W grudniu 2009 roku w salach Galerii Trietiakowskiej otwarto retrospektywną wystawę prac Natelli Toidze. Prezentowane prace dają pełny obraz drogi twórczej malarza. Dziedziczka słynnej dynastii artystów, jest członkiem korespondentem Rosyjskiej Akademii Sztuk, odznaczona złotym medalem Rosyjskiej Akademii Sztuk.
Twórczość Natelli Toidze to przede wszystkim odzwierciedlenie głębokich uczuć, zrozumienia otaczającego świata, dlatego tematyka, fabuła i techniki wykonawcze są tak różnorodne.
Jej pierwszym i głównym nauczycielem był jej ojciec, słynny rzeźbiarz i grafik Georgy Moiseevich Toidze. To on i środowisko twórcze, w którym przyszły artysta dorastał od urodzenia - glina, ołówki, opiekunki, książki i rozmowy o sztuce, liczne spotkania z przyjaciółmi dziadka Mojżesza Iwanowicza (ucznia I.E. Repina, jednego z założycieli Akademii Sztuki ZSRR) i wujek Irakli Toidze (słynny plakacista) – wywarli na nią ogromny wpływ, ukształtowali wewnętrzny świat Natelli Georgievny.
Już w jej wczesnych pracach przejawiał się wybitny talent malarski. W małej akwareli „Ryba” (1967) Toidze twierdzi, że jest doskonałym kolorystą. Tematy są napisane trochę konwencjonalnie, wszystko jest zbudowane w kolorze. Srebra lśnią, perłowa powierzchnia oczyszczonej ryby pochłania refleksy szmaragdowego szkła butelki i niebieskiego obrusu. Kolor obrazu jest zbliżony do koloru szaro-perłowej muszli, w której odbija się szmaragdowo-niebieskie morze i niebiesko-turkusowe niebo.
Spotkanie wciąż małej Natelli ze słynnym artystą Martirosem Saryanem i jego pożegnalne słowa „zawsze pozostań sobą” wydawały się wtedy zwyczajne i dopiero z czasem stało się jasne, że prosta fraza była najlepszą radą dla początkującego malarza. W tej prostocie kryje się wielki sens – refleksje nad sztuką rosyjską, talentem i losami artysty, „pamięcią genetyczną”, która jest łącznikiem pokoleń, oraz faktem, że artysta staje się Artystą tylko wtedy, gdy nie jest zakładnikiem wszystkich przeszłych doświadczeń i zyskuje wolność wyboru.
Tę drogę wybrała Natella Toidze. Wstąpiła do Moskiewskiej Państwowej Akademickiej Szkoły Artystycznej ku pamięci 1905 na wydziale sztuk teatralnych i dekoracyjnych, celowo odmawiając wyboru wydziału malarstwa. Studia pozwoliły jej myśleć w szerszych kategoriach, odkryć nowe rozumienie przestrzeni i skali płótna, uświadomić sobie wagę dialogu między odbiorcą a artystą.
Tak więc w pracy Toidze pojawiają się prace wielkoformatowe („Przed śniegiem”, 2007), ustawiona jest skala współmierna do osoby, która może „wejść” w obraz, jak w inny świat. Widz przestaje być zewnętrznym obserwatorem; zdaje się być włączony w figuratywny świat artysty. Nadmiar szczegółów znika z obrazów, a najważniejsze pozostaje - natura, która jest w harmonii z człowiekiem.
Metoda artystyczna Natelli nie polega na jakimś szczególnym, rozpoznawalnym stylu, ale na ciągłym poszukiwaniu jedynego słusznego rozwiązania plastycznego, opartego na zadaniu. Do jego realizacji mistrz swobodnie posługuje się różnymi technikami obrazkowymi.
Martwe natury „Cezanne'a” z białym obrusem i perspektywą „zwróconą” na widza („Martwa natura w kuchni”, 1974), pejzaże „Lewitańskie”, wieloaspektowe w swojej treści („Slegi”, 2000) są aluzjami do istniejących tradycje kulturowe: postimpresjonizm i awangarda, moskiewska i gruzińska szkoła malarstwa. Opierając się na doświadczeniach swoich poprzedników, Toidze tworzy własny, niezależny od mody system wartości.
