Uważa się, że sztuka nie ma granic. Niemniej jednak ludzie zdecydowali się podzielić twórczość artystów na gatunki, które dość łatwo można pomylić, ponieważ granice stylów są arbitralne. Dziś porozmawiamy o jednym z głównych trendów w malarstwie - impresjonizmie.
Pojawienie się impresjonizmu
Impresjonizm jako gatunek sztuki narodził się we Francji w latach 70. XIX wieku. Źródłem tego stylu było powstanie obrazu C. Moneta „Impresja. Wschód słońca” (1872). Jeden z dziennikarzy nazwał artystę impresjonistą, ale w negatywnym znaczeniu. Ale wkrótce o tym zapomniano, a obraz dał początek nowemu gatunkowi.
W 1874 roku artyści impresjoniści zorganizowali pierwszą odrębną wystawę. Wystawiane tam obrazy krytykowano za brak sensu, luźność i słabą przedstawienia. Artyści nie przestali jednak organizować tego typu wydarzeń, deklarując swoją sztukę.
Impresjonizm był zjawiskiem czysto francuskim. Artyści z innych krajów byli w stanie przejąć pewne cechy, ale nie w pełnym zakresie.
To impresjoniści jako pierwsi odeszli od ogólnie przyjętych standardów i szablonów pisarstwa akademickiego, dając tym samym ogromny impuls rozwojowi sztuki artystycznej. Głęboko badali kolory i nowe techniki pisania, co ostatecznie doprowadziło nas do różnorodności, którą mamy dzisiaj.
Należy zauważyć, że impresjonizm wywarł poważny wpływ i inspirował się swoją nowością przedstawicieli innych dziedzin sztuki: rzeźby, muzyki i literatury.
Co nam mówią obrazy impresjonistów?
Impresjonizm koncentruje się na obrazie i wrażeniu, jakie wywiera na widzu. Obrazy impresjonistów przedstawiają najczęściej zwykłe sceny z życia: zgiełk miasta lub pejzaże. Ich prace dostarczają widzowi ulotnych wrażeń, jakich doświadczyli sami malarze. Impresjonizm nie dostrzega problemów i negatywności, pokazuje wyłącznie pozytywne strony życia.
Najczęściej na obrazach można zobaczyć takie sceny jak pikniki, pływanie łódką, tańce, wieczorki herbaciane, zabawy na świeżym powietrzu i inne radości życia. Impresjoniści najczęściej przedstawiali na obrazach ludzi nie zamrożonych, ale poruszających się, bawiących się, śmiejących się. Obrazy pozwalają zanurzyć się w żywą rzeczywistość minionych stuleci, zobaczyć, jakie środowisko otaczało ludzi w XIX wieku.
Cechy malarstwa impresjonistycznego
Główną cechą wszystkich artystów jest umiejętność natychmiastowego odzwierciedlenia pierwszego wrażenia na płótnie. Zawsze tworzyli z życia, bez żadnych szkiców, oddając i przekazując ogólny nastrój. Obrazy impresjonistów nie niosą ze sobą głębokich znaczeń i ukrytych treści, przedstawiają życie codzienne, ale robią to nie prosto, ale po mistrzowsku. Patrząc na takie obrazy, widz od razu ma pewną myśl lub emocję, która pozostaje jeszcze przez jakiś czas po obejrzeniu.
Impresjoniści rozwinęli specyficzny styl pisania. Malowane przez nich obrazy najczęściej wyróżniają się rozmytą linią i indywidualnymi pociągnięciami, a fakt, że wszystkie kolory oddawały standardowym zestawem farb, umiejętnie rozmieszczając kreski. W swoich pracach dużą wagę przywiązywali do gry światła i cienia, starając się stworzyć kontrast. Wskaźnikiem w tym względzie jest obraz O. Renoira „Bal w Moulin de la Galette” (1876).
Wielcy impresjoniści przeszłości
Od czasu powstania ruchu było wielu artystów, którzy pracowali w stylu impresjonizmu, ale bardzo niewielu można nazwać naprawdę wielkimi. Tak więc najbardziej znanymi artystami impresjonistycznymi są C. Monet, O. Renoir, A. Sisley i C. Pissarro. Ogólnie rzecz biorąc, impresjonizm jako ruch był szczególnie popularny pod koniec XIX wieku, wtedy tworzyli prawdziwi mistrzowie.
Stało się to początkiem i inspiracją dla innych, równie znanych artystów - V. van Gogha, P. Cezanne'a, P. Gauguina. Artyści ci stali się twórcami postimpresjonizmu, który za swój cel postawił odrzucenie przedstawienia prawdziwego życia, przejście do przedstawienia jego podstaw.
Współcześni impresjoniści
Nie myślcie, że kierunek po okresie swojej świetności przestał istnieć. Wciąż są artyści, którzy jako swoją twórczość wybierają impresjonizm.
Obrazy współczesnych impresjonistów budzą nie mniejszy podziw niż obrazy przeszłości. Dziś w tym gatunku tworzy wielu mistrzów, ale czas pokaże, który z nich jest najbardziej godny tego tytułu. Jest jednak kilku artystów, których obrazy są pozycjonowane jako obrazy impresjonistyczne. Zdjęcia ich prac prezentujemy poniżej.
Weźmy na przykład artystę Kenta R. Wallisa. Jego płótna wyróżniają się jasnymi, bogatymi kolorami, dzięki którym tworzy wspaniałe krajobrazy.
Fascynujące są także obrazy artysty I.J. Paprocki (E.J. Paprocki).
Na jego obrazach kwiaty, liście i inne drobne elementy są wykonane bardzo realistycznie, reszta tła wykonana jest za pomocą pociągnięć pędzla. Pozwala mu to oddać piękno detali i jednocześnie ogólne pierwsze wrażenia charakterystyczne dla impresjonizmu.
