Tecnologie pedagogiche in educazione musicale. Abstract: Le tecnologie dell'informazione in musica. Le tecnologie dell'informazione e della comunicazione nell'educazione musicale

27.02.2019

Irina Biryukova
Moderne tecnologie educative nel lavoro del direttore musicale di un istituto scolastico prescolare

Scuola dell'infanzia autonoma comunale Istituto d'Istruzione

distretto urbano di Korolev MO asilo N. 39 tipo di sviluppo generale

"Città soleggiata"

"Moderne tecnologie educative nel lavoro del direttore musicale di un istituto scolastico prescolare. "

Musica mani Biryukova I. A.

andare. Korolev 2015

introduzione

Elenco delle fonti letterarie

Applicazione

Introduzione.

Fare la tecnica musicale sviluppo dei bambini in età prescolare, ho scoperto che il bambino e la musica è incredibilmente simile, spazi dell'infanzia e musica sono indissolubilmente legati al concetto di gioco. Questa conclusione è diventata per me il punto di partenza, definendo l'essenza della pedagogia tecnologia musicale educazione e sviluppo dei bambini in età prescolare e prescolare. Il percorso che fa un bambino alla scoperta del mondo musica, e con il suo aiuto se stesso e il mondo, è estremamente importante per lui. Questo è un percorso molto interessante e insolito che aiuta il bambino nel suo musicale realizzazioni e ricerca artistica, nella realizzazione di numerosi e varie scoperte.

Mantenersi al passo con moderno processi educativi , insegnante di scuola materna formazione scolastica devi essere in grado di navigare diversità approcci integrativi allo sviluppo del bambino, in una vasta gamma tecnologie moderne. Utilizzo moderne tecnologie nella musica Lo sviluppo di un bambino in età prescolare richiede nuovi approcci educazione musicale.

Musica e il gioco è la fonte della gioia dei bambini. Applicazione su musicale varie attività metodi di gioco, Risolvo presto un problema importante musicale crescere i figli - sviluppare la reattività emotiva a musica. Nel suo lavoro, Utilizzo nuovi programmi e tecnologie in vari tipi di attività musicali.

Utilizzo dell'informazione e della comunicazione tecnologia sulla musica le lezioni mi consentono, come insegnante, di rilanciare in modo significativo l'articolazione relazioni educative con i bambini, ampliando l'opportunità di presentare musicale e materiale didattico. Le lezioni che utilizzano le TIC attivano l’attenzione del bambino in età prescolare e migliorano l’interesse cognitivo musica. Le lezioni diventano più significative e armoniose.

Compiti musicale l'istruzione viene svolta attraverso diversi tipi attività musicale: udienze musica, cantando, musicalmente- movimenti ritmici, giochi musicali ed educativi, giochi per bambini strumenti musicali. Nuovi mezzi di informazione tecnologie Includo in tutti i tipi attività musicale:

Nel capitolo "Udito musica» - le presentazioni al computer vengono utilizzate per arricchire emotivamente il processo – cognizione figurativa del bambino, provocando il desiderio di ascoltare ripetutamente composizione musicale.

Nel capitolo "Cantando"- Le abilità di canto vengono acquisite durante il processo di apprendimento delle canzoni (giocando con i suoni della tua voce, le intonazioni del discorso). Mostrare una presentazione al computer per una canzone aiuta a interessare i bambini ad avere una conversazione che corrisponda al tema della canzone.

Nel capitolo « Musicalmente- esercizi ritmici"- Il processo di apprendimento delle danze utilizzando video educativi diventa emozionante e interessante per il bambino.

Nel capitolo « Musicalmente – giochi didattici» - uso di presentazioni vocali ( « Buon maestro» , "Orchestra del bosco", "La casa di chi", “Indovina la melodia e l'umore”, "Albero di mele" ecc.) aiutare il bambino prima ad apprendere il compito, quindi verificare se è stato completato correttamente.

L'uso delle TIC consente all'insegnante di trasmettere in modo chiaro e chiaro al bambino informazioni su diversi tipi di arte, come teatro, balletto, opera.

Formazione delle basi musicale culture dei bambini in età prescolare, accumulo di esperienze musicale contribuisce la percezione tecnologia sviluppo della percezione musica O. P.Radynova. Algoritmo dell'applicazione tecnologie in pratica attività:

Fasi:

1a fase: atteggiamento di ascolto (conversazione su un brano musicale, conoscenza dell'autore, titolo);

2a fase: prestazione musicale opere di un insegnante o ascolto di registrazioni audio;

3a fase: definizione di emotivo – contenuto figurativo della musica(“Che sensazioni trasmette? musica?» );

4a fase: evidenziando le funzionalità del software e figuratività, se disponibile(“Di cosa parla? musica?» )

5a tappa: definizione mezzi espressivi, con l'aiuto del quale è stato creato immagine musicale(“Come dice musica?» );

Inoltre, queste fasi possono essere sovrapposte l'una sull'altra in ogni lezione successiva. La prima fase è quella fondamentale.

6a tappa: Combinazione di percezione musica con attività pratiche e creative che aiutano il bambino in età prescolare ad esprimere le sue esperienze in manifestazioni esterne e a sentire più profondamente il suo carattere musica, sperimenta attivamente le tue impressioni.

Utilizzare in classe tecnologia la formazione delle capacità motorie di A. I. Burenina prevede forme di gioco variabili di organizzazione del processo pedagogico basato sulla cooperazione di un bambino e un adulto e comprende quanto segue fasi:

1a fase: imitazione dei bambini campione esecuzione dei movimenti da parte dell'insegnante ( "schermo accattivante")

2a fase: sviluppo della capacità di eseguire in autonomia singoli movimenti, esercizi e intere composizioni. (Usato Noi: dimostrazione delle prestazioni del bambino, dimostrazione con gesti ed espressioni facciali convenzionali, istruzioni verbali, "provocazioni", cioè errori particolari dell’insegnante per attivare l’attenzione dei bambini).

3a fase: espressione creativa di sé.

(Formazione della capacità di selezionare e combinare autonomamente movimenti familiari e inventarne di propri e originali).

Gioco tecnologia la formazione di abilità creative nel fare musica da parte di T. E. Tyutyunnikova consente di preservare e sviluppare la natura musicalità bambini in età prescolare basati su un'interazione di gioco paritaria, interpersonale, creativa, congiunta e non giudicante processo musicale.

Fasi:

1a fase: insegnare gli elementi più semplici del gioco musicale strumenti e la capacità di usarli praticamente;

2a fase: fare musica creativa – improvvisazione appello con materiale familiare, la capacità di usarlo a modo proprio, combinarlo in vari modi, sperimentando e immaginando;

3a fase: esecuzione di musica da concerto - esecuzione da parte di un ensemble di bambini di alcune opere classiche, per bambini e folcloristiche musica.

Utilizzo tecnologie musicalmente-attività teatrali (A. S. Burenina, M. Rodina, M. D. Makhaneva, E. G. Churilova) SU musicale le lezioni aiutano a introdurre i bambini cultura teatrale, risveglia l'interesse per le attività teatrali e ludiche.

Fasi:

1a fase: Espansione e sistematizzazione della conoscenza dei bambini sul teatro a cura di temi:

Caratteristiche dell'arte teatrale,

Tipi di arte teatrale,

La nascita dello spettacolo

Teatro fuori e dentro,

Cultura del comportamento in teatro.

2a fase: "Gioco teatrale"- è mirato non tanto all'acquisizione di competenze e abilità professionali da parte del bambino, ma allo sviluppo del comportamento di gioco, del senso estetico, della capacità di essere creativo in qualsiasi compito e di essere in grado di comunicare con coetanei e adulti in varie situazioni. Include:

Giochi per sviluppare l'attenzione uditiva, la creatività immaginazione e fantasia

Giochi con strumenti acustici improvvisati;

Allenamento con le dita;

Giochi per sviluppare la percezione del carattere e del contenuto della musica. lavori

Giochi per sviluppare l'attenzione visiva

Giochi con articoli per la casa e giocattoli

Esercizi con attributi per sviluppare capacità motorie, attenzione, memoria, immaginazione

Giochi d'azione con immaginario oggetti o memoria di azioni fisiche

Esercizi per sviluppare l'espressività della performance (sviluppo delle espressioni facciali, pantomimica)

Schizzi di gioco per lo sviluppo delle emozioni

Giochi-schizzi per lo sviluppo della creatività immaginazione

Schizzi di giochi per la comunicazione

Esercizi e giochi per sviluppare cultura e tecniche del parlato(esercizi respiratori ed articolari)

Scioglilingua

Esercizi per sviluppare l'espressività dell'intonazione

Giochi di parole creativi

Drammatizzazione di poesie

Preparazione e recitazione vari mini-dialoghi, filastrocche, canzoni, poesie, vari fiabe e drammatizzazioni

3a fase: Lavora sulla commedia(nove passaggi fondamentali):

1. Scegliere un'opera teatrale o una drammatizzazione e discuterla con i bambini.

2. Dividere lo spettacolo in episodi e raccontarli per i bambini.

3. Lavoro su singoli episodi sotto forma di schizzi con testo improvvisato.

4. Ricerche musicalmente-soluzione plastica di singoli episodi, coreografia di danza. Realizzazione di bozzetti di scene e costumi insieme ai bambini.

5. Vai al testo gioca: lavorando sugli episodi. Chiarimento delle circostanze proposte e dei motivi per il comportamento dei singoli personaggi.

6. Lavoro sull'espressività della parola e sull'autenticità del comportamento in condizioni sceniche; consolidamento delle singole mise-en-scene.

7. Prove dei singoli dipinti in composizioni diverse con dettagli di scenografia e oggetti di scena (può essere condizionale, con arrangiamento musicale.

8. Prova dell'intera rappresentazione con elementi di costumi, oggetti di scena e scenografie. Chiarire il ritmo della performance. Nomina dei responsabili del cambio scenografie e oggetti di scena.

9. Prima dell'opera. Discussione con il pubblico e i bambini, preparazione di una mostra di disegni dei bambini basata sullo spettacolo.

Applicazione moderne tecnologie educative per l’OA nella musica l'istruzione risolve il problema dello sviluppo complessivo dei bambini attraverso musica, arricchire il mondo interiore e spirituale del bambino, sviluppare la reattività emotiva, la forma rappresentazione elementare sui tipi di arte, tradizioni nazionali e vacanze. Applicazione di questi tecnologie corrispondono allo standard educativo statale federale per l'educazione educativa processo educativo.

L'uso di tecniche e metodi di gioco in situazioni problematiche non standard che richiedono la scelta di una soluzione tra una serie di alternative forma un pensiero flessibile e originale nei bambini. Ad esempio, in classe, scrivendo storie di musica, fiabe, gli alunni acquisiscono esperienze che permetteranno loro di poi fare giochi - invenzioni, giochi - fantasie. COSÌ modo, tecnologie di gioco più moderne strettamente correlato a tutti gli aspetti educativi e lavoro educativo scuola materna e risolvendo i suoi compiti principali.

Conclusione: Utilizzo moderne tecnologie educative certamente ha dato risultato positivo. I bambini hanno voglia di studiare attività musicale, e non solo cantare, ballare, ma anche ascoltare opere musicali. Parlano in modo abbastanza abile del carattere e del genere dell'opera, conoscono e usano parole speciali nel loro discorso. terminologia musicale(entro la tua età). I bambini controllano autonomamente la loro postura durante le lezioni, proteggono la loro voce e sono attivi durante i giochi e gli esercizi.

