W początek XVIII V. pojawił się we Francji nowy styl– Rokoko.
W tłumaczeniu z francuskiego rokoko (rocaille) oznacza „muszlę”. Imię tego styl artystyczny odkrywa to cecha charakterystyczna– miłość do skomplikowanych kształtów, fantazyjnych linii, przypominających wdzięczną sylwetkę muszli.
Styl rokoko nie przetrwał długo (do około lat 40. XX wieku), ale jego wpływ na kultura europejska okazał się bardzo mocny.
W drugiej połowie XVIII w. nowy wzrost zainteresowania starożytna kultura. Było to częściowo spowodowane wykopaliskami w Pompejach, które odkryły wyjątkowe zabytki sztuka. Z drugiej strony temu zainteresowaniu sprzyjały idee francuskiego oświecenia: ideał sztuki i życie publiczne widzieli w historii i kulturze Starożytna Grecja I Starożytny Rzym. W ten sposób pojawił się nowy styl - neoklasycyzm. Nie we wszystkich krajach tak było. Na przykład we Włoszech styl barokowy istniał jednocześnie ze stylem rokoko, podczas gdy we Francji barok nie rozwinął się zbytnio. W Rosji rokoko i neoklasycyzm uzupełniały się.
W XVIII wieku klienci jeszcze nie grali Wiodącą rolę w losach artysty: stał się głównym sędzią dzieł sztuki opinia publiczna. Pojawiła się krytyka artystyczna: Denis Diderot, Jean-Jacques Rousseau i inni.
Ważne wydarzenie życie artystyczne Francja XVIII wiek stały się wystawami publicznymi - Salonami. Od 1667 roku organizowały je corocznie paryska Królewska Akademia Malarstwa i Rzeźby przy wsparciu dworu królewskiego. Sukcesem na Salonie było uznanie dla malarza lub rzeźbiarza. W Salonach starali się brać udział nie tylko Francuzi, dlatego Paryż stopniowo przekształcał się w paneuropejskie centrum artystyczne.
Jean Antoine Watteau (1684-1721)
Rozalba Carriera. Portret Antoine’a Watteau (1721)
Antoine Watteau – Malarz francuski 1/3 XVIII w., twórca stylu rokoko.
W malarstwie odkrył sferę subtelnych emocji, zgodną z liryzmem pejzażu.
Urodził się A. Watteau prowincjonalne miasteczko w rodzinie dekarza. Już w środku wczesne lata jego zdolności artystyczne, a jego ojciec oddał go na termin do lokalnego malarza o niewielkim talencie. Bardzo szybko mentor przestał być przydatny przyszłemu artyście. Antoine Watteau wbrew woli ojca potajemnie opuszcza rodzinne miasto Valenciennes i udaje się pieszo do Paryża, gdzie zostaje zatrudniony w pracowni malarskiej na moście Notre Dame, której właściciel organizował seryjną produkcję tanich kopii obrazów w „ wspólny gust” dla odbiorców hurtowych. Watteau mechanicznie skopiował to samo popularne obrazy, a w wolnych chwilach czerpał z życia. Był wyjątkowo pracowity.
Antoine Watteau „Kapryśny” (ok. 1718). Państwowe Muzeum Ermitażu(Petersburg)
Wkrótce Watteau znalazł swoich pierwszych mecenasów – Pierre’a Mariette’a i jego syna Jeana, rytowników i kolekcjonerów, właścicieli dużej firmy sprzedającej ryciny i obrazy. W Mariettes Watteau miał okazję zapoznać się z twórczością Rembrandta, Tycjana i Rubensa. Za pośrednictwem Mariette Watteau zostaje uczniem mistrza artysty Claude'a Gillota scenografia teatralna i twórca małych obrazów. „Od tego mistrza Watteau nabył jedynie zamiłowanie do groteski i komizmu, a także zamiłowanie do współczesne historie, któremu poświęcił się później. A jednak trzeba przyznać, że dzięki Gillotowi Watteau w końcu zrozumiał siebie i od tego czasu oznaki talentu, który należało rozwijać, stały się wyraźniejsze” (biograf artysty Edme-François Gersin).
Antoine Watteau „Aktorzy” Komedia francuska„(ok. 1712). Państwowe Muzeum Ermitażu (Sankt Petersburg)
W wieku 33 lat Watteau stał się najpopularniejszym malarzem w Paryżu, co przyczyniło się do jego europejskiej sławy.
Antoine Watteau „Gilles” (1718-1719). Luwr (Paryż)
Tak o tym obrazie mówi M.Yu Watteau. Hermana, prezentera Badacz Muzeum Rosyjskie: „W historii sztuki Gilles praktycznie nie ma analogii. Niewiele osób w ogóle pisało aktorów. Co więcej, nikt nie odważył się pokazać aktora w całkowitej bezczynności. Dla samego Watteau był to odważny krok: namalować postać na samym środku płótna, wypełniając jego większą część szeroką szatą, która całkowicie zakrywa ciało komika, a w głębi ukazać twarze innych aktorów, za pomocą zabawa i animacja ostro kontrastują z niemal nieruchomą twarzą bohatera... Pozbawiony gestów i mimiki, symetrycznie i płasko wpisany w płótno, spokojnie egzystuje w czasie, jakby zatrzymał się dla niego na zawsze. Wszystko, co ulotne i przemijające, jest mu obce. Krzątanina za nim tkwi w ruchach aktorów. Przed nim śmiech i radość publiczności. I pozostaje niezmiennie nieruchomy, z zabawnym i wzruszającym wyrzutem w okrągłych, czułych i inteligentnych oczach.
Już całkiem chory Watteau wziął szyld sklepu z antykami „The Great Monarch” na moście Notre-Dame. Sklep ten należał do jego przyjaciela Gersena.
Antoine’a Watteau. Szyld sklepu Gersena (1720-1721). Pałac Charlottenburg (Berlin)
Watteau namalował obraz znaków na dwóch oddzielnych płótnach, które następnie wstawiono w jedną ramę. Akcja obrazu przeniesiona jest z pejzażu do wnętrza. Płótno przedstawia przestronny sklep, który według planu artysty otwiera się bezpośrednio na paryski chodnik.
Na pierwszym planie, po lewej stronie, służba wkłada do skrzynki portret niedawno zmarłego Ludwika XIV. W górnym rogu wisi portret jego teścia, króla hiszpańskiego Filipa IV, po prawej stronie eksperci uważnie przyglądają się obrazowi w owalnej ramie; pejzaże i martwe natury współistnieją tu ze scenami mitologicznymi.
