Immagine musicale. Caratteristiche del discorso musicale. Cos'è un'immagine musicale? Classificazione e caratteristiche di costruzione Mezzi di incarnazione di queste immagini musicali da parte dei compositori

18.06.2019

immagine musicale

Il contenuto musicale si manifesta nelle immagini musicali, nella loro emergenza, sviluppo e interazione.

Non importa quanto sia unitario l'umore di un brano musicale, in esso si indovinano sempre tutti i tipi di cambiamenti, spostamenti e contrasti. L'apparizione di una nuova melodia, un cambiamento nello schema ritmico o strutturale, un cambio di sezione significa quasi sempre l'emergere di una nuova immagine, a volte vicina nel contenuto, a volte direttamente opposta.

Come nello sviluppo degli eventi della vita, dei fenomeni naturali o dei movimenti dell'anima umana, raramente c'è una sola linea, uno stato d'animo, così nella musica lo sviluppo si basa sulla ricchezza figurativa, sull'intreccio di vari motivi, stati ed esperienze.

Ciascuno di questi motivi, ciascuno stato introduce una nuova immagine, oppure integra e generalizza quella principale.

In generale, nella musica raramente ci sono opere basate su un'unica immagine. Solo una piccola opera teatrale o un piccolo frammento possono essere considerati un unico contenuto figurativo. Ad esempio, il Dodicesimo Studio di Scriabin è un'immagine molto integrale, anche se con un attento ascolto noteremo sicuramente la sua complessità interna, l'intreccio di vari stati e mezzi di sviluppo musicale in esso.

Molte altre opere di piccola scala sono costruite allo stesso modo. Di norma, la durata di un'opera teatrale è strettamente correlata alla peculiarità della sua struttura figurativa: le opere piccole sono solitamente vicine a un'unica sfera figurativa, mentre quelle grandi richiedono uno sviluppo figurativo più lungo e complesso. E questo è naturale: tutti i generi principali nei vari tipi di arte sono solitamente associati all'incarnazione di un contenuto di vita complesso; sono caratterizzati da un gran numero di eroi ed eventi, mentre quelli piccoli solitamente si rivolgono a qualche fenomeno o esperienza particolare. Ciò, ovviamente, non significa che le grandi opere siano necessariamente caratterizzate da maggiore profondità e significato, spesso è vero il contrario: una piccola opera, anche il suo motivo individuale, a volte può dire così tanto che il loro impatto sulle persone è ancora più forte e profondo. .

Esiste una profonda connessione tra la durata di un'opera musicale e la sua struttura figurativa, che si trova anche nei titoli delle opere, ad esempio "Guerra e pace", "Spartacus", "Alexander Nevsky" suggeriscono un'incarnazione in più parti in forma su larga scala (opera, balletto, cantata), mentre "Cuckoo", "Butterfly", "Lone Flowers" sono scritti sotto forma di miniatura.

Perché a volte le opere che non hanno una struttura figurativa complessa emozionano una persona così profondamente?

Forse la risposta sta nel fatto che, concentrandosi su un unico stato figurativo, il compositore mette in una piccola opera tutta la sua anima, tutta l'energia creativa che la sua concezione artistica ha risvegliato in lui? Dopotutto, non è un caso che nella musica del XIX secolo, nell'era del romanticismo, che diceva tanto di una persona e del mondo più intimo dei suoi sentimenti, fosse la miniatura musicale a raggiungere la sua massima fioritura.

Molte opere, di piccole dimensioni, ma luminose nell'immagine, sono state scritte da compositori russi. Glinka, Mussorgsky, Lyadov, Rachmaninov, Scriabin, Prokofiev, Shostakovich e altri eccezionali compositori nazionali hanno creato un'intera galleria di immagini musicali. Un enorme mondo figurativo, reale e fantastico, celeste e sottomarino, foresta e steppa, è stato incarnato nella musica russa, nei meravigliosi titoli delle sue opere in programma. Conosci già molte immagini incarnate nelle opere dei compositori russi: "Jota of Aragon", "Dwarf", "Baba Yaga", "Old Castle", "Magic Lake" ...

Non meno ricco è il contenuto figurativo nelle opere non programmatiche che non hanno un nome speciale.

Immagini liriche

In molte opere a noi note come preludi, mazurche, sono nascoste le ricchezze figurative più profonde, rivelate a noi solo nel suono musicale dal vivo.

Una di queste opere è il Preludio in sol diesis minore di S. Rachmaninoff. Il suo umore, tremante e malinconico, è in sintonia con la tradizione musicale russa di incarnare immagini di tristezza e addio.

Il compositore non ha dato un titolo all'opera (Rakhmaninov non ha indicato nessuno dei suoi preludi come sottotitolo del programma), ma la musica trasmette un toccante stato autunnale: il tremore delle ultime foglie, la pioggia battente, il cielo basso e grigio.

L'immagine musicale del preludio è addirittura completata da un momento di sonorità: nel suono melodico-tessile si può discernere qualcosa di simile al cinguettio d'addio delle gru che ci lasciano per un lungo, lungo inverno.

Forse perché da noi il freddo dura così a lungo e la primavera arriva lentamente e con riluttanza, ogni russo sente la fine di un'estate calda con particolare acutezza e la saluta con triste tristezza. E così le immagini dell'addio sono strettamente intrecciate con il tema dell'autunno, con le immagini autunnali, di cui ce ne sono così tante nell'arte russa: foglie volanti, pioggerellina, un cuneo di gru.

Quante poesie, dipinti, opere musicali sono collegate a questo tema! E quanto è straordinariamente ricco il mondo figurativo della tristezza autunnale e dell'addio.

Qui volano, qui volano... Aprite presto i cancelli!
Uscite subito a guardare i vostri alti!
Qui tacquero - e ancora una volta l'anima e la natura divennero orfane
Perché... stai zitto! - quindi nessuno li esprimerà ...

Questi sono versi della poesia "Gru" di Nikolai Rubtsov, in cui l'immagine dell'anima russa e della natura russa è rappresentata in modo così penetrante e accurato, incarnata nell'alto volo d'addio delle gru.

E sebbene Rachmaninoff, ovviamente, non abbia introdotto un'immagine così accurata nel suo lavoro, sembra che il motivo della gru nella struttura figurativa del preludio non sia casuale. Le gru sono una sorta di immagine-simbolo, come se aleggiassero sul quadro figurativo generale del preludio, conferendo al suo suono un'altezza e una purezza speciali.

L'immagine musicale non è sempre associata all'incarnazione di sottili sentimenti lirici. Come in altre forme d'arte, le immagini non sono solo liriche, ma a volte nettamente drammatiche, esprimono collisioni, contraddizioni, conflitti. L'incarnazione di un grande contenuto di vita dà origine a immagini epiche particolarmente complesse e sfaccettate.

Consideriamo vari tipi di sviluppo figurativo-musicale nella loro connessione con le peculiarità del contenuto musicale.

Immagini drammatiche

Le immagini drammatiche, come quelle liriche, sono ampiamente rappresentate nella musica. Da un lato, sorgono nella musica sulla base di opere letterarie drammatiche (come l'opera, il balletto e altri generi teatrali), ma molto più spesso il concetto di "drammatico" è associato nella musica alle peculiarità del suo carattere, all'interpretazione musicale. di eroi, immagini, ecc.

Un esempio di opera drammatica è la ballata di F. Schubert "Il re della foresta", scritta su una poesia del grande poeta tedesco J. W. Goethe. La ballata combina anche genere e caratteristiche drammatiche: dopotutto, è un'intera scena con la partecipazione di vari personaggi! - e il dramma tagliente insito nel carattere di questa storia, sorprendente per la sua profondità e forza.

Cosa dice?

Notiamo subito che la ballata viene eseguita, di regola, nella lingua originale, il tedesco, quindi il suo significato e contenuto devono essere tradotti.

Esiste una traduzione del genere: la migliore traduzione della ballata di Goethe in russo, nonostante sia stata realizzata quasi due secoli fa. Il suo autore, V. Zhukovsky, un contemporaneo di Pushkin, un poeta peculiare, molto sottile e profondamente lirico, ha dato una tale interpretazione della Terribile Visione di Goethe.

re della foresta

Chi salta, chi corre sotto la foschia fredda?
Il cavaliere è in ritardo, il suo giovane figlio è con lui.
Al padre, tutto tremante, si aggrappò il piccolo;
Dopo averlo abbracciato, il vecchio lo tiene e lo riscalda.

"Bambina, perché ti aggrappi così timidamente a me?"
“Caro, il re della foresta mi è balenato negli occhi:
Indossa una corona scura, con una folta barba.
"Oh no, allora la nebbia sta sbiancando sull'acqua."

“Bambina, guardami intorno, piccola, verso di me;
C'è molto divertimento dalla mia parte:
Fiori turchesi, getti perlati;
Le mie sale sono fatte d'oro."

“Caro, il re della foresta mi dice:
Promette oro, perle e gioia.
“Oh no, tesoro mio, hai capito male:
Poi il vento, svegliandosi, fece ondeggiare le lenzuola.

"A me, tesoro mio! Nel mio bosco di querce
Riconoscerai le mie belle figlie;
Alla luna giocheranno e voleranno,
Giocare, volare, addormentarti.

“Tesoro, il re della foresta chiamò le sue figlie:
Li vedo annuire dai rami scuri.
“Oh no, tutto è calmo nel profondo della notte:
Quindi i salici grigi si fanno da parte.

“Bambina, sono rimasto affascinato dalla tua bellezza:
Volenti o nolenti, volenti o nolenti, ma sarai mio.
“Caro, il re della foresta vuole raggiungerci;
Eccolo: sono soffocante, faccio fatica a respirare.