Jednym z największych ruchów w sztuce ostatnich dziesięcioleci XIX i początku XX wieku jest impresjonizm, który rozprzestrzenił się na cały świat począwszy od Francji. Jej przedstawiciele zajmowali się rozwojem takich metod i technik malarskich, które pozwoliłyby jak najżywiej i naturalnie odzwierciedlić dynamikę rzeczywistego świata, przekazać jego ulotne wrażenia.
Wielu artystów tworzyło swoje płótna w stylu impresjonizmu, ale założycielami tego ruchu byli Claude Monet, Edouard Manet, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Edgar Degas, Frederic Basil, Camille Pissarro. Nie sposób wymienić ich najlepszych dzieł, ponieważ wszystkie są piękne, ale są te najbardziej znane i zostaną one omówione dalej.
Claude Monet: „Wrażenie. Wschodzące słońce"
Płótno, od którego warto rozpocząć rozmowę o najlepszych obrazach impresjonistów. Claude Monet namalował go w 1872 roku z życia w starym porcie w Le Havre we Francji. Dwa lata później obraz po raz pierwszy pokazano publiczności w dawnej pracowni francuskiego artysty i karykaturzysty Nadara. Wystawa ta stała się fatalna dla świata sztuki. Pod wrażeniem (nie w najlepszym tego słowa znaczeniu) dzieła Moneta, którego tytuł w oryginale brzmi jak „Impresja, soleil levant”, dziennikarz Louis Leroy jako pierwszy ukuł termin „impresjonizm”, oznaczający nowy kierunek w malarstwie.
Obraz został skradziony w 1985 roku wraz z dziełami O. Renoira i B. Morisota. Odkryto je pięć lat później. Obecnie „Impresja. Wschodzące słońce” należy do Muzeum Marmottan-Monet w Paryżu.
Edouard Monet: „Olimpia”
Obraz „Olimpia”, stworzony przez francuskiego impresjonistę Edouarda Maneta w 1863 roku, jest jednym z arcydzieł współczesnego malarstwa. Po raz pierwszy zaprezentowano go na Salonie Paryskim w 1865 roku. Artyści impresjoniści i ich obrazy często znajdowali się w centrum głośnych skandalów. Jednak Olimpia spowodowała największe z nich w historii sztuki.
Na płótnie widzimy nagą kobietę, z twarzą i ciałem zwróconą w stronę widza. Druga postać to ciemnoskóra pokojówka trzymająca luksusowy bukiet owinięty w papier. W nogach łóżka stoi czarny kotek w charakterystycznej pozie z wygiętymi w łuk plecami. Niewiele wiadomo o historii obrazu, dotarły do nas jedynie dwa szkice. Modelką był najprawdopodobniej ulubiony model Maneta, Quiz Meunard. Istnieje opinia, że artysta posłużył się wizerunkiem Marguerite Bellanger, kochanki Napoleona.
W okresie twórczym, kiedy powstała Olympia, Manet był zafascynowany sztuką japońską i dlatego celowo odmawiał opracowania niuansów ciemności i światła. Z tego powodu jego współcześni nie dostrzegali objętości przedstawionej postaci i uważali ją za płaską i szorstką. Artystę oskarżano o niemoralność i wulgaryzmy. Nigdy wcześniej obrazy impresjonistów nie wywoływały takiego podniecenia i kpiny ze strony tłumu. Administracja była zmuszona umieścić wokół niej strażników. Degas porównał sławę Maneta zdobytą dzięki Olimpii i odwagę, z jaką przyjmował krytykę, z historią życia Garibaldiego.
Przez niemal ćwierć wieku po wystawie płótno było trzymane w pracowni artysty poza zasięgiem wścibskich oczu. Następnie wystawiono go ponownie w Paryżu w 1889 roku. Prawie został kupiony, ale przyjaciele artysty zebrali potrzebną kwotę i kupili „Olimpię” od wdowy po Manecie, a następnie przekazali ją państwu. Obecnie obraz znajduje się w Muzeum Orsay w Paryżu.
Auguste Renoir: „Wielcy kąpiący się”
Obraz namalował francuski artysta w latach 1884-1887. Biorąc pod uwagę wszystkie znane obecnie obrazy impresjonistów z okresu od 1863 roku do początków XX wieku, „Wielcy kąpiący się” nazywani są największym płótnem przedstawiającym nagie postacie kobiece. Renoir pracował nad nim przez ponad trzy lata iw tym okresie powstało wiele szkiców i szkiców. Żadnemu innemu obrazowi w jego twórczości nie poświęcił tyle czasu.
Na pierwszym planie widz widzi trzy nagie kobiety, z czego dwie stoją na brzegu, a trzecia stoi w wodzie. Postacie namalowane są bardzo realistycznie i wyraziście, co jest cechą charakterystyczną stylu artysty. Modelkami Renoira były Alina Charigo (jego przyszła żona) i Suzanne Valadon, która w przyszłości sama stała się sławną artystką.
Edgar Degas: „Niebiescy tancerze”
Nie wszystkie wymienione w artykule słynne obrazy impresjonistów zostały namalowane techniką olejną na płótnie. Powyższe zdjęcie pozwala zrozumieć, co przedstawia obraz „Niebiescy tancerze”. Wykonany został pastelą na kartce papieru o wymiarach 65x65 cm i należy do późnego okresu twórczości artysty (1897). Namalował go już z wadą wzroku, dlatego ogromne znaczenie przywiązuje się do organizacji dekoracyjnej: obraz jest postrzegany jako duże plamy koloru, zwłaszcza oglądany z bliska. Temat tancerzy był bliski Degasowi. Powtarzało się to wielokrotnie w jego twórczości. Wielu krytyków uważa, że ze względu na harmonię koloru i kompozycji „Niebiescy tancerze” można uznać za najlepsze dzieło artysty poświęcone tej tematyce. Obecnie obraz znajduje się w Muzeum Sztuki. A. S. Puszkina w Moskwie.
