Ci sono molte persone di talento tra gli artisti russi. Il loro lavoro è molto apprezzato in tutto il mondo e compete con maestri mondiali come Rubens, Michelangelo, Van Gogh e Picasso. In questo articolo abbiamo raccolto 10 degli artisti russi più famosi.

1. Ivan Aivazovsky

Ivan Aivazovsky è uno degli artisti russi più famosi. È nato a Feodosia. Fin dall'infanzia, Aivazovsky ha mostrato le sue incredibili capacità creative: amava disegnare e ha imparato da solo a suonare il violino.

All'età di 12 anni, il giovane talento iniziò a studiare a Simferopol presso l'Accademia di pittura. Qui imparò a copiare incisioni e dipingere dalla natura. Un anno dopo riuscì ad entrare all'Accademia Imperiale di San Pietroburgo, sebbene non avesse ancora compiuto 14 anni.

Per molto tempo l'artista viaggiò per l'Europa e visse in Italia, dove anche i suoi dipinti furono riconosciuti per il loro vero valore. Così il giovane artista di Feodosia divenne un uomo abbastanza famoso e ricco.

Successivamente, Aivazovsky tornò in patria, dove ricevette l'uniforme del Ministero della Marina e il titolo di accademico. L'artista ha visitato anche l'Egitto ed è stato presente all'inaugurazione del nuovo Canale di Suez. L'artista ha descritto tutte le sue impressioni in immagini. A questo punto, aveva già sviluppato il suo stile unico e la capacità di scrivere a memoria. Aivazovsky ha abbozzato brevemente elementi complessi su un taccuino per poi trasferirli sulla tela. I dipinti "Odessa", "La nona onda" e "Il Mar Nero" gli hanno portato fama mondiale.

L'artista trascorse gli ultimi anni della sua vita a Feodosia, dove si costruì una casa in stile italiano. Un po 'più tardi, Aivazovsky vi aggiunse una piccola galleria in modo che tutti potessero godersi liberamente i suoi meravigliosi dipinti e annegare nell'oceano di colori. Oggi questa dimora funge ancora da museo e molti visitatori vengono qui ogni giorno per vedere con i propri occhi l'abilità del pittore marino, che visse una vita lunga e felice.

2. Viktor Vasnetsov

Viktor Vasnetsov continua l'elenco degli artisti russi più famosi. Nacque nella primavera del 1848 nella famiglia di un prete nel piccolo villaggio di Lopyal. La voglia di dipingere si è risvegliata in lui molto presto, ma i suoi genitori non hanno potuto dargli un'istruzione adeguata a causa della mancanza di denaro. Pertanto, all'età di 10 anni, Victor iniziò a studiare in un seminario teologico gratuito.

Nel 1866, praticamente senza soldi, partì per San Pietroburgo. Vasnetsov superò facilmente l'esame di ammissione ed entrò all'Accademia delle arti. Qui iniziò la sua amicizia con il famoso artista Repin, con il quale in seguito si recò a Parigi. Dopo il ritorno a San Pietroburgo, Vasnetsov inizia a dipingere i suoi dipinti più famosi: "Tre eroi", "Fanciulla di neve" e "Dio Sabaoth".

L'artista ha potuto rivelare pienamente il suo talento solo dopo essersi trasferito a Mosca. Qui è accogliente e a suo agio, e ogni immagine successiva è migliore della precedente. Fu a Mosca che Vasnetsov dipinse dipinti come Alyonushka, Ivan Tsarevich e il lupo grigio e Nestor il cronista.

3. Karl Bryullov

Questo famoso artista russo è nato nel 1799. Il padre di Karl era un famoso pittore e professore all'Accademia delle arti di San Pietroburgo. Pertanto, il destino del ragazzo era una conclusione scontata. Fortunatamente, Karl Bryullov è riuscito a ereditare il talento dell'artista da suo padre.

Lo studio è stato dato al giovane artista molto facilmente. Era molte volte superiore al resto degli studenti della sua classe e si diplomò all'Accademia delle Arti con il massimo dei voti. Successivamente, Karl andò in giro per l'Europa, fermandosi a lungo solo in Italia. Fu qui che creò il suo capolavoro: "L'ultimo giorno di Pompei", dopo aver trascorso circa sei anni a scriverlo.