Główną cechą tej pracy jest jej programowy charakter. Według Louisa Aragona Watteau pod przykrywką znaku przedstawił historię malarstwa taką, jaką znał. Obraz ten stał się niejako artystycznym testamentem autora. Antoine Watteau zmarł w wieku 36 lat na gruźlicę.
Pomnik Antoine’a Watteau w jego rodzinne miasto Valenciennes (1884)
Z rozwojem stylu rokoko związana jest także twórczość Francois Bouchera.
Francois Boucher (1703-1770)
F. Boucher – francuski malarz, rytownik, dekorator. Jego dzieła charakteryzują się wykwintnymi formami, liryczną delikatnością kolorystyczną, wdziękiem, kokieterią, sięgającą czasem afektacji.
Gustafa Lundberga. Portret Francois Bouchera
Boucher był mistrzem grawerowania, ilustrowania książek Owidiusza, Boccaccia i Moliera. Tworzył dekoracje do oper i spektakli, obrazy na gobeliny królewskie; wykonywał ozdobne obrazy na porcelanie Sevres, malował wachlarze, wykonywał miniatury itp.
W malarstwie sięgał po tematykę alegoryczną i mitologiczną, malował sceny rodzajowe, pasterskie (poetyzowanie spokojnego i prostego życia wiejskiego), pejzaże i portrety.
F. Bouchera. Portret Madame de Pompadour
Boucher otrzymał tytuł artysty nadwornego. Dekorował rezydencje króla i Madame de Pompadour, prywatne rezydencje w Paryżu. W ostatnie lata Life był dyrektorem Królewskiej Akademii Malarstwa i Rzeźby i „pierwszym malarzem króla”.
F. Bouchera. Portret Marii Buzo, żony artysty (1733)
Inny obraz F. Bouchera ilustruje fragment opowiadania La Fontaine’a „Pustelnik”. W pobliżu pod postacią pustelnika osiedla się młody mężczyzna, który planuje uwieść piękną, ale nieśmiałą dziewczynę ze wsi. Udaje mu się przekonać matkę dziewczynki o swojej świętości, a ona sama zabiera do niego córkę, aby wysłuchała jego dobrych nauk. Boucher ukazuje oryginalną interpretację twórczości La Fontaine’a, jednak w jego kompozycji główne miejsce zajmuje pejzaż.
F. Boucher „Pejzaż z pustelnikiem. Brat Luce” (1742). Muzeum Sztuk Pięknych. A. S. Puszkina (Moskwa)
Demokratyczne poglądy na sztukę francuską
Ucieleśniały je prace „malarza trzeciej władzy” Jeana Baptiste’a Simeona Chardina oraz portrety Maurice’a Quentina de Latoura.
Jean Baptiste Symeon Chardin (1699-1779)
Chardin. Autoportret
Chardin celowo unikał tematów charakterystycznych dla sztuki swoich czasów. Malował głównie martwe natury i sceny codzienne, ale wyrażał w nich własne spostrzeżenia. Interesował się życiem ludzi „trzeciego stanu” (wszystkich grup ludności z wyjątkiem uprzywilejowanych: duchowieństwa i szlachty).
Działalność artysty Chardina kontynuowała tradycje holenderskie i Flamandzcy mistrzowie i reprezentował rozkwit realizmu w XVIII wieku. Nawet jego martwa natura miała aspekt przedstawiania rzeczywistości. Źródłem kompozycji obrazującej harmonijną egzystencję stały się dla niego najzwyklejsze przedmioty: dzbany, stare garnki, warzywa itp.
Chardin „Scat” (1728). Luwr (Paryż)
Artysta wiedział, jak doskonale oddać różnorodność kolorów i wyczuwał wewnętrzne powiązanie obiektów. Małymi pociągnięciami przekazywał odcienie koloru i potrafił uwzględnić w obrazie wpływ światła słonecznego.
Zwracając się do Malarstwo rodzajowe do zwykłych scen domowych Chardin odtworzył na płótnie spokojny, wyważony sposób życia Życie codzienne, blisko każdego człowieka. To właśnie takie obrazy zapewniły mu jedno z czołowych miejsc w historii. Malarstwo francuskie. W 1728 został członkiem paryskiej Akademii Sztuk, a w 1743 - jej doradcą; później został członkiem Akademii Nauk, Literatury i Rouen sztuki piękne.
Uduchowiał najzwyklejsze przedmioty i czynności: „Praczka” (1737), „Słój z oliwkami” (1760), „Atrybuty sztuki” (1766).
Chardina „Martwa natura z atrybutami artystycznymi” (1766, Państwowe Muzeum Ermitażu (St. Petersburg). Obraz powstał na zamówienie Katarzyny II dla gmachu budowanej Akademii Sztuk w Petersburgu
D. Diderot porównał swoje umiejętności do czarów: „Och, Chardin, to nie białe, czerwone i czarne farby rozcierasz na palecie, ale sama esencja przedmiotów; bierzesz powietrze i światło z czubka pędzla i nakładasz je na płótno!”
Chardin” Bańka„(1733-1734). Galeria Narodowa sztuka, Waszyngton (USA)
Swoiste połączenie malarstwa „galantowego” i gatunek codzienny wyróżnia twórczość Jeana Honore Fragonarda.
Jean Honore Fragonard (1732-1806)
Francuski malarz i rytownik. Tworzył w stylu rokoko. Autor ponad 550 obrazów (nie licząc rysunków i rycin).
J.O. Fragonarda. Autoportret (ok. 1760-1770)
Był uczniem F. Bouchera i J.B.S. Chardin. Początkowo zainteresowany malarstwo historyczne, a następnie zaczął pisać w duchu Watteau i Bouchera. Często ma sceny życie intymne, treści erotyczne, panele dekoracyjne, portrety, miniatury, akwarele, pastele. Zajmował się także akwafortą i grawerowaniem.
Jednak w epoce klasycyzmu stracił na popularności.
J.O. Fragonarda „Zatrzask” (1777). Luwr (Paryż)
Obraz pokazuje scena miłosna: pan, nie odrywając wzroku od pani, prawa ręka sięga do drzwi, gdzie zamyka górny rygiel. Lewa ręka kobiety zdaje się powtarzać ten ruch. Na stole leży jabłko, biblijny symbol pokusy i upadku.