W ostatnich dziesięcioleciach w jej twórczości nasiliła się zasada dekoracyjności. Tym samym bohaterki dyptyku „Flora i Fauna” (1999) jawią się nam jako afrykańskie dziewice; egzotyczna interpretacja obrazów pozwala skupić się na pięknie linii, wyrazistości sylwetek, szczególnie efektownych na tle kwitnących krzewów ozdobnych, pisanych szerokimi krótkimi wielokierunkowymi pociągnięciami, obejmującymi wszystkie odcienie - od bladoróżowego po ciemną wiśnię. Ornamentalne tło, liczne detale, sylwetka, duże płaszczyzny barwne, bogactwo palety i kontrastu czynią obraz niezwykle efektownym.
Na pierwszy rzut oka obrazy Natelli Toidze łatwo dostrzec, ale im dłużej się patrzy na jej płótna, tym więcej znaczeń się w nich ujawnia. Każdy przedmiot w przestrzeni płótna nabiera szczególnego znaczenia.
Artystka łączy w swojej twórczości dekoracyjność z naturalną wizją, złożonymi rozwiązaniami przestrzennymi i planarnymi kompozycjami. Każda jej praca jest głęboko przemyślanym i rozwiązanym problemem, a jej praca jako całość jest odzwierciedleniem złożonego świata wewnętrznego.
— Natella Georgievna, czy to prawda, że zawsze malujesz pejzaże tylko w naturze? Na wystawie jest wiele fotografii, na których pracujesz w plenerze: w lesie, na wsi, w terenie.
— Tak, pracuję na łonie natury o każdej porze roku.
Ważne jest dla mnie, aby widzieć, słyszeć, czuć wszystko wokół płótna: szelest liści, grę światła i cienia, śpiew ptaków, ruch powietrza. Mam nadzieję, że to też jest zawarte w treści zdjęcia i decyduje o jego klimacie. I to jest dla mnie najważniejsze.
— Tak, prawie nie masz fabuły ...
- Wymyślić fabułę nie jest trudno, ale nie sądzę, żeby to dotyczyło rozwiązań malowniczych. Prawdziwa muzyka ekscytuje nawet bez słów, nie tak jak w piosence. Często słyszymy piosenkę, w której praktycznie nie ma muzyki, a słowa powinny ekscytować słuchacza. Interesujące jest dla mnie przekazywanie stanu otaczającego mnie świata środkami czysto obrazowymi - połączeniem plam barwnych, ich umiejscowieniem, rytmem, kompozycją... A przyroda po prostu daje bogactwo stanów.
— Na wystawie jest wiele zimowych krajobrazów.
— Często maluję zimą, dopóki kolory nie zamarzną. Lubię malować śnieg, zawsze jest inny i za każdym razem stawia przed mną nowe zadanie malarskie.
— Krytycy sztuki piszą o wewnętrznym dramacie Twoich obrazów.
- Myślę, że wynika to z niekonsekwencji zadania - oddania ruchu życia, dynamiki materii w statycznym obrazie. I to jest dla mnie bardzo interesujące, próbuję ponownie przekazać środkami czysto obrazowymi pewien proces, jakiś ruch w przyrodzie, zmianę jej stanu. Prawdopodobnie dlatego prace nazywają się tak: „Przed śniegiem”, „Odwilż”, „Po deszczu”, „Lato się skończyło”.
- Nie kończysz pracy w warsztacie?
- Nie, nigdy. Wszystkie prace muszą być wykonane w naturze. W warsztacie jest inne światło, inne otoczenie, co oznacza inny stan. I tak jak w muzyce, jedna fałszywa nuta może zrujnować cały utwór muzyczny, tak w malarstwie jedno niewłaściwe pociągnięcie zniszczy cały malarski stan obrazu. Dlatego wręcz przeciwnie, jeśli znajdę jakąś nieścisłość, zwracam płótno naturze. Czasami z powodu jednego pociągnięcia, jednego pociągnięcia koloru.
Czy artysta rodzi się z tym wewnętrznym kamertonem, czy jest wyuczony?
- Pewnie dla każdego inaczej. Od dziecka żyję wśród książek artystycznych. Nadal nie umiałem czytać, ale przeglądałem je w nieskończoność, przeglądałem. Mój ojciec, Georgy Toidze, był wspaniałym rzeźbiarzem i grafikiem, wzniósł wiele pomników, w tym w Moskwie. Mieszkaliśmy na ulicy Powarskiej 30, w pałacu hrabiego Szuwałowa, w części, w której kiedyś stał kościół domowy. Znajdował się tam warsztat mojego ojca, który był oddzielony od części mieszkalnej dużymi szklanymi drzwiami. Jeździłem na trójkołowcu wokół ogromnych rzeźb, wśród gliny, plasteliny, worków z gipsem, wśród opiekunek i opiekunek. A potem zaczęła rzeźbić coś własnego. Ojciec zrobił mi małą maszynę i zacząłem spędzać cały czas w warsztacie obok ojca.
