Teatro, musica. Teatro popolare in India Pittura, musica, teatro dell'India

17.07.2019

Il teatro indiano già all'inizio della nostra era esisteva in una forma completamente formata. Pertanto, ha dovuto attraversare un lungo sviluppo, la cui storia è purtroppo poco conosciuta. Il teatro indiano è cresciuto sul suolo indiano ed è piuttosto originale. Dati frammentari di tradizioni storiche ed etnografia suggeriscono che un'importante fonte della sua genesi furono spettacolari spettacoli di massa durante le feste religiose in onore di alcuni dei (soprattutto Indra e Shiva); il tema delle esibizioni erano i miti sulle gesta di questi dei. Le feste stesse risalgono ai riti arcaici di cacciatori e contadini, accompagnati da canti e balli. Un'altra fonte può essere considerata scene comiche di carattere domestico, recitate durante le pause della festa principale e destinate a divertire il pubblico.

Nel tempo, tali rappresentazioni, che sono cambiate in larga misura, hanno perso il loro carattere religioso, iniziano a svolgersi non solo durante le vacanze, ma anche al di fuori di esse - nelle piazze del mercato, nei palazzi dei re e della nobiltà. Il teatro di corte, destinato a una ristretta cerchia di spettatori, e non a un pubblico di massa, ha sviluppato forme speciali di arte teatrale, un repertorio specifico e si è notevolmente allontanato dalla sua base: l'arte popolare. È su questo teatro che abbiamo informazioni più dettagliate.

Il periodo di massimo splendore del teatro classico indiano furono i primi nove secoli della nostra era. Nell'era dei Gupta iniziarono ad apparire trattati speciali sull'arte teatrale, in cui venivano analizzati in dettaglio i compiti del teatro e degli spettacoli teatrali, vari generi di composizioni teatrali, ecc. Uno di questi trattati "Natyashastra", attribuito a Bharata e datato dagli scienziati ai primi secoli della nostra era, è sopravvissuto fino ad oggi. "Natyashastra" è giustamente chiamata l'enciclopedia dell'antico teatro indiano. Discute varie questioni relative all'arte teatrale. Ad esempio, sull'origine e le funzioni di natya - arte drammatica e danza, sui tipi di opere teatrali, sul linguaggio dei segni, sulla recitazione, sull'arte delle espressioni facciali, sull'architettura degli edifici che ospitavano i teatri, sulla tecnologia scenica, su come venivano messe in scena le opere teatrali, su trucco, costumi, musica, così come vari bhava (sentimenti) e rasa (stati d'animo).

Un'opera teatrale può avere da uno a dieci atti. C'erano molte varietà di atti unici, come bhana (monologo), quando l'unico eroe parla con un personaggio invisibile, o prahasana (farsa), che a sua volta era divisa in due tipi: farsa alta e farsa bassa. Inoltre, gli eroi della farsa alta e bassa erano cortigiane e ladri.

Gli edifici teatrali speciali (natyashala) non sono stati conservati, sebbene esistessero. Non c'erano scenari, gli oggetti di scena erano minimi. Il pubblico ha avuto un'idea della situazione in cui si è svolta l'azione dalle repliche e dalle espressioni facciali degli attori. Nell'antica India, le opere teatrali dovevano essere rappresentate in una piccola stanza, poiché la recitazione era basata su un linguaggio dei segni altamente stilizzato, costituito da movimenti degli occhi e delle mani appena percettibili. L'antica arte teatrale indiana era caratterizzata da "questo" ... linguaggio dei segni complesso e sviluppato con cura, che è stato compreso dagli attori nel corso di molti anni di formazione ed è stato progettato per un pubblico sofisticato.

Nel teatro indiano c'erano due direzioni: lokadharmi e natyadharmi. Nel lokadharmi, cioè nel teatro realistico, una persona e il suo personaggio venivano presentati così come sono nella vita reale. Il pubblico di questo teatro era lo strato più ampio del popolo. Natyadharmi, o dramma stilizzato, usava il linguaggio dei segni e il simbolismo ed era considerato più artistico.

Strutturalmente, l'antico dramma indiano era un'opera complessa. Il testo in prosa era intervallato dalla poesia, in particolare dai monologhi lirici dei personaggi e dalle massime morali. I numeri delle canzoni e le scene di danza erano frequenti. Non c'erano rappresentazioni nell'unità di tempo, luogo e azione. Potrebbero essere raffigurati eventi accaduti nello stesso giorno e distanti tra loro per molti anni. L'azione si svolgeva all'interno, o per strada o nella piazza del paese, o nella foresta o in paradiso. Il numero di attori potrebbe essere diverso. Appartenevano agli strati più diversi; celestiali, giullari, re, schiavi, rishi, getter, monaci, guerrieri, ladri professionisti, mercanti, ecc. Tutto ciò ha offerto al drammaturgo grandi opportunità di scegliere la trama e svilupparla.

Ma c'erano anche dei limiti all'immaginazione creativa del drammaturgo, che corrispondeva al tipo di dramma che aveva scelto. Ce n'erano molti di questi tipi, ma i principali erano Nataka e Prakarana. Il primo si distingueva per raffinatezza ed era destinato principalmente al teatro di corte. Le sue trame erano famose storie eroiche o d'amore, prese in prestito principalmente dall'epopea. L'eroe nell'attacco doveva essere necessariamente un re o una divinità in incarnazione umana. Omicidi, battaglie e eventi ancora più indesiderabili per il pubblico prescelto, come rivolte e colpi di stato di palazzo, non avrebbero dovuto essere rappresentati sul palco. C'erano commedie satiriche, farse. Tutto ciò indica che nei tempi antichi la drammaturgia indiana si distingueva per una varietà di generi, era associata all'arte popolare ed era più democratica che nel Medioevo, quando il teatro indiano soffriva di impoverimento creativo, e nel XII secolo. - scomparsa quasi completa.

Le commedie dovevano avere un lieto fine. Gli attori dovevano parlare lingue e dialetti diversi, a seconda della loro posizione e istruzione. Re, bramini, kshatriya venivano spiegati in sanscrito. Tutte le donne e la gente comune usavano i cosiddetti prakrit drammatici. Ce n'erano sette, e c'era un certo ordine in cui prakrit quale personaggio doveva usare: Shauraseni era la lingua delle donne di alto rango sociale e degli uomini di medio; Magadhi: la lingua delle classi inferiori; nel Maharashtri, coloro che parlavano Shauraseni in prosa venivano spiegati in versi, e così via. Un indicatore dell'alto livello di sviluppo dell'arte teatrale nell'antica India sono trattati teorici speciali. Uno di loro è giunto fino a noi - "Natyashastra" ("Trattato sull'arte teatrale"), compilato, probabilmente, nei secoli II - III. ANNO DOMINI e attribuito a Bharata, di cui, a parte il suo nome, non si sa nulla.

Dicono che per creare il Natyashastra, considerato il quinto Veda, Bharata abbia preso la parola dal Rigveda, il gesto dallo Yajurveda, la musica dal Samaveda e lo stato mentale dall'Atharvaveda. Va detto che i rappresentanti delle caste inferiori non avevano il diritto di leggere i Veda, e quindi Brahma ordinò che fosse creato per loro il quinto Veda, ad es. trattato di arte teatrale. Tuttavia, si può presumere che il teatro in India sia esistito molto prima dell'avvento di Bharata, altrimenti è difficile trovare una spiegazione logica al fatto che sia stato creato un trattato sul dramma, se la sua creazione non è stata dettata dalla necessità, per spiegare l'esistenza spontanea del teatro.

Un semplice paesano non poteva fare a meno della musica, della danza, della recitazione. La sua arte semplice era associata e allo stesso tempo complementare ai rituali quotidiani, alle festività che si verificavano in un momento o nell'altro dell'anno ed era parte integrante dei rituali associati alla vita naturale di una persona: nascita, maturità, matrimonio, morte.

Il teatro popolare non è altro che un riflesso della vita ordinaria delle persone che abitano un vasto subcontinente. Il principale strumento di comunicazione con il pubblico in questo teatro è l'attore stesso, il suo corpo e quegli stati mentali che riesce ad esprimere con una sorta di orchestrazione di braccia, gambe e busto, voce, gesto, emozioni. Naturalmente, l'obiettivo dell'attore di teatro tradizionale è infondere nello spettatore i sentimenti che l'attore sta cercando di rappresentare. Per fare ciò, sceglie materiale che possa evocare empatia estetica e utilizza tutti i mezzi a sua disposizione sul palco per raggiungere il contatto con il pubblico.

L'obiettivo principale del teatro era offrire piacere estetico (rasa) al pubblico. Per l'antico dramma indiano nel suo insieme, la posa aperta di questioni sociali acute non è tipica. Rari sono gli scontri di personaggi, gli scoppi di sentimenti, la satira flagellante o la denuncia rabbiosa. Il tono generale nei pezzi superstiti è morbido, sommesso. Ma anche allo stesso tempo, nelle migliori opere drammatiche, gli autori hanno saputo mostrare la verità della vita, la complessità delle sue manifestazioni e l'intensità drammatica delle situazioni.

Uno dei più interessanti nell'antico dramma indiano è l'opera teatrale di Shudraka (IV-V secolo) "The Clay Cart" ("Mrichchakatika"), che ha fornito all'autore un posto d'onore nella storia dell'antico teatro e letteratura indiana. Il dramma racconta l'amore del bramino impoverito Charudatta e dell'etera Vasantasena, amore che ha superato tutti gli ostacoli sociali eretti dalle difficili circostanze della vita. La trama non è presa dalla mitologia, ma dalla vita stessa, i personaggi principali non sono dei e re, ma persone comuni. L'autore sostiene l'idea che la vera nobiltà, l'onestà, la devozione e l'amore sublime siano inerenti non solo agli strati superiori della società, ma anche alla gente comune. L'orientamento umanistico e democratico dell'opera, che appartiene al tipo prakarana, è chiaramente opposto allo stile compiacente del dramma di corte natak. Inoltre, "Clay Wagon" descrive tali eventi che altri antichi drammaturghi indiani hanno cercato di evitare: c'è un tentativo di omicidio, il rovesciamento del re e disordini popolari. Non si sa chi fosse l'autore di questo straordinario lavoro, ma il dramma stesso fornisce motivi sufficienti per considerarlo un vero scrittore popolare.

