"Giocatori di carte"
Autore
Paolo Cézanne
Un paese Francia
Anni di vita 1839–1906
Stile post impressionismo
L'artista è nato nel sud della Francia, nella piccola città di Aix-en-Provence, ma ha iniziato a dipingere a Parigi. Il vero successo arrivò dopo una mostra personale organizzata dal collezionista Ambroise Vollard. Nel 1886, 20 anni prima della sua partenza, si trasferì alla periferia della sua città natale. I giovani artisti chiamavano i suoi viaggi "un pellegrinaggio ad Aix".
130x97 centimetri
1895
prezzo
$ 250 milioni
venduto nel 2012
all'asta privata
Il lavoro di Cézanne è facile da capire. L'unica regola dell'artista era il trasferimento diretto del soggetto o della trama sulla tela, quindi i suoi dipinti non provocano sconcerto nello spettatore. Cézanne ha unito nella sua arte due principali tradizioni francesi: classicismo e romanticismo. Con l'aiuto di texture colorate, ha conferito alla forma degli oggetti una straordinaria plasticità.
Una serie di cinque dipinti "Giocatori di carte" fu scritta nel 1890-1895. La loro trama è la stessa: molte persone giocano con entusiasmo al poker. Le opere differiscono solo per il numero dei giocatori e per la dimensione della tela.
Quattro dipinti sono conservati in musei in Europa e in America (il Musée d'Orsay, il Metropolitan Museum of Art, la Barnes Foundation e il Courtauld Institute of Art), e il quinto, fino a tempi recenti, era un ornamento della collezione privata del L'armatore miliardario greco George Embirikos. Poco prima di morire, nell'inverno del 2011, decise di metterlo in vendita. I potenziali acquirenti dell'opera "gratuita" di Cezanne erano il mercante d'arte William Aquavella e il gallerista di fama mondiale Larry Gagosian, che offrirono circa 220 milioni di dollari per essa. Di conseguenza, il dipinto è andato alla famiglia reale dello stato arabo del Qatar per 250 milioni e nel febbraio 2012 è stato concluso il più grande affare d'arte nella storia della pittura. Lo ha riferito a Vanity Fair la giornalista Alexandra Pierce. Ha scoperto il costo del dipinto e il nome del nuovo proprietario, quindi l'informazione è penetrata nei media di tutto il mondo.
Nel 2010 sono stati aperti in Qatar il Museo Arabo di Arte Moderna e il Museo Nazionale del Qatar. Ora le loro collezioni stanno crescendo. Forse la quinta versione di The Card Players è stata acquistata dallo sceicco per questo scopo.
Piùfoto costosanel mondo
Proprietario
Sheikh Hamad
bin Khalifa al-Thani
La dinastia al-Thani governa il Qatar da oltre 130 anni. Circa mezzo secolo fa qui furono scoperte enormi riserve di petrolio e gas, che resero immediatamente il Qatar una delle regioni più ricche del mondo. Grazie all'esportazione di idrocarburi, questo piccolo paese ha registrato il maggiore PIL pro capite. Lo sceicco Hamad bin Khalifa al-Thani prese il potere nel 1995, mentre suo padre era in Svizzera, con il sostegno dei familiari. Il merito dell'attuale sovrano, secondo gli esperti, sta nella chiara strategia per lo sviluppo del Paese, creando un'immagine di successo dello Stato. Il Qatar ora ha una costituzione e un primo ministro, e le donne hanno ottenuto il diritto di voto alle elezioni parlamentari. A proposito, è stato l'emiro del Qatar a fondare il canale di notizie Al Jazeera. Le autorità dello stato arabo prestano grande attenzione alla cultura.
2
"Numero 5"
Autore
Jackson Pollock
Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1912–1956
Stile espressionismo astratto
Jack the Sprinkler: questo soprannome è stato dato a Pollock dal pubblico americano per la sua speciale tecnica pittorica. L'artista abbandonava pennello e cavalletto e versava la vernice sulla superficie della tela o del pannello di fibra durante un movimento continuo attorno e all'interno di essi. Fin dalla tenera età amava la filosofia di Jiddu Krishnamurti, il cui messaggio principale è che la verità viene rivelata durante una libera "effusione".
122x244 centimetri
1948
prezzo
$ 140 milioni
venduto nel 2006
all'asta Sotheby's
Il valore del lavoro di Pollock non sta nel risultato, ma nel processo. Non a caso l'autore ha chiamato la sua arte "action painting". Con la sua mano leggera, divenne la principale risorsa dell'America. Jackson Pollock mescolava la vernice con sabbia, vetri rotti e scriveva con un pezzo di cartone, una spatola, un coltello, una pala. L'artista era così popolare che negli anni '50 c'erano persino degli imitatori nell'URSS. Il dipinto "Numero 5" è riconosciuto come uno dei più strani e costosi al mondo. Uno dei fondatori della DreamWorks, David Geffen, lo acquistò per una collezione privata e nel 2006 lo vendette da Sotheby's per 140 milioni di dollari al collezionista messicano David Martinez. Tuttavia, lo studio legale ha presto emesso un comunicato stampa per conto del suo cliente, affermando che David Martinez non era il proprietario del dipinto. Solo una cosa è certa: il finanziere messicano ha infatti recentemente collezionato opere d'arte contemporanea. È improbabile che si sarebbe perso un "pesce grosso" come "Numero 5" di Pollock.
3
"Donna III"
Autore
Willem de Kooning
Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1904–1997
Stile espressionismo astratto
Originario dei Paesi Bassi, emigrò negli Stati Uniti nel 1926. Nel 1948 ebbe luogo una mostra personale dell'artista. I critici d'arte apprezzarono le complesse e nervose composizioni in bianco e nero, riconoscendo nel loro autore un grande artista modernista. Per gran parte della sua vita ha sofferto di alcolismo, ma in ogni sua opera si avverte la gioia di creare nuova arte. De Kooning si distingue per l'impulsività della pittura, i tratti ampi, motivo per cui a volte l'immagine non rientra nei confini della tela.
121x171 centimetri
1953
prezzo
$ 137 milioni
venduto nel 2006
all'asta privata
Negli anni '50, nei dipinti di de Kooning compaiono donne con gli occhi vuoti, il seno massiccio e i lineamenti brutti. "Woman III" è stata l'ultima opera di questa serie a partecipare all'asta.
Dagli anni '70, il dipinto è stato conservato nel Museo d'Arte Moderna di Teheran, ma dopo l'introduzione di rigide regole morali nel paese, hanno cercato di liberarsene. Nel 1994, l'opera fu portata fuori dall'Iran e 12 anni dopo, il suo proprietario David Geffen (lo stesso produttore che vendette "Number 5" di Jackson Pollock) vendette il dipinto al milionario Stephen Cohen per 137,5 milioni di dollari. È interessante notare che in un anno Geffen iniziò a vendere la sua collezione di dipinti. Ciò ha dato origine a molte voci: ad esempio, che il produttore avesse deciso di acquistare il Los Angeles Times.
In uno dei forum d'arte è stata espressa un'opinione sulla somiglianza di "Donna III" con il dipinto di Leonardo da Vinci "La Dama con l'ermellino". Dietro il sorriso a trentadue denti e la figura informe dell'eroina, l'intenditore d'arte discerneva la grazia di una persona di sangue reale. Ciò è evidenziato anche dalla corona scarsamente tracciata che corona la testa di una donna.
4
"Ritratto di AdeleBloch-Bauer I"
Autore
Gustav Klimt
Un paese Austria
Anni di vita 1862–1918
Stile moderno
Gustav Klimt nacque nella famiglia di un incisore ed era il secondo di sette figli. Tre figli di Ernest Klimt divennero artisti e solo Gustav divenne famoso in tutto il mondo. Ha trascorso gran parte della sua infanzia in povertà. Dopo la morte del padre, fu responsabile dell'intera famiglia. Fu in questo periodo che Klimt sviluppò il suo stile. Davanti ai suoi dipinti, qualsiasi spettatore si blocca: sotto i sottili tratti d'oro, l'erotismo schietto è chiaramente visibile.
138x136cm
1907
prezzo
$ 135 milioni
venduto nel 2006
all'asta Sotheby's
Il destino del dipinto, chiamato "La Gioconda austriaca", potrebbe facilmente diventare la base per un bestseller. Il lavoro dell'artista è diventato la causa del conflitto dell'intero stato e di una signora anziana.
Quindi, il "Ritratto di Adele Bloch-Bauer I" raffigura un'aristocratica, la moglie di Ferdinand Bloch. La sua ultima volontà fu quella di trasferire il dipinto alla Galleria di Stato austriaca. Tuttavia Bloch annullò la donazione nel suo testamento e i nazisti espropriarono il dipinto. Più tardi, la Galleria difficilmente comprò l'Adele d'oro, ma poi apparve l'ereditiera: Maria Altman, la nipote di Ferdinand Bloch.
