Być w Paryżu i nie zajrzeć do Luwru to po prostu zbrodnia. Każdy turysta ci to powie. Ale jeśli nie przygotowałeś się wcześniej, ryzykujesz, że zgubisz się w tłumie ludzi z aparatami, tabletami i smartfonami i przegapisz najważniejszą rzecz, dla której cały świat chce odwiedzić największe paryskie muzeum.
Luwr jest ogromny i piękny. Nie da się nacieszyć wszystkimi jego eksponatami nawet w jeden dzień – jest ich ponad 300 000. Aby nie doznać estetycznego szoku od nadmiaru pięknych rzeczy, trzeba dokonać wyboru. Firma Bright Side postanowiła Ci to ułatwić.
Po co więc iść do Luwru? Przede wszystkim oczywiście za Giocondę.
„Mona Lisa” Leonarda da Vinci
Głównym eksponatem Luwru jest „La Gioconda” Leonarda da Vinci. Wszystkie znaki muzealne prowadzą do tego obrazu. Ogromna liczba ludzi codziennie przybywa do Luwru, aby na własne oczy zobaczyć urzekający uśmiech Mony Lisy. Nigdzie poza Luwrem nie można go zobaczyć. Ze względu na zły stan obrazu dyrekcja muzeum zapowiedziała, że nie będzie go już przekazywać na wystawy.
Mona Lisa mogłaby nie być tak popularna i znana na całym świecie, gdyby nie została skradziona przez pracownika Luwru w 1911 roku. Obraz odnaleziono dopiero 2 lata później, gdy złodziej próbował go sprzedać we Włoszech. Przez cały czas trwania śledztwa Mona Lisa nie opuszczała okładek gazet i czasopism na całym świecie, stając się obiektem kopiowania i kultu.
Dziś Mona Lisa jest ukryta za kuloodpornym szkłem, a barykady powstrzymują tłumy turystów. Zainteresowanie jednym z najbardziej znanych i tajemniczych dzieł sztuki na świecie nie słabnie.
Wenus z Milo
Drugą gwiazdą Luwru jest biały marmurowy posąg bogini miłości Afrodyty. Słynny starożytny ideał piękna, stworzony w 120 pne. mi. Wzrost bogini wynosi 164 cm, proporcje to 86 × 69 × 93.
Według jednej wersji ręce bogini zaginęły w czasie konfliktu między Francuzami, którzy chcieli zabrać ją do swojego kraju, a Turkami – właścicielami wyspy, na której została odkryta. Eksperci zapewniają, że ręce posągu zostały odrąbane na długo przed jego odkryciem. Jednak mieszkańcy wysp Morza Egejskiego wierzą w inną piękną legendę.
Pewien znany rzeźbiarz poszukiwał modelu do stworzenia posągu bogini Wenus. Słyszał pogłoski o kobiecie niezwykłej urody z wyspy Milos. Artysta rzucił się tam, znalazł piękność i zakochał się w niej po uszy. Po uzyskaniu zgody zabrał się do pracy. W dniu, w którym arcydzieło było już prawie gotowe, nie mogąc już dłużej powstrzymywać namiętności, rzeźbiarz i model rzucili się sobie w ramiona. Dziewczyna przycisnęła rzeźbiarza do piersi tak mocno, że udusił się i umarł. A rzeźba pozostała bez obu rąk.
Tratwa Meduzy Theodore Géricault
Dziś obraz Theodore'a Géricaulta jest jedną z perełek muzeum. Chociaż po śmierci artysty w 1824 roku przedstawiciele Luwru nie byli gotowi zapłacić za niego przyzwoitej kwoty, a bliski przyjaciel artysty kupił obraz na aukcji.
Za życia autora płótno wywoływało oburzenie i oburzenie: jak artysta śmie używać tak dużego formatu nie do zaakceptowanej wówczas heroicznej lub religijnej fabuły, ale do przedstawienia prawdziwego wydarzenia.
Fabuła obrazu oparta jest na incydencie, który miał miejsce 2 lipca 1816 roku u wybrzeży Senegalu. Fregata „Medusa” została rozbita, a 140 osób próbowało uciec na tratwie. Przeżyło tylko 15 z nich, a 12 dni później zabrał ich bryg Argus. Szczegóły wyprawy ocalałych – morderstwa, kanibalizm – zszokowały społeczeństwo i przerodziły się w skandal.
Gericault połączył w jednym obrazie nadzieję i rozpacz, żywych i umarłych. Przed przedstawieniem tych ostatnich artysta wykonał liczne szkice umierających w szpitalach oraz zwłoki rozstrzelanych. Tratwa Meduzy była ostatnią z ukończonych prac Géricaulta.
Nike z Samotraki
Kolejną ozdobą muzeum jest marmurowa rzeźba bogini zwycięstwa. Badacze uważają, że nieznany rzeźbiarz stworzył Nike w II wieku pne jako znak greckich zwycięstw morskich.
Rzeźbie brakuje głowy i ramion, a prawe skrzydło jest rekonstrukcją, gipsową kopią lewego skrzydła. Wielokrotnie próbowano przywrócić ręce posągu, ale bezskutecznie - wszyscy zepsuli arcydzieło. Posąg tracił czucie lotu i szybkości, niepowstrzymanego dążenia do przodu.
Początkowo Nika stała na stromym klifie nad morzem, a jej cokół przedstawiał dziób okrętu wojennego. Dziś posąg znajduje się na drugim piętrze Luwru na schodach prowadzących do Galerii Daru w Denon i jest widoczny z daleka.
Koronacja Napoleona Jacquesa Louisa Davida
Koneserzy sztuki udają się do Luwru, aby zobaczyć na żywo monumentalne obrazy francuskiego artysty Jacquesa Louisa Davida „Przysięga Horacjuszy”, „Śmierć Marata” oraz okazałe płótno przedstawiające koronację Napoleona.
Pełny tytuł obrazu to „Konsekracja cesarza Napoleona I i koronacja cesarzowej Józefiny w katedrze Notre Dame 2 grudnia 1804”. Dawid wybrał moment, w którym Napoleon koronuje Józefinę, a papież Pius VII udziela mu błogosławieństwa.
Obraz powstał na zamówienie samego Napoleona I, który chciał, aby wszystko wyglądało na nim lepiej niż było w rzeczywistości. Dlatego poprosił Dawida, aby przedstawił swoją matkę, której nie było na koronacji, w samym środku obrazu, aby był trochę wyższy, a Józefina trochę młodsza.
„Kupidyn i Psychika” Antonio Canovy
Istnieją dwie wersje rzeźby. W Luwrze znajduje się pierwsza wersja, podarowana muzeum w 1800 roku przez męża siostry Napoleona, Joachima Murata. Druga, późniejsza wersja, znajduje się w Ermitażu w Petersburgu. Został przekazany do muzeum przez księcia Jusupowa, który nabył arcydzieło w Rzymie w 1796 roku.
Rzeźba przedstawia boga Kupidyna w momencie budzenia Psyche z pocałunku. W katalogu Luwru grupa rzeźbiarska nosi nazwę „Psyche obudzona pocałunkiem Kupidyna”. Stworzenie arcydzieła włoskiego rzeźbiarza Antonio Canovy zostało zainspirowane starożytnymi greckimi mitami o bogu miłości Kupidyna i Psyche, którego Grecy uważali za personifikację ludzkiej duszy.