Intrattenimento musicale

"Viaggio a "Gioca - città"

(per i bambini del gruppo medio)

Bersaglio: incoraggiare i bambini a partecipare attivamente a tutte le attività.

Compiti:

Sviluppo: sviluppare la capacità di eseguire movimenti in accordo con il carattere musica; cantare espressivamente, trasmettendo il carattere della canzone.

Educativo: consolidare la capacità di eseguire lo schema ritmico più semplice battendo le mani; continua a giocare strumenti musicali; continuare ad imparare a cantare con voce naturale, senza tensione, ad iniziare e finire una canzone insieme, ad ascoltarne l'introduzione; adempiere passi di danza insieme come mostrato da un adulto.

Educativo: coltivare interesse per musica.

Preliminare Lavoro: leggere una fiaba "Teremok"; imparare passo dopo passo con i bambini i ruoli di una fiaba; udito opere musicali , di diversa natura; fare carte "Emozioni".

Attrezzatura: strumenti musicali, cartoline con emozioni, apparecchiature multimediali, Centro musicale, Teatro delle marionette, "forziere delle missioni".

Avanzamento delle attività didattiche:

I bambini entrano liberamente nella sala insieme all'insegnante.

Musica delle mani: Ciao ragazzi!

Bambini: Ciao!

Musica mani: Sono contento di vederti! Oggi abbiamo ospiti in classe, salutiamo tutti.

Bambini: Buongiorno!

Buon pomeriggio!

È così bello che viviamo! Ciao!

Musica mani: ragazzi, vorrei sapere se vi piace giocare?

(Risposte dei bambini)

Musica mani: a quali giochi ti piace giocare?

(Risposte dei bambini)

Musica mani: Ti ho chiesto dei giochi non a caso. Questa mattina ho ricevuto una lettera dal mio amico musicista che vive in un luogo magico "Gioca in città". I suoi abitanti adorano suonare, cantare e divertirsi. La più divertente di tutte è la principessa Igrulya. Ma in UltimamenteÈ triste, non gioca con nessuno, piange e basta. Gli abitanti della città ne furono turbati e divennero anche tristi. Il mio amico ci chiede di aiutare, rallegrare la principessa e riportare risate e gioia in città. Aiutiamo i residenti "Gioca - città"? Ma solo i ragazzi amichevoli e gentili possono farlo. Pensi di poter far fronte a questo compito? Perchè la pensi così?

(Risposte dei bambini)

Musica mani: Allora puoi metterti in viaggio. Conosco la strada e ti condurrò. Sfortunatamente, dentro "Gioca - città" Possono entrare solo i bambini, quindi voi ragazzi dovete applaudire (schema di sillabe ritmiche) e pronuncio sillabe magiche per trasformarmi in un bambino. E così pronto.

Schema delle sillabe ritmiche (Gioco tecnologia

Bambini: (applaude)

(il direttore musicale fa l'inchino)

Musica mani: Bene, sono pronto! Andiamo ora nella città dove l'ospite principale è GAME! Andato…

Danza: riscaldamento "Cos'è la gentilezza" (Tecnologia

Musica mani: ragazzi, guardate, ecco il cancello "Gioca - città". Il cancello è chiuso. Mio amico avvertì il musicista che c'è una serratura sul cancello, e dovrebbe esserci una "Cassa delle attività". Il lucchetto si aprirà se completi l'attività.

Trovano una cassa con della musica dentro. strumenti e bambole. Apri e completa le attività.

1 compito:

Racconta una storia usando questi strumenti musicali e le bambole ti aiuteranno (fiaba "Teremok")

(Tecnologia sviluppo delle capacità creative dei bambini in età prescolare in musicalmente-attività teatrali di A. S. Burenin, M. Rodin, M. D. Makhanev, E. G. Churilova)

Musica direttore: ben fatto! I cancelli sono aperti, puoi entrare in città. Ed eccolo qui "Vicolo delle emozioni". I residenti vivono qui "Gioca - città" e guardano fuori dalle finestre, ma i loro stati d'animo sono diversi. Determiniamo insieme in che tipo di umore si trova qualcuno, questo ci aiuterà musica. Ascoltiamo 1 melodia e scegliamo la carta giusta.

I bambini ascoltano musica D. Kabalevskij "Rezvushka"

Ascolta la melodia 2 e seleziona la carta desiderata.

I bambini ascoltano musica D. Kabalevskij "Piangolino"

Ascolta la melodia 3 e seleziona la carta desiderata.

I bambini ascoltano musica D. Kabalevskij "Cattivo"

(Tecnologia sviluppo della percezione musica O. P.Radynova)

Musica delle mani: Bravi, abbiamo indovinato l'umore dei residenti "Gioca - città". E affinché tutti i residenti siano di umore gioioso, insegniamo loro il gioco "Topo e topolini"

Un gioco "Topo e topolini" (gioco ritmico)

Direttore musicale: continuiamo il nostro viaggio. Ed ecco la piazza "Gioia" E "Palazzo della Felicità". E la stessa principessa Igrulya. Ma guarda, è triste. Tiriamola su di morale e balliamo "Poliečka".

Danza "Polka"

(Tecnologia formazione delle capacità motorie di A. I. Burenina)

Musica delle mani: guarda, la nostra principessa ha sorriso e i residenti "Gioca - città" rallegrati anche tu! Applaudono per te! Prendiamo musicale strumenti e insieme gioiremo tutti e li suoneremo.

(Gioco tecnologia formazione di abilità creative nel fare musica da parte di T. E. Tyutyunnikova)

Musica mani: ragazzi, abbiamo rallegrato la principessa Igrulya, e ora entriamo "Gioca in città" tutti si divertono di nuovo. Ed è ora che torniamo all'asilo, tu ed io siamo in ritardo. E una canzone autunnale ci aiuterà in questo. La canteremo e finiremo all'asilo.

Canzone "Autunno"

Musica mani: Qui siamo a casa. Oh, ragazzi, si sono dimenticati di me, devo diventare un adulto. Portami rapidamente dove sono i nostri schemi musicali, devi battere le mani e pronunciare le sillabe magiche. Pronto?

(schema di sillabe ritmiche)

Musica mani toglie l'arco.

Musica mani: Grazie. Dimmi, dove siamo andati oggi? Che cosa hai fatto di buono?

Bravi ragazzi. Il nostro viaggio è giunto al termine. Salutiamo i nostri ospiti. Arrivederci ragazzi!

Elenco della letteratura

1. Merzlyakova, S.I. “Il ruolo delle attività integrate nello sviluppo dei bambini in età prescolare” //« Direttore musicale» 2010.- N. 2.- pag. 2

2. Radynova, O. P. “Scuola materna età: come formare le basi cultura musicale» // « Direttore musicale» 2005.- N. 1. -Con. 3

3. Radynova O.P. « Età prescolare- compiti educazione musicale » // Educazione prescolare 1994.- N. 2, p. 24 - 30

4. Skopintseva, O. A. “Sviluppo musicalmente-creatività artistica dei bambini in età prescolare senior" / Skopintseva O. A. - Volgograd, 2010

5. Tarasova, K. V. “Sviluppo musicale abilità dentro infanzia prescolare» // « Direttore musicale» 2010 - N. 1. - Con. 10

6. Tyutyunnikova, T. E. "Semplice, divertente, facile" // « Direttore musicale» 2009.- N. 5.-p. 4

7. A. I. Burenina "Mosaico ritmico" 2012 « Tavolozza musicale» San Pietroburgo.

Il mondo moderno è in costante cambiamento e i nostri figli cambiano con esso. Oggi non vi è più alcun dubbio che i bambini moderni siano molto diversi non solo da quelli descritti nei loro scritti da Y.A. Kamensky e V.A. Sukhomlinsky, ma anche dai suoi coetanei degli ultimi decenni. E questo non è accaduto perché la natura del bambino stesso è cambiata: la vita stessa è cambiata radicalmente.

L'informatizzazione del sistema educativo pone nuove esigenze all'insegnante e alla sua competenza professionale. Un insegnante non deve solo essere in grado di utilizzare un computer e moderne attrezzature multimediali, ma anche creare le proprie risorse educative e utilizzarle ampiamente nelle sue attività didattiche, tenendo conto delle caratteristiche individuali e di età dei bambini.

L’istruzione può essere produttiva solo quando i suoi contenuti tengono conto delle esigenze dei bambini moderni e il processo di formazione e istruzione viene portato avanti tenendo conto delle loro caratteristiche, potenzialità e capacità. E per questo l'insegnante deve essere moderno. In base alle caratteristiche dei bambini moderni, l'insegnante deve essere in grado di sviluppare e utilizzare tecnologie innovative di istruzione e formazione nelle sue attività professionali, creare condizioni in cui il bambino mostrerà iniziativa cognitiva, svilupperà la sua immaginazione e capacità creative e soddisferà i suoi bisogni per l'autorealizzazione.

Una combinazione di metodi di insegnamento tradizionali e moderne tecnologie informatiche, compresi i computer, può aiutare un insegnante a risolvere questi problemi. L'uso delle tecnologie dell'informazione e della comunicazione, lo sviluppo dei propri progetti multimediali, ausili didattici e metodologici, i giochi e la loro implementazione in attività pratiche consente all'insegnante di migliorare la qualità dell'organizzazione del processo educativo, rendere interessante il processo di apprendimento e Lo sviluppo efficace del bambino apre nuove opportunità educative non solo per il bambino, ma anche per l'insegnante stesso.

Nella pratica del lavoro come musicista-insegnante, l'uso delle tecnologie dell'informazione e della comunicazione apre enormi opportunità. Presentazioni educative colorate, video, ausili multimediali aiutano a diversificare il processo di introduzione dei bambini all'arte musicale, rendendo il loro incontro con la musica più vivace ed emozionante. Le lezioni che utilizzano la tecnologia dell'informazione non solo espandono e consolidano le conoscenze acquisite, ma aumentano anche in modo significativo il potenziale creativo e intellettuale degli studenti.

L'obiettivo principale dell'utilizzo delle tecnologie dell'informazione e della comunicazione nelle lezioni di musica può essere considerato l'attivazione dell'attività cognitiva e creativa degli studenti.

Applicazione delle tecnologie dell'informazione e della comunicazione in educazione musicale e crescere i figli risolve una serie di problemi importanti:

aumentare la motivazione degli studenti ad apprendere;
sviluppare l’interesse degli studenti per le attività creative indipendenti; Attivazione potenziale creativo studenti;
aumentare l'interesse degli studenti per la cultura musicale;
arricchimento capacità metodologiche organizzare attività congiunte tra insegnanti e studenti, conferendo loro un livello moderno.

L’uso delle tecnologie dell’informazione e della comunicazione nel processo di educazione e educazione musicale stimola lo sviluppo del pensiero, della percezione e della memoria degli studenti; consente di rendere il materiale didattico più accessibile alla percezione; espandere la gamma concettuale degli argomenti musicali trattati; aiuta a migliorare l'assimilazione del materiale didattico. L'uso delle tecnologie dell'informazione e della comunicazione nell'educazione musicale aiuta a sviluppare le capacità di percezione attiva della musica, arricchisce l'esperienza musicale dei bambini, instilla in loro la conoscenza, che in generale è un prerequisito importante per arricchire la cultura musicale degli studenti.