Il timido cavaliere non salta, vola;
Il bambino desidera, il bambino piange;
Il cavaliere guida, il cavaliere cavalca...
C'era un bambino morto tra le sue braccia.

Confrontando le versioni tedesca e russa del poema, la poetessa Marina Cvetaeva nota la differenza principale tra loro: in Zhukovsky lo zar della foresta appariva al ragazzo, in Goethe appariva effettivamente. Pertanto, la ballata di Goethe è più reale, più terribile, più affidabile: suo figlio non muore per paura (come quello di Zhukovsky), ma per il vero zar della foresta, che è apparso davanti al ragazzo in tutta la forza del suo potere.

Schubert, un compositore austriaco che ha letto la ballata in tedesco, trasmette tutta la terribile realtà della storia del Re della foresta: nella sua canzone questo è un personaggio affidabile quanto il ragazzo e suo padre.

Il discorso del Re della foresta differisce notevolmente dal discorso eccitato del narratore, del bambino e del padre nella predominanza di affettuosa insinuazione, gentilezza e seduzione. Presta attenzione alla natura della melodia: brusca, con un'abbondanza di domande e intonazioni crescenti nelle parti di tutti i personaggi, ad eccezione dello Zar della foresta, nel suo caso è liscia, rotonda, melodiosa.

Ma non solo la natura dell'intonazione melodica: con l'avvento dello Zar della foresta, l'intero accompagnamento strutturale cambia: il ritmo di un salto frenetico, penetrando nella ballata dall'inizio alla fine, lascia il posto ad accordi dal suono più calmo, molto armoniosi , gentile, cullante.

C'è anche un contrasto peculiare tra gli episodi della ballata, così agitati, inquietanti nel loro insieme, con solo due squarci di calma ed eufonia (due frasi del Re della Foresta).

Infatti, come spesso accade nell'arte, è proprio in tanta tenerezza che si nasconde la cosa più terribile: il richiamo alla morte, la partenza irreparabile e irrevocabile.

La musica di Schubert, dunque, non ci lascia illusioni: non appena cessano i dolci e terribili discorsi dello Zar della foresta, il galoppo forsennato del cavallo (o il battito del cuore?) irrompe di nuovo, mostrandoci con la sua rapidità l'ultimo scatto alla salvezza, per superare la terribile foresta, le sue profondità oscure e misteriose. .

Qui finisce la dinamica dello sviluppo musicale della ballata: perché alla fine, quando si arriva all'arresto del movimento, l'ultima frase suona come una postfazione: "Nelle sue mani giaceva un bambino morto".

Pertanto, nell'interpretazione musicale della ballata, vediamo non solo le immagini dei suoi partecipanti, ma anche immagini che hanno influenzato direttamente la costruzione dell'intero sviluppo musicale. La vita, i suoi impulsi, le sue aspirazioni alla liberazione - e la morte, spaventosa e attraente, terribile e cullante. Da qui la bidimensionalità del movimento musicale, che è reale-pittorico negli episodi legati al cavallo al galoppo, alla confusione del padre, alla voce affannosa del bambino, e distaccato e affettuoso nei discorsi pacati, quasi da ninna nanna. dello zar della foresta.

L'incarnazione di immagini drammatiche richiede la massima concentrazione di mezzi espressivi da parte del compositore, che porta alla creazione di un'opera internamente dinamica e, di regola, compatta (o un suo frammento), basata sullo sviluppo figurativo di un personaggio drammatico. Pertanto, le immagini drammatiche sono così spesso incarnate nelle forme della musica vocale, nei generi strumentali di piccola scala, nonché in frammenti separati di opere cicliche (sonate, concerti, sinfonie).

immagini epiche

Le immagini epiche, invece, richiedono uno sviluppo lungo e senza fretta, possono essere esposte a lungo e svilupparsi lentamente, introducendo l'ascoltatore in un'atmosfera di una sorta di colorazione epica.

Una delle opere più brillanti intrise di immagini epiche è l'opera epica "Sadko" di N. Rimsky-Korsakov. Sono i poemi epici russi, che sono diventati la fonte di numerosi frammenti della trama dell'opera, a conferirle un carattere epico e un movimento musicale senza fretta. Lo stesso compositore ne ha scritto nella prefazione all'opera Sadko: “Molti discorsi, così come descrizioni di scene e dettagli scenici, sono interamente presi in prestito da vari poemi epici, canzoni, incantesimi, lamenti, ecc. Pertanto, il libretto spesso conserva un verso epico con i suoi tratti salienti."

Non solo il libretto, ma anche la musica dell'opera porta l'impronta delle caratteristiche del verso epico. L'azione inizia da lontano, con una piacevole introduzione orchestrale chiamata "The Ocean-Sea is Blue". Il Mare di Okian è elencato nell'elenco dei personaggi come il Re del Mare, cioè un personaggio completamente affidabile, anche se mitologico. Nel quadro generale degli eroi di varie fiabe, il Re del Mare occupa lo stesso posto definito del Re della Foresta, l'eroe della ballata di Schubert. Tuttavia, come vengono rappresentati in modo diverso questi eroi delle fiabe, che rappresentano due tipi di immaginario musicale completamente diversi!

Ricorda l'inizio della ballata di Schubert. L'azione rapida ci cattura fin dalla prima battuta. Il suono degli zoccoli, sullo sfondo del quale risuona il discorso eccitato dei personaggi, conferisce al movimento musicale il carattere di confusione, crescente ansia. Questa è la legge dello sviluppo delle immagini drammatiche.

L'opera "Sadko", che in alcuni motivi della trama ricorda lo "Zar della foresta" (proprio come il ragazzo si innamorò dello zar della foresta e fu portato con la forza nel regno della foresta, così Sadko si innamorò della principessa del mare ed era immerso sul fondo del “Mare di Okian”), ha un carattere diverso, privo di acutezza drammatica.

La natura non drammatica e narrativa dello sviluppo musicale dell'opera si rivela anche già nelle sue prime battute. Nell'immagine musicale dell'introduzione "Ocian Sea is Blue" non è presentata la lunghezza della trama, ma il fascino poetico di questo magico quadro musicale. Nella musica dell'introduzione si sente il gioco delle onde del mare: non formidabile, non potente, ma affascinante e fantastico. Lentamente, come ammirando i propri colori, l'acqua del mare luccica.

Nell'opera Sadko, la maggior parte degli eventi della trama sono collegati alla sua immagine, e già dalla natura dell'introduzione è chiaro che non saranno tragici, dotati di aspri conflitti e scontri, ma calmi e maestosi, nello spirito di epopee popolari.

Questa è l'interpretazione musicale di vari tipi di immagini, caratteristica non solo della musica, ma anche di altre forme d'arte. Le sfere figurative liriche, drammatiche ed epiche formano le proprie caratteristiche significative. Nella musica ciò si riflette nei suoi vari aspetti: la scelta del genere, la scala dell'opera, l'organizzazione dei mezzi espressivi.

Parleremo dell'originalità delle caratteristiche principali dell'interpretazione musicale del contenuto nella seconda parte del libro di testo. Perché nella musica, come in nessun'altra arte, ogni tecnica, ogni tocco, anche il più piccolo, è significativo. E a volte un cambiamento molto lieve – a volte una singola nota – può cambiare radicalmente il suo contenuto, il suo impatto sull'ascoltatore.

Domande e compiti:

Quanto spesso un'immagine si manifesta in un brano musicale - simultaneamente o in molti modi, e perché?
In che modo la natura dell'immagine musicale (lirica, drammatica, epica) è correlata alla scelta del genere musicale e alla scala dell'opera?
Può un'immagine profonda e complessa essere espressa in un piccolo brano musicale?
In che modo i mezzi di espressione musicale trasmettono il contenuto figurativo della musica? Spiegalo usando l'esempio della ballata di F. Schubert "The Forest King".
Perché N. Rimsky-Korsakov ha utilizzato poemi epici e canzoni autentici durante la creazione dell'opera Sadko?

Presentazione

Incluso:
1. Presentazione - 13 diapositive, ppsx;
2. Suoni della musica:
Rakhmaninov. Preludio n. 12 in sol diesis minore, mp3;
Rimskij-Korsakov. "L'oceano-mare è blu" dall'opera "Sadko", mp3;
Schubert. Ballata "Forest King" (3 versioni - in russo, tedesco e pianoforte senza voce), mp3;
3. Articolo di accompagnamento, docx.

Un'immagine musicale è una combinazione di carattere, mezzi musicali ed espressivi, condizioni socio-storiche di creazione, caratteristiche costruttive e stile del compositore. Le immagini musicali sono:

Immagini liriche di sentimenti, sensazioni;

descrizione epica;

Immagini-drammatiche-conflitti, scontri;

Favole-immagini-favolose, irreali;

Comico-divertente, ecc. Utilizzando le più ricche possibilità del linguaggio musicale, il compositore crea un'immagine musicale in cui

incarna alcune idee creative, questo o quel contenuto di vita.

Immagini liriche

La parola lirica deriva dalla parola "lira" - questo è un antico strumento suonato dai cantanti (rapsodi), che raccontano vari eventi ed emozioni vissute.

Testi: un monologo dell'eroe in cui racconta le sue esperienze.

L'immagine lirica rivela il mondo spirituale individuale del creatore. Non ci sono eventi nell'opera lirica, a differenza del dramma e dell'epica, solo la confessione dell'eroe lirico, la sua percezione personale di vari fenomeni. Ecco le principali proprietà dei testi:

Umore

Mancanza di azione Drammatico/..immagini

Il dramma (greco Δρα´μα - azione) è uno dei tipi di letteratura (insieme ai testi, epico e lirepico), che trasmette eventi attraverso i dialoghi dei personaggi. Fin dall'antichità esiste in forma folcloristica o letteraria presso vari popoli.