Al suo ritorno a San Pietroburgo, Karl Bryullov era atteso da fama e gloria. Erano contenti di vederlo ovunque e sicuramente ammiravano i suoi nuovi dipinti. Durante questo periodo, l'artista crea molti dei suoi dipinti immortali: Amazzone, Assedio di Pskov, Narciso e altri.

4. Ivan Shishkin

Ivan Shishkin è uno dei più famosi paesaggisti russi, che nei suoi dipinti poteva presentare qualsiasi paesaggio poco appariscente nella luce più favorevole. Sembra che la natura stessa giochi sulle tele di questo artista con colori vivi.

Ivan Shishkin è nato nel 1832 a Yelabuga, che oggi appartiene al Tatarstan. Il padre voleva che suo figlio alla fine assumesse la carica di funzionario della città, ma Ivan gravitava verso il disegno. All'età di 20 anni partì per Mosca per studiare pittura. Dopo essersi diplomato con successo alla Scuola d'arte di Mosca, Shishkin entrò all'Accademia Imperiale di San Pietroburgo.

Successivamente viaggiò a lungo in Europa, disegnando paesaggi meravigliosi. In questo periodo realizzò il dipinto "Vista nei dintorni di Düsseldorf", che gli diede grande fama. Dopo il ritorno in Russia, Shishkin continua a creare con raddoppiata energia. Secondo lui, la natura russa è centinaia di volte superiore ai paesaggi europei.

Ivan Shishkin ha dipinto molti dipinti straordinari nella sua vita: "Mattina in una pineta", "Prima neve", "Pineta" e altri. Anche la morte ha colto questo pittore proprio dietro il cavalletto.

5. Isacco Levitan

Questo grande maestro russo del paesaggio è nato in Lituania, ma ha vissuto tutta la sua vita in Russia. Ripetutamente, la sua origine ebraica gli causò molte umiliazioni, ma non lo costrinse a lasciare questo paese, che idolatrava e lodava nei suoi dipinti.

Già i primi paesaggi di Levitan hanno ricevuto voti alti da Perov e Savrasov, e lo stesso Tretyakov ha persino acquistato il suo dipinto “Giorno d'autunno a Sokolniki”. Ma nel 1879 Isaac Levitan, insieme a tutti gli ebrei, fu espulso da Mosca. Solo grazie ai grandi sforzi di amici e insegnanti riesce a ritornare in città.

Nel 1880, l'artista dipinse molti dipinti straordinari che lo resero molto famoso. Questi erano "Pini", "Autunno" e "Prima neve". Ma l'ennesima umiliazione costrinse l'autore a lasciare nuovamente Mosca e recarsi in Crimea. Sulla penisola, l'artista scrive una serie di opere straordinarie e migliora significativamente le sue condizioni finanziarie. Ciò gli permette di viaggiare in giro per l'Europa e conoscere il lavoro dei maestri del mondo. L'apice del lavoro di Levitan è stato il suo dipinto "Sopra la pace eterna".

6. Vasily Tropinin

Il grande ritrattista russo Vasily Tropinin ha avuto un destino straordinario. Nacque nella famiglia dei servi del conte Markov nel 1780 e solo all'età di 47 anni ricevette il diritto di essere un uomo libero. Fin da bambino, il piccolo Vasily aveva un debole per il disegno, ma il conte lo mandò a studiare come pasticciere. Successivamente viene comunque inviato all'Accademia Imperiale, dove mostra il suo talento in tutta la sua bellezza. Per i suoi ritratti "La merlettaia" e "Il vecchio mendicante" Vasily Tropinin è stato insignito del titolo di accademico.

7. Petrov-Vodkin Kuzma

Il famoso artista russo Petrov-Vodkin è riuscito a lasciare una ricca eredità nella pittura mondiale. Nacque nel 1878 a Khvalynsk e in gioventù sarebbe diventato un ferroviere. Tuttavia, il destino lo ha reso un pittore di fama mondiale.

8. Alexey Savrasov

I dipinti di questo artista russo si vendevano bene già all'età di 12 anni. Poco dopo entrò alla Scuola di pittura di Mosca e divenne subito uno dei migliori studenti. Un viaggio in Ucraina ha aiutato Savrasov a finire il college prima del previsto e a ricevere il titolo di artista.