Le tecnologie dell'informazione e della comunicazione possono essere incluse in tutti i tipi di attività musicali degli studenti. Esistono molte forme di materiali didattici moderni che un insegnante musicista può creare utilizzando le tecnologie dell'informazione e della comunicazione. Questi materiali didattici aiutano a ottimizzare il processo educativo, rendendo le lezioni ricche, interessanti ed educative. Quindi, diamo un'occhiata a queste forme di materiali didattici in modo più dettagliato.

Presentazione multimediale

Le presentazioni consentono di arricchire il processo di cognizione emotivo-immaginativa, evocano il desiderio di ascoltare ripetutamente un brano musicale, aiutano a ricordare a lungo un brano musicale proposto per l'ascolto, la percezione visiva degli oggetti studiati consente percepire rapidamente e profondamente il materiale presentato. Le presentazioni sono indispensabili quando si introducono gli studenti al lavoro dei compositori; in questo caso, ritratti e fotografie luminosi attirano l’attenzione dei bambini, sviluppano l’attività cognitiva e diversificano le impressioni dei bambini.

Al termine della presentazione sono possibili test o compiti creativi, che vengono completati sia per iscritto che oralmente. In caso di completamento dei compiti oralmente, sono possibili discussioni, discussioni e confronti di diversi punti di vista, che porteranno alla conclusione principale sull'argomento, cioè alla consapevolezza dei bambini dell'idea artistica e pedagogica della lezione .

Dimostrazione di videoclip di opere, balletti, musical, documentari, ecc.
Il frammento video dovrebbe essere estremamente breve nel tempo e l'insegnante deve occuparsi di fornire feedback agli studenti. Cioè, le informazioni video dovrebbero essere accompagnate da una serie di domande sullo sviluppo che invitano i bambini a dialogare e commentare ciò che sta accadendo. In nessun caso si dovrebbe permettere agli studenti di trasformarsi in osservatori passivi.
Escursioni virtuali ai musei degli strumenti musicali e agli appartamenti-museo dei compositori.
Per sviluppare le capacità musicali degli studenti, l'insegnante può utilizzare speciali giochi musicali e didattici multimediali. In una forma accessibile e attraente, contribuiscono allo sviluppo dell'udito modale, timbrico, dinamico e del senso del ritmo.
Quando si padroneggiano le informazioni teoriche, è opportuno utilizzare progetti multimediali, aiuti per l'insegnamento, materiali dimostrativi creati utilizzando le tecnologie dell'informazione e della comunicazione, ad esempio illustrazione di poster, diagramma di poster. Tradotti in formato digitale, saranno senza dubbio convenienti per un uso frequente. Possono essere dimostrati man mano che viene spiegato il materiale; può essere stampato e distribuito agli studenti come volantino visivo.
Questo tipo di attività musicale come il canto prevede anche l'uso delle tecnologie dell'informazione e della comunicazione. Pertanto, la condizione per il canto espressivo è che gli studenti comprendano l'immagine musicale della canzone e comprendano il significato del suo testo. Un aiuto per risolvere questo problema può essere fornito creando uno schedario di illustrazioni e presentazioni elettroniche per varie canzoni. Quando si lavora sulla qualità dell'esecuzione della canzone, della produzione del suono, della dizione e di altri elementi della sonorità vocale e corale, è possibile utilizzare i video Con con la partecipazione dei bambini: l'esecuzione di una canzone da parte dei bambini viene registrata su una videocamera, quindi questa registrazione viene vista e discussa insieme agli studenti.
Quando insegni a un bambino a suonare uno strumento musicale, puoi utilizzare concerti di presentazione per conoscere lo strumento musicale e le specificità del suo suono.
È anche possibile utilizzare risorse Internet per il completamento da parte degli studenti compiti a casa, sviluppo e applicazione di nuovi compiti di test che tengano conto delle tecnologie di apprendimento centrato sullo studente, nonché degli studenti che svolgono compiti creativi utilizzando le tecnologie dell'informazione e della comunicazione.

In conclusione, vorrei sottolineare l'importanza e la necessità dell'uso della tecnologia informatica da parte di un insegnante di musica. Ciò aiuta ad aumentare l’interesse degli studenti per l’apprendimento, migliora l’efficienza dell’apprendimento, sviluppa il bambino in modo completo e attiva i genitori in materia di educazione musicale e sviluppo dei bambini.

Per un insegnante, le risorse Internet ampliano notevolmente la base informativa in preparazione alle lezioni, legate non solo al mondo della musica, ma anche al mondo dell'arte in generale. E la capacità di utilizzare un computer ti consente di sviluppare materiali didattici moderni e di utilizzarli in modo efficace.

L'uso delle tecnologie dell'informazione e della comunicazione non è l'influenza della moda, ma una necessità dettata dai requisiti dell'istruzione moderna.

L'uso della tecnologia informatica consente di rendere le lezioni di musica attraenti e veramente moderne, di individualizzare l'apprendimento, di monitorare e sintetizzare i risultati dell'apprendimento in modo obiettivo e tempestivo.

Elenco della letteratura usata

Beloborodova V. Metodi di educazione musicale. - M.: Accademia, 2010.
Dmitrieva A., Chernoivanenko N. Metodi di educazione musicale a scuola. - M.: Accademia, 2011.
Zakharova I. Tecnologie dell'informazione nell'istruzione. Libro di testo per l'istruzione superiore. manuale Stabilimenti. - M.: “Accademia”, 2008.
Clarin M. Tecnologia pedagogica nel processo educativo. - M.: Educazione, 2009.
Selevko P. Tecnologie didattiche moderne. – M.: Educazione, 2010.
Shtepa V. Programmi didattici informatici per lezioni di musica. – M.: Educazione, 2011.

Risorse Internet

Agenzia federale per l'istruzione

Istituzione educativa statale di istruzione professionale superiore

UNIVERSITÀ STATALE DI ECONOMIA E FINANZA DI SAN PIETROBURGO

Facoltà di Economia Generale

Abstract sull'argomento:

L'informatica nella musica

San Pietroburgo 2009

introduzione

1. Nuove tecnologie e musica

2. Registrazione del suono

3. Prospettive per lo sviluppo dell'informatica in musica

Bibliografia

introduzione

Una delle principali caratteristiche del periodo postindustriale dovrebbe essere considerata il rapido sviluppo delle tecnologie elettroniche, che hanno contribuito all'automazione della memorizzazione e dell'elaborazione delle informazioni tramite computer.

L'emergere di computer sufficientemente potenti e nuovi informatica ha avuto un'enorme influenza sulla formazione della cultura musicale moderna. Le capacità dei computer moderni aumentano ogni giorno parallelamente ai progressi nel settore ambito scientifico e tecnico e gli sviluppi nel campo della programmazione.

È giunto il momento di rapporti maturi e costruttivi, il momento della costruzione di un edificio comune, dove entrambe le parti sentiranno sempre più il bisogno di progetti che si arricchiscono reciprocamente. Ambiti così diversi e un tempo apparentemente distanti attività intellettuale le persone negli ultimi decenni del secolo scorso non solo ne sono rimaste intrise rispetto reciproco, ma possiamo già prevedere con sicurezza lo sviluppo brillante e fruttuoso della loro cooperazione.

L'ovvietà delle opportunità fondamentalmente nuove offerte da un computer musicale nello sviluppo del pensiero professionale di un musicista in tutte le aree della creatività musicale porterà inevitabilmente alla crescente introduzione di tecnologie informatiche musicali, che integreranno significativamente e addirittura cambieranno la natura stessa del computer musicale. il lavoro di un compositore, musicologo, esecutore e insegnante.

Numerosi esperimenti con macchine elettroniche (e non) in grado di produrre suoni hanno portato all'emergere di diversi modi di scrivere musica, e quindi all'emergere di vari stili e tendenze. Un nuovo suono, insolito e insolito all'orecchio, è diventato un'innovazione nella musica. Molti famosi compositori moderni, ad esempio K. Stockhausen, O. Messiaen, A. Schnittke, nonostante la complessità del lavoro con la tecnologia, hanno creato opere utilizzando nuovi strumenti elettronici o solo su di essi.

Lo stesso sviluppo della tecnologia informatica elettronica ha portato alla sua “invasione” nella musica in una fase iniziale. Già negli anni '50, utilizzando i primissimi computer, gli scienziati tentarono di sintetizzare la musica: comporre una melodia o arrangiarla con timbri artificiali. È così che è apparsa la musica algoritmica, il cui principio fu proposto già nel 1206 da Guido Marzano, e successivamente applicato da V.A. Mozart automatizza la composizione dei minuetti: scrive la musica secondo numeri casuali. La creazione di composizioni algoritmiche è stata effettuata da K. Shannon, R. Zaripov, J. Xenakis e altri. Negli anni '80 i compositori avevano l'opportunità di utilizzare i computer dotati di programmi speciali, che poteva ricordare, riprodurre e modificare la musica, e permetteva loro anche di creare nuovi timbri e stampare spartiti delle proprie creazioni. È diventato possibile utilizzare un computer durante le prove concertistiche.

Quindi oggi il computer è uno strumento multitimbrico e parte integrante di qualsiasi studio di registrazione. Indubbiamente, la stessa parola "studio" è associata da molte persone al concetto di "cultura di massa" o "terzo strato", cioè a manifestazioni della cultura pop e dello spettacolo moderno. Forse questo è uno dei principali fattori che attrae i candidati quando si iscrivono all'ingegneria del suono o ad altre facoltà, in un modo o nell'altro, legate alla musica e alle tecnologie informatiche. La domanda sorge spontanea: che ruolo gioca l'introduzione del computer nella formazione dei futuri insegnanti di musica?

È del tutto possibile che un certo codice timbrico-ritmico della musica informatica aiuti a curare alcune malattie. La disponibilità di apparecchiature informatiche e la comodità del software creeranno condizioni senza precedenti per la creatività musicale (“artigianato” musicale), paragonabili in parte all’attuale diffusione a valanga della produzione musicale amatoriale negli stili pop e rock. Anche le espressioni: "la mia musica", "il mio studio di casa", "i miei CD", "i miei videoclip", "il mio sito musicale" (ovunque "mio" - che significa "creato da me") diventeranno concetti familiari di massa. Tutti potranno cimentarsi come compositore, arrangiatore, tecnico del suono, creatore di nuovi timbri ed effetti sonori.

1. Nuove tecnologie e musica

L’influenza delle nuove tecnologie sulla musica può essere fatta risalire ai tempi antichi. La musica si è sviluppata insieme allo sviluppo dei mezzi per la sua esecuzione, cioè gli strumenti musicali. È impossibile immaginare, ad esempio, la quarantesima sinfonia di Mozart, suonata, diciamo, su un ramo che sporge da un ceppo. Ma è qui che nasce la musica. Qualche troglodita dell'era mesozoica si sedette lì e, non avendo niente da fare, tirò un ramo. Un altro troglodita passò di lì, sentì i suoni, colse in essi una certa armonia e decise di provarci anche lui. Il terzo, il troglodita più intelligente, intuì che era meglio non tirare un ramo, ma una sorta di fibra, ad esempio il crine di cavallo, gli fece una cornice di legno e allungò proprio questi capelli su di essa. Questa è più o meno la storia della nascita del primo strumento musicale a corde pizzicate. Noto che se il terzo troglodita non avesse conosciuto la tecnologia della lavorazione del legno, per lui non avrebbe funzionato nulla.