Frédéric Bazille: „Różowa sukienka”
Jeden z twórców francuskiego impresjonizmu, Frédéric Bazille, urodził się w mieszczańskiej rodzinie zamożnego winiarza. Jeszcze w czasie nauki w Liceum zaczął interesować się malarstwem. Po przeprowadzce do Paryża poznał C. Moneta i O. Renoira. Niestety los sprawił, że artysta miał krótką drogę życiową. Zginął w wieku 28 lat na froncie podczas wojny francusko-pruskiej. Jednak jego obrazy, choć nieliczne, słusznie znajdują się na liście „Najlepszych obrazów impresjonistycznych”. Jedną z nich jest „Różowa sukienka” namalowana w 1864 roku. Wszystko wskazuje na to, że płótno można przypisać wczesnemu impresjonizmowi: kontrastom kolorystycznym, dbałości o kolor, słońcu i zamrożonemu momentowi, właśnie temu, co nazywano „impresją”. W roli modelki wystąpiła jedna z kuzynek artysty, Teresa de Hors. Obraz znajduje się obecnie w Musée d'Orsay w Paryżu.
Camille Pissarro: „Boulevard Montmartre. Popołudnie, słoneczne”
Camille Pissarro zasłynął ze swoich pejzaży, których cechą charakterystyczną jest przedstawianie obiektów świetlnych i oświetlonych. Jego twórczość wywarła znaczący wpływ na gatunek impresjonizmu. Artysta samodzielnie rozwinął wiele swoich nieodłącznych zasad, które stały się podstawą jego przyszłej twórczości.
Pissarro lubił malować to samo miejsce o różnych porach dnia. Ma całą serię płócien przedstawiających paryskie bulwary i ulice. Najbardziej znanym z nich jest „Boulevard Montmartre” (1897). Odzwierciedla cały urok, jaki artysta widzi w kipiącym i niespokojnym życiu tego zakątka Paryża. Oglądając bulwar z tego samego miejsca, pokazuje go widzowi w słoneczny i pochmurny dzień, rano, po południu i późnym wieczorem. Poniższe zdjęcie przedstawia obraz „Bulwar Montmartre nocą”.
Styl ten został później przyjęty przez wielu artystów. Wspomnimy tylko, które obrazy impresjonistów powstały pod wpływem Pissarro. Tendencję tę wyraźnie widać w twórczości Moneta (cykl obrazów „Stogi siana”).
Alfred Sisley: „Trawniki na wiosnę”
„Trawniki na wiosnę” to jeden z najnowszych obrazów pejzażysty Alfreda Sisleya, namalowany w latach 1880-1881. Widz widzi na nim leśną ścieżkę wzdłuż brzegów Sekwany z wioską na przeciwległym brzegu. Na pierwszym planie dziewczyna – córka artysty Jeanne Sisley.
Pejzaże artysty oddają autentyczną atmosferę historycznego regionu Ile-de-France i zachowują szczególną miękkość i przejrzystość zjawisk naturalnych charakterystycznych dla określonych pór roku. Artysta nigdy nie był zwolennikiem niecodziennych efektów, trzymał się prostej kompozycji i ograniczonej palety barw. Obraz znajduje się obecnie w National Gallery w Londynie.
Zestawiliśmy najsłynniejsze obrazy impresjonistów (wraz z nazwami i opisami). Są to arcydzieła malarstwa światowego. Wyjątkowy styl malarstwa, wywodzący się z Francji, był początkowo odbierany z kpiną i ironią, krytycy podkreślali wręcz niedbałość artystów w malowaniu płócien. Teraz mało kto ma odwagę kwestionować swój geniusz. Obrazy impresjonistów wystawiane są w najbardziej prestiżowych muzeach na świecie i stanowią pożądany eksponat w każdej prywatnej kolekcji.
Styl nie odszedł w zapomnienie i ma wielu naśladowców. Nasz rodak Andrei Koch, francuski malarz Laurent Parselier, Amerykanie Diana Leonard i Karen Tarleton to znani współcześni impresjoniści. Ich obrazy wykonane są w najlepszych tradycjach gatunku, pełne jasnych kolorów, odważnych pociągnięć i życia. Na zdjęciu powyżej praca Laurenta Parseliera „W promieniach słońca”.
Szczegóły Kategoria: Różnorodność stylów i ruchów w sztuce oraz ich cechy Opublikowano 01.04.2015 14:11 Wyświetleń: 10587Impresjonizm to kierunek w sztuce, który pojawił się w drugiej połowie XIX wieku. Jego głównym celem było przekazywanie ulotnych, zmiennych wrażeń.
Pojawienie się impresjonizmu wiąże się z nauką: z najnowszymi odkryciami optyki i teorii koloru.
Trend ten dotknął niemal wszystkie rodzaje sztuki, jednak najdobitniej objawił się w malarstwie, gdzie podstawą twórczości artystów impresjonistów była transmisja koloru i światła.
Znaczenie terminu
Impresjonizm(francuski Impressionnisme) od impresja - impresja). Ten styl malarstwa pojawił się we Francji pod koniec lat sześćdziesiątych XIX wieku. Reprezentowali go Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Berthe Morisot, Alfred Sisley, Jean Frederic Bazille. Ale sam termin pojawił się w 1874 roku, kiedy obraz Moneta „Impresja. Wschodzące słońce” (1872). W tytule obrazu Monet miał na myśli, że przekazuje jedynie ulotne wrażenie krajobrazu.