Una delle perle dell'antica letteratura indiana sono le opere di Kalidasa (fine IV - inizio V secolo d.C.) - un poeta, drammaturgo e scrittore, la cui opera è una pagina luminosa nella storia della cultura mondiale. Le traduzioni delle opere di Kalidasa divennero note in Occidente alla fine del XVIII secolo. e furono subito accolti con entusiasmo dai lettori.

Entro la fine del periodo dell'antichità è la fioritura della poesia religiosa. I versi lodavano l'ideale di una vita ascetica, il distacco da tutto ciò che è mondano, la natura illusoria dell'essere. Kalidasa, cantando la vita con tutte le sue gioie e dolori, si oppose alle idee ascetiche religiose del suo tempo. Un'intera tendenza della letteratura indiana, che seguiva idee umanistiche sull'armonia della personalità umana e una visione ottimistica della vita, è associata a Kalidasa. Senza rompere con la tradizione precedente, Kalidasa ha agito da innovatore sotto molti aspetti. Pertanto, il suo lavoro è così comprensibile e vicino ai popoli dell'India da molti secoli.

Quando l'Europa conobbe i primi esempi di antico dramma indiano, molti studiosi scrissero che il teatro indiano era di antica origine greca. Tuttavia, ora è diventato abbastanza chiaro che il teatro in India è sorto indipendentemente, indipendentemente da influenze esterne. Inoltre, la tradizione teatrale indiana è più antica di quella antica e teoricamente molto più ricca. Il teatro indiano differiva dal teatro greco per temperamento e concetto di messa in scena. La Trinità, che i greci seguivano rigorosamente, era completamente sconosciuta ai drammaturghi sanscriti. Il dramma sanscrito, con le sue sottotrame e numerosi personaggi e stati d'animo, ha occupato più tempo delle tre tragedie e farse che il teatro greco ha costantemente offerto al suo pubblico. I greci davano priorità alla trama e alle battute dei personaggi, mentre nel teatro indiano l'attenzione principale era rivolta ai quattro tipi di arti performative, plasticità e gestualità. Per i greci, le persone erano un pubblico partecipativo, per gli indù erano spettatori esterni. Anche i canoni estetici erano diversi. Nel dramma sanscrito, il concetto greco di tragedia è completamente assente, così come il principio estetico secondo cui lo spettatore non dovrebbe vedere la morte o la sconfitta dell'eroe sul palco.

Il teatro indiano è uno dei teatri più antichi del mondo: la sua teoria e pratica furono sviluppate intorno al II secolo a.C. AVANTI CRISTO e. Non è solo originale, ma ha anche portato questa originalità attraverso lo spessore dei secoli. La padronanza del teatro classico indiano è così delicata che è quasi impossibile per i rappresentanti di altri paesi e popoli padroneggiarla. In termini generali, il teatro indiano in termini storici e fattuali può essere suddiviso in teatro sanscrito classico, teatro popolare e teatro in stile europeo.

L'arte teatrale dell'India ebbe origine nel I e II secolo. AVANTI CRISTO e. e la sua creazione è attribuita a un saggio di nome Bharata. Secondo la leggenda, il dio della guerra, Indra, chiese al creatore Brahma di inventare un intrattenimento che piacesse a tutte le persone. Brahma estrasse la recitazione, il canto, il gioco e l'estetica dai quattro "Veda" e insegnò queste arti a Bharata, comandandogli con i suoi cento figli di proteggere e stabilire quest'arte sulla terra. Brahma ha formulato i compiti principali del teatro: insegnare e intrattenere. Le prime commedie che ci sono pervenute sono scritte nella lingua classica dell'India, il sanscrito, e ci permettono di concludere. A quel tempo la drammaturgia era una febbre sviluppata dell'arte teatrale. Le trame preferite delle commedie sono i racconti e le leggende popolari, le gesta eroiche dei saggi reali e l'amore.

Secondo il trattato, ci sono quattro mezzi espressivi principali: angika, mudra, vachika, akharya. Angika è il linguaggio dei gesti convenzionali di mani, dita, labbra, collo e piedi. Mudra è un gesto che ha un significato simbolico. Ci sono ventiquattro gesti di base, ciascuno con oltre trenta significati diversi. Vachika: dizione, intonazione e ritmo del discorso che creano un certo stato d'animo. Akharya: il colore e i dettagli canonizzati del costume, il trucco. Per gli dei e le fanciulle celesti - trucco arancione, per il sole e Brahma - oro, per l'Himalaya e il Gange - bianco. Demoni e nani indossano corna: cervo, montone o bufalo. Nelle persone il trucco dipende dal loro status sociale, dall'appartenenza a una casta. I rappresentanti delle caste superiori - Bramini e Kshatriya - hanno il trucco rosso, gli Shudra hanno il blu scuro, i re hanno il rosa tenue, gli eremiti hanno il viola.

Una delle prime prove della nascita dell'arte teatrale fu una statuetta in bronzo di una danzatrice trovata durante gli scavi nella città di Mohenjo Daro nel III millennio a.C. e. È stata la danza rituale a diventare il nucleo attorno al quale si è formato il teatro classico indiano. Il modello per il ballerino era l'immagine dello Shiva danzante, nella cui danza si manifestava l'energia creativa e distruttiva dell'Universo. Nell'antica India, gli spettacoli teatrali fanno parte del festival dedicato agli dei, ad esempio il dio del tuono Indra. In suo onore è stato issato uno "striscione", che simboleggiava un albero portato dalla foresta. Dopo la cerimonia, è stato annegato nel fiume per dare forza alla terra e all'acqua.

La componente dell'azione teatrale, sattvika, è lo stato mentale trasmesso dall'attore (bhava) e l'umore del pubblico dopo ciò che ha visto sul palco (rasa). L'attore deve abituarsi ai sentimenti del suo personaggio ed essere in grado di trasmettere le esperienze più sottili, per le quali deve padroneggiare la tecnica di recitazione. La capacità di versare una lacrima, di mostrare come il freddo rassoda la pelle del viso, come la paura attraversi tutto il corpo, ad es. la padronanza della tecnica di recitazione può provocare un certo stato d'animo nello spettatore. L'intero concetto estetico delle arti performative indiane si basa sugli insegnamenti di bhava e rasa.

L'obiettivo più alto della performance era raggiungere RACE, il piacere estetico che nasce dall'abile gioco dell'attore. I sette sentimenti di base (comico, pathos, rabbia, eroismo, orrore, odio, stupore) dovevano essere incarnati dagli attori. Una caratteristica del teatro indiano è l'unità della musica. cantando e danzando. Figurina di una ragazza danzante (Mohenjo Daro III millennio aC).

Nella cultura indiana esiste una divisione del teatro in diversi tipi: Folk. Questo tipo di arte scenica aveva una trama basata sull'epica e sulla mitologia indiana. La professione di attore in India non era rispettata. Ciò è dovuto al fatto che l'artista ha ritratto gli dei in modo divertente e osceno. Gli attori sono stati umiliati e considerati gli strati inferiori della società. Ma per acquisire padronanza in questa professione, bisognava essere persone piuttosto istruite; Cortigiano. Gli spettacoli si tenevano nei cortili della nobiltà a scopo di intrattenimento.

Nel sud del paese si sviluppò un'altra forma di teatro del mistero, associata all'arte dei narratori di templi: i chakiars. Hanno letto versi in sanscrito e poi hanno spiegato il testo nella lingua della gente del posto. Il narratore ha usato espressioni facciali e gesti. Successivamente è stato sostituito da un attore, che ha accompagnato la recitazione con danze. Lo spettacolo era chiamato kutiyattam (sansc. "danza collettiva") A metà del I millennio a.C. e. teatro classico indiano. Il suo periodo di massimo splendore cade tra il I e il IX secolo. quando furono create le famose opere del dramma sanscrito. I drammaturghi più famosi sono Bhasa, Kalidasa, Shudraka. Le date della loro vita sono approssimative, le informazioni dei ricercatori a volte divergono per secoli. Delle tredici opere di Bhasa (II o III secolo), la migliore è Vasavadata che appare in un sogno, un'opera teatrale sull'amore del re per sua moglie Vasavadata.

Ashvaghosha (II secolo d.C.) è considerato il primo drammaturgo indiano. Ma il dramma classico raggiunse il suo massimo splendore sotto Kalidas (IV secolo d.C.). Oltre a Kalidasa, vengono nominati i nomi di altri cinque famosi drammaturghi: Shudraka, Harsha, Visakhadatta, Bhasa e Bhavabhutn. Il dramma classico raggiunse il suo apice nel IV-V secolo. N. e. Entro l'VIII secolo è caduta in rovina. Tuttavia, ancora oggi, il teatro tradizionale più antico del Kerala, il kudiyat, continua a vivere lì, pur mantenendo la sua scuola di formazione degli attori.

Kalida sa (कलदस, Kālidāsa IAST, letteralmente "Servo della dea Kali") è il più grande drammaturgo e poeta dell'antica India che ha scritto in sanscrito. Le opere create da Kalidasa simboleggiano la fioritura della cultura classica indiana. Il dramma di Kalidasa "Shakuntala" divenne una delle prime opere della letteratura orientale, tradotta nelle lingue europee e introdusse l'Europa nella letteratura d'Oriente. I drammi e le altre opere di Kalidasa non contengono alcuna indicazione diretta del tempo della loro composizione. La menzione delle schiave greche testimonia un'epoca relativamente tarda, e le forme di Prakrit nei discorsi di alcuni personaggi indicano una grande distanza cronologica che le separa dalla lingua delle iscrizioni del re Ashoka, o Piyadasi. È dubbio, tuttavia, che Kalidasa sia vissuto nell'XI secolo, poiché le opere di altri scrittori di questo secolo testimoniano chiaramente il declino letterario, mentre i drammi di Kalidasa rappresentano il culmine della poesia indiana.