W obrazy historyczne Fragonard nie jest zbyt oryginalny. Jego pejzaże są dość upiększone. Ale obrazy gatunkowe artysty wyróżniają się umiejętną kompozycją, wdzięcznym designem, delikatną kolorystyką i subtelnym smakiem: „Lekcja muzyki”, „Pastoralna”, „Kąpiący”, „Śpiąca nimfa”, „Amor zdejmujący koszulę z piękności”, „ Młody Gitarzysta”, „Pocałunek w ukryciu”.
J.O. Fragonard „Skradziony pocałunek” Ermitaż (Sankt Petersburg)
W połowie XVIII w. Francuskie oświecenie zaproponowało klasyczne ideały jako środek edukacji. W malarstwie pojawił się kierunek sentymentalny i moralizujący, w którym wyróżniał się artysta Jean-Baptiste Greuze.
Jean-Baptiste Greuze (1725-1805)
J.-B. Sny. Autoportret
Grez szczególnie odniósł sukces w tym gatunku życie rodzinne ze swoimi problemami i dramatami - tutaj ma niewielu rywali w malarstwie francuskim.
J.-B. Sny „Klątwa ojca” (1777). Luwr (Paryż)
Obraz przedstawia scenę dramat rodzinny gdy syn oznajmia ojcu, że wyrusza do wojska, a ojciec go przeklina.
Jako portrecista również radził sobie najlepiej, bo... zrozumiany malarstwo portretowe różnił się od swoich współczesnych, którzy przedstawiali mężczyzn jako Apollosa, a kobiety jako Florę i Wenus. Jego portrety są pełne zewnętrznego podobieństwa, pełne życia i uczuć.
J.-B. Marzy o „Portrecie dziewczyny”. Narodowe Muzeum Sztuki Azerbejdżanu
W Ermitażu w Petersburgu znajduje się 11 dzieł Greuzego.
We Francji w XVIII w. Wzrosło zainteresowanie malarstwem przyrodniczym i pejzażowym. Charakterystyczny dla neoklasycyzmu rodzaj pejzażu („fantazji architektonicznej”) stworzył Hubert Robert.
Hubert Robert (1733-1808)
Vigée-Lebrun, Marie Elisabeth Louise. Portret Huberta Roberta (1788) Luwr (Paryż)
francuski pejzażysta; zyskał europejską sławę dzięki swoim dużym płótnom z romantycznymi wizerunkami starożytnych ruin otoczonych wyidealizowaną przyrodą. Jego pseudonim brzmiał „Robert z Ruin”.
Hubert Robert „Starożytne ruiny” (1754-1765). Budapeszt
Jacques-Louis David (1748-1825)
J L. Dawid. Autoportret (1794)
Francuski malarz i pedagog, czołowy przedstawiciel francuskiego neoklasycyzmu w malarstwie. Wrażliwy kronikarz swoich burzliwych czasów.
Urodzony w rodzinie hurtownika żelaza. Wychowywał się głównie w rodzinie spokrewnionej. Kiedy dostrzeżono zdolność dziecka do rysowania, zakładano, że zostanie architektem, podobnie jak obaj jego wujowie.
David pobierał lekcje rysunku w Akademii św. Łukasz. W 1764 r. krewni przedstawili go François Boucherowi, lecz z powodu choroby nie mógł uczyć się u młodego człowieka. W 1766 roku David wstąpił do Królewskiej Akademii Malarstwa i Rzeźby i rozpoczął naukę w pracowni Vienne’a. W latach 1775-1780 Dawid studiował na Akademia Francuska studiował w Rzymie sztuka antyczna i dzieło mistrzów renesansu.
W 1783 został wybrany na członka Akademii Malarstwa.
Aktywnie uczestniczył w ruchu rewolucyjnym, został wybrany do Konwencji Narodowej, przyłączył się do Montagnardów pod wodzą Marata i Robespierre'a i głosował za śmiercią króla Ludwika XVI. Namalował szereg obrazów poświęconych rewolucjonistom: „Przysięga w sali balowej” (1791, niedokończony), „Śmierć Marata” (1793). Również w tym czasie organizował masowe festiwale publiczne i stworzył Muzeum Narodowe w Luwrze.
J L. Davida „Śmierć Marata” (1793). Królewskie Muzea Sztuk Pięknych (Bruksela)
Obraz ten jest jednym z najsłynniejszych obrazów poświęconych Wielkiej Rewolucji Francuskiej.
Jean Paul Marat jest dziennikarzem radykalnej gazety Friend of the People, przywódcą jakobinów. Chorowanie choroba skóry, Marat nie wychodził z domu i, aby złagodzić swoje cierpienia, wziął kąpiel. 13 lipca 1793 roku został zasztyletowany w swoim mieszkaniu przez szlachciankę Charlotte Corday.
Na drewnianym stojaku znajduje się dedykacja autora: „MARATO, David”. W dłoni Marata ściska kartkę papieru z tekstem: „13 lipca 1793, Marie Anne Charlotte Corday do obywatela Marata. Jestem nieszczęśliwy i dlatego mam prawo do twojej ochrony. Tak naprawdę Marat nie miał czasu na otrzymanie tej notatki, bo... Corday zabił go pierwszy.
W 1794 roku został uwięziony za swoje rewolucyjne poglądy.
W 1797 był świadkiem uroczystego wjazdu Napoleona Bonaparte do Paryża i od tego czasu stał się jego zagorzałym zwolennikiem, a po dojściu do władzy – dworskim „pierwszym artystą”. David tworzy obrazy poświęcone przeprawie Napoleona przez Alpy, jego koronacji, a także szereg kompozycji i portretów osób bliskich Napoleonowi. Po klęsce Napoleona w bitwie pod Waterloo w 1815 roku uciekł do Szwajcarii, a następnie przeniósł się do Brukseli, gdzie mieszkał do końca życia.
J L. Dawid „Bonaparte na przełęczy św. Bernarda” (1801)
Ten obraz Dawida rozpoczyna epokę romantyzmu Malarstwo europejskie. Jest to niezwykle romantyczny portret konny generała Napoleona Bonaparte, który w maju 1800 roku poprowadził armię włoską przez przełęcz św. Bernarda wysoko w Alpach.
Naturalne tło nadaje obrazowi romantyczne znaczenie: strome górskie klify, śnieg, silny wiatr i zła pogoda. Poniżej, jeśli przyjrzysz się uważnie, możesz zobaczyć wyryte imiona trzech wielkich dowódców, którzy przeszli tę drogę: Hannibala, Karola Wielkiego i Bonapartego.
