Le arti visive sono nate insieme alla civiltà umana. Ma è sicuro affermare che gli antichi artisti che decoravano le pareti delle grotte con disegni non potevano nemmeno immaginare quale forma avrebbe assunto l'arte tra migliaia di anni.
1. Anamorfosi
L'anamorfosi è una tecnica per creare immagini che possono essere pienamente comprese solo da un punto o da un'angolazione specifici. In alcuni casi, un'immagine normale appare solo se si guarda l'immagine attraverso uno specchio. Uno dei primi esempi conosciuti di anamorfosi sono alcuni degli scritti di Leonardo da Vinci datati al XV secolo.
Diversi altri notevoli esempi di questa forma d'arte apparvero durante il Rinascimento, tra cui Gli ambasciatori di Hans Holbein il Giovane e gli affreschi di Andrea Pozzo sulla cupola di Sant'Ignazio a Roma. Nel corso dei secoli, la tecnica dell'anamorfosi si è evoluta e oggi si possono trovare sia immagini tridimensionali su carta che street art che imitano buchi nei muri o crepe nel terreno. Una varietà particolarmente interessante questo stileè la tipografia anamorfica.
Gli esempi includono il lavoro degli studenti di graphic design Joseph Egan e Hunter Thompson, che hanno decorato i corridoi del loro college con testo distorto che si trasforma in messaggi se visto da una certa angolazione.
2. Fotorealismo
Negli anni '60 sorse un movimento di fotorealisti, che cercavano di creare immagini incredibilmente realistiche che fossero indistinguibili dalle fotografie. Hanno copiato anche i più piccoli dettagli dalle fotografie, creando i propri dipinti. Esiste anche un movimento chiamato superrealismo o iperrealismo, che abbraccia non solo la pittura ma anche la scultura. Era piuttosto influenzato pop art moderna cultura.
Tuttavia, mentre la pop art non utilizza immagini commerciali, il fotorealismo trasmette il solito vita di ogni giorno. Gli artisti fotorealisti più famosi includono Richard Estes, Audrey Flack, Robert Bechtley, Chuck Close e lo scultore Duane Hanson.
3. Dipingere auto sporche
Disegnare su un'auto non lavata spesso non è considerato tale alta arte, poiché la maggior parte di questi "artisti" raramente scrive qualcosa di più di "lavami". Ma un designer americano di 52 anni di nome Scott Wade è diventato famoso per i suoi incredibili disegni che crea sui finestrini delle auto spolverate dalle strade del Texas. Wade originariamente dipingeva sui finestrini delle auto con le dita o con i bastoncini, ma ora usa strumenti e pennelli speciali. Il creatore di un insolito genere artistico ha già partecipato a diverse mostre d'arte.
4. Uso di fluidi corporei di cui all'art
Può sembrare strano, ma ci sono molti artisti che creano le loro opere utilizzando i fluidi corporei. Ad esempio, l'artista austriaco Hermann Nitsch usa l'urina e un'enorme quantità di sangue animale nel suo lavoro. L'artista brasiliano Vinicius Quesada è ben noto per la sua serie di dipinti intitolata Blood and Piss Blues. Sorprendentemente, Quesada funziona solo con il proprio sangue. I suoi dipinti creano un'atmosfera oscura e surreale.
5. Disegnare con parti del corpo
IN Ultimamente la popolarità degli artisti che usano le parti è cresciuta proprio corpo per disegnare. Ad esempio, Tim Patch, noto con lo pseudonimo di "Pricasso" (in onore del grande Artista spagnolo, Pablo Picasso), disegna con il suo... pene. Inoltre, l'artista australiano di 65 anni usa regolarmente il sedere e lo scroto come pennello. Patch fa questo tipo di lavoro da più di dieci anni e la sua popolarità cresce ogni anno.
Da segnalare anche Kira Ain Warseji, che usa i suoi seni per dipingere ritratti astratti; Ani K. che disegna con la lingua e Stephen Marmer, un insegnante che disegna con le natiche. Forse il più strano tra questi artisti è il norvegese Morten Wiskum, che presumibilmente dipinge con una mano mozzata.
6. Rendering 3D inverso
Mentre l'anamorfosi mira a far sembrare gli oggetti 2D come oggetti 3D, il rendering 3D inverso è progettato per fare l'opposto: far sembrare un oggetto 3D un disegno o un dipinto. L'artista più notevole in quest'area è Alexa Meade di Los Angeles. Lei usa non tossico colori acrilici per far sembrare le persone come dipinti bidimensionali inanimati. Un altro artista popolare è Cynthia Greig di Detroit. A differenza di Mead, Greig utilizza normali oggetti domestici piuttosto che modelli viventi. Li copre con vernice bianca e carbone per creare l'illusione dell'irrealtà.
7. Arte Ombra
Le ombre sono di natura fugace, quindi è difficile dire quando le persone hanno iniziato a usarle per la prima volta nell'arte. artisti contemporanei ha raggiunto una straordinaria maestria nel lavorare con l'ombra. Dispongono vari oggetti in modo tale da creare un'ombra da essi belle immagini persone, parole o oggetti. Poiché le ombre sono tradizionalmente associate a qualcosa di misterioso o mistico, molti artisti usano il tema dell'orrore o della devastazione nel loro lavoro.
8 Graffiti inversi
Simile alla pittura di macchine sporche, l'arte dei graffiti inversi consiste nel creare immagini rimuovendo lo sporco piuttosto che aggiungendo vernice. Gli artisti usano spesso i tubi dell'acqua per rimuovere lo sporco e lo sporco di scarico dai muri, creando immagini fantastiche. Il movimento è nato grazie a Artista inglese Paul "Moose" Curtis, che ha dipinto un quadro sul muro pieno di fumo di un ristorante dove lavava i piatti da adolescente. Un altro artista britannico, Ben Long, crea i suoi dipinti sul retro delle roulotte, usando il dito per rimuovere lo sporco dallo scarico.
9. Illusioni di body art
La pittura del corpo o body art esiste da molto tempo, anche i Maya e gli antichi egizi si sono cimentati in questa forma d'arte. L'illusione della body art moderna è la pittura del corpo umano in modo che si fonda con lo sfondo circostante o in qualche altro modo inganna l'occhio. Alcune persone si dipingono per sembrare animali o macchine, mentre altre usano la vernice per creare l'illusione di buchi nella loro pelle.
