Si può scrivere subito su carta molto umida, ma per evitare la diffusione di vernici, è meglio rimuovere l'acqua in eccesso con una spugna e iniziare a lavorare dopo un po' di esposizione. Le soluzioni di vernici devono essere selezionate omogenee.

Il metodo di "versare colore nel colore". La vernice grezza, versata in un'altra che non si è prosciugata e combinata organicamente con essa, conferisce un riempimento multicolore naturale per la tecnica dell'acquerello. La miscelazione delle vernici in questo metodo è meccanica. Un buon risultato è dato dalle miscele e dall'infusione di colore su colore quando si lavora con vernici velanti e semilucide. La vernice per vetri, versata nella vernice per il corpo, la lava via e drena, formando macchie ruvide e dure. Il lavoro con il metodo di "versare il colore nel colore" viene eseguito meglio in parti.

Ricezione del "fallimento" della vernice posata su carta. Questa tecnica è la seguente: la vernice che non si è ancora asciugata, soprattutto la vernice per il corpo, viene lavata via con un getto d'acqua, i riempimenti precedentemente posati rimangono intatti; sotto la vernice sbiadita, la carta bianca appare con morbide transizioni naturali lungo i bordi. Il "fallimento" della ricezione si è dimostrato efficace in combinazione con un metodo di scrittura a strato singolo su carta asciutta. Iniziano a lavorare con un riempimento ampio e rapido del disegno finito con soluzioni di pittura. Dopo aver chiarito le relazioni cromatiche, con un pennello separato - cadmio limone o giallo - coprire densamente i punti destinati alla rimozione della vernice. Allo stesso tempo, lo stato umido delle guarnizioni al cadmio viene mantenuto dalle sue ripetute sovrapposizioni fino a quando i restanti riempimenti non sono completamente asciutti. Quindi l'opera viene lavata con un getto d'acqua del rubinetto fino alla completa scomposizione del cadmio e della vernice su cui è stata applicata. Nella fase successiva della scrittura, i toni chiari e scuri vengono determinati da uno schizzo grezzo e i dettagli vengono finalizzati.

Tra i metodi e le tecniche elencati per lavorare con gli acquerelli, non ce ne sono di semplici e facili, ognuno di essi ha le proprie caratteristiche, le proprie difficoltà, richiede uno studio attento e uno sviluppo paziente. Un acquarellista alle prime armi dovrebbe ricordare che il trasferimento meccanico di questi metodi, senza tener conto dell'intero complesso di requisiti che hanno portato al loro utilizzo, non può portare a risultati positivi negli studi.

BIBLIOGRAFIA

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8. Kirtser Yu.M. Disegno e pittura: una guida pratica . - M.: Scuola superiore, 1992.

Istituto scolastico di bilancio comunale

SCUOLA D'ARTE PER BAMBINI №3 Kursk

Sviluppo metodologico sul tema:

"Natura morta nella tecnica dell'acquerello". nell'ambito del programma "Pittura" con un periodo standard di studio di 5 anni

Sviluppatore: .

Kursk 2015

Introduzione.

Il compito del corso di pittura è sviluppare la capacità degli studenti di vedere e rappresentare il mondo che li circonda in tutta la varietà di rapporti di colore e luce. Usando mezzi pittorici, insegna come scolpire una forma con il colore, padroneggia le tecniche della pittura ad acquerello, guazzo.
Come risultato del lavoro, gli studenti devono imparare a condurre costantemente uno schizzo, prendere relazioni cromatiche, trasmettere la luce e l'aria dell'ambiente e la materialità degli oggetti. Il programma presuppone coerenza nell'insegnamento della pittura.
Nel processo di apprendimento, un punto importante è l'educazione nei bambini alla percezione emotiva del colore e alla comprensione del suo contenuto figurativo espressivo.
La maggior parte del dipinto è natura morta. Tutte le attività sono strettamente interconnesse e si alternano in una sequenza logica. La natura morta nella pratica educativa contribuisce alla crescita del potenziale creativo degli studenti, alla perfezione del gusto, dell'abilità, del pensiero compositivo, della tecnologia, della capacità di trasmettere la luce, del volume della forma, del materiale.
L'acquerello è indispensabile nell'insegnamento delle belle arti, perché tra i materiali artistici per gli scolari si distingue per la sua accessibilità, non richiede dispositivi speciali complessi e ha espressività pittorica.

Obiettivi della lezione:

Lo sviluppo della capacità dello studente di pensare in volumi nello spazio e vedere la complessità del mondo attraverso l'interazione luce-colore degli oggetti

Padroneggiare le conoscenze e le abilità dell'alfabetizzazione professionale nel campo della pittura;

Formazione di una personalità esteticamente sviluppata e creativa.

Obiettivi della lezione:

Sviluppa la memoria visiva, la percezione del colore;

Insegnare a vedere i colori a seconda dell'illuminazione, degli oggetti vicini, della “progettazione”.

Far conoscere agli studenti i fondamenti teorici della pittura;

Rivela l'essenza estetica della pittura realistica;

Fornire le necessarie conoscenze e competenze pratiche di carattere metodologico.

Materiali di esecuzione:

matita, pennelli, acquerelli, tavolozza e carta.

Attrezzatura:

Carta da acquerello stesa su una tavoletta. Cavalletto, bottiglia d'acqua.

La costruzione del processo educativo dovrebbe contribuire allo sviluppo dell'interesse per l'attività creativa. Per l'implementazione dei compiti impostati, viene padroneggiata la tecnica della pittura ad acquerello.

Tema: "Natura morta ad acquerello".

Bersaglio:
educativo: familiarità con le regole del lavoro coerente su una natura morta;

sviluppo: sviluppare le capacità e le capacità di lavorare con il materiale e condurre un lavoro coerente su una natura morta nel rispetto delle regole di composizione, costruzione costruttiva e pittura;

educativo: educazione al gusto estetico e artistico, percezione dell'armonia del mondo circostante; educazione all'accuratezza e all'attenzione durante l'esecuzione di lavori utilizzando acquerelli.

Tecnica di pittura ad acquerello. Metodi e tecniche di scrittura.

La tecnica della pittura ad acquerello è un insieme di abilità, metodi e tecniche di scrittura speciali, attraverso le quali viene eseguita un'opera d'arte. Considera anche le questioni relative all'uso più razionale e sistematico delle possibilità artistiche dei materiali nella modellazione di oggetti, nella scultura di forme tridimensionali, nel trasmettere relazioni spaziali, ecc.
Le possibilità visive ed espressive della pittura ad acquerello dipendono in gran parte non solo dalla conoscenza di materiali e strumenti e dalla capacità di applicarli durante il lavoro, ma anche dal possesso di tecniche e metodi di scrittura. Nel processo di studio delle tecniche e dei metodi di scrittura con gli acquerelli, la padronanza della tecnica dovrebbe basarsi su uno studio approfondito e sull'uso dell'esperienza creativa dei maestri della pittura, le migliori opere d'arte classica e contemporanea.

Nella pratica artistica della pittura ad acquerello esistono varie tecniche che si dividono in tre parti secondo i metodi di scrittura: il metodo di lavorazione su carta asciutta, il metodo di lavorazione su carta bagnata (bagnata), tecniche combinate e miste.

Lavoro su carta asciutta

Questo metodo di scrittura è ampiamente utilizzato nella pittura realistica e si è da tempo affermato come tradizionale (classico). La semplicità e l'accessibilità di questo metodo di scrittura ne consente un ampio utilizzo nel processo educativo. Si basa sull'utilizzo delle proprietà naturali e delle caratteristiche dei colori ad acquerello per legarsi facilmente alla superficie della carta.

Il metodo di lavorare su carta asciutta consente di regolare il colore tonale che si estende da tratti densi a riempimenti leggeri nel processo di scrittura, di utilizzare la sovrapposizione di strati di vernice trasparente uno sopra l'altro, creando così un'illusione di volume e la profondità dello spazio nell'immagine.

Ricezione del riempimento su una superficie asciutta di carta

Questa è una delle tecniche più comuni. La particolarità di questa tecnica sta nel fatto che l'opera viene eseguita su carta asciutta, tenendo conto delle tonalità di luce e di colore mediante piani di riempimento.

In pratica, questo approccio viene eseguito come segue. All'inizio del lavoro, il foglio teso sulla tavoletta viene leggermente inumidito con acqua utilizzando un pennello largo o una spugna. Ciò è necessario affinché l'inchiostro si adagi in modo uniforme e sia ben assorbito dalla superficie della carta. Mentre la carta si asciuga, sulla tavolozza viene selezionata la soluzione di pittura necessaria. Dopo aver digitato una soluzione di vernice con un pennello, la guarnizione inizia con il riempimento orizzontale superiore. In questo caso, la macchia dovrebbe essere succosa. Per fare ciò, è necessario disegnare sul pennello una tale quantità di vernice che dopo ogni tratto si ottiene una piccola striscia della soluzione. Riempiendo gradualmente il pennello di vernice, i tratti vengono eseguiti in modo che entrino in contatto con il bordo inferiore del tratto precedente. Come risultato dell'afflusso di vernice, si ottengono transizioni fluide da una tonalità di colore all'altra, modellando dolcemente la forma degli oggetti.