Successivamente, con lo sviluppo principalmente della lavorazione del legno e delle tecnologie metallurgiche, si cominciò a notare la dipendenza del suono dal tipo di legno con cui era realizzato il telaio. Inoltre, il fragile crine di cavallo ha ceduto corda di metallo. E da qualche parte intorno al duemila anni aC compaiono strumenti come la lira o l'arpa.

Durante l'intero periodo della storia umana, dall'invenzione della lira ai giorni nostri, è stato creato un numero enorme di strumenti musicali. Ma tre gruppi sono stati maggiormente influenzati dalle nuove tecnologie negli ultimi centocinquant'anni: tastiere, batteria e archi (principalmente chitarra).

Quando fu scoperta l'elettricità, le persone iniziarono a provare a usarla in quasi tutte le aree della loro attività. Il pianoforte classico non ha fatto eccezione. Si cercava di rendere le vibrazioni della corda non smorzate, cioè si voleva che il volume del suono non diminuisse nel tempo, come con gli strumenti a fiato. Di conseguenza, è stato inventato il seguente design: sotto la chiave è stato installato un contatto che ha acceso l'elettromagnete. Allo stesso tempo, come in un normale pianoforte, il martello ha colpito la corda, ha iniziato a vibrare e quando ha raggiunto il magnete si è spento premendo la corda su un altro contatto. Quando la corda fu deviata indietro sotto l'azione delle forze elastiche, il contatto si aprì e il magnete ricominciò a funzionare e ad attrarre la corda a sé. A causa del fatto che la corda toccava periodicamente il contatto dell'elettromagnete, questo strumento aveva un suono molto aspro e quindi non era molto utilizzato.

Un altro strumento a tastiera, l'organo, soffriva di un altro problema: il costo e le dimensioni elevati. Dopotutto, ogni frequenza aveva bisogno della propria canna, quindi gli organi classici occupavano intere sale. E il soffietto doveva essere pompato continuamente. Con l'invenzione del generatore elettrico, è nata la domanda sul suo utilizzo negli strumenti musicali: dopo tutto, se viene ruotato a diverse velocità angolari, quando è collegato a un altoparlante, è possibile sentire suoni di frequenze diverse. Il primo strumento che utilizza questo principio fu inventato alla fine degli anni ottanta del secolo scorso a Chicago. Si chiamava Telharmonium. Poiché aveva un generatore separato per ciascuna frequenza, occupava un intero seminterrato. In questo seminterrato un musicista, di solito un organista esperto, sedeva e suonava. Nello stesso periodo vennero inventati il telefono e i primi altoparlanti.

E così, per ascoltare la musica, gli abitanti di Chicago chiamavano un certo numero e si collegavano al telearmonium. A causa del suo ingombro e della complessità di produzione e configurazione, il telharmonium non è stato ampiamente utilizzato. Tuttavia, in seguito, basandosi sul telharmonium, l'ingegnere americano Hammond creò negli anni Trenta del secolo scorso uno strumento che somigliava molto al suono di un organo. Lo chiamavano così: l'organo Hammond. È diventato molto diffuso grazie al suo basso costo e al buon suono. Inoltre, l'organo Hammond iniziò ad essere utilizzato non solo in musica classica, ma anche nella musica rock, che in quel periodo stava guadagnando forza.

Moderno strumenti a tastiera- sintetizzatori - hanno avuto origine, in linea di principio, dall'organo Hammond. Con lo sviluppo dell'elettronica, le persone hanno cercato di migliorarne in qualche modo il suono. Gradualmente gli oscillatori meccanici furono sostituiti prima dai multivibratori e poi dai circuiti integrati.

Inoltre, con l'ulteriore sviluppo della microelettronica, è diventato possibile ottenere quasi tutti i timbri. Nella musica popolare moderna, il sintetizzatore oggi è re e dio. Grazie alla sua facilità d'uso, ora viene utilizzato da tutti coloro che sanno suonare anche un po' il pianoforte. Tre lezioni di una normale scuola di musica sono sufficienti per suonarlo più o meno tollerabilmente.

IN ultimo decennio Il sintetizzatore ora ha un potente alleato: il computer. Computer moderni, come sai, ti permette di fare tutto ciò che il tuo cuore desidera. Con l'invenzione delle schede audio per computer, è diventato possibile inserire su di essi microcircuiti con un banco di strumenti provenienti da qualsiasi sintetizzatore moderno. Usando speciali programmi sequenziatori, puoi inserire qualsiasi melodia nel tuo computer e riprodurla. Risulta come su un sintetizzatore. E più recentemente sono comparsi i cosiddetti campionatori software. Un campionatore è un dispositivo che permette di registrare un campione sonoro (in inglese sample, da cui deriva il nome), indicare a quale nota corrisponde e, collegandolo ad un sintetizzatore, suonare con questo timbro. I campionatori hardware erano costosi e difficili da usare, quindi scrivere un campionatore software suscitò scalpore tra i musicisti. Adesso in generale era possibile cavarsela solo con un computer, conoscendo un po' di alfabetizzazione musicale e non sapendo suonare nulla. Il rapporto prezzo-suono dei sintetizzatori e dei computer li ha resi strumenti indispensabili per i musicisti rock e pop.

2. Registrazione del suono

Sin dai tempi antichi, le persone hanno cercato in qualche modo di immortalare le opere musicali

Dopotutto, per un compositore eseguire ogni volta una delle sue composizioni è come per un artista dipingere ogni volta di nuovo il suo quadro. Pertanto, i musicisti in qualche modo hanno pensato di perpetuare le proprie opere. Il più tecnicamente semplice, e quindi il più modo antico- Questa è una notazione musicale.

Non richiede alcun dispositivo tecnico se non una penna con inchiostro e un pezzo di pergamena, quindi carta. La notazione musicale è il simbolo dei suoni musicali su un foglio di carta. Un musicista esperto, vedendo questi segni, suona immediatamente la melodia nella sua testa e può riprodurla quasi esattamente come l'originale.

L'invenzione della notazione musicale, ovviamente, ha contribuito notevolmente allo sviluppo della musica come arte, ma all'inizio era naturalmente diversa nei diversi paesi. Nel processo di diffusione delle persone civilizzate sulla terra, la notazione musicale ha raggiunto un certo standard. Tuttavia, la scrittura che usiamo oggi è adatta alla registrazione di musica, le cui radici affondano interamente nella musica classica europea. Trovano difficile registrare, ad esempio, musica cinese, indiana o africana.

Nel processo di sviluppo della musica come arte, è nata la necessità di un metodo di registrazione del suono più avanzato rispetto alle note. Dopotutto, non tutti quelli che amavano la musica sapevano suonare qualcosa. Naturalmente, i ricchi potevano permettersi di ospitare un musicista di corte, o di andare a teatro per concerti di qualche tipo. famoso musicista. Ma che dire dei poveri che non possono permettersi né l’uno né l’altro? Furono loro a inventare i primi dispositivi che permettevano di riprodurre musica senza sapere come suonare nulla. Questi erano organi a botte. Infatti, per suonare l’organetto non ne hai bisogno conoscenza musicale e abilità, devi solo girare la maniglia.

Il metodo meccanico di registrazione del suono è stato utilizzato negli ultimi secoli. Potrebbero, ad esempio, registrare un pezzo per organo. Sul rotolo di carta sono state praticate delle fessure certi posti, quindi questo rotolo veniva fatto scorrere tra le canne dell'organo e il mantice. Dove c'erano delle fessure, l'aria passava nei tubi e veniva prodotto il suono. Tuttavia, questo metodo di registrazione del suono presentava una serie di svantaggi, in particolare la complessità della produzione di un tale rullo, l'irregolarità del suo movimento causava un suono irregolare. Questo metodo non è ampiamente utilizzato.

Alla fine del XIX secolo l’americano Thomas Edison inventò il fonografo. Questa invenzione è considerata un punto di svolta nella storia della registrazione del suono. È stato utilizzato un nuovo metodo di registrazione dei suoni: l'onda, cioè, poiché il suono è un'onda meccanica, provoca vibrazioni nella membrana, che vengono registrate su un supporto. Durante la riproduzione, le vibrazioni registrate dal supporto vengono trasferite a una membrana, che vibra e fa vibrare l'aria in cui si verificano le onde.

L'invenzione della registrazione del suono delle onde ha permesso di registrare qualsiasi strumento, e quale strumento, in generale, ora è possibile registrare qualsiasi suono. Tuttavia, è passato molto tempo dall'invenzione del fonografo all'invenzione di lettori e registratori di alta qualità. Inizialmente, il fonografo non ha trovato riconoscimento a causa della pessima qualità del suono. Ma l’ulteriore miglioramento di questo metodo di registrazione del suono e l’invenzione di lettori elettrici e registratori a nastro di alta qualità hanno punteggiato tutte le i. Sono apparsi negli anni Quaranta e Cinquanta del secolo scorso.

Fu in queste condizioni che nacque la musica rock, la prima vera musica di massa. Si è diffuso proprio grazie all'invenzione di dispositivi di registrazione del suono semplici, di alta qualità ed economici. La musica rock e la musica pop non devono essere confuse. Un capitolo a parte ho dedicato alla musica pop, anch'essa frutto delle nuove tecnologie. La musica rock è, prima di tutto, arte. Per creare un'opera di alta qualità in questo genere, non è richiesto un livello inferiore di abilità e talento, così come per qualsiasi altro tipo di arte.

Lo sviluppo della musica rock è strettamente correlato all'introduzione di nuove tecnologie negli strumenti e nella registrazione del suono. Ho già fornito un esempio lampante: migliorare la chitarra solista al livello di una Fender Stratocaster o di una Gibson Les Paul. Un altro esempio impressionante è l'invenzione dei lettori stereo e dei registratori stereo. I lettori monofonici non consentivano di ottenere una tale qualità del suono, anche se un gruppo rock creava qualcosa di veramente grandioso, non poteva essere trasmesso alle masse, molto andava perduto.

Approssimativamente subito dopo l'invenzione del registratore stereo, apparvero questi capolavori del rock: l'album Il Beatles “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, l’opera rock Jesus Christ Superstar è il primo e finora unico progetto di successo di fusione del rock con la musica classica. Anche a quel tempo (fine anni Sessanta) apparvero i cosiddetti "gadget" per chitarre elettriche, che resero il loro suono davvero fantastico per quel tempo, e in una certa misura contribuirono all'emergere di nuovi stili, come l'heavy metal. In linea di principio, l'heavy metal è uguale al rock, solo molto rumoroso e veloce.