Il dramma è un'opera che descrive il processo dell'azione.

Il soggetto principale dell'arte drammatica sono diventate le passioni umane nelle loro manifestazioni più sorprendenti.

Le caratteristiche principali del dramma:

Una persona si trova in una situazione difficile e difficile che gli sembra senza speranza

Lui/sta cercando/una via/per/fuori/da/questa/situazione

Entra in una lotta - o con i suoi nemici, o con la situazione stessa, quindi l'eroe drammatico, a differenza di quello lirico, agisce, combatte, come risultato di questa lotta vince o muore - il più delle volte ... la maggior parte di tutti.

Nel dramma in primo piano non ci sono i sentimenti, ma le azioni. Ma queste azioni possono essere causate proprio da sentimenti e sentimenti molto forti: passioni. L'eroe, che è sotto il potere di questi sentimenti, compie azioni attive.

Quasi tutti i personaggi shakespeariani sono personaggi drammatici: Amleto, Otello, Macbeth.

Sono tutti travolti da forti passioni, sono tutti in una situazione difficile.

Amleto è tormentato dall'odio per gli assassini di suo padre e dal desiderio di vendetta;

Otello soffre di gelosia;

Macbeth è molto ambizioso, il suo problema principale è la sete di potere, per cui decide di uccidere il re.

Il dramma è inconcepibile senza un eroe drammatico: egli ne è il nervo, il fulcro, la fonte. La vita gli vortica intorno, come l'acqua che ribolle sotto l'azione dell'elica di una nave. Anche se l'eroe è inattivo (come Amleto), si tratta di un'inattività esplosiva. "L'eroe cerca la catastrofe. Senza catastrofe, un eroe è impossibile." Chi è l'eroe drammatico? Schiavo della passione. Lui non guarda, ma lei lo sta trascinando al disastro.

Opere che incarnano immagini drammatiche: 1. Čajkovskij "La dama di picche"

La dama di picche è un'opera basata sulla storia omonima di A. S. Pushkin. immagini epiche

EPOS, [greco. epos - parola]

Un'epopea è solitamente una poesia che racconta l'eroico. atti.

Le origini della poesia epica affondano le loro radici nelle storie preistoriche di dei e altri esseri soprannaturali.

L'epica è il passato, perché racconta gli eventi passati nella vita delle persone, la loro storia e le loro imprese;

I testi sono reali, perché il suo oggetto sono i sentimenti e gli stati d'animo;

Il dramma è il futuro la cosa principale è l'azione, con l'aiuto della quale i personaggi cercano di decidere il loro destino, il loro futuro.

Il primo e semplice schema per la divisione delle arti legate alla parola è stato proposto da Aristotele, secondo il quale l'epica è una storia su un evento, il dramma lo presenta in volti, i testi rispondono con il canto dell'anima.

Il luogo e il tempo dell'azione degli eroi epici assomigliano alla storia e alla geografia reali (in che modo l'epopea è radicalmente diversa dalle fiabe e dai miti, che sono completamente irrealistici). Tuttavia, l'epopea non è del tutto realistica, sebbene sia basata su eventi reali. Gran parte di esso è idealizzato, mitizzato.

Questa è la proprietà della nostra memoria: abbelliamo sempre un po' il nostro passato, soprattutto quando si tratta del nostro grande passato, della nostra storia, dei nostri eroi. E a volte accade il contrario: alcuni eventi e personaggi storici ci sembrano peggiori di quanto non fossero in realtà. Proprietà epiche: -Eroismo

L'unità dell'eroe con il suo popolo, in nome del quale compie imprese

Storicità

Fiaba (a volte un eroe epico combatte non solo con nemici reali, ma anche con creature mitiche)

Valutazione (gli eroi dell'epica sono buoni o cattivi, ad esempio gli eroi dell'epica - e i loro nemici, tutti i tipi di mostri)

Obiettività relativa (l'epopea descrive eventi storici reali e l'eroe può avere i suoi punti deboli)

Le immagini epiche nella musica sono immagini non solo di eroi, ma anche di eventi, storia, possono anche essere immagini della natura, raffiguranti la Patria in una certa epoca storica.

Questa è la differenza tra l'epica e la lirica e il dramma: in primo luogo non c'è l'eroe con i suoi problemi personali, ma la storia.

Opere epiche:

1.Borodin "Bogatyr // sinfonia"

2. Borodin "Principe//Igor"

Borodin Alexander Porfiryevich (1833-1887), uno dei compositori del "Mighty Handful" Tutta la sua opera è permeata dal tema della grandezza del popolo russo, dell'amore per la patria, dell'amore per la libertà.

La "Sinfonia di Bogatyr", che cattura l'immagine di una potente patria eroica, e l'opera "Il principe Igor", creata sulla base dell'epica russa "Il racconto della campagna di Igor", parlano di questo.

"Il racconto della campagna di Igor" ("Il racconto della campagna di Igor, Igor, figlio di Svyatoslav, nipote di Oleg) è il monumento più famoso (considerato il più grande) della letteratura russa medievale. La trama è basata sulla campagna infruttuosa dei principi russi contro i Polovtsiani nel 1185, guidati dal principe Igor Svyatoslavich..immagini Il nome stesso suggerisce la trama di queste opere. Queste immagini sono incarnate in modo più vivido nell'opera di N.A. Rimsky-Korsakov. Questa è la suite sinfonica "Scheherazade" basata sul fiabe "Le 1001 notti" e le sue famose fiabe "La fanciulla di neve", "La storia dello zar Saltan", "Il galletto d'oro", ecc. In stretta unità con la natura, immagini favolose e fantastiche appaiono nella musica di Rimsky-Korsakov. Molto spesso personificano, come nelle opere d'arte popolare, alcune forze elementali e fenomeni naturali (Moroz, Goblin, Sea Princess, ecc.) Le immagini fantastiche includono, insieme a elementi musical-pittorici, fiabeschi-fantastici, anche caratteristiche dell'aspetto esteriore e del carattere di persone reali. Tale versatilità (di cui parleremo più in dettaglio analizzando le opere) conferisce alla fantasia musicale di Korsakov una speciale originalità e profondità poetica.Le melodie di Rimsky-Korsakov di tipo strumentale, complesse nella struttura melodico-ritmica, mobili e virtuosistiche, che vengono utilizzate da il compositore nella descrizione musicale, sono personaggi molto originali e fantastici. Qui puoi anche menzionare immagini fantastiche nella musica: fantastica//musica//alcuni//riflessi

Nessuno ormai ha più dubbi sul fatto che le opere fantastiche, pubblicate ogni anno in grandissime tirature, e i film fantastici, anch'essi realizzati in gran numero, soprattutto negli Stati Uniti, siano molto apprezzati. Che ne dici della "musica fantastica" (o, se preferisci, della "fantasia musicale")?

Prima di tutto, se ci pensi, la "musica fantastica" esiste da molto tempo. Non è possibile riferire in questa direzione antiche canzoni e ballate (folklore), composte da diversi popoli in tutta la Terra per lodare eroi leggendari e vari eventi (compresi quelli favolosi - mitologici)? E intorno al XVII secolo sono già apparse opere, balletti e varie opere sinfoniche create sulla base di varie fiabe e leggende. La penetrazione della fantasia nella cultura musicale iniziò nell'era del romanticismo. Ma possiamo facilmente trovare elementi della sua "invasione" nelle opere dei romantici musicali, come Mozart, Gluck, Beethoven. Tuttavia, i motivi fantastici risuonano più chiaramente nella musica dei compositori tedeschi R. Wagner, ETA Hoffmann, K. Weber, F. Mendelssohn. Le loro opere sono piene di intonazioni gotiche, motivi di un elemento fiabesco-fantastico, strettamente intrecciati con il tema del confronto tra l'uomo e la realtà circostante. È impossibile non ricordare il compositore norvegese Edvard Grieg, famoso per le sue tele musicali, basate sull'epica popolare, e le opere di Henrik Ibsen "La processione dei nani", "Nella grotta del re della montagna", il La danza degli elfi e del francese Hector Berlioz, nella cui opera si pronuncia il tema degli elementi delle forze della natura. Il romanticismo si è manifestato anche nella cultura musicale russa. Le opere di Mussorgsky "Pictures at an Exhibition" e "Night on Bald Mountain" sono piene di fantastica figuratività, che raffigurano un sabba delle streghe nella notte di Ivan Kupala, che ha avuto un enorme impatto sulla moderna cultura rock. Mussorgsky possiede anche un'interpretazione musicale della storia di N.V. Gogol "La fiera di Sorochinsky". A proposito, la penetrazione della finzione letteraria nella cultura musicale è vista più chiaramente nelle opere dei compositori russi: La dama di picche di Čajkovskij, La sirena e l'ospite di pietra di Dargomyzhsky, Ruslan e Lyudmila di Glinka, Il galletto d'oro di Rimsky-Korsakov, Il demone Rubinstein e altri All'inizio del XX secolo, una vera rivoluzione nella musica fu fatta dall'audace sperimentatore Scriabin, un apologista dell'arte sintetica, che fu all'origine della musica leggera. Nella partitura sinfonica ha inserito la parte per la luce in una riga separata. Immagini fantastiche piene delle sue opere come "Divine Poem" (3a sinfonia, 1904), "Poem of Fire" ("Prometheus", 1910), "Poem of Ecstasy" (1907). E anche "realisti" riconosciuti come Shostakovich e Kabalevskij usarono la tecnica della fantasia nelle loro opere musicali. Ma, forse, la vera fioritura della "musica fantastica" (musica di fantascienza) inizia negli anni '70 del nostro secolo, con lo sviluppo della tecnologia informatica e la comparsa dei famosi film "Odissea nello spazio 2001" di S. Kubrick (dove , tra l'altro, opere classiche di R. Strauss e I. Strauss) e "Solaris" di A. Tarkovsky (che, nel suo film, insieme al compositore E. Artemiev, uno dei primi "sintetizzatori" russi, ha creato un semplicemente meraviglioso suono di "sottofondo", che combina misteriosi suoni cosmici con la musica ingegnosa di J.-S. Bach). È possibile immaginare la famosa "trilogia" di J. Lucas "Star Wars" e persino "Indiana Jones" (che è stata girata da Steven Spielberg - ma l'idea era di Lucas!) Senza la musica incendiaria e romantica di J. Williams, eseguito da un'orchestra sinfonica.