Utilizzando la tecnica del riempimento su una superficie di carta asciutta, puoi variare liberamente le gradazioni di luce e colore, scrivere sia in un unico passaggio che in fasi progettate per lungo tempo.

Ricezione della lettera di smalto

Nella fase iniziale della formazione, nel processo di padronanza delle tecniche di lavoro con gli acquerelli, il metodo di pittura multistrato per applicare strati colorati - velatura (vetratura dal tedesco Lassieurung - per applicare un sottile strato trasparente di vernice) è ampiamente usato. L'essenza di questa tecnica di scrittura risiede nell'applicazione successiva di strati trasparenti di vernice uno sopra l'altro per ottenere una varietà di sfumature di colore quando si scolpisce una forma tridimensionale, per arricchire il colore, per ottenere l'unità di il dipinto e la sua armonia.

La tecnica della scrittura smaltata viene spesso utilizzata nel processo educativo durante il lavoro multistrato a lungo termine su uno schizzo di natura morta con uno studio dettagliato della forma degli oggetti raffigurati. Gli incarichi di studio per la natura morta richiedono un attento studio della natura. Sono scritti in più sessioni (il lavoro è progettato per fasi), quindi devi imporre gradualmente e costantemente uno strato all'altro per ottenere i risultati necessari. Utilizzando il metodo della pittura a velatura, i piani di riempimento possono essere eseguiti sia con un pennello grande che con uno piccolo (scrittura a mosaico), seguiti da un'ampia sovrapposizione. Inoltre, i vetri possono essere applicati l'uno all'altro solo un numero limitato di volte, altrimenti appariranno luoghi sordi e inquinati. Va inoltre ricordato che la tonalità di colore necessaria si ottiene nella pittura ad acquerello non solo con l'ausilio di tecniche tecniche, ma anche principalmente mescolando i colori su una tavolozza. Per evitare di offuscare la tonalità del colore, non aggiungere più di due o tre colori alla miscela. È meglio ottenere il tono desiderato attraverso l'abile e prudente imposizione di uno strato di colore su un altro.

Lavoro su carta grezza

Come varietà tecnica della pittura ad acquerello, alla fine del XVIII secolo, si diffuse il metodo di scrivere su una superficie di carta umida. In termini tecnici, questo metodo di pittura ha dato una nuova idea della possibilità di trasmettere la percezione emotiva diretta della natura, ottenendo varie elaborazioni materiche dello strato pittorico pittorico, e anche la possibilità di completare lo schizzo in una sessione.

Il lavoro su carta bagnata in relazione ai metodi di scrittura su una superficie di carta asciutta si distingue per efficienza, semplicità comparativa della tecnologia e accessibilità. Si basa sul principio di versare uno strato di vernice in un altro. Con un possesso abbastanza abile di questa tecnica, vengono creati riempimenti di tonalità di colore molto spettacolari e pittoreschi.

Ricezione del versamento sulla superficie bagnata della carta

Questa tecnica di scrittura rappresenta una fase di transizione dalla tecnica di scrittura su carta asciutta al lavoro "in modo umido". È progettato per aiutare l'acquarellista alle prime armi a sviluppare la percezione del colore e una visione ampia e integrale. La particolarità di questa tecnica è che i riempimenti pittoreschi sono realizzati in uno strato, tenendo conto del colore e delle relazioni tonali. Questa è una lettera ampia, che viene eseguita senza fasi su carta inumidita con un pennello grande e soluzioni di pittura preparate. Il processo pittorico non è suddiviso, come la pittura multistrato, in fasi indipendenti che vengono eseguite a intervalli regolari. Utilizzando la tecnica della colata sulla superficie bagnata della carta, il bozzetto nel suo insieme e ogni singolo oggetto viene portato immediatamente alla soluzione pittorica e plastica desiderata. Questo metodo di lavoro consente di ottenere sfumature di colore chiare e trasparenti con transizioni morbide nell'immagine.

Prima di iniziare il lavoro, la superficie anteriore della carta viene bagnata con acqua. È necessario iniziare a scrivere "grezzo" dopo che la carta è uniformemente satura di umidità e non c'è acqua in eccesso sulla sua superficie. Il grado di umidità della carta e la diversa inclinazione della pastiglia consentono di regolare e limitare la diffusione dell'inchiostro ai limiti richiesti, ottenere le combinazioni cromatiche desiderate, raggiungerne la purezza e la trasparenza. Inoltre, il contenuto di umidità della carta ammorbidisce i confini tra le singole tonalità di colore.

È meglio iniziare il lavoro dall'alto, avendo precedentemente determinato le principali relazioni dell'ambiente naturale in termini di tono e colore. Mentre il colore di riempimento applicato non è asciutto, un altro viene sovrapposto accanto ad esso, catturando parzialmente quello vicino. Se è necessario fare dei chiarimenti, vengono realizzati anche nello strato di vernice grezza.

Accettazione della lettera a la prima

Nel processo di lavorazione con questa tecnica ad acquerello, si ottiene una buona soluzione coloristica. La particolarità di questa tecnica sta nel fatto che uno studio o uno schizzo viene eseguito su carta bagnata in piena forza di luce e colore, senza registrazione preliminare, senza interruzioni, in parti e in una sessione. L'accoglienza a la prima è indispensabile per lavorare dalla natura su piccoli schizzi di natura a breve termine, che consentono di trasmettere la sottigliezza e la morbidezza delle relazioni cromatiche.

Per trasmettere nell'opera grandi piani cromatici e sagome, l'artista è costretto a piegare l'immagine in parti, conservando solo nell'immaginazione l'immagine di uno studio completo e completo. Il lavoro è completato, di regola, in una sessione, senza una lunga pausa. La ricezione a la prima richiede l'accuratezza del disegno, la conoscenza delle proprietà delle vernici, la premura e il sistema nel lavoro, nonché la capacità di condurre uno studio dall'inizio alla fine. Si consiglia agli artisti principianti che hanno l'abitudine di riscrivere di iniziare a lavorare con un disegno finemente dettagliato. Un tale approccio alla conduzione del processo pittorico consentirà all'acquarellista alle prime armi di vedere la natura in modo olistico e scrivere con competenza uno schizzo.

Le caratteristiche di questa tecnica ti obbligano anche a fare affidamento inequivocabilmente sull'intuizione, sentimenti diretti dalla percezione della natura. E queste qualità di un artista si sviluppano nel processo del lavoro educativo e creativo e arrivano con l'esperienza.

Progresso.

1. Schizzi: trovare una buona composizione di nature morte
Il lavoro pratico su una natura morta di formazione inizia con la realizzazione di schizzi preliminari, che contengono la ricerca della migliore soluzione compositiva, i rapporti tonali.

Ecco cosa ha detto A. Matisse sul ruolo degli schizzi preliminari nella pittura: "Arriviamo allo stato di creatività ispirata solo attraverso un lavoro consapevole".

Dopo aver scelto il maggior successo degli schizzi, puoi procedere direttamente al disegno.

2. Posizionamento compositivo di oggetti sul piano del foglio

Se i problemi di composizione sono già stati risolti in precedenza negli schizzi, la composizione trovata di maggior successo può essere ripetuta e trasferita nel formato del foglio selezionato. Allo stesso tempo, vengono determinate la larghezza e l'altezza maggiori dell'intera ambientazione raffigurata, nonché la profondità approssimativa, ovvero l'ingresso degli oggetti uno dopo l'altro. Poi determinano ampi rapporti proporzionali tra gli oggetti, trovando ciascuno il proprio posto sul piano del tavolo e al tempo stesso delineandone la forma generale.

3. Determinazione delle proporzioni principali e costruzione costruttiva con una specifica preliminare della posizione degli oggetti

Tutte le costruzioni sono disegnate con linee senza pressione e gli oggetti sono disegnati come trasparenti ("attraverso"), chiarendo le loro caratteristiche di design.

4. Trovare i rapporti delle principali macchie di colore
È molto importante trovare i rapporti delle principali macchie di colore, tenendo conto del tono generale e dello stato di illuminazione del colore. Ad esempio, dovresti trovare il colore nella superficie orizzontale dello sfondo e nel soggetto principale, quindi nel resto degli elementi. Allo stesso tempo, non coprire l'intera superficie con il colore, ma cerca solo di iniziare su piccole aree separate che confinano l'una con l'altra. Prova a scegliere il colore il più vicino possibile alla natura. Eventuali carenze rilevate devono essere corrette immediatamente. L'intero spazio del piano pittorico viene riempito gradualmente.

5. Identificazione della forma tridimensionale degli oggetti e completa elaborazione cromatica della forma.
Per identificare le forme volumetriche degli oggetti in tono, è necessario determinare i punti più chiari e più scuri sugli oggetti. Quindi segna i confini della luce e delle ombre sulle forme dell'oggetto, trova la posizione delle ombre proprie e cadenti. Sovrapponendo i mezzitoni, migliora il tono nelle aree d'ombra: ombre proprie e cadenti, nonché i loro bordi, tenendo conto della colorazione degli oggetti. COSÌ
Quindi, aumentando gradualmente i toni, procedi a uno studio dettagliato delle forme.