10. Grafica leggera
Ironia della sorte, alcuni dei primi tentativi di light painting non furono affatto accettati come arte. Frank e Lillian Gilbreth (personaggi del romanzo Cheaper by the Dozen) sono diventati famosi per aver aumentato l'efficienza dei lavoratori. Già nel 1914 iniziarono a utilizzare la luce e una telecamera a otturatore aperto per registrare i movimenti dei singoli dipendenti. Studiando le immagini luminose risultanti, speravano di trovare modi per rendere il lavoro più semplice e facile. Nel mondo dell'arte, questo metodo è iniziato nel 1935 quando l'artista surrealista Man Ray ha utilizzato una fotocamera con otturatore aperto per fotografarsi circondato da flussi di luce.
Uno dei modi principali in cui pensiamo. Il suo risultato è l'educazione dei più concetti generali e giudizi (astrazioni). Nell'arte decorativa, l'astrazione è il processo di stilizzazione delle forme naturali.
IN attività artistica l'astrazione è sempre presente; nella sua estrema espressione belle arti conduce all'astrattismo, direzione speciale nelle arti visive del XX secolo, caratterizzato dal rifiuto dell'immagine di oggetti reali, dall'ultima generalizzazione o dal completo rifiuto della forma, composizioni non oggettive (da linee, punti, punti, piani, ecc.), esperimenti con colore, espressione spontanea mondo interiore l'artista, il suo subconscio in forme astratte caotiche e disorganizzate (espressionismo astratto). I dipinti dell'artista russo V. Kandinsky possono essere attribuiti a questa direzione.
Rappresentanti di alcune correnti in arte astratta hanno creato strutture logicamente ordinate, riecheggiando la ricerca di un'organizzazione razionale delle forme nell'architettura e nel design (il suprematismo del pittore russo K. Malevich, il costruttivismo, ecc.) L'astrattismo si è espresso meno nella scultura che nella pittura.
L'astrattismo fu una risposta alla generale disarmonia del mondo moderno e ebbe successo perché proclamava il rifiuto del cosciente nell'arte e invitava a "cedere l'iniziativa alle forme, ai colori, ai colori".
Realismo
Da p. realismo, dal lat. realis - reale. Nell'arte in senso lato, un riflesso veritiero, obiettivo e completo della realtà con mezzi specifici inerenti ai tipi di creatività artistica.
Le caratteristiche comuni del metodo del realismo sono l'affidabilità nella riproduzione della realtà. Tuttavia, arte realistica ha una grande varietà di modi di cognizione, generalizzazione, riflessione artistica realtà (G.M. Korzhev, M.B. Grekov, A.A. Plastov, A.M. Gerasimov, T.N. Yablonskaya, P.D. Korin, ecc.)
Arte realistica del XX secolo. acquista brillante tratti nazionali e varietà di forme. Il realismo è l'opposto del modernismo.
avanguardia
Da p. avant - avanzato, garde - distacco - un concetto che definisce le imprese sperimentali e moderniste nell'arte. In ogni epoca sono sorti fenomeni innovativi nelle arti visive, ma il termine "avanguardia" è stato affermato solo all'inizio del XX secolo. In questo momento apparvero tendenze come il fauvismo, il cubismo, il futurismo, l'espressionismo, l'astrattismo. Poi, negli anni '20 e '30, il surrealismo prese posizioni d'avanguardia. Nel periodo degli anni 60-70 sono state aggiunte nuove varietà di astrattismo: varie forme di azionismo, lavoro con oggetti (pop art), arte concettuale, fotorealismo, cinetismo, ecc. Gli artisti d'avanguardia esprimono il loro tipo di protesta contro la cultura tradizionale con il loro lavoro.
In tutte le direzioni d'avanguardia, nonostante il loro grande varietà, possiamo distinguere caratteristiche comuni: il rifiuto delle norme dell'immagine classica, la novità formale, la deformazione delle forme, l'espressione e le varie trasformazioni del gioco. Tutto ciò porta a sfumare i confini tra arte e realtà (ready-made, installazione, ambiente), creando l'ideale di un'opera d'arte aperta che invade direttamente l'ambiente. L'arte dell'avanguardia è progettata per il dialogo tra l'artista e lo spettatore, l'interazione attiva di una persona con un'opera d'arte, la partecipazione alla creatività (ad esempio, arte cinetica, happening, ecc.).
Le opere delle tendenze d'avanguardia a volte perdono la loro origine pittorica e sono equiparate agli oggetti della realtà circostante. Direzioni moderne le avanguardie sono strettamente intrecciate, formando nuove forme di arte sintetica.
metropolitana
Inglese sotterraneo - sotterraneo, sotterraneo. Un concetto che significa una cultura "sotterranea" che si opponeva alle convenzioni e ai limiti della cultura tradizionale. Le mostre di artisti di questa direzione si tenevano spesso non nei salotti e nelle gallerie, ma direttamente a terra, così come nei passaggi sotterranei o nella metropolitana, che in un certo numero di paesi è chiamata metropolitana (sotterranea). Probabilmente, questa circostanza ha anche influenzato il fatto che dietro questa tendenza nell'arte del XX secolo. il nome è stato approvato.
In Russia, il concetto di underground è diventato una designazione per una comunità di artisti che rappresentano l'arte non ufficiale.
Surrealismo
Fr. surrealismo - superrealismo. Direzione nella letteratura e nell'arte del XX secolo. fondata negli anni '20. Nato in Francia per iniziativa dello scrittore A. Breton, il surrealismo divenne presto una tendenza internazionale. I surrealisti credevano che l'energia creativa provenisse dal regno del subconscio, che si manifesta durante il sonno, l'ipnosi, il delirio doloroso, le intuizioni improvvise, le azioni automatiche ( passeggiata casuale matita su carta, ecc.)
Gli artisti surrealisti, a differenza degli astrattisti, non si rifiutano di raffigurare oggetti della vita reale, ma li rappresentano nel caos, volutamente privi di relazioni logiche. L'assenza di significato, il rifiuto di un ragionevole riflesso della realtà è il principio fondamentale dell'arte del surrealismo. Sul distacco da vita reale il nome stesso della direzione parla: “sur” in francese “sopra”; gli artisti non pretendevano di riflettere la realtà, ma collocavano mentalmente le loro creazioni "al di sopra" del realismo, spacciando fantasie deliranti per opere d'arte. Sì, in numero quadri surreali includeva opere simili e inspiegabili di M. Ernst, J. Miro, I. Tanguy, nonché oggetti elaborati oltre il riconoscimento dai surrealisti (M. Oppenheim).