K. Moneta „Wrażenie. Wschód słońca” (1872). Muzeum Marmottan-Monet w Paryżu
Później termin „impresjonizm” w malarstwie zaczęto rozumieć szerzej: uważne studiowanie natury pod kątem koloru i oświetlenia. Celem impresjonistów było ukazanie chwilowych, pozornie „przypadkowych” sytuacji i ruchów. Aby to zrobić, zastosowali różne techniki: złożone kąty, asymetrię, fragmentaryczne kompozycje. Dla impresjonistów obraz staje się zamrożonym momentem stale zmieniającego się świata.
Impresjonistyczna metoda artystyczna
Najpopularniejszymi gatunkami impresjonistów są pejzaże i sceny z życia miejskiego. Malowano je zawsze „w plenerze”, czyli tzw. bezpośrednio z natury, w naturze, bez szkiców i wstępnych szkiców. Impresjoniści zauważyli i potrafili przekazać na płótno kolory i odcienie, które zwykle były niewidoczne gołym okiem i nieuważnemu widzowi. Na przykład renderowanie koloru niebieskiego w cieniach lub różowego o zachodzie słońca. Rozłożyli złożone tony na składowe czyste kolory widma. Dzięki temu ich obrazy wydawały się jasne i żywe. Artyści impresjoniści nakładali farby osobnymi pociągnięciami, w sposób swobodny, a nawet niedbały, dlatego ich obrazy najlepiej oglądać z daleka - właśnie z tego punktu widzenia powstaje efekt żywego migotania kolorów.
Impresjoniści porzucili kontur, zastępując go małymi, odrębnymi i kontrastującymi pociągnięciami.
C. Pissarro, A. Sisley i C. Monet preferowali pejzaże i sceny miejskie. O. Renoir uwielbiał przedstawiać ludzi na łonie natury lub we wnętrzu. Francuski impresjonizm nie budził problemów filozoficznych i społecznych. Nie zwracali się do tematów biblijnych, literackich, mitologicznych i historycznych, które były nieodłącznie związane z oficjalnym akademizmem. Zamiast tego na obrazach pojawił się obraz codzienności i nowoczesności; obraz ludzi w ruchu, podczas relaksu lub zabawy. Ich głównymi tematami są flirty, taniec, ludzie w kawiarniach i teatrach, przejażdżki łodzią, plaże i ogrody.
Impresjoniści starali się uchwycić ulotne wrażenie, najmniejsze zmiany w każdym przedmiocie w zależności od oświetlenia i pory dnia. Pod tym względem cykle obrazów Moneta „Stogi siana”, „Katedra w Rouen” i „Parlament Londynu” można uznać za najwyższe osiągnięcie.
C. Monet „Katedra w Rouen w słońcu” (1894). Muzeum Orsay w Paryżu, Francja
„Katedra w Rouen” to cykl 30 obrazów Claude'a Moneta, które przedstawiają widoki katedry w zależności od pory dnia, roku i oświetlenia. Cykl ten artysta namalował w latach 90. XIX w. Katedra pozwoliła mu pokazać związek pomiędzy stałą, solidną konstrukcją budowli a zmiennym, łatwo grającym światłem, zmieniającym naszą percepcję. Monet koncentruje się na poszczególnych fragmentach gotyckiej katedry i wybiera portal, wieżę św. Marcina i wieżę Albana. Interesuje go wyłącznie gra światła na kamieniu.
K. Monet „Katedra w Rouen, portal zachodni, mglista pogoda” (1892). Muzeum Orsay w Paryżu
K. Monet „Katedra w Rouen, portal i wieża, efekt poranka; biała harmonia” (1892-1893). Muzeum Orsay w Paryżu
K. Monet „Katedra w Rouen, portal i wieża w słońcu, harmonia błękitu i złota” (1892-1893). Muzeum Orsay w Paryżu
Po Francji artyści impresjonistyczni występowali w Anglii i USA (James Whistler), w Niemczech (Max Liebermann, Lovis Corinth), w Hiszpanii (Joaquin Sorolla), w Rosji (Konstantin Korovin, Valentin Serov, Igor Grabar).
O twórczości niektórych impresjonistów
Claude Monet (1840-1926)
Claude Monet, fotografia 1899
Malarz francuski, jeden z twórców impresjonizmu. Urodzony w Paryżu. Od dzieciństwa lubił rysować, a w wieku 15 lat dał się poznać jako utalentowany karykaturzysta. Do malarstwa pejzażowego wprowadził go Eugene Boudin, francuski artysta, poprzednik impresjonizmu. Później Monet wstąpił na uniwersytet na Wydziale Sztuki, ale rozczarował się i opuścił go, zapisując się do pracowni malarskiej Charlesa Gleyre'a. W studiu poznał artystów Auguste'a Renoira, Alfreda Sisleya i Frédérica Bazille'a. Byli praktycznie rówieśnikami, mieli podobne poglądy na sztukę i wkrótce stworzyli kręgosłup grupy impresjonistów.
Monet zasłynął dzięki portretowi Camille Doncieux, namalowanemu w 1866 roku („Kamille, czyli portret damy w zielonej sukni”). Camilla została żoną artysty w 1870 roku.
C. Monet „Camille” („Dama w zieleni”) (1866). Kunsthalle w Bremie
C. Monet „Spacer: Camille Monet z synem Jeanem (Kobieta z parasolką)” (1875). Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie
W 1912 roku lekarze zdiagnozowali u C. Moneta podwójną zaćmę i musiał przejść dwie operacje. Straciwszy soczewkę w lewym oku, Monet odzyskał wzrok, ale zaczął widzieć światło ultrafioletowe jako niebieskie lub fioletowe, przez co jego obrazy nabrały nowych kolorów. Na przykład malując słynne „Lilie wodne” Monet widział w ultrafiolecie lilie niebieskawe, dla innych były one po prostu białe.
C. Monet „Lilie wodne”
Artysta zmarł 5 grudnia 1926 roku w Giverny i został pochowany na miejscowym cmentarzu kościelnym.