La paternità del famoso Carro d'argilla (presumibilmente IV secolo) è attribuita al re Shudraka. Lo spettacolo è stato messo in scena in molti teatri di tutto il mondo anche nel XX secolo. La commedia racconta l'amore dell'attrice cortigiana per il bramino Charudatta, un uomo appartenente alla casta più alta e anche lui sposato. Questa trama è andata oltre il tradizionale. Dopo lunghe prove, gli amanti si sono riuniti.

L'apice della drammaturgia dell'antica India è il dramma di Shakuntala Kalidasa (in alcune fonti di Sakuntala). La trama dell'opera sulla lealtà e l'amore di Shakuntala per il re Dushyanta proveniva dal Mahabharata, ma è stata integrata e ampliata da Kalidasa per una maggiore drammaticità nello sviluppo della trama. Lo spettacolo è sopravvissuto non solo nei teatri moderni dell'India, ma ha anche fatto il giro dei palcoscenici dei teatri del mondo: è stato messo in scena a Berlino; nel 1914 nel teatro da camera di A. Tairov; nel 1957 - a Pechino.

Una forma speciale di teatro in India è la danza classica, che include la parola e talvolta il canto. Fu nella danza che il dio Shiva creò il mondo. In uno dei templi c'è una famosa immagine della danza di Shiva. Le colonne raffigurano 108 delle sue pose danzanti, menzionate nel trattato teatrale Natyashastra. Uno degli stili più antichi - bharat natya ci è pervenuto grazie ai devasi - ballerini del tempio che hanno dedicato la loro vita a una divinità. Col passare del tempo il ballo divenne un mezzo di intrattenimento per l'aristocrazia feudale, e il nome "devasi" divenne sinonimo di cortigiana. La danza era una combinazione di Nritya (danza narrativa) e Snritta (danza pura). Quindi è stato eseguito un intermezzo (paddam), in cui il ballerino trasmette con gesti il contenuto della canzone eseguita in sanscrito.

Il dramma classico (nataka) aveva dieci varietà canoniche: 1) nataka vero e proprio con una trama di racconti popolari; 2) prokarana con una trama inventata o rivista dall'autore; 3) samvakara con una trama di leggende su dei e demoni; 4) ihmrita con una trama presa in prestito o parzialmente composta dall'autore su un eroe che cerca di unirsi alla sua amata; 5) dima con una storia presa in prestito su varie creature mitologiche; 6) Vyayoga, un dramma in un atto con una trama comica presa in prestito; 7) anka dramma in un atto con trama dell'autore di natura moralizzante patetica o risonante; 8) prahasana, farsa in un atto con una storia di vita quotidiana; 9) bhana è un'opera teatrale in un atto con trama di un autore di contenuto eroico, interpretata da un attore; 10) vithi è un atto unico che differisce da bhana per il numero di interpreti (due o tre).

Nel XV secolo Nel nord dell'India, il classico stile di danza Kathak sta prendendo forma. A quel tempo si era sviluppato uno stato in cui i conquistatori musulmani si erano assimilati e, dando impulso alla fusione dell'arte musulmana e indù, il kathak era il risultato di una fusione di due culture. La danza è stata eseguita in costumi persiani, ma era una continuazione delle leggende sull'amore di Vadhi e Krishna. Nel 17 ° secolo Il teatro Kathakali nasce nel sud dell'India. Il dramma di danza pantomimica racconta di dei e demoni, del loro amore e odio. Lo spettacolo si svolge nel cortile del tempio o all'aperto. I suoi spettatori sono i contadini dei villaggi circostanti, che lasciano le loro preoccupazioni e azioni serali, sentendo appena il suono del tamburo. Lo spettacolo teatrale è dato su uno sfondo nero della notte.

Uno degli stili più antichi bharat natyaè venuto da noi grazie a devasi - danzatori del tempio che hanno dedicato la loro vita alla divinità. Col passare del tempo il ballo divenne un mezzo di intrattenimento per l'aristocrazia feudale, e il nome "devasi" divenne sinonimo di cortigiana. La danza era una combinazione nritya(danza-storia) e sritta(danza nella sua forma più pura). Quindi è stato suonato un intermezzo ( paddam), in cui il ballerino trasmette con gesti il contenuto della canzone eseguita in sanscrito. La polifonia semantica dell'intermezzo nasce dalla ripetizione da parte del cantante dello stesso verso, a cui ha dato diverse interpretazioni, e dalle varie interpretazioni dello stesso testo da parte del danzatore.

Nel XV secolo nel nord dell'India sta emergendo uno stile di danza classica kathak. A quel tempo, si era sviluppato uno stato in cui i conquistatori musulmani si erano assimilati e avevano dato slancio alla fusione dell'arte musulmana e indù. kathak era il risultato di una fusione di due culture. La danza è stata eseguita in costumi persiani, ma era una continuazione delle leggende sull'amore di Vadhi e Krishna. A differenza di bharat natyam dove i movimenti delle gambe sono sincronizzati con il movimento delle mani e degli occhi, kathak costruita sull'improvvisazione. È caratterizzato da abili movimenti del piede, varietà e complessità dei ritmi. Per mettere alla prova l'arte del ballerino, il batterista maschera di volta in volta il ritmo principale. A sua volta, la ballerina cerca di cambiare il suo ritmo, cercando di far perdere il ritmo al batterista. Il gioco dei ritmi si conclude con l'accordo generale della danza e dell'accompagnamento ritmico, che è sempre accompagnato dalla gioia del pubblico.

Nel 17 ° secolo il teatro nasce nel sud dell'India kathakali. Il dramma di danza pantomimica racconta di dei e demoni, del loro amore e odio. Lo spettacolo si svolge nel cortile del tempio o all'aperto. I suoi spettatori sono i contadini dei villaggi circostanti, che lasciano le loro preoccupazioni e azioni serali, sentendo appena il suono del tamburo. Lo spettacolo teatrale è dato su uno sfondo nero della notte. Gli attori con un trucco luminoso - verde, rosso e nero - appaiono dall'oscurità e scompaiono nell'oscurità. Il trucco e il suo disegno hanno un significato simbolico, ben noto allo spettatore.

Caratteri kathakali classificati in sette tipi: paccia- nobili eroi; tagliente - arrogante e arrogante; dalla barba rossa- cattivi e persone ambiziose; dalla barba bianca, molto spesso questi sono i consiglieri del re scimmia Hanuman, un'immagine nobile ed eroica; dalla barba nera- gente della foresta e cacciatori; curry - gigantesse malvagie e demoni femminili; minuku - saggi, eremiti, bramini e donne.

Padronanza kathakali comprendere fin dall'infanzia sotto la guida di un guru. L'attore impara a comprendere l'essenza interiore del raffigurato, che si tratti di una persona, di un fiore o di un uccello.

Quanto alla teoria teatrale, il primo trattato sanscrito sul teatro fu opera dell'antico saggio Bharata Natyashastra (Trattato sull'arte dell'attore). Gli scienziati attribuiscono l'aspetto del trattato al III-IV secolo. Fino ad ora, le regole stabilite in questo libro rimangono la legge per gli attori indiani di tutte le generazioni.

Secondo il trattato, ci sono quattro principali mezzi espressivi: angika,mudra,wachika,acharya.Angica - linguaggio dei gesti convenzionali di mani, dita, labbra, collo e gambe. Sono prescritti tredici movimenti della testa, sette movimenti per le sopracciglia, trentasei per gli occhi; sei per il naso, sei per le guance, sette per il mento, trentadue per le gambe. Ci sono varie posizioni delle gambe e varie andature: un'andatura maestosa, tritare o intrecciare, ecc. Saggio - un gesto che ha un significato simbolico. Ci sono ventiquattro gesti di base, ciascuno con oltre trenta significati diversi. . Vachika- dizione, intonazione e ritmo del discorso che creano un certo stato d'animo. Acarya - colore e dettagli canonizzati del costume, trucco. Per gli dei e le fanciulle celesti - trucco arancione, per il sole e Brahma - oro, per l'Himalaya e il Gange - bianco. Demoni e nani indossano corna: cervo, montone o bufalo. Nelle persone il trucco dipende dal loro status sociale, dall'appartenenza a una casta. I rappresentanti delle caste superiori - Bramini e Kshatriya - hanno il trucco rosso, gli Shudra hanno il blu scuro, i re hanno il rosa pallido e gli eremiti hanno il viola.

Componente teatrale sattvika sono gli stati d'animo trasmessi dall'attore (bhava), e l'umore del pubblico dopo quello che hanno visto sul palco ( gara). L'attore deve abituarsi ai sentimenti del suo personaggio ed essere in grado di trasmettere le esperienze più sottili, per le quali deve padroneggiare la tecnica di recitazione. La capacità di versare una lacrima, di mostrare come la pelle del viso si irrigidisce per il freddo, come un brivido attraversa tutto il corpo per la paura, ad es. la padronanza della tecnica di recitazione può causare un certo stato d'animo nello spettatore. L'intera concezione estetica delle arti performative indiane si basa sull'insegnamento bhava E gara. Letteralmente, la parola "rasa" significa gusto o sapore, cioè stato d'animo, che rimane con il pubblico dopo lo spettacolo. Gara Ce ne sono nove tipi: erotico, comico, triste, arrabbiato, eroico, spaventoso, disgustoso, sorprendente, rassicurante. Ogni garaè indicato da un certo colore: in ordine: trasparente verdastro, bianco, grigio cenere, rosso, arancio chiaro, nero, blu, giallo. Nove gara partita nove bhava, che a sua volta può essere stabile o transitoria.

Natyashastra scritto in una forma arcaica di difficile lettura ed è stato accompagnato da numerosi commenti nel corso dei secoli.

Nella seconda metà del XIX secolo in India stanno nascendo una nuova drammaturgia e un nuovo teatro drammatico. I primi tentativi di creare un nuovo dramma appartengono ai drammaturghi bengalesi Dinobondhu Mitro, Modhuschudon Dotto, Ramcharinou Tarkorotn. Le loro opere si distinguevano per profondità sociale e orientamento anti-britannico. Allo stesso tempo, gruppi teatrali sono apparsi in altre province del paese. La formazione del dramma hindi è associata al nome di Bharatendu Harishchandra, il cui lavoro combinava le tradizioni della drammaturgia nazionale e dell'Europa occidentale.