To arcydzieło ucieleśnienia zmysłowości w marmurze zdecydowanie warto docenić na żywo.
„Wielka odaliska” Jeana Ingresa
Ingres namalował Wielką Odaliskę dla siostry Napoleona, Caroline Murat. Ale zdjęcie nigdy nie zostało zaakceptowane przez klienta.
Dziś jest to jeden z najcenniejszych eksponatów Luwru, mimo oczywistych błędów anatomicznych. Odalisque ma trzy dodatkowe kręgi, prawe ramię jest niewiarygodnie długie, a lewa noga jest skręcona pod niemożliwym kątem. Kiedy obraz pojawił się w salonie w 1819 roku, jeden z krytyków napisał, że w „Odalisce” nie ma „kości, mięśni, krwi, życia, płaskorzeźby”.
Ingres zawsze bez wahania i żalu wyolbrzymiał rysy swoich modeli, aby podkreślić wyrazistość i wartość artystyczną obrazu. A dziś nikomu to nie przeszkadza. „Wielka odaliska” jest uważana za najbardziej znane i znaczące dzieło mistrza.
„Niewolnicy” Michała Anioła
Do najcenniejszych eksponatów Luwru należą dwie rzeźby Michała Anioła: słynny „Zbuntowany niewolnik” i „Umierający niewolnik”. Powstały w latach 1513-1519 dla nagrobka papieża Juliusza II, ale nigdy nie zostały uwzględnione w ostatecznej wersji grobowca.
Zgodnie z planem rzeźbiarza powinno być w sumie sześć posągów. Ale Michał Anioł nie ukończył pracy nad czterema z nich. Dziś znajdują się w Galerii Accademia we Florencji.
Dwa ukończone posągi w Luwrze są kontrastem między silnym młodzieńcem, który próbuje zerwać swoje więzy, a innym młodzieńcem, który bezradnie w nich wisi. Pokonani, spętani, umierający ludzie u Michała Anioła są jednak jak zwykle niesamowicie piękni i silni.
Siedzący posąg Ramzesa II
Luwr posiada jedną z najbogatszych kolekcji starożytności egipskich na świecie. Arcydziełem starożytnej kultury egipskiej, które trzeba zobaczyć na własne oczy, jest pomnik słynnego faraona Ramzesa II.
Będąc w sali egipskich starożytności, nie przegap posągu siedzącego skryby o zaskakująco żywym wyrazie twarzy.
Koronkarka Jana Vermeera
Obrazy Vermeera są interesujące, ponieważ badacze znajdują dowody na to, że wielcy artyści, począwszy od renesansu, używali optyki do pisania swoich realistycznych obrazów. W szczególności, tworząc Lacemaker, Vermeer rzekomo użył camera obscura. Na zdjęciu widać wiele efektów optycznych stosowanych w fotografii, np.: rozmyty pierwszy plan.
W Luwrze można również zobaczyć obraz Vermeera „Astronom”. Przedstawia przyjaciela artysty i pośmiertnego menadżera Anthony'ego van Leeuwenhoeka, naukowca i mikrobiologa, wyjątkowego rzemieślnika, który stworzył własne mikroskopy i soczewki. Najwyraźniej dostarczył Vermeerowi optykę, za pomocą której artysta malował swoje arcydzieła.
Fascynująca jest najbogatsza kolekcja obrazów Luwru. I nie tylko „Mona Lisa” wielkiego Leonarda. Więcej na ten temat później. A oto przykładowo wysoko ceniony przez historyków sztuki obraz Domenico Ghirlandaio „Stary człowiek z wnukiem”. Przyjrzyj się uważnie obu postaciom, a zobaczysz tę samą twarz. Zwróć uwagę na krajobraz za oknem. Z pozoru nie jest to nic niezwykłego, ale gdy przyjrzysz się bliżej, zobaczysz krętą ścieżkę życia, zaczynającą się od pustki. Dalej młodość młodego drzewa, dom, jako symbol dojrzałości i rodziny, oraz wznoszenia się coraz wyżej... do nieba.
01. Domenico Ghirlandaio – „Staruszek z wnukiem”
Warto zauważyć, że wśród historyków sztuki obraz Leonarda da Vinci „Jan Chrzciciel” (św. Jan Chrzciciel) jest umieszczony znacznie wyżej niż „Gioconda”. I znowu widzimy tajemniczy uśmiech na płótnie rozświetlonym światłem. I tutaj Jan Chrzciciel nie wygląda na ascetycznego proroka.
02. Leonardo da Vinci - "Jan Chrzciciel" (św. Jan Chrzciciel) 
03. Leonardo da Vinci - „Mona Lisa” („La Gioconda”), gdzie bez niego. Wokół portretu zawsze tłoczy się grupa ludzi, a kieszonkowcy nie śpią. Więc uważaj na swoje portfele w Luwrze. 
04. Ludzie przy „Mona Lisie” 
05. Leonardo da Vinci - "Święta Anna z Madonną i Dzieciątkiem Jezus". Niedokończony obraz 
06. Leonardo da Vinci „Portret młodej kobiety” („Piękna Ferroniera”). Uważa się, że jest to portret Lukrecji Crivelli, kochanki księcia Mediolanu Lodovico Sforzy, patrona Leonarda da Vinci 
07. Lorenzo Lotto - Niosąc krzyż. Na obrazie ciekawie wypisane są łzy, jakby były żywe, oraz trzy promienie światła wychodzące z głowy. 
08. Alessandro Botticelli - „Wenus i trzy gracje przedstawiają dziewczynie prezent” 
09. Malowanie na suficie 
10. Dzieło Guido di Petri Fra Angelico 
11. Praca Genny'ego di Pepe 
12. 
13.
14. Alessandro Botticelli – „Madonna z Dzieciątkiem i św. Janem Chrzcicielem” 
15. Francesco Botticini – „Madonna z Dzieciątkiem w chwale ze św. Marią Magdaleną, św. Bernardem i aniołami” 
16. 
17. Grafika autorstwa Andrei Mantegny 
18.
19. Giovanni Bellini (?) - "Święty Antoni" 
20. Bartolomeo di Giovanni - "Orszak Tetydy" 
21.
22. Francesco Marmitta – „Madonna z Dzieciątkiem ze świętymi Benedyktem i Quentinem oraz dwoma aniołami” 
23. Lorenzo Costa - "Alegoria dworu Izabeli d'Este" 
24. Antonio Giovanni Boltraffio – „Madonna z Dzieciątkiem ze świętymi Janem Chrzcicielem i Sebastianem oraz dwoma darczyńcami” 
25. 
26. Paolo Veronese – „Zaślubiny w Kanie” 
27. 
28. 
29. Lorenzo Lotto – „Chrystus i grzesznik” 
30. 
31.
32. Jacques-Louis David - "Koronacja cesarza Napoleona I i cesarzowej Józefiny" 
33. Pierre Paul Prudon – „Portret cesarzowej Józefiny” 
34. Pierre Paul Prudhon – „Wielka odaliska” 
35. 