Kamil Pissarro (1830-1903)
C. Pissarro „Autoportret” (1873)
Malarz francuski, jeden z pierwszych i najkonsekwentniejszych przedstawicieli impresjonizmu.
Urodzony na wyspie St. Thomas (Indie Zachodnie), w mieszczańskiej rodzinie sefardyjskiego Żyda pochodzącego z Dominikany. Do 12 roku życia mieszkał w Indiach Zachodnich, a w wieku 25 lat wraz z całą rodziną przeprowadził się do Paryża. Tutaj studiował w Szkole Sztuk Pięknych i Académie de Suisse. Jego nauczycielami byli Camille Corot, Gustave Courbet i Charles-François Daubigny. Zaczął od wiejskich krajobrazów i widoków Paryża. Pissarro wywarł silny wpływ na impresjonistów, niezależnie rozwijając wiele zasad, które stanowiły podstawę ich stylu malarskiego. Zaprzyjaźnił się z artystami Degasem, Cezanne’em i Gauguinem. Pizarro był jedynym uczestnikiem wszystkich 8 wystaw impresjonistów.
Zmarł w 1903 roku w Paryżu. Został pochowany na cmentarzu Père Lachaise.
Już w swoich wczesnych pracach artysta zwracał szczególną uwagę na przedstawienie oświetlonych obiektów w powietrzu. Od tego czasu światło i powietrze stały się wiodącym tematem twórczości Pissarro.
C. Pissarro „Boulevard Montmartre. Słoneczne popołudnie” (1897)
w 1890 roku Pizarro zainteresował się techniką pointylizmu (oddzielne stosowanie pociągnięć). Ale po chwili wrócił do swojego zwykłego zachowania.
W ostatnich latach życia wzrok Camille'a Pissarro zauważalnie się pogorszył. Kontynuował jednak swoją pracę i stworzył cykl widoków Paryża, przepełnionych artystycznymi emocjami.
C. Pissarro „Ulica w Rouen”
Niezwykły kąt niektórych jego obrazów tłumaczy się faktem, że artysta namalował je z pokoi hotelowych. Seria ta stała się jednym z najwyższych osiągnięć impresjonizmu w przekazywaniu efektów świetlnych i atmosferycznych.
Pissarro malował także akwarelami oraz stworzył serię rycin i litografii.
Oto kilka jego ciekawych wypowiedzi na temat sztuki impresjonizmu: „Impresjoniści są na dobrej drodze, ich sztuka jest zdrowa, opiera się na doznaniach i jest szczera”.
„Szczęśliwy jest ten, kto potrafi dostrzec piękno w zwyczajnych rzeczach, tam gdzie inni nie widzą nic!”
C. Pissarro „Pierwszy przymrozek” (1873)
Rosyjski impresjonizm
Rosyjski impresjonizm rozwijał się od końca XIX do początku XX wieku. Wpływ na to miała twórczość francuskich impresjonistów. Ale rosyjski impresjonizm ma wyraźną specyfikę narodową i pod wieloma względami nie pokrywa się z podręcznikowymi wyobrażeniami o klasycznym francuskim impresjonizmie. W malarstwie rosyjskich impresjonistów dominuje obiektywizm i materialność. Jest bardziej naładowany znaczeniem i mniej dynamiczny. Rosyjski impresjonizm jest bliższy realizmowi niż francuski. Francuscy impresjoniści skupili się na wrażeniu tego, co zobaczyli, a Rosjanie dodali także odzwierciedlenie wewnętrznego stanu artysty. Prace należało ukończyć w ciągu jednej sesji.
Pewna niekompletność rosyjskiego impresjonizmu tworzy charakterystyczny dla nich „drewnik życia”.
Impresjonizm obejmuje twórczość rosyjskich artystów: A. Arkhipova, I. Grabara, K. Korovina, F. Malyavina, N. Meshcherina, A. Murashko, V. Serova, A. Rylova i innych.
V. Serow „Dziewczyna z brzoskwiniami” (1887)
Obraz ten uważany jest za standard rosyjskiego impresjonizmu w portrecie.
Walentin Sierow „Dziewczyna z brzoskwiniami” (1887). Płótno, olej. 91×85 cm Państwowa Galeria Trietiakowska
Obraz został namalowany w majątku Savvy Iwanowicza Mamontowa w Abramcewie, który nabył od córki pisarza Siergieja Aksakowa w 1870 roku. Portret przedstawia 12-letnią Wierę Mamontową. Narysowana jest dziewczyna siedząca przy stole; ma na sobie różową bluzkę z ciemnoniebieską kokardką; na stole jest nóż, brzoskwinie i liście.
„Wszystko, do czego dążyłem, to świeżość, ta wyjątkowa świeżość, którą zawsze czujesz w naturze, a której nie widać na obrazach. Malowałem ponad miesiąc i wymęczyłem ją, biedactwo, bardzo chciałem zachować świeżość obrazu, będąc jednocześnie całkowicie kompletnym, jak dawni mistrzowie” (W. Sierow).
Impresjonizm w innych formach sztuki
W literaturze
W literaturze impresjonizm jako odrębny ruch nie rozwinął się, ale jego cechy znalazły odzwierciedlenie naturalizm I symbolizm .
Edmonda i Julesa Goncourtów. Zdjęcie
Zasady naturalizm można prześledzić w powieściach braci Goncourt i George'a Eliota. Ale Emile Zola jako pierwszy użył terminu „naturalizm” w odniesieniu do swojej własnej twórczości. Pisarze Guy de Maupassant, Alphonse Daudet, Huysmans i Paul Alexis skupili się wokół Zoli. Po wydaniu zbioru „Wieczory Medan” (1880), zawierającego szczere opowieści o katastrofach wojny francusko-pruskiej (m.in. opowiadanie Maupassanta „Kluska”), nadano im nazwę „Grupa Medan”.
