Francuscy artyści to największe nazwiska światowej kultury. Co więcej, to francuscy mistrzowie pobili wszelkie rekordy cen dzieł sztuki na najlepszych aukcjach. Szkoda tylko, że ich autorzy zyskali dopiero pośmiertną sławę, ale takie są koleje losu wielu twórców piękna.

Francuscy artyści: fenomen francuskiego impresjonizmu

Tak więc francuscy artyści XX wieku stali się najdroższymi, a przez to najbardziej znanymi i rozpoznawalnymi na świecie. Nawet ludzie zupełnie niedoświadczeni w sztukach pięknych znają ich imiona. Przede wszystkim są to artyści impresjoniści. Francja za ich życia była dla nich niegościnna, lecz po śmierci stali się prawdziwą dumą narodową.

Są najwięksi artyści Francji, którzy zdobyli światowe uznanie, sławę i sławę w szerokich kręgach Pierre'a Renoira, Edwarda Maneta, ‎Edgara Degasa, Paula Cezanne’a, Claude Monet I Paul Gauguin. Wszyscy są przedstawicielami najsłynniejszego i najlepiej sprzedającego się nurtu w malarstwie XX wieku – impresjonizmu. Nie trzeba dodawać, że nurt ten ma swój początek we Francji i najpełniej ujawnia swoje miejsce i znaczenie w historii sztuki światowej. Niesamowite połączenie oryginalnej techniki i dużej wyrazistości emocjonalnej fascynowało i nadal fascynuje koneserów piękna na całym świecie w impresjonizmie.

Artyści Francji: powstawanie malarstwa francuskiego

Ale francuscy artyści to nie tylko impresjonizm. Jak wszędzie w Europie, rozkwit malarstwa przypadł tutaj na okres renesansu. Oczywiście Francja nie może pochwalić się takimi gigantami jak Leonardo da Vinci czy Raphael, ale mimo to wniosła swój wkład we wspólną sprawę. Jednak wpływy włoskie były zbyt silne, aby stworzyć pierwotną szkołę narodową.

Pierwszym wielkim francuskim artystą, który całkowicie uwolnił się od wpływów zewnętrznych, był Jacques Louis David, słusznie uważany za twórcę narodowej tradycji malarstwa. Najsłynniejszym obrazem artysty był słynny portret konny cesarza Napoleona zatytułowany „Napoleon na przełęczy św. Bernarda” (1801).

Artyści francuscy XIX wieku, pracujący w kierunku realistycznym, są oczywiście mniej znani niż impresjoniści, ale mimo to wnieśli wymierny wkład w rozwój malarstwa światowego. Ale XX wiek był triumfem sztuki francuskiej, a Paryż stał się centrum muz. Słynna dzielnica stolicy Francji Montmartre, która dała schronienie dziesiątkom biednych artystów, którzy później weszli do złotego funduszu dziedzictwa ludzkości, łącznie z nazwiskami Renoira, van Gogh, Toulouse-Lautreca, I Picasso I Modiglianiego, stał się centrum sztuk pięknych i nadal przyciąga rzesze turystów. Na Montmartre tradycyjnie mieszkają także znani współcześni francuscy artyści.

Francuski artysta Laurent Botella urodził się w 1974 roku w Nantes. Studia malarskie rozpoczął w 1989 roku w pracowni Maithe Rovino w Osson, a następnie przez rok w Beaux Arts School w Tuluzie. Zajęcia dotyczyły malarstwa olejnego i pasteli. Jednak podstawą jego twórczości przed i po studiach zawsze były obrazy węglem i ołówkiem.

krajobrazy. Alaina Lutza

Alain Lutz to współczesny francuski malarz pejzażysta urodzony w maju 1953 roku w Miluzie we Francji. Widząc jego niewątpliwy talent artystyczny, rodzice w wieku trzynastu lat podarowali mu pierwsze farby olejne. Przez pewien czas studiował w Boule School of Design w Paryżu, ale ostatecznie kształcił się na projektanta przemysłowego, a po ukończeniu studiów dostał pracę na stanowisku starszego technika.