36. Antoine Jean Gros - "Napoleon na polu bitwy pod Preuss-Eylau" 
37. Antoine Jean Gros - "Napoleon w pobliżu chorych na dżumę w Jaffie" 
38. Theodore Gericault – „Tratwa Meduzy” 
39. Eugene Delacroix – „Algierskie kobiety”
Wenus z Milo (zdjęcie: Mark / flickr.com) Wenus z Milo (zdjęcie: Rodney / flickr.com) Wenus z Milo (zdjęcie: Dennis Jarvis / flickr.com) Mona Lisa (zdjęcie: Dennis Jarvis / flickr.com) Mona Lisa w Luwrze (Foto: Marcus Meissner / flickr.com) Mona Lisa w Luwrze (Foto: Bryan Allison / flickr.com) Nike z Samotraki (Foto: zdjęcia faungga / flickr.com) Nike z Samotraki (Foto: SpirosK photography / flickr.com) Tratwa Meduzy (zdjęcie: ru.wikipedia.org) Przysięga Horacjuszy (zdjęcie: KCC246F / flickr.com) Duża odaliska (zdjęcie: Dennis Jarvis / flickr.com) Niewolnicy (zdjęcie: Dennis Jarvis / flickr.com) Niewolnicy (zdjęcie: Dennis Jarvis / flickr.com) Kupidyn i Psyche (zdjęcie: Dennis Jarvis / flickr.com) Kupidyn i psychika (zdjęcie: Connie Ma / flickr.com) Kupidyn i psychika (fot. Joseph Kranak / flickr.com) Statua Ramzesa II (zdjęcie: Ivo Jansch/flickr.com)
Pierwsza wizyta w Luwrze często przebiega najłatwiej dostępną trasą. Turyści chętnie odwiedzają „trzy sławne damy z Luwru” – Wenus z Milo, Nike z Samotraki i Monę Lisę.
Najkrótsza trasa wycieczki pozwala zobaczyć najbardziej uderzające arcydzieła muzeum:
- Wenus z Milo;
- Mona Lisa;
- Nike z Samotraki;
- Tratwa Meduzy;
- Przysięga Horacjuszy;
- Duża odaliska;
- niewolnicy;
- Kupidyn i Psyche;
- Posąg Ramzesa II.
Wenus z Milo
Zapoznanie się ze sztuką antyczną jest bardzo trudne dla niedoświadczonego widza. Oryginały noszą ślady zniszczeń pozostawionych przez czas, wojny, wandali. Wenus z Milo jest wspaniałym przykładem dobrze zachowanego oryginału. Posąg został zdjęty z ziemi w 1820 roku i wkrótce przeniesiony do Luwru. Imię nadano jej od nazwy wyspy, na której dokonano odkrycia.
Nagie popiersie pozwoliło naukowcom rozpoznać Wenus, rzymskie bóstwo miłości. Wydłużony kształt posągu, ułożenie ciała Wenus, zmysłowa nagość świadczą o stworzeniu w epoce hellenistycznej. Neutralna twarz Wenus z Milo, pozbawiona emocji, to znak, że rzeźbiarz starał się stworzyć wizerunek bogini stojącej ponad ludzkimi namiętnościami. Artysta nadał twarzy i ciału Wenus idealne proporcje.
Istnieje kilka wersji wyjaśniających brak rąk na Wenus. Historycy sztuki i archeolodzy twierdzą, że posąg został już usunięty w zniszczonej formie. To obala romantyczną legendę o miłości rzeźbiarza do modelki. Ogarnięta namiętnością do artysty dziewczyna ścisnęła go w ramionach tak mocno, że go udusiła. Bogini pozostała niedokończona - bez rąk.
Wenus z Milo znajduje się w Luwrze od 195 lat. Arcydzieło znajdziesz na pierwszym piętrze w pokoju 74.
Mona Lisa (La Gioconda)
Nabyte przez króla Franciszka I na początku XVI wieku płótno stało się sławne dopiero w XX wieku. Portret Lisy Gherardini, żony Francesco del Giocondo, stał się „gwiazdą” Luwru po porwaniu przez pracownika muzeum. Przez dwa lata, podczas gdy policja prowadziła śledztwo, zdjęcie było publikowane w gazetach i czasopismach na całym świecie. Ta sytuacja rozsławiła Mona Lisę, która po powrocie do Luwru w 1913 roku stała się obiektem uwielbienia szerokiej publiczności.
„Mona Lisa” to obraz o olśniewającej technice malarskiej. Leonardo da Vinci używał mocno rozcieńczonych, prawie przezroczystych warstw koloru. Gra światłocienia i rozmytych konturów stwarza wrażenie nierzeczywistości. Mona Lisa, zwykła średniowieczna dama, wydaje się niemal magiczna.
Tożsamość modelki stała się przedmiotem dziwacznych spekulacji. Mona Lisa została nazwana zaszyfrowaną wiadomością dla ludzkości. Niektórzy badacze twierdzą, że płótno jest autoportretem samego Leonarda. Inni twierdzili, że artysta uchwycił cechy swojej matki na obrazie Mony Lisy. Oficjalne informacje mówią, że Mona (czyli „Pani”) nosiła imię Lisa Giocondo i była żoną jednego z florenckich kupców.
Uśmiech Mony Lisy jest symbolem kobiecego piękna i wdzięku. Monę Lisę można zobaczyć na pierwszym piętrze Luwru, w Wielkiej Galerii.
Nike z Samotraki
Według historyków starożytny oryginał posągu został zniszczony przez trzęsienie ziemi. Prezentowany w Luwrze okaz został znaleziony wśród niezliczonych posągów na wyspie Samotraka na Morzu Egejskim. Badacze uważają, że posąg przedstawia starożytną helleńską boginię zwycięstwa, Nike, swoim charakterystycznym gestem ogłaszającym zwycięstwo greckich statków w bitwie morskiej w 190 roku p.n.e.
Na przestrzeni wieków Nike straciła głowę i ręce. Prawe skrzydło zostało dziś odtworzone poprzez wykonanie odlewu gipsowego z ocalałego lewego skrzydła. Platforma, na której zamocowany jest posąg, jest również wykonana dzisiaj. Mimo zniszczeń posąg zachwyca dokładnością proporcji, autentycznością postawy ciała oraz fałdami odzieży, które realistycznie odzwierciedlają ruch wiatru. Francuski kulturolog Malraux nazwał Nike z Samotraki ponadczasowym symbolem sztuki zachodniej, „arcydziełem losu”.
Krytycy sztuki umieścili posąg na zakręcie schodów, gdzie najlepiej wygląda imponująca poza Nike.
„Tratwa Meduzy”
To płótno Theodore'a Géricaulta nazywane jest manifestem romantyzmu. Po raz pierwszy zaprezentowany publiczności w 1819 roku obraz wywołał publiczny skandal. Wydarzenia przedstawione na zdjęciu były nietradycyjną jak na tamte czasy fabułą religijną lub mitologiczną, ale były ostrą krytyką władz.
Śmierć statku „La Medusa”, która nastąpiła z powodu niekompetencji kapitana, nie pociągała za sobą kary. Kapitan wrócił na swoje stanowisko, ponieważ miał ochronę, a 149 pasażerów, którzy nie mieli wystarczającej liczby łodzi, dryfowało przez 12 dni na prowizorycznej tratwie. W wyniku masakry, kanibalizmu i szaleństwa na tratwie przeżyło 15 nieszczęśników.
