La pagina contiene i dipinti più famosi di artisti russi del XIX secolo con titoli e descrizioni
La variegata pittura di artisti russi dall'inizio del XIX secolo attrae con la sua originalità e versatilità nelle belle arti domestiche. I maestri della pittura di quel tempo non cessarono di stupire con il loro approccio unico alla trama e l'atteggiamento riverente nei confronti dei sentimenti delle persone, a natura nativa. Nel 19 ° secolo, le composizioni di ritratti venivano spesso dipinte con una straordinaria combinazione di un'immagine emotiva e un motivo epico calmo.
I dipinti di artisti russi sono magnifici nell'artigianato e veramente belli nella percezione, riflettono in modo sorprendentemente accurato il respiro del loro tempo, il carattere unico delle persone e il loro desiderio di bellezza.
Tele di pittori russi che sono i più popolari: Alexander Ivanov - brillante rappresentante pittoresca direzione biblica, a colori che ci racconta gli episodi della vita di Gesù Cristo.
Karl Bryullov - un pittore popolare ai suoi tempi, la sua direzione pittura di storia, soggetti ritratti, opere romantiche.
Pittore marino Ivan Aivazovsky, i suoi dipinti sono magnifici e si potrebbe dire che riflettono semplicemente insuperabilmente la bellezza del mare con onde ondeggianti trasparenti, tramonti marini e barche a vela.
La versatilità distintiva si distingue per le opere famoso Ilya Repin, che ha creato il genere e opere monumentali rispecchiare la vita delle persone.
molto pittoresco e quadri in scala dell'artista Vasily Surikov, la descrizione della storia russa è la sua direzione, in cui l'artista ha enfatizzato gli episodi a colori percorso di vita Popolo russo.
Ogni artista è unico, per esempio, unico nel suo stile pittore fiabe ed epopee Viktor Vasnetsov sono sempre tele succose e luminose, romantiche, i cui eroi siamo tutti noi eroi famosi racconti popolari.
Ogni artista è unico, ad esempio, il pittoresco maestro delle fiabe e dei poemi epici Viktor Vasnetsov, unico nel suo stile, è sempre succoso e luminoso, tele romantiche, i cui eroi sono i famosi eroi dei racconti popolari. Dipinti molto pittoreschi e di grandi dimensioni dell'artista Vasily Surikov, la descrizione della storia russa è la sua direzione, in cui l'artista ha sottolineato a colori gli episodi del percorso di vita del popolo russo.
Nella pittura russa del XIX secolo, una tendenza come realismo critico, sottolineando il ridicolo, la satira e l'umorismo nelle trame. Certo, questa era una nuova tendenza, non tutti gli artisti potevano permetterselo. Artisti come Pavel Fedotov e Vasily Perov furono determinati in questa direzione.
Anche i paesaggisti dell'epoca occupavano la loro nicchia, tra cui Isaac Levitan, Alexei Savrasov, Arkhip Kuindzhi, Vasily Polenov, il giovane artista Fyodor Vasiliev, il pittoresco maestro della foresta, radure della foresta con pini e betulle con funghi Ivan Shishkin. Tutti riflettevano in modo colorato e romantico la bellezza della natura russa, la cui varietà di forme e immagini è associata al potenziale colossale del mondo circostante.
Secondo Levitan, in ogni nota della natura russa c'è una tavolozza colorata unica, quindi c'è un enorme spazio per la creatività. Forse questo è l'enigma che le tele realizzate nelle vaste distese della Russia si distinguono per una squisita severità, ma allo stesso tempo attraggono con una bellezza discreta, dalla quale è difficile distogliere lo sguardo. O trama per niente intricata e piuttosto non accattivante, il dipinto di Levitan Dandelions, per così dire, incoraggia lo spettatore a pensare e vedere la bellezza nel semplice.
In quasi tutte le opere d'arte significative c'è un mistero, "doppio fondo" o storia segreta che vuoi aprire.
Musica sui glutei
Hieronymus Bosch, "Giardino piaceri terreni", 1500-1510.
Frammento di trittico
Controversie sui significati e sui significati nascosti dell'opera più famosa Artista olandese non sono diminuiti dal suo inizio. Nell'ala destra del trittico detto "Inferno musicale" sono raffigurati peccatori che vengono torturati negli inferi con l'ausilio di strumenti musicali. Uno di loro ha delle note impresse sulle natiche. La studentessa dell'Oklahoma Christian University Amelia Hamrick, che ha studiato il dipinto, ha trasposto la notazione del XVI secolo in una svolta moderna e ha registrato "una canzone infernale di 500 anni fa".
Gioconda nuda
La famosa "Gioconda" esiste in due versioni: la versione nuda si chiama "Monna Vanna", è stata scritta da artista poco conosciuto Salai, che fu allievo e modello del grande Leonardo da Vinci. Molti critici d'arte sono sicuri che sia stato lui a fare da modello per i dipinti di Leonardo "Giovanni Battista" e "Bacco". Ci sono anche versioni che vestivano con un abito da donna, Salai fungeva da immagine della stessa Gioconda.
Vecchio Pescatore
Nel 1902, l'artista ungherese Tivadar Kostka Chontvari dipinse il dipinto "Old Fisherman". Sembrerebbe che non ci sia nulla di insolito nella foto, ma Tivadar vi ha posto un sottotesto, che non è mai stato rivelato durante la vita dell'artista.
Poche persone hanno pensato di mettere uno specchio al centro dell'immagine. In ogni persona possono esserci sia Dio (la spalla destra del Vecchio è duplicata) sia il Diavolo (la spalla sinistra del vecchio è duplicata).
C'era una balena?
Hendrik van Antonissen "Scena sulla riva".
Sembrerebbe che, paesaggio ordinario. Barche, gente sulla riva e il mare del deserto. Ma solo Esame radiografico ha mostrato che le persone si sono radunate sulla riva per un motivo: nell'originale stavano guardando la carcassa di una balena portata a riva.
Tuttavia, l'artista ha deciso che nessuno avrebbe voluto guardare una balena morta e ha ridipinto il dipinto.
Due "Colazioni sull'erba"
Édouard Manet, Pranzo sull'erba, 1863.
Claude Monet, Colazione sull'erba, 1865.
Gli artisti Edouard Manet e Claude Monet a volte sono confusi: dopotutto erano entrambi francesi, vivevano contemporaneamente e lavoravano nello stile dell'impressionismo. Anche il nome di uno dei dipinti più famosi di Manet, "Colazione sull'erba", Monet prese in prestito e scrisse la sua "Colazione sull'erba".
Gemelli nell'Ultima Cena
Leonardo da Vinci, L'Ultima Cena, 1495-1498.
Quando Leonardo da Vinci scrisse L'Ultima Cena, attribuì particolare importanza a due figure: Cristo e Giuda. Stava cercando delle modelle per loro da molto tempo. Finalmente riuscì a trovare un modello per l'immagine di Cristo tra i giovani cantori. Leonardo non è riuscito a trovare una modella per Giuda per tre anni. Ma un giorno si imbatté in un ubriacone che giaceva nel canale di scolo per strada. Era un giovane che era stato invecchiato dal bere pesante. Leonardo lo invitò in un'osteria, dove iniziò subito a scrivere da lui Giuda. Quando l'ubriacone tornò in sé, disse all'artista che aveva già posato per lui una volta. Qualche anno fa, quando cantava nel coro della chiesa, Leonardo scrisse Cristo da lui.
"Ronda di notte" o "Ronda di giorno"?
Rembrandt, " La Guardia notturna", 1642.
Uno dei dipinti più famosi di Rembrandt, "The Performance of the Rifle Company of Captain Frans Banning Cock and Lieutenant Willem van Ruytenbürg", è rimasto in diverse sale per circa duecento anni ed è stato scoperto dagli storici dell'arte solo nel XIX secolo. Poiché le figure sembravano risaltare su uno sfondo scuro, fu chiamato Night Watch, e con questo nome entrò nel tesoro dell'arte mondiale.
E solo durante il restauro, effettuato nel 1947, si è scoperto che nella sala il quadro era riuscito a ricoprirsi di uno strato di fuliggine, che ne deformava il colore. Dopo la cancellazione pittura originale alla fine si è scoperto che la scena presentata da Rembrandt si svolge effettivamente durante il giorno. La posizione dell'ombra dalla mano sinistra del Capitano Kok mostra che la durata dell'azione non supera le 14 ore.
barca capovolta
Henri Matisse, "La barca", 1937.
Al Museo di New York arte contemporanea nel 1961 fu esposto il dipinto "La barca" di Henri Matisse. Solo dopo 47 giorni qualcuno si accorse che il quadro era appeso a testa in giù. La tela raffigura 10 linee viola e due vele blu su sfondo bianco. L'artista ha dipinto due vele per un motivo, la seconda vela è un riflesso della prima sulla superficie dell'acqua.
Per non sbagliare su come dovrebbe essere appesa l'immagine, è necessario prestare attenzione ai dettagli. La vela più grande dovrebbe trovarsi nella parte superiore del dipinto e la punta della vela del dipinto dovrebbe essere diretta nell'angolo in alto a destra.
L'inganno in un autoritratto
Vincent van Gogh, Autoritratto con la pipa, 1889.