Nel 2005 è iniziato il processo di alto profilo "Maria Altman contro la Repubblica d'Austria", a seguito del quale l'immagine "è partita" con lei a Los Angeles. L'Austria ha adottato misure senza precedenti: sono stati negoziati prestiti, la popolazione ha donato denaro per acquistare il ritratto. Il bene non ha mai vinto il male: Altman ha alzato il prezzo a 300 milioni di dollari. Al momento del processo aveva 79 anni ed è passata alla storia come la persona che ha cambiato il testamento di Bloch-Bauer a favore degli interessi personali. Il dipinto fu acquistato da Ronald Lauder, proprietario della New Gallery di New York, dove si trova ancora oggi. Non per l'Austria, per lui Altman ha ridotto il prezzo a 135 milioni di dollari.
5
"Grido"
Autore
Edvard Munch
Un paese Norvegia
Anni di vita 1863–1944
Stile espressionismo
Il primo dipinto di Munch, diventato famoso in tutto il mondo, "La ragazza malata" (esiste in cinque copie) è dedicato alla sorella dell'artista, morta di tubercolosi all'età di 15 anni. Munch è sempre stato interessato al tema della morte e della solitudine. In Germania la sua pittura pesante e maniacale provocò addirittura uno scandalo. Tuttavia, nonostante le trame deprimenti, i suoi dipinti hanno un magnetismo speciale. Prendi almeno "Scream".
73,5x91 cm
1895
prezzo
$ 119,992 milioni
venduto 2012
all'asta Sotheby's
Il nome completo del dipinto è Der Schrei der Natur (tradotto dal tedesco come "il grido della natura"). Il volto di una persona o di un alieno esprime disperazione e panico: lo spettatore prova le stesse emozioni quando guarda l'immagine. Una delle opere chiave dell'espressionismo mette in guardia sui temi diventati acuti nell'arte del XX secolo. Secondo una versione, l'artista lo ha creato sotto l'influenza di un disturbo mentale, di cui ha sofferto per tutta la vita.
Il dipinto è stato rubato due volte da diversi musei, ma è stato restituito. Leggermente danneggiato dopo il furto, L'Urlo è stato restaurato ed è stato pronto per essere nuovamente esposto al Museo Munch nel 2008. Per i rappresentanti della cultura pop, l'opera è diventata fonte di ispirazione: Andy Warhol ha creato una serie delle sue copie-stampe e la maschera del film "Scream" è stata realizzata a immagine e somiglianza dell'eroe del film.
Per una trama, Munch ha scritto quattro versioni dell'opera: quella di una collezione privata è realizzata in pastello. Il miliardario norvegese Petter Olsen lo ha messo all'asta il 2 maggio 2012. L'acquirente era Leon Black, che non ha risparmiato una cifra record per "Scream". Fondatore di Apollo Advisors, L.P. e i Consulenti Lions, L.P. noto per il suo amore per l'arte. Black è un mecenate del Dartmouth College, del Museum of Modern Art, del Lincoln Art Center e del Metropolitan Museum of Art. Possiede la più grande collezione di dipinti di artisti contemporanei e maestri classici dei secoli passati.
6
"Nudo sullo sfondo di un busto e foglie verdi"
Autore
Pablo Picasso
Un paese Spagna, Francia
Anni di vita 1881–1973
Stile cubismo
Di origine è spagnolo, ma nello spirito e nel luogo di residenza è un vero francese. Picasso aprì il suo studio d'arte a Barcellona quando aveva solo 16 anni. Poi andò a Parigi e lì trascorse gran parte della sua vita. Ecco perché nel suo cognome c'è un doppio accento. Lo stile inventato da Picasso si basa sulla negazione dell'opinione secondo cui l'oggetto raffigurato sulla tela può essere visto da una sola angolazione.
130x162 centimetri
1932
prezzo
$ 106,482 milioni
venduto nel 2010
all'asta Christie's
Durante il suo lavoro a Roma, l'artista ha incontrato la ballerina Olga Khokhlova, che presto divenne sua moglie. Ha posto fine al vagabondaggio, si è trasferito con lei in un lussuoso appartamento. A quel punto, il riconoscimento aveva trovato un eroe, ma il matrimonio era stato distrutto. Uno dei dipinti più costosi al mondo è stato creato quasi per caso, per grande amore che, come sempre con Picasso, fu di breve durata. Nel 1927 si interessò alla giovane Marie-Therese Walter (lei aveva 17 anni, lui 45). Di nascosto dalla moglie, partì con la sua amante per una città vicino a Parigi, dove dipinse un ritratto raffigurante Maria Teresa nell'immagine di Dafne. Il dipinto fu acquistato dal commerciante di New York Paul Rosenberg e venduto nel 1951 a Sidney F. Brody. I Brody mostrarono il dipinto al mondo solo una volta, e solo perché l'artista aveva 80 anni. Dopo la morte del marito, la signora Brody ha messo l'opera all'asta da Christie's nel marzo 2010. In sessant’anni il prezzo è aumentato di oltre 5.000 volte! Un collezionista sconosciuto lo acquistò per 106,5 milioni di dollari. Nel 2011 si è tenuta una “mostra di un dipinto” in Gran Bretagna, dove ha visto la luce per la seconda volta, ma il nome del proprietario è ancora sconosciuto.
7
"Otto Elvis"
Autore
Andy Warhole
Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1928-1987
Stile
pop Art
"Il sesso e le feste sono gli unici posti in cui devi apparire di persona", ha detto l'artista pop di culto, regista e uno dei fondatori della rivista Interview, il designer Andy Warhol. Ha lavorato con Vogue e Harper's Bazaar, ha disegnato copertine di dischi e ha disegnato scarpe per I.Miller. Negli anni '60 apparvero dipinti raffiguranti i simboli dell'America: la zuppa Campbell e la Coca-Cola, Presley e Monroe - che lo resero una leggenda.
358x208cm
1963
prezzo
$ 100 milioni
venduto nel 2008
all'asta privata
Gli anni '60 di Warhol: la cosiddetta era della pop art in America. Nel 1962 lavorò a Manhattan al Factory Studio, dove si riuniva tutta la bohémien di New York. I suoi rappresentanti più brillanti: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote e altri personaggi famosi nel mondo. Allo stesso tempo, Warhol ha provato la tecnica della serigrafia: ripetizioni multiple di un'immagine. Ha utilizzato questo metodo anche durante la creazione di "Eight Elvises": allo spettatore sembra di vedere i fotogrammi di un film in cui la star prende vita. Tutto ciò che l'artista ha amato così tanto è qui: un'immagine pubblica vantaggiosa per tutti, il colore argento e una premonizione di morte come messaggio principale.
Ci sono due galleristi d'arte che promuovono oggi il lavoro di Warhol sul mercato mondiale: Larry Gagosian e Alberto Mugrabi. Il primo, nel 2008, ha speso 200 milioni di dollari per acquistare più di 15 opere di Warhol. Il secondo compra e vende i suoi quadri come cartoline di Natale, solo più costosi. Ma non furono loro, ma l'umile consulente d'arte francese Philippe Segalo che aiutò l'intenditore d'arte romano Annibale Berlinghieri a vendere gli Otto Elvise a un acquirente sconosciuto per una cifra record di Warhol di 100 milioni di dollari.
8
"Arancia,Rosso Giallo"
Autore
Marco Rothko
Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1903–1970
Stile espressionismo astratto
Uno dei creatori della pittura a colori è nato a Dvinsk, in Russia (ora Daugavpils, in Lettonia), in una numerosa famiglia di un farmacista ebreo. Nel 1911 emigrarono negli Stati Uniti. Rothko ha studiato al dipartimento d'arte dell'Università di Yale, ha ottenuto una borsa di studio, ma i sentimenti antisemiti lo hanno costretto a lasciare gli studi. Nonostante tutto, i critici d'arte idolatrarono l'artista e i musei lo perseguitarono per tutta la vita.
206x236 cm
1961
prezzo
$ 86,882 milioni
venduto nel 2012
all'asta Christie's
I primi esperimenti artistici di Rothko furono di orientamento surrealista, ma col tempo semplificò la trama colorando macchie, privandole di ogni oggettività. All'inizio avevano tonalità brillanti, e negli anni '60 si riempirono di marrone, viola, che si ispessì fino al nero al momento della morte dell'artista. Mark Rothko ha messo in guardia dal cercare qualsiasi significato nei suoi dipinti. L'autore ha voluto dire esattamente quello che ha detto: solo il colore che si dissolve nell'aria, e niente più. Consigliava di guardare le opere da una distanza di 45 cm, in modo che lo spettatore venga “trascinato” nel colore, come in un imbuto. Attenzione: la visione secondo tutte le regole può portare all'effetto della meditazione, cioè la consapevolezza dell'infinito arriva gradualmente, la completa immersione in se stessi, il rilassamento, la purificazione. Il colore nei suoi dipinti vive, respira e ha un forte impatto emotivo (a volte si dice che sia curativo). L'artista ha detto: "Lo spettatore dovrebbe piangere guardandoli" - e casi del genere si sono verificati davvero. Secondo la teoria di Rothko, in questo momento le persone vivono la stessa esperienza spirituale che ha avuto lui mentre lavorava al dipinto. Se sei riuscito a capirlo a un livello così sottile, non sorprenderti che queste opere di astrattismo siano spesso paragonate dai critici alle icone.