Emil Zola
Zasada naturalizmu w literaturze była często krytykowana za brak artyzmu. Na przykład I. S. Turgieniew napisał o jednej z powieści Zoli, że „dużo grzebania w nocnikach”. Gustave Flaubert był także krytyczny wobec naturalizmu.
Zola utrzymywał przyjazne stosunki z wieloma artystami impresjonistycznymi.
Symboliści użyte symbole, niedopowiedzenie, wskazówki, tajemnica, zagadka. Głównym nastrojem uchwyconym przez symbolistów był pesymizm, sięgający punktu rozpaczy. Wszystko „naturalne” było przedstawiane jedynie jako „pozor” niemający samodzielnego znaczenia artystycznego.
Tym samym impresjonizm w literaturze wyrażał się poprzez prywatną impresję autora, odrzucenie obiektywnego obrazu rzeczywistości i przedstawienie każdej chwili. W rzeczywistości doprowadziło to do braku fabuły i historii, zastąpienia myśli percepcją, a rozumu instynktem.
G. Courbet „Portret P. Verlaine’a” (ok. 1866 r.)
Uderzającym przykładem poetyckiego impresjonizmu jest zbiór Paula Verlaine’a „Romanse bez słów” (1874). W Rosji Konstantin Balmont i Innokenty Annensky doświadczyli wpływu impresjonizmu.
V. Serov „Portret K. Balmonta” (1905)
Innokenty Annensky. Zdjęcie
Nastroje te wpłynęły także na dramaturgię. Spektakle zawierają pasywne postrzeganie świata, analizę nastrojów i stanów psychicznych. Dialogi skupiają ulotne, rozproszone wrażenia. Cechy te są charakterystyczne dla twórczości Arthura Schnitzlera.
W muzyce
Impresjonizm muzyczny rozwinął się we Francji w ostatniej ćwierci XIX wieku. - początek 20 wieku Najdobitniej wyraził się w twórczości Erika Satie, Claude'a Debussy'ego i Maurice'a Ravela.
Erika Satie
Impresjonizm muzyczny jest bliski impresjonizmowi w malarstwie francuskim. Mają nie tylko wspólne korzenie, ale także związki przyczynowo-skutkowe. Kompozytorzy impresjonistyczni poszukiwali i odnajdywali nie tylko analogie, ale także środki wyrazu w twórczości Claude'a Moneta, Paula Cezanne'a, Puvisa de Chavannesa i Henriego de Toulouse-Lautreca. Oczywiście środki malarskie i środki sztuki muzycznej można ze sobą połączyć jedynie za pomocą specjalnych, subtelnych paraleli skojarzeniowych, które istnieją tylko w umyśle. Jeśli spojrzeć na rozmazany obraz Paryża „w jesiennym deszczu” i te same dźwięki, „przytłumione hałasem spadających kropli”, to tutaj możemy mówić jedynie o właściwości obrazu artystycznego, ale nie obrazu rzeczywistego.
Claude'a Debussy'ego
Debussy pisze „Chmury”, „Printy” (z których najbardziej przenośny, akwarelowy szkic dźwiękowy - „Ogrody w deszczu”), „Obrazy”, „Refleksje na wodzie”, które budzą bezpośrednie skojarzenia ze słynnym obrazem Claude'a Monet „Impresja: wschód słońca” „ Według Mallarmégo impresjonistyczni kompozytorzy nauczyli się „słyszeć światło”, przekazywać dźwiękami ruch wody, wibracje liści, podmuch wiatru i załamanie światła słonecznego w wieczornym powietrzu.
Maurycego Ravela
Bezpośrednie powiązania malarstwa z muzyką występują u M. Ravela w jego dźwiękowo-wizualnej „Grach wody”, cyklu spektakli „Refleksje” i kolekcji fortepianów „Szmery nocy”.
Impresjoniści tworzyli dzieła sztuki wyrafinowanej, jednocześnie jasnej w środkach wyrazu, powściągliwej emocjonalnie, bezkonfliktowej i surowej stylistycznie.
W rzeźbie
O. Rodin „Pocałunek”
Impresjonizm w rzeźbie wyrażał się w swobodnej plastyczności miękkich form, co tworzy złożoną grę światła na powierzchni materiału i wrażenie niekompletności. Pozy rzeźbiarskich postaci oddają moment ruchu i rozwoju.
O. Rodin. Zdjęcie z 1891 roku
W tym kierunku znajdują się prace rzeźbiarskie O. Rodina (Francja), Medardo Rosso (Włochy), P.P. Trubeckoj (Rosja).
V. Serow „Portret Paolo Trubetskoya”
Paweł (Paolo) Trubieckoj(1866-1938) – rzeźbiarz i artysta, działający we Włoszech, USA, Anglii, Rosji i Francji. Urodzony we Włoszech. Nieślubny syn rosyjskiego emigranta, księcia Piotra Pietrowicza Trubieckiego.
Od dzieciństwa samodzielnie zajmuję się rzeźbą i malarstwem. Nie miał żadnego wykształcenia. W początkowym okresie swojej twórczości tworzył popiersia portretowe, dzieła małej rzeźby, brał udział w konkursach na wykonanie dużych rzeźb.
P. Trubetskoy „Pomnik Aleksandra III”, Petersburg
Pierwsza wystawa prac Paolo Trubetskoya odbyła się w USA w 1886 roku. W 1899 roku rzeźbiarz przybył do Rosji. Bierze udział w konkursie na pomnik Aleksandra III i niespodziewanie dla wszystkich otrzymuje pierwszą nagrodę. Pomnik ten budził i budzi sprzeczne oceny. Trudno wyobrazić sobie pomnik bardziej statyczny i ociężały. I dopiero pozytywna ocena rodziny cesarskiej pozwoliła pomnikowi zająć właściwe miejsce – w rzeźbiarskim obrazie znaleźli podobieństwa z oryginałem.