I dipinti "Pietra nella foresta" e "Cremlino di Mosca" hanno reso questo pittore un accademico all'età di 24 anni! La famiglia reale è interessata ai giovani talenti e lo stesso Tretyakov acquista molte delle sue opere per mostre internazionali. Tra questi c'erano "Winter", "Rooks have came", "Thaw" e altri.

La morte di due figlie e il successivo divorzio mettono a dura prova Savrasov. Beve molto e presto muore in un ospedale per poveri.

9. Andrej Rublev

Andrei Rublev è il più famoso pittore di icone russo. È nato nel XV secolo e ha lasciato una grande eredità sotto forma delle icone "Trinità", "Annunciazione", "Battesimo del Signore". Andrei Rublev, insieme a Daniil Cherny, decorò molte chiese con affreschi e dipinse anche icone per l'iconostasi.

10. Michail Vrubel

Il nostro elenco degli artisti russi più famosi è completato da Mikhail Vrubel, che durante la sua vita ha creato numerosi capolavori in vari argomenti. Era impegnato nella pittura del tempio di Kiev, e più tardi a Mosca iniziò a creare la sua famosa serie di dipinti "demoniaci". Il lancio creativo di questo artista non ha trovato la giusta comprensione tra i suoi contemporanei. Solo pochi decenni dopo la morte di Mikhail Vrubel, i critici d'arte gli hanno riconosciuto il dovuto e la Chiesa ha concordato con le sue interpretazioni degli eventi biblici.

Sfortunatamente, la vita personale dell'artista gli ha causato lo sviluppo di una grave forma di disturbo mentale. Il titolo di accademico lo raggiunse in un manicomio, dal quale non era più destinato a uscire. Tuttavia, Mikhail Vrubel è riuscito a creare molte straordinarie opere d'arte degne di genuina ammirazione. Tra questi, vale soprattutto la pena evidenziare i dipinti "Demone seduto", "La principessa del cigno" e "Faust".

Anche se penso che la professione di designer non sia legata all'arte, mi sembra che l'educazione culturale e lo sviluppo del gusto siano importanti per ogni designer. Pertanto, il post di oggi sarà un po' educativo generale.

Vorrei che ogni persona ammirasse i dipinti immortali di grandi artisti. In questo articolo ho raccolto i dipinti migliori e più iconici di vari maestri d'arte.

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Leonardo da Vinci "La Gioconda"

Mi sembra che valga la pena iniziare la recensione con il dipinto più probabilmente famoso al mondo: la Gioconda (o "Mona Lisa") di Leonardo da Vinci. Questo è un ritratto di Lisa Gherardini dipinto intorno al 1503-1505. Attualmente conservato al Louvre.

Una caratteristica significativa dell'immagine è il famoso sorriso misterioso di Monna Lisa. Ci sono diversi segreti nel sorriso più famoso del mondo che ancora oggi entusiasmano le menti. Il primo segreto: è difficile capire se la Gioconda stia effettivamente sorridendo o semplicemente sembri farlo. Il secondo e il terzo enigma possono essere visti solo dal vivo, essendo stati al Louvre: da qualsiasi punto della sala sembra che il ritratto ti guardi e sorrida solo a te; passando gradualmente dal ritratto da sinistra a destra, puoi vedere come la ragazza su di esso sta invecchiando. Gli ultimi due fenomeni mi è capitato di osservarli personalmente e posso confermare che avvengono realmente.

Raffaello "Madonna Sistina"

Questa immagine viene spesso utilizzata per varie cartoline di Natale. O meglio angeli dal basso. Il dipinto fu commissionato a Raffaello nel 1512. Attualmente conservato nella Galleria degli Antichi Maestri di Dresda.

Leonardo da Vinci "L'Ultima Cena"

L'affresco raffigura l'Ultima Cena di Cristo con i suoi discepoli. Fu scritto nel 1495-1498 nel monastero di Santa Maria delle Grazie a Milano. Dimensioni approssimative 4,5 x 8,7 metri.