Nel frattempo (all'inizio degli anni '70), lo sviluppo della tecnologia informatica raggiunge un certo livello: compaiono i sintetizzatori musicali. Questa nuova tecnica apre brillanti prospettive per i musicisti: è finalmente diventato possibile liberare la loro fantasia e modellare, creare suoni sorprendenti, addirittura magici, intrecciarli nella musica, “scolpire” il suono, come uno scultore!... Forse è già questo una vera fantasia in musica. Quindi, da questo momento inizia una nuova era, appare una galassia dei primi maestri sintetizzatori, autori-esecutori delle loro opere. Immagini comiche Il destino del fumetto nella musica si è sviluppato in modo drammatico. Molti storici dell’arte non menzionano affatto il fumetto in musica. Gli altri o negano l'esistenza della commedia musicale o ritengono che le sue possibilità siano minime. Il punto di vista più comune è stato ben formulato da M. Kagan: “Le possibilità di creare un'immagine comica nella musica sono minime. (...) Forse solo nel XX secolo la musica iniziò a cercare attivamente i propri mezzi puramente musicali per creare immagini comiche. (...) Eppure, nonostante le importanti scoperte artistiche compiute dai musicisti del XX secolo, il fumetto non ha conquistato e, a quanto pare, non otterrà mai nella creatività musicale il posto che ha occupato a lungo nella letteratura, nel teatro drammatico, nella belle arti, cinema". Quindi il fumetto è divertente, ha un significato ampio. Il compito è "correggere con la risata" Il sorriso e la risata diventano "compagni" del fumetto solo quando esprimono il sentimento di soddisfazione che una persona ha una vittoria spirituale su ciò che è contrario ai suoi ideali, ciò che è incompatibile con loro, ciò che è ostile per lui, perché smascherare ciò che contraddice l'ideale, realizzare la sua contraddizione significa superare il male, liberarsene. Di conseguenza, come ha scritto il principale estetista russo M. S. Kagan, lo scontro tra il reale e l'ideale è alla base del fumetto. Allo stesso tempo, va ricordato che il comico, a differenza del tragico, avviene a condizione che non causi sofferenza agli altri e non sia pericoloso per una persona.

Sfumature del fumetto: umorismo e satira L'umorismo è una bonaria e gentile presa in giro dei difetti individuali, delle debolezze di un fenomeno generalmente positivo. L'umorismo è una risata amichevole e innocua, sebbene non sdentata. La satira è il secondo tipo di fumetto. A differenza dell'umorismo, la risata satirica è una risata minacciosa, crudele e sfrigolante. Per ferire il più possibile il male, la bruttezza sociale, la volgarità, l'immoralità e simili, il fenomeno viene spesso deliberatamente esagerato ed esagerato. Tutte le forme d'arte sono in grado di creare immagini comiche. Non c'è bisogno di parlare di letteratura, teatro, cinema, pittura: è così ovvio. Scherzo, alcune immagini nelle opere (ad esempio Farlaf, Dodon) - realizzano il fumetto in musica. Oppure ricordiamo il finale della prima parte della Seconda Sinfonia di Čajkovskij, scritta sul tema della divertente canzone ucraina "Crane". Questa è la musica che fa sorridere l'ascoltatore. L'umorismo è pieno di "Quadri di un'esposizione" di Mussorgsky (ad esempio, "Balletto dei pulcini non schiusi"). Il galletto d'oro di Rimsky-Korsakov e molte immagini musicali del secondo movimento della Decima Sinfonia di Shostakovich sono fortemente satiriche.

11.Concetti

Una canzone o una canzone è la forma più semplice ma più comune di musica vocale, che combina testo poetico con melodia. A volte accompagnato da orchestika (anche espressioni facciali). Il canto in senso lato comprende tutto ciò che è cantato, a condizione che parola e melodia siano contemporaneamente combinate; in senso stretto - un piccolo genere lirico poetico che esiste tra tutti i popoli ed è caratterizzato dalla semplicità della costruzione musicale e verbale. Le canzoni differiscono per generi, magazzino, forme di performance e altre caratteristiche. La canzone può essere eseguita da un cantante o da un coro. Le canzoni vengono cantate sia con accompagnamento strumentale che senza (a cappella).

La musica obbedisce alle leggi della vita, è la realtà, quindi ha un impatto sulle persone. È molto importante imparare ad ascoltare e comprendere la musica classica. Anche a scuola i bambini imparano cos'è un'immagine musicale e chi la crea. Molto spesso, gli insegnanti danno una definizione al concetto di immagine: una particella di vita. Le più ricche possibilità del linguaggio delle melodie consentono ai compositori di creare immagini in opere musicali per realizzare le loro idee creative. Immergiti nel ricco mondo dell'arte musicale, scopri i diversi tipi di immagini in esso contenute.

Cos'è un'immagine musicale

È impossibile padroneggiare la cultura musicale senza la percezione di quest'arte. È la percezione che rende possibile svolgere attività compositive, di ascolto, esecutive, pedagogiche, musicologiche. La percezione permette di comprendere cos'è un'immagine musicale e come nasce. Va notato che il compositore crea un'immagine sotto l'influenza delle impressioni con l'aiuto dell'immaginazione creativa. Per facilitare la comprensione di cos'è un'immagine musicale, è meglio immaginarla come una combinazione di mezzi espressivi musicali, stile, carattere della musica, costruzione di un'opera.

La musica può essere definita un'arte vivente che riunisce molte attività. I suoni delle melodie incarnano il contenuto della vita. L'immagine di un'opera musicale significa pensieri, sentimenti, esperienze, azioni di certe persone, varie manifestazioni naturali. Inoltre, questo concetto implica eventi della vita di qualcuno, le attività di un'intera nazione e dell'umanità.

L'immagine musicale nella musica è la complessità del carattere, dei mezzi musicali ed espressivi, delle condizioni socio-storiche di origine, dei principi di costruzione e dello stile del compositore. Ecco i principali tipi di immagini nella musica:

Lirico. Trasmette le esperienze personali dell'autore, rivela il suo mondo spirituale. Il compositore trasmette sentimenti, stati d'animo, sensazioni. Non ci sono azioni qui.
Epico. Racconta, descrive alcuni eventi nella vita delle persone, racconta la loro storia e le loro imprese.
Drammatico. Descrive la vita privata di una persona, i suoi conflitti e scontri con la società.
Fata. Mostra fantasie e immaginazioni fittizie.
Comico. Espone tutto il male, utilizzando situazioni divertenti e sorprese.

immagine lirica

Nei tempi antichi esisteva uno strumento a corde così popolare: la lira. I cantanti hanno trasmesso le loro varie esperienze ed emozioni con l'aiuto di esso. Da lui è nato il concetto di testi, che trasmettono profonde esperienze emotive, pensieri e sentimenti. L'immagine musicale lirica ha elementi emotivi e soggettivi. Con l'aiuto di esso, il compositore trasmette il suo mondo spirituale individuale. Un'opera lirica non include alcun evento, trasmette solo lo stato d'animo dell'eroe lirico, questa è la sua confessione.

Molti compositori hanno imparato a trasmettere i testi attraverso la musica, perché è molto vicina alla poesia. Le opere liriche strumentali includono opere di Beethoven, Schubert, Mozart, Vivaldi. Anche Rachmaninov e Čajkovskij lavorarono in questa direzione. Hanno formato immagini liriche musicali con l'aiuto di melodie. È impossibile formulare lo scopo della musica meglio di quanto fece Beethoven: "Ciò che viene dal cuore deve condurre ad esso". Formando la definizione dell'immagine dell'arte musicale, molti ricercatori accettano proprio questa affermazione. Nella Sonata primaverile Beethoven fece della natura il simbolo del risveglio del mondo dal letargo. L'immagine musicale e l'abilità dell'esecutore aiutano a vedere nella sonata non solo la primavera, ma anche la gioia e la libertà.

Da ricordare anche la "Sonata al chiaro di luna" di Beethoven. Questo è un vero capolavoro con un'immagine musicale e artistica per pianoforte. La melodia è appassionata, persistente e termina in una disperazione senza speranza.

La lirica nei capolavori dei compositori si collega al pensiero figurativo. L'autore cerca di mostrare quale impronta questo o quell'evento ha lasciato nella sua anima. Prokofiev ha semplicemente trasmesso abilmente le "melodie dell'anima" nel valzer di Natasha Rostova nell'opera "Guerra e pace". La natura del valzer è molto dolce, si può sentire timidezza, lentezza e, allo stesso tempo, eccitazione, sete di felicità. Un altro esempio dell'immagine musicale lirica e della maestria del compositore è Tatyana dell'opera Eugene Onegin di Čajkovskij. Inoltre, le opere di Schubert "Serenade", Čajkovskij "Melody", Rachmaninov "Vocalise" possono servire come esempio di un'immagine musicale (lirica).