Ci sono leggende secondo cui Van Gogh avrebbe tagliato il proprio orecchio. Ora la versione più attendibile è che l'orecchio di van Gogh sia stato danneggiato in una piccola colluttazione con la partecipazione di un altro artista, Paul Gauguin.
L'autoritratto è interessante perché riflette la realtà in forma distorta: l'artista è raffigurato con l'orecchio destro bendato, perché durante il lavoro utilizzava uno specchio. In effetti, l'orecchio sinistro era danneggiato.
orsi alieni
Ivan Shishkin, "Mattina nella pineta", 1889.
Il famoso dipinto appartiene non solo al pennello di Shishkin. Molti artisti che erano amici tra loro spesso ricorrevano all '"aiuto di un amico", e Ivan Ivanovich, che aveva dipinto paesaggi per tutta la vita, temeva che toccare gli orsi non sarebbe andato come aveva bisogno. Pertanto, Shishkin si è rivolto a un noto pittore di animali Konstantin Savitsky.
Savitsky ha disegnato forse i migliori orsi della storia Pittura russa, e Tretyakov ordinò che il suo nome fosse cancellato dalla tela, poiché tutto nel quadro “partendo dall'idea e finendo con l'esecuzione, tutto parla del modo di dipingere, di metodo creativo caratteristico di Shishkin.
Storia innocente "Gotico"
Concedi Legno, gotico americano", 1930.
Il lavoro di Grant Wood è considerato uno dei più strani e deprimenti della storia. pittura americana. L'immagine con un padre e una figlia cupi trabocca di dettagli che indicano la severità, il puritanesimo e il retrogrado delle persone raffigurate.
L'artista, infatti, non intendeva raffigurare alcun orrore: durante un viaggio in Iowa, notò una casetta all'interno stile gotico e decise di ritrarre quelle persone che, a suo avviso, sarebbero state ideali come abitanti. La sorella di Grant e il suo dentista sono immortalati sotto forma di personaggi da cui la gente dell'Iowa era così offesa.
La vendetta di Salvador Dalì
Il dipinto "Figura alla finestra" è stato dipinto nel 1925, quando Dalì aveva 21 anni. Quindi Gala non era ancora entrato nella vita dell'artista e sua sorella Ana Maria era la sua musa ispiratrice. Il rapporto tra fratello e sorella si è deteriorato quando ha scritto su uno dei quadri "a volte sputo su un ritratto di mia madre, e mi fa piacere". Ana Maria non poteva perdonare tale scioccante.
Nel suo libro del 1949 Salvador Dali Through the Eyes of a Sister, scrive di suo fratello senza alcuna lode. Il libro fece infuriare El Salvador. Per altri dieci anni dopo, la ricordò con rabbia in ogni occasione. E così, nel 1954, appare il quadro "Una giovane vergine che si abbandona al peccato di sodomia con l'aiuto delle corna della propria castità". La posa della donna, i suoi riccioli, il paesaggio fuori dalla finestra e la cromia del dipinto richiamano chiaramente la Figura alla finestra. C'è una versione secondo cui è così che Dalì si è vendicato di sua sorella per il suo libro.
Danae bifronte
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.
Molti segreti di uno dei dipinti più famosi di Rembrandt furono svelati solo negli anni '60 del XX secolo, quando la tela fu illuminata con i raggi X. Ad esempio, le riprese hanno mostrato che nella prima versione il volto della principessa, che ha avuto una relazione amorosa con Zeus, sembrava il volto di Saskia, la moglie del pittore, morta nel 1642. Nella versione finale del dipinto, ha cominciato a somigliare al volto di Gertier Dirks, l'amante di Rembrandt, con cui l'artista ha vissuto dopo la morte della moglie.
La camera gialla di Van Gogh
Vincent van Gogh, "Camera da letto ad Arles", 1888 - 1889.
Nel maggio 1888, Van Gogh acquisì un piccolo laboratorio ad Arles, nel sud della Francia, dove fuggì dagli artisti e dai critici parigini che non lo capivano. In una delle quattro stanze, Vincent allestisce una camera da letto. In ottobre tutto è pronto e decide di dipingere la camera da letto di Van Gogh ad Arles. Per l'artista, il colore, il comfort della stanza erano molto importanti: tutto doveva suggerire pensieri di relax. Allo stesso tempo, l'immagine è sostenuta da inquietanti toni gialli.
I ricercatori della creatività di Van Gogh lo spiegano con il fatto che l'artista ha preso la digitale, un rimedio per l'epilessia, che provoca gravi cambiamenti nella percezione del colore da parte del paziente: l'intera realtà circostante è dipinta con toni verde-giallo.
Perfezione senza denti
Leonardo da Vinci, "Ritratto della signora Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.
L'opinione generalmente accettata è che Mona Lisa è la perfezione e il suo sorriso è bello nella sua misteriosità. Tuttavia, il critico d'arte americano (e dentista part-time) Joseph Borkowski ritiene che, a giudicare dall'espressione del suo viso, l'eroina abbia perso molti denti. Mentre esaminava le fotografie ingrandite del capolavoro, Borkowski trovò anche cicatrici intorno alla sua bocca. "Sorride così tanto proprio per quello che le è successo", ritiene l'esperto. "La sua espressione facciale è tipica delle persone che hanno perso i denti anteriori."
Maggiore sul controllo del viso
Pavel Fedotov, Il matchmaking del maggiore, 1848.
Il pubblico, che ha visto per la prima volta il dipinto "Major's Matchmaking", ha riso di gusto: l'artista Fedotov lo ha riempito di dettagli ironici comprensibili agli spettatori dell'epoca. Ad esempio, il maggiore chiaramente non ha familiarità con le regole del galateo nobile: è apparso senza i bouquet adeguati per la sposa e sua madre. E la sposa stessa è stata dimessa dai suoi genitori mercantili in un abito da ballo da sera, sebbene fosse giorno (tutte le lampade nella stanza erano spente). La ragazza ovviamente si è provata per la prima volta un abito scollato, è imbarazzata e cerca di scappare in camera sua.
Perché Freedom è nuda
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Libertà alle barricate, 1830.
Secondo lo storico dell'arte Etienne Julie, Delacroix ha dipinto il volto di una donna del famoso rivoluzionario parigino: la lavandaia Anna-Charlotte, che è andata alle barricate dopo la morte di suo fratello per mano dei soldati reali e ha ucciso nove guardie. L'artista l'ha raffigurata a torso nudo. Secondo il suo piano, questo è un simbolo di impavidità e altruismo, nonché del trionfo della democrazia: i seni nudi mostrano che Svoboda, come un cittadino comune, non indossa un corsetto.
quadrato non quadrato
Kazimir Malevich, "Nero piazza suprematista", 1915.
In effetti, il "Quadrato Nero" non è affatto nero e per niente quadrato: nessuno dei lati del quadrilatero è parallelo a nessuno degli altri suoi lati, e nessuno dei lati della cornice quadrata che inquadra il quadro. UN colore scuroè il risultato della miscelazione vari colori, tra i quali non c'era il nero. Si ritiene che questa non sia stata la negligenza dell'autore, ma una posizione di principio, il desiderio di creare una forma dinamica e mobile.
Gli specialisti della Galleria Tretyakov hanno scoperto l'iscrizione dell'autore su un famoso dipinto di Malevich. L'iscrizione recita: "Battaglia dei negri in una caverna buia". Questa frase si riferisce al titolo di un giocoso dipinto del giornalista, scrittore e artista francese Alphonse Allais “La battaglia dei negri in una caverna buia a notte fonda”, che era un rettangolo completamente nero.
Melodramma della Gioconda austriaca
Gustav Klimt, "Ritratto di Adele Bloch-Bauer", 1907.
Uno dei dipinti più significativi di Klimt raffigura la moglie del magnate dello zucchero austriaco Ferdinand Bloch-Bauer. Tutta Vienna ha discusso romanticismo vorticoso Adele e il famoso artista. Il marito ferito voleva vendicarsi dei suoi amanti, ma ha scelto molto modo insolito: ha deciso di ordinare un ritratto di Adele per Klimt e fargli fare centinaia di schizzi fino a quando l'artista non inizia a uscire da lei.
Bloch-Bauer voleva che il lavoro durasse diversi anni e la modella potesse vedere come i sentimenti di Klimt svanissero. Ha fatto un'offerta generosa all'artista, che non ha potuto rifiutare, e tutto è andato secondo lo scenario del marito ingannato: il lavoro è stato completato in 4 anni, gli amanti si erano da tempo raffreddati l'uno verso l'altro. Adele Bloch-Bauer non ha mai scoperto che suo marito era a conoscenza della sua relazione con Klimt.
Il dipinto che ha riportato in vita Gauguin
Paul Gauguin, "Da dove veniamo? Chi siamo? Dove andiamo?", 1897-1898.
Maggior parte dipinto famoso Gauguin ha una caratteristica: viene "letto" non da sinistra a destra, ma da destra a sinistra, come i testi cabalistici a cui l'artista era interessato. È in questo ordine che si svolge l'allegoria della vita spirituale e fisica di una persona: dalla nascita dell'anima (un bambino addormentato nell'angolo in basso a destra) all'inevitabilità dell'ora della morte (un uccello con una lucertola in i suoi artigli nell'angolo in basso a sinistra).