A volte il rock viene ingiustamente chiamato la musica della generazione degli anni Sessanta e Settanta, pettegolezzi Dicono che sia già morto. In realtà, questo non è vero. Con opere rock davvero grandi, accadrà più o meno la stessa cosa della "Quaranta sinfonia" di Mozart, della "Sonata al chiaro di luna" di Beethoven o del "Lago dei cigni" di Čajkovskij: non saranno mai dimenticate. Le nuove tecnologie sono in parte responsabili della breve durata del periodo di massimo splendore del rock. Intorno alla metà degli anni settanta apparve una nuova generazione di strumenti musicali: quelli a microprocessore - fondamentalmente erano tutti i tipi di sintetizzatori diversi e, poco dopo, i computer. Un'altra generazione di giovani è cambiata e, come sapete, i giovani sono i promotori di tutto ciò che è nuovo e negano tutto ciò che è vecchio. Il rock è diventato la musica dei padri, e quindi fuori moda. Tuttavia, quella nuova generazione non ha offerto nulla di nuovo, ma ha affermato ostinatamente che "il rock and roll è morto, ma io non lo sono ancora" (B.B. Grebenshchikov). La facilità d'uso dei sintetizzatori e dei computer li ha resi accessibili a ogni sciocco, e ora, forse, se tra circa cinquant'anni guardi la musica di oggi, forse scoprirai alcuni capolavori che ora sono strettamente intasati dalla musica pop.

3. Prospettive per lo sviluppo dell'informatica in musica

Eppure cercheremo di “prevedere” le direzioni che sembrano più promettenti dal punto di vista del futuro utilizzo del computer musicale. La cosa più realistica per noi è presupporre che le tecnologie dell’educazione musicale a distanza saranno ampiamente utilizzate. Ciò significa, innanzitutto, storia e teoria della musica, ma, in parte, Consiglio pratico, saranno disponibili in qualsiasi luogo lontano da rinomati istituti scolastici punto geografico. Di conseguenza, possiamo contare sul fatto che un numero molto maggiore di persone appassionate di musica, quest'arte bella e potente, avrà conoscenze musicali scientificamente affidabili e pratiche. Il computer è già pronto oggi per offrire molto di ciò che ci permetterà finalmente di realizzare lo slogan storicamente e socialmente atteso “La musica è per tutti!”

Tutte le persone inizieranno facilmente ed entusiasmantemente a padroneggiare l'alfabetizzazione musicale, come se imparassero la loro lingua madre, come se adottassero le melodie delle sue canzoni preferite dalla madre, e il computer musicale diventerà una guida affidabile per ogni viaggiatore curioso nel Mondo dei Suoni . Grazie ad un computer dotato di programmi didattici musicali basati su basi mediche e metodi pedagogici, i sordomuti, ad esempio, ascolteranno la musica e, alla fine, parleranno anche (sviluppi metodologici in questa direzione esistono già oggi).

Grazie ad un computer dotato di programmi di formazione musicale basati su metodi medici e pedagogici, i sordomuti, ad esempio, ascolteranno la musica e, eventualmente, parleranno (già oggi esistono sviluppi metodologici in questa direzione). È del tutto possibile che un certo codice timbrico-ritmico della musica informatica aiuti a curare alcune malattie.

La disponibilità di apparecchiature informatiche e la comodità del software creeranno condizioni senza precedenti per la creatività musicale (“artigianato” musicale), paragonabili in parte all’attuale diffusione a valanga della produzione musicale amatoriale negli stili pop e rock. Anche le espressioni: "la mia musica", "il mio studio di casa", "i miei CD", "i miei videoclip", "il mio sito musicale" (ovunque "mio" - che significa "creato da me") diventeranno concetti familiari di massa. Tutti potranno cimentarsi come compositore, arrangiatore, tecnico del suono, creatore di nuovi timbri ed effetti sonori.

Sullo sfondo di un tale hobby di massa, il prestigio e la qualità dell'educazione musicale aumenteranno molte volte, il cui contenuto, grazie al computer, cambierà in modo significativo, diventerà più high-tech e intensivo, adattato in modo flessibile a qualsiasi specifico compiti. Ogni insegnante di musica in un liceo speciale o in una scuola generale (non fa differenza) parlerà fluentemente di musica e tecnologie informatiche. Naturalmente, sarà in grado di insegnare la sua materia in modo interessante ed emozionante; non sarà affatto difficile per lui comporre una canzone o ballare, fare arrangiamenti dal suono pieno, creare un brillante concerto scolastico, registrarlo su un disco digitale di alta qualità e poi regalare tale registrazione ai suoi studenti come ricordo. tempo meraviglioso infanzia e adolescenza.

Forse la musica e le tecnologie informatiche sostituiranno ulteriormente quelle ad alta intensità di lavoro professioni musicali, a causa della quale, sotto la coercizione dei genitori, ragazzi e ragazze non ancora molto diligenti vengono spesso privati della loro felicità infantile per 10-15 anni consecutivi. La gioia di fare musica in modo immediato e diretto sarà portata loro da sintetizzatori e computer musicali progettati in modo ancora più creativo. E solo i musicisti veramente talentuosi, appassionati e pazienti diventeranno dei virtuosi (violinisti, pianisti, clarinettisti, trombettisti).

Bibliografia

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5. S. Kastalsky. Enciclopedia rock / M. Coeval, 1997.

Una lezione di musica moderna è una lezione durante la quale vengono utilizzate moderne tecnologie pedagogiche, tecnologie informatiche e strumenti musicali elettronici. Una lezione di musica è caratterizzata dalla creazione di un ambiente creativo, fin dai contenuti lezioni di musica costituiscono le emozioni e la loro esperienza soggettiva. Tali contenuti specifici determinano la scelta di varie tecniche, tipologie di lavoro e nuovi strumenti multimediali.

Il computer offre ampie opportunità nel processo creativo dell'insegnamento della musica, sia a livello professionale che a livello amatoriale.

Le tecnologie informatiche musicali hanno aperto una fase fondamentalmente nuova nella riproduzione tecnica dei prodotti musicali: nella stampa musicale, nei generi di musica applicata, nei supporti di registrazione del suono, nelle capacità di alta qualità delle apparecchiature di riproduzione del suono, nelle attività teatrali e concertistiche, nel sound design e nella trasmissione musicale (compresa la trasmissione su Internet).

Una delle tendenze principali nel campo della pedagogia musicale del 21° secolo è l'introduzione degli studenti alle tecnologie dell'informazione e del computer. La padronanza delle tecnologie informatiche e informatiche è oggettivamente necessaria:

· in primo luogo, per la formazione professionale di compositori ed esecutori,

· in secondo luogo, per l'utilizzo come fonte di materiale didattico ausiliario (riferimento, formazione, editing, registrazione del suono, riproduzione del suono, ecc.).

In alcune università russe, le tecnologie elettroniche legate alla creatività musicale vengono studiate come materia del curriculum. In tali istituzioni educative, i "dizionari" sonori vengono sviluppati sulla base di sistemi informatici, le composizioni musicali vengono create utilizzando effetti speciali di luce e colore, sequenze di film e video e pantomime di recitazione.

I programmi per computer vengono utilizzati anche per insegnare a suonare strumenti, per sviluppare l'orecchio musicale, per ascoltare opere musicali, per selezionare melodie, per arrangiare, improvvisare, digitare e modificare testi musicali. I programmi per computer consentono di determinare l'estensione di uno strumento, la fluidità dei passaggi dell'esecutore, l'esecuzione di tratti e sfumature dinamiche, l'articolazione, ecc. Inoltre il computer permette di imparare brani con un'“orchestra”. Può anche fungere da “simulatore” di conduzione (utilizzando apparecchiature televisive). I programmi per computer consentono l'analisi musicale e uditiva delle melodie (temi) delle opere nel corso della storia della musica. Per molte discipline musicali il computer costituisce una preziosa fonte di informazioni bibliografiche ed enciclopediche.

Attività di progettazione diffuse con presentazioni al computer che consentono di presentare in modo più chiaro materiale illustrativo.

Va notato che l'uso delle tecnologie informatiche è finalizzato alla natura individuale del lavoro, che generalmente corrisponde alle specificità delle lezioni di musica. Un personal computer consente di variare la modalità di lavoro individuale di un musicista in base al suo tempo, nonché alla quantità di lavoro svolto.

Ho deciso di pubblicare i miei appunti per un ciclo di lezioni tenute da Andrei Smirnov al Centro Theremin del Conservatorio sotto il tema generale “Musica e Tecnologia”. Il Novecento viene esaminato sia dal punto di vista della storia dell'arte che dal punto di vista del progresso tecnico. Tutte le lezioni sono divise secondo lo stesso principio: concetti estetici e informazioni fisiche e tecniche di base. Inoltre, naturalmente esempi musicali e pratica nell'uso degli strumenti elettronici e dei relativi software. Il programma è molto ampio ed è progettato per un anno di lezioni settimanali. Ho presentato solo i punti principali in forma molto concisa, quasi astratta, poiché ogni argomento contiene un'enorme quantità di materiale che non sono in grado di sistematizzare. Spero che una parte significativa di esso appaia presto sul server del Theremin Center. Nel frattempo ti suggerisco di familiarizzare con ciò che ricordo di più.

PSICOACUSTICA

Vorrei fare subito una prenotazione - questo argomento non ha nulla a che fare con esperimenti con ultra/infrasuoni, pressione sul subconscio e altre esperienze estreme - qui stiamo parlando semplicemente della struttura fisica dell'apparecchio acustico e dei principi della sua interazione con il più alto sistema nervoso persona. Non mi soffermerò nei dettagli sulla struttura di tutte e tre le sezioni dell'orecchio, sebbene sia molto interessante. Soprattutto i processi nella coclea: si scopre che sulla superficie della membrana situata al suo interno, il suono si trova sotto forma di un'onda stazionaria, a causa della quale si verifica l'inerzia uditiva. Ricorda: se ascolti la musica ad alto volume, il volume sembra diminuire nel tempo. Se spegni la musica ad alto volume, mettila in pausa e poi la riaccendi, nei primi secondi ti colpisce di più le orecchie rispetto a prima di spegnerla. Si scopre che il condotto uditivo esterno è un risonatore sintonizzato su una frequenza specifica, da qualche parte intorno a 2,5-3,5 kHz. Pertanto, alle frequenze medie ci sono suoni che pruriscono: entrano in risonanza. Un'altra frequenza di risonanza è a 10 kHz. La sensibilità dell'orecchio ha naturalmente una caratteristica logaritmica in frequenza. Anche in termini di volume. Sono state prese le caratteristiche, selezionando tre con l'udito migliore tra 1.000 ragazzi di 18 anni. Pertanto, per rendere fluido il controllo del volume nell'amplificatore, è necessario modificarlo secondo la legge esponenziale. Non lo sapevo! Puoi testare il tuo udito con un semplice generatore di onde sinusoidali come quello di SoundForge. Il compito è questo: determinare quanti periodi di segnale l'orecchio è in grado di riconoscere l'altezza? I teorici dicono che da qualche parte in 5-7 periodi. Ma si scopre che per alcuni sono sufficienti 3 periodi. Ho "indovinato la melodia" con 5 periodi. A proposito, tutti gli studi hanno confermato che, fisiologicamente, tutte le persone hanno le stesse capacità degli apparecchi acustici. Quale ha il meglio orecchio per la musica- è risolto a livello delle capacità analitiche del cervello.