Immagine musicale drammatica

In greco "dramma" significa "azione". Con l'aiuto di un'opera drammatica, l'autore trasmette gli eventi attraverso i dialoghi dei personaggi. Nella letteratura di molti popoli tali opere esistevano molto tempo fa. Ci sono anche immagini musicali drammatiche nella musica. I loro compositori mostrano attraverso le azioni degli eroi che cercano una via d'uscita dalla situazione, combattendo con i loro nemici. Queste azioni provocano sentimenti molto forti che ti fanno compiere azioni.

Il pubblico vede l'eroe drammatico in una lotta costante, che lo porta alla vittoria o alla morte. Le azioni vengono prima, non i sentimenti. I personaggi drammatici più sorprendenti sono quelli di Shakespeare: Macbeth, Otello, Amleto. Otello è geloso, il che lo porta alla tragedia. Amleto è sopraffatto dal desiderio di vendetta sugli assassini di suo padre. La forte brama di potere di Macbeth lo spinge ad uccidere il re. Senza un'immagine musicale drammatica nella musica, il dramma è impensabile. È il nervo, la fonte, il fulcro del lavoro. L'eroe drammatico è presentato come schiavo della passione, che lo porta al disastro.

Un esempio di conflitto drammatico è l'opera di Čajkovskij La dama di picche basata sull'omonima storia di Pushkin. Inizialmente, il pubblico conosce il povero ufficiale Herman, che sogna di arricchirsi rapidamente e facilmente. Non aveva mai giocato d'azzardo prima, anche se in fondo era un giocatore d'azzardo. Herman è stimolato dal suo amore per la ricca ereditiera di una vecchia contessa. Il dramma è che il matrimonio non può aver luogo a causa della sua povertà. Presto Herman scopre il segreto della vecchia contessa: presumibilmente mantiene il segreto di tre carte. L'ufficiale è sopraffatto dal desiderio di scoprire a tutti i costi questo segreto per vincere il grande jackpot. Herman si presenta a casa della Contessa e la minaccia con una pistola. La vecchia muore di paura, senza tradire il segreto. Di notte, un fantasma viene da Herman e sussurra le carte preziose: "Tre, sette, asso". Viene dalla sua amata Lisa e le confessa che la vecchia contessa è morta a causa sua. Lisa, dal dolore, si gettò nel fiume e si annegò. Le care parole del fantasma perseguitano Herman, va alla casa da gioco. Le prime due puntate, su un tre e un sette, si sono rivelate vincenti. La vincita ha fatto girare così tanto la testa a Herman che va all-in e punta tutto il denaro vinto sull'asso. L'intensità del dramma si sta avvicinando al suo apice, invece dell'asso nel mazzo c'è una regina di picche. In questo momento, Herman riconosce la vecchia contessa nella dama di picche. La perdita finale porta l'eroe al suicidio.

Vale la pena confrontare il modo in cui Pushkin e Čajkovskij mostrano il dramma del loro eroe. Alexander Sergeevich ha mostrato a Hermann di essere freddo e prudente, voleva usare Lisa per il proprio arricchimento. Čajkovskij ha adottato un approccio leggermente diverso nel ritrarre il suo personaggio drammatico. Il compositore cambia leggermente i caratteri dei suoi personaggi, perché la loro immagine ha bisogno di ispirazione. Čajkovskij ha mostrato Herman come un romantico, innamorato di Liza, con un'immaginazione focosa. Solo una passione sposta l'immagine dell'amato dalla testa dell'ufficiale: il segreto delle tre carte. Il mondo delle immagini musicali di questa opera drammatica è molto ricco e impressionante.

Un altro esempio di ballata drammatica è Il re della foresta di Schubert. Il compositore ha mostrato la lotta tra due mondi: reale e immaginario. Schubert era caratterizzato dal romanticismo, era affascinato dal misticismo e il lavoro si rivelò piuttosto drammatico. La collisione di due mondi è molto luminosa. Il mondo reale è incarnato nell'immagine di un padre che guarda la realtà in modo sensato e calmo e non si accorge del Re della foresta. Suo figlio vive in un mondo mistico, è malato e gli sembra il Re della Foresta. Schubert mostra un'immagine fantastica di una foresta misteriosa avvolta in una nebbia cupa e di un padre che la attraversa correndo a cavallo con un bambino morente in braccio. Il compositore dà la sua caratteristica a ciascun personaggio. Il ragazzo morente è teso, spaventato, nelle sue parole c'è una richiesta di aiuto. Un bambino delirante entra nel terribile regno del formidabile Re della Foresta. Il padre fa del suo meglio per calmare il bambino.

L'intera ballata è permeata di un ritmo pesante, il vagabondo del cavallo raffigura una frazione di ottava ininterrotta. Schubert ha creato un'illusione visiva-uditiva completa piena di drammaticità. Alla fine, la dinamica dello sviluppo musicale della ballata finisce, mentre il padre tiene tra le braccia il bambino morto. Queste sono le immagini musicali (drammatiche) che hanno aiutato Schubert a creare una delle sue creazioni più impressionanti.

Ritratti epici in musica

Tradotto dal greco, "epos" significa una storia, una parola, una canzone. Nelle opere epiche, l'autore racconta delle persone, degli eventi a cui prendono parte. I personaggi, le circostanze, l'ambiente sociale e naturale vengono alla ribalta. Le opere letterarie epiche includono storie, leggende, poemi epici, romanzi. Molto spesso, i compositori usano poesie per scrivere opere epiche, raccontano gesta eroiche. Dall'epopea puoi conoscere la vita degli antichi, la loro storia e le loro imprese. Le principali immagini musicali drammatiche e l'abilità del compositore rappresentano personaggi, eventi, storie, natura specifici.

L'epopea è basata su eventi reali, ma contiene anche una parte di finzione. L'autore idealizza e mitizza i suoi personaggi. Sono dotati di eroismo, compiono imprese. Ci sono anche caratteri negativi. L'epica in musica mostra non solo persone specifiche, ma anche eventi, natura, che simboleggiano la terra natale in una particolare epoca storica. Quindi, molti insegnanti presentano una lezione sull'immagine musicale in 6a elementare con l'aiuto di brani dell'opera "Sadko" di Rimsky-Korsakov. Gli studenti cercano di capire con quale mezzo musicale il compositore è riuscito a disegnare un ritratto dell'eroe dopo aver ascoltato la canzone di Sadko "Oh, tu quercia scura". I bambini sentono una melodia melodiosa e fluida, un ritmo uniforme. A poco a poco, la maggiore viene sostituita da una minore, il tempo rallenta. L'opera è piuttosto triste, triste e premurosa.

Il compositore di The Mighty Handful, A. P. Borodin, ha lavorato in stile epico. L'elenco delle sue opere epiche può includere la "Bogatyr Symphony" n. 2, l'opera "Prince Igor". Nella Sinfonia n. 2, Borodin catturò la potente ed eroica Patria. All'inizio va una melodia melodiosa e fluida, poi si trasforma in una a scatti. Il ritmo pari è sostituito da uno puntato. Il tempo lento è combinato con il minore.

La famosa poesia "Il racconto della campagna di Igor" è considerata un monumento della cultura medievale. L'opera racconta la campagna del principe Igor contro i Polovtsiani. Qui sono stati creati luminosi ritratti epici di principi, boiardi, Yaroslavna, khan polovtsiani. L'opera inizia con un'ouverture, poi arriva un prologo su come Igor prepara il suo esercito per una campagna, osservando un'eclissi solare. Seguono quattro atti dell'opera. Un momento molto sorprendente nell'opera è il pianto di Yaroslavna. Alla fine, il popolo canta gloria al principe Igor e a sua moglie, anche se la campagna si è conclusa con la sconfitta e la morte dell'esercito. Per rappresentare l'eroe storico di quell'epoca, l'immagine musicale dell'esecutore è molto importante.

Vale anche la pena includere nell'elenco delle creazioni epiche l'opera di "Bogatyr Gates" di Mussorgsky, "Ivan Susanin" di Glinka, "Alexander Nevsky" di Prokofiev. I compositori hanno trasmesso le gesta eroiche dei loro eroi con vari mezzi musicali.

Favolosa immagine musicale

La stessa parola "favoloso" è la trama di tali opere. Il creatore più sorprendente di creazioni fiabesche può essere chiamato Rimsky-Korsakov. Anche dal curriculum scolastico, i bambini impareranno la sua famosa opera fiabesca "La fanciulla di neve", "Il galletto d'oro", "La storia dello zar Saltan". Impossibile non ricordare anche la suite sinfonica "Scheherazade" basata sul libro "1001 notti". Immagini fiabesche e fantastiche nella musica di Rimsky-Korsakov sono in stretta unità con la natura. Sono le fiabe che gettano le basi morali in una persona, i bambini iniziano a distinguere il bene dal male, imparano la misericordia, la giustizia, condannano la crudeltà e l'inganno. Come insegnante, Rimsky-Korsakov ha parlato degli alti sentimenti umani nel linguaggio di una fiaba. Oltre alle opere di cui sopra, si possono citare "Kashchei l'Immortale", "La notte prima di Natale", "La notte di maggio", "La sposa dello zar". Le melodie del compositore hanno una struttura melodico-ritmica complessa, sono virtuosistiche e commoventi.

musica fantastica

Vale la pena menzionare le fantastiche immagini musicali nella musica. Ogni anno vengono create tantissime opere fantastiche. Sin dai tempi antichi sono conosciute varie ballate e canzoni folcloristiche che lodano vari eroi. La cultura musicale cominciò a riempirsi di fantasia nell'era del romanticismo. Elementi di fantasia si trovano nelle opere di Gluck, Beethoven, Mozart. Gli scrittori più importanti di motivi fantastici furono compositori tedeschi: Weber, Wagner, Hoffmann, Mendelssohn. Nelle loro composizioni risuonano intonazioni gotiche. L'elemento favoloso-fantastico di queste melodie si intreccia con il tema dell'opposizione dell'uomo al mondo che lo circonda. L'epica popolare con elementi di fantasia è la base delle opere del compositore norvegese Edvard Grieg.