Le idee della lotta di liberazione nazionale, la richiesta di indipendenza si riflettono nell'opera di S. Govindas ( La via del servizio, Perché soffrire e così via.). Negli anni '40 la vita teatrale del paese divenne molto più attiva. Viene creata l'Associazione dei teatri popolari dell'India, le cui attività hanno avuto un impatto significativo sullo sviluppo della cultura teatrale nel paese. Dopo l'istituzione dell'indipendenza nel 1947 in India, furono create le condizioni per lo sviluppo di entrambe le forme tradizionali di arte teatrale e per il teatro drammatico. È stata istituita l'Indian Academy of Music and Drama, che svolge attività scientifica nel campo dell'arte teatrale. I teatri dell'India mettono in scena le migliori opere del dramma mondiale, tra cui Shakespeare, Ibsen, Molière, Turgenev, Gorky, Cechov.

TEATRO DELLA CINA

La base del teatro cinese è la musica, che ha plasmato il dramma musicale classico. xiqu, che è vivo e nel periodo presente. La posizione della musica nello stato fin dai tempi antichi è stata fissata dai primi governanti della sua importante funzione nel rituale religioso. Ma prima di iniziare a creare musica, il creatore doveva ascoltarla nei suoni cosmici dell'universo, e poi organizzarla secondo le leggi dell'universo, essendo l'universo stesso stabilito. Le voci dell'universo raggiungevano una persona quando ascoltava i suoni del vento e lo scorrere dei fiumi, il rumore degli alberi e il canto degli uccelli, osservando le abitudini degli animali e creando melodie e danze, in sintonia con i ritmi di fusione chi Paradiso e Terra.

Musica, melodia, doti vocali sono gli ambiti a cui la teoria del teatro ha prestato maggiore attenzione. Circa 50 trattati teatrali, che componevano un volume di 10 Raccolta di trattati sul dramma classico cinese(1959 e 1982), in tutto o in parte dedicato alla musica. E sebbene la musica nel teatro nella tabella dei ranghi cinese rappresentasse un aspetto comune e basso ( Su Yue- arte in contrasto con l'alto ( io) musica rituale, il teatro stesso non ha mai dimenticato le sue origini, lamentando spesso la perdita della musica degli antichi canoni.

Le origini dell'arte teatrale cinese hanno origine nei rituali sciamanici del periodo Shang (1766-1122 aC). Già sulle ossa Yin (I millennio a.C.) c'è un'immagine di geroglifici tu e(musica) e a(danza). Durante l'era Zhou (1027-1256 aC), i rituali religiosi e le feste di palazzo perfezionarono la tecnica della danza, sviluppando un canone del movimento scenico. Anche allora si distinguevano attori che cantavano e ballavano ( chan-yu) e giullari, attori e comici ( paga - tu). Fuori dalle mura del palazzo, il teatro dava luogo a riti e feste popolari. Un elemento tangibile di teatralità era presente nei rituali, nelle cerimonie, nelle danze pantomimiche associate al culto del culto degli antenati. cosiddetto. "giochi morti" implicava l'imitazione del defunto quando descriveva le sue gesta e le sue gesta d'armi.

Nell'era Han (206 a.C. - 220 d.C.), la musica popolare accompagnava la lotta di diversi partecipanti e diede un forte impulso allo sviluppo del teatro. Questo spettacolo è entrato nello spettacolo jiaodisi(butting, concorrenza in forza), che a sua volta divenne parte di basi(cento giochi, cento spettacoli). Era una costellazione di generi circensi, come danza, acrobazie, inghiottire la spada, funambolismo, scherma con tridenti, asce da battaglia e pinze, in cui gli artisti cinesi sono considerati maestri insuperati fino ad oggi.

Nello stesso periodo nasce il teatro delle marionette. Tuttavia, molto prima, si è saputo del maestro Zhou Yan-shi, che era abile nell'intagliare bambole. Le sue bambole potevano muoversi al ritmo della musica come se fossero vive. Ma poi le bambole erano un accessorio del rito funebre, accompagnando il defunto nel suo passaggio all'Altro Mondo. Sotto gli Han, il burattino entrava in scena quando i burattinai iniziarono ad essere invitati ai banchetti nelle case della nobiltà. Il tempo di Tang (618-907) è un periodo di teatro di marionette sviluppato, che era rappresentato da marionette, marionette sull'acqua che si esibivano sull'acqua, marionette di cuoio. Il periodo Song (960–1279) è considerato l'età d'oro del teatro di figura. Gli spettacoli di marionette sull'acqua erano particolarmente apprezzati. I teatri delle barche erano dotati di macchinari che facevano miracoli: l'elemento acqua partoriva e assorbiva pesci giganti e draghi d'acqua. Gli attori-burattinai si nascondevano nell'acqua, controllando impercettibilmente il movimento dei burattini. L'ampio repertorio di marionette, le capacità tecniche dei burattinai hanno indubbiamente attirato l'attenzione del teatro degli attori dal vivo, che stava solo guadagnando forza. Tuttavia, l'influenza del teatro delle marionette sull'arte di quest'ultimo non è stata così significativa come l'influenza delle marionette sull'arte degli attori kabuki in Giappone. Nel teatro cinese stava maturando un processo che portava alla nascita dell'individualità dell'attore come valore estetico del teatro. Ciò richiedeva la mobilità interiore della sfera emotiva della recitazione. A questo punto, l'attore dal vivo si separò dal burattino. Nel 18 ° secolo la teoria teatrale ha già indicato la costrizione statica come un vizio che trasforma un attore in un burattino.

L'era Tang fu segnata dalla crescita delle città e dell'artigianato, dall'espansione delle relazioni commerciali con gli stati dell'Asia centrale e dell'India. L'influenza del buddismo sulla letteratura, la pittura, la musica e, naturalmente, l'arte teatrale si è rafforzata. I balli basati su temi buddisti ebbero un grande successo a corte. Uno di loro Abito con piume arcobaleno - sulla bella fata-celestiale. Si sviluppò anche una forma drammatica, basata su piccoli dialoghi di contenuto comico e satirico. canjun xi(giochi su canjun). I primi ruoli compaiono in loro: uno spirito pieno di risorse canjun e il suo compagno colletta. Nel corso del tempo, i dialoghi vocali hanno cominciato a alternarsi a canti e balli. Durante il periodo Tang nacque un teatro professionale, chiamato "Giardino delle pere", perché nel giardino delle pere del palazzo imperiale iniziarono a insegnare ai bambini le abilità di recitazione.

Durante il periodo Song, le forme drammatiche già note continuano a essere migliorate, le esibizioni di narratori popolari con canti con accompagnamento musicale. Cominciano a prendere forma i tipi regionali di teatro: quello settentrionale, basato sul suono settentrionale, acuto e severo della melodia, e quello meridionale, con un flusso morbido e regolare della melodia. I testi delle commedie sono andati perduti, lasciandoci un elenco di 200 titoli. Tra questi ci sono lo storico Canzone Chuang Tzu, Amore Sima Xiangru e Wenjun, A proposito di In-in e altri C'erano teatri fissi cittadini - cabine per la gente comune e teatri con una sala dietro il palco e un auditorium per un pubblico ricco.

Il periodo Yuan (1280-1367) è il periodo della conquista della Cina da parte dei mongoli, che opprimevano non solo la gente comune, ma anche i segmenti istruiti e venerati della popolazione. Il comune sentimento di umiliazione nazionale ha avvicinato le persone altamente istruite alla vita della gente comune, ha aiutato a comprendere i loro problemi e bisogni. Il teatro durante il periodo del dominio mongolo divenne molto popolare nella società, il che contribuì alla nascita del dramma Yuan, un fenomeno significativo nella storia del dramma cinese. Il dramma Yuan è costruito sul tipo nordico di melodie, è caratterizzato da una composizione in quattro parti. A poco a poco, c'è stata una convergenza delle melodie settentrionali e meridionali, che ha creato i presupposti per la creazione di un futuro teatro nazionale.

Un eccezionale drammaturgo del dramma Yuan fu Guan Hanqing (nato intorno al 1230 e morto intorno al 1300). Uno dei giochi più famosi Il risentimento Dou E sulla morte innocente di una giovane vedova che si è addossata la colpa di qualcun altro. La sua profondità emotiva ha influenzato il miglioramento delle capacità di recitazione dei ruoli femminili. Lo spettacolo è sopravvissuto nel repertorio del teatro di oggi.

L'era Ming (1368-1644) è il periodo di massimo splendore della cultura cinese, i suoi massimi successi nel campo del teatro. Questa volta è segnato dalla nascita e dall'ascesa del teatro kunqu. Nato nelle campagne, si è rapidamente trasferito nei maggiori centri culturali, dove ha attirato l'attenzione di scrittori e musicisti professionisti. Uno di loro, un cantante e musicista, Wei Lianfu, ha unito le caratteristiche delle scuole vocali settentrionali e meridionali, ha ampliato la composizione dell'orchestra, grazie alla quale sono apparse nuove melodie Kunshan e un nuovo stile di accompagnamento musicale.

Tang Xianzu (1550-1616), drammaturgo e teorico, riformatore del dramma e dell'arte teatrale, saggista e critico letterario, è giustamente considerato un fenomeno eccezionale non solo nel teatro, ma anche nella cultura in generale di quel periodo. Ha creato quattro voluminose opere drammatiche sotto il titolo generale Quattro sogni a Linchuan o Quattro sogni dalla sala del bellissimo cespuglio di tè(nota: Linchuan è il luogo di nascita del drammaturgo; "Hall of the Beautiful Tea Bush" è il motto della sala studio del drammaturgo, che tradizionalmente ha scelto lui stesso). Gazebo di peonia- un'opera eccezionale del drammaturgo. Era una canzone d'amore e dell'onnipotenza del sentimento. L'eroina è pronta a morire, ma non a vivere senza amore. Come teorico, Tang Xianzu considerava il sentimento il criterio principale per recitare.