L'opera "Orange, Red, Yellow" esprime l'essenza della pittura di Mark Rothko. Il suo costo iniziale all'asta Christie's a New York è di 35-45 milioni di dollari. Un acquirente sconosciuto ha offerto un prezzo doppio rispetto a quello stimato. Il nome del felice proprietario del dipinto, come spesso accade, non è stato reso noto.
9
"Trittico"
Autore
Francesco Bacone
Un paese
Gran Bretagna
Anni di vita 1909–1992
Stile espressionismo
Le avventure di Francis Bacon, omonimo a pieno titolo e, per di più, lontano discendente del grande filosofo, iniziarono quando suo padre lo rinnegò, incapace di accettare le inclinazioni omosessuali del figlio. Bacon andò prima a Berlino, poi a Parigi, e poi le sue tracce si confondono in tutta Europa. Anche durante la sua vita, le sue opere furono esposte nei principali centri culturali del mondo, tra cui il Museo Guggenheim e la Galleria Tretyakov.
147,5x198 cm (ciascuno)
1976
prezzo
$ 86,2 milioni
venduto nel 2008
all'asta Sotheby's
I musei prestigiosi si sforzavano di possedere dipinti di Bacon, ma il pubblico inglese non aveva fretta di sborsare per tale arte. Il leggendario primo ministro britannico Margaret Thatcher disse di lui: "L'uomo che dipinge questi quadri orribili".
Il periodo iniziale del suo lavoro, l'artista stesso considerava il dopoguerra. Di ritorno dal servizio, riprese a dipingere e creò i principali capolavori. Prima della partecipazione all'asta del "Trittico, 1976", l'opera più costosa di Bacon era lo "Studio per un ritratto di papa Innocenzo X" (52,7 milioni di dollari). Nel "Trittico, 1976" l'artista ha raffigurato la trama mitica della persecuzione di Oreste da parte delle Furie. Naturalmente Oreste è lo stesso Bacone, e le furie sono i suoi tormenti. Per più di 30 anni il dipinto è stato in una collezione privata e non ha partecipato a mostre. Questo fatto gli conferisce un valore speciale e, di conseguenza, aumenta il costo. Ma cosa sono pochi milioni per un intenditore d'arte, e anche generoso in russo? Roman Abramovich ha iniziato a creare la sua collezione negli anni '90, in questo è stato significativamente influenzato dalla sua ragazza Dasha Zhukova, che è diventata una gallerista alla moda nella Russia moderna. Secondo dati non ufficiali, l'uomo d'affari possiede opere di Alberto Giacometti e Pablo Picasso, acquistate per importi superiori a 100 milioni di dollari. Nel 2008 è diventato proprietario del Trittico. A proposito, nel 2011 è stata acquisita un'altra preziosa opera di Bacon: "Tre schizzi per un ritratto di Lucian Freud". Fonti nascoste dicono che Roman Arkadievich divenne di nuovo l'acquirente.
10
"Laghetto con ninfee"
Autore
Claude Monet
Un paese Francia
Anni di vita 1840–1926
Stile impressionismo
L'artista è riconosciuto come il fondatore dell'impressionismo, che ha "brevettato" questo metodo nelle sue tele. La prima opera significativa è stata il dipinto "Colazione sull'erba" (la versione originale dell'opera di Edouard Manet). Da giovane disegnava caricature e si dedicava alla pittura vera e propria durante i suoi viaggi lungo la costa e all'aria aperta. A Parigi condusse uno stile di vita bohémien e non lo abbandonò nemmeno dopo aver prestato servizio nell'esercito.
210x100cm
1919
prezzo
$ 80,5 milioni
venduto nel 2008
all'asta Christie's
Oltre al fatto che Monet era un grande artista, era anche impegnato con entusiasmo nel giardinaggio, adorava la fauna selvatica e i fiori. Nei suoi paesaggi lo stato della natura è momentaneo, gli oggetti sembrano sfocati dal movimento dell'aria. L'impressione è arricchita da grandi tratti, da una certa distanza diventano invisibili e si fondono in un'immagine strutturata e tridimensionale. Nel dipinto del defunto Monet, un posto speciale è occupato dal tema dell'acqua e della vita in essa. Nella città di Giverny, l'artista aveva il suo stagno, dove coltivava ninfee da semi portati appositamente dal Giappone. Quando i loro fiori sbocciarono, iniziò a dipingere. La serie delle Ninfee è composta da 60 opere che l'artista ha dipinto nell'arco di quasi 30 anni, fino alla sua morte. La sua vista è peggiorata con l'età, ma non si è fermato. A seconda del vento, della stagione e del tempo, la vista dello stagno cambiava costantemente e Monet voleva catturare questi cambiamenti. Attraverso un lavoro attento, gli è arrivata la comprensione dell'essenza della natura. Alcuni dei dipinti della serie sono conservati nelle principali gallerie del mondo: Museo Nazionale d'Arte Occidentale (Tokyo), Orangerie (Parigi). La versione del successivo "Stagno con ninfee" è andata nelle mani di un acquirente sconosciuto per una cifra record.
11
Falsa stella T
Autore
Jasper Johns
Un paese Stati Uniti d'America
Anno di nascita 1930
Stile pop Art
Nel 1949, Jones entrò alla scuola di design di New York. Insieme a Jackson Pollock, Willem de Kooning e altri, è riconosciuto come uno dei principali artisti del XX secolo. Nel 2012 ha ricevuto la Medaglia Presidenziale della Libertà, il più alto riconoscimento civile degli Stati Uniti.
137,2x170,8 cm
1959
prezzo
$ 80 milioni
venduto nel 2006
all'asta privata
Come Marcel Duchamp, Jones ha lavorato con oggetti reali, raffigurandoli su tela e in scultura nel pieno rispetto dell'originale. Per le sue opere ha utilizzato oggetti semplici e comprensibili a tutti: una bottiglia di birra, una bandiera o delle mappe. Non c'è una composizione chiara nell'immagine della Falsa Partenza. L'artista sembra giocare con lo spettatore, spesso “erroneamente” firmando i colori del quadro, capovolgendo il concetto stesso di colore: “Volevo trovare un modo per rappresentare il colore in modo che potesse essere determinato da qualche altro metodo." Il suo dipinto più esplosivo e "insicuro", secondo i critici, è stato acquistato da un acquirente sconosciuto.
12
"Sedutonudosul divano"
Autore
Amedeo Modigliani
Un paese Italia, Francia
Anni di vita 1884–1920
Stile espressionismo
Modigliani fu spesso malato fin dall'infanzia, durante un delirio febbrile riconobbe il suo destino di artista. Studiò disegno a Livorno, Firenze, Venezia e nel 1906 partì per Parigi, dove fiorì la sua arte.
65x100cm
1917
prezzo
$ 68,962 milioni
venduto nel 2010
all'asta Sotheby's
Nel 1917 Modigliani incontrò la diciannovenne Jeanne Hébuterne, che divenne la sua modella e in seguito sua moglie. Nel 2004, uno dei suoi ritratti è stato venduto per 31,3 milioni di dollari, l'ultimo record prima della vendita di Nudo seduto su un divano nel 2010. Il dipinto è stato acquistato da un acquirente sconosciuto al prezzo più alto del momento per Modigliani. Le vendite attive di opere sono iniziate solo dopo la morte dell'artista. Morì in povertà, affetto da tubercolosi, e il giorno successivo anche Jeanne Hébuterne, incinta di nove mesi, si suicidò.
13
"Aquila su un pino"
Autore
Qi Baishi
Un paese Cina
Anni di vita 1864–1957
Stile guohua
L'interesse per la calligrafia ha portato Qi Baishi a dipingere. All'età di 28 anni divenne allievo dell'artista Hu Qingyuan. Il Ministero della Cultura cinese gli ha conferito il titolo di "Grande Artista del Popolo Cinese", nel 1956 ha ricevuto il Premio Internazionale per la Pace.
10×26 cm
1946
prezzo
$ 65,4 milioni
venduto nel 2011
all'asta Guardiano della Cina
Qi Baishi era interessato a quelle manifestazioni del mondo circostante, a cui molti non attribuiscono importanza, e questa è la sua grandezza. Un uomo senza istruzione divenne un professore e un creatore eccezionale nella storia. Pablo Picasso ha detto di lui: "Ho paura di andare nel tuo paese, perché in Cina c'è Qi Baishi". La composizione "Aquila su un pino" è riconosciuta come l'opera più grande dell'artista. Oltre alla tela, comprende due rotoli di geroglifici. Per la Cina, l'importo per il quale è stato acquistato il prodotto è un record: 425,5 milioni di yuan. Solo il rotolo dell'antico calligrafo Huang Tingjian è stato venduto per 436,8 milioni di dollari.