J L. Dawid „Koronacja Napoleona” (1805-1808)
Płótno powstało pod wrażeniem obrazu Rubensa „Koronacja Marii Medycejskiej”.
Pochowany Jacques-Louis David w Brukseli, a jego serce przewieziono do Paryża i pochowano na cmentarzu Père Lachaise.
W XVIII wieku We Francji pracowali malarze historyczni Jean Jouvenet, Nicolas Colombel, Pierre Subleira, portreciści Claude Lefebvre, Nicolas Largilliere i Hyacinthe Rigaud.
W połowie XVIII w. Rodzina Vanlo była sławna, zwłaszcza bracia Jean-Baptiste i Charles oraz inni artyści.
Sztuka i projektowanie
6420
24.09.15 01:41
„Tak mała, że jest wyraźnie przereklamowana!” – jęczą niektórzy turyści, którzy specjalnie przyjechali do Luwru, aby zobaczyć miejscową świątynię, Mona Lisę… Luwr to Luwr, ale nie zapominajcie, że całkiem sporo urodziło się w samej Francji znani malarze. Wybierzmy się na krótką wycieczkę w przeszłość tego kraju i przypomnijmy sobie najlepszych francuskich artystów.
Najlepsi francuscy artyści
Wielki klasycysta
Urodzony w koniec XVI wieku Nicolas Poussin z entuzjazmem przyjął techniki mistrzów Wysoki renesans, w tym autor Giocondy da Vinci i Rafaela. Na jego obrazach często pojawiają się postacie biblijne, historie mitologiczne(nawet cykl pejzaży poświęconych porom roku inspirowany jest Biblią). U początków klasycyzmu stał Norman Poussin, którego wkładu w sztukę francuską nie można przecenić. W naszej Ermitażu przechowywany jest jego obraz „Odpoczynek w drodze do Egiptu”.
Piosenkarz epoki waleczności
Antoine Watteau, urodzony prawie dwie dekady po śmierci Poussina, zdecydowanie królował na „Olympusie” francuskich artystów. W jego czasach nie było w Europie malarza, który mógłby mu konkurować umiejętnościami. Żył tylko 36 lat, ale udało mu się pozostawić wiele arcydzieł. Codzienne sceny, pejzaże i portrety Watteau są urocze i eleganckie, nazywa się go prekursorem stylu rokoko. Aby wstąpić do Akademii Sztuk Pięknych, młody człowiek namalował dwie wersje obrazu „Pielgrzymka na wyspę Cythera” (jedna przechowywana jest w Berlinie, druga w Paryż Luwr). Do Ermitażu nabyto kilka dzieł francuskiego artysty, w tym obraz „Aktorzy komedii francuskiej”.
Utalentowany pejzażysta
Pierwszorzędny malarz morski i krajobrazowy Claude Joseph Vernet przez długi czas pracował we Włoszech. Wybrzeże Neapolu i potężny Tyber odcisnęły piętno na jego twórczości. W zbiorach Luwru znajdują się „Widok na most i Zamek Świętego Anioła” oraz „Widok Neapolu z Wezuwiuszem”, a w Ermitażu eksponaty „Skały nad brzegiem morza”, „Poranek w Castellamare” i kilka innych arcydzieł mistrza.
Romantyczni koledzy
Przedstawiciel nurtu romantycznego w sztuce Eugene Delacroix urodził się na przełomie XVIII i XIX wieku i otrzymał Dobra edukacja. Uwielbiał kopiować arcydzieła dawnych mistrzów i na nich doskonalił swoją sztukę. Eugene przyjaźnił się z Alexandrem Dumasem i podziwiał dzieła Géricaulta. Do najsłynniejszych obrazów Delacroix (często wybierał tematykę historyczną) należą „Wolność na barykadach” i „Śmierć Sardanapala”.
Inny romantyk, Theodore Gericault, był zaledwie kilka lat starszy od Delacroix, ale był dla swojego kolegi wielkim autorytetem. Niestety los dał mu bardzo krótkie życie – w wieku 32 lat malarz spadł z konia i zginął. Teodor wolał działać na dużą skalę sceny walki, skopiował Rubens, będący zagorzałym wielbicielem Fleminga. Nawet jeśli nie słyszałeś nazwiska tego francuskiego artysty, prawdopodobnie widziałeś reprodukcje arcydzieła Géricaulta „Tratwa Meduzy” (dzieło to jest dumą Luwru).
Wieczny wędrowiec
Eugene Henri Paul Gauguin jest wśród nas bardziej znany. Postimpresjonista widział początek XX wieku, ale zmarł dość wcześnie: zmarł w 1903 roku w Polinezji Francuskiej w wieku 54 lat. Mówią, że geniusz zniszczyły choroby (najgorsza z nich to nieuleczalny trąd). W młodości dużo podróżował: Paweł służył jako prosty marynarz na okręcie wojennym i był strażakiem na statkach floty handlowej. Wrażenia te oczywiście znalazły odzwierciedlenie w twórczości malarza. Prawie poświęcił swoje życie pośrednictwu, ale w porę zatrzymał się i poświęcił się kreatywności. Nawet niewtajemniczeni ludzie są zaznajomieni żywe obrazy, stworzony przez Gauguina, na przykład „Kobieta trzymająca owoc”.
Latające sylwetki
Każdy z Was słyszał wyrażenie „Degas Ballerinas”. Ten francuski artysta faktycznie czerpał inspirację z szkoły baletowe i na próbach. Jego jasnymi pastelowymi pociągnięciami udało się uchwycić wdzięczne, lekkie przechylenie głowy, piruety, ukłony, skoki - widzimy to w impresjonistycznych obrazach „Lekcja tańca” czy „Niebiescy tancerze”. Powszechnie znane są także jego sceny z życia codziennego: „Absynt”, „Prasownice”.
Ojciec impresjonizmu
Inny klasyk malarstwa europejskiego, Edouard Manet (jeden z „ojców” impresjonizmu), podobnie jak Degas, uwielbiał przedstawiać życie mieszkańców miast: ich spacery po ogrodzie czy pikniki na łonie natury. Jego portrety wyróżniają się prostotą i prostotą, a pod koniec życia nagle zainteresował się martwymi naturami. „Olimpia”, „ Kolej żelazna„, „Śniadanie na trawie”.