Il periodo di massimo splendore della drammaturgia kunqu contribuito al miglioramento della recitazione. Ciò è confermato dal rapido sviluppo della teoria teatrale. Entro la fine del 17 ° secolo. kunqu raggiunse l'apice della sua popolarità, conquistò il pubblico metropolitano, stabilendosi alla corte dell'imperatore. Concentrandosi sull'aristocrazia kunqu perde il pubblico di massa. Nel 18 ° secolo il teatro per l'élite lascia il posto a melodie popolari che portano in scena jingxi(Dramma capitale o Opera di Pechino).

Una caratteristica delle nuove melodie era un ritmo chiaro, che portava a uno sviluppo teso dell'azione e all'abbondanza di scene di battaglia, che di conseguenza rendevano attori popolari che padroneggiavano le tecniche delle arti marziali. Il nuovo teatro ha preso in prestito il repertorio kunqu, ampliandolo con la creazione di cicli di opere teatrali basate su famosi romanzi epici: tre regni, stagni fluviali, Viaggio verso ovest. Sono entrate di moda le serie di spettacoli, che sono andate avanti per diversi giorni consecutivi, interrompendosi ogni volta nell'episodio più interessante.

Dalla metà del XIX secolo Il dramma capitale è diventato il genere teatrale più popolare, in cui si sono fuse due correnti che hanno nutrito l'arte teatrale cinese fin dai tempi antichi: cortese, aggraziato, presentato kunqu e "fiorito, misto", associato all'arte dei comuni teatri locali. Lo ha fatto jingxi un teatro nazionale, popolare in patria e famoso all'estero. La sua fama è costituita da una galassia di straordinari interpreti: Zhou Xinfang (1895-1966) - un interprete di ruoli maschili di un piano eroico, che ha unito nella sua arte le tecniche di vari ruoli maschili; Mei Lanfang (1894-1961) - un riformatore e un eccezionale interprete di eroine femminili, che ha combinato diversi ruoli femminili che hanno portato la fama mondiale all'attore cinese; Cheng Yanqiu (1904-1958) era un'artista femminile che ha creato una scuola originale di arte vocale.

L'Opera di Pechino ha quattro ruoli principali: sheng(eroe), omaggio(eroina), ching(personaggio maschile, cosiddetto "volto dipinto" ( hualien) E rancio(comico). A partire dal XVI-XVII secolo. con lo sviluppo del dramma, c'è stato un dettaglio dei ruoli: sheng cominciò a distinguere xiaosheng(giovane eroe) laosheng(vecchio eroe) ushen(eroe militare, comandante); ruolo femminile distinto laodan(eroine più vecchie) qingyi("donne in abiti blu", eroine virtuose e modeste), il loro antipodo era huadan("una ragazza in un vestito colorato"), di regola, una serva della padrona. L'abbondanza di scene di battaglia ha reso popolare il ruolo secondario udan(schermitrici) e daomadan(donne motocicliste). Il ruolo delle "facce dipinte" è un personaggio maschile positivo o negativo, che può essere civile o militare. rancio- un ruolo minore comico o "faccina dipinta", potrebbe essere un personaggio militare o civile. Fino alla metà del XX secolo. tutti i ruoli femminili erano interpretati da uomini, ma c'erano anche compagnie femminili in cui le donne interpretavano parti maschili. Le compagnie miste sono apparse solo nel 20 ° secolo.

Trucco. Ad eccezione del ruolo delle "facce dipinte", il trucco serviva solo come strumento per il trucco. Per i ruoli femminili, indossava un personaggio erotico, sottolineando la pienezza delle labbra, la bellezza degli occhi. L'acconciatura e gli ornamenti per la testa avevano lo stesso scopo. "Nuvole di capelli" disposte in chignon sorreggono borchie di finissima finitura. La forcina in Cina era considerata un simbolo della donna stessa, gli innamorati si scambiavano le forcine.

Trucco hualien spesso indicato come una maschera, sebbene la maschera vera e propria sia piuttosto rara nel teatro cinese. L'attore ha studiato l'arte del trucco fin dall'infanzia e lo padroneggia magistralmente. Lo schema dei colori è regolato e ha un significato simbolico: rosso - lealtà e onestà, bianco - inganno, nero - coraggio, viola - compostezza, blu e verde - crudeltà e ostinazione. Vernice oro e argento - per lupi mannari e celestiali, ecc. Anche l'ornamento del trucco è simbolico: il monogramma verde sul ponte del naso a forma di pipistrello stilizzato significa il coraggio e la crudeltà dell'eroe; un'ombra nera intorno agli occhi, che li fa sembrare gli occhi del mitico uccello fenice, l'ampia espansione delle sopracciglia testimonia la prontezza dell'eroe a sfruttare la pienezza del potere.

Lo spazio scenico e le capacità di recitazione erano simboliche. Il quadrato del palcoscenico simboleggiava la Terra e il movimento dell'attore lungo traiettorie ovali simboleggiava il Cielo. Ciò conferisce all'azione scenica una scala cosmica, consentendo al personaggio di muoversi liberamente sulla terra e in cielo. Le convenzioni adottate dal teatro e comprensibili allo spettatore rendono il linguaggio scenico più capiente ed espressivo: fatto un passo condizionato, l'eroe esce di casa; salendo sul tavolo, si ritrova su una collina; agita una frusta - e tutti sanno che l'eroe sta correndo su un cavallo; i due cercano di palparsi a vicenda e si perdono sul palco illuminato: tutti immaginano che ciò stia accadendo nell'oscurità.

La canonizzazione del personaggio ha fissato alcuni mezzi espressivi per il ruolo. Si conoscono più di venti modi di ridere. Ogni gesto è riprodotto dall'attore con movimenti arrotondati, in cui si indovina l'influenza della scuola aggraziata. kunqu. I movimenti del braccio e della mano sono molto diversi: la mano pensante, la mano proibitiva, la mano impotente e così via. Ci sono molte opzioni per un passo sul palco: un passo volante per i celesti, "nacchere fiorite" - un passo per huadan eccetera.

A seconda del livello di abilità, la teoria teatrale distingue attori brillanti e perfetti ( miao), divino ( shen), bello bello ( Maggio), abile ( nan).

Dopo il 1949, il teatro tradizionale subì una riforma teatrale, con l'obiettivo di modernizzare il repertorio e adattarlo ai moderni compiti ideologici. cosiddetto. La "rivoluzione culturale", che ha scosso il Paese nella seconda metà degli anni '70, ha causato danni irreparabili all'arte teatrale tradizionale. Ci sono voluti anni per restaurare il teatro. Al momento, il teatro tradizionale non è più così popolare nella loro patria.

All'inizio del XX secolo c'è un teatro drammatico che si è rivolto all'esperienza del teatro europeo. La data di nascita è considerata il 1907, quando gli studenti cinesi che studiavano in Giappone organizzarono la compagnia Spring Willow. Durò solo due anni. Nello stesso 1907 fu creata la compagnia "Spring Sun". C'erano spettacoli come Racconto dell'anima perduta di un fumatore d'oppio, La capanna dello zio Tom- drammatizzazione del romanzo di Beecher Stowe, La Nuova Signora delle Camelie, Meglio tornare, Seconda Signora Chen e altri Tutti gli spettacoli erano una combinazione eclettica della tradizione teatrale nazionale con quella europea, sebbene ci fossero tentativi di mettere in scena spettacoli puramente drammatici.

Negli anni '20 e '30 il numero delle compagnie amatoriali crebbe; a Pechino è stata creata una società teatrale "Nuova Cina", che ha avuto un impatto positivo sulla formazione di attori e registi. Negli anni Quaranta e Cinquanta, il teatro drammatico divenne in grado di mettere in scena opere teatrali della drammaturgia mondiale: Shakespeare, Cechov, Ibsen, Gorky.

Dopo la "rivoluzione culturale", il teatro drammatico ha gradualmente ripreso forza. Apparvero nuovi giovani drammaturghi che creavano opere su temi di attualità.

TEATRO DEL GIAPPONE

La cultura giapponese è la cultura della Via (cap. Tao, giapponese. Prima), quindi diversi tipi di arti sono stati designati con la parola "Way". Quindi la Via del Teatro No - Nogaduko. Seguire la Via significa seguire la Legge Universale, e in questo il teatro giapponese non differisce dal teatro cinese, da dove arrivarono in Giappone i geroglifici, i classici confuciani e il canone buddista. Ma avendo imparato bene le cose straniere, il Giappone le ha assimilate dal punto di vista giapponese. È così che è nata la formula della cultura giapponese: " wakon kansai"("Anima giapponese - Conoscenza cinese").

Nel VII-VIII secolo in Giappone sono apparsi attori coreani e cinesi, che hanno dato slancio alla nascita di due forme teatrali: gigaku E bugaku.

Gigaku(arte della recitazione) - una forma di canto e danza con accompagnamento musicale e rappresentazione teatrale. Gli artisti indossavano maschere, che sono sopravvissute fino ad oggi.

Bugaku(danza e musica), nel suo contenuto la forma assomiglia basi(cento giochi) di teatro cinese: danze intervallate da combattimenti con la spada; la danza "Ball Game" imitava il popolare gioco della palla giapponese che proveniva dalla Cina ei suoi partecipanti erano a cavallo; danza del dragone; danza di uccelli fantastici; scene di danza sono state eseguite con i personaggi del pantheon indiano degli dei.

La nascita di No theater ("maestria") ha il suo background. Le sue origini possono essere rintracciate nel culto solare della dea Uzume, in onore della quale si svolgevano i misteri sotto il pino sacro di un santuario shintoista nell'antica capitale del Giappone, la città di Nara. È questo pino che è raffigurato sul retro del palco nel teatro Noh.

La storia del teatro stesso inizia nel XIII secolo. e verso la metà del XIV secolo. raggiunge il suo apice. Ciò coincide con l'era Kamakura (1192-1333), la cui visione del mondo era una fusione di dottrina buddista, mitologia shintoista, taoismo cinese ed etica confuciana. Si ritiene che il teatro Noh sia stato creato da mimi erranti. sarugaku-hoshi("azione, teatro dei monaci"), la cui arte era già popolare nell'VIII secolo. Nell'XI secolo recitavano scenette farsesche della trama costruite sull'improvvisazione e includevano brevi dialoghi comici o monologhi. In considerazione della loro popolarità, i monasteri iniziarono a fornire il loro patrocinio, invitando gli attori a esibirsi nei giorni delle funzioni festive. Nel 12 ° secolo queste esibizioni includevano già uno spettacolo di preghiera con canti e danze Okina (Sambuco), entrato poi nel repertorio del n. Nel 13 ° secolo gioca sarugaku ottenuto il nome no-kyogen (kyogen- Ossessione per il parlare).