Il dipinto è stato dipinto da Gauguin a Tahiti, dove l'artista è fuggito più volte dalla civiltà. Ma questa volta la vita sull'isola non ha funzionato: la povertà totale lo ha portato alla depressione. Terminata la tela, che sarebbe diventata il suo testamento spirituale, Gauguin prese una scatola di arsenico e andò a morire in montagna. Tuttavia, non ha calcolato la dose e il suicidio è fallito. La mattina dopo, barcollò fino alla sua capanna e si addormentò, e quando si svegliò sentì una sete di vita dimenticata. E nel 1898, i suoi affari andarono in salita e iniziò un periodo più luminoso nel suo lavoro.
112 proverbi in una foto
Pieter Brueghel il Vecchio, "Proverbi olandesi", 1559
Pieter Brueghel il Vecchio ha raffigurato una terra abitata da immagini letterali dei proverbi olandesi di quei giorni. Ci sono circa 112 idiomi riconoscibili nell'immagine dipinta. Alcuni di essi sono ancora usati oggi, come "nuota contro corrente", "sbatti la testa contro il muro", "armato fino ai denti" e "il pesce grosso mangia i piccoli".
Altri proverbi riflettono la stupidità umana.
Soggettività dell'arte
Paolo Gauguin, villaggio bretone sotto la neve", 1894
Il dipinto di Gauguin "Breton Village in the Snow" è stato venduto dopo la morte dell'autore per soli sette franchi e, inoltre, con il titolo " cascate del Niagara". Il banditore ha accidentalmente appeso il dipinto a testa in giù dopo aver visto una cascata al suo interno.
immagine nascosta
Pablo Picasso, La stanza blu, 1901
Nel 2008, l'infrarosso ha mostrato che un'altra immagine era nascosta sotto la "stanza blu": un ritratto di un uomo vestito con un abito con una farfalla e con la testa appoggiata sulla mano. “Non appena Picasso ha avuto una nuova idea, ha preso in mano il pennello e l'ha incarnata. Ma non ha avuto l'opportunità di acquistare nuova tela ogni volta che la musa lo visitava”, spiega causa possibile questa storica dell'arte Patricia Favero.
Donne marocchine inaccessibili
Zinaida Serebryakova, Nuda, 1928
Una volta ricevuta Zinaida Serebryakova offerta allettante- vai a viaggio creativo per raffigurare le figure nude di fanciulle orientali. Ma si è scoperto che era semplicemente impossibile trovare modelli in quei luoghi. Un interprete per Zinaida è venuto in soccorso: le ha portato le sue sorelle e la sua sposa. Nessuno prima e dopo è stato in grado di catturare il chiuso Donne orientali nudo.
Intuizione spontanea
Valentin Serov, "Ritratto di Nicola II in giacca", 1900
Per molto tempo Serov non ha potuto dipingere un ritratto del re. Quando l'artista si è completamente arreso, si è scusato con Nikolai. Nikolai era un po 'turbato, si è seduto al tavolo, allungando le mani davanti a sé ... E poi l'artista si è reso conto: eccolo! Un semplice militare in giacca da ufficiale con occhi chiari e tristi. Questo ritratto è considerato l'immagine migliore ultimo imperatore.
Di nuovo diavolo
© Fedor Reshetnikov
Il famoso dipinto "Again deuce" è solo la seconda parte della trilogia artistica.
La prima parte è "Arrivato per le vacanze". Ovviamente una famiglia benestante, vacanze invernali, uno studente gioioso e eccellente.
La seconda parte è "Ancora il diavolo". Una famiglia povera della periferia della classe operaia, al culmine dell'anno scolastico, uno storditore noioso che di nuovo ha preso un diavolo. Nell'angolo in alto a sinistra puoi vedere l'immagine "Arrivato per le vacanze".
La terza parte è "Riesame". Casa rurale, estate, tutti camminano, un malizioso ignorante che non ha superato l'esame annuale è costretto a sedersi tra quattro mura e stipare. Nell'angolo in alto a sinistra puoi vedere l'immagine "Again deuce".
Come nascono i capolavori
Joseph Turner, Pioggia, vapore e velocità, 1844
Nel 1842, la signora Simon viaggiò in treno in Inghilterra. All'improvviso iniziò un forte acquazzone. L'anziano signore seduto di fronte a lei si alzò, aprì la finestra, sporse la testa e rimase a fissarla così per una decina di minuti. Incapace di contenere la sua curiosità, anche la donna aprì la finestra e guardò avanti. Un anno dopo, ha scoperto il dipinto "Pioggia, vapore e velocità" in una mostra alla Royal Academy of Arts e ha potuto riconoscere in esso l'episodio stesso del treno.
Lezione di anatomia da Michelangelo
Michelangelo, La creazione di Adamo, 1511
Una coppia di esperti di neuroanatomia americani ritiene che Michelangelo abbia effettivamente lasciato alcune illustrazioni anatomiche in uno dei suoi più opere famose. Credono che un enorme cervello sia raffigurato sul lato destro dell'immagine. Sorprendentemente, si possono trovare anche componenti complessi come il cervelletto, i nervi ottici e la ghiandola pituitaria. E l'accattivante nastro verde corrisponde perfettamente alla posizione dell'arteria vertebrale.
L'ultima cena di Van Gogh
Vincent Van Gogh, Terrazza notturna caffè", 1888
Il ricercatore Jared Baxter ritiene che Café Terrace at Night di Van Gogh contenga una dedica all'Ultima Cena di Leonardo da Vinci. Al centro dell'immagine c'è un cameriere con capelli lunghi e in una tunica bianca, che ricorda gli abiti di Cristo, e intorno a lui esattamente 12 visitatori del caffè. Baxter attira anche l'attenzione sulla croce, situata direttamente dietro la schiena del cameriere in bianco.
L'immagine della memoria di Dalì
Salvador Dalì, La persistenza della memoria, 1931
Non è un segreto che i pensieri che hanno visitato Dalì durante la creazione dei suoi capolavori fossero sempre sotto forma di immagini molto realistiche, che l'artista ha poi trasferito sulla tela. Quindi, secondo l'autore stesso, il dipinto "La persistenza della memoria" è stato dipinto a seguito di associazioni sorte alla vista del formaggio fuso.
Di cosa sta gridando Munch
Edvard Munch, "L'urlo", 1893.
Munch ha parlato dell'idea di uno dei dipinti più misteriosi della pittura mondiale: "Stavo camminando lungo il sentiero con due amici - il sole stava tramontando - improvvisamente il cielo è diventato rosso sangue, mi sono fermato, sentendomi esausto, e mi sono appoggiato il recinto - ho guardato sangue e fiamme sopra il fiordo nero-bluastro e la città - i miei amici sono andati avanti, e io mi sono alzato, tremando per l'eccitazione, sentendo l'urlo infinito che trafiggeva la natura. Ma che tipo di tramonto potrebbe spaventare così tanto l'artista?
Esiste una versione secondo cui l'idea di "Scream" è nata da Munch nel 1883, quando ci furono diverse eruzioni più forti del vulcano Krakatoa, così potenti da cambiare di un grado la temperatura dell'atmosfera terrestre. Un'abbondante quantità di polvere e cenere si sparse ovunque il globo raggiungendo anche la Norvegia. Per diverse sere di seguito, i tramonti sembravano come se stesse per arrivare l'apocalisse: uno di loro è diventato una fonte di ispirazione per l'artista.
Scrittore tra la gente
Alexander Ivanov, "L'apparizione di Cristo al popolo", 1837-1857.
Dozzine di modelle hanno posato per Alexander Ivanov per il suo immagine principale. Uno di loro è conosciuto non meno dell'artista stesso. Sullo sfondo, tra viandanti e cavalieri romani che non hanno ancora ascoltato la predica di Giovanni Battista, si nota un personaggio con una tunica marrone. Il suo Ivanov ha scritto con Nikolai Gogol. Lo scrittore ha comunicato strettamente con l'artista in Italia, in particolare su questioni religiose, e gli ha dato consigli nel processo di pittura. Gogol credeva che Ivanov "fosse morto da tempo per il mondo intero, tranne che per il suo lavoro".
gotta di Michelangelo
Raffaello Santi, La scuola di Atene, 1511.
Creando il famoso affresco "La scuola di Atene", Raffaello ha immortalato i suoi amici e conoscenti nelle immagini degli antichi filosofi greci. Uno di loro era Michelangelo Buonarroti "nel ruolo" di Eraclito. Per diversi secoli l'affresco ha tenuto segreti vita privata Michelangelo e ricercatori moderni hanno suggerito che il ginocchio stranamente angolare dell'artista indica che ha una malattia articolare.
Ciò è abbastanza probabile, date le peculiarità dello stile di vita e delle condizioni di lavoro degli artisti del Rinascimento e il cronico maniaco del lavoro di Michelangelo.
Specchio degli Arnolfini
Jan van Eyck, "Ritratto degli Arnolfini", 1434
Nello specchio dietro gli Arnolfini, puoi vedere il riflesso di altre due persone nella stanza. Molto probabilmente si tratta di testimoni presenti alla conclusione del contratto. Uno di loro è van Eyck, come testimonia l'iscrizione latina posta, contrariamente alla tradizione, sopra lo specchio al centro della composizione: "Jan van Eyck era qui". Questo è il modo in cui i contratti venivano solitamente sigillati.
Come un difetto si è trasformato in un talento
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Autoritratto all'età di 63 anni, 1669.