Sentymentalny i perłowy
Ulubionym gatunkiem Pierre'a Auguste'a Renoira był portret. Towarzyskie prymitywki, młode niewinne panny, zakochane pary ożywają pod pewnymi pociągnięciami pędzla mistrza. Zaczynając jako impresjonista, Pierre stopniowo rozczarował się nim i dołączył do klasycystów. Jego sztuka jest sentymentalna i perłowa. Spójrz na „Dziewczyny przy fortepianie” lub „ Wiosenny bukiet„, płótna zdają się świecić od wewnątrz.
Albo chłop, albo myśliciel...
Paul Cezanne, ze swoimi sylwetkami na portretach pozornie wyrzeźbionych z kamienia i lekko „rozmazanymi” pejzażami - jasny przedstawiciel postimpresjonizm. Zarówno w pracy, jak i w życiu był skąpy w emocjach, lakoniczny i niezbyt emocjonalny - było w nim coś z chłopa, coś z naukowca-myśliciela. Co ciekawe, to jego arcydzieło „Gracze w karty” jest jednym z najbardziej znanych drogie obrazy na świecie (w 2012 roku został zakupiony do kolekcji emira Kataru za 250 mln dolarów).
Zły los arystokraty
Ostatni na naszej liście najlepszych francuskich artystów jest biedny Henri Marie Raymond de Toulouse Lautrec. Dlaczego biedny facet? Tak, należał do starożytnej rodziny hrabiowskiej, ale w wieku 13 i 14 lat młodemu człowiekowi udało się najpierw złamać kość udową jednej nogi, potem drugiej, przez co przestały rosnąć. Henri pozostał niepełnosprawnym półkarłem. Niemożność zrobienia Kariera wojskowa zszokował całą rodzinę, a samego Henriego popchnął do zajęcia się malarstwem. Uczył się u mistrzów (bardzo lubił twórczość Degasa i Cezanne’a), a po przybyciu do Paryża stał się bywalcem kabaretów i pubów, popadł w alkoholizm, zaraził się syfilisem i zmarł w wieku 37. Jego prace graficzne a obrazy zyskały uznanie po śmierci. Portrety artystów i prostytutek z Moulin Rouge, do usług których Toulouse Lautrec zmuszony był się zwrócić, uważane są dziś za arcydzieła.
W drugiej połowie XIX wieku we Francji pojawił się nowy kierunek – impresjonizm. Opiera się na chęci artystów do przekazywania ulotnych wrażeń z wydarzeń i zjawisk za pomocą szerokiej gamy środków.
Impresjonizm w malarstwie
Przesiąknięci osobliwościami tego nurtu młodzi francuscy artyści zaczynają pracować w tym stylu. Odtąd malują swoje obrazy nie w pracowni, jak dawniej, ale pod na wolnym powietrzu. Starając się jak najdokładniej wyrazić swoje wrażenia, tworzą całościowo nowa metoda obraz. Jego główną ideą jest oddanie zewnętrznych wrażeń cienia i światła na powierzchni przedmiotów za pomocą odrębnych pociągnięć i wyjątkowo czystych farb. A tym samym, różne kształty, które wcześniej wysuwały się na pierwszy plan, teraz rozpływają się w powietrzu pełnym życia.
W epoce impresjonizmu francuscy artyści zajmowali się głównie portretem i gatunki krajobrazowe, przekazując wrażenia z otaczających wydarzeń (szkice spacerów, sceny w kawiarni, na ulicy). Na swoich obrazach przedstawiali naturalne życie, w którym człowiek ma bezpośredni kontakt z oszałamiającą różnorodnością jasnych kolorów środowisko. Ich głównym tematem stało się powietrze, w którym pozornie zanurzają się przedmioty i ludzie.
Patrząc na dzieła impresjonistów, niesamowicie czuć wiatr, nagrzaną słońcem ziemię, a nawet mróz – tak trafnie francuscy artyści przekazali bogactwo naturalnego koloru. Ruch ten był ostatnim większym ruchem XIX wieku.
Francuscy artyści impresjoniści. Claude Monet
On posiada ważna rola w rozwoju impresjonizmu w malarstwie. jest twórcą sławny obraz"Wrażenie. Wschód słońca". Oprócz tego arcydzieła artysta stworzył nie mniej znane prace: „Kobiety w ogrodzie” (gdzie przedstawił swoją ukochaną Camille), „Widok z kościoła Saint-Germain”, „Nabrzeże Luwru”. Zdjęcia tego największy malarz prezentowane są w wielu muzeach na całym świecie (w Paryżu, Nowym Jorku, Chicago, Bostonie, Moskwie i Sankt Petersburgu).
Edwarda Maneta
Jego pierwszy znacząca praca Rozważany jest obraz „Kochanek absyntu”. Ogromnym zainteresowaniem cieszy się także arcydzieło „Kąpiel”, wystawiane w Salonie Odrzutów, gdzie prezentowane są prace nie przyjęte przez oficjalną komisję. jest autorem wielu obrazów, m.in. „Portret rodziców”, „Śniadanie na trawie”, „Olimpia”, „Balkon”.
Augusta Renoira
Wielu francuskich artystów malujących w stylu impresjonistycznym starało się przekazać radosne postrzeganie rzeczywistości. Tendencja ta jest szczególnie wyraźna w twórczości Renoira. Do swoich obrazów wybrał świeże, młode twarze i swobodne, naturalne pozy. Najbardziej znane są jego dzieła „Bal w ogrodzie” i „Parasole”.
Impresjonizm w nowoczesnym wydaniu
Dziś główne idee tego niegdyś popularnego trendu pozostają aktualne. Współcześni artyści francuscy wciąż rozwijają się w swojej twórczości ten styl. W końcu, podczas gdy człowiek ma potrzebę cieszenia się wszystkim wokół siebie, impresjonizmem z jego żywe kolory a imponujące obrazy będą nadal istnieć.
„Nowy świat narodził się, gdy namalowali go impresjoniści”
Henriego Kahnweilera
19 wiek. Francja. W malarstwie wydarzyło się coś bezprecedensowego. Grupa młodych artystów postanowiła wstrząsnąć 500-letnimi tradycjami. Zamiast wyraźnego rysunku zastosowali szeroką, „niechlujną” kreskę.
I całkowicie porzucili zwykłe obrazy. Portretowanie wszystkich. Oraz damy łatwej cnoty i panowie o wątpliwej reputacji.