Una nuova tappa nella storia del teatro giapponese è stata aperta dall'opera di Kanami Kiyotsugu (1333–1384), attore e drammaturgo. Ha creato un dramma d'autore a tutti gli effetti e una nuova performance. Nell'arte dell'attore Kanami mette soprattutto la capacità di "imitare" ( monomane), che ha introdotto nella danza il principio della stilizzazione, trasformandola in una danza pantomima e subordinando il movimento scenico a un rigoroso ritmo musicale. Fu allora che si rese conto dell'importanza del principio yugen, utilizzato dagli attori per denotare la bellezza dello spettacolo. Dopo yugen divenne una delle principali categorie dell'estetica giapponese, che significa "la bellezza dell'intimo". Come drammaturgo, ha creato un nuovo tipo di dramma, fortemente conflittuale, pieno di tensione interna, in contrasto con le precedenti opere narrative e illustrative del n. nel suo dramma Sotoba Komachi appare l'immagine di un eroe mezzo matto e ossessionato, che esprime l'estremo grado di sofferenza umana. Da questo momento inizia la storia della drammaturgia nazionale. Nel 19 ° secolo il dramma Noh si chiama "yokyoku". Il dramma del No durante l'era Muromachi (1333–1573) assume un tono buddista sotto l'influenza della diffusione della setta buddista Zen. Rappresentazione Ma erano molto popolari in quel momento non solo tra gli spettatori ordinari, ma attirarono anche l'attenzione dello shogun, che prese la compagnia No sotto la sua protezione. Ciò ha contribuito allo sviluppo delle capacità di recitazione e ai viaggi degli attori nelle province, che hanno ampliato la cerchia dei loro ammiratori. Un attore eccezionale di quel periodo era Zeami. Ha ampliato i temi della drammaturgia Noh, orientando le commedie ai gusti della classe dei samurai. Zeami crea un ciclo di opere teatrali sui leggendari guerrieri dei clan Taira e Minamoto, che guidarono il XII secolo. sanguinosa lotta per il potere.

Nel periodo Edo (1617–1868) le migliori compagnie del No si trasferirono a Edo (Tokyo) e, per speciali decreti delle autorità, l'arte del No fu trasformata nel “teatro cerimoniale” della classe dirigente. Alla performance è stato dato il carattere di un'azione magica rituale. Maggiore attenzione è stata prestata alla tecnica del gioco. Tutti gli elementi dell'azione scenica: palcoscenico, oggetti di scena, costumi, maschere, gesti, danza, intonazioni erano rigorosamente regolati. Il dramma Noh ha avuto una grande influenza sul teatro delle marionette e sull'emergente teatro Kabuki. L'ulteriore storia del dramma Noh è la storia della sua vita teatrale.

Ci sono da tre a cinque attori nel dramma Noh. Personaggio principale setaccio("attore"), questo è il nome del ruolo. Secondo personaggio - waki("lato") è anche un ruolo, la storia dell'eroe è rivolta a lui, mostra interesse per essa ed esprime simpatia. Tsure("satellite") accompagna il protagonista nelle sue vicissitudini. Waki – zure("Sputnik side") condivide il destino del secondo personaggio. Alcuni drammi hanno un carattere kokata("bambino") nei ruoli di bambini, imperatori o governanti militari. L'usanza di interpretare gli imperatori da parte di un attore ragazzo fu stabilita nel XIV secolo. in relazione al divieto di riproduzione di persone imperiali sul palco. Il gioco ha cinque mosse della trama ( Danesi), ognuno dei quali è accompagnato da una melodia speciale. La recitazione è stata canonizzata e portata alla perfezione formale. Il movimento scenico consiste di 250 semplici movimenti di base - kata e include la tecnica canonizzata di andatura, movimenti di danza, posture, gioco con un ventaglio, movimento di braccia, spalle, ecc. Viene data l'immagine del ruolo, l'attore deve fare tutto ciò che il ruolo e la maschera prescrivono.

La maschera nel teatro Noh gioca un ruolo importante, creando un fascino speciale del gioco, basato sull'espressività e la spiritualità del gesto con l'immobilità del viso. Solo il primo attore si esibisce in una maschera, ea volte sicuro(se è una donna). Esistono quattro categorie di maschere: anziani, guerrieri, donne e demoni. Ogni maschera può avere opzioni: la maschera di una bellezza, una fata, una donna che svanisce, uno spaventoso spirito di gelosia. Le maschere sono di cipresso, di piccole dimensioni, non coprono l'intero viso con strette fessure per gli occhi, che corrisponde all'ideale estetico: era considerato bello avere una testa piccola con un corpo massiccio. Le maschere delle donne avevano la fronte alta, le sopracciglia erano disegnate alla radice dei capelli. Sulla maschera - un mezzo sorriso congelato sotto un'illuminazione speciale creava l'impressione di un cambiamento di umore, un certo mistero nascosto nella "mezza espressione" della maschera-viso. Dalla capacità di indossare una maschera, giudicano l'abilità dell'attore e il suo raggiungimento della "bellezza dell'intimo" ( yugen).

Il palcoscenico del teatro Noh, liscio come uno specchio, è fatto di cipresso giapponese. La piattaforma 6ґ 6 è estesa nell'auditorium insieme a una piattaforma adiacente ad angolo acuto ( hashigakarki).

Il colore del costume indica simbolicamente l'umore del personaggio, il suo stato sociale, l'età. Il colore più nobile - bianco, rosso - per i costumi di divinità, nobili, bellezze. Una cintura intessuta di fiori con piccoli petali rossi allude all'antica bellezza della vecchia.

Nel Giappone moderno, il teatro No attira l'interesse di un pubblico d'élite.

Il teatro Kabuki ebbe origine nel 1603, il primo anno dell'era Tokugawa, che pose fine all'era del feudalesimo giapponese. La crescita delle città come centri commerciali, l'emergere di nuove classi commerciali ha creato le condizioni per nuove forme di letteratura, pittura e teatro. La borghesia emergente voleva vedere nel teatro un riflesso dei propri gusti e aspirazioni. La nascita del Kabuki è associata al nome del ballerino Okuni di un santuario shintoista. La sua troupe, composta da ragazze vivaci e attraenti, si è esibita con canzoni, scene di contenuto erotico, che hanno subito attirato l'attenzione del pubblico. Forse, da qui il nome del teatro: il verbo " kabuku” significa “deviare”, “uscire dall'ordinario”. Successivamente, Courtesan Kabuki è stato bandito dalle autorità per paura di diffondere l'immoralità. Per sostituire le donne kabuki vennero i "giovani Kabuki", che contribuirono alla diffusione della prostituzione maschile. Nel 1652, ai giovani fu proibito di esibirsi a Kabuki con un decreto speciale. Le misure proibitive non potevano frenare lo sviluppo del genere popolare, sebbene la regolamentazione del palcoscenico e della vita quotidiana delle compagnie teatrali e degli attori fosse molto severa.

Sviluppo Il kabuki è strettamente legato al successo del teatro delle marionette e del racconto musicale. joruri. Gli spettacoli di marionette furono portati in Giappone dalla Cina già nel VII secolo, ma il teatro delle marionette fu sviluppato solo nel XVI secolo. Quindi hanno iniziato a dare voce alle esibizioni con l'aiuto delle leggende. joruri, e le trame sono state prese dal repertorio del teatro n. Nel tempo, è stata chiamata la nuova direzione joruri, e dalla fine del XIX secolo. il secondo nome è entrato in uso Bunraku quando il principale teatro di marionette "Bunraku ku-dza" è stato aperto a Osaka. Apparso Kabuki inizia a prendere in prestito il repertorio e imitare i burattini nel suo gioco. Alla fine del XVII secolo il cantautore Takemoto Gidayu ha creato un nuovo stile di performance joruri, che è stato conservato nel moderno teatro delle marionette. Chikamatsu Monzaemon (1653–1724) è considerato il più grande drammaturgo kabuki. Ha scritto centotrenta commedie, di cui più di trenta per il suo attore e regista idolo Sakata Tojuro (1647–1709). Tra le commedie più famose Il suicidio degli amanti a Sonezaki Basato su una storia vera. Ha anche scritto per il teatro delle marionette, soprattutto dopo che era diretto da Gidayu. Entro il 18 ° secolo Kabuki ha creato il proprio stile di performance e ha raggiunto l'apice del suo sviluppo. Le compagnie Kabuki erano raggruppate in due centri principali: Edo (Tokyo) e Osaka-Kyoto, che hanno lasciato un'impronta nello stile della drammaturgia e della rappresentazione teatrale: a Edo, la classe di servizio preferiva il dramma dei samurai con duelli e battaglie e, di conseguenza, il si formò lo stile di gioco aragoto("stile duro e ruvido"). I mercanti e gli artigiani che abitavano Osaka-Kyota erano amanti del dramma sentimentale, che formava uno stile elegantemente romantico. vagoto("stile pacifico"). Fino alla metà del XIX secolo. kabuki possiede completamente il cuore dei suoi spettatori. Dopo la Rivoluzione Meiji in Giappone, era il momento della modernizzazione e dell'occidentalizzazione. Il Kabuki comincia a essere percepito come un anacronismo, quindi cerca di superare il raffreddamento del pubblico. Entro la fine del XIX secolo il teatro riesce a riconquistare l'amore del pubblico, grazie ai tentativi di riformarlo. I famosi attori Ichikawa Donjura il Nono (1838–1903), Onoe Kikugoro il Quinto (1844–1903) diedero un grande contributo. Hanno aggiornato il repertorio, cercato di rendere l'azione più realistica. Dopo la loro morte, l'opera rimase incompiuta. Nella seconda metà del XX secolo Il Kabuki ha riconquistato il pubblico di massa, ma questo è un pubblico colto e dal gusto delicato.