Sandro Botticelli "La nascita di Venere"

Il dipinto del famoso italiano è conservato a Firenze nella Galleria degli Uffizi. Il quadro fu dipinto nel 1486. E raffigura la dea della bellezza, che nasce dalla schiuma del mare e esce sulla terra.

Salvador Dalì "La persistenza della memoria"

Probabilmente il dipinto più famoso di Salvador Dalì. Personalmente, l'immagine mi colpisce dritto al cervello e mi fa dubitare della realtà del mondo che mi circonda. Scritto nel 1931 e attualmente conservato al Museum of Modern Art di New York.

Kazimir Malevich Quadrato nero"

Questa tela di 79,5 × 79,5 centimetri era iconica e diede origine a una nuova direzione nella pittura. Allo stesso tempo, Black Square è anche la tela più controversa. Non sono così poche le persone che non vedono l'arte qui e dicono che disegneranno altrettanto bene. Dal 1915 Malevich dipinse 7 tele identiche.

Un fatto interessante: molti critici suggeriscono che Malevich originariamente dipinse un'immagine diversa e successivamente la imbrattò con vernice nera. Gli studi sulla collocazione furono effettuati più volte, ma i critici d'arte si indignarono, sostenendo che il dipinto avrebbe potuto essere danneggiato irreparabilmente.

Vincent van Gogh "Notte stellata"

Uno dei miei quadri preferiti in generale. Dipinto da un artista olandese nel 1889. Attualmente è conservato al Museum of Modern Art di New York.

Karl Bryulov " L'ultimo giorno di Pompei"

Il pittore russo dipinse questo quadro nel 1830 dopo aver visitato Pompei. L'immagine racconta la famosa eruzione del Vesuvio, che seppellì l'intera città. Attualmente conservato nel Museo statale russo di San Pietroburgo.

Pablo Picasso "Ragazza con la palla"

Il dipinto fu dipinto da un famoso artista spagnolo nel 1905 e raffigura un gruppo di acrobati erranti. Attualmente conservato nel Museo Pushkin, Mosca.

Ivan Aivazovsky "La nona onda"

L'immagine colpisce con un tripudio di colori e mostra l'impotenza di una persona di fronte agli elementi. Dipinto dal famoso artista russo nel 1850. Esposto a San Pietroburgo presso il Museo statale russo.

In effetti, questo elenco può essere continuato indefinitamente. Ci sono un numero enorme di opere d'arte nel mondo. Consiglio di vederli tutti dal vivo.

Nessuna ispirazione? Vi consiglio di scegliere l'orario e di visitare un bel museo.

"Giocatori di carte"

Autore

Paolo Cézanne

Un paese Francia
Anni di vita 1839–1906
Stile post impressionismo

L'artista è nato nel sud della Francia, nella piccola città di Aix-en-Provence, ma ha iniziato a dipingere a Parigi. Il vero successo arrivò dopo una mostra personale organizzata dal collezionista Ambroise Vollard. Nel 1886, 20 anni prima della sua partenza, si trasferì alla periferia della sua città natale. I giovani artisti chiamavano i suoi viaggi "un pellegrinaggio ad Aix".

130x97 centimetri
1895
prezzo
$ 250 milioni
venduto nel 2012
all'asta privata

Il lavoro di Cézanne è facile da capire. L'unica regola dell'artista era il trasferimento diretto del soggetto o della trama sulla tela, quindi i suoi dipinti non provocano sconcerto nello spettatore. Cézanne ha unito nella sua arte due principali tradizioni francesi: classicismo e romanticismo. Con l'aiuto di texture colorate, ha conferito alla forma degli oggetti una straordinaria plasticità.

Una serie di cinque dipinti "Giocatori di carte" fu scritta nel 1890-1895. La loro trama è la stessa: molte persone giocano con entusiasmo al poker. Le opere differiscono solo per il numero dei giocatori e per la dimensione della tela.