Opinia publiczna nie była gotowa na malarstwo impresjonistyczne. Wyśmiewano ich i karcono. A co najważniejsze, nic od nich nie kupili.
Ale opór został przełamany. A niektórzy impresjoniści dożyli swego triumfu. To prawda, że byli już po 40. roku życia. Jak Claude Monet czy Auguste Renoir. Niektórzy na uznanie czekali dopiero u schyłku życia, jak Camille Pissarro. Niektórzy nie dożyli go, jak Alfred Sisley.
Jakiego rewolucjonizmu dokonał każdy z nich? Dlaczego opinia publiczna potrzebowała tak dużo czasu, aby je zaakceptować? Oto 7 najbardziej znanych Francuscy impresjoniści. O czym wie cały świat.
1. Edouard Manet (1832 – 1883)
Edwarda Maneta. Autoportret z paletą. 1878 Prywatna kolekcjaManet był starszy niż większość impresjonistów. Był ich główną inspiracją do zmian.
Sam Manet nie twierdził, że jest przywódcą rewolucjonistów. On był towarzyska. Marzyłem o oficjalnych nagrodach.
Ale na uznanie czekał bardzo długo. Publiczność chciała zobaczyć greckie boginie. Albo w najgorszym przypadku martwa natura. Aby pięknie wyglądać w jadalni. Manet chciał namalować współczesne życie. Na przykład kurtyzany.
W rezultacie powstało „Śniadanie na trawie”. Dwóch dandysów odpoczywa w towarzystwie dam o łatwych cnotach. Jeden z nich, jakby nic się nie stało, siedzi obok ubranych mężczyzn.
Edwarda Maneta. Śniadanie na trawie. 1863, Paryż Porównaj jego Lunchon the Grass z Romans in Decline Thomasa Couture. Malarstwo Couture wywołało sensację. Artysta natychmiast zyskał sławę.
„Śniadanie na trawie” zostało oskarżone o wulgaryzmy. Kobietom w ciąży poważnie nie zalecano oglądania tego.
Thomasa Couture. Rzymianie w swoim upadku. 1847 Musée d'Orsay w Paryżu. artchive.ru W malarstwie Couture dostrzegamy wszystkie atrybuty akademizmu ( tradycyjne malarstwo 16-19 wieków). Kolumny i posągi. Ludzie o wyglądzie apollińskim. Tradycyjne stonowane kolory. Maniery póz i gestów. Fabuła z odległego życia zupełnie innego człowieka.
Inny format ma „Śniadanie na trawie” Maneta. Przed nim nikt tak łatwo nie przedstawiał kurtyzan. Blisko szanowanych obywateli. Chociaż wielu mężczyzn tamtych czasów spędzało w ten sposób swój wolny czas. Prawdziwe życie prawdziwi ludzie.
Kiedyś napisałem do szanowanej pani. Brzydki. Nie mógł jej schlebiać pędzlem. Pani była zawiedziona. Zostawiła go we łzach.
Edwarda Maneta. Angelina. 1860 Musée d'Orsay w Paryżu. Wikimedia.commons.org Kontynuował więc eksperymenty. Na przykład z kolorem. Nie starał się przedstawiać tzw. naturalnego koloru. Jeśli postrzegał szarobrązową wodę jako jasnoniebieską, to przedstawiał ją jako jasnoniebieską.
To oczywiście zirytowało opinię publiczną. W końcu nawet Morze Śródziemne nie może pochwalić się błękitem wody Maneta – żartowali.
Edwarda Maneta. Argenteuil. 1874 Muzeum Sztuk Pięknych w Tournai, Belgia. Wikipedia.org Ale fakt pozostaje faktem. Manet radykalnie zmienił cel malarstwa. Obraz stał się ucieleśnieniem indywidualności artysty. Kto pisze jak mu się podoba. Zapominając o wzorach i tradycjach.
Wszelkie innowacje długo mu nie wybaczały. Uznanie zyskał dopiero pod koniec życia. Kiedy już tego nie potrzebował. Umierał boleśnie nieuleczalna choroba.
2. Claude Monet (1840 – 1926)
Claude Monet. Autoportret w berecie. 1886 Zbiory prywatne Claude Monet można nazwać chrześcijańskim impresjonistą. Ponieważ był wierny temu kierunkowi przez całe swoje długie życie.
Malował nie przedmioty i ludzi, ale jednobarwną konstrukcję świateł i plam. Oddzielne pociągnięcia. Wstrząsy powietrza.
Claude Monet. Brodzik dla dzieci. 1869 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. metmuseum.org Monet malował nie tylko przyrodę. Odnosił sukcesy także w pejzażach miejskich. Jeden z najbardziej sławnych - .
Na tym zdjęciu jest dużo fotografii. Na przykład ruch jest przekazywany poprzez rozmyty obraz.
Zwróć uwagę, jak odległe drzewa i postacie wydają się być we mgle.
Claude Monet. Boulevard des Capucines w Paryżu. 1873 (Galeria Sztuki Europejskiej i Amerykańskiej XIX-XX w.), Moskwa Przed nami zamrożony moment w tętniącym życiem Paryżu. Żadnej inscenizacji. Nikt nie pozuje. Ludzie są przedstawiani jako zbiór pociągnięć pędzla. Taki brak fabuły i efekt stop-klatki - główna cecha impresjonizm.
W połowie lat 80. artyści rozczarowali się impresjonizmem. Estetyka jest oczywiście dobra. Ale brak fabuły przygnębił wielu.
Tylko Monet nadal nie ustępował. Przesadny impresjonizm. Który przerodził się w serię obrazów.
Dziesiątki razy przedstawiał ten sam krajobraz. O różnych porach dnia. W różnych porach roku. Aby pokazać, jak temperatura i światło mogą zmienić ten sam gatunek nie do poznania.
W ten sposób pojawiły się niezliczone stogi siana.
Obrazy Claude'a Moneta w Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie. Po lewej: Stogi siana o zachodzie słońca w Giverny, 1891. Po prawej: Stogi siana (efekt śniegu), 1891.
Należy pamiętać, że cienie na tych obrazach są kolorowe. I nie szary ani czarny, jak to było w zwyczaju przed impresjonistami. To kolejna ich cecha.
Monetowi udało się cieszyć sukcesem i dobrobyt materialny. Po 40. zapomniał już o biedzie. Kupił dom i piękny ogród. I tworzył dla własnej przyjemności długie lata.