Autoportret. Laurenta Dauptaina

Laurent Dauptain, utalentowany artysta francuski, studiował w szkole artystycznej w Paryżu, którą ukończył w 1981 r., następnie kontynuował naukę w szkole sztuk zdobniczych w tym samym miejscu, w Paryżu, którą ukończył w 1983 r. z tytułem licencjata, a w 1984 r. otrzymał tytuł magistra malarstwa. Po kilku latach pracy z autoportretami postanowił spróbować swoich sił w innych gatunkach, choć od czasu do czasu wracał do portretu.

Naiwny styl. Michela Delacroix

Michel Delacroix urodził się w 1933 roku na lewym brzegu Sekwany, w 14. dzielnicy Paryża. Rysować zaczął już bardzo wcześnie, o ile pamięta, nie miał jeszcze siedmiu lat, miłość do rysowania narodziła się w czasie okupacji niemieckiej Paryża. Paryż pozostał Paryżem nawet w czasie okupacji, co widać do dziś na obrazach Delacroix. Prawie na wszystkich jego obrazach pojawiają się przechodnie, rzadkie samochody i latarnie, miasto na nich, jak za dawnych czasów, wygląda na ciche i spokojne, jakby odizolowane od zgiełku.

sposób na odnalezienie siebie. Pascale Taurua

Pascale Taurua urodziła się w 1960 roku w Noumea w Nowej Kaledonii. Ukończył Akademię Sztuki w Papeete na Tahiti. Swój pierwszy obraz namalowała w 1996 roku i od tego czasu zajmuje się malowaniem na pełny etat, prezentując swój własny styl figuratywny. Swoje prace pokazywała niemal we wszystkich krajach regionu Pacyfiku, gdzie jej obrazy cieszą się ogromnym zainteresowaniem i znajdują się w wielu prywatnych kolekcjach sztuki.

ministrowie potworów. Antoni Squizzato

Współczesny francuski artysta i ilustrator Anthony Squizzato zaprasza nas na relaks i wyruszenie w podróż na oficjalne spotkanie z bohaterami stworzonego przez niego świata, podczas którego widz będzie mógł osobiście zapoznać się z bohaterami jego dzieł – barwnymi postaciami jeden z największych (pod względem wielkości i liczby uczestników) w historii gabinetu.

Sztuka i projektowanie

7404

24.09.15 01:41

„Tak mała, że ​​najwyraźniej ją przeceniono!” – chrząkają niektórzy turyści, którzy przyjechali do Luwru specjalnie, aby zobaczyć miejscową świątynię, Mona Lisę… Luwr Luwr, ale nie zapominajcie, że wielu znanych malarzy urodziło się w samej Francji. Zróbmy krótką wycieczkę w przeszłość tego kraju i przypomnijmy sobie najlepszych francuskich artystów.

Najlepsi francuscy artyści

Wielki klasycysta

Urodzony pod koniec XVI wieku Nicolas Poussin z entuzjazmem przyjął techniki mistrzów wysokiego renesansu, m.in. autora Giocondy da Vinci i Rafaela. Na jego obrazach często pojawiają się postacie biblijne, sceny mitologiczne (nawet cykl pejzaży poświęconych porom roku, i to inspirowany Biblią). U początków klasycyzmu stał Norman Poussin, którego wkładu w sztukę francuską nie można przecenić. W naszej Ermitażu znajduje się jego obraz „Odpoczynek w drodze do Egiptu”.