Płótno Géricaulta przedstawia niestabilną tratwę i ogromną falę, która może ją wywrócić. Artysta oddał różne stany psychiczne pasażerów tratwy - rozpacz mężczyzny obejmującego zmarłego syna, złość i przygnębienie, niestrudzoną nadzieję tych, którzy machają do nieznanych ratowników. Bohaterem obrazu jest ludzkość jako całość, próbująca uciec, pomimo strasznego losu.
Luwr otrzymał obraz w 1824 roku. Tratwę Meduzy można zobaczyć w sali 77, w której znajdują się romantyczne eksponaty, na drugim piętrze muzeum.
„Przysięga Horacjuszy”
Wiele eksponatów Luwru przywołuje wspomnienia z podręczników szkolnych. To także obraz Jacquesa-Louisa Davida „Przysięga Horacjuszy”. Przedstawia heroiczny epizod z historii starożytnego Rzymu. Bracia z rodu Horacjuszy poprzysięgli wygrać lub zginąć w pojedynku z wrogami z nieprzyjaznego rodu.
Artysta pokazał moment uroczystego finału przysięgi, gdy ojciec wkłada miecze w uroczyście uniesione ręce swoich synów. Obraz ilustruje nie tylko bohaterstwo i wzniosłe uczucia epoki starożytnej. Jacques-Louis David wziął przykład z historii, aby propagować ideologię swoich czasów.
Obraz stał się arcydziełem gatunku neoklasycystycznego. Łączy proste linie, ciepłe kolory, wyraziste pozy mężczyzn z bezruchem ciemnych kolumn w tle. Współcześni widzowie twierdzą, że płótno Davida sprawia wrażenie zdjęcia z miejsca niepokojących wydarzeń, jest bardzo realistyczne. W Luwrze znajdują się eksponaty ze szkoły neoklasycznej, w tym Przysięga Horacjuszy na parterze.
„Wielka Odaliska”
Autor płótna „Wielka odaliska”, Jean Ingres, przeniósł antyczny temat kobiecego „aktu” na Wschód. Mentalne podróże artystki do odległych gorących krajów stały się powodem do stworzenia zmysłowego wizerunku kobiety z haremu. Ingres uzupełniła nude o egzotyczny wystrój.
Pozostając artystą klasycznym, Ingres odchodzi od tradycji na rzecz zmysłowości rysunku. Celowo zniekształca szczegóły anatomiczne. Odaliska na jego obrazie ma nienaturalnie długi grzbiet. Jej lewa noga i prawa pierś są dziwnie przytwierdzone do jej ciała. Ale ciężka niebieska draperia, turban i fajka wodna są przedstawione dość realistycznie. Kreatywność Ingres ma ogromny wpływ na współczesnych artystów, zwłaszcza na Picassa. „Wielka Odaliska” jest uznawana za jego największe płótno. Luwr prezentuje obraz na pierwszym piętrze, w sali 75.
„Niewolnicy”
Poza Włochami rzadko pokazywane są dzieła Michała Anioła Buonarottiego. Luwr posiada jednocześnie dwa posągi należące do jednego zestawu rzeźb przechowywanych we Florencji. Wystawy w Luwrze „Zmartwychwstały niewolnik” i „Umierający niewolnik” to niedokończone dzieła genialnego artysty. Eksperci wyciągają ten wniosek na podstawie zewnętrznych śladów instrumentów, których nie można znaleźć na gotowych pracach.
W koncepcji artysty „niewolnicy” są symbolami ludzkich namiętności. „Umierający niewolnik” to ucieleśnienie duchowej słabości, rozpaczy. Jego antagonistą jest „Zbuntowany niewolnik”, wyrażający pragnienie duszy wolności, buntu.
Rzeźby Michała Anioła niezmiennie zadziwiają realistycznym przedstawieniem ludzkiego ciała, duchowości i głębokiego znaczenia.
„Niewolnicy” Michała Anioła znajdują się na parterze w galerii rzeźby włoskiej.
„Kupidyn i psychika”
Rzeźba, stworzona w XVIII wieku przez rzeźbiarza Canovę z Wenecji, trafiła do Luwru dopiero sto lat później. Nabył go marszałek napoleoński i krewny Murat.
Marmurowy posąg przedstawia starożytnego rzymskiego boga miłości Kupidyna, który pocałunkiem obudził ukochaną Psyche ze snu śmierci. Artysta oddał w marmurze naturalne ruchy ciał, pokazał idealne proporcje i autentyczną mimikę. Rzeźba jest uważana za symbol miłości.
Do tej rzeźby było kilka sztuk (Canova wykonał dwie sztuki na zamówienie). Kopie obu rzeźb są przechowywane w Państwowym Ermitażu. Bardziej znana jest wystawa należąca do Luwru.
Posąg Ramzesa II
Dzięki kampanii egipskiej Napoleona we Francji na początku XIX wieku rozpowszechniła się moda na starożytny Egipt. W wyniku tej mody zgromadzono wiele kopii sztuki starożytnego Egiptu. W Luwrze utworzono dział starożytności egipskich.
Jednym z najciekawszych przykładów sztuki sprzed 2000 lat jest posąg siedzącego faraona Ramzesa II. Wykonana z ciemnego kamienia rzeźba zaskakująco wiernie odwzorowuje rysy twarzy zwycięskiego faraona i oddaje atmosferę wschodniej dynastii – powagę i surowość. Dział Starożytności Egipskich znajduje się na pierwszym piętrze muzeum.
Arcydzieła Luwru - Najsłynniejsze eksponaty muzeum.
Muzeum w Luwrze- to muzeum uniwersalne, swoją wielkością, znaczeniem kulturowym i wartością eksponatów, konkuruje na równych prawach z takimi gigantami światowych zbiorów wartości kulturowych jak Muzeum Kairskie, Ermitaż w Petersburgu, British Museum .
Przyjście do Luwru i nieodwiedzenie go można porównać do zbrodni, ale wobec ogromnej ilości wystawianych eksponatów bez wcześniejszego przygotowania można po prostu zgubić się pośród ogromnej różnorodności pięknych dzieł sztuki i utonąć w tłumie ludzi z aparaty, tablety i smartfony i tęskni za najważniejszą rzeczą, do której cały świat aspiruje do największego paryskiego muzeum.
Eksponaty muzeum obejmują ogromny okres: od sztuki Europy Zachodniej po Daleki Wschód, od starożytności do 1848 roku. Nieprzygotowanej lub słabo przygotowanej osobie bardzo trudno jest zrozumieć całą tę różnorodność. Dla takich turystów przygotowaliśmy krótką wycieczkę po Luwrze, obejmującą wszystkie najsłynniejsze światowe arcydzieła Luwru w Paryżu, wraz z ich rozmieszczeniem w niekończących się ekspozycjach gigantycznego muzeum.
Sasza Mitrahowicz 15.12.2015 16:16
Kodeks Hammurabiego (1792-1750 pne)
Jest to kodeks praw, który zawiera 282 przepisy prawa publicznego i prywatnego, wyryte pismem klinowym na dwumetrowej czarnej bazaltowej steli.
Stela została odnaleziona w 1902 roku i przeniesiona na liczne gliniane tabliczki. W górnej części steli znajduje się wizerunek króla otrzymującego 282 wyryte prawa od boskiego sędziego Szamasza, trzymającego w dłoniach symbole sprawiedliwości.