O sobie ikoniczne malarstwo przeczytaj mistrza w artykule
3. August Renoir (1841 – 1919)
Pierre-Auguste Renoir. Autoportret. 1875 Sterling i Francine Clark Institute of Art, Massachusetts, USA. Pinterest.ru Impresjonizm to najbardziej pozytywne malarstwo. A najbardziej pozytywnym wśród impresjonistów był Renoir.
W jego obrazach nie znajdziesz dramatu. Nawet czarna farba nie użył go. Tylko radość bycia. Nawet najbardziej banalne rzeczy w Renoirze wyglądają pięknie.
W przeciwieństwie do Moneta Renoir częściej malował ludzi. Krajobrazy były dla niego mniej ważne. Na jego obrazach przyjaciele i znajomi odpoczywają i cieszą się życiem.
Pierre-Auguste Renoir. Śniadanie wioślarzy. 1880-1881 Kolekcja Phillipsa, Waszyngton, USA. Wikimedia.commons.org W Renoirze nie znajdziesz żadnej głębi. Był bardzo szczęśliwy, że dołączył do impresjonistów. Kto całkowicie odmówił działek.
Jak sam powiedział, wreszcie ma okazję pisać kwiaty i nazywać je po prostu „Kwiatami”. I nie wymyślaj żadnych historii na ich temat.
Pierre-Auguste Renoir. Kobieta z parasolką w ogrodzie. 1875 Muzeum Thyssen-Bormenis w Madrycie. arteuam.com Renoir najlepiej czuł się w towarzystwie kobiet. Poprosił swoje pokojówki, aby śpiewały i żartowały. Im głupsza i bardziej naiwna była ta piosenka, tym lepiej dla niego. A męskie rozmowy go męczyły. Nic dziwnego, że Renoir słynie z aktów.
Modelka na obrazie „Akt w światło słoneczne” wydaje się pojawiać na kolorowym, abstrakcyjnym tle. Bo dla Renoira nic nie jest drugorzędne. Oko modelki lub fragment tła są równoważne.
Pierre-Auguste Renoir. Nago w słońcu. 1876 Musée d'Orsay w Paryżu. wikimedia.commons.org Renoir żył długo. Nigdy nie odkładam pędzla i palety. Nawet gdy jego ręce były całkowicie spętane przez reumatyzm, przywiązywał szczotkę do dłoni sznurem. I narysował.
Podobnie jak Monet czekał na uznanie po 40 latach. I widziałem moje obrazy w Luwrze, obok moich dzieł znani mistrzowie.
Przeczytaj o jednym z najbardziej urokliwych portretów Renoira w artykule
4. Edgar Degas (1834 – 1917)
Edgara Degasa. Autoportret. 1863 Muzeum Calouste Gulbenkiana w Lizbonie, Portugalia. Cultured.com Degas nie był klasycznym impresjonistą. Nie lubił pracować na świeżym powietrzu ( na dworze). Nie znajdziesz u niego celowo rozjaśnionej palety.
Wręcz przeciwnie, lubił jasną linię. Ma mnóstwo czerni. I pracował wyłącznie w studiu.
Ale wciąż jest zawsze stawiany w rzędzie z innymi wielkimi impresjonistami. Bo był impresjonistą gestu.
Nieoczekiwane kąty. Asymetria w rozmieszczeniu obiektów. Postacie zaskoczone. To wszystko są główne atrybuty jego obrazów.
Zatrzymał moment życia, nie pozwalając mu dojść do siebie. Wystarczy spojrzeć na jego „Orkiestrę Operową”.
Edgara Degasa. Orkiestra operowa. 1870 Musée d'Orsay w Paryżu. commons.wikimedia.org Na pierwszym planie oparcie krzesła. Muzyk jest do nas tyłem. I dalej tło baletnice na scenie nie zmieściły się w „ramie”. Ich głowy są bezlitośnie „odcinane” krawędzią obrazu.
Dlatego też tancerze, których tak bardzo kochał, nie zawsze są przedstawiani piękne pozy. Czasami po prostu rozciągają się.
Ale taka improwizacja jest wyimaginowana. Oczywiście Degas dokładnie przemyślał kompozycję. To jest po prostu efekt stop-klatki, a nie prawdziwy stop-klatki.
Edgara Degasa. Dwóch tancerzy baletowych. 1879 Muzeum Shelburne, Wermut, USA Edgar Degas uwielbiał malować kobiety. Jednak choroba lub cechy ciała nie pozwalały mu na fizyczny kontakt z nimi. Nigdy nie był żonaty. Nikt nigdy nie widział go z kobietą.
Brak prawdziwe historie w jego życie osobiste dodał swoim obrazom subtelnego i intensywnego erotyzmu.
Edgara Degasa. Gwiazda baletu. 1876-1878 Musee d'Orsay w Paryżu. wikimedia.comons.org Należy pamiętać, że na obrazie „Gwiazda baletu” przedstawiona jest tylko sama baletnica. Jej koledzy zza kulis są ledwo widoczni. Tylko kilka nóg.
Nie oznacza to, że Degas nie ukończył obrazu. To jest przyjęcie. Koncentruj się tylko na najważniejszych rzeczach. Niech reszta zniknie, stanie się nieczytelna.
O innych obrazach mistrza przeczytacie w artykule
5. Berthe Morisot (1841 – 1895)
Edwarda Maneta. Portret Berthe Morisot. 1873 Muzeum Marmottan-Monet w Paryżu. Berthe Morisot rzadko stawiana jest w pierwszym rzędzie obok wielkich impresjonistów. Jestem pewien, że nie jest to zasłużone. To w jej twórczości znajdziesz wszystkie główne cechy i techniki impresjonizmu. A jeśli lubisz impresjonizm, pokochasz jej twórczość całym sercem.
Morisot działał szybko i energicznie. Przeniesienie wrażenia na płótno. Wygląda na to, że postacie zaraz rozpłyną się w przestrzeni.
Berthe Morisot. Lato. 1880 Muzeum Fabraya w Montpellier we Francji. Podobnie jak Degas często pozostawiała pewne szczegóły niedokończone. A nawet części ciała modelki. Dłoni dziewczyny na obrazie „Lato” nie możemy rozróżnić.
Droga Morisota do wyrażania siebie była trudna. Nie tylko zajmowała się „nieostrożnym” malarstwem. Nadal była kobietą. W tamtych czasach kobieta miała marzyć o wyjściu za mąż. Po czym zapomniano o wszelkich hobby.