14
"1949-A-#1"
Autore
Clifford Ancora
Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1904–1980
Stile espressionismo astratto
All'età di 20 anni visitò il Metropolitan Museum of Art di New York e rimase deluso. Più tardi, si iscrisse a un corso della lega studentesca d'arte, ma se ne andò 45 minuti dopo l'inizio della lezione: si rivelò "non suo". La prima mostra personale ha suscitato risonanza, l'artista ha ritrovato se stesso e con essa il riconoscimento
79x93cm
1949
prezzo
$ 61,7 milioni
venduto nel 2011
all'asta Sotheby's
Tutte le sue opere, che sono più di 800 tele e 1600 opere su carta, sono ancora lasciate in eredità alla città americana, dove sarà aperto un museo a lui intitolato. Denver divenne una città del genere, ma solo la costruzione fu costosa per le autorità e quattro opere furono messe all'asta per completarla. È improbabile che le opere di Still vengano messe all'asta mai più, il che ha aumentato il loro prezzo in anticipo. Il dipinto "1949-A-No.1" è stato venduto per una cifra record per l'artista, anche se gli esperti avevano previsto una vendita massima di 25-35 milioni di dollari.
15
"Composizione suprematista"
Autore
Kazimir Malevich
Un paese Russia
Anni di vita 1878–1935
Stile Suprematismo
Malevich ha studiato pittura alla Scuola d'arte di Kiev, poi all'Accademia delle arti di Mosca. Nel 1913 iniziò a dipingere quadri geometrici astratti in uno stile che chiamò Suprematismo (dal latino “dominanza”).
71x88,5 cm
1916
prezzo
$ 60 milioni
venduto nel 2008
all'asta Sotheby's
Il dipinto fu conservato nel museo cittadino di Amsterdam per circa 50 anni, ma dopo una disputa durata 17 anni con i parenti di Malevich, il museo lo regalò. L'artista ha dipinto quest'opera nello stesso anno del Manifesto del Suprematismo, quindi Sotheby`s già prima dell'asta aveva annunciato che non sarebbe andata a una collezione privata per meno di 60 milioni di dollari. E così è successo. È meglio guardarlo dall'alto: le figure sulla tela ricordano una veduta aerea della terra. Tra l'altro, qualche anno prima, gli stessi parenti avevano espropriato un'altra "composizione suprematista" dal Museo MoMA per venderla a Phillips per 17 milioni di dollari.
16
"Bagnanti"
Autore
Paolo Gauguin
Un paese Francia
Anni di vita 1848–1903
Stile post impressionismo
Fino all'età di sette anni, l'artista ha vissuto in Perù, poi è tornato in Francia con la sua famiglia, ma i ricordi d'infanzia lo hanno spinto costantemente a viaggiare. In Francia iniziò a dipingere, era amico di Van Gogh. Trascorse anche diversi mesi con lui ad Arles, finché Van Gogh non gli tagliò l'orecchio durante una lite.
93,4x60,4 centimetri
1902
prezzo
$ 55 milioni
venduto nel 2005
all'asta Sotheby's
Nel 1891 Gauguin organizzò una vendita dei suoi dipinti per utilizzare il ricavato per esplorare le profondità dell'isola di Tahiti. Lì ha creato opere in cui si può sentire la sottile connessione tra la natura e l'uomo. Gauguin viveva in una capanna dal tetto di paglia e sulle sue tele sbocciava un paradiso tropicale. Sua moglie era una tahitiana Tehura di 13 anni, il che non ha impedito all'artista di impegnarsi nella promiscuità. Avendo contratto la sifilide, partì per la Francia. Tuttavia, Gauguin era angusto lì e tornò a Tahiti. Questo periodo è chiamato il "secondo tahitiano": fu allora che fu dipinto il dipinto "Bagnanti", uno dei più lussuosi della sua opera.
17
"Narcisi e una tovaglia in blu e rosa"
Autore
Henri Matisse
Un paese Francia
Anni di vita 1869–1954
Stile Fauvismo
Nel 1889 Henri Matisse ebbe un attacco di appendicite. Quando si riprese dall'operazione, sua madre gli comprò dei colori. Prima, per noia, Matisse copiò cartoline colorate, poi - le opere di grandi pittori che vide al Louvre, e all'inizio del XX secolo inventò uno stile: il fauvismo.
65,2x81 cm
1911
prezzo
$ 46,4 milioni
venduto nel 2009
all'asta Christie's
Il dipinto "Narcisi e una tovaglia blu e rosa" è appartenuto a Yves Saint Laurent per molto tempo. Dopo la morte dello stilista, tutta la sua collezione d'arte passò nelle mani del suo amico e amante Pierre Berger, che decise di metterla all'asta da Christie's. La perla della collezione venduta era il dipinto "Narcisi e una tovaglia blu e rosa", dipinto su una normale tovaglia invece che su tela. Come esempio di Fauvismo, è pieno dell'energia del colore, i colori sembrano esplodere e urlare. Della nota serie di dipinti su tovaglie, oggi quest'opera è l'unica che si trova in una collezione privata.
18
"Ragazza addormentata"
Autore
RoyLee
chtenstein
Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1923–1997
Stile pop Art
L'artista è nato a New York e, dopo essersi diplomato, è andato in Ohio, dove ha frequentato corsi d'arte. Nel 1949, il Liechtenstein ha conseguito il Master in Belle Arti. L'interesse per i fumetti e la capacità di essere ironico lo hanno reso un artista di culto del secolo scorso.
91x91 cm
1964
prezzo
$ 44,882 milioni
venduto nel 2012
all'asta Sotheby's
Una volta la gomma da masticare cadde nelle mani del Liechtenstein. Ha ridisegnato l'immagine dall'inserto sulla tela ed è diventato famoso. Questa trama della sua biografia contiene l'intero messaggio della pop art: il consumo è il nuovo dio, e non c'è meno bellezza in una carta di gomma che in Monna Lisa. I suoi dipinti ricordano fumetti e cartoni animati: Lichtenstein ha semplicemente ingrandito l'immagine finita, ha disegnato raster, ha utilizzato la serigrafia e la serigrafia. Il dipinto "La ragazza addormentata" è appartenuto per quasi 50 anni ai collezionisti Beatrice e Philip Gersh, i cui eredi lo hanno venduto all'asta.
19
"Vittoria. Boogie Woogie"
Autore
Pie Mondrian
Un paese Olanda
Anni di vita 1872–1944
Stile neoplasticismo
Il suo vero nome - Cornelis - l'artista cambiò in Mondrian quando si trasferì a Parigi nel 1912. Insieme all'artista Theo van Doesburg fondò il movimento neoplastico. Il linguaggio di programmazione Piet prende il nome da Mondrian.
27x127cm
1944
prezzo
$ 40 milioni
venduto nel 1998
all'asta Sotheby's
Il più "musicale" degli artisti del XX secolo si guadagnava da vivere con le nature morte acquerellate, anche se divenne famoso come artista neoplastico. Si trasferì negli Stati Uniti negli anni '40 e lì trascorse il resto della sua vita. Jazz e New York: questo è ciò che lo ha ispirato di più! Dipinto "Vittoria. Boogie Woogie ne è il miglior esempio. I quadrati netti "brandizzati" sono stati ottenuti attraverso l'uso del nastro adesivo, il materiale preferito di Mondrian. In America fu chiamato "l'immigrato più famoso". Negli anni Sessanta Yves Saint Laurent produsse i famosi abiti "Mondrian" con una grande stampa a quadri colorati.
20
"Composizione n. 5"
Autore
BasilicoKandinsky
Un paese Russia
Anni di vita 1866–1944
Stile avanguardia
L'artista è nato a Mosca e suo padre era della Siberia. Dopo la rivoluzione, cercò di collaborare con le autorità sovietiche, ma presto si rese conto che le leggi del proletariato non erano state create per lui ed emigrò in Germania non senza difficoltà.
275x190 centimetri
1911
prezzo
$ 40 milioni
venduto nel 2007
all'asta Sotheby's
Kandinsky fu uno dei primi ad abbandonare completamente la pittura di oggetti, per la quale ricevette il titolo di genio. Durante il nazismo in Germania, i suoi dipinti furono classificati come "arte degenerata" e non furono esposti da nessuna parte. Nel 1939 Kandinsky prese la cittadinanza francese, a Parigi partecipò liberamente al processo artistico. I suoi quadri “suonano” come fughe, per questo molti vengono chiamati “composizioni” (il primo è stato scritto nel 1910, l'ultimo nel 1939). “Composizione n. 5” è una delle opere chiave di questo genere: “La parola “composizione” mi suonava come una preghiera”, ha detto l’artista. A differenza di molti seguaci, progettò ciò che avrebbe rappresentato su un'enorme tela, come se scrivesse appunti.