La direzione surrealista, guidata da S. Dali, si basava sull'illusoria precisione di riprodurre un'immagine irreale che sorge nel subconscio. I suoi dipinti si distinguono per un modo accurato di scrivere, un'accurata trasmissione del chiaroscuro, la prospettiva, tipica di pittura accademica. Lo spettatore, soccombendo alla persuasività della pittura illusoria, viene trascinato in un labirinto di inganni e misteri irrisolvibili: oggetti solidi si diffondono, oggetti densi diventano trasparenti, oggetti incompatibili si torcono e si capovolgono, volumi massicci diventano senza peso, e tutto ciò crea un'immagine ciò è impossibile nella realtà.
Questo fatto è noto. Una volta in una mostra davanti a un'opera di S. Dalì, lo spettatore è rimasto a lungo, scrutando attentamente e cercando di capirne il significato. Alla fine, in totale disperazione, disse ad alta voce: "Non capisco cosa significhi!" L'esclamazione del pubblico è stata ascoltata da S. Dali, che era alla mostra. "Come puoi capire cosa significa se non lo capisco io stesso", ha detto l'artista, esprimendo così il principio base dell'arte surrealista: dipingere senza pensare, senza pensare, abbandonando la ragione e la logica.
Le mostre di opere surrealiste erano solitamente accompagnate da scandali: il pubblico era indignato, guardando dipinti ridicoli e incomprensibili, credeva di essere stato ingannato, confuso. I surrealisti hanno incolpato il pubblico, hanno dichiarato di essere rimasti indietro, di non essere cresciuti fino alla creatività degli artisti "avanzati".
Le caratteristiche generali dell'arte del surrealismo sono la fantasia dell'assurdo, l'alogismo, le combinazioni paradossali di forme, l'instabilità visiva, la variabilità delle immagini. Gli artisti si sono rivolti all'imitazione dell'arte primitiva, alla creatività dei bambini e dei malati di mente.
Gli artisti di questa tendenza volevano creare sulle loro tele una realtà che non riflettesse la realtà suggerita dal subconscio, ma in pratica ciò ha portato alla creazione di immagini patologicamente ripugnanti, eclettismo e kitsch (tedesco - kitsch; produzione di massa economica e insapore progettata per effetto esterno).
Alcuni dei reperti surrealisti sono stati utilizzati in aree commerciali. arte decorativa, Per esempio illusioni ottiche, che consente di vedere due diverse immagini o scene in un'unica immagine, a seconda della direzione della vista.
Le opere dei surrealisti evocano le associazioni più complesse, possono essere identificate nella nostra percezione con il male. Visioni terrificanti e sogni idilliaci, rivolta, disperazione: questi sentimenti sono presenti varie opzioni appaiono nelle opere dei surrealisti, influenzando attivamente lo spettatore, l'assurdità delle opere del surrealismo colpisce l'immaginazione associativa e la psiche.
Il surrealismo è un fenomeno artistico controverso. Molte figure culturali veramente avanzate, rendendosi conto che questa tendenza distrugge l'arte, hanno successivamente abbandonato le visioni surreali (artisti P. Picasso, P. Klee e altri, poeti F. Lorca, P. Neruda, regista spagnolo L. Bunuel, che ha realizzato film surrealisti). Verso la metà degli anni '60, il surrealismo aveva lasciato il posto a nuovi filoni di modernismo ancora più appariscenti, ma stravaganti, per la maggior parte le opere brutte e insignificanti dei surrealisti riempiono ancora le sale dei musei.
Modernismo
Fr. modernismo, dal lat. modernus - nuovo, moderno. La designazione collettiva di tutte le ultime tendenze, direzioni, scuole e attività dei singoli maestri d'arte del XX secolo, rompendo con la tradizione, il realismo e considerando l'esperimento come base metodo creativo(fauvismo, espressionismo, cubismo, futurismo, astrattismo, dadaismo, surrealismo, pop art, op art, arte cinetica, iperrealismo, ecc.). Il modernismo ha un significato vicino all'avanguardia ed è opposto all'accademismo. Il modernismo è stato valutato negativamente dai critici d'arte sovietici come fenomeno di crisi cultura borghese. L'arte ha la libertà di scegliere la sua percorsi storici. Le contraddizioni del modernismo, in quanto tale, devono essere considerate non staticamente, ma nella dinamica storica.
Pop Art
Inglese pop Art, dall'arte popolare - arte popolare. Una tendenza nell'arte dell'Europa occidentale e degli Stati Uniti dalla fine degli anni '50. Il periodo di massimo splendore della pop art arrivò nei turbolenti anni '60, quando scoppiarono rivolte giovanili in molti paesi dell'Europa e dell'America. Il movimento giovanile non aveva un unico obiettivo: era unito dal pathos della negazione.
I giovani erano pronti a gettare in mare tutta la cultura del passato. Tutto ciò trova riscontro nell'art.
Una caratteristica distintiva della pop art è la combinazione di sfida e indifferenza. Tutto è ugualmente prezioso o ugualmente inestimabile, ugualmente bello o ugualmente brutto, ugualmente degno o non degno. Forse solo attività pubblicitaria basato sullo stesso atteggiamento spassionatamente professionale verso tutto nel mondo. Non è un caso che sia stata la pubblicità ad avere un enorme impatto sulla pop art, e molti dei suoi rappresentanti hanno lavorato e lavorano ancora nei centri pubblicitari. I creatori di spot pubblicitari e spettacoli sono in grado di fare a pezzi e metterli insieme nella combinazione di cui hanno bisogno detersivo in polvere E famoso capolavoro arte, dentifricio e la fuga di Bach. La pop art fa lo stesso.
motivi cultura di massa sfruttato dalla pop art in diversi modi. Introdotto nell'immagine attraverso un collage o fotografie oggetti reali, di regola, in combinazioni inaspettate o del tutto assurde (R. Rauschenberg, E. War Hall, R. Hamilton). La pittura può imitare le tecniche compositive e la tecnica dei cartelloni pubblicitari, un'immagine di un fumetto può essere ingrandita fino alle dimensioni di una grande tela (R. Lichtenstein). La scultura può essere combinata con i manichini. Ad esempio, l'artista K. Oldenburg ha creato la somiglianza dei modelli da esposizione prodotti alimentari dimensioni enormi da materiali insoliti.