Czy byłeś zachęcany do tych działań?
– Pochodzę z rodziny dziedzicznych artystów, moim dziadkiem jest Mose Toidze, znany gruziński artysta, uczeń Repina, ukończył Cesarską Akademię Sztuk Pięknych w Petersburgu, gdzie poznał też moją babcię Aleksandrę Sutinę, nowicjusz klasztorny, który studiował malowanie ikon. Wujek - Irakli Toidze, słynny plakacista, autor wspaniałego plakatu "Ojczyzna wzywa!". Ale nikt nie zmuszał swoich dzieci do bycia artystami. Rozumieli, wiedzieli, że ci, którzy poświęcają się sztuce, powinni naprawdę sami tego chcieć. Mój dziadek miał sześcioro wnuków i wnuczek, a ja jestem jedynym artystą.
Oczywiście ojciec wyjaśnił mi, czym jest objętość, głębia, plastyczność i to mnie zainteresowało. I w pewnym momencie poczułam, że potrzebuję koloru.
— Stąd bierze się rzeźba koloru!
- Tak, prawdopodobnie. To niesamowite, że tak Paola Volkova napisała o moim malarstwie jako rzeźbie. Pojawiły się farby - akwarela, potem olej. Ale formaty były już wtedy duże.
— Ile miałeś lat?
- 8-9. Ojciec nigdy mi nie powiedział: „Praca”, chociaż oni sami byli świetnymi robotnikami – i tata, i dziadek, i wujek. Całe życie spędzili w warsztacie. dobrze to pamiętam.
- Czy możesz tak pracować?
- Nie zawsze. Jednak obecne życie wokół wymaga od kobiety większego zwrotu - rodziny, rodziców, dzieci, wnuków. Ale ciężko pracuję i sprawia mi to przyjemność.
Nawiasem mówiąc, jedyną rzeczą, która pozostała mi z Repina - dowiedziałem się o tym znacznie później - jest paleta Repina, bez względu na to, jak zabawnie to brzmi. Kiedy poprosiłem o farby olejne, tata je kupił i pokazał mi, jak wyciskać tubki na paletę iw jakiej kolejności kolorystycznej. Tak zacząłem pracować. Ale potem w szkole artystycznej nauczyciele powiedzieli, że kolory są złe, w złej kolejności. Ale przyzwyczaiłem się i nie zmieniałem palety. I jakoś później zapytałam tatę, dlaczego w ten sposób otworzył przede mną paletę. A on odpowiedział, że nauczył go tego jego ojciec, a drugiego nauczył go nauczyciel Repin.
— Nie nauczyłeś się kilku technik malarskich? Z całą wyrazistością i jasnością twojego pisma, wystawa pokazuje brak dokładnie tego, co można by nazwać techniką.
- Po prostu myślę, że znaleziona technika, którą artysta następnie powiela, oznacza ślepy zaułek. I niestety takie przykłady są zawsze widoczne. Powtarzanie tego, co zostało znalezione, cytowanie samego siebie, kopiowanie tego, co było wcześniej, to koniec twórczości. Czasem widać, jak artysta czasem akcentuje swoją technikę, napastując go, że tak powiem, bo innej drogi nie ma.
Nigdy nie pracowałam jako „recepcja”, za każdym razem wyznaczając sobie nowe zadanie. Ale to tylko najciekawsze!
— Kiedy piszą o Twojej innowacji, jak to rozumiesz?
– Prawdopodobnie oznacza to, że zajmuje się wyłącznie malarstwem jako takim, to znaczy bez pomocy fabuły, symboli i znaków, umiejętnością przekazywania stanu otaczającego świata tylko kolorem. Teraz mało kto tak pracuje. Chociaż nigdy nie myślałem i nie myślę o innowacjach, o tradycjach, o nowoczesności czy nie.
— Powiedz mi, Natello Georgiewno, jak znajdujesz przedmiot do pracy, jak wybierasz go z mnóstwa podobnych?
— Pracuję wystarczająco szybko, nie ma innej drogi w przyrodzie: słońce odchodzi, światło się zmienia, płyną chmury, pada deszcz lub śnieg. Ale obiekt wybieram długo i ostrożnie. A najważniejsze w tym jest to, że powinno to być dla mnie interesujące. Zadanie obrazkowe powinno mnie ekscytować.