21
"Studio di una donna in blu"
Autore
Fernando Léger
Un paese Francia
Anni di vita 1881–1955
Stile cubismo-post-impressionismo
Leger ha ricevuto una formazione architettonica e poi è stato studente alla Scuola di Belle Arti di Parigi. L'artista si considerava un seguace di Cézanne, era un apologista del cubismo e nel XX secolo ebbe successo anche come scultore.
96,5x129,5 centimetri
1912-1913
prezzo
$ 39,2 milioni
venduto nel 2008
all'asta Sotheby's
David Normann, presidente di Sotheby's International Impressionism and Modernism, ritiene che l'enorme somma pagata per The Lady in Blue sia del tutto giustificata. Il dipinto appartiene alla famosa collezione Leger (l'artista ha dipinto tre dipinti su una trama, l'ultimo è oggi in mani private. - Ndr), e la superficie della tela è stata conservata nella sua forma originale. L'autore stesso ha donato quest'opera alla galleria Der Sturm, poi è finita nella collezione di Hermann Lang, collezionista tedesco di modernismo, e ora appartiene ad un acquirente sconosciuto.
22
"Scena di strada. Berlino"
Autore
Ernesto LudovicoKirchner
Un paese Germania
Anni di vita 1880–1938
Stile espressionismo
Per l’espressionismo tedesco Kirchner divenne una persona di riferimento. Tuttavia, le autorità locali lo accusarono di aderire ad "arte degenerata", che influenzò tragicamente il destino dei suoi dipinti e la vita dell'artista, che si suicidò nel 1938.
95x121cm
1913
prezzo
$ 38,096 milioni
venduto nel 2006
all'asta Christie's
Dopo essersi trasferito a Berlino, Kirchner ha creato 11 schizzi di scene di strada. È stato ispirato dal trambusto e dal nervosismo della grande città. Nel dipinto, venduto nel 2006 a New York, l'ansia dell'artista è particolarmente acuta: le persone in una strada di Berlino assomigliano a uccelli: aggraziate e pericolose. Era l'ultima opera della famosa serie, venduta all'asta, il resto è conservato nei musei. Nel 1937 i nazisti trattarono Kirchner brutalmente: 639 delle sue opere furono sequestrate dalle gallerie tedesche, distrutte o vendute all'estero. L'artista non potrebbe sopravvivere a questo.
23
"Riposoballerino"
Autore
Edgar Degas
Un paese Francia
Anni di vita 1834–1917
Stile impressionismo
La storia di Degas come artista è iniziata con il fatto che ha lavorato come copista al Louvre. Sognava di diventare “famoso e sconosciuto”, e alla fine ci riuscì. Alla fine della sua vita, sordo e cieco, l'ottantenne Degas continuò a frequentare mostre e aste.
64x59 cm
1879
prezzo
$ 37,043 milioni
venduto nel 2008
all'asta Sotheby's
"Le ballerine sono sempre state per me solo una scusa per rappresentare tessuti e catturare il movimento", ha detto Degas. Sembrano essere intraviste scene della vita delle ballerine: le ragazze non posano per l'artista, ma semplicemente diventano parte dell'atmosfera catturata dallo sguardo di Degas. La Ballerina in riposo è stata venduta per 28 milioni di dollari nel 1999 e meno di 10 anni dopo è stata acquistata per 37 milioni di dollari: oggi è l'opera più costosa dell'artista mai messa all'asta. Degas prestò molta attenzione alle montature, le disegnò lui stesso e proibì di cambiarle. Mi chiedo quale cornice è installata sul dipinto venduto?
24
"Pittura"
Autore
Juan Mirò
Un paese Spagna
Anni di vita 1893–1983
Stile arte astratta
Durante la guerra civile spagnola, l'artista si schierò dalla parte dei repubblicani. Nel 1937 fuggì dal potere fascista a Parigi, dove visse in povertà con la sua famiglia. Durante questo periodo, Miro dipinge il dipinto "Aiuta la Spagna!", Attirando l'attenzione di tutto il mondo sul dominio del fascismo.
89x115 centimetri
1927
prezzo
$ 36,824 milioni
venduto nel 2012
all'asta Sotheby's
Il secondo nome del dipinto è "Blue Star". L’artista lo scrisse nello stesso anno in cui annunciò: “Voglio uccidere la pittura” e scherniva senza pietà le tele, graffiando la vernice con i chiodi, incollando piume sulla tela, ricoprendo l’opera di spazzatura. Il suo obiettivo era sfatare i miti sul mistero della pittura, ma, dopo aver affrontato questo, Miro ha creato il suo mito: un'astrazione surreale. La sua "Pittura" si riferisce al ciclo delle "immagini-sogni". Quattro acquirenti si sono battuti per questo all'asta, ma una telefonata in incognito ha risolto la controversia e "Pittura" è diventata il dipinto più costoso dell'artista.
25
"Rosa blu"
Autore
Yves Klein
Un paese Francia
Anni di vita 1928–1962
Stile pittura monocroma
L'artista nasce in una famiglia di pittori, ma studia le lingue orientali, la navigazione, il mestiere di doratore di cornici, il buddismo Zen e molto altro ancora. La sua personalità e le sue buffonate impudenti erano molte volte più interessanti dei dipinti monocromi.
153x199x16cm
1960
prezzo
$ 36,779 milioni
venduto nel 2012
all'asta di Christie's
La prima mostra di opere solide gialle, arancioni e rosa non ha suscitato l'interesse del pubblico. Klein si offese e la volta successiva presentò 11 tele identiche, dipinte con oltremare mescolato con una speciale resina sintetica. Ha persino brevettato questo metodo. Il colore è passato alla storia come "International Klein Blue". L'artista vendeva anche il vuoto, creava dipinti esponendo la carta alla pioggia, dando fuoco al cartone, realizzando stampe di un corpo umano su tela. In una parola, ho sperimentato come meglio potevo. Per creare la "Rosa Blu" ho utilizzato pigmenti secchi, resine, sassolini e una spugna naturale.
26
"Alla ricerca di Mosè"
Autore
Sir Lawrence Alma-Tadema
Un paese Gran Bretagna
Anni di vita 1836–1912
Stile neoclassicismo
Lo stesso Sir Lawrence aggiunse il prefisso "alma" al suo cognome per comparire per primo nei cataloghi d'arte. Nell'Inghilterra vittoriana, i suoi dipinti erano così richiesti che all'artista fu assegnato il titolo di cavaliere.
213,4x136,7 cm
1902
prezzo
$ 35,922 milioni
venduto nel 2011
all'asta Sotheby's
Il tema principale del lavoro di Alma-Tadema era l'antichità. Nei dipinti cercò di rappresentare nei minimi dettagli l'era dell'Impero Romano, per questo si impegnò anche in scavi archeologici sulla penisola appenninica, e nella sua casa londinese riproduceva gli interni storici di quegli anni. Le storie mitologiche divennero per lui un'altra fonte di ispirazione. L'artista fu molto richiesto durante la sua vita, ma dopo la sua morte fu presto dimenticato. Adesso l'interesse sta rinascendo, come testimonia il costo del dipinto “Alla ricerca di Mosè”, sette volte superiore alla stima prevendita.
27
"Ritratto di funzionario nudo addormentato"
Autore
Luciano Freud
Un paese Germania,
Gran Bretagna
Anni di vita 1922–2011
Stile pittura figurativa
L'artista è il nipote di Sigmund Freud, il padre della psicoanalisi. Dopo l'instaurazione del fascismo in Germania, la sua famiglia emigrò nel Regno Unito. Le opere di Freud si trovano nella Wallace Collection di Londra, dove nessun artista contemporaneo ha mai esposto in precedenza.
219,1x151,4cm
1995
prezzo
$ 33,6 milioni
venduto nel 2008
all'asta Christie's
Mentre gli artisti alla moda del 20° secolo creavano "macchie di colore sul muro" positive e le vendevano per milioni, Freud dipingeva quadri estremamente naturalistici e li vendeva a prezzi ancora più alti. "Catturo le grida dell'anima e la sofferenza della carne che avvizzisce", ha detto. I critici ritengono che tutto ciò sia "l'eredità" di Sigmund Freud. I dipinti furono esposti così attivamente e venduti con successo che gli esperti ebbero un dubbio: hanno proprietà ipnotiche? Venduto all'asta, "Ritratto di un ufficiale nudo addormentato", secondo il Sun, è stato acquistato dall'intenditore di bellezza e miliardario Roman Abramovich.
28
"Violino e chitarra"
Autore
Xuno grigio
Un paese Spagna
Anni di vita 1887–1927
Stile cubismo
Nato a Madrid, dove si è diplomato alla Scuola di Arti e Mestieri. Nel 1906 si trasferì a Parigi ed entrò nella cerchia degli artisti più influenti dell'epoca: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Leger, lavorò anche con Sergei Diaghilev e la sua troupe.