L'elaborazione dei dettagli è la fase più importante nel lavorare dalla natura. Essendo impegnati in uno studio dettagliato della forma, non bisogna dimenticare il tono generale e ogni colore, ogni tratto deve essere subordinato a una grande forma. Quando si modella la forma degli oggetti, è molto importante lavorare correttamente con i rapporti tonali, partendo dal più chiaro al più scuro. Il punto più luminoso del soggetto sarà il punto culminante e l'ambiente circostante, e il punto più oscuro sarà la sua ombra che cade.

6. Fase generalizzante del lavoro su una natura morta.
Identificazione del principale e del secondario nel sistema di colori; subordinazione di tutte le parti dell'immagine al tutto. Stabilire l'integrità dell'immagine, che si ottiene, da un lato, generalizzando sia i dettagli minori che gli oggetti sullo sfondo, e dall'altro, concretizzando gli oggetti in primo piano. Se i singoli punti colorati escono dalla combinazione di colori, "scoppiano" in avanti o "cadono" nella profondità, vengono leggermente bloccati dal colore privo di forza. Rafforzare o indebolire il tono generale del colore nella pittura ad acquerello richiede un'attenzione particolare nella posa degli strati di pittura finali.

Conclusione

La natura morta in acquerello sviluppa la percezione cromatica degli studenti del mondo che li circonda. Il colore può esprimere un certo stato d'animo e trasmetterlo allo spettatore. A poco a poco, nelle lezioni di pittura, c'è un miglioramento del colore e della sensazione tonale. È importante insegnare al bambino a trasmettere correttamente la sua visione della produzione su carta.

Bibliografia

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Fasci di lavoro su una natura morta. M., 1982.

Revyakin pittura ad acquerello. M., 1959.

Shitov delle belle arti. Pittura. M., 1995.

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Applicazione

Sviluppo metodico

Soggetto: " Tecnica di lavorazione di un paesaggio ad acquerello

Completato da: insegnante della Biryusinsk Art School

Kulishova Inna Alexandrovna

Introduzione.

Questo sviluppo metodologico è dedicato al problema di trovare l'esatto
soluzioni di colore in schizzi di paesaggi ad acquerello. Rivela domande
applicazione delle basi della scienza del colore nella pratica e caratteristiche del colore
soluzioni paesaggistiche spaziali. Aiutare l'insegnante d'arte
insegnare ai bambini come scrivere correttamente un paesaggio spaziale in acquerello,
utilizzando tutti i mezzi e le possibilità dell'acquerello.

Gli studenti imparano il linguaggio del colore nelle lezioni di pittura. Sviluppandosi mentalmente ed esteticamente, la pittura insegna ad osservare attentamente i fenomeni per sviluppare il pensiero spaziale, insegna l'accuratezza del calcolo, promuove la cognizione
bellezza della natura, favorisce il patriottismo e l'amore per la propria patria.

Alla fine di ogni anno scolastico, gli studenti hanno due settimane di orario scolastico
dedicare all'aria aperta, su cui consolidano le lezioni apprese in pittura
conoscenze teoriche e abilità pratiche. Una serie di
problemi associati al fatto che i bambini, non avendo sufficiente artistico
esperienza, commettere errori nel lavorare su studi di paesaggi ad acquerello.

La combinazione di colori dell'opera a volte è spontanea. Se i bambini non lo sono
insegnare una buona alfabetizzazione basata su una profonda conoscenza, quindi diventare
più anziani, più consapevoli, cominciano a capire che la loro pittura non corrisponde alla realtà. Diventano frustrati, diffidenti nei propri confronti e molti bambini smettono del tutto di disegnare. Pertanto, è molto importante per l'insegnante di pittura, a partire dalle prime lezioni, sviluppare la percezione cromatica spaziale degli studenti, instillando in loro sempre più abilità pittoriche, basate sullo studio delle leggi di un'immagine realistica, in un modo accessibile, interessante, giocoso. Da tutto ciò è chiaro che l'insegnante stesso, prima di tutto, deve essere esperto nelle questioni della prospettiva luce-aria, della scienza del colore, delle tecniche dell'acquerello. Solo spiegando correttamente il significato di cromatico e acromatico, caldo e freddo, colori e sfumature primari e secondari, tonalità di colore, effetto della luce sul colore, l'insegnante potrà insegnare ai bambini a disegnare un paesaggio.

L'argomento del mio sviluppo metodologico è rilevante oggi
giorno, la sua decisione è terreno fertile per l'introduzione di nuovi metodi nel processo educativo.

Scopo: sviluppo e implementazione di un sistema di metodi e tecniche per insegnare agli studenti l'uso di caratteristiche cromatiche accurate per risolvere problemi spaziali negli schizzi ad acquerello durante le lezioni di pittura. L'oggetto dello sviluppo metodologico è il processo di insegnare agli scolari il modo corretto di eseguire il lavoro ad acquerello su un paesaggio durante le lezioni di pittura.
L'oggetto dello sviluppo metodologico sono i metodi e le tecniche di organizzazione e conduzione del lavoro sull'insegnamento nelle lezioni di storia dell'arte e pittura presso la scuola d'arte.

Compiti:
1. Dare una giustificazione psicologica e pedagogica per l'organizzazione e l'uso di metodi e tecniche per insegnare le basi del lavoro sugli studi del paesaggio per gli studenti.
2. Caratterizzare e rivelare l'essenza e le caratteristiche dell'organizzazione
metodi di insegnamento del lavoro sugli studi del paesaggio nelle lezioni di pittura.
3. Determinare la direzione dell'insegnante d'arte
dipartimenti sull'uso di metodi e tecniche per l'insegnamento delle basi del lavoro
sugli studi del paesaggio e la sua applicazione nel processo educativo.
4. Sviluppare un sistema di metodi e tecniche per l'attuazione della formazione nelle basi
lavorare su schizzi di paesaggio.

PARTE PRINCIPALE.

Per lo studio più completo dell'argomento: “Colore e spazio nell'acquerello
paesaggio”, è necessario preparare diverse lezioni in diverse discipline. Alla lezione di comunicazione di nuove conoscenze, nella materia "storia dell'arte", l'insegnante parlerà dei metodi di lavoro con gli acquerelli su
l'esempio dei maestri del passato, che contribuirà ad ampliare l'orizzonte della conoscenza
studenti su questo argomento.

1.Caratteristiche delle tecniche dell'acquerello nella pittura di paesaggio. (Storia dell'arte)

Modi di dipingere ad acquerello.
La pittura ad acquerello a strati sta dipingendo con i preliminari
tono generale o di modellazione, in alcuni casi chiamato underpainting, su cui l'artista gradualmente sovrappone
strati trasparenti di vernice, raggiungendo una certa intensità luminosa. In tale
tradizionali per l'arte russa dei secoli XVIII-XIX, hanno lavorato e
maestri d'Italia, Francia, Germania, Spagna, Inghilterra e successivamente artisti sovietici.

Il metodo di M. A. Vrubel. Questo metodo è stato utilizzato da molti maestri della fine del XIX secolo. Questi sono P. P. Chistyakov, I. E. Repin, V. I. Surikov e molti altri. Ma ha trovato la sua incarnazione più completa e coerente nelle opere di M. A. Vrubel.
Di norma, si tratta di acquerelli di piccolo formato, secondo M.A.
Vrubel, formato "con una cartolina", oltre a 20x30 cm, 30x40 cm e molto
raramente grande. Alcune opere di P.P. Chistyakov e I.E. Repin
hanno le dimensioni approssimative di un moderno foglio Whatman. Proviamo
ora basato sulle memorie, ricerche, lettere di M. A. Vrubel e,
certo, gli acquerelli stessi presentano una possibile sequenza
lavorare in questo modo:
1. Con una matita dura su carta media o piccola ben incollata
granulometria a seconda delle dimensioni del lavoro da eseguire
disegno dettagliato e rigoroso raffigurante esterno e interno
contorni di oggetti, nonché luci, mezzitoni, ombre, sia proprie che
caduta, bordi di macchie di colore, pieghe di tessuti, ornamenti, ecc.
Un esempio è il ritratto incompiuto di N. I. Zabela-Vrubel
1904, in cui M. A. Vrubel riuscì a fare qualche colpo
acconciatura e copricapo, offrendo in modo così inaspettato l'opportunità di vedere questo straordinario disegno preparatorio quasi nella sua interezza.
2. Coprire gli oggetti raffigurati con una comune tonalità di colore locale
1/3,½, intensità del colore, leggerezza. Lascia scoperti punti salienti e altri
luoghi luminosi. Enfatizza la differenza di colore tra gli oggetti o i loro
parti.
3. Sulla mano preliminare asciutta, applicare il colore individuale
piano dell'oggetto raffigurato in piena forza, creando un certo colore
mosaico, passando da riempimenti più grandi a quelli più piccoli. Dove c'è colore
tono non è sufficiente, per coprire successivi strati di colore su essiccato
precedente. E così via fino al completamento dell'opera, che dovrebbe essere un oggetto costituito, per così dire, da volti, piattaforme, diversamente dislocati nello spazio.
4. A questo punto sono possibili alcuni lavaggi con un pennello, ammorbidendo
spigoli vivi di alcuni riempimenti. I lavaggi possono generalizzare l'individuo
aree di lavoro, nonché per alleviare il sovraccarico di colore in caso di errore. Dopo
asciugando quest'area, è possibile applicare la tonalità di colore desiderata.
A volte piccoli punti e tratti vengono usati come tecnica per
portare piccole aree di colore al tono desiderato. Così,
vengono riempiti anche piccoli spazi tra le singole otturazioni.