Pomnik ten odzwierciedla życie społeczne mieszkańców Babilonu w drugim tysiącleciu pne. po podboju Mezopotamii z jej kwitnącym rolnictwem i handlem, wysoko rozwinięty zmysł obywatelski.
Sasza Mitrahowicz 15.12.2015 16:16
Siedzący urzędnik (2500 pne)
Liczne eksponaty działu sztuki starożytnego Egiptu, stworzone przez pierwszego badacza tajemnic hieroglifów i egiptologii, Jeana-Francois Champolliona, opowiadają zwiedzającym o zwyczajach pogrzebowych zamożnej klasy Egipcjan, zamawiających wspaniałe sarkofagi, a także o życiu biedniejszych warstw społeczeństwa.
W centrum drugiej sali starożytności egipskiej znajduje się arcydzieło starożytnej rzeźby – „Siedzący Skryba”. Ten posąg, wykonany z malowanego wapienia, uderza realizmem: urzędnik, który przygotowuje się do pisania na papirusie, ma skupiony wyraz twarzy, a uważne spojrzenie tworzy materiał użyty do oczu - kryształ górski (tęczówka ) i pasek miedzi okalający powieki.
Sasza Mitrahowicz 15.12.2015 16:16
To arcydzieło sztuki hellenistycznej zostało znalezione w 1820 roku na wyspie Milos, zakupione przez ambasadora Francji w Konstantynopolu, markiza de Riviere i podarowane w 1821 roku Ludwikowi XVIII. Wysoki na ponad dwa metry posąg wykonany jest z marmuru pariańskiego i pochodzi z II wieku pne. pne mi. Najprawdopodobniej jest to jedna z kopii oryginału Praksyteles. Piękny nagi tors Wenus wyłania się z sięgających do bioder ubrań; cała rzeźba emanuje boskim pięknem – jest boginią w pełnym tego słowa znaczeniu, syntezą greckiego ideału piękna i zmysłowości.
Sasza Mitrahowicz 15.12.2015 16:16
Arcydzieło rzeźby hellenistycznej (II - III wpne) "Nika (Victoria) z Samotraki" zostało znalezione w 1863 roku z odłamanymi ramionami i głową. Posąg został umieszczony na dziobie kamiennego statku w sanktuarium i najprawdopodobniej uroczyście świętował zwycięstwo w bitwie morskiej.
Niemal barokowy ruch draperii i siła mierzącego 2,75 m korpusu posągu, nadwyrężonego wiatrem i silnymi falami, nadają rzeźbie wyjątkową energię i plastyczność.
Sasza Mitrahowicz 15.12.2015 16:16
Nazwa Michał Anioł Buonarroti(1475-1564), rzeźbiarz, architekt, malarz i poeta, zaznaczył cały okres świetności szkół włoskich.
W 1505 r. w Rzymie rzeźbiarz przystąpił do wykonania nagrobka dla papieża Juliusza II (1513-1514). Podczas rewolucji dwa posągi podarowane Henrykowi II zostały przekazane do Luwru, a dziś jest to jedyna kolekcja poza Włochami, w której znajdują się dzieła Michała Anioła.
Pierwiastek alegoryczny dominuje w tych posągach, gdyż artysta na zlecenie papieża musiał przedstawić wszystkie sztuki obciążone więzami, gdyż wraz ze śmiercią papieża zostały one pozbawione swobodnego rozwoju.
Sasza Mitrahowicz 15.12.2015 16:16
Praca Leonardo da Vinci(1452-1519), unikalny wynik syntezy twórczości artystycznej z badaniami naukowymi i eksperymentalnymi, jest jednym z najwyższych przejawów kultury renesansu.
Dzieła okresu mediolańskiego (1482-1499), wśród których znajduje się Madonna na Skale (1483), odznaczają się wielką harmonią stylu i niezwykłą szlachetnością interpretacji, które nadają moc i wyrazistość wszystkim obrazom. Wśród wszystkich figur wpisujących się w schemat piramidy dominuje niematerialna postać Madonny, która zdaje się roztapiać w pozostałych elementach obrazu, a akcja wyraża się poprzez twarze i dłonie znajdujące się wokół niej.
Sasza Mitrahowicz 15.12.2015 16:16
malarz wenecki weroński(1528-1588) wyróżniał się tą bezpośrednią kreatywnością, za pomocą której można było swobodnie i jednocześnie majestatycznie uchwycić naturę.
Jego obrazy to jasne wakacje, przejrzyste, jasne, pełne animacji; to całe morze światła, które wypełnia wszystko i uroczyście płonie na kostiumach i naczyniach. W „Zaślubinach w Kanie” (1563), jak w większości dzieł artysty, w fabule dominują jego ulubione motywy – przepych, powaga i przepych dekoracji, co przeczy świętości wybranego tematu.
Sasza Mitrahowicz 15.12.2015 16:16
Niniejsza praca jest jednym z trzech paneli, na których Paolo Uccello (1397-1475) przedstawiał bitwę pod S. Romano, która miała miejsce w 1432 roku pomiędzy Florentczykami a Sieneńczykami.
Na tej desce, wykonanej w latach 1451-1457, artysta prowadzi swoje autorskie badania w zakresie perspektywy linearnej. Nowy kierunek wymagał gruntownego przestudiowania rysunku i prawa znikających linii, w wyniku czego artysta znalazł sposób i zasady, jak układać figury na płaszczyźnie, na której stoją, i jak oddalają się, należy proporcjonalnie skrócić i zmniejszyć.
Sasza Mitrahowicz 15.12.2015 16:16
Harmensz van Rijn Rembrandt, największy artysta Holandii, gigantyczny przyrodnik, przeżył życie pełne osobistych tragedii związanych z utratą młodej żony, potem drugiej żony z dziećmi, co niewątpliwie wpłynęło na jego twórczość, uderzając nieskończoną mocą i poezją.
Artysta ceni sobie przede wszystkim ekspresję wewnętrznej, zamrożonej siły, która nie wybucha, ale prowadzi człowieka do cichej kontemplacji. Naga „Batszeba” (1644), która pochylając głowę trzyma w dłoni wyznanie miłości do króla Dawida, pochodzi z drugiego okresu twórczości Rembrandta. Okres ten charakteryzuje się prostotą interpretacji wszystkich wątków, szczególnym ciepłym światłem, które otacza wszystkie postacie.
Sasza Mitrahowicz 15.12.2015 16:16
O tym arcydziele Leonardo da Vinci być może tyle już powiedziano, że „Gioconda” stała się symbolem sztuki portretowej renesansu.
Opowiadali o niezwykłej subtelności rysunku i wspaniałym modelowaniu form, o tajemniczym uśmiechu i magicznym blasku oczu. Według niektórych krytyków portret przedstawia młodą florencką Monę Lisę, która w 1495 roku poślubiła florenckiego arystokratę Francesca del Giocondo.
Dzieło należy do drugiego florenckiego okresu twórczości Leonarda, między 1503 a 1505 rokiem. Autor nie rozstał się z tym portretem i zabrał go ze sobą do Francji, gdzie został sprzedany Franciszkowi I.