Krytycy uważali, że Trubetskoy działał w duchu „przestarzałego impresjonizmu”.
Wizerunek Trubeckiego genialnego rosyjskiego pisarza okazał się bardziej „impresjonistyczny”: widać tu wyraźny ruch - w fałdach koszuli, falującej brodzie, obrocie głowy, jest nawet wrażenie, że rzeźbiarzowi udało się uchwycić napięcie myśli L. Tołstoja.
P. Trubetskoy „Popiersie Lwa Tołstoja” (brąz). Państwowa Galeria Trietiakowska
Impresjonizm (impresjonizm) to styl malarstwa, który pojawił się pod koniec XIX wieku we Francji, a następnie rozprzestrzenił się na cały świat. Sama idea impresjonizmu kryje się w jego nazwie: wrażenie - wrażenie. Artyści znużeni tradycyjnymi akademickimi technikami malarskimi, które ich zdaniem nie oddawały całego piękna i żywotności świata, zaczęli posługiwać się zupełnie nowymi technikami i metodami obrazowania, które w najbardziej przystępnej formie miały wyrazić nie wygląd „fotograficzny”, ale wrażenie z tego, co zobaczył. W swoim malarstwie impresjonista, wykorzystując charakter swoich pociągnięć i paletę barw, stara się oddać atmosferę ciepła lub chłodu, silnego wiatru lub spokojnej ciszy, mglistego deszczowego poranka lub jasnego słonecznego popołudnia, a także swoje osobiste przeżycia. z tego co widział.
Impresjonizm to świat uczuć, emocji i ulotnych wrażeń. Ceniony jest tu nie realizm zewnętrzny czy naturalność, ale realizm wyrażanych wrażeń, stan wewnętrzny obrazu, jego atmosfera i głębia. Początkowo styl ten był przedmiotem ostrej krytyki. Pierwsze obrazy impresjonistów wystawiono w paryskim „Salonie Nędzników”, gdzie prezentowane były prace artystów odrzuconych przez oficjalny paryski Salon Sztuki. Terminu „impresjonizm” po raz pierwszy użył krytyk Louis Leroy, który w magazynie „Le Charivari” napisał pogardliwą recenzję na temat wystawy artystów. Za podstawę tego terminu wziął obraz Claude’a Moneta „Impresja. Wschodzące słońce". Wszystkich artystów nazwał impresjonistami, co można z grubsza przetłumaczyć jako „impresjoniści”. Początkowo obrazy rzeczywiście były krytykowane, ale wkrótce na salon zaczęło przybywać coraz więcej miłośników nowego kierunku artystycznego, a sam gatunek z odrzuconego zmienił się w uznany.
Warto zaznaczyć, że artyści końca XIX wieku we Francji nie wymyślili nowego stylu znikąd. Za podstawę przyjęli techniki malarzy przeszłości, w tym artystów renesansu. Malarze tacy jak El Greco, Velazquez, Goya, Rubens, Turner i inni, na długo przed pojawieniem się impresjonizmu, próbowali oddać nastrój obrazu, żywotność natury, szczególną wyrazistość pogody za pomocą różnych tonów pośrednich , jasne lub przeciwnie, matowe pociągnięcia, które wyglądały jak rzeczy abstrakcyjne. W swoich obrazach stosowali tę technikę dość oszczędnie, dlatego niezwykła technika nie rzucała się w oczy widza. Impresjoniści postanowili przyjąć te metody obrazowania za podstawę swoich dzieł.
Kolejną specyficzną cechą twórczości impresjonistów jest pewna powierzchowna codzienność, która jednak kryje w sobie niesamowitą głębię. Nie starają się wyrażać żadnych głębokich wątków filozoficznych, problemów mitologicznych czy religijnych, wydarzeń historycznych czy ważnych. Obrazy artystów tego ruchu są z natury proste i codzienne - pejzaże, martwe natury, ludzie spacerujący ulicą lub zajmując się swoimi normalnymi sprawami i tak dalej. Właśnie w takich momentach, gdy nie ma nadmiernej treści tematycznej, która odwraca uwagę człowieka, na pierwszy plan wysuwają się uczucia i emocje z tego, co widzi. Również impresjoniści, przynajmniej na początku swojego istnienia, nie przedstawiali „ciężkich” tematów – biedy, wojen, tragedii, cierpienia i tak dalej. Obrazy impresjonistów to najczęściej dzieła najbardziej pozytywne i radosne, w których jest dużo światła, jaskrawych kolorów, wygładzone światłocienie, gładkie kontrasty. Impresjonizm to przyjemne wrażenie, radość życia, piękno każdej chwili, przyjemność, czystość, szczerość.
Najbardziej znanymi impresjonistami byli tak wielcy artyści jak Claude Monet, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro i wielu innych.
Nie wiesz gdzie kupić prawdziwą harfę szczękową? Największy wybór znajdziesz na stronie khomus.ru. Szeroka gama etnicznych instrumentów muzycznych w Moskwie.
Alfred Sisley - Trawniki na wiosnę
Camille Pissarro – Boulevard Montmartre. Popołudnie, słoneczne.
Impresjonizm to kierunek w malarstwie, który narodził się we Francji w XIX-XX wieku i jest artystyczną próbą uchwycenia jakiegoś momentu życia w całej jego zmienności i mobilności. Obrazy impresjonistów są jak dobrze wyprana fotografia, ożywiająca w fantazji kontynuację widzianej historii. W tym artykule przyjrzymy się 10 najsłynniejszym impresjonistom na świecie. Na szczęście utalentowanych artystów jest znacznie więcej niż dziesięciu, dwudziestu, a nawet stu, więc skupmy się na tych nazwiskach, które zdecydowanie musisz znać.