Spesso non c'è confine tra scultura e pittura. Un'opera d'arte della pop art spesso non solo ha tre dimensioni, ma riempie anche l'intero spazio espositivo. A causa di tali trasformazioni, l'immagine originale di un oggetto della cultura di massa viene trasformata e percepita in modo completamente diverso rispetto a un vero ambiente quotidiano.
La categoria principale della pop art non è un'immagine artistica, ma la sua "designazione", che salva l'autore dal processo artificiale della sua creazione, l'immagine di qualcosa (M. Duchamp). Questo processo è stato introdotto per espandere il concetto di arte e includervi attività non artistiche, "uscita" dell'arte nel campo della cultura di massa. Gli artisti della pop art sono stati gli iniziatori di forme come l'evento, l'installazione di oggetti, l'ambiente e altre forme arte concettuale. Tendenze simili: underground, iperrealismo, op-art, ready-made, ecc.
Opera d'arte
Inglese arte op, abbreviato. dall'arte ottica - arte ottica. Una tendenza nell'arte del XX secolo, che si è diffusa negli anni '60. Gli artisti dell'op art hanno usato vari illusioni visive, basato sulle caratteristiche della percezione di figure piatte e spaziali. Gli effetti del movimento spaziale, della fusione, delle forme fluttuanti sono stati raggiunti dall'introduzione di ripetizioni ritmiche, colori netti e contrasti tonali, l'intersezione di configurazioni a spirale e reticolo, linee tortuose. Nell'op art, venivano spesso utilizzate installazioni di luce mutevole, costruzioni dinamiche (discusse più avanti nella sezione sull'arte cinetica). Illusioni di movimento fluido, un successivo cambiamento di immagini, una forma instabile, che si ricostruisce continuamente, sorgono nell'op art solo nella sensazione dello spettatore. La direzione continua la linea tecnica del modernismo.
arte cinetica
Dal gr. kinetikos: messa in moto. Una tendenza nell'arte contemporanea associata all'uso diffuso di strutture in movimento e altri elementi di dinamica. Tipo cinetico direzione indipendente prese forma nella seconda metà degli anni Cinquanta, ma fu preceduto da esperimenti nella creazione di plasticità dinamica nel costruttivismo russo (V. Tatlin, K. Melnikov, A. Rodchenko), dadaismo.
Prima arte popolare ci ha anche mostrato campioni di oggetti e giocattoli in movimento, come uccelli della felicità in legno della regione di Arkhangelsk, giocattoli meccanici che imitano i processi lavorativi del villaggio di Bogorodskoye, ecc.
Nell'arte cinetica, il movimento viene introdotto in modi diversi, alcune opere vengono trasformate dinamicamente dallo spettatore stesso, altre - dalle fluttuazioni dell'ambiente aereo, e altre ancora sono messe in moto da un motore o da forze elettromagnetiche. Infinita varietà di materiali utilizzati, dal tradizionale all'ultramoderno mezzi tecnici fino a computer e laser. Gli specchi sono spesso usati nelle composizioni cinetiche.
In molti casi, l'illusione del movimento viene creata cambiando l'illuminazione: qui il cinetismo si fonde con l'op art. Le tecniche cinetiche trovano largo impiego nell'organizzazione di mostre, fiere, discoteche, nella progettazione di piazze, parchi, interni pubblici.
Il cinetismo mira alla sintesi delle arti: il movimento di un oggetto nello spazio può essere integrato da effetti di luce, suoni, musica leggera, un film, ecc.
Tecniche dell'arte moderna (avanguardia).
iperrealismo
Inglese iperrealismo. Una direzione nella pittura e nella scultura nata negli Stati Uniti e diventata un evento nel mondo delle belle arti negli anni '70 del XX secolo.
Un altro nome per iperrealismo è fotorealismo.
Gli artisti di questa tendenza hanno imitato una foto con mezzi pittorici su tela. Hanno rappresentato il mondo città moderna: vetrine e ristoranti, stazioni della metropolitana e semafori, edifici residenziali e passanti per strada. In cui Attenzione speciale rivolto a superfici lucide e riflettenti: vetro, plastica, lucido per auto, ecc. Il gioco di riflessi su tali superfici crea l'impressione di compenetrazione degli spazi.
L'obiettivo degli iperrealisti era rappresentare il mondo non solo in modo affidabile, ma super probabile, super reale. Per questo hanno usato metodi meccanici copiare le foto e ingrandirle fino alle dimensioni di una grande tela (proiezione dall'alto e griglia di scala). La vernice, di regola, veniva spruzzata con un aerografo per preservare tutte le caratteristiche dell'immagine fotografica, per escludere la manifestazione della calligrafia individuale dell'artista.
Inoltre, i visitatori delle mostre in questa direzione potrebbero incontrarsi nelle sale figure umane, realizzati con moderni materiali polimerici a grandezza naturale, vestiti con un abito già pronto e dipinti in modo tale da non differire affatto dal pubblico. Ciò ha causato molta confusione e persone scioccate.
Il fotorealismo si è posto il compito di affinare la nostra percezione della vita quotidiana, simbolizzando ambiente moderno, per riflettere il nostro tempo nelle forme delle "arti tecniche" che si sono diffuse proprio nella nostra era di progresso tecnologico. Fissare ed esporre la modernità, nascondere le emozioni dell'autore, il fotorealismo nelle sue opere programmatiche era al limite. arti visive e quasi l'ha attraversato, perché ha cercato di competere con la vita stessa.
Pronto
Inglese pronto - pronto. Una delle tecniche comuni dell'arte moderna (avanguardia), che consiste nel fatto che il soggetto della produzione industriale esce dal solito ambiente quotidiano ed è esposto in sala espositiva.
Il significato del readymade è il seguente: quando l'ambiente cambia, cambia anche la percezione dell'oggetto. Lo spettatore vede nell'oggetto sul podio, non una cosa utilitaristica, ma un oggetto artistico, l'espressività della forma e del colore. Il nome readymade fu usato per la prima volta nel 1913-1917 da M. Duchamp in relazione ai suoi "oggetti già pronti" (pettine, ruota di bicicletta, asciugabiberon). Negli anni '60 il ready-made si diffuse in vari ambiti dell'arte d'avanguardia, soprattutto nel dadaismo.
installazione
Dall'inglese. installazione - installazione. Composizione spaziale creata dall'artista da vari elementi - articoli casalinghi, prodotti e materiali industriali, oggetti naturali, testo o informazioni visive. I fondatori dell'installazione sono stati il dadaista M. Duchamp ei surrealisti. Creando combinazioni insolite di cose ordinarie, l'artista conferisce loro un nuovo significato simbolico. Contenuto estetico dell'installazione nel gioco significati semantici, che cambiano a seconda di dove si trova l'oggetto: in un ambiente domestico familiare o in una sala espositiva. L'installazione è stata creata da molti artisti d'avanguardia R. Rauschenberg, D. Dine, G. Ucker, I. Kabakov.