Le immagini fantastiche sono inerenti all'arte musicale russa? Il compositore Mussorgsky ha riempito le sue creazioni Pictures at an Exhibition e Night on Bald Mountain con motivi fantastici. Gli spettatori possono assistere al sabba delle streghe di notte durante la festa di Ivan Kupala. Mussorgsky ha anche scritto un'interpretazione della "Fiera Sorochinsky" di Gogol. Elementi di fantasia possono essere visti nelle opere di "La Sirena" di Čajkovskij e "L'ospite di pietra" di Dargomyzhsky. Maestri come Glinka ("Ruslan e Lyudmila"), Rubinstein ("Il demone"), Rimsky-Korsakov ("Il galletto d'oro") non rimasero lontani dalla fantasia.

Una vera svolta rivoluzionaria nell'arte sintetica è stata fatta dallo sperimentatore Scriabin, che ha utilizzato elementi di musica leggera. Nelle sue opere ha inserito appositamente linee per la luce. I suoi scritti "Il poema divino", "Prometeo", "Il poema dell'estasi" sono pieni di fantasia. Alcuni espedienti fantastici erano presenti anche tra i realisti Kabalevskij e Shostakovich.

L'avvento della tecnologia informatica ha reso la musica fantastica una delle preferite di molti. Film con composizioni fantastiche iniziarono ad apparire sugli schermi televisivi e nei cinema. Dopo l'avvento dei sintetizzatori musicali si sono aperte grandi prospettive per motivi fantastici. È arrivata l'era in cui i compositori possono scolpire la musica come scultori.

Esibizioni comiche in opere musicali

È difficile parlare di immagini comiche in musica. Pochi critici d'arte caratterizzano questa direzione. Il compito della musica comica è correggere con una risata. Sono i sorrisi i veri compagni della musica comica. Il genere comico è più leggero, non ha bisogno di condizioni che portino sofferenza agli eroi.

Per creare un momento comico nella musica, i compositori utilizzano l'effetto sorpresa. Così, J. Haydn in una delle sue sinfonie londinesi ha creato una melodia con una parte di timpani, che scuote immediatamente gli ascoltatori. Un colpo di pistola spezza la dolce melodia in un valzer con sorpresa (“Bullseye!”) di Strauss. Questo rallegra immediatamente la stanza.

Qualsiasi battuta, anche musicale, porta con sé divertenti assurdità, divertenti incoerenze. Molti hanno familiarità con il genere delle marce comiche, delle marce scherzose. La marcia di Prokofiev dalla raccolta "Musica per bambini" è dotata di commedia dall'inizio alla fine. I personaggi comici possono essere visti nelle "Nozze di Figaro" di Mozart, dove risate e umorismo si sentono già nell'introduzione. Figaro allegro e intelligente abilmente astuto di fronte al conte.

Elementi di satira in musica

Un altro tipo di fumetto è la satira. La rigidità è inerente al genere satirico, è formidabile, frizzante. Con l'aiuto di momenti satirici, i compositori esagerano, esagerano alcuni fenomeni per smascherare la volgarità, il male e l'immoralità. Quindi, Dodon dell'opera di Rimsky-Korsakov Il galletto d'oro, Farlaf di Ruslan di Glinka e Lyudmila possono essere chiamate immagini satiriche.

Immagine della natura

Il tema della natura è molto rilevante non solo nella letteratura, ma anche nella musica. Mostrando la natura, i compositori ne descrivono il vero suono. Il compositore M. Messiaen imita semplicemente le voci della natura. Maestri inglesi e francesi come Vivaldi, Beethoven, Berlioz, Haydn sono stati in grado di trasmettere le immagini della natura e i sentimenti che evocano con la melodia. Rimsky-Korsakov e Mahler hanno un'immagine panteistica speciale della natura. La percezione romantica del mondo circostante può essere osservata nell'opera di Čajkovskij "Le stagioni". Un personaggio gentile, sognante e affabile è la composizione di Sviridov "Primavera".

Motivi folcloristici nell'arte della musica

Molti compositori hanno utilizzato le melodie delle canzoni popolari per creare i loro capolavori. Semplici melodie di canzoni divennero la decorazione di composizioni orchestrali. Immagini da racconti popolari, poemi epici, leggende costituivano la base di molte opere. Sono stati usati da Glinka, Čajkovskij, Borodin. Il compositore Rimsky-Korsakov nell'opera "La storia dello zar Saltan" ha utilizzato la canzone popolare russa "In giardino, in giardino" per creare l'immagine di uno scoiattolo. Melodie popolari si sentono nell'opera Khovanshchina di Mussorgsky. Il compositore Balakirev, basandosi sulla danza popolare cabardiana, ha creato la famosa fantasia "Islamey". La moda per i motivi folcloristici nei classici non è scomparsa. Molte persone hanno familiarità con la moderna azione sinfonica di V. Gavrilin "Chimes".

Questa è la vita incarnata nella musica, i suoi sentimenti, esperienze, pensieri, riflessioni, l'azione di una o più persone; qualsiasi manifestazione della natura, un evento della vita di una persona, di un popolo, dell'umanità. Questa è la vita incarnata nella musica, i suoi sentimenti, esperienze, pensieri, riflessioni, l'azione di una o più persone; qualsiasi manifestazione della natura, un evento della vita di una persona, di un popolo, dell'umanità.

Nella musica raramente ci sono opere basate su una singola immagine. Nella musica raramente ci sono opere basate su una singola immagine. Solo una piccola opera teatrale o un piccolo frammento possono essere considerati un unico contenuto figurativo. Solo una piccola opera teatrale o un piccolo frammento possono essere considerati un unico contenuto figurativo.

Ritmo - alternanza di suoni brevi e lunghi Ritmo - alternanza di suoni brevi e lunghi Texture - un modo di presentare materiale musicale

STRUTTURA Il pensiero musicale può essere espresso in vari modi. Musica Il pensiero musicale può essere espresso in vari modi. La musica, come il tessuto, è composta da varie componenti, come la melodia; come il tessuto, è composta da varie componenti, come la melodia, le voci di accompagnamento, i suoni sostenuti, ecc. L'intero complesso di mezzi si chiama fattura. voci di accompagnamento, suoni sostenuti, ecc. L'intero complesso di mezzi si chiama fattura.

Tipi di trame musicali Monody (unisono) (dal greco "mono" - uno) è il più antico monofonico Monody (unisono) (dal greco "mono" - uno) è il più antico tessuto monofonico, che è una melodia monofonica, o una melodia di più voci all'unisono. struttura, che è una melodia monofonica, o che tiene una melodia da più voci all'unisono. La struttura omofonico-armonica è costituita da melodia e accompagnamento. Si è affermato nella musica dei classici viennesi (seconda metà del XVIII secolo) ed è ancora oggi la trama più comune. Struttura degli accordi - è una presentazione di accordi senza una melodia pronunciata. Esempi sono gli inni della chiesa - corali (molto spesso una tale struttura è chiamata corale), la polifonia sottovoce è caratteristica delle canzoni popolari russe. Si basa sulla libera improvvisazione nel processo di esecuzione di una melodia, quando altre voci si uniscono alla voce principale - voci di accompagnamento.

Sergei Vasilievich Rachmaninov Compositore Compositore Pianista Pianista Direttore d'orchestra Nato vicino a Novgorod, nella patria dell'eroe epico Sadko. Proprio come Sadko, Rachmaninov amava la sua terra e desiderava sempre separarsene. Infatti, nel 1917, nel pieno della sua forza creativa, lasciò per sempre la Russia.

Quando è nata questa polonaise appassionata e drammatica, alla quale il compositore ha dato il nome di Addio alla Patria? Proprio negli stessi giorni in cui fu repressa la rivolta polacca del 1794, il compositore lasciò il paese. Immagina una Polonaise di 213 anni. Quando è nata questa polonaise appassionata e drammatica, alla quale il compositore ha dato il nome di Addio alla Patria? Proprio negli stessi giorni in cui fu repressa la rivolta polacca del 1794, il compositore lasciò il paese. Immagina una Polonaise di 213 anni. La durabilità di un'opera d'arte dipende dalla carica di energia spirituale investita in essa dall'autore; un tale lampo creativo è capace di nutrire le persone con l'energia dei sentimenti per secoli. La durabilità di un'opera d'arte dipende dalla carica di energia spirituale investita in essa dall'autore; un tale lampo creativo è capace di nutrire le persone con l'energia dei sentimenti per secoli. Ed eccoli qui: trasformazioni meravigliose, sorprendenti, infinite e diverse della polonaise di Oginsky nell'anima delle persone. Ed eccoli qui: trasformazioni meravigliose, sorprendenti, infinite e diverse della polonaise di Oginsky nell'anima delle persone. "POLONAISE DI OGINSKY ADDIO ALLA PATRIA"

Una canzone basata sul motivo della Polonaise di Oginsky, eseguita dal coro di Turetsky Cosa c'era di interessante nella loro esibizione? Cosa c'era di interessante nella loro performance? Come ti sei sentito quando sei andato via di casa anche solo per un breve periodo? Come ti sei sentito quando sei andato via di casa anche solo per un breve periodo?

Compiti a casa Esprimi i tuoi sentimenti riguardo alla lontananza da casa in un tema o in un disegno. Esprimi i tuoi sentimenti riguardo alla lontananza da casa in un saggio o in un disegno. Trova o componi poesie sulla separazione da casa, disponili in una versione informatica su un foglio A4, recitale a memoria o componi musica ed eseguila in classe. Trova o componi poesie sulla separazione da casa, disponili in una versione informatica su un foglio A4, recitale a memoria o componi musica ed eseguila in classe.