Piosenkarz epoki waleczności

Antoine Watteau, urodzony prawie dwie dekady po śmierci Poussina, zdecydowanie królował na „Olympusie” francuskich artystów. W jego czasach nie było w Europie malarza, który mógłby z nim konkurować umiejętnościami. Żył tylko 36 lat, ale udało mu się pozostawić wiele arcydzieł. Codzienne sceny, pejzaże, portrety Watteau są urocze i eleganckie, nazywa się go prekursorem stylu rokoko. Aby zostać przyjętym do Akademii Sztuk Pięknych, młody człowiek namalował dwie wersje obrazu „Pielgrzymka na wyspę Cythera” (jedna przechowywana jest w Berlinie, druga w Luwrze w Paryżu). W Ermitażu znajduje się kilka dzieł francuskiego artysty, w tym obraz „Aktorzy komedii francuskiej”.

Utalentowany pejzażysta

Pierwszorzędny malarz morski i krajobrazowy Claude Joseph Vernet przez długi czas pracował we Włoszech. Wybrzeże Neapolu i potężny Tyber odcisnęły piętno na jego twórczości. W kolekcji Luwru znajdują się „Widok mostu i zamku Świętego Anioła” oraz „Widok Neapolu z Wezuwiuszem”, a w Ermitażu eksponaty „Skały w pobliżu morza”, „Poranek w Castellammare” i kilka innych arcydzieł mistrza.

Romantyczni koledzy

Eugene Delacroix, przedstawiciel nurtu romantycznego w sztuce, urodził się na przełomie XVIII i XIX w. i otrzymał dobre wykształcenie. Uwielbiał kopiować arcydzieła dawnych mistrzów – na nich doskonalił swoją sztukę. Eugene przyjaźnił się z Alexandrem Dumasem i podziwiał twórczość Géricaulta. Do najsłynniejszych obrazów Delacroix (często wybierał tematykę historyczną) należą „Wolność na barykadach” i „Śmierć Sardanapala”.

Inny romantyk, Theodore Gericault, był zaledwie kilka lat starszy od Delacroix, ale był dla swojego kolegi wielkim autorytetem. Niestety los zmierzył mu bardzo krótki czas – w wieku 32 lat malarz spadł z konia i rozbił się. Theodor wolał sceny batalistyczne na dużą skalę, naśladował Rubensa, będąc zagorzałym wielbicielem Fleminga. Nawet jeśli nie słyszeliście nazwiska tego francuskiego artysty, prawdopodobnie natknęliście się na reprodukcje arcydzieła Gericaulta „Tratwa Meduzy” (dzieło to jest dumą Luwru).

Wieczny wędrowiec

Eugene Henri Paul Gauguin jest nam lepiej znany. Postimpresjonista złapał początek XX wieku, ale opuścił go dość wcześnie: zmarł w wieku 54 lat w 1903 roku w Polinezji Francuskiej. Mówią, że geniusza zabiła choroba (najgorsza z nich to nieuleczalny trąd). W młodości dużo podróżował: Paweł służył jako prosty marynarz na okręcie wojennym, był palaczem na statkach floty handlowej. Wrażenia te oczywiście znalazły odzwierciedlenie w twórczości malarza. Prawie poświęcił swoje życie pośrednictwu, jednak w porę się zatrzymał i poświęcił się kreatywności. Nawet niewtajemniczeni ludzie znają żywe obrazy stworzone przez Gauguina, na przykład „Kobieta trzymająca owoc”.

latające sylwetki

Każdy z Was słyszał wyrażenie „Degas Ballerinas”. Ta francuska artystka naprawdę czerpała inspirację ze szkół baletowych i prób. Jego jasnymi pastelowymi pociągnięciami udało się uchwycić wdzięczne, lekkie pochylenia głowy, piruety, ukłony, skoki - widzimy to na płótnach impresjonisty „Lekcja tańca” czy „Niebiescy tancerze”. Powszechnie znane są jego sceny z życia codziennego: „Absynt”, „Prasownice”.