L'installazione è una forma d'arte diffusa nel XX secolo.
Ambiente
Inglese ambiente - ambiente, ambiente. Un'ampia composizione spaziale, che abbraccia lo spettatore come un ambiente reale, è una delle forme caratteristiche dell'arte d'avanguardia degli anni '60 e '70. L'ambiente naturalistico che imita un interno con figure di persone è stato creato da sculture di D. Segal, E. Kienholz, K. Oldenburg, D. Hanson. Tali ripetizioni della realtà potrebbero includere elementi di finzione delirante. Un altro tipo di ambiente è uno spazio di gioco che coinvolge determinate azioni del pubblico.
Succedendo
Inglese accadendo - accadendo, accadendo. Una sorta di azionismo, il più comune nell'arte d'avanguardia degli anni '60 e '70. Happening si sviluppa come un evento, piuttosto provocato che organizzato, ma gli iniziatori dell'azione coinvolgono necessariamente il pubblico in esso. Happening è nato alla fine degli anni '50 come una forma di teatro. In futuro, gli artisti saranno spesso coinvolti nell'organizzazione di eventi direttamente nell'ambiente urbano o nella natura.
Considerano questa forma come una sorta di opera in movimento in cui l'ambiente, gli oggetti giocano un ruolo non inferiore ai partecipanti viventi all'azione.
L'azione dell'happening provoca la libertà di ogni partecipante e la manipolazione degli oggetti. Tutte le azioni si sviluppano secondo un programma precedentemente pianificato, in cui però viene data grande importanza all'improvvisazione, che dà sfogo a vari impulsi inconsci. Happening può includere elementi di umorismo e folklore. L'happening ha espresso chiaramente il desiderio dell'avanguardia di fondere l'arte con il corso della vita stessa.
E infine il più avanzato arte contemporanea- Superaereo
Superaereo
Superflat è un termine coniato dall'artista giapponese contemporaneo Takashi Murakami.
Il termine Superflat è stato creato per spiegare il nuovo linguaggio visivo utilizzato attivamente dalla generazione dei giovani. artisti giapponesi, come Takashi Murakami: “Ho pensato alla realtà Modello giapponese e la pittura e come differiscono da Arte occidentale. Per il Giappone, la sensazione di piattezza è importante. La nostra cultura non è 3D. Le forme 2D stabilite nella pittura storica giapponese sono simili al linguaggio visivo semplice e piatto dell'animazione moderna, dei fumetti e del design grafico".
Gli artisti del passato difficilmente potevano immaginare quali strane forme avrebbe assunto l'arte contemporanea.
E questo ha assunto le seguenti forme:
1. Anamorfosi. Questo tipo di arte moderna implica una tecnica di rappresentazione che può essere pienamente compresa guardandola solo con determinato luogo o sotto certo angolo. Alcuni dipinti possono essere visti solo guardandoli allo specchio. Questa forma d'arte apparve durante il periodo di Leonardo da Vinci (XV secolo).
Nel corso dei secoli si è sviluppata l'anamorfosi forma moderna sembra arte di strada. Con questo tipo di disegni, gli artisti imitano davvero le crepe nel terreno o i buchi nei muri.
Opera di Istvan Oros
2. Fotorealismo. Questo tipo di arte è nato negli anni '60 del secolo scorso e gli artisti hanno cercato di riprodurlo immagini realistiche, che non differirebbe dalla fotografia. I più piccoli dettagli catturati dalla fotocamera hanno creato "l'immagine dell'immagine della vita". I critici sono ambivalenti sul fotorealismo, alcuni di loro ritengono che la produzione meccanica di oggetti d'arte prevalga piuttosto sulle idee e sullo stile.
3. Disegni su macchine sporche. I professionisti di questa forma d'arte non cercano di rappresentare macchina sporca scritta banale "lavami". Gli specialisti usano pennelli e pennelli speciali per il loro lavoro. In quest'area, il 52esimo Scott Wade (grafico) è considerato il maestro principale. Ha creato molti disegni originali e sorprendenti usando nient'altro che lo sporco sui finestrini delle auto. A proposito, ha iniziato usando uno strato di polvere sulle strade del Texas come tela. Lì ha disegnato caricature usando piccoli rami e le sue stesse dita.
Oggi, Wade è invitato a promuovere i suoi prodotti da grandi aziende e mostre d'arte.
Il lavoro di Scott Wade
4. L'uso di fluidi corporei per la produzione di opere d'arte. Questo è naturalmente strano, ma molti artisti usano i loro fluidi corporei nel loro lavoro. Qualunque persona istruita ne ha sentito parlare, ma al 100% ciò di cui ha sentito parlare è solo "la punta di uno spiacevole iceberg".
Ad esempio, Hermann Nitsch, un artista austriaco, usa la sua urina o il sangue del bestiame per il suo lavoro. Queste dipendenze sono apparse durante la seconda guerra mondiale, quando era bambino. E ora, a causa della sua dipendenza da un'insolita forma d'arte, è stato assicurato più volte alla giustizia.
L'artista brasiliano Vinicius Quesada usa solo il proprio sangue nelle sue opere, senza ricorrere al sangue degli animali. I suoi dipinti hanno una sfumatura malaticcia di verde, giallo e rosso e si esprimono in un'atmosfera surreale molto cupa.
Hermann Nitsch e il suo lavoro
5. Dipinti con il mio corpo. Nell'arte contemporanea, non sono popolari solo gli artisti che usano i propri fluidi corporei per produrre dipinti. Abbastanza famosi e richiesti sono i maestri che scrivono opere con il proprio corpo.
Kira Ain Warseji crea ritratti astratti usando i suoi seni. È stata criticata parecchio per questo. Tuttavia, questa donna è un'artista a tutti gli effetti che lavora secondo lo schema classico, utilizzando colori e pennelli.
Ce n'è dell'altro strani artisti che, invece di un pennello, usano parti del corpo del tutto non destinate a questo scopo. Ad esempio, Ani K. - disegna con la lingua e Stephen Marmer ( insegnante di scuola) - disegna i glutei.