Il canone artistico del Kabuki è rigoroso quanto quello del teatro Noh. Il moderno spettatore di Kabuki si trova in una dimensione storica diversa. L'azione inizia con il suono di mazze di legno. Un uomo in nero appare sul palco marrone) - assistente attore sul palco. Una piattaforma si estende dal bordo sinistro del palco nella sala hanamichi("la strada dei fiori"), dove gli attori preferiti ricevevano offerte e regali dai loro fan. Successivamente, la piattaforma ha ampliato il luogo dell'azione scenica. Nel 1758, nel teatro Kabuki apparve un palcoscenico girevole. Se necessario, parte del palco potrebbe essere rialzata.

Ruolo. Ruoli maschili: tatiyaku- un nobile eroe, che è diviso in tre tipi: itsugoto- saggio aragoto- guerriero vagoto- Eroe amante; Cattivi katakiyaku diviso in "veri cattivi" ( jitsuaku), aristocratici malvagi ( kugeaku), insidiosi seduttori ( iroac). Personaggi comici di due tipi: positivi ( dokakata) e negativo ( dokataki khan). Il più famoso è il ruolo femminile ( onnagata). Questi ruoli sono interpretati da uomini. C'erano intere dinastie di personaggi femminili famosi come Nakamura Utaemon e Onoe Baiko. Ruoli onnagata suddiviso nei ruoli di cortigiane; ragazze di famiglia nobile; mogli nobili; donne che padroneggiano l'arte del combattimento con la spada; donne dannose.

Trucco (kumadori) è specifico per ogni ruolo. Il trucco maschile prevede l'applicazione di linee colorate sul viso, ognuna delle quali ha un significato simbolico: il rosso indica il coraggio, la gentilezza e la passione della natura, il blu indica malizia e codardia. Onnagata sbiancare il viso e le mani, quindi applicare i cosmetici, esagerando l'intensità del colore.

Vengono chiamate tecniche di scena come in No kata. Sono rigorosamente fissi e sono addestrati in loro fin dall'infanzia. Le acrobazie di battaglia e acrobatiche sono particolarmente spettacolari, ad esempio una capriola in un salto o un'istantanea estrazione di un abito, sotto il quale si trova un altro abito. Uno speciale effetto estetico si ottiene con la postura mio, cioè. postura fissa al culmine dell'azione. A volte mio sono multi-figurati, provocando la gioia del pubblico.

La recitazione si trova per la maggior parte al di fuori del discorso scenico. La sua quintessenza è nel movimento scenico, in cui l'attore segue il principio pittorico, in altre parole, questa o quella posa mio dovrebbe assomigliare a un dipinto famoso. arti dello spettacolo Kabuki, come le sue capacità di recitazione, mira al raggiungimento di un unico obiettivo, che il grande Chikamatsu ha formulato come il desiderio di essere "sull'orlo della verità e della finzione".

All'inizio del XX secolo nel teatro giapponese nascono nuove tendenze associate all'influenza del teatro drammatico occidentale. Un genere eclettico emerso prima di altri Shingeki("New School Theatre"), che combinava le tecniche del Kabuki con elementi del dramma occidentale. Il famoso personaggio teatrale Kawakami Otojiro (1846-1911) divenne il creatore di questo stile. Nel 1900, Kawakami girò l'Europa con una piccola compagnia, visitando anche la Russia. È successo così che il presunto Kabuki è arrivato in Europa prima del vero Kabuki. Ma la prima attrice, la moglie di Kawakami, Sada Yakko, ha fatto una grande impressione sul pubblico europeo. Il suo gioco è stato apprezzato da Stanislavsky, il giovane Meyerhold.

La troupe "Gekidan Simpa" ("New Simpa Theatre") ha lavorato nella stessa direzione. Le tecniche Kabuki, ad esempio, mio fianco a fianco con lo stile di gioco europeo. Un'opera teatrale famosa fu il dramma di Kawaguchi Matsutaro (1899-1985) La donna Meiji basato su una storia di crimine vera. Nel 1911, la "Società letteraria e artistica" organizzò la prima "rappresentazione occidentale" Frazione. Successivamente, i classici del dramma occidentale hanno regnato sul palco: Ibsen, Cechov, Strindberg, Gorky. Negli anni '50, le commedie di Mishima Yukio (1925–1970) furono messe in scena a Broadway con il titolo generale Teatro Noh moderno, che erano un'interpretazione di storie classiche.

A partire dagli anni '60 sorsero compagnie teatrali, raggruppate attorno a un drammaturgo. Il nome Abe Kobo è diventato quasi iconico. Le sue opere sono progettate per un pubblico da camera, ma il suo gioco fantasmi tra noi andava nelle grandi sale del teatro.

Oltre 40 compagnie hanno lavorato in Giappone negli anni '70 e '80 shingeki.

Svetlana Serova

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teatro giapponese. SPb., 2000

Pittura, musica, teatro dell'India.

Cultura artistica mondiale, grado 10.

Qual è l'unicità dell'arte indiana?

arte pittorica

Regole generali per gli artisti:

osservare la scala e le proporzioni degli oggetti del mondo esterno,
raggiungere l'espressività nella rappresentazione di esperienze ed emozioni psicologiche,
trasmettere la bellezza e la grazia della natura circostante.
Principale – instillare nelle persone sentimenti elevati e le migliori qualità di carattere.

murales in 29 templi rupestri di Ajanta - un panorama della vita in India.

murales nei templi rupestri di Ajanta

Il posto principale nei dipinti è occupato da episodi della vita del Buddha e jaitaka, storie delle vite precedenti del Buddha.
Vediamo principi, viaggi cerimoniali sugli elefanti, ricevimenti di ambasciatori, passeggiate. Qui viene catturata anche la vita della gente comune: contadini, mendicanti, eremiti.
La vita luminosa, colorata, rumorosa, tra una vegetazione lussureggiante, circondata da animali esotici, divinità, ballerini celesti e musicisti è piena di giubilo e gioia di essere.

Un giovane con un fiore di loto.

Botisatva - divinità suprema

Jaitaki -storie di precedenti reincarnazioni del Buddha

Prenota miniatura dell'India

Epiche indiane - "Mahabharata" e "Ramayana"

Caratteristiche del libro in miniatura:

narrazione accurata
composizione a più figure
sfondo - paesaggio condizionatamente decorativo

Si distinguono le opere dei miniaturisti indiani

ricchezza di sfumature
chiarezza del disegno,
finezza artistica

gusto.

“Una persona che non conosce né la musica, né la letteratura, né alcuna altra arte, è un animale, anche se senza coda e senza corna.”
La musica classica risale al 1500 a.C.
Dagli inni di "Rogneda" c'erano canzoni sul cambio delle stagioni.

La musica indiana è basata su raga(passione, colore, affetto)
Raga è un'idea melodica con un'intonazione appropriata (stato d'animo).
Raga (ciclo quotidiano) è associato a un momento specifico della giornata ed è progettato per evocare uno stato o un sentimento comune all'uomo e alla natura.

Lo strumento principale è la voce umana.
Colpevolezza(strumento musicale) - la regina degli strumenti, che ricorda la voce umana nel suo suono.

Musica dell'India

lastre di metallo

batteria

tabla

L'arte teatrale dell'India ha avuto origine diversi millenni fa. Una statuetta in bronzo di una danzatrice, rinvenuta durante gli scavi nella città di Mohenjo Daro, risale al III millennio a.C. e. È stata la danza rituale a diventare il nucleo attorno al quale si è formato il teatro classico indiano.

La tradizione indiana associa l'inizio del teatro al nome del leggendario Bharata, direttamente ispirato dal dio Brahma: su richiesta degli dei, Brahma decise di creare il quinto Veda, accessibile a tutte le classi; combinando la Parola, il Modo, l'Azione e il Sentimento, presi rispettivamente dal Rigveda, dal Samaveda, dallo Yajurveda e dall'Atharvaveda, Brahma ha creato e registrato attraverso Bharata questo Veda della Danza e del Dramma nel Natyashastra.

Veda (Bharat)

estetica

recitazione

Obiettivo superiore: realizzazione gara- cioè piacere estetico

Compiti principali : insegnare e intrattenere.

occasioni: feste religiose, feste di corte, nascite, vittorie, ecc.
Trame: tradizioni e leggende popolari, gesta eroiche, amore.
Troupe: attore principale, cantanti, musicisti, ballerini.
Ruolo: eroi ed eroine, ministri e giullari.

Gli attori, avendo perso il sostegno dello Stato, sono diventati cantastorie, acrobati, giocolieri e cantanti. Apparvero teatri di marionette: ombra, marionetta, bastone, burattini di pezza.

Una caratteristica della performance indiana è l'unità di musica, canto e danza.

Danza dal sanscrito (la più antica lingua letteraria indiana) - "tandi", "tandava" - significa " battere, battere.Quindi tedesco "si abbronza","Inglese danza e russo "danza".

La danza è nata da dio Shiva - il re cosmico delle danze.
La connessione tra Dio e le persone è stata effettuata attraverso la danza.
Durante la costruzione del tempio furono fornite stanze per ballare.
Tra i dipinti dei templi ci sono immagini apsara - ballerini celesti .

Sistema classico danza (trattato "Natyashastra")

Regole: tipi speciali di andature, gesti, posture ed espressioni facciali.
Trasferimento di emozioni: felicità, rabbia, disgusto, paura, tristezza, coraggio,

compassione, meraviglia e pace.

Il linguaggio dei segni della danza saggio :37 posizioni delle mani, 13 teste, 9 colli, 10 corpi, 36 occhi.

La natura sincretica della danza (musica.poesia, arte drammatica.pantonimo)

Temi: trasmissione dello stato di natura, emozioni, religioso e laico.
Rituale (tempio ) CON Veterano .

Quanto è vera l'affermazione che l'arte teatrale dell'India è una sintesi di letteratura, musica, espressioni facciali e danza?
Quali sono le caratteristiche dello sviluppo dell'arte della musica e della danza in India?

Musica.