Sasza Mitrahowicz 15.12.2015 16:16
Jean-Baptiste Camille Corot to jeden z najważniejszych przedstawicieli malarstwa francuskiego XIX wieku, pejzażysta, który doskonale studiował naturę i malował oryginalnymi, transparentnymi barwami.
Nowa koncepcja artystyczna artysty została wyrażona w jego portretach, gdzie poprzez specjalny kolor stara się oddać esencję prawdziwego życia. Postać Berthy Kidschmidt, „Kobieta z perłami”, jest całkowicie zanurzona w świetle. Cała postać kobiety wyraża nieskończony spokój, a niezwykłość obrazu tworzy właśnie kontrast między jasnym profilem pierwszego planu a jednolitym ciemnym tłem.
Sasza Mitrahowicz 15.12.2015 16:16
kreacja Antoniego Watteau (1684-1721), stworzona przez niego szkoła doskonale współgrała swoim wdziękiem i wdziękiem ze społeczeństwem francuskim XVIII wieku. Artysta zainspirowany fantastycznym światem teatru i masek stworzył cykle obrazów, w tym słynny „Gilles” (1719), w którym nastrój snu kreowany jest za pomocą ciepłych kolorów i miękkiego rysunku.
Dzieło uderza jaskrawością barw i człowieczeństwem, które przebija się przez żałosną maskę komika.
Sasza Mitrahowicz 15.12.2015 16:16
Bohaterowie obrazów Jakuba Ludwika Dawida (1748-1825), który w swoich obrazach odzwierciedlał w miniaturach ruch polityczny Francji, mógł być tylko obywatelem. David był jednym z najlepszych malarzy rewolucji, a następnie, wraz z powstaniem imperium, poświęcił swój talent przedstawianiu wydarzeń epoki napoleońskiej.
Jednym z najlepszych dzieł tego okresu jest gigantyczne płótno przedstawiające koronację cesarza w katedrze Notre Dame (1805-1807). Niezwykła równowaga kompozycji, w której każda ze 150 przedstawionych postaci w szczególny sposób wyraża podniosłość wydarzenia, potwierdza talent Dawida jako portrecisty.
Sasza Mitrahowicz 15.12.2015 16:16
Wolność prowadząca ludzi
Eugene Delacroix (1798-1863) – jeden z najwybitniejszych przedstawicieli francuskiej szkoły malarstwa romantycznego, który na pierwszy plan wysunął poezję i kolor. Jego obrazy, pełne realizmu i dramatyzmu, odznaczają się szczególną plastycznością i światłem. Jego żona też się zmieniła
Flamandzki artysta Quentin Masseys (1466-1530) był autorem całej galerii portretów, obrazów o tematyce religijnej oraz urokliwych scen rodzajowych, co stawia go w gronie najwybitniejszych przedstawicieli szkoły flamandzkiej XVI wieku. Wśród jego najlepszych dzieł odnotowujemy obraz „Rozmieniacz pieniędzy i jego żona” (1514), w którym potężna struktura przestrzenna i kompozycyjna nadaje postaciom ludzkim żywotność i oryginalność.
Sasza Mitrahowicz 15.12.2015 16:16
Arcydzieła Luwru - Najsłynniejsze eksponaty muzeum
Znakiem rozpoznawczym Luwru jest słynna Gioconda lub, jak jest również nazywana, Mona Lisa. Do tego obrazu prowadzą wszystkie znaki, za którymi posłusznie podążają strumienie turystów. Mona Lisa jest pokryta grubym pancernym szkłem, a obok niej niezmiennie stoją dwaj ochroniarze i tłumy fanów. Kiedyś Gioconda przyjechała do Moskwy, ale wtedy kierownictwo muzeum postanowiło nie zabierać tego tajemniczego piękna nigdzie indziej. Tak więc Mona Lisę można podziwiać tylko w Luwrze. Mona Lisa znajduje się w skrzydle Denon w hali 7.
Venus de Milo (Afrodyta) jest znana nie mniej niż poprzednie piękno. Autorem Wenus jest rzeźbiarz Agesander z Antiochii. Tę dziewczynę czeka trudny los. W 1820 roku z jej powodu doszło do ostrego sporu między Turkami a Francuzami, w trakcie którego posąg bogini został rzucony na ziemię, a piękna rzeźba została rozbita. Francuzi w pośpiechu pozbierali kawałki i… stracili ręce Wenus! Tak więc bogini miłości i piękna stała się ofiarą walki o piękno. Nawiasem mówiąc, nigdy nie znaleziono rąk Wenus, więc ta historia może się jeszcze nie skończyć. Piękno bez rąk można podziwiać w 16. sali greckich, etruskich i rzymskich skarbów w skrzydle Sully.
Kolejnym symbolem Luwru jest Nike z Samotraki, bogini zwycięstwa. W przeciwieństwie do Wenus z Milo, tej piękności udało się stracić nie tylko ręce, ale także głowę. Archeolodzy odkryli wiele fragmentów posągu: na przykład w 1950 r. na Samotrace znaleziono pędzel bogini, który obecnie znajduje się w szklanej gablocie tuż za cokołem samej Nike. Niestety, naukowcom nie udało się znaleźć głowy bogini. Nike z Samotraki znajduje się w skrzydle Denon na schodach przed galerią malarstwa włoskiego.
Innym posągiem będącym perełką kolekcji Luwru jest Więzień, czyli umierający niewolnik (dzieło Michała Anioła). Renesansowy mistrz znany jest głównie ze swojego posągu Dawida, ale ta rzeźba zasługuje na nie mniejszą uwagę. Skrzydło Denon, parter, hol 4.
Siedzący posąg Ramzesa II to kolejne arcydzieło, z którego Luwr może być dumny. Ta starożytna egipska rzeźba znajduje się na pierwszym piętrze w skrzydle Sully, w 12. sali egipskich antyków.
Luwr posiada również piękną kolekcję mezopotamskich pomników, których sercem jest kodeks praw Hamurappi, zapisany na bazaltowej steli. Prawa Hamurappiego można zobaczyć w trzecim pokoju na pierwszym piętrze skrzydła Richelieu.
W 75. sali malarstwa francuskiego na pierwszym piętrze skrzydła Denon można zobaczyć obrazy słynnego francuskiego artysty Jacquesa Louisa Davida, wśród których znajduje się chyba jego najsłynniejszy obraz – „Poświęcenie cesarza Napoleona I”.
Sasza Mitrahowicz 15.12.2015 18:50
220 lat temu, 10 sierpnia 1793 roku, Luwr został otwarty dla zwiedzających. Sam budynek przeszedł wiele przekształceń na przestrzeni prawie dziesięciu wieków, od mrocznej fortecy z XII wieku po pałac Króla Słońce i najpopularniejsze i najbardziej znane muzeum na świecie. Dzisiejszy Luwr to kilkaset tysięcy eksponatów, cztery piętra z ekspozycjami o łącznej powierzchni 60 600 metrów kwadratowych (Ermitaż - 62 324 metrów kwadratowych). Dla porównania: to prawie dwa i pół Placu Czerwonego (23,1 tys. mkw.) i ponad osiem boisk stadionu Łużniki (powierzchnia boisk - 7140 mkw.).