"Ani K al lavoro"
6. Immagine 3D. al massimo artista famoso in questa zona c'è un maestro di Los Angeles Mead Alexa. Il suo lavoro utilizza vernice acrilica non tossica, facendo sembrare i suoi assistenti come dipinti bidimensionali inanimati. Mead ha presentato la sua tecnica al pubblico nel 2009. Un'altra figura significativa nel campo è l'artista e fotografa di Detroit Cynthia Greig. Nelle sue opere d'arte utilizza oggetti domestici ordinari e pratici, piuttosto che persone. Li copre con vernice bianca o carbone. Da questo, le cose dal lato sembrano piatte e bidimensionali.
Una delle opere di Alexa Meade
7. Arte e ombre. Non si sa esattamente quando l'umanità iniziò a usare l'ombra per le opere d'arte. Ma, nonostante tutto, gli artisti contemporanei hanno raggiunto vette senza precedenti. I maestri usano le ombre per posizionare vari oggetti e persino per creare immagini d'ombra di parole, oggetti e persone.
L'arte delle ombre ha una reputazione leggermente inquietante, tuttavia, ciò non impedisce agli "artisti delle ombre" di utilizzare questo stile per sviluppare temi di devastazione, declino, orrore.
L'opera dell'artista Teodosio Aurea
8. "Graffiti al contrario". Questa forma d'arte prevede la creazione di dipinti rimuovendo lo sporco, ma senza aggiungere vernice. Molto spesso, gli artisti usano le lavatrici per rimuovere lo sporco dalle facciate delle case, mentre creano bellissime opere d'arte. Questo tipo l'arte dal pubblico è considerata piuttosto controversa, motivo per cui le persone che si dedicano ai "graffiti al contrario" hanno quasi sempre scontri con la polizia.
Il lavoro dell'artista Moose
9. Illusioni di body art. L'umanità è stata impegnata a disegnare sul corpo letteralmente sin dal suo inizio. Sia i Maya che gli antichi egizi praticavano la body art. Questo tipo di arte comporta l'utilizzo del corpo umano come tela su cui creare un'opera d'arte capace di angoli diversi ingannare l'osservatore. Le illusioni sul corpo possono sembrare una ferita, un'auto o un animale. Il maestro giapponese Hikaru Cho è diventato famoso per aver disegnato personaggi dei cartoni animati sul corpo umano.
Opera di Hikaru Cho
10. Disegnare con la luce. Il disegno con la luce iniziò ad essere utilizzato nel 1914, per scopi pratici: durante la produzione, le autorità registravano il movimento dei lavoratori. Dopo aver analizzato i dati, i dipendenti si sono licenziati o hanno cercato modi per trovare un modo più semplice per il personale di lavorare.
Nel 1935, l'artista surrealista Man Ray usò una macchina fotografica con otturatore aperto per fotografarsi in piedi in flussi di luce. Per molto tempo nessuno poteva indovinare che tipo di riccioli di luce fossero visualizzati nella foto. Solo nel 2009, grazie a progresso tecnico divenne chiaro che questi non erano riccioli casuali, ma un'immagine speculare della firma dell'artista stesso.
L'arte moderna è chiamata tutti i tipi di correnti artistiche istituita alla fine del XX secolo. Nel dopoguerra è stata una sorta di sfogo che ha insegnato ancora una volta a sognare e inventare nuove realtà della vita.
Stanchi delle catene delle dure regole del passato, i giovani artisti hanno deciso di infrangere le vecchie norme artistiche. Hanno cercato di creare nuove pratiche precedentemente sconosciute. Opponendosi al modernismo, si sono rivolti a nuovi modi di rivelare le loro storie. L'artista e il concetto alla base della sua creazione sono diventati molto più importanti del risultato finale. attività creativa. Il desiderio di allontanarsi dal quadro eretto ha portato all'emergere di nuovi generi.
Cominciarono a sorgere controversie tra gli artisti sul significato dell'arte e sui modi di esprimerla. Cos'è l'arte? Con quali mezzi si può raggiungere la vera arte? Concettualisti e minimalisti hanno trovato la risposta da soli nella frase: "Se l'arte può essere tutto, allora non può essere niente". Per loro, una partenza dal solito mezzi visivi ha portato a varie azioni, avvenimenti e spettacoli. Qual è la particolarità dell'arte contemporanea nel XXI secolo? Questo è ciò di cui parleremo nell'articolo.
La grafica tridimensionale nell'arte del XXI secolo
L'arte del 21° secolo nella grafica 3D è famosa. Con lo sviluppo informatica gli artisti hanno avuto accesso a nuovi mezzi per creare la loro arte. L'essenza della grafica tridimensionale è creare immagini modellando oggetti nello spazio tridimensionale. Se consideriamo la maggior parte delle forme d'arte moderna del 21° secolo, la creazione di immagini tridimensionali sarà la più tradizionale. La grafica 3D ha molti lati, in letteralmente questa parola. Viene utilizzato durante la creazione di programmi, giochi, immagini e video su un computer. Ma può anche essere visto proprio sotto i tuoi piedi, sul marciapiede.
La grafica tridimensionale si è spostata nelle strade diversi decenni fa e da allora è rimasta una delle forme più importanti di street art. Molti artisti disegnano immagini tridimensionali sui loro "quadri" che possono stupire con il loro realismo. Edgar Müller, Eduardo Rolero, Kurt Wenner e molti altri artisti contemporanei oggi creano arte che può sorprendere chiunque.
Arte di strada del 21° secolo
In precedenza, l'occupazione era la sorte delle persone benestanti. Per secoli è stato nascosto dalle mura di istituzioni speciali, dove l'accesso ai non iniziati era chiuso. Ovviamente, la sua forza grandiosa non poteva languire per sempre all'interno di edifici soffocanti. Fu allora che uscì - nelle strade grigie e cupe. Scelto per cambiare la tua storia per sempre. Anche se all'inizio non è stato così facile.
Non tutti erano contenti della sua nascita. Molti lo consideravano il risultato di una brutta esperienza. Alcuni si sono persino rifiutati di prestare attenzione alla sua esistenza. Nel frattempo, l'idea ha continuato a crescere e svilupparsi.
Gli artisti di strada hanno affrontato difficoltà lungo la strada. Con tutta la sua varietà di forme, l'arte di strada a volte era difficile da distinguere dal vandalismo.