SUONO SPAZIALE

La localizzazione delle sorgenti sonore è una caratteristica molto interessante dell'udito umano, che dà a una persona molto più in termini di orientamento nello spazio che, ad esempio, visione. La struttura del padiglione auricolare gioca un ruolo enorme in questo: nonostante sia diversa per tutte le persone, è lei che fornisce una precisione sufficientemente elevata nel determinare la posizione delle fonti. Sul piano orizzontale siamo in grado di individuare meglio la fonte: l'errore è di soli 2 gradi nella parte anteriore, 7-8 nella parte posteriore. E ai lati c'è il cosiddetto cono di incertezza (un settore sferico con un angolo solido di 30 gradi), in cui l'errore aumenta a 10-12 gradi. Nel piano verticale, l'errore è in media più alto: 15-17 gradi. Naturalmente, queste caratteristiche indicano che l'udito funziona in stretta collaborazione con altri sensi ed è anche soggetto a stereotipi (ad esempio, una falsa connessione tra l'altezza del suono e l'altezza della sua fonte). Interessante è anche la dipendenza della localizzazione dalla frequenza del suono. Conoscendo le dimensioni lineari della testa (20 x 25 cm in media) e la velocità del suono (340 m/s), possiamo calcolare che ad una frequenza di 2,5 kHz il suono raggiungerà un orecchio con un periodo di ritardo rispetto all'altro. E ad una frequenza di 1,2 kHz il ritardo sarà di mezzo ciclo. Di conseguenza, tutti i suoni con una frequenza inferiore a 1,2 kHz verranno localizzati dallo sfasamento entro un semiciclo. Per frequenze da 1,2 a 2,5 kHz, lo sfasamento non funziona, perché Non è chiaro al cervello se sono in anticipo rispetto al periodo indicato o se sono in ritardo rispetto a quello precedente. Ma per loro (come per altre alte frequenze) opera la localizzazione della frequenza - per loro la testa è un ostacolo (la cosiddetta ombra acustica), cioè si verifica il fenomeno della diffrazione, a seguito del quale sentiamo contemporaneamente sia la diretta e onde riflesse e, confrontando la loro intensità, determiniamo la posizione della sorgente. E le basse frequenze, la cui lunghezza d'onda è maggiore della distanza tra le orecchie (cioè inferiore a 150 Hz), non sono affatto localizzate (c'è quindi un solo emettitore di basse frequenze, il cosiddetto subwoofer, ed è situato ovunque). Il noto sistema Dolby Surround è costruito tenendo conto di questi principi: due emettitori nella parte anteriore, emettitori ad alta frequenza nella parte posteriore e un subwoofer. Un sistema relativamente nuovo è il sistema I-Max, utilizzato in alcuni cinema, in cui un anello con degli altoparlanti attaccati viene posto sulla testa dello spettatore ad una certa distanza fissa dalle orecchie, che non gli dà la possibilità di cambiare la panorama sonoro ruotando la testa mentre il film viene proiettato su uno schermo ultra ampio (quasi semicircolare). Il Theremin Center dispone di un Macintosh con ottofoni scheda audio e DAT a 8 canali, ma gli altoparlanti non sono ancora stati assemblati, quindi per ora gli esempi otto e quadrifonici devono essere ascoltati in condizioni normali.

SINTESI ANALOGICA E SPETTRI

La preistoria dei sintetizzatori analogici risale all'avvento dei dispositivi elettrici. In principio erano gli strumenti meccanici, in particolare quelli utilizzati grande successo I futuristi avevano delle pianole (un pianoforte meccanico, un prototipo di un sequenziatore - i dati venivano registrati su un ampio nastro perforato, che ci è stato anche mostrato). Opere indimenticabili dei futuristi - "Serenata" e "Chorale" di Russolo, così come un ampio set dei suoi "intonarumori" - strumenti a membrana acustica separatamente - classici della musica elettroacustica. Il primo ufficialmente riconosciuto strumento elettronico- Il theremin di Lev Theremin, l'unico che unisce il suono elettronico e l'esecuzione dal vivo. Strumenti bizzarri con nomi ancora più bizzarri apparvero uno dopo l'altro. Ad esempio, un mel lotron (uno strumento a tastiera, ogni tasto corrispondeva a un film in loop con la registrazione di alcuni bel suono- coro o violino tutti). La presenza di un motore con cambio ha permesso di modificare la velocità dell'unità a nastro, ottenendo un effetto simile al principio di funzionamento di un campionatore (a proposito, i nostri hanno proposto una tecnologia simile anche prima dell'invenzione del registratore nel 1935 - su film cinematografici. Come sempre, questo è stato ignorato, e quindi il brevetto ricevuto dagli americani). Allo stesso tempo, ci fu interesse per i sintetizzatori vocali: voder e vocoder. Il primo modello di vocoder, assemblato da Boud nel 1935, consisteva in una tastiera dalla quale venivano estratti i suoni vocalici con la mano sinistra (spettro delle basse frequenze) e sibili consonanti (spettro delle alte frequenze) con la mano destra. Per l'articolazione delle consonanti sonore digitare v, g, z c'era un pedale che controllava il "mixer" del generatore di toni e rumori. Vocali senza voce digitare p,k,t espresso da pause, controllato da un anello acceso indice. Si scopre che il linguaggio umano (NON la voce!) è molto facile da sintetizzare. Max Matthews, utilizzando il suo programma MUSIC II (1957), registrò una canzone con voci sintetizzate, che fu poi acquistata dalla MGM per alcuni film in cui un robot la cantava. Inoltre, un esempio da manuale di sintesi computerizzata del tutto elementare è il suono del canto degli uccelli. Il trutonio è il primo strumento polifonico, inventato negli Stati Uniti nel 1928. Oltre alla tastiera, il Trutonium aveva anche un manico, che permetteva di eseguire glissando su un'ampia gamma. Molte furono anche le tonalità che, con l'avvento del transistor nel 1937, nei modelli successivi (questi ultimi risalenti agli anni '70) furono realizzate utilizzando la sintesi analogica. A proposito, Robert Moog non è stato l'inventore del sintetizzatore analogico, come alcuni credono erroneamente: era Donald Buchla. Moog è stato semplicemente il primo a commercializzare la propria produzione e ad offrirli come strumenti per la musica rock/pop.

La sintesi analogica, come sappiamo, si divide in due grandi aree. Il primo tipo di sintesi analogica è additiva, consiste cioè nel sovrapporre sequenzialmente le sinusoidi più semplici, o armoniche, una sopra l'altra nella banda spettrale. Un metodo molto difficile e noioso che, oltre ad un'enorme pazienza, richiede anche molto tempo e risorse. L'opera di Jean-Claude Risse "Suite for a little boy" (non posso garantire per la prima parola del titolo, ma little boy è il nome della bomba atomica sganciata su Nagasaki) ha richiesto circa un anno per essere scritta a causa del bassa velocità dei calcoli al computer utilizzati per modellare il suono utilizzando il metodo di sintesi additiva. Un trio molto divertente, che ricorda un po' l'Hafler Trio con inserti ritmici alla Kraftwerk. È agli spettri che sono associati la maggior parte dei fenomeni acustici, in particolare il fatto che sommando due sinusoidi con frequenze che hanno il minimo comune multiplo si ottengono suoni inesistenti, uditi in punti dello spazio distanziati l'uno dall'altro della quantità corrispondente. Interessante è anche l'effetto di un aumento infinito del tono durante la ripetizione periodica del glis sando (ad esempio, c'era un'opera completamente disumana di James Tenney, che usò il primo programma per computer per la sintesi sonora, creato da Max Matthews alla fine degli anni '50). A proposito, sono rimasto sorpreso nell'apprendere che il primo sintetizzatore era essenzialmente un organo: utilizzava la sintesi additiva per generare il suono di timbri diversi. Il secondo metodo di sintesi è sottrattivo. Come suggerisce il nome, si tratta essenzialmente dell'opposto dell'additivo e consiste nel fatto che tutto ciò che non è necessario viene semplicemente escluso (filtrato) dal rumore bianco a banda larga in modo da poter ottenere immediatamente lo spettro desiderato. A proposito, una nota importante: si scopre che il timbro del suono non è determinato dalla forma dell'onda, come pensavo prima, ma dalla forma dello spettro. Pertanto, la sintesi sottrattiva ottenne immediatamente la leadership nei primi modelli di sintetizzatori analogici e la mantenne fino a quando John Chowning inventò la sintesi della modulazione di frequenza (sintesi FM), che si basa sulla modifica della frequenza del segnale udibile risultante dal suono simultaneo di due o più generatori di segnale di frequenze diverse posizionate in un certo modo.

SINTESI DIGITALE

L'inizio dell'era della sintesi digitale è tradizionalmente considerato l'inizio degli anni '80. A cosa era collegato questo? Tre motivi per cui la tecnologia analogica era scomoda: in primo luogo, era ingombrante e poco costruttiva (il sintetizzatore Moog aveva le dimensioni di un cabinet e aveva diversi oscillatori e filtri. Se fosse stato necessario elaborare ulteriormente il suono risultante, era necessario acquistarne un altro costoso modulo). Il secondo è l'inconveniente nella gestione. Ogni suono è stato rappresentato come un enorme sistema di connessioni tra jack, il cui assemblaggio ha richiesto molto tempo e nervi. E in terzo luogo, l'instabilità delle apparecchiature elettriche, principalmente la temperatura. Per questo motivo i suoni si sono trasformati in qualcosa di molto lontano dall'originale. La soluzione proposta dagli sviluppatori, ovvero il riscaldamento dell'intero sistema a 50-80 gradi, ha portato alla rapida usura delle parti, ma è stata adottata come l'unica possibile. Il primo sintetizzatore digitale fu progettato da due tecnici americani (un programmatore e un ingegnere - non ricordo i nomi) e dal compositore John Appleton. Si chiamava Synclavier e fu messo in circolazione nel 1981. John Appleton, a proposito, è tranquillo persona misteriosa. Nessuno lo percepiva come un compositore elettroacustico serio, perché... la sua musica è sempre in equilibrio sull'orlo dell'atonale, del rumore e della composizione melodica toccante. Ma questo non gli ha impedito di far parte della giuria del più influente concorso di musica elettroacustica di Bourges (come pioniere nell'implementazione dei sistemi di sintesi digitale). Abbiamo un caso simile, naturalmente: Eduard Artemyev. Ben presto il Synclavier ebbe un concorrente: Fairlight. Entrambi gli strumenti erano essenzialmente campionatori digitali (Sinclavier 100%, Fairlight 50%). Proprio come il suo nome fu acquistato dalla Moog (la Moog non poteva pubblicare i suoi sviluppi con quel nome), il Synclavier e la società che lo produsse furono acquistati da Hollywood (tutte le colonne sonore dei film americani con un'orchestra nei titoli di coda furono in realtà realizzate sul Synclavier ). Grazie alle loro piccole dimensioni e al comodo funzionamento, hanno riscosso un grande successo e continuano ad essere prodotti fino ad oggi (più come una reliquia, ovviamente). Nella sintesi computerizzata, il campionato è sempre stato detenuto dal Macintosh, progettato appositamente per lavorare con il suono e la grafica, a differenza del PC. Successivamente ne fu brevettata l'estensione: il sistema STEP, che, nonostante il fallimento del progetto nel 1993, è ancora utilizzato nei centri di calcolo IRCAM e CCRMA. L'Atari 104 0 offriva poca concorrenza ai Mac in termini di costo, ma il mercato del software per questo sistema era quasi pari a zero. Lo stesso vale per l'Amige, anche se l'Amiga è ancora in fase di sviluppo e ci sono degli appassionati di questo computer. Per illustrare le nostre prime esperienze con la musica del Synclavier, abbiamo ascoltato un paio di brani di Appleton (mi è piaciuto molto "Brush Cany on", anche se il mood francamente sentimentale rendeva difficile concentrarsi sul timbro del suono). E un paio di cose: duetti di strumenti dal vivo e le loro copie di sinclavicembalo. Tutti cercavano di determinare a orecchio quanti strumenti suonavano contemporaneamente.