La ricercatrice Margaret Livingston ha studiato tutti gli autoritratti di Rembrandt e ha scoperto che l'artista soffriva di strabismo: nelle immagini i suoi occhi guardano in direzioni diverse, cosa che non si osserva nei ritratti di altre persone del maestro. La malattia ha portato al fatto che l'artista poteva percepire meglio la realtà in due dimensioni rispetto alle persone con una visione normale. Questo fenomeno è chiamato "stereo cecità" - l'incapacità di vedere il mondo in 3D. Ma dal momento che il pittore deve lavorare con Immagine 2D, era questa lacuna di Rembrandt che poteva essere una delle spiegazioni del suo fenomenale talento.
Venere senza peccato
Sandro Botticelli, La nascita di Venere, 1482-1486.
Prima dell'avvento della Nascita di Venere, l'immagine del nudo corpo femminile in pittura simboleggiava solo l'idea del peccato originale. Sandro Botticelli è stato il primo pittore europeo a non trovare in lui nulla di peccaminoso. Inoltre, i critici d'arte sono sicuri che la dea pagana dell'amore simboleggi sull'affresco immagine cristiana: il suo aspetto è un'allegoria della rinascita dell'anima che ha superato il rito del battesimo.
Suonatore di liuto o suonatore di liuto?
Michelangelo Merisi da Caravaggio, Suonatore di liuto, 1596.
Per molto tempo il dipinto è stato esposto all'Ermitage con il titolo "Suonatore di liuto". Solo all'inizio del '900 gli storici dell'arte concordarono sul fatto che la tela raffigura ancora un giovane (probabilmente Caravaggio fu messo in posa dall'amico artista Mario Minniti): sulle note davanti al musicista, una registrazione della parte di basso di è visibile il madrigale di Jacob Arcadelt “Sai che ti amo”. Una donna difficilmente potrebbe fare una scelta del genere: è solo dura per la gola. Inoltre, il liuto, come il violino all'estremità del quadro, era considerato uno strumento maschile nell'era di Caravaggio.
Le immagini più famose e significative per la storia dell'arte del mondo per la tua ispirazione.
I dipinti immortali di grandi artisti sono ammirati da milioni di persone. L'arte, classica e moderna, è una delle principali fonti di ispirazione, gusto e formazione culturale di qualsiasi persona, e ancor più creativa.
Ci sono sicuramente più dipinti famosi in tutto il mondo di 33. Ce ne sono diverse centinaia e tutti non starebbero in una recensione. Pertanto, per facilità di visualizzazione, ne abbiamo selezionati alcuni tra i più significativi per la cultura mondiale e spesso copiati. Ogni opera è accompagnata fatto interessante, una spiegazione del significato artistico o della storia della sua creazione.
Raffaello "Madonna Sistina" 1512
Conservato nella Galleria degli Antichi Maestri di Dresda.
Il dipinto ha piccolo segreto: lo sfondo, che da lontano sembrano nuvole, a un esame più attento risulta essere la testa degli angeli. E i due angeli raffigurati nella foto qui sotto sono diventati il motivo di numerose cartoline e manifesti.
Rembrandt "La ronda di notte" 1642
Conservato nel Rijksmuseum di Amsterdam.
Il vero nome del dipinto di Rembrandt è "L'esibizione della compagnia di fucilieri del capitano Frans Banning Cock e del tenente Willem van Ruytenburg". I critici d'arte che hanno scoperto il dipinto nel XIX secolo pensavano che le figure lo fossero sfondo scuro, e si chiamava "Night Watch". Successivamente si è scoperto che uno strato di fuliggine oscura l'immagine e l'azione si svolge effettivamente durante il giorno. Tuttavia, l'immagine è già entrata nel tesoro dell'arte mondiale con il nome di "Night Watch".
Leonardo da Vinci "L'ultima cena" 1495-1498
Situato nel monastero di Santa Maria delle Grazie a Milano.
Negli oltre 500 anni di storia dell'esistenza dell'opera, l'affresco è stato ripetutamente distrutto: attraverso il dipinto è stato realizzato un portale, quindi è stato posato un portale, è stato utilizzato il refettorio del monastero, dove si trova l'immagine come armeria, prigione e bombardata. famoso affresco restaurato almeno cinque volte, con l'ultimo restauro che ha richiesto 21 anni. Oggi, per vedere l'opera d'arte, i visitatori devono prenotare i biglietti in anticipo e possono trascorrere solo 15 minuti nel refettorio.
Salvador Dali "La persistenza della memoria" 1931
Secondo lo stesso autore, il quadro è stato dipinto a seguito di associazioni sorte a Dalì alla vista del formaggio fuso. Di ritorno dal cinema, dove andò quella sera, Gala predisse giustamente che nessuno che avesse visto "La persistenza della memoria" una volta l'avrebbe dimenticato.
Pieter Bruegel il Vecchio "Torre di Babele" 1563
Conservato al Kunsthistorisches Museum di Vienna.
Secondo Brueghel, il fallimento che colpì la costruzione della Torre di Babele non è da biasimare per l'improvviso sorgere secondo storia biblica barriere linguistiche ed errori commessi durante il processo di costruzione. A prima vista, l'enorme edificio sembra abbastanza solido, ma a un esame più attento è chiaro che tutti i livelli sono disposti in modo irregolare, i piani inferiori sono incompiuti o stanno già crollando, l'edificio stesso è inclinato verso la città e le prospettive per l'intero progetto sono molto triste.
Kazimir Malevich "Quadrato nero" 1915
Secondo l'artista, ha dipinto il quadro per diversi mesi. Successivamente, Malevich realizzò diverse copie del "Quadrato Nero" (secondo alcune fonti, sette). Secondo una versione, l'artista non è stato in grado di completare il lavoro sul dipinto nel momento giusto, quindi ha dovuto coprire l'opera con vernice nera. Successivamente, dopo il riconoscimento del pubblico, Malevich ha dipinto nuovi "Quadrati neri" già su tele bianche. Malevich ha anche dipinto i dipinti "Red Square" (due copie) e uno "White Square".
Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin "Fare il bagno al cavallo rosso" 1912
Situato nello Stato Galleria Tretyakov A mosca.
Dipinto nel 1912, il quadro si rivelò visionario. Il cavallo rosso funge da destino della Russia o della Russia stessa, che il fragile e giovane cavaliere non è in grado di trattenere. così, l'artista ha predetto simbolicamente con la sua pittura il destino "rosso" della Russia nel XX secolo.
Peter Paul Rubens "Il ratto delle figlie di Leucippo" 1617-1618
Conservato nella Alte Pinakothek di Monaco di Baviera.
Il dipinto "Il rapimento delle figlie di Leucippo" è considerato la personificazione della passione coraggiosa e della bellezza corporea. Le braccia forti e muscolose dei giovani raccolgono giovani donne nude per metterle a cavallo. I figli di Zeus e Leda rubano le spose dei loro cugini.
Paul Gauguin "Da dove veniamo? Chi siamo? Dove stiamo andando?" 1898
Conservato nel Museo belle arti a Boston.
Sotto la direzione dello stesso Gauguin, l'immagine dovrebbe essere letta da destra a sinistra: i tre gruppi principali di figure illustrano le domande poste nel titolo. Tre donne con un bambino rappresentano l'inizio della vita; gruppo medio simboleggia l'esistenza quotidiana della maturità; nel gruppo finale, secondo l'intenzione dell'artista, “una vecchia che si avvicina alla morte sembra riconciliata e abbandonata ai suoi pensieri”, ai suoi piedi vi è uno “strano uccello bianco…rappresenta la futilità delle parole.”
Eugene Delacroix "La libertà che guida il popolo" 1830
Conservato al Louvre di Parigi
Delacroix ha creato un dipinto basato sulla Rivoluzione di luglio del 1830 in Francia. In una lettera al fratello del 12 ottobre 1830, Delacroix scrive: "Se non ho combattuto per la Patria, almeno scriverò per lei". Il petto nudo di una donna che guida il popolo simboleggia l'altruismo del popolo francese di quel tempo, che, con “ a petto nudo' è andato al nemico.
Claude Monet "Impressione. Sole nascente" 1872
Conservato al Musée Marmottan di Parigi.
Il titolo del brano è "Impression, soleil levant" con mano leggera il giornalista L. Leroy divenne un nome direzione artistica"impressionismo". Il dipinto è stato dipinto dal vero nel vecchio porto di Le Havre in Francia.
Jan Vermeer "Ragazza con l'orecchino di perla" 1665
Conservato nella Galleria Mauritshuis a L'Aia.
Uno dei dipinti più famosi Artista olandese Jan Vermeer è spesso indicato come la Gioconda settentrionale o olandese. Del dipinto si sa molto poco: non è datato, non si conosce il nome della ragazza raffigurata. Nel 2003 da romanzo omonimo Tracey Chevalier è stata filmata Lungometraggio"Ragazza con l'orecchino di perla", in cui la storia della creazione della tela è ipoteticamente ripristinata nel contesto della biografia e la vita familiare Vermer.
Ivan Aivazovsky "La nona onda" 1850
Conservato a San Pietroburgo nel Museo di Stato Russo.