Ojciec impresjonizmu

Inny klasyk malarstwa europejskiego – Edouard Manet (jeden z „ojców” impresjonizmu) – podobnie jak Degas, lubił przedstawiać życie mieszczan: ich spacery po ogrodzie czy pikniki na łonie natury. Jego portrety wyróżniają się prostotą i prostotą, a pod koniec życia nagle zainteresował się martwymi naturami. Olimpia, Kolej, Śniadanie na trawie uznawane są za arcydzieła światowej sławy.

Sentymentalny i perłowy

Ulubionym gatunkiem Pierre-Auguste Renoira był portret. Świecka pożądliwość, młode niewinne panny, zakochane pary ożywają pod pewnymi pociągnięciami pędzla mistrza. Zaczynając jako impresjonista, Pierre stopniowo rozczarował się nim i dołączył do klasycyzmu. Jego sztuka jest sentymentalna i perłowa. Spójrz na „Dziewczyny przy fortepianie” lub „Wiosenny bukiet”, płótna zdają się świecić od wewnątrz.

Czy chłop, czy myśliciel...

Paul Cezanne, ze swoimi wyrzeźbionymi w kamieniu sylwetkami w portretach i lekko „rozmazanymi” krajobrazami, jest jasnym przedstawicielem postimpresjonizmu. Zarówno w twórczości, jak iw życiu był skąpy w emocjach, lakoniczny i niezbyt emocjonalny - coś w nim pochodziło od chłopa, coś od naukowca-myśliciela. Co ciekawe, to jego arcydzieło „Gracze w karty” – jeden z najdroższych obrazów świata (w 2012 roku został zakupiony do kolekcji emira Kataru za 250 milionów dolarów).

Zła skała arystokraty

Ostatni na naszej liście najlepszych francuskich artystów jest biedny Henri Marie Raymond de Toulouse Lautrec. Dlaczego biedny facet? Tak, należał do starożytnej rodziny powiatowej, ale w wieku 13 i 14 lat młodemu człowiekowi udało się złamać najpierw udo jednej nogi, potem drugiej, przez co przestały rosnąć. Henri pozostał półkarłem z niepełnosprawnością. Niemożność zrobienia kariery wojskowej zszokowała całą rodzinę, a samego Henriego zachęcono do zajęcia się malarstwem. Uczył się u mistrzów (bardzo lubił twórczość Degasa i Cezanne'a), a kiedy przybył do Paryża, stał się bywalcem kabaretów i pubów, upił się, zachorował na syfilis i zmarł w wieku 37 lat. Jego grafiki i obrazy zostały docenione po jego śmierci. Portrety artystów i prostytutek Moulin Rouge, z których usług Toulouse Lautrec zmuszony był skorzystać, uważane są obecnie za arcydzieła.

Kobieta z kotem. 1875

Francuski malarz, grafik i rzeźbiarz, jeden z głównych przedstawicieli impresjonizmu. Renoir dał się poznać przede wszystkim jako mistrz portretu świeckiego, niepozbawionego sentymentalizmu; był pierwszym z impresjonistów, któremu udało się pozyskać bogatych paryżan. W połowie lat 80. XIX w. właściwie zerwał z impresjonizmem, powracając do linearności klasycyzmu, do engrizmu.

Autoportret. 1876

Auguste Renoir urodził się 25 lutego 1841 roku w Limoges, mieście położonym na południu środkowej Francji. Renoir był szóstym dzieckiem biednego krawca imieniem Léonard i jego żony Marguerite.

Portret matki Renoira. 1860

W 1844 roku Renoirowie przenieśli się do Paryża i tutaj Auguste wstąpił do chóru kościelnego przy wielkiej katedrze Saint-Eustache. Miał taki głos, że dyrektor chóru Charles Gounod próbował przekonać rodziców chłopca, aby posłali go na studia muzyczne. Jednak oprócz tego Auguste wykazał się talentem artystycznym i już w wieku 13 lat zaczął pomagać rodzinie, podejmując pracę u mistrza, od którego nauczył się malować porcelanowe talerze i inne naczynia. Wieczorami Auguste uczęszczał do szkoły malarskiej.