Quattro dipinti sono conservati in musei in Europa e in America (il Musée d'Orsay, il Metropolitan Museum of Art, la Barnes Foundation e il Courtauld Institute of Art), e il quinto, fino a tempi recenti, era un ornamento della collezione privata del L'armatore miliardario greco George Embirikos. Poco prima di morire, nell'inverno del 2011, decise di metterlo in vendita. I potenziali acquirenti dell'opera "gratuita" di Cezanne erano il mercante d'arte William Aquavella e il gallerista di fama mondiale Larry Gagosian, che offrirono circa 220 milioni di dollari per essa. Di conseguenza, il dipinto è andato alla famiglia reale dello stato arabo del Qatar per 250 milioni e nel febbraio 2012 è stato concluso il più grande affare d'arte nella storia della pittura. Lo ha riferito a Vanity Fair la giornalista Alexandra Pierce. Ha scoperto il costo del dipinto e il nome del nuovo proprietario, quindi l'informazione è penetrata nei media di tutto il mondo.

Nel 2010 sono stati aperti in Qatar il Museo Arabo di Arte Moderna e il Museo Nazionale del Qatar. Ora le loro collezioni stanno crescendo. Forse la quinta versione di The Card Players è stata acquistata dallo sceicco per questo scopo.

Piùfoto costosanel mondo

Proprietario
Sheikh Hamad
bin Khalifa al-Thani

La dinastia al-Thani governa il Qatar da oltre 130 anni. Circa mezzo secolo fa qui furono scoperte enormi riserve di petrolio e gas, che resero immediatamente il Qatar una delle regioni più ricche del mondo. Grazie all'esportazione di idrocarburi, questo piccolo paese ha registrato il maggiore PIL pro capite. Lo sceicco Hamad bin Khalifa al-Thani prese il potere nel 1995, mentre suo padre era in Svizzera, con il sostegno dei familiari. Il merito dell'attuale sovrano, secondo gli esperti, sta nella chiara strategia per lo sviluppo del Paese, creando un'immagine di successo dello Stato. Il Qatar ora ha una costituzione e un primo ministro, e le donne hanno ottenuto il diritto di voto alle elezioni parlamentari. A proposito, è stato l'emiro del Qatar a fondare il canale di notizie Al Jazeera. Le autorità dello stato arabo prestano grande attenzione alla cultura.

2

"Numero 5"

Autore

Jackson Pollock

Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1912–1956
Stile espressionismo astratto

Jack the Sprinkler: questo soprannome è stato dato a Pollock dal pubblico americano per la sua speciale tecnica pittorica. L'artista abbandonava pennello e cavalletto e versava la vernice sulla superficie della tela o del pannello di fibra durante un movimento continuo attorno e all'interno di essi. Fin dalla tenera età amava la filosofia di Jiddu Krishnamurti, il cui messaggio principale è che la verità viene rivelata durante una libera "effusione".

122x244 centimetri
1948
prezzo
$ 140 milioni
venduto nel 2006
all'asta Sotheby's

Il valore del lavoro di Pollock non sta nel risultato, ma nel processo. Non a caso l'autore ha chiamato la sua arte "action painting". Con la sua mano leggera, divenne la principale risorsa dell'America. Jackson Pollock mescolava la vernice con sabbia, vetri rotti e scriveva con un pezzo di cartone, una spatola, un coltello, una pala. L'artista era così popolare che negli anni '50 c'erano persino degli imitatori nell'URSS. Il dipinto "Numero 5" è riconosciuto come uno dei più strani e costosi al mondo. Uno dei fondatori della DreamWorks, David Geffen, lo acquistò per una collezione privata e nel 2006 lo vendette da Sotheby's per 140 milioni di dollari al collezionista messicano David Martinez. Tuttavia, lo studio legale ha presto emesso un comunicato stampa per conto del suo cliente, affermando che David Martinez non era il proprietario del dipinto. Solo una cosa è certa: il finanziere messicano ha infatti recentemente collezionato opere d'arte contemporanea. È improbabile che si sarebbe perso un "pesce grosso" come "Numero 5" di Pollock.

3

"Donna III"

Autore

Willem de Kooning

Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1904–1997
Stile espressionismo astratto

Originario dei Paesi Bassi, emigrò negli Stati Uniti nel 1926. Nel 1948 ebbe luogo una mostra personale dell'artista. I critici d'arte apprezzarono le complesse e nervose composizioni in bianco e nero, riconoscendo nel loro autore un grande artista modernista. Per gran parte della sua vita ha sofferto di alcolismo, ma in ogni sua opera si avverte la gioia di creare nuova arte. De Kooning si distingue per l'impulsività della pittura, i tratti ampi, motivo per cui a volte l'immagine non rientra nei confini della tela.