Esempi di questa sequenza di lavori ad acquerello sono i primi
opere di Vrubel M.A.

Oltre a quanto detto, va aggiunto che questo
può essere integrato con un altro trucco all'inizio del lavoro dopo il completamento
disegno. Su un foglio di carta è necessario applicare una debole tonalità di colore dell'acquerello,
corrispondente al tono generale della produzione raffigurata, che dà
lavora uno stato d'animo di colore speciale e lo generalizza.

Il metodo di P. Cézanne.

Il nome del metodo indica la sua origine. È noto che Paolo
Cézanne, oltre alla pittura ad olio, dipingeva volentieri e con grande successo con gli acquerelli. Acquarelli conservati molto interessanti
artista. Alcuni sono scritti in due colori: blu-cenere e ocra.
rosso. In altri, espande leggermente la sua tavolozza a tre colori:
verde, ocra, rosso e giallo, lasciando come base il blu-cenere.
Nel suo lavoro, Cézanne si è basato su uno dei tre principi di Paul Signac,
che non doveva mai mettere una vernice
un altro, poiché ogni tono messo sopra un altro svanisce. Ma in
negli ultimi anni, P. Cezanne, continuando ad essere appassionato di acquerello, ha scritto
completamente differente. Ha sovrapposto un colore con un altro, poi un terzo e
e così via, utilizzando i colori primari: blu, rosso, verde e
giallo, aggiungendo loro una piccola quantità di nero, con
con cui ha fatto lievi accenti tratteggiati in cima
sbavature. Soprattutto, P. Cezanne non ha mescolato i colori primari tra loro
stesso, ma usava, per così dire, il principio della sovrapposizione del colore
occhiali. Ecco cosa scrisse Emile Bernard a questo proposito nel 1904: "Cominciò con un lieve
ombre, applicato un punto, coperto con un altro, fino a quando tutte queste gradazioni di colore, sovrapponendosi l'un l'altro, hanno modellato la forma degli oggetti con il colore.

L'artista ha lavorato sull'intera composizione, toccando
prima, poi il secondo piano, poi il cielo, e quando è tornato in una o nell'altra area, la nuova posizione della vernice non ha lavato via lo strato precedente.
La trasparenza dell'acquerello è stata preservata. Difficile dirlo con certezza adesso
che, insieme a P. Cezanne, potrebbe utilizzare questo metodo, poiché molti dei suoi
i contemporanei lavoravano, cercando di non sovrapporre un colore puro con un altro.
In un modo o nell'altro, il metodo descritto può essere visto nelle opere degli artisti
fine del 20° secolo.
La sequenza di lavoro in questo modo è la seguente.

Paolo Cézanne

1. Su un foglio di carta, applica un disegno libero con una matita di grafite
medio morbido senza l'uso di una gomma. righe errate se non lo sono
così intenso, puoi lasciarlo sulla carta, completeranno il futuro
strato di colore da qualche gioco di linee.
2. Applicare il colore, iniziando dal blu, dove possibile
essere presente in una certa misura. Le macchie dovrebbero essere ridotte, secondo
la forma dell'oggetto, trasparente, leggera. Quindi è necessario applicare il resto dei colori
uno per uno in qualsiasi sequenza, come rosso, verde,
giallo. È importante che il passaggio dai toni più chiari a quelli più scuri fosse
graduale. Ai fiori puri in una piccola quantità, puoi aggiungere
colore nero. È possibile sovrapporre una macchia di colore con un'altra
incompleto, cioè in modo che il colore precedente sia visualizzato in alcuni punti puro
modulo. In questa tecnica risiede lo speciale fascino cromatico del metodo.
3. In questa fase, è necessario creare accenti di colore utilizzando
colore nero, sottolineando la forma dell'oggetto raffigurato o
oggetto. In questo modo è possibile utilizzare al posto del puro brillante
i colori della terra, ad esempio, l'ocra chiaro, l'ocra rossa e ad essi
aggiungere ossido di cromo, blu FC e nero. lavoro interessante può
risulterà se il disegno a matita è realizzato in un colore
una matita, ad esempio blu, verde o qualsiasi altra; è importante che lui
andava bene sulla carta.
Modo classico
Il modo classico, che in alcune opere d'arte
chiamato "deliberato", non caratteristico della pittura ad acquerello, attivamente
è stato utilizzato dagli acquerellisti del XIX secolo nella ritrattistica durante
modellazione del viso, quando si raffigurano tessuti, interni, su individuo
aree dello sfondo e talvolta nel paesaggio.

AP Bryulov

Attualmente questo metodo non è praticamente utilizzato da nessuno, ovviamente a causa della sua complessità. All'inizio del XIX secolo, il metodo era ampiamente utilizzato da maestri come P.F. Sokolov, K.P. Bryullov, V.I. Gau e molti artisti famosi e sconosciuti. Questo metodo è stato utilizzato principalmente per i ritratti ad acquerello in miniatura, ma ci sono anche scene di trama e interni.

La sequenza di lavoro può essere rappresentata come segue.

1. Su un foglio di carta per acquerello ben incollata con una grana piccola, è stato applicato un disegno rigoroso e morbido con una matita dura in modo sufficientemente dettagliato.
2. Applicare uno sfondo di colore comune all'oggetto o all'oggetto raffigurato,
corrispondente ai punti salienti, esclusi i punti salienti e i punti salienti
macchie dove la carta non dovrebbe ancora essere toccata dal colore.
3. Dopo che il primo strato si è asciugato, applicare uno sopra l'altro in sequenza
i successivi strati di riempimento, iniziando con mezzitoni chiari e finendo
le zone più scure, possedere e proiettare ombre. I bordi
livelli separati: i riempimenti non devono essere sfocati. Ogni successivo
lo strato deve essere applicato su uno precedente ben asciutto. Così,
l'immagine è portata a un grado di completezza incompleto, quando è possibile
Applicare altri 1-2 strati.
4. Con la punta affilata di un pennello sottile (forse questi sono i moderni n. 1, 2).
applicare la superficie dell'immagine essiccata o parte di essa
uno strato di acquerello accarezzato, simile a una matita o al primo disegno.
Questo strato ammorbidisce i bordi netti dei singoli riempimenti, modella la forma,
porta l'immagine allo stato finito in termini di leggerezza e colore
saturazione e crea un senso della materialità del raffigurato.
Strato tratto da applicare, in cui i tratti possono intersecarsi,
sovrapponendosi l'un l'altro, può essere dello stesso colore (generalizzando) o
e colori diversi, a seconda dei compiti che l'artista deve affrontare.
Il vantaggio di questa tecnica era la sua speciale plasticità.
espressività, che ha permesso di "non offuscare" la forma e non renderla ruvida.
Ciò richiedeva una grande abilità.

Il metodo di A. V. Fonvizin

A. V. Fonvizin

Il metodo considerato di pittura ad acquerello prende il nome
artista straordinario Artur Vladimirovich Fonvizin, che ha lavorato
in un modo straordinario e unico.

E sebbene si ritenga che Fonvizin sia tradizionale nelle sue opere, molto probabilmente può essere attribuito al fatto che l'artista non usava la calce, non mescolava la tempera con gli acquerelli, cioè era tradizionale in puro acquerello. Altrimenti, il suo lavoro è profondamente individuale.

Sarebbe possibile per questo non considerare il suo metodo di pittura ad acquarello, se non per i tanti adepti, anzi imitatori tra le successive generazioni di artisti, soprattutto i giovani acquerellisti moderni. Alcuni artisti e storici dell'arte ritengono che Fonvizin abbia dipinto i suoi acquerelli sulla superficie bagnata della carta. Questo non è vero. L'artista non lavora su carta preumidificata quando
dipende interamente dai capricci della vernice che si stende sulla carta bagnata.