Dlatego Bertha przez długi czas odmawiała zawarcia małżeństwa. Dopóki nie znalazła mężczyzny, który szanował jej zawód. Eugene Manet był bratem artysty Edouarda Maneta. Posłusznie tęsknił za sztalugami i farbami swojej żony.
Berthe Morisot. Eugene Manet z córką w Bougival. 1881 Muzeum Marmottan-Monet w Paryżu. Ale nadal było to w XIX wieku. Nie, nie nosiłem spodni Morisot. Ale nie mogła sobie pozwolić na pełną swobodę ruchu.
Nie mogła sama chodzić do parku i pracować. Bez towarzystwa bliskiej Ci osoby. Nie mogłam siedzieć sama w kawiarni. Dlatego jej obrazy to ludzie z krąg rodzinny. Mąż, córka, krewni.
Berthe Morisot. Kobieta z dzieckiem w ogrodzie w Bougival. 1881 Walijskie Muzeum Narodowe w Cardiff. Morisot nie czekał na uznanie. Zmarła w wieku 54 lat na zapalenie płuc. Nie sprzedając prawie żadnego ze swoich dzieł za życia. W akcie zgonu w rubryce „zawód” widniała myślnik. Nie do pomyślenia było, aby kobietę nazywano artystką. Nawet jeśli rzeczywiście nią była.
O obrazach mistrza przeczytacie w artykule
6. Kamil Pissarro (1830 – 1903)
Kamila Pissarro. Autoportret. 1873 Musée d'Orsay w Paryżu. Wikipedia.org Kamila Pissarro. Bezkonfliktowy, rozsądny. Wielu postrzegało go jako nauczyciela. Nawet najbardziej temperamentni koledzy nie wypowiadali się źle o Pissarro.
Był wiernym zwolennikiem impresjonizmu. Będąc w wielkiej potrzebie, mając pięcioro dzieci i żonę, nadal ciężko pracował w tym samym stylu. I ani razu się nie przełączyłem malowanie salonu. Aby stać się bardziej popularnym. Nie wiadomo, skąd wziął siłę, by w pełni uwierzyć w siebie.
Aby w ogóle nie umrzeć z głodu, Pissarro malował wachlarze. Które chętnie kupowano. Ale prawdziwe uznanie przyszło mu po 60 latach! Kiedy w końcu mógł zapomnieć o swojej potrzebie.
Kamila Pissarro. Dyliżans w Louveciennes. 1869 Musée d'Orsay w Paryżu Powietrze na obrazach Pissarro jest gęste i gęste. Niezwykłe połączenie koloru i objętości.
Artysta nie bał się malować najbardziej zmiennych zjawisk przyrody. Które pojawią się na chwilę i znikną. Pierwszy śnieg, mroźne słońce, długie cienie.
Kamila Pissarro. Mróz. 1873 Musée d'Orsay w Paryżu Jego najbardziej znanymi dziełami są widoki Paryża. Szerokie bulwary, tętniący życiem i kolorowy tłum. W nocy, w ciągu dnia, przy różnej pogodzie. W pewnym sensie nawiązuje do serii obrazów Claude'a Moneta.
Francuscy artyści to największe nazwiska światowej kultury. Co więcej, to francuscy mistrzowie pobili wszelkie rekordy cen dzieł sztuki na najlepsze aukcje. Szkoda, że ich autorzy tylko otrzymali pośmiertna sława, ale takie są koleje losu wielu twórców piękna.
Artyści Francji: fenomen francuskiego impresjonizmu
Tak więc najdrożej sprzedali się, a przez to najbardziej znani i rozpoznawalni na świecie, byli francuscy artyści XX wieku. Nawet ci, którzy nie mają w tym żadnego doświadczenia sztuki piękne ludzie znają ich imiona. Przede wszystkim są to artyści impresjoniści. Francja była wobec nich nieprzyjazna za ich życia, lecz po śmierci stali się prawdziwą dumą narodową.
Najwięksi artyści Francji, którzy otrzymali uznanie na całym świecie, sława i sława w szerokie koła, - Ten Pierre'a Renoira, Edwarda Maneta, Edgara Degasa, Paula Cezanne’a, Claude Monet I Paul Gauguin. Wszyscy są przedstawicielami najsłynniejszego i najlepiej sprzedającego się nurtu w malarstwie XX wieku – impresjonizmu. Nie trzeba dodawać, że ruch ten narodził się we Francji i najpełniej ujawnia swoje miejsce i znaczenie w historii sztuki światowej. Niesamowite połączenie oryginalna technologia i wielka ekspresja emocjonalna fascynowała i nadal fascynuje koneserów piękna na całym świecie w impresjonizmie.
Artyści Francji: powstawanie malarstwa francuskiego
Ale francuscy artyści to nie tylko impresjonizm. Podobnie jak gdzie indziej w Europie, malarstwo tutaj rozkwitło w okresie renesansu. Oczywiście Francja nie może pochwalić się takimi gigantami jak Leonardo da Vinci czy Rafael, ale mimo to wniosła swój wkład we wspólną sprawę. Ale Wpływy włoskie były zbyt silne, aby utworzyć oryginalną szkołę narodową.
Pierwszym wielkim francuskim artystą, który całkowicie uwolnił się od wpływów zewnętrznych, był Jacques Louis David, słusznie uważany za twórcę narodowej tradycji malarskiej. Bardzo sławny obraz Artysta zasłynął ze słynnego portretu konnego cesarza Napoleona zatytułowanego „Napoleon na przełęczy św. Bernarda” (1801).
Artyści XIX-wiecznej Francji, pracujący w kierunku realistycznym, są oczywiście mniej znani niż impresjoniści, ale mimo to wnieśli wymierny wkład w rozwój malarstwa światowego. Ale wiek XX był triumfem Sztuka francuska, a Paryż zamienił się w ośrodek muz. Słynny obszar stolica Francji Montmartre, która dała schronienie dziesiątkom biednych artystów, którzy później stali się częścią złotego funduszu dziedzictwa ludzkości, wśród których znajdują się nazwiska Renoira, van Gogh, Toulouse-Lautreca, I Picasso I Modiglianiego, stał się ośrodkiem sztuk pięknych i nadal przyciąga rzesze turystów. Na Montmartre tradycyjnie mieszkają także znani współcześni francuscy artyści.