Autovalutazione e valutazione delle attività didattiche degli studenti da parte di un insegnante. algoritmo di autovalutazione. Ricordi tutto quello che è stato detto nella lezione? Eri attivo durante la lezione? Le tue risposte erano corrette? Hai seguito le regole in classe? Hai scritto tutto sull'argomento della lezione sul tuo quaderno? Hai completato i compiti?

SOGGETTO: "Immagine musicale"

SCOPO: sviluppo di una percezione attiva, sincera e consapevole della musica da parte degli studenti sulla base dell'identificazione delle immagini musicali in essa, determinandone la natura, il contenuto e la costruzione.

la formazione della capacità degli studenti di determinare a orecchio il carattere, l'umore e i sentimenti umani trasmessi dalla musica;
coltivare l'abilità di ascoltare attentamente un brano musicale, la capacità di analizzarne il contenuto e i mezzi di espressione;
sviluppo della capacità di identificare i tratti caratteristici dello stile della musica;
sviluppo del pensiero indipendente degli studenti, manifestazione della propria iniziativa e creatività;
rafforzare l'abilità di pura intonazione della melodia, corretta respirazione e precisa articolazione delle parole quando si canta;

MATERIALE MUSICALE:

Concerto n. 2 per pianoforte e orchestra, parte I

S.V. Rachmaninov;

Canzone "Luoghi nativi", musica di Y. Antonov.

RANGE DI VISIONE:

“Prato bagnato” di F.A. Vasiliev;

“Suono della sera”, “Alberi primaverili”, “Sera. Golden Reach”, “Pace eterna”, I.I. Levitano;

"Va bene", W. D. Polenov;

U. Ciao ragazzi! Siediti comodamente, prova a sentirti come se fossi in una sala da concerto. A proposito, qual è il programma del concerto di oggi? Nessuno sa? Il problema è che avevi così tanta fretta che nessuno di voi ha prestato attenzione al manifesto all'ingresso della sala. Bene, ok, non arrabbiarti! Penso che la musica che suonerà oggi ti aiuterà non solo a determinarne il compositore e il contenuto musicale, ma ti aiuterà anche a sentire, a realizzare la profondità dei sentimenti che trasmetterà.

Quindi, immagina che la luce nella sala abbia cominciato a diminuire, si siano sentiti dei passi, ne sia seguito il silenzio completo e molti ascoltatori si siano bloccati in stato di stordimento per cogliere l'apparizione del maestro sul palco. Uscì e con andatura decisa si avvicinò al pianoforte, si sedette e pensò qualche istante. Il suo viso espressivo era rivolto verso lo strumento. Guardò il pianoforte con una concentrazione così profonda che in esso si avvertì un potere ipnotico soprannaturale. Il musicista cominciò a suonare e la musica partì.

L'esposizione della I parte del Secondo Concerto per pianoforte di S.V. Rachmaninov.

U. Chi è coinvolto nell’esecuzione di un brano musicale?

D. Pianoforte e orchestra sinfonica.

U. Allora possiamo definire il genere musicale?È opera, balletto, sinfonia?

U. Chi ha il ruolo principale?

D. Nella musica sentiamo alternativamente pianoforte e orchestra.

Penso che svolgano lo stesso ruolo.

W. Allora come chiamiamo questo brano musicale? Abbiamo già incontrato un'opera di questo genere.

D. Questo è il Concerto per pianoforte.

Sulla parola “concerto” c'è un messaggio di riferimento preparato da uno studente come compito a casa.

U. A cosa ci prepara la musica?

D. Per riflettere. Ascoltandolo, ti viene voglia di pensare.

Tu pensi quale compositore potrebbe scrivere questo brano musicale: russo o straniero? Perché?

Le risposte dei bambini.

U. È un compositore moderno o un compositore vissuto molto tempo fa?

Risposte degli studenti.

U. In effetti, questo è un compositore russo - Sergei Vasilyevich Rahmaninov vissuto a cavallo tra il XIX e il XX secolo. Non era solo un compositore di talento, ma anche un meraviglioso direttore d'orchestra e un brillante pianista.

Ascolta come si è descritto il compositore stesso:

“Sono un compositore russo e la mia terra natale ha lasciato il segno nel mio carattere e nelle mie opinioni. La mia musica è il frutto del mio carattere, e quindi è musica russa”.

Rachmaninov era un uomo dal destino straordinario. Poeta e cantante nato in Russia, nacque vicino a Novgorod e morì in America. Sergei Vasilievich amava la sua terra natale e le rimase fedele fino alla fine dei suoi giorni.

Il percorso creativo del compositore non è stato facile. Il fatto è che dopo il primo successo stimolante, quasi ogni talento si trova ad affrontare un malinteso sulla sua arte, nella sua vita si verificano alti e bassi creativi. L'anno 1897 divenne un punto di svolta così difficile, per molti versi, un punto di svolta per Rachmaninoff. La sua prima opera da compositore adulto, la Sinfonia n. 1, fallì. Questo fallimento fu una tragedia per il giovane compositore. Gli portò non solo amare delusioni, ma anche una lunga crisi creativa, aggravata da una grave malattia nervosa. Per diversi anni Rachmaninoff non scrisse nulla di significativo. Il tempo passò. E poi arrivò il 1901.

COSA È SUCCESSO AL COMPOSITORE NEL CORSO DEGLI ANNI?

La musica, quei sentimenti, pensieri e stati d'animo di cui è piena ci aiuteranno a rispondere a questa domanda. È la musica che aiuterà a capire com'era la persona che l'ha composta, a determinare il suo stato d'animo in quel momento. Per facilitarci la comprensione dell'essenza morale della musica di Rachmaninov, simuliamo una situazione di questo tipo. Siamo d'accordo sul fatto che il pianoforte solo trasmetterà il comportamento, i pensieri, i sentimenti e le esperienze del nostro eroe e del mondo che lo circonda (società, natura, persone, patria) - un'orchestra sinfonica.

La musica suona.

W. Hai detto che nella musica sentiamo lunghezza, melodiosità, belle melodie, un'ampia gamma di suoni. Le intonazioni melodiose e prolungate risuonano anche all'inizio del Concerto?

L'insegnante suona gli accordi introduttivi al pianoforte.

D. No. Gli accordi suonano.

U. Come ti senti quando suonano questi accordi di pianoforte? Cosa ti ricorda questo suono??

D. Ricorda il suono di una campana, come se stessero suonando le campane, la sveglia.

E ho la sensazione che qualcuno, o qualcosa, si stia avvicinando.

U. Perché hai deciso così?

D. Perché c'è un piccolo sviluppo dinamico in corso nella musica.

W. Sì, la breve introduzione è costruita su una sequenza di accordi, a cui rispondono nel basso rimbombanti colpi di “campana”. E l'aumento della sonorità dal pianissimo al potente fortissimo crea la sensazione di un approccio graduale a una sorta di immagine. Ma cosa? Il seguente brano musicale ci aiuterà a identificarlo.

Suona l'esposizione della prima parte del Concerto.

U. Quante immagini musicali ci sono nel pezzo?

U. Si assomigliano?

U. Da cosa sono rappresentati?

D. Temi musicali.

U. Cos'è il tema 1? Quali sentimenti trasmette? Cosa è lei?

L'insegnante suona il primo tema al pianoforte.

D. Duro, coraggioso, risoluto.

U. Qual è la natura del 2° tema?

L'insegnante esegue il 2° tema musicale al pianoforte.

D. Lirico, luminoso, sognante.

U. Vediamo Quali mezzi espressivi musicali ha utilizzato il compositore per mostrare ciascuna immagine musicale?

D. Il tema rappresentato dalla prima immagine è eseguito da un'orchestra sinfonica. Nella musica ascoltiamo

I bambini cantano la melodia del primo tema musicale.

U. Quale immagine o immagine di ciò che il compositore ha incarnato con questo tema musicale, utilizzando ampiamente mezzi di espressione musicale luminosi?

D. Penso che questa sia un'immagine russa. Se il tema è guidato da un'orchestra sinfonica, allora questa è l'immagine di tutto ciò che circonda una persona: l'immagine della Russia, l'immagine del popolo russo, l'immagine della natura russa.

U. Ma l'artista russo Ilya Efimovich Repin ha condiviso le sue impressioni sulla musica che ha ascoltato: "Questa è l'immagine di un potente, dolcemente e profondamente lento che si libra sopra l'elemento acqua di un uccello imperioso."

La natura di Rachmaninov esiste da sola? Oppure è parte integrante della vita di una persona, il nostro eroe, rappresentato dalla parte del pianoforte?

D. Penso che la natura e l'uomo siano una cosa sola.

Mi sembra che sullo sfondo dell'immagine della natura russa, il compositore abbia trasmesso i vari stati emotivi di una persona.

U. Quali sentimenti, pensieri, stati d'animo sono pieni di musica? Come trasmette lo stato d'animo del compositore?

Suona la parte principale dell'esposizione della prima parte del Concerto.

I bambini esprimono la loro opinione, rispondono alle domande.