Taniec w Bougival. 1883

W 1865 roku w domu swojego przyjaciela, artysty Julesa Le Coeura, poznał 16-letnią dziewczynę Lisę Treo, która wkrótce stała się kochanką Renoira i jego ulubioną modelką. W 1870 roku urodziła się ich córka Jeanne Marguerite, choć Renoir odmówił oficjalnego uznania swojego ojcostwa. Ich związek trwał do 1872 roku, kiedy Lisa opuściła Renoira i poślubiła innego.

Autoportret. 1875

Kariera twórcza Renoira została przerwana w latach 1870–1871, kiedy został powołany do wojska podczas wojny francusko-pruskiej, która zakończyła się miażdżącą porażką Francji.

Taniec na wsi. 1883

Portret Aline Charigot, żony Renoira, powstał prawdopodobnie podczas pobytu rodziny na wsi we wschodniej Francji. 1885

W 1890 roku Renoir poślubił Alinę Charigot, którą poznał dziesięć lat wcześniej, gdy miała 21 lat jako krawcowa.

Macierzyństwo. 1886

Mieli już syna Pierre'a, urodzonego w 1885 r., a po ślubie mieli jeszcze dwóch synów - Jeana, urodzonego w 1894 r. i Claude'a (znanego jako „Coco”), urodzonego w 1901 r. i stał się jednym z najbardziej ukochanych modeli ojca .

Malarstwo Jeana Renoira. 1901

Zanim w końcu powstała jego rodzina, Renoir osiągnął sukces i sławę, został uznany za jednego z czołowych artystów Francji i udało mu się otrzymać od państwa tytuł Kawalera Legii Honorowej.

Rodzina artysty. 1896

Osobiste szczęście i sukcesy zawodowe Renoira zostały przyćmione przez chorobę. W 1897 roku Renoir złamał prawą rękę po upadku z roweru. W efekcie nabawił się reumatyzmu, na który cierpiał do końca życia. Reumatyzm utrudniał Renoirowi zamieszkanie w Paryżu, dlatego w 1903 roku rodzina Renoirów przeprowadziła się do posiadłości zwanej „Colette” w małym miasteczku Cagnes-sur-Mer.

Autoportret. 1899

Po ataku paraliżu, który nastąpił w 1912 roku, pomimo dwóch operacji chirurgicznych, Renoir został przykuty do wózka inwalidzkiego, ale nadal malował pędzlem, który pielęgniarka włożyła mu między palce.

Augusta Renoira. Autoportret 1910

W ostatnich latach życia Renoir zyskał sławę i powszechne uznanie. W 1917 roku, kiedy jego „Parasolki” były wystawiane w London National Gallery, setki brytyjskich artystów i zwykłych miłośników sztuki przesłały mu gratulacje, w których napisano: „Od chwili, gdy Twój obraz wisiał w tym samym rzędzie z dziełami dawnych mistrzów , przeżyliśmy radość, że nasz współczesny zajął należne mu miejsce w malarstwie europejskim.

Parasole. 1883

Obraz Renoira był także wystawiany w Luwrze, a w sierpniu 1919 roku artysta po raz ostatni odwiedził Paryż, aby mu się przyjrzeć.

Autoportret. 1910

3 grudnia 1919 roku w wieku 78 lat w Cagnes-sur-Mer zmarł Pierre-Auguste Renoir na zapalenie płuc. Pochowany w Essui.

Wiosenny bukiet. 1866

kreacja

Wybór gatunków 1862-1873

Na początku 1862 roku Renoir zdał egzaminy w Szkole Sztuk Pięknych Akademii Sztuk Pięknych i zapisał się do pracowni Gleyre'a. Tam poznał Fantina-Latoura, Sisleya, Basila i Claude’a Monetów. Wkrótce zaprzyjaźnili się z Cezanne’em i Pizarro, tak że powstał kręgosłup przyszłej grupy impresjonistów.