Ivan Aivazovsky è un pittore marino russo di fama mondiale che ha dedicato la sua vita alla rappresentazione del mare. Ha creato circa seimila opere, ognuna delle quali ha ricevuto riconoscimenti durante la vita dell'artista. Il dipinto "The Ninth Wave" è incluso nel libro "100 Great Paintings".
Andrei Rublev "Trinità" 1425-1427
L'icona della Santissima Trinità, dipinta da Andrei Rublev nel XV secolo, è una delle icone russe più famose. L'icona è una tavola in formato verticale. Gli zar (Ivan il Terribile, Boris Godunov, Mikhail Fedorovich) "ricoprirono" l'icona con oro, argento e pietre preziose. Oggi lo stipendio è conservato nella riserva-museo statale di Sergiev Posad.
Mikhail Vrubel "Demone seduto" 1890
Conservato nella Galleria Tretyakov di Mosca.
La trama dell'immagine è ispirata al poema di Lermontov "The Demon". Il demone è un'immagine della forza dello spirito umano, della lotta interna, dei dubbi. Congiungendo tragicamente le mani, il Demone siede con occhi tristi ed enormi rivolti in lontananza, circondato da fiori senza precedenti.
William Blake "Il grande architetto" 1794
Immagazzinato Museo britannico a Londra.
Il nome del dipinto "The Ancient of Days" si traduce letteralmente dall'inglese come "The Ancient of Days". Questa frase era usata come nome di Dio. Personaggio principale immagini - Dio al momento della creazione, che non stabilisce l'ordine, ma limita la libertà e segna i limiti dell'immaginazione.
Edouard Manet "Bar delle Folies Bergère" 1882
Conservato al Courtauld Institute of Art di Londra.
Le Folies Bergère è uno spettacolo di varietà e cabaret a Parigi. Manet frequentò le Folies Bergère e finì per dipingere questo dipinto, l'ultimo prima della sua morte nel 1883. Dietro il bancone, in mezzo a una folla di persone che bevono, mangiano, parlano e fumano, una barista è assorta nei propri pensieri, osservando un acrobata del trapezio, che si vede nell'angolo in alto a sinistra della foto.
Tiziano "Amore terreno e amore celeste" 1515-1516
Conservato nella Galleria Borghese di Roma.
È interessante notare che il nome moderno del dipinto non è stato dato dall'artista stesso, ma ha iniziato ad essere utilizzato solo due secoli dopo. Fino a quel momento, il dipinto aveva vari titoli: "Bellezza impreziosita e disadorna" (1613), "Tre tipi di amore" (1650), "Donne divine e mondane" (1700), e, infine, "Amore terreno e Amore Celeste» (1792 e 1833).
Mikhail Nesterov "Visione al giovane Bartolomeo" 1889-1890
Conservato nella Galleria Statale Tretyakov di Mosca.
La prima e più significativa opera del ciclo dedicato a Sergio di Radonezh. Fino alla fine dei suoi giorni, l'artista era convinto che "La visione del giovane Bartolomeo" fosse la sua opera migliore. Nella sua vecchiaia, l'artista amava ripetere: "Non sono io che vivrò. Il "Giovane Bartolomeo" vivrà. "Ora, se tra trenta, cinquant'anni dopo la mia morte dirà ancora qualcosa alla gente, significa che lui è vivo, il che significa che anch'io sono vivo ".
Pieter Bruegel il Vecchio "La parabola dei ciechi" 1568
Conservato nel Museo di Capodimonte a Napoli.
Altri nomi del dipinto sono "The Blind", "Parabola of the Blind", "The Blind Leading the Blind". Si ritiene che la trama dell'immagine sia basata sulla parabola biblica del cieco: "Se il cieco guida il cieco, allora entrambi cadranno nella fossa".
Viktor Vasnetsov "Alyonushka" 1881
Conservato nella Galleria Statale Tretyakov.
La fiaba "A proposito della sorella Alyonushka e del fratello Ivanushka" è presa come base. Inizialmente, il dipinto di Vasnetsov si chiamava "Fool Alyonushka". Gli orfani erano chiamati "pazzi" a quel tempo. "Alyonushka", disse in seguito lo stesso artista, "come se vivesse nella mia testa da molto tempo, ma in realtà l'ho vista ad Akhtyrka quando ho incontrato una ragazza dai capelli semplici che ha colpito la mia immaginazione. C'era così tanto desiderio, solitudine e tristezza puramente russa nei suoi occhi ... Da lei emanava uno speciale spirito russo.
Vincent van Gogh Notte stellata 1889
Conservato al Museum of Modern Art di New York.
A differenza della maggior parte dei dipinti dell'artista, Starry Night è stato dipinto a memoria. Van Gogh era in quel momento nell'ospedale di Saint-Remy, tormentato da attacchi di follia.
Karl Bryullov "L'ultimo giorno di Pompei" 1830-1833
Conservato nel Museo di Stato russo a San Pietroburgo.
Il dipinto raffigura la famosa eruzione del Vesuvio del 79 d.C. e. e la distruzione della città di Pompei vicino a Napoli. L'immagine dell'artista nell'angolo sinistro dell'immagine è un autoritratto dell'autore.
Pablo Picasso "Ragazza su una palla" 1905
Immagazzinato Museo Pushkin, Mosca
Il dipinto finì in Russia grazie all'industriale Ivan Abramovich Morozov, che lo acquistò nel 1913 per 16.000 franchi. Nel 1918 la collezione personale di I. A. Morozov fu nazionalizzata. IN attualmente il dipinto è nella collezione del Museo Statale di Belle Arti intitolato ad A.S. Pushkin.
Leonardo da Vinci "Madonna Litta" 1491
Conservato nell'Hermitage di San Pietroburgo.
Il titolo originale del dipinto è Madonna col Bambino. Nome moderno il dipinto deriva dal nome del suo proprietario, il conte Litt, il proprietario della famiglia galleria d'arte a Milano. Si presume che la figura del bambino non sia stata dipinta da Leonardo da Vinci, ma appartenga al pennello di uno dei suoi studenti. Ciò è evidenziato dalla posa del bambino, insolita per i modi dell'autore.
Jean Ingres "Bagni turchi" 1862
Conservato al Louvre di Parigi.
Ingres ha finito di dipingere questo quadro quando aveva già più di 80 anni. Con questo quadro l'artista riassume un peculiare risultato dell'immagine dei bagnanti, i cui temi sono da tempo presenti nella sua opera. Inizialmente la tela aveva la forma di un quadrato, ma un anno dopo il suo completamento l'artista l'ha trasformata in un quadro rotondo: un tondo.
Ivan Shishkin, Konstantin Savitsky "Mattina in una pineta" 1889
Conservato nella Galleria Tretyakov di Mosca
"Buongiorno a pineta"- un dipinto degli artisti russi Ivan Shishkin e Konstantin Savitsky. Savitsky ha dipinto orsi, ma il collezionista Pavel Tretyakov, quando ha acquisito il dipinto, ha cancellato la sua firma, quindi ora solo Shishkin è indicato come autore del dipinto.
Mikhail Vrubel "La principessa del cigno" 1900
Conservato nella Galleria Statale Tretyakov
L'immagine è stata dipinta sulla base dell'immagine scenica dell'eroina dell'opera di N. A. Rimsky-Korsakov "The Tale of Tsar Saltan" secondo la trama fiaba con lo stesso nome AS Pushkin. Vrubel ha creato schizzi per la scenografia e i costumi per la prima dell'opera nel 1900, e sua moglie ha cantato la parte della Principessa del cigno.
Giuseppe Arcimboldo "Ritratto dell'imperatore Rodolfo II in forma di Vertumno" 1590
Situato nel castello di Skokloster a Stoccolma.
Una delle poche opere sopravvissute dell'artista, che ha realizzato ritratti di frutta, verdura, fiori, crostacei, pesci, perle, strumenti musicali e di altro tipo, libri e così via. "Vertumn" è un ritratto dell'imperatore, presentato nella forma antico dio romano stagioni, vegetazione e trasformazione. Nella foto, Rudolph è costituito interamente da frutta, fiori e verdure.
Edgar Degas "Ballerini azzurri" 1897
Situato nel Museo d'Arte. AS Pushkin a Mosca.
Degas era un grande fan del balletto. È chiamato l'artista delle ballerine. L'opera a cui si riferisce "Blue Dancers". periodo tardo La creatività di Degas, quando la sua vista si indebolì, e iniziò a lavorare con grandi macchie di colore, dando fondamentale importanza all'organizzazione decorativa della superficie dell'immagine.
Leonardo da Vinci "La Gioconda" 1503-1505
Conservato al Louvre, Parigi.
La Gioconda non avrebbe guadagnato fama mondiale se non fosse stata rubata nel 1911 da un impiegato del Louvre. Il dipinto viene ritrovato due anni dopo in Italia: il ladro risponde a un annuncio su un giornale e propone di vendere la Gioconda al direttore della Galleria degli Uffizi. Per tutto questo tempo, mentre le indagini erano in corso, "Mona Lisa" non ha lasciato le copertine di giornali e riviste di tutto il mondo, diventando oggetto di copiatura e culto.