5x100cm
1913
prezzo
$ 28,642 milioni
venduto nel 2010
all'asta Christie's
Gris, secondo le sue stesse parole, era impegnato in "un'architettura planare e colorata". I suoi dipinti sono pensati con precisione: non ha lasciato un solo tratto accidentale, il che rende la creatività legata alla geometria. L'artista creò la sua versione del cubismo, sebbene nutrisse un grande rispetto per Pablo Picasso, il padre fondatore del movimento. Il successore gli dedicò addirittura la sua prima opera cubista, Omaggio a Picasso. Il dipinto "Violino e chitarra" è riconosciuto come eccezionale nel lavoro dell'artista. Durante la sua vita, Gris era conosciuto, favorito dalla critica e dai critici d'arte. Le sue opere sono esposte nei più grandi musei del mondo e sono conservate in collezioni private.
29
"RitrattoCampi di Eluard»
Autore
Salvador Dalì
Un paese Spagna
Anni di vita 1904–1989
Stile surrealismo
"Il surrealismo sono io", disse Dalì quando fu espulso dal gruppo surrealista. Nel tempo divenne l'artista surrealista più famoso. Il lavoro di Dalì è ovunque, non solo nelle gallerie. Ad esempio, è stato lui a inventare la confezione per Chupa-Chups.
25x33 cm
1929
prezzo
$ 20,6 milioni
venduto nel 2011
all'asta Sotheby's
Nel 1929, il poeta Paul Eluard e sua moglie russa Gala vennero a visitare il grande provocatore e attaccabrighe Dalì. L'incontro fu l'inizio di una storia d'amore durata più di mezzo secolo. Il dipinto "Ritratto di Paul Eluard" è stato dipinto proprio durante questa storica visita. "Ho sentito che mi era stato affidato il compito di catturare il volto del poeta, dal cui Olimpo ho rubato una delle muse", ha detto l'artista. Prima di incontrare Gala, era vergine ed era disgustato al pensiero di fare sesso con una donna. Il triangolo amoroso esistette fino alla morte di Eluard, dopo di che divenne il duetto Dali-Gala.
30
"Anniversario"
Autore
Marc Chagall
Un paese Russia, Francia
Anni di vita 1887–1985
Stile avanguardia
Moishe Segal nacque a Vitebsk, ma nel 1910 emigrò a Parigi, cambiò nome e si avvicinò ai principali artisti d'avanguardia dell'epoca. Negli anni '30, quando i nazisti presero il potere, partì per gli Stati Uniti con l'aiuto di un console americano. Ritornò in Francia solo nel 1948.
80x103cm
1923
prezzo
$ 14,85 milioni
venduto nel 1990
all'asta di Sotheby's
Il dipinto "Jubilee" è riconosciuto come una delle migliori opere dell'artista. Ha tutte le caratteristiche del suo lavoro: le leggi fisiche del mondo vengono cancellate, il sentimento di una fiaba è preservato nello scenario della vita piccolo-borghese e l'amore è al centro della trama. Chagall non ha tratto le persone dalla natura, ma solo dalla memoria o dalla fantasia. Il dipinto "Jubilee" raffigura l'artista stesso con sua moglie Bela. Il dipinto è stato venduto nel 1990 e da allora non ha più ricevuto offerte. È interessante notare che il MoMA del Museum of Modern Art di New York mantiene esattamente lo stesso, solo sotto il nome "Compleanno". A proposito, è stato scritto prima, nel 1915.
bozza preparata
Tatyana Palasova
valutazione compilata
secondo l'elenco www.art-spb.ru
rivista tmn №13
(maggio-giugno 2013)
Se pensi che tutti i grandi artisti appartengano al passato, non hai idea di quanto ti sbagli. In questo articolo imparerai a conoscere gli artisti più famosi e talentuosi del nostro tempo. E, credimi, le loro opere rimarranno nella tua memoria non meno profondamente delle opere del maestro delle epoche passate.
Wojciech Babski
Wojciech Babski è un artista polacco contemporaneo. Si è laureato al Politecnico della Slesia, ma si è collegato. Ultimamente dipinge soprattutto donne. Si concentra sulla manifestazione delle emozioni, cerca di ottenere il massimo effetto possibile con mezzi semplici.
Ama il colore, ma spesso usa sfumature di nero e grigio per ottenere la migliore impressione. Non ha paura di sperimentare nuove tecniche. Recentemente sta guadagnando sempre più popolarità all'estero, soprattutto nel Regno Unito, dove vende con successo le sue opere, che si trovano già in molte collezioni private. Oltre all'arte, si interessa di cosmologia e filosofia. Ascolta il jazz. Attualmente vive e lavora a Katowice.
Warren Chang
Warren Chang è un artista americano contemporaneo. Nato nel 1957 e cresciuto a Monterey, in California, si è laureato magna cum laude presso l'Art Center College of Design di Pasadena nel 1981 con un Bachelor of Fine Arts in Belle Arti. Per i successivi due decenni ha lavorato come illustratore per varie aziende in California e New York prima di iniziare la sua carriera come artista professionista nel 2009.
I suoi dipinti realistici possono essere suddivisi in due categorie principali: dipinti di interni biografici e dipinti raffiguranti lavoratori. Il suo interesse per questo stile di pittura affonda le sue radici nell'opera del pittore del XVI secolo Jan Vermeer e si estende a oggetti, autoritratti, ritratti di familiari, amici, studenti, studio, aula e interni domestici. Il suo obiettivo è creare atmosfera ed emozione nei suoi dipinti realistici attraverso la manipolazione della luce e l'uso di colori tenui.
Chang divenne famoso dopo il passaggio alle arti visive tradizionali. Negli ultimi 12 anni ha ottenuto numerosi premi e riconoscimenti, il più prestigioso dei quali è stato il Master Signature degli Oil Painters of America, la più grande comunità di pittori a olio negli Stati Uniti. Solo una persona su 50 ha l'opportunità di ricevere questo premio. Attualmente, Warren vive a Monterey e lavora nel suo studio, insegna anche (noto come insegnante di talento) alla San Francisco Academy of the Arts.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni è un artista italiano. Nato a Blair il 15 ottobre 1955. Diplomato in scenografia presso l'Istituto d'Arte di Spoleto. Come artista è un autodidatta, poiché ha “costruito autonomamente la casa della conoscenza” sulle fondamenta gettate a scuola. Ha iniziato a dipingere ad olio all'età di 19 anni. Attualmente vive e lavora in Umbria.
I primi dipinti di Bruni sono radicati nel surrealismo, ma col tempo inizia a concentrarsi sulla vicinanza del romanticismo lirico e del simbolismo, rafforzando questa combinazione con la squisita raffinatezza e purezza dei suoi personaggi. Gli oggetti animati e inanimati acquisiscono pari dignità e sembrano quasi iperrealistici, ma allo stesso tempo non si nascondono dietro una tenda, ma ti permettono di vedere l'essenza della tua anima. Versatilità e raffinatezza, sensualità e solitudine, premurosità e fecondità sono lo spirito di Aurelio Bruni, nutrito dallo splendore dell'arte e dall'armonia della musica.
Alessandro Balos
Alkasandr Balos è un artista polacco contemporaneo specializzato nella pittura a olio. Nato nel 1970 a Gliwice, Polonia, ma dal 1989 vive e lavora negli USA, nella città di Shasta, California.
Da bambino ha studiato arte sotto la guida del padre Jan, artista e scultore autodidatta, quindi fin dalla tenera età l'attività artistica ha ricevuto pieno sostegno da entrambi i genitori. Nel 1989, all'età di diciotto anni, Balos lasciò la Polonia per gli Stati Uniti, dove la sua insegnante e artista part-time Cathy Gaggliardi incoraggiò Alcasander a iscriversi alla scuola d'arte. Balos ha poi ricevuto una borsa di studio completa presso l'Università di Milwaukee, Wisconsin, dove ha studiato pittura con il professore di filosofia Harry Rosin.
Dopo aver completato gli studi nel 1995 con una laurea, Balos si è trasferito a Chicago per studiare alla School of Fine Arts, i cui metodi si basano sul lavoro di Jacques-Louis David. Il realismo figurativo e la ritrattistica costituivano la maggior parte del lavoro di Balos negli anni '90 e all'inizio degli anni 2000. Oggi Balos utilizza la figura umana per evidenziare le caratteristiche e i difetti dell'esistenza umana, senza offrire alcuna soluzione.
Le composizioni trame dei suoi dipinti sono destinate ad essere interpretate in modo indipendente dallo spettatore, solo allora le tele acquisiranno il loro vero significato temporale e soggettivo. Nel 2005, l'artista si è trasferito nel nord della California, da allora la portata del suo lavoro si è ampliata in modo significativo e ora include metodi di pittura più liberi, tra cui l'astrazione e vari stili multimediali che aiutano a esprimere le idee e gli ideali dell'essere attraverso la pittura.
Alyssa Monks
Alyssa Monks è un'artista americana contemporanea. È nata nel 1977 a Ridgewood, nel New Jersey. Si interessò alla pittura quando era ancora bambina. Ha frequentato la New School di New York e la Montclair State University, e si è laureata al Boston College nel 1999. Contemporaneamente studia pittura all'Accademia Lorenzo Medici di Firenze.