„W Luwrze jest co oglądać”, wszyscy to wiedzą. I być może prawie wszyscy wymienią główne eksponaty muzeum: „Mona Lisa” Leonarda da Vinci, Nike z Samotraki i Wenus z Milo, stela z prawami Hamurappi i tak dalej i tak dalej… W zeszłym roku według oficjalnych danych muzeum odwiedziło ponad dziewięć i pół miliona osób, krążą legendy o tłumach oblegających Mona Lisę, a także o kieszonkowcach w Luwrze, a portale podróżnicze radzą przygotować się do jego wizyty niemal jak wędrówka: zabierz ze sobą jedzenie, wybierz wygodny strój i buty.
Odrzucając formalne podejście, w ramach projektu Weekend wybrano dziesięć eksponatów z Luwru, nie mniej znanych i pięknych niż te wymienione powyżej, które mogą być łatwo przeoczone przez nieuważnego i nie znającego się na rzeczy turysty.
Mitologiczny demon („Naznaczony”).
Baktria.
Koniec II - początek III tysiąclecia pne
Skrzydło Richelieu, parter (-1). Sztuka starożytnego Wschodu (Iran i Baktria). Sala numer 9.
Starożytne artefakty tradycyjnie przyciągają mniej uwagi niż dzieła wielkich artystów i rzeźbiarzy. Oglądanie wielu małych eksponatów, a często nawet fragmentów czegoś, zalicza się do grona „kibiców”. A po prostu nie sposób zauważyć w oknach skrzydła Richelieu o powierzchni 22 tys. , wysokość nieco poniżej 12 centymetrów, figurka w biegu.Ten "żelazny człowiek" pochodzący z Baktrii i mający ponad 5 tysięcy lat (datowany na koniec II - początek III tysiąclecia pne) Baktria to państwo założone przez Greków po podbojach Aleksandra Wielkiego w rejonie północnego Afganistanu na przełomie III i IV tysiąclecia pne Do chwili obecnej znaleziono tylko cztery całkowicie zachowane takie figurki, z których jedną Luwr nabył w 1961 roku. Przyjmuje się, że znaleziono je w Iranie, niedaleko miasta Sziraz. : jego twarz jest zniekształcona długą blizną. Według badaczy blizna symbolizowała jakiś rytualny, destrukcyjny czyn. Tułów okryty krótką przepaską biodrową pokryty jest wężowymi łuskami i podkreśla wężowy charakter postaci. Sugeruje to, że w ten sposób przedstawiano antropomorficznego demona-smoka, który był czczony w Azji. Kim są ci „oznaczeni”, można się tylko domyślać, najwyraźniej były to personifikacje duchów, być może dobrych, być może złych.
Materac Hermafrodyta
Śpiący hermafrodyta.
Rzymska kopia oryginału z II wieku naszej ery. mi. (materac dodany przez Berniniego w XVII wieku)
Skrzydło Sully, parter (1). Sala nr 17 Sala Kariatyd.
Jeśli nie przegapicie znajdującej się w tej samej sali Wenus z Milo, otaczający ją tłum turystów jest dobrym przewodnikiem, to pobliską „Śpiącą Hermafrodytę” łatwo przegapić, jeśli skręci się w złą stronę. Według legendy syn Hermesa i Afrodyty był bardzo przystojnym młodzieńcem, a zakochana w nim nimfa Salmakida poprosiła bogów o połączenie ich w jedno ciało. Rzeźba ta, uważana za rzymską kopię greckiego oryginału z II wieku n.e. e., trafił do muzeum na początku XIX wieku ze zbiorów rodziny Borghese. W 1807 roku Napoleon poprosił księcia Camillo Borghese, który był jego zięciem, o sprzedaż części eksponatów z kolekcji. Z oczywistych względów nie można było odrzucić oferty cesarza. Marmurowy materac i poduszkę, na której spoczywał Hermafrodyta, dodał w 1620 roku Giovanni Lorenzo Bernini, barokowy rzeźbiarz, którego patronem był kardynał Borghese. Jednak ten szczegół podkreśla raczej anegdotyczną stronę kompozycji, co raczej nie było pomysłem greckiego autora. Z rzeźbą wiąże się też wierzenie, o którym czasem opowiadają przewodnicy muzealni: podobno mężczyźni, którzy dotykają śpiącego, zwiększają w ten sposób swoją męską siłę.
Dorzecze Saint Louis
Miska to „Czcionka św. Ludwika”. (na zdjęciu fragment to jeden z medalionów)
Syria lub Egipt, około 1320-1340
Chrzcielnica (lub chrzcielnica) św. Ludwika zaliczana jest do najważniejszych eksponatów podziemi, jednak mało kto ma siłę zejść tutaj po zwiedzeniu głównych atrakcji muzeum. Wykonana z mosiądzu i obszyta srebrem i złotem misa uważana jest za arcydzieło sztuki mameluckiej, wcześniej należała do skarbów kaplicy Sainte-Chapelle, aw 1832 roku trafiła do zbiorów muzeum. Ta duża umywalka była częścią francuskiej kolekcji królewskiej, wewnątrz można zobaczyć dołączony herb Francji. Tak naprawdę służył jako chrzcielnica przy chrzcie Ludwika XIII i syna Napoleona III, ale nie św. Ludwika IX, pomimo nazwy „przyklejonej” do niego. Przedmiot ten powstał znacznie później: pochodzi z lat 1320-1340, a Ludwik IX zmarł w 1270 roku.
Shah Abbas i jego strona
Muhammad Kazim.
Portret szacha Abbasa I i jego pazia (szach Abbas obejmujący pazia).
Iran, Isfahan, 12 marca 1627
Skrzydło Denona, parter. Sala Sztuki Islamu.
W tym samym pomieszczeniu warto zwrócić uwagę na dość znany rysunek przedstawiający szacha Abbasa i jego podczaszego, który bardziej przypomina dziewczynę. Abbas I (1587-1629) jest najwybitniejszym przedstawicielem dynastii Safiwidów, uważanej za założycieli współczesnego Iranu. Za jego panowania sztuki plastyczne osiągnęły swój szczyt rozwoju, obrazy nabrały realizmu i dynamiki. Na tym rysunku Shah Abbas jest pokazany w stożkowatym kapeluszu z szerokim rondem, który wprowadził do mody, obok pazia, który podaje mu kielich wina. Pod koroną drzewa, po prawej stronie, widnieje imię artysty – Muhammad Kazim (jeden z najsłynniejszych ówczesnych mistrzów i podobno nadworny malarz Abbasa) – oraz krótki wiersz: „Niech życie da czego pragniesz z trzech ust: twego kochanka, rzek i kielicha”. Na pierwszym planie strumień, którego woda była kiedyś srebrna. Wiersz można interpretować także symbolicznie, w tradycji perskiej było wiele wersetów skierowanych do kamerdynera. Rysunek został zakupiony przez muzeum w 1975 roku.
Portret dobrego króla
Nieznany artysta szkoły paryskiej.
Portret Jana II Dobrego, króla Francji.
Około 1350 roku
Skrzydło Richelieu, drugie piętro. malarstwo francuskie. Sala numer 1.