121x171 centimetri
1953
prezzo
$ 137 milioni
venduto nel 2006
all'asta privata

Negli anni '50, nei dipinti di de Kooning compaiono donne con gli occhi vuoti, il seno massiccio e i lineamenti brutti. "Woman III" è stata l'ultima opera di questa serie a partecipare all'asta.

Dagli anni '70, il dipinto è stato conservato nel Museo d'Arte Moderna di Teheran, ma dopo l'introduzione di rigide regole morali nel paese, hanno cercato di liberarsene. Nel 1994, l'opera fu portata fuori dall'Iran e 12 anni dopo, il suo proprietario David Geffen (lo stesso produttore che vendette "Number 5" di Jackson Pollock) vendette il dipinto al milionario Stephen Cohen per 137,5 milioni di dollari. È interessante notare che in un anno Geffen iniziò a vendere la sua collezione di dipinti. Ciò ha dato origine a molte voci: ad esempio, che il produttore avesse deciso di acquistare il Los Angeles Times.

In uno dei forum d'arte è stata espressa un'opinione sulla somiglianza di "Donna III" con il dipinto di Leonardo da Vinci "La Dama con l'ermellino". Dietro il sorriso a trentadue denti e la figura informe dell'eroina, l'intenditore d'arte discerneva la grazia di una persona di sangue reale. Ciò è evidenziato anche dalla corona scarsamente tracciata che corona la testa di una donna.

4

"Ritratto di AdeleBloch-Bauer I"

Autore

Gustav Klimt

Un paese Austria
Anni di vita 1862–1918
Stile moderno

Gustav Klimt nacque nella famiglia di un incisore ed era il secondo di sette figli. Tre figli di Ernest Klimt divennero artisti e solo Gustav divenne famoso in tutto il mondo. Ha trascorso gran parte della sua infanzia in povertà. Dopo la morte del padre, fu responsabile dell'intera famiglia. Fu in questo periodo che Klimt sviluppò il suo stile. Davanti ai suoi dipinti, qualsiasi spettatore si blocca: sotto i sottili tratti d'oro, l'erotismo schietto è chiaramente visibile.

138x136cm
1907
prezzo
$ 135 milioni
venduto nel 2006
all'asta Sotheby's

Il destino del dipinto, chiamato "La Gioconda austriaca", potrebbe facilmente diventare la base per un bestseller. Il lavoro dell'artista è diventato la causa del conflitto dell'intero stato e di una signora anziana.

Quindi, il "Ritratto di Adele Bloch-Bauer I" raffigura un'aristocratica, la moglie di Ferdinand Bloch. La sua ultima volontà fu quella di trasferire il dipinto alla Galleria di Stato austriaca. Tuttavia Bloch annullò la donazione nel suo testamento e i nazisti espropriarono il dipinto. Più tardi, la Galleria difficilmente comprò l'Adele d'oro, ma poi apparve l'ereditiera: Maria Altman, la nipote di Ferdinand Bloch.

Nel 2005 è iniziato il processo di alto profilo "Maria Altman contro la Repubblica d'Austria", a seguito del quale l'immagine "è partita" con lei a Los Angeles. L'Austria ha adottato misure senza precedenti: sono stati negoziati prestiti, la popolazione ha donato denaro per acquistare il ritratto. Il bene non ha mai vinto il male: Altman ha alzato il prezzo a 300 milioni di dollari. Al momento del processo aveva 79 anni ed è passata alla storia come la persona che ha cambiato il testamento di Bloch-Bauer a favore degli interessi personali. Il dipinto fu acquistato da Ronald Lauder, proprietario della New Gallery di New York, dove si trova ancora oggi. Non per l'Austria, per lui Altman ha ridotto il prezzo a 135 milioni di dollari.

5

"Grido"

Autore

Edvard Munch

Un paese Norvegia
Anni di vita 1863–1944
Stile espressionismo

Il primo dipinto di Munch, diventato famoso in tutto il mondo, "La ragazza malata" (esiste in cinque copie) è dedicato alla sorella dell'artista, morta di tubercolosi all'età di 15 anni. Munch è sempre stato interessato al tema della morte e della solitudine. In Germania la sua pittura pesante e maniacale provocò addirittura uno scandalo. Tuttavia, nonostante le trame deprimenti, i suoi dipinti hanno un magnetismo speciale. Prendi almeno "Scream".