Successivamente ha proseguito gli studi nell'ambito del programma di master presso la New York Academy of Art, nel Dipartimento di Arti Figurative, laureandosi nel 2001. Si è laureata al Fullerton College nel 2006. Ha tenuto brevemente conferenze presso università e istituzioni educative in tutto il paese e ha insegnato pittura alla New York Academy of Art, nonché alla Montclair State University e al Lyme Academy College of Art.
“Utilizzando filtri come vetro, vinile, acqua e vapore, distorco il corpo umano. Questi filtri ti consentono di creare ampie aree di disegno astratto, attraverso le quali spuntano isole di colore: parti del corpo umano.
I miei dipinti cambiano l'aspetto moderno delle pose e dei gesti tradizionali già stabiliti delle donne che fanno il bagno. Potrebbero dire molto a uno spettatore attento su cose apparentemente ovvie come i benefici del nuoto, della danza e così via. I miei personaggi sono premuti contro il vetro della finestra della cabina doccia, distorcendo il proprio corpo, rendendosi conto che in tal modo influenzano il famigerato sguardo maschile su una donna nuda. Spessi strati di vernice vengono mescolati insieme per imitare da lontano vetro, vapore, acqua e carne. Da vicino, tuttavia, le sorprendenti proprietà fisiche della pittura ad olio diventano evidenti. Sperimentando strati di vernice e colore, trovo il momento in cui i tratti astratti diventano qualcos'altro.
Quando ho iniziato a dipingere il corpo umano, ne sono rimasto immediatamente affascinato e persino ossessionato e ho sentito che dovevo rendere i miei dipinti il più realistici possibile. Ho "professato" il realismo finché non ha cominciato a disfarsi e decostruirsi. Ora sto esplorando le possibilità e il potenziale di uno stile di pittura in cui pittura rappresentativa e astrazione si incontrano – se entrambi gli stili possono coesistere nello stesso momento, lo farò”.
Antonio Finelli
Artista italiano - osservatore del tempo” – Antonio Finelli è nato il 23 febbraio 1985. Attualmente vive e lavora in Italia tra Roma e Campobasso. Le sue opere sono state esposte in diverse gallerie in Italia e all'estero: Roma, Firenze, Novara, Genova, Palermo, Istanbul, Ankara, New York, e si trovano anche in collezioni private e pubbliche.
Disegni a matita" Osservatore del tempo” Antonio Finelli ci invia in un viaggio eterno attraverso il mondo interiore della temporalità umana e la rigorosa analisi di questo mondo ad essa associato, il cui elemento principale è il passaggio nel tempo e le tracce che esso lascia sulla pelle.
Finelli dipinge ritratti di persone di ogni età, sesso e nazionalità, le cui espressioni facciali indicano il passaggio nel tempo, e l'artista spera anche di trovare prove della spietatezza del tempo sui corpi dei suoi personaggi. Antonio definisce le sue opere con un titolo generale: “Autoritratto”, perché nei suoi disegni a matita non solo raffigura una persona, ma permette allo spettatore di contemplare i risultati reali dello scorrere del tempo all'interno di una persona.
Flaminia Carloni
Flaminia Carloni è un'artista italiana di 37 anni, figlia di un diplomatico. Ha tre figli. Dodici anni visse a Roma, tre anni in Inghilterra e Francia. Ha conseguito la laurea in storia dell'arte presso la BD School of Art. Successivamente ha conseguito il diploma di specialità restauratrice di opere d'arte. Prima di trovare la sua vocazione e dedicarsi interamente alla pittura, ha lavorato come giornalista, colorista, designer e attrice.
La passione di Flaminia per la pittura nasce fin da bambina. Il suo mezzo principale è l'olio perché ama “coiffer la pate” e gioca anche con la materia. Ha imparato una tecnica simile nelle opere dell'artista Pascal Torua. Flaminia si ispira ai grandi maestri della pittura come Balthus, Hopper e François Legrand, oltre che a vari movimenti artistici: street art, realismo cinese, surrealismo e realismo rinascimentale. Il suo artista preferito è Caravaggio. Il suo sogno è scoprire il potere terapeutico dell'arte.
Denis Cernov
Denis Chernov è un talentuoso artista ucraino, nato nel 1978 a Sambir, nella regione di Lviv, Ucraina. Dopo essersi diplomato al Kharkov Art College nel 1998, è rimasto a Kharkov, dove attualmente vive e lavora. Ha studiato anche presso l'Accademia statale di design e arti di Kharkov, Dipartimento di grafica, diplomandosi nel 2004.
Partecipa regolarmente a mostre d'arte, al momento ce ne sono state più di sessanta, sia in Ucraina che all'estero. La maggior parte delle opere di Denis Chernov sono conservate in collezioni private in Ucraina, Russia, Italia, Inghilterra, Spagna, Grecia, Francia, Stati Uniti, Canada e Giappone. Alcune delle opere sono state vendute da Christie's.
Denis lavora con una vasta gamma di tecniche grafiche e pittoriche. I disegni a matita sono uno dei suoi metodi di pittura preferiti, anche l'elenco degli argomenti dei suoi disegni a matita è molto vario, dipinge paesaggi, ritratti, nudi, composizioni di genere, illustrazioni di libri, ricostruzioni e fantasie letterarie e storiche.
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Punti luminosi, schizzi di luce, aria frizzante: questi artisti vedono il mondo come commoventemente bello e deliziosamente colorato.
sito web offre di guardare il mondo attraverso gli occhi di questi maghi. Alla tua attenzione una selezione di dipinti di impressionisti moderni, che possiedono magistralmente colore e luce.
Le opere dell'artista bulgaro Tsviatko Kinchev nello stile dell'impressionismo sono dipinti digitali: sono realizzate su un computer, in Photoshop. Le creazioni incredibilmente succose dell'artista sottolineano la bellezza e la luminosità del mondo circostante.
L'artista olandese William Henrits lavora ad acquerello, acrilico e pastello. Le sue creazioni sono di una tenerezza sorprendente, dell'aria squillante che respirano i suoi colori, delle sue linee aggraziate. Il lavoro di William è conosciuto in tutto il mondo sotto forma di poster e litografie di alta qualità.
Yuri Petrenko è nato a Sochi. Impegnato professionalmente nella pittura da circa 20 anni. Colori succosi, case carine, navi e il mare. Dai suoi dipinti si respira sole caldo e brezza salmastra. Le sue opere si trovano in collezioni private in quasi tutti i paesi del mondo.
L'artista armeno Hovik Zohrabyan è nato nella famiglia del famoso artista e scultore Nikoghos Zohrabyan. Dietro i tocchi caratteristici dell'impressionismo appare lo stile unico dell'artista stesso. Le sue accoglienti città colorate, le case luminose sono piene di sole e felicità.
Linda Wilder è un'artista canadese. Linda ama dipingere paesaggi e la spatola è uno dei suoi strumenti preferiti. Tratti luminosi e precisi, sfumature e linee sottili: i dipinti di Linda si trovano in collezioni aziendali e private in Canada e in tutto il mondo.
L'artista cinese-americano Ken Hong Lung ha un sottile senso del colore ed è in grado di trasmettere la magia della pace. I suoi villaggi di pescatori e i paesaggi costieri sono diventati una sensazione nei circoli artistici di Hong Kong. Ken è considerato uno dei migliori pittori neoimpressionisti del mondo. È definito il maestro dei paesaggi incantati, delle atmosfere sognanti e dei magici riflessi di luce e colore.
Johan Messeli vive e lavora in Belgio. I suoi dipinti riflettono il mondo accogliente di cortili provinciali ombreggiati, vecchi cancelli e finestre gentili. Johan sa come trasmettere pace e felicità tranquilla con tratti imprudenti. L'artista lavora con oli e pastelli.
Jill Charuk è un'artista canadese contemporanea. Da vent'anni opera nel settore dell'abbigliamento e degli interni. Ama esagerare i colori, esaltare i contrasti. I suoi vivaci dipinti hanno ricevuto riconoscimenti internazionali e fanno parte di collezioni d'arte contemporanea in Nord America, Messico ed Europa. Jill dipinge principalmente con oli e acrilici.
Alena Vantyaeva
La pittura paesaggistica americana del diciannovesimo secolo era rappresentata da due correnti principali: romanticismo e realismo. Con l’adesione di nuovi territori agli Stati Uniti d’America, compreso l’avanzamento dei coloni verso l’Occidente, si sono aperti per gli artisti orizzonti di ispirazione precedentemente sconosciuti. L'immagine della natura americana e della sua identità nazionale è diventata il tema principale dell'arte del paesaggio.