Sono state conservate le memorie dei contemporanei dell'artista, i suoi modelli, che hanno assistito al lavoro del maestro. Puoi guardare attentamente, e non uno
volte, sul suo lavoro nella Galleria Tretyakov e in varie mostre. AV
Fonvizin ha scritto su fogli di carta whatman GOZNAK fatti a mano con un piccolo
granulosità, attaccando la carta alla tavoletta con bottoni, la cui traccia è rimasta ancora al lavoro. Sembra che l'autore non abbia realizzato un disegno preparatorio
con una matita, e iniziò a disegnare con una punta sottile di pennello, delineando solo i contorni minori del dipinto, come testimoniano le opere incompiute. In altre questioni, questa incompletezza dà piuttosto l'impressione di una speciale concisione insita nel suo lavoro. Quindi, raccogliendo una grande quantità di acqua con vernice con un pennello grande, la strofinò delicatamente
superficie della carta, aggiungendo altri colori per ottenere il desiderato
tono complesso, cioè una sorta di tavolozza è stata ottenuta sull'opera stessa.

Con grande abilità, l'artista ha gestito ampie strisce di colore con
usando un pennello, alternando aree scure e chiare, a volte lasciando quasi
carte intatte. In alcuni punti, l'artista ha introdotto accenti di colore sulla superficie asciutta dello strato precedente, a volte abbastanza insignificanti,
quasi puntini per enfatizzare la forma o la macchia di colore. Nei ritratti
il più delle volte gli occhi e le labbra sono accentuati. In alcune opere si vede
l'artista, prendendo il colore attivo, da cui a prima vista si distingue
il tono generale del foglio, applicato un ampio tratto alla sua superficie con un fremito
movimento della spazzola. Nei lavori successivi, A. V. Fonvizin è leggermente sfocato
alcune aree di colore, combinandole con riempimenti chiari, nonché
mettere diversi strati di colore uno sopra l'altro. Tuttavia, le sue opere non danno l'impressione di un acquerello a più strati, conservano una straordinaria freschezza, trasparenza e luminosità.

AA Ivanova

Ricordiamo le opere paesaggistiche di M. N. Vorobyov e un gruppo particolarmente ampio di acquerelli di A. A. Ivanov, in cui pone, infatti, solo fredde ombre blu, risolvendo così il problema di trasmettere spazio e aria
prospettive. Opere simili si trovano in P. Cezanne, chi
sei decenni dopo formulò la sua posizione in una lettera a E.
Bernard del 15 aprile 1904: "... la natura per noi persone è piuttosto
profondità che piattezza: da qui la necessità di introdurre nella nostra luce
le sensazioni trasmesse dai colori rosso e giallo sono sufficienti
la quantità di blu per sentire l'aria."

Apparentemente, K. P. Bryullov si è posto gli stessi compiti all'inizio del XIX secolo, cercando di trasferire l'ambiente aereo e lo spazio nella trama e
ritratto dipinto ad acquerello e arrivando a un quadro ancora più integrale
soluzione di colore.

Da quanto precede, possiamo concludere che questo metodo è rimasto al lavoro. Sembra che l'autore non abbia realizzato un disegno preparatorio con una matita, ma abbia iniziato a disegnare con una punta sottile di pennello, delineando solo i dettagli necessari, questo metodo è facilmente applicabile nel paesaggio. Proviamo a immaginare la sequenza del lavoro in questo modo.

1. Su un foglio di carta ben incollato a grana media o fine
grinta per applicare un disegno rigoroso e dettagliato con una matita dura
in modo che l'immagine sia chiara sulla carta. Tuttavia, no
dovrebbero esserci rientranze che una matita dura può lasciare e
che sarà visibile attraverso il livello dell'acquerello.
2. Con l'aiuto del blu (nel nostro caso è blu FC) e delle vernici nere
eseguire la pittura di fondo con la tecnica della "grisaglia", portando il lavoro ad alcuni
incompletezza. Applicare strati colorati uno sopra l'altro quando sono asciutti.
superfici in sequenza dal chiaro allo scuro.
3. Usando l'ocra chiara e l'ocra rossa (puoi anche terra di Siena bruciata e
rosso inglese), portare il lavoro a uno stato finito. In cui
vernice gialla, blu sovrapposto, dà sfumature verdastre, rosso -
viola, giallo e rosso sono arancioni, e insieme fanno tutti il ​​marrone
sfumature. Nelle aree in cui non c'è "suono" blu, giallo e rosso
a tutta forza. Allo stesso tempo, in una piccola quantità, puoi mescolare
vernice nera.
4. A questo punto, puoi apportare accenti cromatici e tonali (con una piccola quantità di nero), nonché correzioni minori sotto forma di lavaggi chiari. Tuttavia, è meglio per questo in questo
caso non ricorrere.

metodo a secco

Nella moderna pittura ad acquerello, questo metodo non si trova praticamente.
Lavorare su una superficie di carta asciutta.
Con questo metodo, la superficie della carta non viene bagnata prima di iniziare il lavoro.
colore, come nel primo metodo. La verniciatura viene eseguita in sezioni separate
o, come dicono gli artisti, "da un pezzo". Le trame sono assegnate l'una all'altra
amico. La carta per il lavoro può avere sia granulosità pronunciata
struttura, e non molto evidente. Le lenzuola ben adattate non sono resistenti
incollato. Gli artisti dell'acquerello chiamano questa carta "morbida". Come
il metodo di pittura ad acquerello è molto adatto per la formazione di incarichi a breve termine. Sono anche usati da molti artisti professionisti per risolvere problemi creativi.

Un eccellente esempio dell'applicazione di questo metodo di pittura sono
il lavoro del notevole maestro dell'acquerello A.P. Ostroumova-Lebedeva,
che può essere visto nella collezione della Galleria Statale Tretyakov e
in vari libri di testo sulla pittura ad acquerello.

AP Ostroumova-Lebedeva

La sequenza di lavoro su una superficie asciutta di carta è la seguente: Applicare un disegno più dettagliato su un foglio di carta. Se l'opera non è di natura in natura, è consigliabile realizzare un disegno da uno schizzo precedentemente completato, in modo da non rovinare la superficie della carta con una gomma, correggendo gli errori. Quindi allegare il foglio al tablet. Prendi la pittura ad acquerello con un pennello grande a piena intensità di colore con un po 'di margine per lo sbiadimento, con un set attivo
acqua e applicare sulla superficie della carta, riempiendo con un certo colore
"pezzo" e aggiungendo, ove necessario, ulteriori sfumature di colore.

Attribuire il successivo al "pezzo" finito e così via fino a riempire completamente il foglio. Le dimensioni dei "pezzi" possono essere diverse, loro
determinata dalla natura dell'immagine. Bordi non completamente asciutti
singoli "pezzi" adiacenti in alcuni punti possono leggermente traboccare
l'uno nell'altro, formando straripamenti di colore che non richiedono correzione e
conferendo all'opera un'espressività cromatica unica. Dopo
quasi l'intera superficie del foglio è registrata, applicare ulteriori
accenti di colore, oltre a lievi lavaggi ammorbidenti
non dovrebbe rovinare la freschezza del lavoro. Inoltre, è necessario inserire il colore
piccole aree di carta, di solito rimanenti tra gli individui
"pezzi" nel processo. Tuttavia, alcuni artisti lasciano deliberatamente aree di carta bianca, usando questo come una sorta di
approccio scenico. Può essere un tablet con un foglio di carta nel processo
inclinare ad angoli diversi in direzioni diverse, dirigendo nella giusta direzione
direzione dello strato di inchiostro corrente.

Metodo acquerello-grafico

Questo metodo combina tecniche grafiche e ad acquerello. Egli prende
a partire da incisioni e disegni a colori del XVIII-XIX secolo. Ma se in loro
l'inizio grafico era predominante, quindi nel metodo in esame
il disegno e l'acquerello si comportano come se fossero uguali, completandosi a vicenda quando
il tratto della matita è importante tanto quanto il colore quando
gli inizi grafici e pittorici si fondono. Questo va molto bene
si può vedere negli acquerelli di P. Signac dei primi anni '30 del XX secolo, in
che lui, usando attivamente i colori primari: giallo, rosso, blu e
verde, aggiungendo un po' di nero, segue uno dei suoi tre principi: "... lo schizzo originale a matita non dovrebbe scomparire
sotto le macchie di acquerello, invece, deve essere ben visibile per poterlo vedere
"creare un gioco di linee nei vuoti che delimitano quegli spazi che
dovrebbe fiorire". All'inizio del XX secolo, unendo l'acquerello alla grafica
tecniche, A. P. Ostroumova - Lebedev, i cui acquerelli avevano un carattere cromatico più rigoroso, e in seguito D. I. Mitrokhin.

Le sue opere si distinguono per un motivo lineare espressivo, supportato da
ombreggiatura nelle ombre e nella forma degli oggetti, e uso vigoroso
acquarelli e in alcuni casi anche matite colorate. Il metodo acquerello-grafico può essere applicato con successo sia in opere illustrative che da cavalletto, paesaggi, nature morte e persino ritratti. Puoi usarlo in quei casi in cui, in un tempo relativamente breve, è stato necessario effettuare lo studio più espressivo per fissare quanto visto, che è stato poi utilizzato nel lavoro successivo.

La sequenza del lavoro in modo acquerello-grafico.