— Co daje duży format? W końcu jest to bardzo pracochłonne! ..
- Bardzo, szczególnie zimą, ale zastanawiam się - trzeba dużo miejsca. Trudno mi się dostać do małych rozmiarów.
Zdjęcie: Victoria Odissonova / Novaya Gazeta - Jak dobierasz rozmiar? W końcu jest to ustalone z góry, czy trzeba przygotować nosze, płótno?
- W czasie dojrzewania zadania. Kiedy znajduję przedmiot, wyczuwam jego stan, zaczynam dostrzegać zarówno format, jak i rozmiar przyszłego obrazu. To też w tym samym miejscu - w naturze.
- A jak rodzą się Twoje ozdobne, symboliczne rzeczy, które powstają w warsztacie?
- Tak, ogólnie to samo. A w rzeczach dekoracyjnych rozwiązuję przede wszystkim problemy malownicze. I to też powinno mnie podniecić. A najważniejsze tutaj jest martwienie się. Bo mam nadzieję, że kiedy to podniecenie jest w artyście, jego obraz poruszy również widza.
W Woroneskim Muzeum otwarto wystawę słynnej moskiewskiej artystki, członkini Rosyjskiej Akademii Sztuk Natelli Toidze „Rzeźba koloru”. Kramskoja w piątek, 6 marca. Natella Toidze jest dziś jedną z najbardziej znanych i poszukiwanych rosyjskich artystek. W ciągu ostatnich kilku lat jej duże, retrospektywne wystawy z powodzeniem odbywały się w Galerii Trietiakowskiej, Państwowym Muzeum Rosyjskim i najważniejszych galeriach w różnych miastach świata. Prace Natelli Toidze znajdują się w muzeach i kolekcjach prywatnych w Rosji, a także w kolekcjach prywatnych we Francji, Szwajcarii, Portugalii, Niemczech, Finlandii i USA.
Obecna ekspozycja obejmuje zarówno wczesne prace Natelli Toidze, powstałe jeszcze w latach 70. XX wieku, jak i te malowane później. W sumie ekspozycja obejmowała około sześciu tuzinów obrazów - w większości wielkoformatowych. Są to prace z kolekcji autora, Rosyjskiej Akademii Sztuk oraz kolekcji prywatnych. Ekspozycja zawiera wszystkie gatunki, w których artysta pracuje - pejzaż, martwa natura, płótna alegoryczne. Wernisaż zgromadził ogromną liczbę widzów, w otwarciu uczestniczyła żona gubernatora Tatiana Gordejewa, osobistości kultury Woroneża, biznesmeni, urzędnicy miejscy.
Definicja „Rzeźby koloru” należy do słynnej krytyk sztuki Paoli Volkovej - dyrektor muzeum Władimir Dobromirow mówił o nazwie ekspozycji - i na pierwszy rzut oka wydaje się to paradoksalne, ale w rzeczywistości, jeśli postrzegamy formę rzeźby poprzez kolor, to dlaczego nie stworzyć obrazu tej formy rzeźbiarskiej poprzez kolor?
Zdjęcie: 1 z 17
Zdjęcie - Sofia Uspenskaya
Natella Toidze pochodzi z rodziny od pokoleń związanej ze sztuką. Ta dynastia artystyczna należała do dziadka artysty, Mose Toidze, malarza, ucznia Ilji Repina, jednego z założycieli Akademii Sztuk ZSRR, ojca Georgy'ego Toidze, słynnego rzeźbiarza i grafika, oraz wuja, plakacisty Irakli Toidze , autor słynnego plakatu „Motherland Calls”. Wśród pierwszych kobiet-zawodowych malarek w Rosji była babcia artysty, Aleksandra Sutina, która ukończyła klasę prawosławnego malarstwa ikon w Cesarskiej Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu.
To jest historia, a fakt, że ma kontynuację, fakt, że Natella Georgievna tak wysoko i pięknie niesie sztandar sztuki tej niesamowitej rodziny, jest inspirujący - powiedział krytyk sztuki Bronisław Tabachnikow, otwierając wystawę. Samą ekspozycję nazwał „świętem malarstwa”.
Kiedy patrzę na obrazy, uderza mnie kilka cech: to najwyższa kultura płótna, po drugie, to święto koloru - na płótnach Natelli Toidze czuje się żywy, chce się w nim zanurzyć - i w końcu to niesamowita dramaturgia.