MUSICA ALGORITMICA

Quando si inizia una conversazione sulla musica algoritmica, va notato che questa idea è vecchia quanto il mondo: già nel 1206 Guido Marzano propose di contrapporre a ciascuna vocale una certa altezza e quindi di creare musica. Mozart ebbe l'idea di utilizzare i dadi per automatizzare la scrittura dei minuetti: ogni combinazione di dadi corrispondeva a un numero nell'elenco delle misure tipiche del minuetto, di cui il compositore ne contava circa 10mila! Un minuetto è lungo 50 battute: 50 lanci di dadi. Successivamente fu proposto di fare la stessa cosa con i valzer. I primi seri tentativi di dedicarsi alla musica algoritmica risalgono, ovviamente, all'emergere dei computer, la cui potenza era sufficiente per elaborare gli algoritmi più semplici. All'Università dell'Illinois, un computer del genere apparve nel 1953; aveva una quantità di memoria incredibilmente grande e 1 kilobyte (gli armadietti della memoria occupavano un'intera stanza). Dovrebbe essere chiaro che il computer non produceva nulla di simile alla musica: si trattava solo di colonne di numeri che il compositore doveva convertire in una partitura e solo successivamente trasferirla al musicista. Naturalmente, i compositori che utilizzavano la tecnologia seriale erano interessati principalmente a questo approccio, quindi la musica seriale e quella algoritmica andarono di pari passo per qualche tempo. La serie potrebbe essere formata da altezze, timbri, durate, ecc. Cosa potrebbe esserci di più semplice che scrivere un programma che produca note non ripetitive (nella serie sono vietate le ripetizioni, così come le consonanze intervallari - terze, quinte). Diversi compositori sono considerati i fondatori della musica algoritmica, i più famosi dei quali sono, ovviamente, Pierre Boulez e Yannis Xenakis. Molti di loro hanno scritto i propri programmi, ma esclusivamente per composizione specifica e li usava come strumenti. Si distingue solo Xenakis, il cui programma SMP (programma musicale stocastico) è stato utilizzato da altri musicisti. In un concerto a Mosca, si dice, Xenakis, in segno di saluto, sventolava il suo Talmud con formule, dalle quali non si separava mai, temendo che qualcuno ne prendesse possesso e creasse qualcosa di più significativo di lui... Nella musica algoritmica COME punto di partenza Spesso viene utilizzata la fluttuazione di un determinato valore in un determinato intervallo secondo una legge casuale. Ora che la tecnologia seriale è passata di moda da tempo, gli algoritmi vengono utilizzati, ad esempio, per la sintesi granulare. Cioè suoni identici di durata microscopica, che si susseguono ad alta frequenza (chiamati granuli), sono in grado di formare un nuovo timbro. Il numero di granuli varia da 100 a 2500 al secondo. Ad esempio, possiamo consigliare le composizioni di Barry Truax "Wave Edge" e "River Run", il cui concetto è uno sguardo al mondo che ci circonda attraverso gli occhi di un granello di sabbia sul fondo del fiume. Sono stati registrati nel 1986 e sono vicini nella struttura alla musica industriale della terza ondata - Cranioclast, Illusion Of Safety, ecc. Paul Lansky (uno dei pionieri della musica algoritmica, che recentemente ha scritto una sorta di musica pop alternativa) ha implementato un algoritmo per trasformando il parlato inglese e cinese. Cioè, il programma generava un suono, controllato dall'intonazione della voce e dall'articolazione del parlato.

Il Centro Theremin ha film interessante sul tema della musica algoritmica, più precisamente su quella parte della sua evoluzione, che si chiama sintesi frattale. Nel nostro paese, è generalmente accettato che il visivo sia realistico e il musicale sia astratto, quindi gli algoritmi frattali nella musica, a cui fino a poco tempo fa molti erano molto appassionati, non sono chiaramente visibili nel suono stesso. Ebbene, Dio lo benedica, grafica computerizzata anche uno spettacolo da vedere. Benoit Mandelbrot (da non confondere con l'omonimo) è considerato l'inventore della geometria frattale Gruppo tedesco dall'ambiente dell'Ars Moriendi!) e Lorentz, che propose due modi diversi per spiegare la natura dei frattali. Per ogni evenienza, spiegherò che un frattale (da "frazione" - parte) è una struttura ricorsiva, ciascuna parte della quale contiene informazioni sulla forma generale. Mandelbrot propose di considerare qualsiasi formazione naturale (nuvole, montagne, piante) che non può essere descritta nella teoria classica della geometria nell'ambito della geometria frattale. In un'intervista, ha preso una testa di cavolfiore, ne ha staccato un pezzo e ha detto che sembrava una testa di cavolfiore più piccola, poi ha fatto lo stesso con il frammento, ecc. La superficie della montagna, non importa quanto aumentiamo la scala, avrà sempre una superficie irregolare simile, con picchi e valli. Un classico esempio di ciò è il tentativo di misurare la lunghezza della costa della Gran Bretagna. Quando la lunghezza del campione utilizzato per misurare si riduce, si scopre che la lunghezza cresce costantemente, formando una riga non convergente! Lorentz, un famoso matematico, propose di considerare un pendolo ordinario come un modello fisico di un frattale, ma non in un campo gravitazionale ordinario, ma nel campo di tre magneti, equidistanti dal suo punto di attacco. Si è scoperto che la frenata apparentemente casuale del pendolo vicino a uno dei magneti dipende in realtà dalla posizione iniziale del pendolo. Quando, con l'aiuto di un computer, è stato possibile trovare sperimentalmente questa dipendenza, si è scoperto che il campo (una funzione bidimensionale) colorato con tre colori corrispondenti ai magneti è un frattale di straordinaria bellezza! Non capisco perché la sintesi frattale sia stata dimenticata ultimamente. A quanto pare, come ogni altra cosa, ha bisogno di essere riscoperta dai compositori del futuro!

CONCETTUALISTI

Ognuno di questi compositori è unico in se stesso, non solo come persona creativa, ma anche come inventore della propria linea di ricerca musicale, così saldamente connessa con la sua esperienza di vita e visione del mondo che sembra del tutto inutile considerarla al di fuori della biografia. di una determinata persona.

Alvin Lucier- Compositore americano di cognome francese, uno dei più importanti innovatori della musica elettroacustica, che lavorò a stretto contatto con Martin Tétrault e altri compositori coinvolti nel campo del jazz d'avanguardia. Molte delle sue opere sono state ristampate su CD da Les Ambiances Magnetiques e Lovely Music. La cosa più interessante nel suo concetto e implementazione è, ovviamente, una cosa chiamata "Sono seduto nella stanza", consistente nella ripetuta ri-registrazione di una singola frase. In una stanza è stato installato un microfono e in un registratore l'altro. Prima, Lucier ha registrato la sua voce, poi - invece la registrazione riprodotta, e così via, circa 40 volte. La frase era più o meno questa: "Sono seduto in una stanza diversa da quella in cui ti trovi adesso, e sto registrando i suoni del mio discorso. Poi li riproduco e li registro di nuovo, e lo farò finché le frequenze di risonanza della stanza stessa non distruggeranno completamente il suono della mia voce. Lo faccio non per illustrare un fatto fisico noto, voglio solo ascoltare queste frequenze così risonanti." E in effetti, il suono veniva distorto e trasformato fino a diventare come un ronzio vibrante, ovattato, ma acuto, articolato dal ritmo della voce, che finisce per suonare quasi come un Dispositivo Arcano!

Giovanni Cugini- compositore dalla Nuova Zelanda. In generale, va notato che questa parte del mondo, meno sviluppata dalla civiltà, è tuttavia molto ricca di compositori elettroacustici di talento, di cui si sa molto poco in Russia e anche in Europa. Australia e Nuova Zelanda Costruiscono relazioni tra loro più o meno allo stesso modo di Russia e Ucraina, cioè competono in tutto! John Cousins non è un programmatore, né un ingegnere, e per molto tempo ha insegnato musica in un normale conservatorio dell'Università di Wellington. Ma negli ultimi 15 anni ha completamente abbandonato i metodi tradizionali e preferisce non insegnare agli studenti la composizione, ma cercare di discernere, registrare, preservare e sviluppare la percezione individuale della musica in ciascuno di loro. Per i primi due anni, gli studenti (che provengono direttamente dalla scuola superiore, non dall’università) sono lasciati a se stessi, durante i quali diventa chiaro chi vale cosa e come dovrebbero essere trattati in futuro. L'esperienza personale di Cousins nella musica è davvero unica: non deriva dalla teoria, dalle abilità e dai movimenti, ma dalle sue sensazioni derivanti dalla comunicazione con la natura. Ad esempio, arriva sulla costa oceanica disabitata e vive lì per due mesi, senza separarsi dal registratore. Anche camminare per propria ombra può portare sensazioni insolite - ad esempio, individuare una pietra che incontra il percorso di un'ombra, cioè posizionarla in una posizione verticale innaturale. In generale, il principio stesso della verginità della natura, che cambia il paesaggio fino a renderlo irriconoscibile con ogni nuovo flusso/riflusso, ci avvicina alla realizzazione della nostra appartenenza/destinazione. John trascinò le pietre dal luogo in cui l'oceano le aveva portate a un altro e ascoltò come il mondo intorno a lui reagì alla sua invasione. Naturalmente, tali esperimenti richiedono la completa concentrazione sul tuo mondo interiore. Il culmine degli esperimenti di Cousins è stata la costruzione del cosiddetto. arpe eoliche, cioè strutture con corda fissa e risonatore. Quando viene posizionata sulla riva dell'oceano, l'arpa eoliana inizia a suonare sotto l'influenza del vento: un suono sorprendente. Cousins costruì circa 50 di queste arpe, in cui l'altezza (tensione delle corde) veniva regolata mediante pesi. E nell'arpa più grande, anch'essa polifonica (alta 15 metri), si sospendeva come un carico! Immagine veramente mistica - cielo sereno, sole splendente, riva deserta, un ensemble di arpe eoliche e un uomo legato che ondeggia al vento al canto infinito del vento!

Paolo Dolden- un compositore residente in Canada ma senza cittadinanza, un tempo era uno dei favoriti dei concorsi internazionali a Bourges. In particolare, la sua composizione "Under The Walls Of Jericho" ha ricevuto il primo posto nel 1990. Apparentemente il più rumoroso dell'elettroacustica, è tuttavia difficile relazionarsi con questa cosa, poiché l'unico tipo di manipolazione del suono è la trasposizione del suono degli strumenti a fiato, di cui se ne contano circa 300 - raccolti da tutto il mondo, suonano contemporaneamente su 330 canali (i restanti 30 sono dedicati alle percussioni) con un temperamento di 48 passi per ottava. Musica quasi acustica, ma incredibilmente potente. Pompaggio, tensione, tensione in ogni momento!