1. Su un foglio di carta, la cui trama può essere di natura diversa (in
a seconda del desiderio dell'esecutore), applicare un intensivo gratuito
disegno con grafite morbida o matita nera. Può essere utilizzata
una matita nera da un set di normali matite colorate o un nucleo "negro". Le forme degli oggetti possono essere modellate con tratti. Dove
necessario, i tratti possono essere riempiti anche sullo sfondo. Allo stesso tempo, usa
non è necessaria una gomma, le linee di luce preliminari si attaccano al lavoro
un po' di vivacità.
2. Utilizzando la fluidità dell'acquerello, applicare completamente al disegno finito
strato di inchiostro di intensità del colore, in cui un colore può passare agevolmente a un altro.
3. In questa fase, puoi migliorare le ombre introducendo ulteriori
macchie di colore applicate allo strato di base essiccato.
A quanto sopra, va aggiunto che per il disegno può essere utilizzato
matita carboncino e acquerello, leggermente sfumato dall'applicazione
strato di casco, conferisce all'opera una certa morbidezza. Puoi anche applicare e
varie matite colorate che enfatizzano la texture.

1. È necessario mostrare una presentazione sui diversi modi di dipingere con gli acquerelli
vernici. Quindi, per consolidare il materiale, puoi offrire agli studenti
determinare in modo indipendente dal modo di scrivere quale metodo è stato utilizzato
artisti mentre lavorano al lavoro proposto.
Escursione alla galleria d'arte, per vedere l'autentico
opere di acquerelli - maestri del passato o, se possibile
missing, ad una mostra di artisti contemporanei, aiuterà gli studenti a vivere appieno questo tema. Tali escursioni ispireranno la creazione di piccole opere indipendenti - schizzi di paesaggi basati sulla visione, utilizzando una delle tecniche studiate sopra.
2. Dopo la storia dell'arte con lo studio teorico delle tecniche dell'acquerello, c'è una lezione di pittura.

In questa fase, gli studenti dovrebbero acquisire conoscenze sulla prospettiva luce-aria e sulle leggi della scienza del colore. La prospettiva (dal latino guardare attraverso) è una tecnica per raffigurare oggetti spaziali su un piano secondo quelle apparenti riduzioni delle loro dimensioni, i cambiamenti nei contorni delle forme e le relazioni di luce e ombra che si osservano in natura. Cos'è la prospettiva luce-aria? Per creare l'illusione della profondità in un disegno, è necessario ricordare che esistono leggi della prospettiva luce-aria che prevedono un cambiamento di colore, tono e chiarezza dei contorni.
oggetti che sono a una certa distanza dal pittore. elementi,
situato più vicino a noi, sembra più distinto, distinguiamo
più dettagli sulla loro superficie, ma man mano che si allontanano da noi
il contrasto di tono si ammorbidisce gradualmente, i colori cambiano colore,
il contorno degli oggetti diventa sfocato. Sulla base delle nostre osservazioni in
natura, si può vedere che gli oggetti che sono lontani
sembrano avvolti dalla nebbia.

Vediamo alcuni oggetti come chiari, altri come scuri. Dai vicini
più oggetti di luce entrano nel nostro occhio che da quelli lontani, quindi
Gli oggetti vicini a noi appaiono chiari e luminosi, gli oggetti distanti appaiono sfocati,
oscuro e sbiadito. L'aria non è sempre trasparente, più spesso in essa
piccole particelle di sostanze chimiche si dissolvono, è saturo di vapori,
polvere, ecc. In un modo o nell'altro, ciò rende difficile definire chiaramente i contorni del soggetto.
Pertanto, quando guardiamo un disegno già completato, gli oggetti con un chiaro
delineato dal contorno, percepiamo come oggetti vicini e con
vago - come distante. Cambiamenti di luce e anche di tempo
colpisce il contrasto di chiaroscuro e visibilità. Dipende da
le distanze svaniscono e i colori degli oggetti, acquistando sfumature bluastre,
la differenza cromatica delle superfici della forma si addolcisce, sull'orizzonte del colore
convergono e si trasformano in un unico colore blu-bluastro.
Contrasti di chiaroscuro, nitidi in primo piano, si fondono gradualmente
un unico tono, gli oggetti perdono volume, acquistando un carattere di silhouette,
la trama scompare. I principianti nel disegno dovrebbero impararli
legislazione. Per trasmettere lo spazio in un disegno, è meglio usarne tre
pianifica e sviluppa ogni piano separatamente man mano che ti allontani da
spettatore.
I colori caldi e freddi hanno un'altra proprietà importante. Caldo
i colori, essendo circondati da quelli freddi, ci sembrano sporgere
inoltrare. Ad esempio, un oggetto rosso posizionato in una fila di oggetti blu
percepito più attivamente di quest'ultimo. I colori freddi, al contrario, danno l'impressione di oggetti sfuggenti. Questa proprietà dei colori segue
prendere in considerazione nel lavoro sulla pittura di produzioni educative o paesaggi.
Nella trasmissione vengono utilizzate le proprietà contrastanti dei colori caldi e freddi
relazioni spaziali in pittura - chiaroscuro, luce-aria
prospettive, condizioni del giorno, ecc.

Fondamenti di scienza del colore (pittura a soggetto)
Un punto importante nella pittura è lo studio del colore nello spazio.

Le basi della scienza del colore per i principianti: questo è ciò di cui abbiamo bisogno.
1. Si ritiene che ci siano tre colori primari e tutti gli altri colori possano esserlo
ottenuti mescolando i principali nei loro vari rapporti proporzionali.
2. Cerchio spettrale. È più facile presumere che i colori primari dello spettro
dodici. Tutti gli altri colori si ottengono mescolando primari.
I colori spettrali sono chiamati cromatici.
3. Il grigio, il bianco e il nero sono chiamati acromatici:

4. I colori complementari sono colori opposti nello spettro. Si completano a vicenda, cioè quando i colori complementari si trovano uno accanto all'altro, si rafforzano a vicenda, "si accendono". Ad esempio, abbiamo questo: un colore viola opaco anonimo.
Di per sé, non porta molta bellezza e poco di sé può
raccontare. Ma se aggiungi un colore aggiuntivo ad esso, allora
giocherà e brillerà.

Guarda, il nostro viola ha brillato, ed è lo stesso colore che noi
presa all'inizio. Mescolando questi colori si ottiene sempre il grigio.
Fondamenti della scienza del colore - le principali caratteristiche del colore:

1. Il nome del colore è il cosiddetto tono di colore.
2. Leggerezza, questo è il tono.
3. Saturazione, cioè tensione, purezza, qual è la saturazione del colore, quanto è puro.
4. Caldo e freddo.
Tutti questi concetti sono diversi e solo in ogni colore sono presenti.
Per esempio:
Guardati intorno, trova qualsiasi oggetto. Sarà un po'
un certo colore, per esempio, lo stesso giallo. Pensiamo-
la tonalità del colore sarà gialla, ma in leggerezza potrebbe rivelarsi diversa, oppure
giallo chiaro o giallo scuro. Ora dobbiamo definirlo
saturazione - quanto giallo è presente in un dato colore?
Molto giallo - forte voltaggio giallo con impurità - debole
tensione, bassa purezza. E l'ultimo - teploholodnost. Il nostro giallo
il colore può essere sia con una nota fredda che con una calda. Sarà più facile
capire quando confrontare diversi oggetti della stessa tonalità di colore, in
in questo caso, giallo. Trova alcuni oggetti gialli e confrontali
le caratteristiche di seguito elencate. Tutto ti sarà chiaro.
Se non sei ancora passato alla direzione in cui ti sto guidando,
Offro un intrattenimento:

Il colore è un'espressione della qualità dell'energia trasportata dal mezzo. In altre parole,
qualsiasi oggetto porta l'energia di una certa qualità, nel nostro
cassa - colore. Come probabilmente saprai, ogni colore è diverso da noi
percepito. Il colore giallo aumenta l'attenzione, da qualche parte fastidioso. Colore blu calmo, passivo. Il rosso aumenta la sensibilità, l'attenzione. Viola - influenza così tanto il nostro io interiore che può persino deprimere. È così che sentiamo i colori.