U. Ecco cosa ha detto lo stesso compositore: “ È stato il periodo più difficile e critico della mia vita, quando pensavo che tutto fosse perduto e che ogni ulteriore lotta fosse inutile…”

Nella vita del compositore arrivò una lunga crisi creativa, aggravata da una grave malattia nervosa. Quindi parenti e amici di S.V. Rachmaninov ha deciso di rivolgersi al dottor Nikolai Vladimirovich Dahl. A quel tempo, Dahl divenne uno specialista molto famoso, che ora sarebbe chiamato psicoterapeuta, perché. praticò ampiamente l'ipnosi. L'essenza delle sue sessioni di guarigione con Rachmaninov consisteva nel fatto che fece sedere Sergei Vasilyevich su una comoda sedia e parlò pacificamente con lui. Le conversazioni avevano lo scopo di migliorare l'umore generale del paziente, farlo dormire bene la notte e suscitare in lui il desiderio e la fiducia di comporre musica.

Ben presto, gli altri notarono segni di miglioramento nelle condizioni di Sergei Vasilyevich. Lo stesso compositore era molto preoccupato per il concerto per pianoforte, sul quale iniziò a lavorare. Dahl lo sapeva e fece ogni sforzo per instillare nel compositore la fiducia necessaria per superare le difficoltà psicologiche che si trovavano sulla sua strada.

E così il lavoro sul concerto per pianoforte è stato completato. Per la prima volta il Secondo Concerto per pianoforte fu eseguito nel 1901 a Mosca. E nel 1904, Rachmaninoff ricevette il prestigioso Premio Glinka per questo lavoro.

Così, il compositore ha finalmente creduto in se stesso, nella sua salvezza creativa. E quale fosse il vero merito del medico, che instillò fiducia nello scoraggiato compositore, si vede meglio nella dedica, che è stata scritta dall'autore del Secondo Concerto per pianoforte su una copia stampata della partitura donata: "Un paziente sinceramente grato si dedica al rispettato Nikolai Vladimirovich Dahl" .

U. Il compositore voleva trasmettere solo i suoi sentimenti personali, le sue esperienze con il primo tema musicale?

D. Penso che Rakhmaninov volesse mostrare o trasmettere l'atmosfera del tempo in cui visse, creò se stesso e i suoi contemporanei, il carattere e gli ideali di questo tempo.

U. In effetti, nella sua musica sentiamo l'ansia e l'eccitazione che regnavano in quel momento nella società russa.

"Il tema del suo Secondo Concerto più stimolante non è solo il tema della sua vita, ma dà invariabilmente l'impressione di uno dei temi più sorprendenti della Russia... Ogni volta, dal primo rintocco di campana, senti com'è la Russia raggiungendo la sua massima altezza", ha scritto di quest'opera Nikolai Karlovich Medtner, famoso compositore russo.

La musica di Rachmaninoff è profonda nei contenuti. Comprende varie immagini musicali, una delle quali abbiamo analizzato. Passiamo ora al 2° argomento.

Sembra una parte laterale.

I bambini analizzano il linguaggio musicale del 2° argomento.

D. Il pianoforte conduce il tema. Fa l'assolo. Udiamo il suono dolce di una melodia; maggiore morbido, note alte; movimento fluido della melodia, ritmo moderato, intonazione leggera, lirica, genere della canzone.

U. Quale immagine musicale voleva mostrare il compositore con il 2° tema?

D. Questa è un'immagine della natura russa: tranquilla e calma.

U. Quali altri pensieri ci saranno? Forse qualcuno la pensa diversamente?

D. Il tema è eseguito dal pianoforte che, come concordato, trasmette i pensieri e i sentimenti di una persona.

U. Sono esperienze intense? A cosa ci prepara la musica?

D. Sui sentimenti lirici. Queste sono riflessioni di una persona sul suo destino, questa è una confessione lirica.

U. Perché hai deciso che una persona pensa, riflette?

D. Nella musica sentiamo un suono tranquillo, un movimento fluido e calmo della melodia. È sotto tale musica che si vuole pensare, sognare.

U. A cosa pensa il nostro uomo?

D. Sulla patria, sulla Russia, sulla sua gente, sulla natura meravigliosa.

U. Determina l'atteggiamento del nostro personaggio nei confronti di ciò che lo circonda.

D. Ama il suo popolo, la patria, la sua natura. Una persona si riferisce a tutto questo con trepidazione e tenerezza.

U. Perché?

D. Perché la musica esprime sentimenti come gentilezza, affetto, tenerezza, una sorta di sentimenti luminosi.

U. Quale immagine musicale voleva trasmettere il compositore?

D. L'immagine dell'amore per la Patria, la natura, la Russia.

I bambini con amore e tenerezza cantano la melodia della parte laterale.

U. Le immagini della natura nativa hanno sempre entusiasmato i compositori. Tuttavia, le sue immagini erano incarnate non solo nella musica, ma anche in altri tipi di arte russa.

L'insegnante offre agli studenti riproduzioni di dipinti di artisti russi.

U. A cavallo tra il XIX e il XX secolo. nel campo delle belle arti, c'è un ampio sviluppo di testi paesaggistici, artisti russi I.I. Levitan, F.A. Vasiliev, W. D. Polenov, Savrasov e altri.

I bambini in gruppi svolgono un compito creativo. DOMANDE:

L'immagine di ciò che nei dipinti simboleggia l'immagine russa, l'immagine della Russia?

Quali immagini sono in consonanza con la musica del 1o tema e del 2o?

Cosa hanno in comune le opere musicali e quelle pittoriche?

Cosa vedi nella foto che ti permette di rilevare la presenza di una persona?

Cosa c'è in comune tra lo stato della natura e i sentimenti del nostro eroe, che si esprimono nella musica?

Suona la musica della prima parte del Concerto. I bambini lavorano in gruppo, si scambiano opinioni, prendono una decisione. Discussione.

U. Un eccezionale artista russo, maestro del paesaggio lirico era Isaac Ilyich

Levitan. Con profonda poesia, ha catturato sulle sue tele immagini della terra e della natura russa. Le sue opere sono caratterizzate da chiarezza e sincerità, bellezza e armonia, assenza di colori vivaci e linee nette. Nei suoi dipinti, l'artista riflette una varietà di sentimenti ed esperienze umane. Forse è per questo che I.I. Levitan un tempo fu chiamato il creatore di un nuovo tipo di paesaggio, comunemente chiamato "PAESAGGIO DELL'UMORE". Hai notato quanto sorprendentemente consonanti siano l'immagine e la musica! Quali sentimenti umani, stati d'animo affini e identici sono evocati nello spettatore e nell'ascoltatore da due opere d'arte dall'aspetto diverso.

Quindi, nella musica della Parte I del Secondo Concerto per pianoforte, abbiamo identificato due immagini musicali: 1a - l'immagine della Russia, la Patria, 2a - l'immagine dell'amore per la Patria. Come ciascuno di loro si svilupperà, interagirà tra loro in futuro, per quanto riguarda il dramma musicale, lo seguiremo e cercheremo di capirlo nella prossima lezione.

E ora fate attenzione a queste date: 11873. e 2008 Per quanto tempo si connette

Queste date? I bambini rispondono.

Nell'attuale 2008, S.V. Rachmaninov avrebbe compiuto 135 anni. Sono passati più di cento anni e oggi la sua musica si sente nelle nostre aule. Cosa ne pensi, è possibile dire che la musica di questo compositore russo sia moderna anche adesso, che abbia attraversato il tempo? Perché le sue opere hanno così tanto successo oggi?

D. Penso che sia possibile.

Musica S.V. Rachmaninoff, vissuto a cavallo tra il XIX e il XX secolo, continua ad emozionarci, vivendo a cavallo tra il XX e il XXI secolo, e ora, perché. trasmette tali sentimenti umani, incarna tali aspetti della vita che sono comprensibili e vicini a ogni persona russa.

U. E non solo russo. La musica di Rachmaninov è molto popolare e conosciuta nei circoli musicali di tutto il mondo. Molto spesso le sue opere annoverano nel loro repertorio concertistico numerosi interpreti famosi e gruppi sinfonici rinomati in Europa e nel mondo. La musica di Rachmaninoff ha resistito alla prova più severa ed equa possibile nell'arte: la prova del tempo.

Qual è la sua attrazione? Quali tratti caratteristici della musica di questo straordinario compositore russo ci permettono di distinguerlo dall'enorme flusso di materiale musicale?

Pensa e prova a capire le caratteristiche principali della musica di S.V. Rachmaninov.

canzoni, durata e melodie popolari;
ritmo rigoroso;
pienezza, ampiezza e libertà di consistenza;
passaggi estesi e ondulati;
minore attivo, coraggioso e maggiore lirico, morbido;
costante “flusso e riflusso” della dinamica;
la predominanza del suono degli strumenti a corda e in legno nell'orchestra.

U. Rakhmaninov ha creato opere di varie direzioni. Ma qualunque sia il genere a cui si rivolge, la sua musica è riconoscibile: questa è la nostra musica russa: melodiosa, melodica, prolungata e bella. Bella come la nostra vasta Patria: la Russia con la sua potente natura russa, le persone meravigliose, la cultura multinazionale, i suoi costumi popolari, i costumi e le tradizioni spirituali, gli spazi nativi e i luoghi che sono così cari a ogni russo.

Gli studenti cantano la canzone “NATIVE PLACES”, musica di Y. Antonov.

L'insegnante lavora sulla pura intonazione della melodia, sulla respirazione corretta, sulla dizione e sull'articolazione accurate.

U. A conclusione del nostro incontro, voglio augurare a voi e a me che i nostri cuori non si stanchino di credere in noi stessi, nei nostri cari, negli amici, nel grande valore della vita. E lasciamo che la musica di Rachmaninov ci aiuti in questo, che è molto attraente, va al nostro cuore, viene dal profondo dell'anima.

BIBLIOGRAFIA:

"Musica russa a scuola", saggi metodici, G.P. Sergeeva, T.S. Shmagina, MIROS, Mosca 1998;
“Rakhmaninov e il suo tempo”, Yu Keldysh, “Musica”, Mosca 1973.