Kamila Moneta. 1873

We wczesnych latach Renoir pozostawał pod wpływem twórczości Barbizonów, Corota, Prudhona, Delacroix i Courbeta.

Latem 1868 r

W 1864 r. Gleyre zamknął warsztat, zakończyło się szkolenie. Renoir zaczął malować swoje pierwsze płótna, a następnie po raz pierwszy zaprezentował Salonowi obraz „Esmeralda tańcząca wśród włóczęgów”. Została przyjęta, ale kiedy płótno wróciło do niego, autor je zniszczył.

Portret Sisleyów. 1868

Brodzik dla dzieci. 1869

Wybierając w tamtych latach gatunki dla swojej twórczości, nie zmieniał ich aż do końca życia. To pejzaż – „Jules le Coeur w lesie Fontainebleau” (1866), sceny codzienne – „Żaba” (1869), „Pont Neuf” (1872), martwa natura – „Wiosenny bukiet” (1866), „ Martwa natura z bukietem i wachlarzem” (1871), portret – „Lisa z parasolką” (1867), „Odaliska” (1870), akt – „Łowczyni Diana” (1867).

Odaliska. 1870

Martwa natura z bukietem i wachlarzem. 1871

W 1872 roku Renoir i jego przyjaciele utworzyli Anonimowe Partnerstwo Spółdzielcze.

Mademoiselle Sicot. 1865

Madame Clementine Valensi Stora. 1870

Kamila Moneta. 1872

Pani Edouard Bernier. 1871

Kobieta z papugą. 1871

Rafa Mater.1871

Niepotrzebny parasol. 1872

Przejazd do Lasku Bulońskiego. 1873

Walka o uznanie 1874-1882

Pierwsza wystawa partnerstwa została otwarta 15 kwietnia 1874 roku. Renoir zaprezentował pastele i sześć obrazów, wśród których były „Tancerz” i „Loża” (oba - 1874). Wystawa zakończyła się niepowodzeniem, a członkowie spółki otrzymali obraźliwy przydomek – „Impresjoniści”.

Wigwam. 1874

Obraz przedstawia kobietę (na pierwszym planie) i mężczyznę (w tle) siedzących w loży operowej. Do tego zdjęcia pozowali brat Renoira, dziennikarz Edmond Renoir i modelka z Montmartre Nini Lopez.

Uśmiechnięta kobieta. Portret Madame Pechi. 1875

Handlarka ryb. 1875

Pani Wiktor Choquet. 1875

Mimo biedy to właśnie w tych latach artysta stworzył swoje główne arcydzieła: Grands Boulevards (1875), Spacer (1875), Bal w Moulin de la Galette (1876), Akt (1876), Akt w świetle słońca” (1876). ), „Huśtawka” (1876), „Pierwszy wyjazd” (1876/1877), „Ścieżka w wysokiej trawie” (1877).

Bal w Moulin de la Galette. 1876

Huśtać się. 1876

Portret Madame Alphonse Daudet. 1876

Nagi. 1876

Młoda kobieta splatająca włosy. 1876

Renoir stopniowo przestał uczestniczyć w wystawach impresjonistów. W 1879 r. przedstawił na Salonie w 1879 r. pełnopostaciowy Portret aktorki Joanny Samary (1878) i Portret Madame Charpentier z dziećmi (1878), uzyskując powszechne uznanie, a następnie niezależność finansową. Kontynuował pisanie nowych płócien - w szczególności słynnego „Bulwaru Clichy” (1880), „Śniadania wioślarzy” (1881), „Na tarasie” (1881), który stał się sławny.