Ten obraz nieznanego artysty z połowy XIV wieku uważany jest za najstarszy indywidualny portret w sztuce europejskiej. Pierwsi mistrzowie malarstwa francuskiego zaczęto badać stosunkowo niedawno, bo w drugiej połowie XIX wieku, a większość ich dzieł zaginęła w czasie wojen i rewolucji. Panowanie Jana Dobrego, które przypadło na lata wojny stuletniej, nie było łatwe: pokonany przez Brytyjczyków w bitwie pod Poitiers, został schwytany i uwięziony w Londynie, gdzie podpisał porozumienie o abdykacji. Według legendy portret został namalowany w Tower of London, a autorstwo przypisuje się Girardowi z Orleanu. Ciekawostka: został ostatnim francuskim monarchą noszącym imię Jan.
Madonna na korytarzu
Leonardo da Vinci.
Madonna w skałach.
1483-1486 lat.
Skrzydło Denon, Wielka Galeria, pierwsze piętro. malarstwo włoskie. Sala numer 5.
Duża galeria skrzydła Denona, oprócz słynnej sceny z filmu Jeana-Luca Godarda „Gang of Outsiders” z bohaterami biegającymi po Luwrze, znana jest z tego, że wisi tu „niezauważona” piękna Madonna Leonarda i wielu inne dzieła malarzy włoskich, w tym Caravaggia. „Nikt nie zauważył”, to oczywiście głośno mówi, ta sama „Madonna w skałach” jest jednym z najsłynniejszych obrazów na świecie, a mimo to, rozpoczynając wyścig z metą na „ Mona Lisa”, turyści niestety często przechodzą obok tego pięknego dzieła, któremu warto poświęcić kilka dodatkowych minut. Istnieją dwie wersje tego obrazu. Ten przechowywany w Luwrze powstał w latach 1483-86, a pierwsza wzmianka o nim (w inwentarzu francuskiej kolekcji królewskiej) pochodzi z 1627 roku. Drugi, należący do London National Gallery, został namalowany później, w 1508 roku. Obraz był centralną częścią tryptyku przeznaczonego do mediolańskiego kościoła San Francesco Grande, ale nigdy nie został przekazany klientowi, dla którego artysta namalował drugą, londyńską wersję. Przepełniona czułością i spokojem scena kontrastuje z dziwnym pejzażem stromych klifów, geometria kompozycji, miękkie półcienie, a także słynna „mgiełka” sfumato tworzą niezwykłą głębię w przestrzeni tego obrazu. Cóż, nie sposób nie wspomnieć jeszcze o jednej „wersji” treści tego obrazka, która kilka lat temu dręczyła umysły fanów Dana Browna, który wywrócił treść obrazka do góry nogami.
Szukam pcheł
Giuseppe Marii Crespiego.
Kobieta szuka pcheł.
Około 1720-1725
Skrzydło Denona, pierwsze piętro. Malarstwo włoskie. Sala nr 19 (sale na końcu Wielkiej Galerii).
Boloński obraz Giuseppe Marii Crespiego jest jednym z ostatnich nabytków muzeum, otrzymanym w darze od Towarzystwa Przyjaciół Luwru. Crespi był wielkim wielbicielem malarstwa niderlandzkiego, aw szczególności scen rodzajowych. Istniejąca w kilku wersjach „Kobieta szukająca pcheł” była najwyraźniej częścią zaginionej serii obrazów, które opowiadają o życiu pewnej piosenkarki od początku jej kariery do ostatnich lat, kiedy stała się pobożna. Takie prace nie są bynajmniej kluczowe dla twórczości artysty, ale dają współczesnemu człowiekowi żywe wyobrażenie o realiach tamtych czasów, kiedy ani jedna przyzwoita osoba nie mogła obejść się bez pcheł.
Kaleki, nie rozpaczajcie
Pietera Brueghela Starszego.
Kaleki.
1568.
Skrzydło Richelieu, drugie piętro. Malarstwo Holandii. Sala numer 12.
To niewielkie dzieło starszego Brueghela (tylko 18,5 na 21,5 cm) jest jedynym w całym Luwrze. Niezauważenie jest łatwiejsze niż kiedykolwiek, i to nie tylko ze względu na rozmiar, efekt rozpoznawania - „jeśli na zdjęciu jest dużo małych ludzi, to jest Brueghel” - może nie zadziałać od razu. Dzieło zostało przekazane do muzeum w 1892 roku iw tym czasie narodziło się wiele interpretacji fabuły obrazu. Jedni widzieli w nim refleksję nad wrodzoną słabością natury ludzkiej, inni – satyrę społeczną (karnawałowe nakrycia głowy bohaterów mogą symbolizować króla, biskupa, mieszczanina, żołnierza i chłopa), czy krytykę polityki prowadzonej we Flandrii przez Filipa II . Jednak do tej pory nikt nie podejmuje się wyjaśnienia postaci z miską w dłoniach (w tle), a także lisich ogonów na ubraniach bohaterów, choć niektórzy dopatrują się tu nawiązania do corocznego święta ubogich, Koppermaandag . Tajemniczości dodaje obrazowi napis na odwrocie, którego widzowie nie widzą: „Kaleki, nie rozpaczajcie, a wasz biznes może rozkwitnąć”.
Jednym z najsłynniejszych obrazów Hieronima Boscha nie jest to, że nie znają „z widzenia”. Być może nie sprzyja temu dziełu położenie: niedaleko wejścia do małej sali, a nawet z takimi sąsiadami jak „Autoportret” Albrechta Dürera i „Madonna kanclerza Rolina” van Eycka, a niedaleko siostry d'Estre, niezwykła Kompozycja tego dzieła nieznanego francuskiego artysty - nagie damy siedzące w łazience, z których jedna szczypie drugą w sutek - sprawiła, że obraz był nie mniej popularny niż sama Mona Lisa. Ale wracając do Boscha, ci, którzy uważnie się rozglądają, nigdy nie będą za nim tęsknić. „Statek głupców” jest częścią zaginionego tryptyku, którego dolny fragment jest obecnie uważany za „Alegorię obżarstwa i żądzy” z Yale University Art Gallery. Przyjmuje się, że „Statek głupców” jest pierwszą z kompozycji artysty na temat wad społecznych. Bosch porównuje zdeprawowane społeczeństwo i duchowieństwo do szaleńców, którzy wtłoczyli się do niesfornej łodzi i pędzą ku śmierci. Obraz został podarowany Luwrowi przez kompozytora i krytyka sztuki Camille Benois w 1918 roku.
Luwr, który trzeba zobaczyć, to dwa „holenderskie klejnoty jego kolekcji” - Koronczarka i Astronom Jana Vermeera. Ale jego poprzednik, Pieter de Hooch, którego „Pijący” wisi w tym samym pokoju, często omija uwagę przeciętnego turysty. A jednak na tę pracę warto zwrócić uwagę, i to nie tylko ze względu na przemyślaną perspektywę i żywą kompozycję, artyście udało się oddać subtelne niuanse relacji między postaciami na obrazie. Każdy z uczestników tej walecznej sceny ma określoną rolę: żołnierz nalewa drinka młodej kobiecie, która nie jest już trzeźwa, jego przyjaciel siedzący przy oknie jest zwykłym obserwatorem, ale druga kobieta to ewidentnie sprośnica, która wydaje się targować w tym momencie. Wskazówki dotyczące znaczenia sceny i obrazu w tle, przedstawiającego Chrystusa i grzesznika.
Przygotowane przez Natalię Popovą
Numery pięter podane są w tradycji europejskiej, tj. parter jest pierwszym rosyjskim.