La musica classica indiana (vale a dire, ne parleremo) ha sempre svolto un ruolo significativo nella vita della società: ha portato calma nel trambusto della vita quotidiana, ha dato poesia ai riti religiosi e ai processi lavorativi. La conoscenza della musica era considerata obbligatoria per una persona nobile. Un antico proverbio indiano dice: Una persona che non conosce né la musica, né la letteratura, né alcuna altra arte, è solo un animale, anche se senza coda e corna.

La musica dell'India, originata dai libri sacri dei Veda, era strettamente connessa con le credenze religiose ed era percepita come un mezzo universale per conoscere Dio ( Ricorda il nome del Veda, che contiene canti). Ha dato a una persona una certa esperienza emotiva e piacere estetico.

La cultura musicale indiana si basa su ritmo (tale) E melodia (raga). Raga è, per così dire, la melodia generale originale che trasmette lo stato d'animo/emozione principale della composizione. Fondamentalmente, sono limitati. Il musicista non inventa il proprio raga, ma ne prende uno già esistente, e precisamente la sua bravura sta nel fatto che sa improvvisare sul tema di questo raga. Se si cantano gli stufati, spesso cantano solo note. È importante sapere che gli argomenti del raga sono legati a un'ora specifica del giorno o dell'anno, ad es. ogni stufato va ascoltato al suo momento favorevole, poi produrrà il giusto effetto. La performance di Raga è una grande arte. Un brano musicale non viene mai provato in anticipo, la sua esecuzione non è soggetta a regole rigide. È più un'arte dell'improvvisazione.

Sin dai tempi antichi, la filosofia indiana ha attribuito al suono musicale il potere di creare e mantenere l'armonia nel mondo. È generalmente accettato che il suono di uno strumento musicale sia perfetto se è vicino al canto umano. Lo strumento principale della musica indiana è voce umana, ha sempre avuto grande importanza. La maggior parte degli strumenti a corda e a fiato replicano determinate qualità o caratteristiche della voce umana.

Gli strumenti principali della musica classica indiana sono, prima di tutto, colpevolezza, la regina degli strumenti musicali (si ritiene che la dea della saggezza e dell'arte Saraswati abbia dato al vino una voce umana che canta); anche ampiamente utilizzato sitar, strumento musicale a pizzico, compresse, inimitabili tamburi indiani, vestibolo, è usato per creare un accompagnamento di sottofondo quando si suona un raga e, stranamente, violino. (Bene, qui, ovviamente, devi ascoltare tutto, vedere il vidyuhu).

Danza.

Danza indiana ha più di 5.000 anni ed è sempre stata una forma d'arte abbastanza sviluppata. Creatore e mecenate dell'arte della danza in India conta Shiva, è persino chiamato il dio della danza (perché è nella danza che crea il mondo intero). Prima dell'arrivo dell'Islam in India, la danza veniva eseguita nei templi, come preghiera, come offerta speciale alle divinità. È stato eseguito da ragazze che vivevano costantemente nei templi. Con l'avvento dei musulmani, la danza indiana divenne un mezzo di intrattenimento per la nobiltà.

IN India Esistono 2 tipi di ballo: popolare e classica. Differiscono in questo danza classica segue tutti i canoni esposti nel trattato sul teatro (Natyashastra).

danza classica indiana supera lo yoga nella sua complessità. L'alternanza di movimenti veloci e fasi di completo riposo rende la danza un allenamento a più livelli per tutto il corpo. Nel processo di padronanza della danza, si sviluppano qualità come flessibilità e resistenza, alta concentrazione di attenzione e abilità artistica.

Nella danza ci sono delle regole per la posizione dei piedi. Ai ballerini vengono anche insegnati vari salti. Ci sono regole che definiscono il linguaggio delle mani. La posizione speciale delle mani è chiamata - mudra. Ci sono 24 movimenti della mano singola, 13 movimenti della mano doppia, 10 movimenti dell'intero braccio, 5 movimenti del torace e 5 ciascuno per il busto, l'addome e i fianchi. Esistono tipi di movimenti delle sopracciglia e 36 tipi di sguardi. Ogni danza inizia con movimenti che salutano il dio. In totale, ci sono 7 tipi di danza classica indiana, ma non li elencheremo. VIDEO

Danza indianaè più di una danza. È sempre stato ed è un mezzo di comunicazione tra le persone tra loro e con Dio. Qualsiasi movimento del corpo, l'occhio ha il suo significato semantico. Il linguaggio della danza classica indiana è molto più ricco ed espressivo del linguaggio ordinario.

Per diversi millenni della sua esistenza, danza indiana non ha perso nulla della sua attrattiva e attrattiva e continua a stupire le menti di molte persone con la sua perfezione.

Teatro.

E infine il teatro. Una caratteristica della performance indiana è proprio l'unità di musica, canto e danza. I musicisti sono molto visibili e attivi nella rappresentazione teatrale. Di solito i musicisti non suonano dalle note, ma improvvisano proprio sul palco. La performance spesso apre le danze, servendo come una sorta di introduzione all'azione. Quelli. il teatro è una combinazione di tutto ciò di cui abbiamo parlato prima.

Ma scopriamo come è apparso il teatro nella cultura indiana. L'arte teatrale dell'India risale a tempi antichi. Il mito dell'origine del teatro è descritto nel primo capitolo " Natyashastra"- una vera e propria enciclopedia dell'arte teatrale e della danza.

Secondo la leggenda, il dio della guerra, Indra, chiese al creatore Brahma di inventare un intrattenimento che piacesse a tutte le persone: monaci e guerrieri, mercanti e contadini. Brahma si immerse in uno stato di profonda meditazione e contemporaneamente estrasse recitazione, canto e melodia dai quattro Veda. Brahma ha insegnato i segreti dell'arte del saggio Bharatu(si ritiene che fosse l'autore del Natyashastra) e gli ordinò, insieme ai suoi cento figli ed eredi, di proteggere e stabilire l'arte sulla terra. Bharata iniziò a imparare il primo pezzo, dedicato alla vittoria degli dei sui demoni. Ai demoni questa trama non piaceva. Considerandosi profondamente offesi, iniziarono a interrompere le prove degli attori con l'aiuto di numerosi intrighi. Quindi il saggio Bharata ordinò all'architetto celeste di progettare uno spazio teatrale che potesse essere consacrato attraverso rituali e proteggere così gli attori dalla persecuzione dei demoni. Brahma ha risolto il problema e ha formulato i compiti principali della rappresentazione teatrale: insegnare e intrattenere.

Dal Natyashastra apprendiamo che le antiche compagnie teatrali avevano il loro leader, che era l'attore principale e guidava un gruppo di cantanti, ballerini, assistenti musicisti e drammaturghi. La troupe era chiaramente dominata da uomini, a volte anche le donne partecipavano come cantanti o ballerine. L'attore che si esibiva sul palco combinava l'arte della plasticità, della voce, del costume, del trucco e dell'espressione. Gli attori hanno dovuto allenarsi molto, seguire una dieta speciale, eseguire esercizi quotidiani per rafforzare i muscoli, aumentare la flessibilità e la resistenza. Le trame preferite dei drammaturghi indiani sono i racconti e le leggende popolari (va detto che i drammaturghi indiani non hanno quasi mai inventato trame da soli, hanno preso trame famose da epopee o miti e le hanno rielaborate), gesta eroiche e, naturalmente, amore. Come in altri generi letterari in India, le leggi teatrali escludevano un finale tragico. Non mancavano scene tese o strazianti, ma il finale era destinato ad essere felice. Da un punto di vista europeo, questa richiesta porta spesso a intrighi non plausibili e forzati. Si noti, tuttavia, che gli indiani dell'antichità, rifiutando la tragedia, preferivano il melodramma.

Su cosa si basa il teatro indiano?

È importante ricordare che l'obiettivo più alto della rappresentazione teatrale era raggiungere gara ( significa "gusto" in sanscrito ) , cioè. la sensazione che dovrebbe sorgere nello spettatore, come risultato dell'abile gioco degli attori. Il Natyashastra dice che ci sono solo 8 di queste razze: amoroso, comico, tragico, furioso, eroico, Eccezionale, disgustoso E magico . Corrispondono a 8 emozioni di base (amore, commedia, tragedia, rabbia, eroismo, paura, disgusto, stupore), che erano nell'arsenale degli attori. È stato su di loro che il loro gioco è stato sostanzialmente costruito. Quelli. la corsa è un'emozione così pura, la reazione dello spettatore alla performance degli attori. Il Natyashastra paragona questo al mangiare: Quando le persone intelligenti vogliono conoscere gusti diversi, mangiano cibi preparati con salse diverse e provano gioia e piacere nel farlo. È lo stesso con il teatro.».

Gli scienziati attribuiscono l'emergere dell'arte teatrale alla metà del I millennio a.C. Le prime opere teatrali che ci sono pervenute sono scritte nella lingua classica dell'India, il sanscrito. Il periodo di massimo splendore del teatro classico indiano cade tra il I e il IX secolo, quando furono create le famose opere del dramma sanscrito. Il drammaturgo indiano più famoso è Kalidasa (conosciuto in tutto il mondo, le sue opere sono ancora messe in scena), si ritiene che le sue opere siano un esempio di poesia sanscrita. L'opera teatrale più famosa e popolare tra gli europei, il vero apice della letteratura indiana è il dramma classico "Shakuntala" (circa V secolo) à Come compito, puoi dare una rivisitazione della trama di Shakuntala.

Nel periodo tra il X e il XV secolo, in connessione con l'affermazione dell'Islam come religione principale, il teatro perse il patrocinio reale e il sostegno statale. Per sopravvivere, gli attori sono diventati cantastorie, acrobati, giocolieri e cantanti.

Nel XVII secolo si sviluppò un teatro nell'India meridionale. kathakali, che è un dramma di danza pantomima su amore e odio, dei e demoni malvagi. Gli spettacoli di un tale teatro venivano solitamente rappresentati sotto la copertura della notte nel cortile del tempio. Dall'oscurità sono emersi attori con un trucco luminoso sui loro volti. Particolarmente impressionante è stata l'abilità di trasformare gli attori in animali, fiori, uccelli, ecc.