Sandro Botticelli "La nascita di Venere" 1486
Conservato a Firenze Galleria degli Uffizi
Il dipinto illustra il mito della nascita di Afrodite. La dea nuda galleggia verso la riva in una conchiglia aperta, sospinta dal vento. Sul lato sinistro dell'immagine, Zefiro (il vento di ponente), tra le braccia della moglie Clorida, soffia su una conchiglia, creando un vento pieno di fiori. Sulla riva, la dea incontra una delle grazie. "La nascita di Venere" è ben conservata grazie al fatto che Botticelli si è applicato all'immagine strato protettivo dal tuorlo d'uovo.
Michelangelo "Creazione di Adamo" 1511
È dentro cappella Sistina in Vaticano.
Messaggio di citazione I dipinti più famosi e significativi del mondo per la storia dell'arte. | 33 capolavori della pittura mondiale.
Sotto i quadri con gli artisti a cui appartengono, ci sono i link ai post.
I dipinti immortali di grandi artisti sono ammirati da milioni di persone. L'arte, classica e moderna, è una delle principali fonti di ispirazione, gusto e formazione culturale di qualsiasi persona, e ancor più creativa.
Ci sono sicuramente più dipinti famosi in tutto il mondo di 33. Ce ne sono diverse centinaia e tutti non starebbero in una recensione. Pertanto, per comodità di visualizzazione, abbiamo selezionato diversi dipinti più significativi per la cultura mondiale e spesso copiati nella pubblicità. Ogni opera è accompagnata da un fatto interessante, una spiegazione del significato artistico o la storia della sua creazione.
Conservato nella Galleria degli Antichi Maestri di Dresda.
L'immagine nasconde un piccolo segreto: lo sfondo, che da lontano sembra una nuvola, a un esame più attento si rivelano teste di angeli. E i due angeli raffigurati nella foto qui sotto sono diventati il motivo di numerose cartoline e manifesti.
Rembrandt "La ronda di notte" 1642
Conservato nel Rijksmuseum di Amsterdam.
Il vero nome del dipinto di Rembrandt è "L'esibizione della compagnia di fucilieri del capitano Frans Banning Cock e del tenente Willem van Ruytenburg". I critici d'arte che scoprirono il dipinto nel XIX secolo pensarono che le figure si trovassero su uno sfondo scuro e lo chiamarono "Ronda di notte". Successivamente si è scoperto che uno strato di fuliggine oscura l'immagine e l'azione si svolge effettivamente durante il giorno. Tuttavia, l'immagine è già entrata nel tesoro dell'arte mondiale con il nome di "Night Watch".
Leonardo da Vinci "L'ultima cena" 1495-1498
Situato nel monastero di Santa Maria delle Grazie a Milano.
Negli oltre 500 anni di storia dell'esistenza dell'opera, l'affresco è stato ripetutamente distrutto: attraverso il dipinto è stato realizzato un portale, quindi è stato posato un portale, è stato utilizzato il refettorio del monastero, dove si trova l'immagine come armeria, prigione e bombardata. Il famoso affresco è stato restaurato almeno cinque volte, con l'ultimo restauro che ha richiesto 21 anni. Oggi, per vedere l'opera d'arte, i visitatori devono prenotare i biglietti in anticipo e possono trascorrere solo 15 minuti nel refettorio.
Salvador Dali "La persistenza della memoria" 1931
Secondo lo stesso autore, il quadro è stato dipinto a seguito di associazioni sorte a Dalì alla vista del formaggio fuso. Di ritorno dal cinema, dove andò quella sera, Gala predisse giustamente che nessuno che avesse visto "La persistenza della memoria" una volta l'avrebbe dimenticato.
Pieter Bruegel il Vecchio La Torre di Babele 1563
Conservato al Kunsthistorisches Museum di Vienna.
Secondo Brueghel, il fallimento che colpì la costruzione della Torre di Babele non fu dovuto a barriere linguistiche sorte improvvisamente secondo il racconto biblico, ma a errori commessi durante il processo di costruzione. A prima vista, l'enorme edificio sembra abbastanza solido, ma a un esame più attento è chiaro che tutti i livelli sono disposti in modo irregolare, i piani inferiori sono incompiuti o stanno già crollando, l'edificio stesso è inclinato verso la città e le prospettive per l'intero progetto sono molto triste.
Kazimir Malevich "Quadrato nero" 1915
Secondo l'artista, ha dipinto il quadro per diversi mesi. Successivamente, Malevich realizzò diverse copie del "Quadrato Nero" (secondo alcune fonti, sette). Secondo una versione, l'artista non è stato in grado di completare il lavoro sul dipinto nel momento giusto, quindi ha dovuto coprire l'opera con vernice nera. Successivamente, dopo il riconoscimento del pubblico, Malevich ha dipinto nuovi "Quadrati neri" già su tele bianche. Malevich ha anche dipinto i dipinti "Red Square" (due copie) e uno "White Square".
Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin "Fare il bagno al cavallo rosso" 1912
Situato nella Galleria Statale Tretyakov di Mosca.
Dipinto nel 1912, il quadro si rivelò visionario. Il cavallo rosso funge da destino della Russia o della Russia stessa, che il fragile e giovane cavaliere non è in grado di trattenere. così, l'artista ha predetto simbolicamente con la sua pittura il destino "rosso" della Russia nel XX secolo.
Peter Paul Rubens "Il ratto delle figlie di Leucippo" 1617-1618
Conservato nella Alte Pinakothek di Monaco di Baviera.
Il dipinto "Il rapimento delle figlie di Leucippo" è considerato la personificazione della passione coraggiosa e della bellezza corporea. Le braccia forti e muscolose dei giovani raccolgono giovani donne nude per metterle a cavallo. I figli di Zeus e Leda rubano le spose dei loro cugini.
Paul Gauguin "Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando?" 1898
Conservato al Museum of Fine Arts di Boston.
Sotto la direzione dello stesso Gauguin, l'immagine dovrebbe essere letta da destra a sinistra: i tre gruppi principali di figure illustrano le domande poste nel titolo. Tre donne con un bambino rappresentano l'inizio della vita; il gruppo centrale simboleggia l'esistenza quotidiana della maturità; nell'ultimo gruppo, secondo l'artista, "una vecchia che si avvicina alla morte sembra riconciliata e abbandonata ai suoi pensieri", ai suoi piedi "uno strano uccello bianco... rappresenta la futilità delle parole".
Eugene Delacroix "La libertà che guida il popolo" 1830
Conservato al Louvre di Parigi
Delacroix ha creato un dipinto basato sulla Rivoluzione di luglio del 1830 in Francia. In una lettera al fratello del 12 ottobre 1830, Delacroix scrive: "Se non ho combattuto per la Patria, almeno scriverò per lei". Il petto nudo di una donna alla guida del popolo simboleggia l'altruismo del popolo francese di quel tempo, che a “petto nudo” andava dal nemico.
Impressione di Claude Monet. Sol Levante" 1872
Conservato al Musée Marmottan di Parigi.
Il nome dell'opera "Impression, soleil levant" con la mano leggera del giornalista L. Leroy è diventato il nome della direzione artistica "Impressionismo". Il dipinto è stato dipinto dal vero nel vecchio porto di Le Havre in Francia.
Jan Vermeer "Ragazza con l'orecchino di perla" 1665
Conservato nella Galleria Mauritshuis a L'Aia.
Uno dei dipinti più famosi dell'artista olandese Jan Vermeer è spesso indicato come la Gioconda settentrionale o olandese. Del dipinto si sa molto poco: non è datato, non si conosce il nome della ragazza raffigurata. Nel 2003, tratto dall'omonimo romanzo di Tracey Chevalier, è stato girato il lungometraggio "La ragazza con l'orecchino di perla", in cui la storia della creazione della tela è ipoteticamente ripristinata nel contesto della biografia e della vita familiare di Vermeer .
Ivan Aivazovsky "La nona onda" 1850
Conservato a San Pietroburgo nel Museo di Stato Russo.
Ivan Aivazovsky è un pittore marino russo di fama mondiale che ha dedicato la sua vita a rappresentare il mare. Ha creato circa seimila opere, ognuna delle quali ha ricevuto riconoscimenti durante la vita dell'artista. Il dipinto "The Ninth Wave" è incluso nel libro "100 Great Paintings".
Andrei Rublev "Trinità" 1425-1427
L'icona della Santissima Trinità, dipinta da Andrei Rublev nel XV secolo, è una delle icone russe più famose. L'icona è una tavola in formato verticale. Gli zar (Ivan il Terribile, Boris Godunov, Mikhail Fedorovich) "racchiudevano" l'icona con oro, argento e pietre preziose. Oggi lo stipendio è conservato nella riserva-museo statale di Sergiev Posad.
Mikhail Vrubel "Demone seduto" 1890
Conservato nella Galleria Tretyakov di Mosca.
La trama dell'immagine è ispirata al poema di Lermontov "The Demon". Il demone è un'immagine della forza dello spirito umano, della lotta interna, dei dubbi. Congiungendo tragicamente le mani, il Demone siede con occhi tristi ed enormi rivolti in lontananza, circondato da fiori senza precedenti.
William Blake "Il grande architetto" 1794
Conservato al British Museum di Londra.
Il nome del dipinto "The Ancient of Days" si traduce letteralmente dall'inglese come "The Ancient of Days". Questa frase era usata come nome di Dio. Il protagonista del quadro è Dio al momento della creazione, che non stabilisce l'ordine, ma limita la libertà e segna i limiti dell'immaginazione.
Edouard Manet "Bar delle Folies Bergère" 1882
Conservato al Courtauld Institute of Art di Londra.