Una delle scuole di pittura più famose e influenti negli Stati Uniti nel diciannovesimo secolo fu la Hudson River School, formata negli anni '50 dell'Ottocento dai seguaci del paesaggista Thomas Cole (fiorì negli anni '20 e '40 del XIX secolo) . Fondamentalmente, la Scuola comprendeva artisti della National Academy of Arts di New York, così come altre associazioni creative. Le tele degli artisti della Hudson School e la loro visione estetica del mondo sono state influenzate dal movimento romantico nell'arte. Il motivo principale del lavoro di oltre 50 dei suoi rappresentanti è stata l'immagine della natura selvaggia dell'America, spesso mostrata in una luce idealistica. Molto spesso, l'oggetto dell'immagine è diventato la Valle dell'Hudson e le aree circostanti, così come le montagne. La Hudson School ha riunito persone ispirate da un'idea comune piuttosto che essere un'istituzione educativa.
I dipinti degli artisti della Hudson River School raffiguravano non solo la bellezza della natura americana, ma avevano anche un certo carattere tematico. Le tele raffiguravano scene di scoperta, esplorazione e insediamento del continente americano. Una delle caratteristiche della rappresentazione del paesaggio americano era la convivenza incredibilmente armoniosa e pacifica tra uomo e natura. Nelle opere degli artisti, la natura era rappresentata come uno standard di purezza e verginità, veniva sottolineata la divinità della sua origine.
Albert Bierstadt (1830-1902) e Frederick Edwin Church (1826-1902) sono considerati gli artisti più importanti della Husdon River School.
Tra le tele più sorprendenti e famose dipinte da Church e che sottolineano la bellezza naturale dell'acqua, delle montagne e del cielo, si possono citare "Cascate del Niagara" e "Cuore delle Ande".
Cascate del Niagara, 1857, Corcoran Gallery of Art di Washington D.C.
“Cuore delle Ande” 1859, Metropolitan Museum of Art di New York
Artista americano con radici tedesche, Albert Bierstadt ha impressionato il pubblico con i suoi paesaggi montani su tele enormi. Uno degli artisti più impressionanti è il dipinto "Montagne Rocciose".
“Le Montagne Rocciose” di Albert Bierstadt, 1863, Metropolitan Museum, New York
In opposizione alla percezione idealistica del mondo circostante da parte degli artisti della Hudson School, agì l'arte realistica di Winslow Homer (1836-1910). Studiò anche all'Accademia Nazionale delle Arti, ma le realtà della metà del XIX secolo divennero il soggetto dell'immagine sulle sue tele. Durante la guerra civile americana (1861-1865) Homer era un artista di guerra. Il fatto della sua partecipazione alle operazioni militari ha influenzato la veridicità della rappresentazione delle scene militari. Uno dei più famosi è il suo dipinto “Prigionieri dal fronte”. Dopo la fine della guerra, W. Homer dipinse tele, traendo ispirazione dalla vita pacifica di tutti i giorni, ma vi trovò anche storie interessanti.
“Prigionieri dal fronte” di W. Homer, 1866, Metropolitan Museum di New York
Il diciannovesimo secolo portò con sé dure prove per il popolo americano. Tuttavia, nonostante tutte le difficoltà incontrate nella ricostruzione della società americana, molto è stato ottenuto. Con l'inclusione di nuovi territori negli Stati Uniti, nuove distese e bellezze del suolo americano si sono aperte alle persone e gli eventi della guerra civile hanno fornito alle persone "spunti di riflessione". Le esperienze del popolo americano non potevano non riflettersi nell'arte. Questo è probabilmente il motivo per cui la pittura di paesaggio americana raggiunse il suo apice nel XIX secolo.
Ogni paese ha i suoi eroi dell'arte contemporanea, i cui nomi sono noti, le cui mostre riuniscono folle di appassionati e curiosi e le cui opere sono distribuite tra collezioni private.
In questo articolo ti presenteremo gli artisti contemporanei più famosi negli Stati Uniti.
Iva Morris
L'artista americana Iva Morris è nata in una famiglia numerosa lontana dall'arte e ha ricevuto la sua educazione artistica dopo la scuola. Ha conseguito la laurea in arte presso l'Università del New Mexico nel 1981. Oggi Iva è impegnata nell'arte da più di 20 anni, le sue opere sono conosciute sia in patria che all'estero e le hanno portato più volte premi e riconoscimenti. Si trovano nelle gallerie di Albuquerque, Sante Fe, New Mexico, Madrid.
Warren Chang
L'artista Urren Cheng è nato nel 1957 in California, ha conseguito una laurea in pittura presso il Pasadena College of Design e ha lavorato come illustratore per varie aziende per i successivi 20 anni, iniziando la sua carriera come artista professionista solo nel 2009. Lo stile pittorico di Cheng è radicato nell'opera dell'artista del XVI secolo Jan Vermeer - Warren Cheng lavora in modo realistico, creando due categorie principali: interni biografici e dipinti raffiguranti lavoratori. Attualmente insegna all'Accademia di Belle Arti di San Francisco.
Christopher Traedy Ulrich
L'artista residente a Los Angeles Christopher Ulrich è un surrealista con una tendenza iconografica. Il suo lavoro è stato fortemente influenzato dalla mitologia antica. La prima mostra personale di Ulrich (insieme all'artista Billy Shire) ha avuto luogo nel giugno 2009.
Michael DeVoreMichael DeVore
Un giovane artista, Michael Devore, originario di Oklahoma City, lavora nella tradizione realista classica. È entrato nel mondo delle arti con l'aiuto e il sostegno della sua famiglia e ha vinto numerosi premi nel suo stato d'origine prima di iniziare a studiare belle arti alla Pepperdine University di Malibu. Poi l'artista ha continuato i suoi studi in Italia. Attualmente il suo lavoro è esposto in tutto il mondo e si trova in collezioni private. Michael Devore è membro degli Oil Painters of America, dell'International Guild of Realism, della National Society of Oil and acrylic Painters e dei Portrait Painters of America.
Mary Carol Kenney
Mary Carol Kenny è nata nell'Indiana nel 1953. Per educazione, è molto lontanamente imparentata con le arti visive, ma dal 2002, spinta dal desiderio di diventare un'artista, ha iniziato a frequentare corsi di scultura e ceramica al Santa Barbara City College, e successivamente ha iniziato a studiare con Ricky Strich. Attualmente è membro del Santa Barbara Art Ass, la Gilda degli Scultori di Santa Barbara, e ha ricevuto numerosi premi in scultura e pittura.
Patrizia Watwood
L'artista realista Patricia Watwood è nata nel 1971 nel Missouri. Si è laureata con lode all'Accademia di Belle Arti, ha studiato con Jacob Collins e Ted Seth Jacobs. Lo stile dell'artista è il classicismo moderno: nei dipinti si intrecciano mitologia, allegorie e vita moderna. Negli ultimi anni, Patricia ha tenuto conferenze sul classicismo in tutto il paese e ora vive con la sua famiglia a Brooklyn.
Paola Rubino
Paula Rubino è un'artista e scrittrice americana contemporanea nata nel 1968 nel New Jersey e cresciuta in Florida. Ha un dottorato in giurisprudenza. Negli anni '90 si trasferisce in Messico e si concentra sulla pittura. Ha studiato l'arte del disegno in Italia, dove ha terminato il suo primo romanzo. È stata pubblicata anche una serie di suoi racconti. Attualmente vive in Florida.
Patsy Valdez
Nata a Los Angeles nel 1951, Patssy Valdez ha studiato belle arti all'Otis Art Institute, dove ha ricevuto il Distinguished Alumnus del 1980. Nel 2005, Valdes ha ricevuto il premio e il titolo "Latina di eccellenza nelle arti culturali" dal Forum congressuale latinoamericano degli Stati Uniti. È diventata famosa all'inizio della sua carriera mentre lavorava con il gruppo artistico d'avanguardia ASCO. Ha ricevuto numerosi premi prestigiosi, compresi quelli assegnati dal J. Paul Getty Visual Arts Trust Fund e dal National Endowment for the Arts. Ha ricevuto una borsa di studio Brody in arti visive. I dipinti di Valdes fanno parte di diverse importanti collezioni.
Cinzia Grilli
L'artista Cynthia Grilli ha conseguito una laurea in Belle Arti presso la Rhode Island School of Design nel 1992 e nel 1994 un Master in pittura presso la New York Academy of Art. Il suo lavoro è stato pubblicato in numerose pubblicazioni statunitensi, esposto in tutto il paese ed è incluso in collezioni private e aziendali in America e in Europa. Cynthia ha ricevuto due volte la Elizabeth Greenshields Foundation.
Eric Fischl
Eric Fischl è nato a New York nel 1948. Nel 1972 si è laureato al California Institute of the Arts. Dopo la laurea, ha lavorato per qualche tempo come guardia di sicurezza presso il Chicago Museum of Modern Art. Dopo essersi trasferito in Scozia, Fischl iniziò a insegnare al Nova Scotia College of Art and Design e iniziò direttamente a dipingere. In Scozia ha avuto luogo la sua prima mostra personale. I generi del suo lavoro sono molto diversi, ma principalmente pittura figurativa, episodi della vita americana contemporanea.