Tutto è iniziato negli anni '70 del secolo scorso a New York. A quel tempo, la street art era agli inizi. E Julio 204 e Taki 183 hanno sostenuto la sua vita, lasciando delle iscrizioni luoghi differenti della loro area, dopo aver ampliato il territorio di distribuzione. Altri ragazzi hanno deciso di competere con loro. Fu allora che iniziò il più interessante. Entusiasmo e voglia di mettersi in mostra sfociarono in una battaglia di creatività. Tutti erano desiderosi di scoprire per sé e per gli altri un modo più originale per lasciare il segno.
Nel 1981 arte di strada riuscì ad attraversare l'oceano. In questo è stato aiutato da un artista di strada dalla Francia BlekleRat. È considerato uno dei primi artisti di graffiti a Parigi. È anche chiamato il padre dei graffiti con gli stencil. Il suo tocco distintivo sono i disegni di topi, che si riferiscono al nome del loro creatore. L'autore ha notato che dopo aver riorganizzato le lettere nella parola rat (ratto), si ottiene l'arte (arte). Blek una volta ha osservato: "Il topo è l'unico animale libero a Parigi che va ovunque, proprio come l'arte di strada".
il più famoso artista di stradaè Banksy, che chiama BlekleRat il suo insegnante principale. Il lavoro di attualità di questo talentuoso britannico è in grado di mettere a tacere tutti. Nei suoi disegni, realizzati con gli stampini, denuncia la società moderna con i suoi vizi. Banksy tende ad essere tradizionale, permettendoti di lasciare un'impressione ancora maggiore sul pubblico. Un fatto interessante è che fino ad ora l'identità di Banksy è avvolta nel mistero. Nessuno è ancora riuscito a risolvere l'enigma della personalità dell'artista.
Nel frattempo, la street art sta rapidamente guadagnando slancio. Un tempo relegata a correnti marginali, la street art è salita al palcoscenico delle aste. Le opere degli artisti vengono vendute per somme favolose da chi un tempo si rifiutava di parlarne. Cos'è, la forza vivificante dell'arte o le tendenze tradizionali?
Forme
Ad oggi, ci sono diverse manifestazioni piuttosto interessanti dell'arte contemporanea. Panoramica delle forme più insolite dell'arte contemporanea verrà portato alla vostra attenzione di seguito.
Pronto
Il termine readymade deriva dall'inglese, che significa "pronto". In sostanza, l'obiettivo questa direzione non è la creazione di qualcosa di materiale. L'idea principale qui è che a seconda dell'ambiente di un oggetto, la percezione di una persona e dell'oggetto stesso cambia. L'antenato della corrente è Marcel Duchamp. La sua opera più famosa è "Fontana", che è un orinatoio con autografo e data.
Anamorfosi
Le anamorfosi sono chiamate la tecnica per creare immagini in modo tale che sia possibile vederle completamente solo da una certa angolazione. Uno di rappresentanti di spicco di questa tendenza è il francese Bernard Pras. Crea installazioni utilizzando qualsiasi cosa gli capiti a portata di mano. Grazie alla sua abilità, riesce a creare opere straordinarie, che però può essere visto solo da una certa angolazione.
Fluidi biologici nell'art
Una delle correnti più controverse nell'arte moderna del XXI secolo è il disegno, dipinto con fluidi umani. Spesso i seguaci di questa forma d'arte moderna usano sangue e urina. Il colore dei dipinti in questo caso assume spesso un aspetto cupo e spaventoso. Herman Nitsch, ad esempio, utilizza sangue animale e urina. L'autore spiega l'uso di materiali così inaspettati dall'infanzia difficile che arrivò durante la seconda guerra mondiale.
Dipinto del XX-XXI secolo
Una breve storia della pittura contiene informazioni che sono diventate la fine del XX secolo Punto di partenza per molti iconici artisti contemporanei. In pesante anni del dopoguerra Il campo ha attraversato una rinascita. Gli artisti hanno cercato di scoprire nuove sfaccettature delle loro capacità.
Suprematismo
Kazimir Malevich è considerato il creatore del suprematismo. Essendo il principale teorico, ha proclamato il suprematismo come un modo per purificare l'arte da tutto ciò che è superfluo. Rifiutando i soliti modi di trasmettere l'immagine, gli artisti hanno cercato di liberare l'arte dal non artistico. Il lavoro più importante in questo genere funge da famoso "Quadrato nero" di Malevich.
Pop Art
La pop art ha le sue origini negli Stati Uniti. Negli anni del dopoguerra, la società ha vissuto cambiamenti globali. La gente ora potrebbe permettersi di più. Il consumo è diventato parte essenziale vita. Le persone iniziarono ad essere erette in un culto e i prodotti di consumo in simboli. Jasper Johns, Andy Warhol e altri seguaci della corrente hanno cercato di utilizzare questi simboli nei loro dipinti.
Futurismo
Il futurismo è stato scoperto nel 1910. L'idea principale di questa tendenza era il desiderio di un nuovo, la distruzione del quadro del passato. Gli artisti hanno rappresentato questo desiderio con l'aiuto di una tecnica speciale. Tratti netti, influssi, connessioni e intersezioni sono segni di futurismo. Maggior parte noti rappresentanti Futurismo sono Marinetti, Severini, Carrà.
Arte Contemporanea in Russia nel XXI secolo
L'arte contemporanea in Russia (21 ° secolo) è fluita dolcemente dall'arte sotterranea e "non ufficiale" dell'URSS. I giovani artisti degli anni '90 cercavano nuovi modi per realizzare le loro ambizioni artistiche nuovo paese. In questo momento è nato l'azionismo di Mosca. I suoi seguaci hanno sfidato il passato e la sua ideologia. Distruzione dei confini (direttamente e figuratamente parole) ha permesso di rappresentare la relazione nuove generazioni alla situazione del paese. L'arte contemporanea del 21° secolo è diventata espressiva, spaventosa, scioccante. Quello da cui la società ha chiuso per così tanto tempo. Azioni di Anatoly Osmolovsky ("Mayakovsky - Osmolovsky", "Against All", "Barricade on Bolshaya Nikitskaya"), il movimento "ETI" ("ETI-text"), Oleg Kulik ("Piglet distribuisce regali", "Mad Dog o l'ultimo tabù custodito da un solitario Cerberus"), Avdey Ter-Oganyan ("Pop Art") ha cambiato per sempre la storia dell'arte contemporanea.