73,5x91 cm
1895
prezzo
$ 119,992 milioni
venduto 2012
all'asta Sotheby's

Il nome completo del dipinto è Der Schrei der Natur (tradotto dal tedesco come "il grido della natura"). Il volto di una persona o di un alieno esprime disperazione e panico: lo spettatore prova le stesse emozioni quando guarda l'immagine. Una delle opere chiave dell'espressionismo mette in guardia sui temi diventati acuti nell'arte del XX secolo. Secondo una versione, l'artista lo ha creato sotto l'influenza di un disturbo mentale, di cui ha sofferto per tutta la vita.

Il dipinto è stato rubato due volte da diversi musei, ma è stato restituito. Leggermente danneggiato dopo il furto, L'Urlo è stato restaurato ed è stato pronto per essere nuovamente esposto al Museo Munch nel 2008. Per i rappresentanti della cultura pop, l'opera è diventata fonte di ispirazione: Andy Warhol ha creato una serie delle sue copie-stampe e la maschera del film "Scream" è stata realizzata a immagine e somiglianza dell'eroe del film.

Per una trama, Munch ha scritto quattro versioni dell'opera: quella di una collezione privata è realizzata in pastello. Il miliardario norvegese Petter Olsen lo ha messo all'asta il 2 maggio 2012. L'acquirente era Leon Black, che non ha risparmiato una cifra record per "Scream". Fondatore di Apollo Advisors, L.P. e i Consulenti Lions, L.P. noto per il suo amore per l'arte. Black è un mecenate del Dartmouth College, del Museum of Modern Art, del Lincoln Art Center e del Metropolitan Museum of Art. Possiede la più grande collezione di dipinti di artisti contemporanei e maestri classici dei secoli passati.

6

"Nudo sullo sfondo di un busto e foglie verdi"

Autore

Pablo Picasso

Un paese Spagna, Francia
Anni di vita 1881–1973
Stile cubismo

Di origine è spagnolo, ma nello spirito e nel luogo di residenza è un vero francese. Picasso aprì il suo studio d'arte a Barcellona quando aveva solo 16 anni. Poi andò a Parigi e lì trascorse gran parte della sua vita. Ecco perché nel suo cognome c'è un doppio accento. Lo stile inventato da Picasso si basa sulla negazione dell'opinione secondo cui l'oggetto raffigurato sulla tela può essere visto da una sola angolazione.

130x162 centimetri
1932
prezzo
$ 106,482 milioni
venduto nel 2010
all'asta Christie's

Durante il suo lavoro a Roma, l'artista ha incontrato la ballerina Olga Khokhlova, che presto divenne sua moglie. Ha posto fine al vagabondaggio, si è trasferito con lei in un lussuoso appartamento. A quel punto, il riconoscimento aveva trovato un eroe, ma il matrimonio era stato distrutto. Uno dei dipinti più costosi al mondo è stato creato quasi per caso, per grande amore che, come sempre con Picasso, fu di breve durata. Nel 1927 si interessò alla giovane Marie-Therese Walter (lei aveva 17 anni, lui 45). Di nascosto dalla moglie, partì con la sua amante per una città vicino a Parigi, dove dipinse un ritratto raffigurante Maria Teresa nell'immagine di Dafne. Il dipinto fu acquistato dal commerciante di New York Paul Rosenberg e venduto nel 1951 a Sidney F. Brody. I Brody mostrarono il dipinto al mondo solo una volta, e solo perché l'artista aveva 80 anni. Dopo la morte del marito, la signora Brody ha messo l'opera all'asta da Christie's nel marzo 2010. In sessant’anni il prezzo è aumentato di oltre 5.000 volte! Un collezionista sconosciuto lo acquistò per 106,5 milioni di dollari. Nel 2011 si è tenuta una “mostra di un dipinto” in Gran Bretagna, dove ha visto la luce per la seconda volta, ma il nome del proprietario è ancora sconosciuto.