Aby nie urazić ani artystów, ani ich wielbicieli, listę podano w rosyjskim porządku alfabetycznym.
1. Alfreda Sisleya
Ten francuski malarz angielskiego pochodzenia uważany jest za najsłynniejszego pejzażystę drugiej połowy XIX wieku. Jego kolekcja zawiera ponad 900 obrazów, z których najbardziej znane to „Wiejska aleja”, „Mróz w Louveciennes”, „Most w Argenteuil”, „Wczesny śnieg w Louveciennes”, „Trawniki na wiosnę” i wiele innych.
2. Van Gogha
Znany na całym świecie ze smutnej historii o swoim uchu (swoją drogą nie odciął sobie całego ucha, a jedynie płatek), Van Gon zyskał popularność dopiero po swojej śmierci. I w ciągu swojego życia udało mu się sprzedać jeden obraz na 4 miesiące przed śmiercią. Mówią, że był zarówno przedsiębiorcą, jak i księdzem, ale często z powodu depresji trafiał do szpitali psychiatrycznych, więc cały bunt jego istnienia zaowocował legendarnymi dziełami.
3. Kamil Pissarro
Pissarro urodził się na wyspie św. Tomasza, w rodzinie burżuazyjnych Żydów i był jednym z nielicznych impresjonistów, których rodzice wspierali jego pasję i wkrótce wysłali go na studia do Paryża. Przede wszystkim artysta lubił naturę, przedstawiał ją we wszystkich kolorach, a mówiąc ściślej, Pissarro miał szczególny talent do dobierania miękkości kolorów, zgodności, po czym na obrazach zdawało się pojawiać powietrze.
4. Claude Monet
Od dzieciństwa chłopiec zdecydował, że pomimo zakazów rodzinnych zostanie artystą. Po samodzielnej przeprowadzce do Paryża Claude Monet pogrążył się w szarej codzienności ciężkiego życia: dwa lata służby w siłach zbrojnych w Algierii, spory sądowe z wierzycielami z powodu biedy i choroby. Można jednak odnieść wrażenie, że trudności nie gnębiły, a wręcz przeciwnie, zainspirowały artystę do stworzenia tak żywych obrazów, jak „Impresja, wschód słońca”, „Domy parlamentu w Londynie”, „Most do Europy”, „Jesień w Argenteuil”, „Na brzegu” Trouville” i wiele innych.
5. Konstantin Korowin
Miło wiedzieć, że wśród Francuzów, rodziców impresjonizmu, z dumą możemy umieścić naszego rodaka, Konstantina Korovina. Namiętna miłość do natury pomogła mu intuicyjnie nadać statycznemu obrazowi niewyobrażalną żywotność, dzięki połączeniu odpowiednich kolorów, szerokości pociągnięć i doborowi tematu. Nie sposób przejść obojętnie obok jego obrazów „Molo w Gurzufie”, „Ryba, wino i owoce”, „Jesienny krajobraz”, „Księżycowa noc. Zima” oraz cykl jego prac poświęconych Paryżowi.
6. Paul Gauguin
Do 26 roku życia Paul Gauguin nawet nie myślał o malarstwie. Był przedsiębiorcą i miał dużą rodzinę. Kiedy jednak po raz pierwszy zobaczyłam obrazy Camille’a Pissarro, stwierdziłam, że na pewno zacznę malować. Z biegiem czasu styl artysty zmienił się, ale najsłynniejsze obrazy impresjonistyczne to „Ogród w śniegu”, „Na klifie”, „Na plaży w Dieppe”, „Akt”, „Palmy na Martynice” i inne.
7. Paul Cezanne
Cezanne, w przeciwieństwie do większości swoich kolegów, zasłynął już za życia. Udało mu się zorganizować własną wystawę i zarobić na niej znaczne dochody. O jego obrazach wiedzieli dużo – on jak nikt inny nauczył się łączyć grę światła i cienia, kładł duży nacisk na regularne i nieregularne kształty geometryczne, surowość tematu jego obrazów harmonizowała z romantyzmem.
8. Pierre Auguste Renoir
Do 20 roku życia Renoir pracował jako dekorator-fan dla swojego starszego brata, a dopiero potem przeniósł się do Paryża, gdzie poznał Moneta, Basila i Sisleya. Ta znajomość pomogła mu w przyszłości podążać ścieżką impresjonizmu i zyskać na niej sławę. Renoir znany jest jako autor portretów sentymentalnych, do jego najwybitniejszych dzieł należą „Na tarasie”, „Spacer”, „Portret aktorki Jeanne Samary”, „Loża”, „Alfred Sisley i jego żona”, „ Na huśtawce”, „Brodzik” i wiele innych.
9. Edgara Degasa
Jeśli nie słyszeliście nic o „Niebieskich tancerzach”, „Próbie baletowej”, „Szkole baletowej” i „Absyncie”, pospieszcie się i poznajcie twórczość Edgara Degasa. Dobór oryginalnych kolorów, niepowtarzalne motywy obrazów, wyczucie ruchu obrazu – to wszystko i wiele więcej uczyniło Degasa jednym z najbardziej znanych artystów na świecie.
10. Edouarda Maneta
Nie mylcie Maneta z Monetem - to dwie różne osoby, które pracowały w tym samym czasie i w tym samym kierunku artystycznym. Maneta zawsze pociągały sceny z życia codziennego, niezwykły wygląd i typy, jakby przypadkowo „uchwycone” chwile, uchwycone później przez wieki. Wśród słynnych obrazów Maneta: „Olimpia”, „Obiad na trawie”, „Bar w Folies Bergere”, „Flecista”, „Nana” i inne.
Jeśli będziesz miał choćby najmniejszą okazję zobaczyć na żywo obrazy tych mistrzów, na zawsze zakochasz się w impresjonizmie!