Nuova generazione
Slava ATGM è un artista contemporaneo di Ekaterinburg. Alcuni dei suoi lavori potrebbero ricordare il lavoro di Banksy. Tuttavia, le opere di Slava portano idee e sentimenti familiari solo a un cittadino russo. Una delle sue opere più importanti è la campagna "Land of Opportunities". L'artista ha creato un'iscrizione fatta di stampelle sull'edificio di un ospedale abbandonato a Ekaterinburg. Slava ha acquistato le stampelle dagli abitanti della città, che una volta le usavano. L'artista ha annunciato l'azione sulla pagina in rete sociale, integrato da un appello ai concittadini.
Musei di arte moderna
Forse, una volta l'arte moderna del XXI secolo sembrava essere un ambiente marginale, ma oggi tutto più persone cercare di entrare in un nuovo campo dell'arte. Tutto più musei aprire le porte a nuovi mezzi di espressione. New York detiene il record per l'arte contemporanea. Ci sono anche due musei che sono tra i migliori al mondo.
Il primo è il MoMA, che è un deposito di dipinti di Matisse, Dalì, Warhol. Il secondo è un museo L'insolita architettura dell'edificio è adiacente alle creazioni di Picasso, Marc Chagall, Kandinsky e molti altri.
L'Europa è famosa anche per i suoi magnifici musei di arte contemporanea del XXI secolo. Il museo KIASMA di Helsinki ti permette di toccare con mano gli oggetti della mostra. Il centro della capitale della Francia colpisce per l'architettura insolita e le opere di artisti contemporanei. Lo Stedelijkmuseum di Amsterdam ospita la più grande collezione di dipinti di Malevich. nella capitale della Gran Bretagna ha un numero enorme di oggetti d'arte moderna. Il Museo di arte moderna di Vienna ha opere di Andy Warhol e altri talentuosi artisti contemporanei.
L'arte moderna del 21 ° secolo (pittura) - misteriosa, incomprensibile, ammaliante, ha cambiato per sempre il vettore di sviluppo non solo di una sfera separata, ma dell'intera vita dell'umanità. Riflette e crea la modernità allo stesso tempo. In continua evoluzione, l'arte della modernità consente a una persona che ha costantemente fretta di fermarsi un momento. Fai una pausa per ricordare i sentimenti nel profondo. Fermati per riprendere il ritmo e precipitarti nel vortice di eventi e affari.
L'arte è creata per deliziare, sorprendere e talvolta scioccare il pubblico.
I creativi sono sempre un po' pazzi. La loro fantasia non ha limiti. Davanti a te - i tipi più insoliti di arte contemporanea.
1. L'anamorfosi è una tecnica per creare immagini che possono essere pienamente comprese solo da un certo punto o angolo. In alcuni casi, un'immagine normale appare solo se si guarda l'immagine attraverso uno specchio. Uno dei primi esempi conosciuti di anamorfosi sono alcuni degli scritti di Leonardo da Vinci datati al XV secolo.
2. Fotorealismo. Il movimento fotorealista è emerso negli anni '60. I creatori hanno cercato di creare immagini incredibilmente realistiche che non fossero diverse dalle fotografie. Hanno copiato anche i più piccoli dettagli dalle fotografie, creando i propri dipinti. C'è anche un movimento chiamato superrealismo, o iperrealismo, che abbraccia sia la scultura che la pittura. Era piuttosto influenzato dalla moderna cultura della pop art.
3. Dipingere auto sporche. Disegnare su un'auto non lavata spesso non è considerata arte alta, poiché la maggior parte di questi "artisti" raramente scrive qualcosa di più di "lavami". Ma un designer americano di 52 anni di nome Scott Wade è diventato famoso per i suoi incredibili disegni che crea sui finestrini delle auto spolverate dalle strade del Texas. Wade originariamente dipingeva sui finestrini delle auto con le dita o con i bastoncini, ma ora usa strumenti e pennelli speciali.
4. Uso di fluidi corporei di cui all'art. Può sembrare strano, ma ci sono molti artisti che creano le loro opere utilizzando i fluidi corporei. Ad esempio, l'artista austriaco Hermann Nitsch usa l'urina e un'enorme quantità di sangue animale nel suo lavoro. L'artista brasiliano Vinicius Quesada è ben noto per la sua serie di dipinti intitolata Blood and Piss Blues. Sorprendentemente, Quesada funziona solo con il proprio sangue. I suoi dipinti creano un'atmosfera oscura e surreale.
5. Disegnare con parti del corpo. Recentemente è cresciuta la popolarità degli artisti che usano parti del proprio corpo per disegnare. Ad esempio, Tim Patch, noto con lo pseudonimo di "Pricasso" (in onore del grande artista spagnolo Pablo Picasso), disegna con il suo ... organo riproduttivo. Inoltre, l'artista australiano di 65 anni usa regolarmente i glutei e lo scroto come pennello. Patch fa questo tipo di lavoro da più di dieci anni e la sua popolarità cresce ogni anno.
6. Visualizzazione 3D inversa. Mentre l'anamorfosi mira a far sembrare gli oggetti 2D come oggetti 3D, il rendering 3D inverso è progettato per fare l'opposto: far sembrare un oggetto 3D un disegno o un dipinto. L'artista più notevole in quest'area è Alexa Meade di Los Angeles. Usa vernici acriliche non tossiche per far sembrare le persone dipinti inanimati bidimensionali.
7. Arte dell'ombra. Le ombre sono di natura fugace, quindi è difficile dire quando le persone hanno iniziato a usarle per la prima volta nell'arte. Gli artisti contemporanei hanno raggiunto una straordinaria padronanza del lavoro con le ombre. Dispongono vari oggetti in modo tale che l'ombra da essi crei bellissime immagini di persone, parole o oggetti. Poiché le ombre sono tradizionalmente associate a qualcosa di misterioso o mistico, molti artisti usano il tema dell'orrore o della devastazione nel loro lavoro.
8. Graffiti inversi. Simile alla pittura di macchine sporche, l'arte dei graffiti inversi consiste nel creare immagini rimuovendo lo sporco piuttosto che aggiungendo vernice. Gli artisti usano spesso tubi pieni d'acqua per rimuovere lo sporco e lo sporco di scarico dai muri, creando dipinti sorprendenti. Il movimento ha avuto origine con l'artista inglese Paul "Moose" Curtis, che ha dipinto un dipinto sul muro pieno di fumo di un ristorante dove lavava i piatti da adolescente. Un altro artista britannico, Ben Long, crea i suoi dipinti sul retro delle roulotte, usando il dito per rimuovere lo sporco dallo scarico.