Natella Toidze, która przyjechała do Woroneża na otwarcie wystawy, zauważyła, że rzeczywiście chęć uchwycenia „dramatu natury” jest dla niej jednym z głównych zadań twórczych.
Wszystkie prace powstają w plenerze – dla mnie to bardzo ważne, bo staram się oddać ten dramatyczny stan natury – powiedziała Natella Toidze. - Wiele moich prac nazywa się tak: „Przed śniegiem”, „Po deszczu”, to przejście z jednego stanu do drugiego. Dlatego zawsze, niezależnie od pogody, chyba że na zewnątrz jest poniżej -7, pracuję na łonie natury. Mam specjalną ogromną sztalugę, robioną na zamówienie, nie zawsze jest z nią wygodnie, ale jest dla mnie bardzo interesująca, ponieważ nie da się malować natury z warsztatu.
Zauważyłeś błąd? Zaznacz go myszką i naciśnij Ctrl+Enter
Niżny Nowogród, Kreml, bldg. 3 („Dom Gubernatora”), Państwowe Muzeum Sztuki w Niżnym Nowogrodzie, artmuseumnn.ru
Czy zauważyliście, że od zeszłego roku Muzeum Sztuki bardzo aktywnie wprowadza nas w różne dziedziny malarstwa, nowe nazwy?
Tak więc pierwszą wystawę 2015 roku otwiera przedstawiciel dynastii artystów, można powiedzieć, z legendarną biografią...
Muzeum jest otwarte:
codziennie od 11:00 do 18:00
Czwartek od 12:00 do 20:00
Wtorek – dzień wolny
Dojazd: dowolnym transportem do przystanku autobusowego „Ploshad Minina i Pozharskogo”
Natella Toidze to nie tylko oryginalna artystka. Jest przedstawicielką trzeciego pokolenia znanej dynastii malarzy i rzeźbiarzy.
Dynastię założył jej dziadek Mose Toidze, uczeń Repina, jednego z założycieli Akademii Sztuk ZSRR.
A córka Nana została artystką teatralną, aby czwarte pokolenie nie odjechało od jabłoni.
Natella Georgievna urodziła się i wychowała w Moskwie. Ale ten szał kwiatów wyraźnie nie pochodzi stąd. Pierwsze obrazy z lat 70. i 80. prawdopodobnie pochodziły z Kaukazu.
Kutaisi. Żelazny Most. 1982
Ale obrazy ostatnich lat narodziły się prawdopodobnie na daczy pod Moskwą. A mi się bardziej podobają...
Złote kule. 2001
malwy północne. 1995
I ta praca, choć nosi tytuł „Śnieg spadł”, nieco subtelnie przypomina „Przybyły gawrony” Savrasova
Rook jednak leciał sam.
Nie, bardziej przypomina kruka.
„Interesuje mnie oddanie nastroju tego, co widziałam” — powiedziała Natella Georgievna. „Jeśli patrząc na moją pracę ten nastrój powróci do widza, to będę mu wdzięczny”.
Lubię to. Mężczyzna robi to, co lubi. I widać to na każdym zdjęciu.
I to musi być fizycznie trudne do zrobienia. Obrazy są malowane z życia, a większość z nich jest sporych rozmiarów.
„To jest praca, dużo pracy fizycznej” – usłyszałem przypadkowo z tyłu. Chyba artyści wiedzieli o czym mówią :)
Jak zaznaczono na otwarciu wystawy, jest to rzadki przypadek, gdy artysta ma rozpoznawalne pismo, indywidualny styl autorski.
Zgadzam się. Moim amatorskim zdaniem nie tylko wielkość obrazów, zbliżenia, ale nawet pędzle jakimi posługuje się autor są niezwykłe.
Jeśli przyjrzysz się uważnie płótnu, szerokość pociągnięć wynosi 15-20 milimetrów. Tutaj, takim niemal pędzlem, autorce udaje się oddać wszystkie niuanse koloru liści, nieba, płatków...
Ciekawostką jest, że dwa obrazy znajdujące się w Galerii Trietiakowskiej (!), prezentowane są na wystawie w wersjach autorskich.
Oto jeden z nich: „Red dry”. Rzeczywiście, oryginał.
Ale drugi - „Przy kominku”. Moim zdaniem nic specjalnego. A może tak naprawdę nie lubię rottweilerów?