RUOLO DELLA RUSSIA NELLA STORIA DELLA MUSICA ELETTRONICA

Nel 1995 è stato realizzato un film sui primi russi che sperimentarono il suono elettronico, compilato da registrazioni d'archivio. Ho già letto di uno di loro, Arseny Avramov. Ma quello che mi ha colpito di più è che si scopre che anche la patria del campionatore è la Russia! Si scopre che un certo Yankovsky all'inizio degli anni '30 (anche prima dell'avvento della registrazione magnetica nel 1935) usò con successo una rappresentazione grafica del suono (in particolare, musica orchestrale) per scomporlo in armoniche usando la trasformata di Fourier, e poi lo sintetizzò a eventuali frequenze sonore. E Avramov si è rivolto personalmente a Lunacharsky con la proposta di distruggere o rifare tutti gli strumenti a tastiera che utilizzano il temperamento equabile, poiché, a suo avviso, hanno distorto la corretta comprensione della percezione della musica. Ad esempio, Chopin avrebbe dovuto essere eseguito in un modo completamente diverso, non come avrebbe dovuto essere dalle sue note: semplicemente non era tecnicamente fattibile ai suoi tempi. Naturalmente gli fu rifiutato, ma non rinunciò ai suoi esperimenti. Ho preso le mie idee e i miei strumenti e sono andato in Svizzera per un festival musicale internazionale, dove ho vinto il primo posto! Il rapido sviluppo delle idee musicali nella Russia sovietica ebbe luogo sulla scia della passione per il costruttivismo e ottenne anche un certo sostegno da parte dello Stato. In particolare, è stato creato l'Istituto statale di scienze musicali (Istituto statale di scienze musicali), al quale sono associati i nomi di molti ricercatori russi sul suono elettronico. A metà del XX secolo apparvero molti sviluppi, ma per ovvi motivi storici non fu data loro una possibilità, quindi la maggior parte di essi rimase sulla carta. I più vicini al riconoscimento furono gli equodine di Volodin (un sintetizzatore analogico a due voci apparso alla fine degli anni '30). Volodin non era un musicista e nella creazione dei suoi strumenti si avvaleva dei consigli degli amici. In generale, ha perseguito un obiettivo completamente diverso rispetto alla creazione di musica, ovvero l'analisi attraverso la sintesi. Cioè, mentre lavorava sulla psicoacustica, aveva bisogno di materiale di partenza per gli esperimenti: vari suoni su cui studiare le caratteristiche della percezione umana. Volodin lavorava in una cassetta delle lettere (penso che si chiamasse TsNIIARTI - automazione per l'industria della difesa). Si scopre che tutte le invenzioni nel campo della musica elettronica, la cui percentuale è molto elevata rispetto ad altri paesi, sono apparse in Russia come un sottoprodotto della ricerca militare. E, di conseguenza, nessuna delle invenzioni poteva aspettare di essere utilizzata per lo scopo previsto: i creatori semplicemente non avevano abbastanza salute per portarla a questo stadio (l'unica eccezione era l'ANS - molti compositori hanno studiato e registrato opere su di esso) , è stato creato uno studio di musica elettronica al Museo Scriabin - promettono di portarci lì). Quindi, la nostra sofferenza con la rivista, a quanto pare, non è solo sfortuna o ingiustizia, ma un'eco della buona vecchia tradizione. Volodin morì proprio in laboratorio nel 1982. Il suo nono modello di equodine è quasi entrato nella produzione industriale: è stato quasi un successo! Il leggendario sintetizzatore ANS, costruito da Evgeny Murzin alla fine degli anni '50 e intitolato alle iniziali di Scriabin, come lo studio di musica elettronica nel Museo Scriabin, ha sempre ricevuto grande attenzione da parte di compositori di diverse generazioni. Esistente in un'unica copia, questo dispositivo unico è stato assemblato appositamente per mostra internazionale in Italia (la somma di denaro richiesta è stata stanziata per questo), e dopo il trionfo le autorità si sono semplicemente dimenticate di lui. Nel 1982, la casa discografica Melodiya, essendo il più grande dei cofondatori dello studio, rivendicò tutti i diritti sull'ANS e lo collocò in un seminterrato umido per diversi anni, a seguito del quale cadde in condizioni deplorevoli. Attualmente è stato parzialmente restaurato (alcuni timbri sono andati perduti per sempre) e si trova presso la Facoltà di Giornalismo dell'Università Statale di Mosca. In ANS si utilizzavano come timbri dischi (molto simili ai CD) con tracce concentriche piene di segni (circa 140 cerchi, un disco per due ottave, cioè con un temperamento di 1/12 di tono!!). Gli spartiti venivano disegnati su un vetro ricoperto con mastice nero, in modo arbitrario nel sistema di coordinate frequenza-tempo. Robert Moog, che ha visitato il Theremin Center, è stato molto ispirato dall'ANS e lo ha osservato a lungo. Tutti i famosi artisti d'avanguardia dell'epoca cercarono di lavorare all'ANS - Schnittke, Denisov, Gubaidulina... Abbiamo ascoltato l'opera teatrale di Schnittke "Flow" - musica noise ambientale molto interessante e profonda, che in qualche modo mi ha ricordato Maeror Tri. A proposito, dopo aver registrato una sola cosa per ANS, molte persone hanno abbandonato l'elettronica. Schnittke lo ha motivato soprattutto con il fatto che negli strumenti acustici l'intervallo è un percorso e negli strumenti elettronici è una distanza. Tuttavia, Schnittke in seguito, come sai, scrisse molta musica elettronica per i film, ma non la prese mai sul serio.

TECNOLOGIA DELLA MUSICA

Naturalmente, si può sostenere a lungo che con un eccessivo entusiasmo per la teoria della sintesi del suono, il confine tra arte e scienza si perde. Avversari approccio scientifico Spiegano la loro posizione non essendo d'accordo con l'imitazione di un approccio creativo utilizzando metodi scientifici senza precedenti, e quindi inizialmente incomprensibili. Naturalmente solo pochi eletti riescono a classificare la propria attività come artistica; tutti gli altri sono assistenti di laboratorio. Questa posizione riflette in gran parte il problema del confronto tra due entità nella mia anima: come ascoltatore, ciò che è più importante per me è un impulso creativo che può sviluppare la percezione estetica e farmi provare eccitazione, emozioni, estasi, ecc. Ma come giornalista musicale ho bisogno di conoscere la storia, la concettualizzazione e la teoria della tecnologia elettronica applicata alla musica, per evitare almeno dilettantismo ed errori vergognosi nelle pubblicazioni. Sia nel primo che nel secondo caso bisogna fare delle donazioni. Per l'ascoltatore, la cucina musicale - non importa in cosa consista, dalla notazione musicale e dalle prove estenuanti o da formule fisiche, onde sinusoidali e plessi di fili - è una discesa dal cielo alla terra, una demistificazione del segreto della creazione di un capolavoro. Allo stesso tempo, non tutti i giornalisti possono costringersi ad ascoltare la stessa frase per 45 minuti o ad ascoltare un ronzio monotono per 12 minuti.

Il riavvicinamento tra scienza e arte solo a uno sguardo superficiale sembra una scappatoia per la mediocrità. Fu la brillante intuizione del fisico che permise a Jean-Claude Risse di ottenere un timbro meraviglioso e complesso, che chiamò “cirri elettronici”. Se fosse stato solo un compositore, gli ci sarebbero voluti anni di ricerca cieca e calcoli vuoti. Anche se possiamo rimanere stupiti da un lavoro creato con sforzi incredibili negli anni '50, teniamo comunque conto delle condizioni di lavoro. Ma ogni anno i requisiti di qualità aumentano. Non mi riferisco solo alla qualità del suono, ma anche alla qualità di tutto il resto. Sta diventando sempre più difficile per un musicista mediocre fare qualcosa di decente con un “minimo di fondi”. Più alto è il livello di sviluppo tecnologico, più facile diventa discernere la mediocrità. E più diventa, forse devo ancora risolvere questo paradosso.

Un altro aspetto negativo della crescente complessità della tecnologia è il crescente grado di astrazione della musica elettronica, che complica e ramifica i processi di percezione. Coloro che sono interessati principalmente a sapere cosa pensava un musicista mentre lavorava, cosa lo ha guidato, cosa lo ha ispirato, dovrebbe notare che il compositore e l'ascoltatore non possono sempre essere considerati come due anelli uguali e compatibili in un'unica rete di comunicazione. Se analizziamo l'atto della loro interazione dal punto di vista della psicologia formale (cioè semplicemente non dimentichiamo che queste sono prima di tutto le persone, e poi tutto il resto), allora si scopre che la complessità di cui stiamo parlando è dovuto principalmente alla discrepanza tra la loro esperienza personale. Cioè, se l’esperienza di un musicista assorbe parte della tua esperienza personale, allora sei propenso a fidarti di lui. Se è il contrario, forse è meglio per te non conoscere le sue motivazioni. Dopotutto, oltre al fattore umano, nel processo creativo è importante il ruolo dell'inconscio, una certa forza superiore (che, secondo me, può anche essere studiata, ma molto più difficile). Questa può essere una spiegazione molto primitiva, ma è stata testata da me personalmente più volte e dà motivo di trarre diverse conclusioni sui meccanismi di percezione e sulla prevedibilità della reazione. Innanzitutto la mistificazione nella musica è molto importante. Niente è più capace di suscitare l'interesse dell'ascoltatore di uno spesso velo di mistero. E questo è del tutto naturale: qui tutto gioca nel successo dei musicisti: curiosità naturale, bisogno di sensazioni insolite, molte voci su tutto questo, ecc. Mi è successo centinaia di volte di voler ascoltare un album da così tanto tempo e di aver dedicato così tanto tempo e fatica a cercarlo e a indovinare che quando finalmente lo avrò, mi piacerà già in anticipo. E la delusione, anche se inevitabile, non è comunque nulla in confronto alla gioia di un sogno diventato realtà. E l'esempio opposto: quanti album sono stati registrati con una dedizione senza precedenti e sotto l'impressione di grandi idee e opere, che contenevano diversi anni di lavoro, hanno richiesto all'autore di ammettere che prendeva molto sul serio il suo lavoro, ma... nessuna risposta nel cuore dell'ascoltatore non l'ha guadagnata. In secondo luogo, qual è il significato della creatività? Penso che un atto creativo possa considerarsi riuscito se è in grado di risvegliare nell'animo delle persone a cui è rivolto uno stimolo per la propria creatività. Non importa di che tipo - musica, arte visiva, infine, solo pensiero e comunicazione - in una parola, voglia di vivere e migliorare. Si prega di notare che non vengono imposti requisiti specifici né sul tema della creatività né sulle aree a cui si riferisce. Tutto quanto sopra è stato detto da me esclusivamente dalla posizione di ascoltatore. Il giornalismo è una questione completamente diversa. Il giornalismo musicale è visto da molti (e, sfortunatamente, spesso meritatamente) come un mezzo di propaganda. Nella mia carriera giornalistica mi sforzo molto di dare il ruolo principale alla mia intuizione di ascolto, e quindi i miei materiali sono strutturati in modo tale da costringere una persona a pensare alle aree applicate della creatività, utilizzando la musica come elemento chiave. Scopri la struttura del mondo usando le tue orecchie.

Dmitri Vasiliev