Młoda dziewczyna czyta książkę. 1876

Portret Madame Charpentier. 1877

Portret aktorki Jeanne Samary. 1877

Portret aktorki Jeanne Samary. 1878

Filiżanka czekolady. 1878

W tajemnicy 1878

Portret Alfonsine’a Pechi. 1879

Kolacja wioślarzy nad brzegiem rzeki. 1879

Młoda kobieta szyje. 1879

Portret Teresy Berard. 1879

Blisko jeziora. 1880

Śniadanie wioślarzy. 1881

Obraz został namalowany w restauracji Fournaise, położonej na wyspie na Sekwanie, położonej w Chatou, nieco na zachód od Paryża. Renoir pokochał to miejsce – powstało tu nie tylko „Śniadanie wioślarzy”, ale także inne obrazy. Tak naprawdę zdjęcie jest portretem grupowym ze spotkania przyjaciół. Panuje radosna, luźna atmosfera, nie ma przepychu, wszyscy są w naturalnych, przypadkowych pozach. Za balustradą widać gęstą zieleń, za którą wychyla się Sekwana.Na obrazie Renoir przedstawił wielu swoich przyjaciół i znajomych.

Dwie siostry (Na tarasie). 1881

Albert Caen, francuski kompozytor operowy, 1881

Dziewczyna z fanem. 1881

Dziewczyny w czerni. 1881

Portret Alfreda Berarda z psem. 1881

Szycie Marie-Thérèse Durand-Ruel. 1882

„Okres Engrova” 1883-1890

Renoir udał się do Algierii, następnie do Włoch, gdzie z bliska zapoznał się z dziełami klasyków renesansu, po czym zmienił się jego gust artystyczny. Renoir namalował cykle obrazów „Taniec na wsi” (1882/1883), „Taniec w mieście” (1883), „Taniec w Bougival” (1883), a także takie płótna jak „W ogrodzie” (1885 ) i „Parasole” (1881/1886), w których wciąż widoczna jest impresjonistyczna przeszłość, ale pojawia się nowe podejście Renoira do malarstwa.

Dziewczyna w słomkowym kapeluszu. 1884

Rozpoczyna się tak zwany „okres Ingres”. Najbardziej znanym dziełem tego okresu są Wielcy kąpiący się (1884/1887). Do konstrukcji kompozycji autor najpierw użył szkiców i szkiców. Linie rysunku stały się jasne i zdefiniowane. Kolory straciły dawną jasność i nasycenie, obraz jako całość zaczął wyglądać bardziej powściągliwie i zimniej.

Wielcy kąpiący się. 1884-1887.

Na pierwszym planie ukazane są trzy nagie kobiety – dwie stoją na brzegu, trzecia stoi w wodzie i najwyraźniej zamierza je spryskać. Postacie kobiet są zapisane bardzo wyraźnie i realistycznie, co było charakterystycznym stylem dla tego okresu twórczości Renoira, zwanego okresem „suchym” lub „Ingres” (od nazwiska artysty Dominique Ingres).

Do obrazu Renoir pozował (od lewej do prawej) Aliny Sharigot, przyszłej żony Renoira (w 1885 r. urodził się ich pierwszy syn, Pierre, a małżeństwo zostało oficjalnie zawarte w 1890 r.) i Suzanne Valadon (prawdziwe nazwisko Marie-Clementine Valadon ), który później stał się sławnym artystą.

Renoir pracował nad tym obrazem przez około trzy lata, w trakcie których narysował dużą liczbę szkiców i szkiców, w tym co najmniej dwie pełnowymiarowe wersje wielofigurowe. Po Wielkich kąpiących się nie było ani jednego obrazu, któremu poświęciłby tyle czasu i wysiłku.

Na samym brzegu morza. 1883

Taniec w mieście. 1883

Młode panie grające w badmintona. 1885

Portret Suzanne Valadon. 1885

Młoda dziewczyna czyta. 1886

Fryzura. 1888

Młoda dziewczyna ze stokrotkami. 1889

Pani de Vernon. 1889

Dziewczyna w różowo-czarnym kapeluszu. 1890

„Okres perłowy” 1891-1902

W 1892 roku Durand-Ruel otworzył dużą wystawę obrazów Renoira, co okazało się wielkim sukcesem. Uznanie spotkało się także ze strony urzędników państwowych – obraz „Dziewczyny przy fortepianie” (1892) został zakupiony dla Muzeum Luksemburskiego.