Spettro dei colori:

Tutti i colori che partecipano alla composizione devono essere subordinati ad alcuni
poi un colore, che dipende sempre da:
1. Colori della luce (che sia mattina o sera, giornata serena o piovosa,
O forse hai delle tende arancioni appese alla finestra che lasceranno entrare
luce calda nella stanza
2. Dai colori coinvolti nella composizione.
3. Dall'area dei punti coinvolti nella composizione.
Diciamo che il punto più grande della tua composizione è verde, allora
questo colore sarà incluso nella gamma. Ed è la gamma che determina la totalità.
composizioni.
Ogni tratto dovrebbe contenere tre colori: colore locale (color
oggetto), il colore della scala (in quale scala, diciamo, il tuo paesaggio) e il colore
leggero (può essere sia freddo che caldo).
Cambiamento di colore in base alla forma dell'oggetto o alla distanza:
Per nome, la tonalità del colore non cambia colore. Processo interessante
accade con leggerezza. Il colore chiaro si scurisce quando ci si allontana: il colore scuro si illumina:
Per saturazione, il colore si allontana, si spegne, si indebolisce:

Per tiepidezza: i colori freddi, allontanandosi, si riscalderanno
caldo - diventa più freddo.
Alla luce il colore è più chiaro, all'ombra è più debole e si distribuisce sui mezzitoni:
Per tiepidezza, se hai scelto la luce calda,
allora le ombre saranno fredde. Se la luce è fredda, le ombre saranno calde.
La luce calda diventerà più fredda man mano che si allontana, la luce fredda diventerà più calda. ombra calda
allontanarsi sarà più freddo, freddo più caldo. Il colore nell'ombra è illuminato dalla saturazione.
E ora la parte più difficile:
1. Il mezzotono più scuro nella luce è più chiaro del mezzotono più chiaro nell'ombra.
2. Il mezzotono più incolore nella luce è più colorato del mezzotono più colorato nell'ombra.
3. Il mezzotono più caldo nella luce fredda è più freddo del più freddo
semitoni in ombra.
È tutto complicato e confuso? Sembra così la prima volta. Tali pensieri svaniranno quando inizi a disegnare.

La scienza del colore fornisce leggi già pronte che gli artisti sviluppano nel corso degli anni nel processo di studio. Tutto questo devi solo impararlo, accettarlo e metterlo in pratica guidato dal motto: non vedo, ma so! E faccio quello che so!

E puoi rafforzare le tue conoscenze, guidato dal motto, eseguendo diversi esercizi sul tema della "scienza del colore". Il fatto è che mentre dipingi, soprattutto quando dipingi con gli acquerelli, a volte è difficile capire rapidamente quale tratto metti adesso. Naturalmente, le ricerche sui colori e gli schizzi che realizziamo prima di iniziare il lavoro ci aiutano in questo. Ma i seguenti esercizi ti aiuteranno a sentirti più sicuro nel processo di lavoro:

Per fare questo, abbiamo bisogno dell'acquerello, che è stato menzionato all'inizio di questo
pagine. Usa qualsiasi colore. Lo stretching del colore può essere eseguito in vari modi.
Colori elastici da caldi a freddi, da chiari a scuri e da
un colore all'altro. Puoi fare stretching secondo il principio di quelle regole, circa
che hai imparato a conoscere qui. Pratica. Puoi imparare molto
sul colore, su come si comporta accanto agli altri o quando è mescolato.

In un corso di pittura, dopo un breve ripasso della scienza del colore e una presentazione a
questo argomento, gli studenti sono invitati a svolgere una serie di esercizi di riempimento,
per un'ulteriore preparazione al lavoro nelle condizioni della strada. Riempire necessario
far cambiare colore a seconda dell'illuminazione, come suggerito
scenario. Ad esempio, la luce è fredda, come sarà il lungo piatto
un oggetto colorato di rosso mentre si allontana dallo spettatore. O,
compito per la selezione indipendente di combinazioni di colori, da cui puoi
"rendere" verde. Prossimo compito: come cambierà questo verde in base a
distanza dallo spettatore in luce calda. Stretching da fare in quattro -
cinque gradi. Alla fine del lavoro, chiedi agli studenti di valutare
lavoro, segnando punti su punti: purezza del colore, cambiamento di tono,
osservanza del caldo-freddo, purezza dell'esecuzione, composizione nel foglio.
Questa lezione è una lezione sull'implementazione di compiti complessi.

Mentre lavorano sugli argomenti, gli studenti dovrebbero imparare quanto segue:
domande:
1. Quali sono i metodi per lavorare con l'acquerello?
2. Quale metodo è più adatto allo studente stesso?
3. Come lavorare con il colore dell'acquerello?
4. Come cambia il colore a seconda dell'illuminazione?
5. Come cambia il colore a seconda della distanza?
6. Come cambia il colore a seconda della prospettiva luce-aria?
Dopo le lezioni preparatorie, gli studenti acquisiranno nuove conoscenze,
abilità nel lavorare con gli acquerelli, apprendere diversi metodi di lavoro
colori e nuove tecnologie.
E solo allora puoi procedere direttamente al lavoro in strada.

E qualche altro consiglio per gli insegnanti che insegnano ai bambini in età scolare. Con i bambini di questa età è meglio iniziare a lavorare nella tecnica del disegno su carta grezza. Lascia che i bambini provino la vernice per il flusso e la sfocatura.

Tecnica "wet" o "wet" (acquerello "inglese")

L'essenza di questa tecnica è che la vernice viene applicata su un foglio precedentemente inumidito con acqua. Si consiglia di posizionare il foglio di lavoro non in orizzontale o in verticale, ma con una leggera angolazione. Le vernici vengono applicate con leggeri tocchi singoli, su una base bagnata, scorreranno sicuramente nella direzione stabilita dall'artista. Puoi dirigere il movimento della vernice con un pennello asciutto, può anche indebolire il colore. Ma non è noto quale tipo di modello "sfumato" risulterà. Questo elemento di sorpresa conferisce alla tecnica imprevedibilità e una certa piccantezza.Il grado della sua umidità dipende dall'intento creativo dell'artista, ma di solito iniziano a funzionare dopo che l'acqua sulla carta smette di "brillare" alla luce. Con sufficiente esperienza, puoi controllare manualmente il contenuto di umidità del foglio. A seconda di quanto è pieno d'acqua il fascio di capelli della spazzola, è consuetudine distinguere condizionalmente tra metodi di lavoro come "bagnato su bagnato" e "secco su bagnato".

Tecnica della pittura ad acquerello multistrato (vetratura)

La velatura è un metodo per applicare gli acquerelli con pennellate trasparenti (di norma, più scure sopra quelle più chiare), uno strato sopra l'altro, mentre il fondo deve essere sempre asciutto. Pertanto, la vernice in diversi strati non si mescola, ma funziona attraverso la luce e il colore di ogni frammento è costituito dai colori nei suoi strati. Quando lavori con questa tecnica, puoi vedere i confini dei tratti. Ma, poiché sono trasparenti, questo non rovina il dipinto, ma gli conferisce una trama particolare. I tratti sono eseguiti con cura per non danneggiare o offuscare le aree pittoresche già essiccate.

Tecnica dell'acquerello "Riserva" (aree bianche e chiare)

"Riserva" in acquerello è chiamata la parte bianca o più chiara non registrata del foglio.
Il colore bianco viene trasmesso a causa del colore della carta. In altre parole, l'artista ha sempre bisogno di ricordare quelle aree che deve lasciare bianche e "aggirarle" con il colore, lasciandole intatte. "Bypass" è la tecnica di ridondanza più complessa e più "pulita".
Puoi risolvere il problema della tecnica "Riserva" in diversi modi:
- con nastro adesivo
- paraffina
- matite di cera
- utilizzano la lavorazione di uno strato di vernice già essiccato con vari metodi "meccanici" (raschiatura, rimozione dello strato di vernice con una lama di rasoio, ecc.)
- evidenziare i luoghi necessari con l'aiuto di un pennello strizzato o, ad esempio, un tovagliolo su uno strato bagnato o asciutto.

Tecnica A LaPrima

A la prima * (italiano Allaprima; pron. - "ala prima") - lo stesso della pittura su grezzo.
Questo è dipingere in uno stile grezzo, scritto velocemente, in una sessione, che crea effetti unici di macchie, traboccamenti e traboccamenti di vernice.

Lavorazione su lamiera grezza nella fase iniziale con successiva realizzazione "a secco"

In questo caso l'artista realizza la base dell'opera su un foglio bagnato, e continua a lavorare sui dettagli quando il foglio è già asciutto. Questa tecnologia consente di combinare delicate transizioni di pittura "in grezzo" con accenti dipinti sopra di esse su piccoli dettagli.

Tecnica a secco (scuola italiana)

Consiste nel fatto che la vernice viene applicata su un foglio di carta asciutto in uno o due strati (acquerello monostrato) o più strati (vetro), a seconda dell'idea dell'artista. Questo metodo consente di fornire un buon controllo sul flusso di vernice, tonalità e forma dei tratti.

Tecnica del sale

Il sale (sia grande che piccolo) sparso sugli acquerelli bagnati corrode la vernice in modo non uniforme e crea una trama speciale sulla macchia. Questa tecnica è efficace sul primo strato di vernice. Quando il lavoro si asciuga, il sale può essere rimosso con un panno asciutto o anche a mano. L'acqua spruzzata può dare un effetto simile.

Tecnica dell'ombra

Hillshade è un metodo per rivelare la forma di un oggetto applicando strati di vernice in gradazione dall'evidenziazione all'ombra esterna. In effetti, questo è un modo di studio tonale dell'oggetto. In poche parole, usiamo il tono per mostrare aree di luce, luce, penombra, penombra, ombra. Hillshade è forse il processo più semplice, anche se lungo, nella tecnica dell'acquerello.