Le Folies Bergère è uno spettacolo di varietà e cabaret a Parigi. Manet frequentò le Folies Bergère e finì per dipingere questo dipinto, l'ultimo prima della sua morte nel 1883. Dietro il bancone, in mezzo a una folla di persone che bevono, mangiano, parlano e fumano, una barista è assorta nei propri pensieri, osservando un acrobata del trapezio, che si vede nell'angolo in alto a sinistra della foto.
Tiziano "Amore terreno e amore celeste" 1515-1516
Conservato nella Galleria Borghese di Roma.
È interessante notare che il nome moderno del dipinto non è stato dato dall'artista stesso, ma ha iniziato ad essere utilizzato solo due secoli dopo. Fino a quel momento, il dipinto aveva vari titoli: "Bellezza impreziosita e disadorna" (1613), "Tre tipi di amore" (1650), "Donne divine e mondane" (1700), e, infine, "Amore terreno e Amore Celeste» (1792 e 1833).
Mikhail Nesterov "Visione al giovane Bartolomeo" 1889-1890
Conservato nella Galleria Statale Tretyakov di Mosca.
La prima e più significativa opera del ciclo dedicato a Sergio di Radonezh. Fino alla fine dei suoi giorni, l'artista era convinto che "La visione del giovane Bartolomeo" fosse la sua opera migliore. Nella sua vecchiaia, l'artista amava ripetere: “Non vivrò. "Il giovane Bartolomeo" vivrà. Ora, se tra trenta, cinquant'anni dopo la mia morte dirà ancora qualcosa alle persone, allora è vivo, allora sono vivo anche io.
Pieter Brueghel il Vecchio "La parabola dei ciechi" 1568
Conservato nel Museo di Capodimonte a Napoli.
Altri nomi del dipinto sono "The Blind", "Parabola of the Blind", "The Blind Leading the Blind". Si ritiene che la trama dell'immagine sia basata sulla parabola biblica del cieco: "Se il cieco guida il cieco, allora entrambi cadranno nella fossa".
Viktor Vasnetsov "Alyonushka" 1881
Conservato nella Galleria Statale Tretyakov.
La fiaba "A proposito della sorella Alyonushka e del fratello Ivanushka" è presa come base. Inizialmente, il dipinto di Vasnetsov si chiamava "Fool Alyonushka". Gli orfani erano chiamati "pazzi" a quel tempo. “Alyonushka”, disse in seguito lo stesso artista, “come se vivesse nella mia testa da molto tempo, ma in realtà l'ho vista ad Akhtyrka quando ho incontrato una ragazza dai capelli semplici che ha colpito la mia immaginazione. C'era così tanto desiderio, solitudine e tristezza puramente russa nei suoi occhi ... Da lei emanava una sorta di speciale spirito russo.
Vincent van Gogh Notte stellata 1889
Conservato al Museum of Modern Art di New York.
A differenza della maggior parte dei dipinti dell'artista, Starry Night è stato dipinto a memoria. Van Gogh era in quel momento nell'ospedale di Saint-Remy, tormentato da attacchi di follia.
Karl Bryullov "L'ultimo giorno di Pompei" 1830-1833
Conservato nel Museo di Stato russo a San Pietroburgo.
Il dipinto raffigura la famosa eruzione del Vesuvio del 79 d.C. e. e la distruzione della città di Pompei vicino a Napoli. L'immagine dell'artista nell'angolo sinistro dell'immagine è un autoritratto dell'autore.
Pablo Picasso "Ragazza su una palla" 1905
Conservato nel Museo Pushkin, Mosca
Il dipinto finì in Russia grazie all'industriale Ivan Abramovich Morozov, che lo acquistò nel 1913 per 16.000 franchi. Nel 1918 la collezione personale di I. A. Morozov fu nazionalizzata. Attualmente il dipinto è nella collezione del Museo Statale di Belle Arti intitolato ad A.S. Pushkin.
Leonardo da Vinci Madonna Litta 1491
Conservato nell'Hermitage di San Pietroburgo.
Il titolo originale del dipinto è Madonna col Bambino. Il nome moderno del dipinto deriva dal nome del suo proprietario, il conte Litta, titolare di una galleria d'arte di famiglia a Milano. Si presume che la figura del bambino non sia stata dipinta da Leonardo da Vinci, ma appartenga al pennello di uno dei suoi studenti. Ciò è evidenziato dalla posa del bambino, insolita per i modi dell'autore.
Jean Ingres "Bagni turchi" 1862
Conservato al Louvre di Parigi.
Ingres ha finito di dipingere questo quadro quando aveva già più di 80 anni. Con questo quadro l'artista riassume un peculiare risultato dell'immagine dei bagnanti, i cui temi sono da tempo presenti nella sua opera. Inizialmente la tela aveva la forma di un quadrato, ma un anno dopo il suo completamento l'artista l'ha trasformata in un quadro rotondo: un tondo.
Ivan Shishkin, Konstantin Savitsky "Mattina in una pineta" 1889
Conservato nella Galleria Tretyakov di Mosca
"Morning in a Pine Forest" è un dipinto degli artisti russi Ivan Shishkin e Konstantin Savitsky. Savitsky ha dipinto orsi, ma il collezionista Pavel Tretyakov, quando ha acquisito il dipinto, ha cancellato la sua firma, quindi ora solo Shishkin è indicato come autore del dipinto.
Mikhail Vrubel "La principessa del cigno" 1900
Conservato nella Galleria Statale Tretyakov
L'immagine è stata dipinta sulla base dell'immagine scenica dell'eroina dell'opera "The Tale of Tsar Saltan" di N. A. Rimsky-Korsakov basata sulla trama dell'omonima fiaba di A. S. Pushkin. Vrubel ha creato schizzi per la scenografia e i costumi per la prima dell'opera nel 1900, e sua moglie ha cantato la parte della Principessa del cigno.
Giuseppe Arcimboldo "Ritratto dell'imperatore Rodolfo II come Vertumn" 1590
Situato nel castello di Skokloster a Stoccolma.
Una delle poche opere sopravvissute dell'artista, che ha realizzato ritratti di frutta, verdura, fiori, crostacei, pesci, perle, strumenti musicali e di altro tipo, libri e così via. "Vertumnus" è un ritratto dell'imperatore, rappresentato come l'antico dio romano delle stagioni, della vegetazione e della trasformazione. Nella foto, Rudolph è costituito interamente da frutta, fiori e verdure.
Edgar Degas Ballerine blu 1897
Situato nel Museo d'Arte. AS Pushkin a Mosca.
La Gioconda non avrebbe guadagnato fama mondiale se non fosse stata rubata nel 1911 da un impiegato del Louvre. Il dipinto viene ritrovato due anni dopo in Italia: il ladro risponde a un annuncio su un giornale e propone di vendere la Gioconda al direttore della Galleria degli Uffizi. Per tutto questo tempo, mentre le indagini andavano avanti, la Gioconda non ha lasciato le copertine di giornali e riviste di tutto il mondo, diventando oggetto di copiatura e culto. Sandro Botticelli "La nascita di Venere" 1486
Conservato a Firenze presso la Galleria degli Uffizi
Il dipinto illustra il mito della nascita di Afrodite. La dea nuda galleggia verso la riva in una conchiglia aperta, sospinta dal vento. Sul lato sinistro dell'immagine, Zefiro (il vento di ponente), tra le braccia della moglie Clorida, soffia su una conchiglia, creando un vento pieno di fiori. Sulla riva, la dea incontra una delle grazie. La Nascita di Venere è ben conservata grazie al fatto che Botticelli applicò al dipinto uno strato protettivo di tuorlo d'uovo.
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Parte 21 -
Parte 22 -
Parte 23 -
Se pensi che tutti i grandi artisti siano nel passato, allora non hai idea di quanto ti sbagli. In questo articolo imparerai a conoscere i più famosi e artisti di talento modernità. E, credimi, le loro opere rimarranno nella tua memoria non meno profondamente delle opere del maestro delle epoche passate.
Wojciech Babski
Wojciech Babski è un artista polacco contemporaneo. Laureato in Slesia istituto politecnico, ma associato a . IN Ultimamente disegna principalmente donne. Si concentra sulla manifestazione delle emozioni, cerca di ottenere il massimo effetto possibile con mezzi semplici.
Ama il colore, ma usa spesso sfumature di nero e grigio per ottenere la migliore impressione. Non ha paura di sperimentare nuove tecniche. Recentemente sta guadagnando sempre più popolarità all'estero, principalmente nel Regno Unito, dove vende con successo le sue opere, che si trovano già in molte collezioni private. Oltre all'arte, si interessa di cosmologia e filosofia. Ascolta jazz. Attualmente vive e lavora a Katowice.
Warren Chang
Warren Chang - moderno Artista americano. Nato nel 1957 e cresciuto a Monterey, in California, si è laureato magna cum laude presso l'Art Center College of Design di Pasadena nel 1981 con un Bachelor of Fine Arts in Fine Arts. Per i successivi due decenni ha lavorato come illustratore per varie aziende in California e New York prima di iniziare la sua carriera di artista professionista nel 2009.