Dziewczyny przy pianinie. 1892
Obraz przedstawia dwie młode dziewczyny: jedna siedzi przy fortepianie, a druga stoi obok niej. Obie dziewczyny z uwagą i entuzjazmem przyglądają się nutom, najwyraźniej wybierając jakąś melodię. Taki spokojny, idylliczny obraz był symbolem ówczesnej francuskiej kultury burżuazyjnej.

Kobieta w kapeluszu. 1891

Dziewczyny czytają. 1891

Christina Lerolle haftuje. 1895

Grać na gitarze. 1897

Renoir udał się do Hiszpanii, gdzie zapoznał się z twórczością Velasqueza i Goi.
Na początku lat 90. w sztuce Renoira nastąpiły nowe zmiany. W malowniczy sposób pojawiła się opalizująca barwa, dlatego okres ten nazywany jest czasami „masą perłową”.
W tym czasie Renoir namalował takie obrazy jak „Jabłka i kwiaty” (1895/1896), „Wiosna” (1897), „Syn Jean” (1900), „Portret pani Gaston Bernheim” (1901). Wyjechał do Holandii, gdzie zainteresował się malarstwem Vermeera i Rembrandta.

Madame Paul Gallimard, z domu Lucie Duce. 1892

Dziewczyny oglądające album. 1892

Dziewczyna szczotkuje włosy. 1894

Kobieta z czerwonym rumieńcem. 1896

Trzej kąpiący się z krabem. 1897

Portret Christiny Lerolle.1897

Młoda Hiszpanka gra na gitarze. 1898

Yvonne i Christine przy fortepianie. 1898

„Okres czerwony” 1903-1919

Okres „perłowy” ustąpił miejsca „czerwonemu”, nazwanemu tak ze względu na upodobanie do odcieni czerwonawych i różowych kwiatów.
Renoir nadal malował słoneczne pejzaże, martwe natury w jasnych kolorach, portrety swoich dzieci, nagie kobiety, stworzył Spacer (1906), Portret Ambroise Vollarda (1908), Gabriel w czerwonej bluzce (1910), Bukiet róż ”( 1909/1913), „Kobieta z mandoliną” (1919).

Portret Marty Denis. 1904

zamyślenie. 1906

Portret Ambroise’a Vollarda. 1908

Ambroise Vollard – jeden z najważniejszych handlarzy dziełami sztuki (marchantów) w Paryżu XIX – początku. XX wieki Wspierał finansowo i moralnie dużą liczbę znanych i nieznanych artystów, w tym Cezanne'a, Maillola, Picassa, Rouaulta, Gauguina i van Gogha. Dał się poznać także jako kolekcjoner i wydawca.

Gabriel, do cholery. 1908

Pani z wentylatorem. 1908

Państwo Bernheim de Villers. 1910

Myć się. 1912

Kobieta przy piecu. 1912

Interesujące fakty

Bliskim przyjacielem Auguste'a Renoira był Henri Matisse, który był od niego prawie 28 lat młodszy. Kiedy O. Renoir był w zasadzie przykuty do łóżka z powodu choroby, codziennie odwiedzał go A. Matisse. Renoir, prawie sparaliżowany przez artretyzm, przezwyciężając ból, nadal malował w swojej pracowni. Pewnego razu Matisse, obserwując ból, z jakim zadaje mu się każde pociągnięcie pędzla, nie mógł tego znieść i zapytał: „Auguste, dlaczego nie zostawisz malarstwa, tak bardzo cierpisz?” Renoir ograniczył się jedynie do odpowiedzi: „Ból przemija, ale piękno pozostaje”. I to był cały Renoir, który pracował do ostatniego tchnienia.