Con la tecnica di disegno "bagnato su bagnato" - la combinazione di vernice liquida con un foglio bagnato crea contorni sfocati, il che è solo meglio per l'immaginazione del bambino - continua a creare immagini per tutta la lezione. Quando un bambino aggiunge un nuovo colore a un disegno già iniziato, nella sua immaginazione appare spesso una nuova connessione semantica, che poi sviluppa nel disegno successivo.

Su un foglio bagnato, i singoli colori si mescolano e confluiscono l'uno nell'altro in molti punti e compaiono i colori intermedi: verde, arancione, marrone, viola. Eseguendo lavori usando il sale, si ottengono paesaggi sorprendenti. Ne abbiamo parlato sopra. Guardando queste metamorfosi, i bambini si rallegrano e si chiedono: sono creatori, sono pionieri! Proprio come nel caso del gioco di colore su carta, il bambino osserverà con interesse il colore sempre cangiante dell'acqua nel bicchiere in cui vengono lavati i pennelli. Quando l'intero foglio è già occupato da un disegno, ei colori risplendono e risplendono per la presenza in essi dell'elemento acqua, il bambino ha un picco di soddisfazione “artistica”! Quindi, quando l'immagine è già stata rimossa per asciugare, non è più di tale interesse per il bambino.

Va anche notato che non esiste una tecnologia in sé. La tecnica è subordinata all'obiettivo che l'artista si prefigge. Ecco perché l'acquerello è tanto vario e individuale quanto la calligrafia delle persone è diversa e individuale.

Quanto sopra si applica a qualsiasi tipo di arte, ma è l'acquerello particolarmente sensibile al temperamento e al "movimento del pennello" emanato dal movimento dello spirito del maestro. Questo è il segreto principale e il problema di possedere la tecnologia.

Nel lavoro metodologico sono stati utilizzati alcuni punti degli articoli:

http://yandex.ru/-E. Bazanov. L'elemento di acqua e vernice. Sulla tecnica della pittura ad acquerello.

Fonte http: //yandex.ru/-Nazarov A. K. "Metodi di base della pittura ad acquerello"

Bibliografia:

Disegniamo una natura morta: Acquerelli, gouache, colori ad olio, acrilici, pastelli, matite di grafite e molto altro / trad. dall'inglese - M .: Astel, 2012. - 32 pp .: illustrazioni - (disegno. Tutte le tecniche in un libro).

Sokolnikova N.M. Belle arti: libro di testo per uch. 5-8 celle: A 4 ore - Obninsk: Titolo, 1999.

Scuola di Belle Arti: vol. 2/A.N. Buynov, E.N. Elizarova, B.V. Ioganson e altri - M.: Fine Arts, 1988. - 160 p .: riprod.

Disegno. Acquerello: la seconda mostra tutta russa.- L .: Artista della RSFSR, 1981.- 156 p .: ill.

Rostovtsev n.n. Metodi di insegnamento delle belle arti a scuola: un libro di testo per studenti di facoltà artistiche e grafiche. Ped. ins-compagno - 2a ed., aggiungi. E rivisto - M.: Illuminismo, 1980. - 239p.: ill.

Maslov N.Ya. Plein air: pratica secondo fig. Isk-vu: libro di testo. Un manuale per gli studenti d'arte - Conte. Falso. Ped. in-comrade.- M.: Illuminismo, 1984.- 112p.: illustrazione.

Acquerello sovietico moderno / comp. Album e scientifico apparato di N. A. Volodin.- M .: Sov. Artista, 1983.- 258 p.: riprod.

Istituto scolastico di bilancio municipale di istruzione aggiuntiva per bambini

centro per bambini (adolescenti) "Agnes"

club per bambini (adolescenti) "Rainbow"

Sviluppo metodico

Classe magistrale

"Acquerello su carta stropicciata"

Sviluppato da:

Balashova Irina Vyacheslavovna

Insegnante di istruzione aggiuntiva

Bambini (adolescenti)

Circolo "Arcobaleno"

N. Novgorod

Master class sul tema "Acquerello su carta stropicciata"

La tecnica di lavorare con l'acquerello su carta stropicciata si riferisce ai metodi del disegno non convenzionale.

La tecnica di lavorare con l'acquerello su carta stropicciata è consigliata per le classi con bambini dai 5 anni.

L'opera può essere utilizzata come regalo per la Domenica delle Palme.

Questa masterclass può interessare gli insegnanti di istruzione aggiuntiva che lavorano nella direzione dell '"arte decorativa e applicata", i lavoratori pedagogici delle istituzioni educative nell'organizzazione del lavoro di circolo e il lavoro delle associazioni creative.

Lo scopo della master class: migliorare le capacità professionali degli insegnanti - partecipanti alla master class nel processo di comunicazione pedagogica attiva sulla padronanza dell'esperienza di lavorare con gli acquerelli.

Compiti:

introdurre gli insegnanti alla tecnica di effetti ad acquerello aggiuntivi;

insegnare la sequenza delle azioni, l'uso di metodi e tecniche sull'esempio della lettera "Verba";

creare le condizioni per l'autorealizzazione e stimolare la crescita del potenziale creativo degli insegnanti nel processo di conduzione di una master class;

promuovere l'interesse degli insegnanti nei modi di disegnare non tradizionali.

Risultati attesi della master class:

aumentare la creatività degli insegnanti;

l'opportunità per gli insegnanti di utilizzare un nuovo metodo non tradizionale nella loro pratica;

studio dello sviluppo sul tema della master class;

crescita della motivazione dei partecipanti al MC a formare il proprio stile di attività pedagogica creativa;

sviluppo pratico da parte dei partecipanti al MC di conoscenze, abilità e tecniche speciali nel processo di lavoro;

creazione di opere ad acquerello nella tecnica della "carta stropicciata", che mostrano iniziativa creativa, immaginazione e pensiero.

Attrezzatura metodologica della lezione

Metodi:

interattivo (verbale, visivo, pratico);

ricerca (la capacità di distribuire autonomamente attività lavorative,

scelta dell'azione e del suo metodo, libertà di creatività).

Ricevimenti:

spiegazione;

consultazione;

conversazione con dimostrazione di azioni pratiche;

creazione di opere ad acquerello

Utilizzo della visibilità:

Impostazione di un bouquet di salice vivo;

campioni di lavoro finito eseguiti dall'insegnante;

schemi per l'implementazione graduale dei prodotti;

materiali per il lavoro pratico.

Materiali e strumenti:

lenzuola di ovatta;

acquerello;

• sale marino;

  urea;

Il corso della master class.

Cari colleghi! - Sono molto felice di vederti qui, nel nostro club "Rainbow". Mi chiamo Irina Vyacheslavovna. Sono un insegnante di arti e mestieri nel circolo Batik.

Molto presto - la luminosa festa della risurrezione di Cristo, Pasqua. In una giornata così luminosa, voglio dare gioia, quindi propongo di fare un lavoro ad acquerello realizzato con la tecnica della "carta stropicciata" "WILLOW". Può essere usato come regalo o decorazione per le vacanze.

Quindi, con ottimo umore ed emozioni positive, iniziamo la master class.
Per lavoro abbiamo bisogno di materiali:

Acquerello.

1. Carta Whatman di qualsiasi formato conveniente per te.

   Urea.

Passiamo alla parte pratica.

Un foglio di carta Whatman è ben inumidito con acqua. Se possibile, è meglio immergere in un contenitore.

Accartocciare con cura il foglio grezzo in diverse direzioni

Raddrizziamo il foglio

Su carta ancora grezza, scriviamo il fondo, aggiungendo alcool, sale, urea per gli effetti.

Con l'imbiancatura senza pennello, con l'aiuto delle dita, mettiamo casualmente delle macchie bianche, imitando i boccioli di salice.

Con un pennello, prova a disegnare rami in gemme già pronte. (Il bambino cerca di mostrare l'immaginazione per disegnare le curve dei rami)

7. Completiamo il lavoro.

Il lavoro è pronto!

Spero che le conoscenze che hai acquisito all'MC di oggi ti aiutino a risolvere problemi creativi in ​​​​classe con i bambini.

Grazie per la collaborazione!
- Grazie per l'attenzione e la partecipazione al lavoro. Sii sempre sano! E successo creativo per te!

Bibliografia:

Olga Shmatova "Il manuale di autoistruzione sul disegno con un acquerello". Mosca 2010

Master class come forma moderna di certificazione nel contesto dell'attuazione dello standard educativo statale federale. Algoritmo tecnologico, modelli ed esempi di implementazione, criteri di qualità / comp. N.V. Shirshina. - Volgograd: Insegnante, 2013.

Corsi di perfezionamento e seminari pedagogici nell'educazione aggiuntiva dei bambini. Aspetti teorici e organizzativi / Comp.: Klenova N. V., Abdukhakimova S. A. / Ed.: Postnikov A. S., Prygunova A. P. - M .: MGDD (Yu) T, 2009

Fiori di campo in acquerello. W.Tate. Cristina & K. 2010

Risorse Internet

http://kladraz.ru/ - Sito "dispensa di intrattenimento"

http://victoriaartist.ru/ Respiro dell'acquerello. Sito web dell'artista V. Kiryanova