I suoi dipinti realistici possono essere suddivisi in due categorie principali: dipinti interni biografici e dipinti raffiguranti lavoratori. Il suo interesse per questo stile pittorico è radicato nell'opera del pittore del XVI secolo Jan Vermeer e si estende a oggetti, autoritratti, ritratti di familiari, amici, studenti, studio, classe e interni domestici. Il suo obiettivo è creare atmosfera ed emozione nei suoi dipinti realistici attraverso la manipolazione della luce e l'uso di colori tenui.
Chang è diventato famoso dopo il passaggio alle arti visive tradizionali. Negli ultimi 12 anni ha ottenuto numerosi premi e onorificenze, il più prestigioso dei quali è il Master Signature della Oil Painters Association of America, la più grande comunità di pittura a olio negli Stati Uniti. Solo una persona su 50 è onorata dell'opportunità di ricevere questo premio. Attualmente, Warren vive a Monterey e lavora nel suo studio, insegna anche (noto come insegnante di talento) alla San Francisco Academy of the Arts.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni - artista italiano. Nato a Blair, il 15 ottobre 1955. Diplomato in scenografia presso l'Istituto d'Arte di Spoleto. Come artista, è un autodidatta, poiché ha "costruito la casa della conoscenza" autonomamente sulle fondamenta gettate a scuola. Ha iniziato a dipingere a olio all'età di 19 anni. Attualmente vive e lavora in Umbria.
La prima pittura di Bruni è radicata nel surrealismo, ma col tempo inizia a concentrarsi sulla vicinanza del romanticismo lirico e del simbolismo, rafforzando questa combinazione con la squisita raffinatezza e purezza dei suoi personaggi. Oggetti animati e inanimati acquistano pari dignità e sembrano quasi iperrealistici, ma allo stesso tempo non si nascondono dietro un sipario, ma ti permettono di vedere l'essenza della tua anima. Versatilità e raffinatezza, sensualità e solitudine, premura e fecondità sono lo spirito di Aurelio Bruni, nutrito dallo splendore dell'arte e dall'armonia della musica.
Alessandro Balos
Alkasandr Balos è un artista polacco contemporaneo specializzato in pittura a olio. Nato nel 1970 a Gliwice, in Polonia, ma dal 1989 vive e lavora negli USA, nella città di Shasta, in California.
Da bambino studia arte sotto la guida del padre Jan, artista e scultore autodidatta, quindi da gioventù, attività artistica ha ricevuto pieno sostegno da entrambi i genitori. Nel 1989, all'età di diciotto anni, Balos ha lasciato la Polonia per gli Stati Uniti, dove ha insegnante di scuola e l'artista part-time Cathy Gaggliardi ha incoraggiato Alcasander ad entrare scuola d'arte. Balos ha poi ricevuto una borsa di studio completa all'Università di Milwaukee, nel Wisconsin, dove ha studiato pittura con il professore di filosofia Harry Rosin.
Dopo aver completato gli studi nel 1995 con una laurea, Balos si è trasferito a Chicago per iscriversi a una scuola di arti visive i cui metodi sono basati sulla creatività. Jacques-Louis David. realismo figurativo e ritratto dipinto erano maggior parte opere di Balos negli anni '90 e nei primi anni 2000. Oggi Balos utilizza la figura umana per evidenziare i lineamenti e mostrare le imperfezioni. essere umano senza offrire alcuna soluzione.
Le composizioni della trama dei suoi dipinti sono destinate ad essere interpretate in modo indipendente dallo spettatore, solo allora le tele acquisiranno il loro vero significato temporale e soggettivo. Nel 2005 l'artista si è trasferito nel nord della California, da allora l'ambito del suo lavoro si è notevolmente ampliato e ora include metodi di pittura più liberi, tra cui l'astrazione e vari stili multimediali che aiutano a esprimere le idee e gli ideali dell'essere attraverso la pittura.
Alyssa Monaci
Alyssa Monks è un'artista americana contemporanea. È nata nel 1977 a Ridgewood, nel New Jersey. Si è interessata alla pittura quando era ancora una bambina. Ha studiato alla New School di New York e Università Statale Montclair, e si è laureato al Boston College nel 1999, ha conseguito una laurea. Allo stesso tempo, ha studiato pittura all'Accademia Lorenzo Medici a Firenze.
Poi ha continuato i suoi studi nell'ambito del programma per un master presso la New York Academy of Art, nel Dipartimento di Arte Figurativa, laureandosi nel 2001. Si è laureata al Fullerton College nel 2006. Per qualche tempo ha tenuto conferenze nelle università e istituzioni educative in tutto il paese, insegnando pittura alla New York Academy of Art, alla Montclair State University e al Lyme Academy College of Art.
“Usando filtri come vetro, vinile, acqua e vapore, distorco corpo umano. Questi filtri ti consentono di creare ampie aree di disegno astratto, con isole di colore che sbirciano attraverso di esse - parti del corpo umano.
Le mie foto stanno cambiando aspetto moderno alle posizioni e ai gesti già stabiliti e tradizionali delle donne che fanno il bagno. Potrebbero dire molto a uno spettatore attento su cose apparentemente ovvie come i benefici del nuoto, della danza e così via. I miei personaggi sono premuti contro il vetro della finestra della doccia, deformandosi proprio corpo, rendendosi conto che in tal modo influenzano il famigerato aspetto maschile di una donna nuda. Spessi strati di vernice vengono mescolati insieme per imitare il vetro, il vapore, l'acqua e la carne da lontano. Tuttavia, da vicino, delizioso Proprietà fisiche pittura a olio. Sperimentando con strati di vernice e colore, trovo il momento in cui i tratti astratti diventano qualcos'altro.
Quando ho iniziato a dipingere il corpo umano, ne sono rimasto immediatamente affascinato e persino ossessionato e ho sentito che dovevo rendere i miei quadri il più realistici possibile. Ho "professato" il realismo finché non ha cominciato a disfarsi e decostruirsi. Ora sto esplorando le possibilità e il potenziale di uno stile pittorico in cui la pittura rappresentativa e l'astrazione si incontrano: se entrambi gli stili possono coesistere nello stesso momento, lo farò".
Antonio Finelli
Artista italiano - osservatore del tempo” – Antonio Finelli è nato il 23 febbraio 1985. Attualmente vive e lavora in Italia tra Roma e Campobasso. Le sue opere sono state esposte in diverse gallerie in Italia e all'estero: Roma, Firenze, Novara, Genova, Palermo, Istanbul, Ankara, New York, e si trovano anche in collezioni private e pubbliche.
Disegni a matita" Osservatore del tempo” Antonio Finelli ci manda in un eterno viaggio attraverso mondo interiore la temporalità umana e l'analisi rigorosa di questo mondo ad essa associato, il cui elemento principale è il passaggio nel tempo e le tracce che esso infligge sulla pelle.
Finelli dipinge ritratti di persone di ogni età, sesso e nazionalità, le cui espressioni facciali indicano il passaggio nel tempo, e l'artista spera anche di trovare prove della spietatezza del tempo sui corpi dei suoi personaggi. Antonio definisce le sue opere con un titolo generale: “Autoritratto”, perché nei suoi disegni a matita non solo ritrae una persona, ma permette allo spettatore di contemplare i reali risultati del trascorrere del tempo all'interno di una persona.
Flaminia Carloni
Flaminia Carloni è un'artista italiana di 37 anni, figlia di un diplomatico. Ha tre figli. Dodici anni ha vissuto a Roma, tre anni in Inghilterra e Francia. Ha conseguito una laurea in storia dell'arte presso la BD School of Art. Successivamente ha conseguito il diploma di restauratrice specializzata di opere d'arte. Prima di trovare la sua vocazione e dedicarsi interamente alla pittura, ha lavorato come giornalista, colorista, designer e attrice.
La passione di Flaminia per la pittura nasce da bambina. Il suo mezzo principale è l'olio perché ama “coiffer la pate” e gioca anche con il materiale. Ha imparato una tecnica simile nelle opere dell'artista Pascal Torua. Flaminia si ispira ai grandi maestri della pittura come Balthus, Hopper e François Legrand, oltre a vari movimenti artistici: street art, realismo cinese, surrealismo e realismo rinascimentale. Il suo artista preferito è Caravaggio. Il suo sogno è scoprire il potere terapeutico dell'arte.
Denis Chernov
Denis Chernov è un talentuoso artista ucraino, nato nel 1978 a Sambir, regione di Lviv, Ucraina. Dopo la laurea a Kharkov scuola d'arte nel 1998 soggiorna a Kharkov, dove attualmente vive e lavora. Ha anche studiato presso l'Accademia Statale di Design e Arti di Kharkov, Dipartimento di Grafica, laureandosi nel 2004.
Partecipa regolarmente esibizione artistica, SU questo momento ce n'erano più di sessanta, sia in Ucraina che all'estero. La maggior parte delle opere di Denis Chernov sono conservate in collezioni private in Ucraina, Russia, Italia, Inghilterra, Spagna, Grecia, Francia, Stati Uniti, Canada e Giappone. Alcune delle opere sono state vendute da Christie's.
Denis lavora in una vasta gamma di grafica e tecniche pittoriche. I disegni a matita sono uno dei suoi metodi pittorici preferiti, anche l'elenco degli argomenti dei suoi disegni a matita è molto vario, dipinge paesaggi, ritratti, nudi, composizioni di genere, illustrazioni di libri, letterarie e ricostruzioni storiche e fantasie.