7

"Otto Elvis"

Autore

Andy Warhole

Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1928-1987
Stile
pop Art

"Il sesso e le feste sono gli unici posti in cui devi apparire di persona", ha detto l'artista pop di culto, regista e uno dei fondatori della rivista Interview, il designer Andy Warhol. Ha lavorato con Vogue e Harper's Bazaar, ha disegnato copertine di dischi e ha disegnato scarpe per I.Miller. Negli anni '60 apparvero dipinti raffiguranti i simboli dell'America: la zuppa Campbell e la Coca-Cola, Presley e Monroe - che lo resero una leggenda.

358x208cm
1963
prezzo
$ 100 milioni
venduto nel 2008
all'asta privata

Gli anni '60 di Warhol: la cosiddetta era della pop art in America. Nel 1962 lavorò a Manhattan al Factory Studio, dove si riuniva tutta la bohémien di New York. I suoi rappresentanti più brillanti: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote e altri personaggi famosi nel mondo. Allo stesso tempo, Warhol ha provato la tecnica della serigrafia: ripetizioni multiple di un'immagine. Ha utilizzato questo metodo anche durante la creazione di "Eight Elvises": allo spettatore sembra di vedere i fotogrammi di un film in cui la star prende vita. Tutto ciò che l'artista ha amato così tanto è qui: un'immagine pubblica vantaggiosa per tutti, il colore argento e una premonizione di morte come messaggio principale.

Ci sono due galleristi d'arte che promuovono oggi il lavoro di Warhol sul mercato mondiale: Larry Gagosian e Alberto Mugrabi. Il primo, nel 2008, ha speso 200 milioni di dollari per acquistare più di 15 opere di Warhol. Il secondo compra e vende i suoi quadri come cartoline di Natale, solo più costosi. Ma non furono loro, ma l'umile consulente d'arte francese Philippe Segalo che aiutò l'intenditore d'arte romano Annibale Berlinghieri a vendere gli Otto Elvise a un acquirente sconosciuto per una cifra record di Warhol di 100 milioni di dollari.

8

"Arancia,Rosso Giallo"

Autore

Marco Rothko

Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1903–1970
Stile espressionismo astratto

Uno dei creatori della pittura a colori è nato a Dvinsk, in Russia (ora Daugavpils, in Lettonia), in una numerosa famiglia di un farmacista ebreo. Nel 1911 emigrarono negli Stati Uniti. Rothko ha studiato al dipartimento d'arte dell'Università di Yale, ha ottenuto una borsa di studio, ma i sentimenti antisemiti lo hanno costretto a lasciare gli studi. Nonostante tutto, i critici d'arte idolatrarono l'artista e i musei lo perseguitarono per tutta la vita.

206x236 cm
1961
prezzo
$ 86,882 milioni
venduto nel 2012
all'asta Christie's

I primi esperimenti artistici di Rothko furono di orientamento surrealista, ma col tempo semplificò la trama colorando macchie, privandole di ogni oggettività. All'inizio avevano tonalità brillanti, e negli anni '60 si riempirono di marrone, viola, che si ispessì fino al nero al momento della morte dell'artista. Mark Rothko ha messo in guardia dal cercare qualsiasi significato nei suoi dipinti. L'autore ha voluto dire esattamente quello che ha detto: solo il colore che si dissolve nell'aria, e niente più. Consigliava di guardare le opere da una distanza di 45 cm, in modo che lo spettatore venga “trascinato” nel colore, come in un imbuto. Attenzione: la visione secondo tutte le regole può portare all'effetto della meditazione, cioè la consapevolezza dell'infinito arriva gradualmente, la completa immersione in se stessi, il rilassamento, la purificazione. Il colore nei suoi dipinti vive, respira e ha un forte impatto emotivo (a volte si dice che sia curativo). L'artista ha detto: "Lo spettatore dovrebbe piangere guardandoli" - e casi del genere si sono verificati davvero. Secondo la teoria di Rothko, in questo momento le persone vivono la stessa esperienza spirituale che ha avuto lui mentre lavorava al dipinto. Se sei riuscito a capirlo a un livello così sottile, non sorprenderti che queste opere di astrattismo siano spesso paragonate dai critici alle icone.

L'opera "Orange, Red, Yellow" esprime l'essenza della pittura di Mark Rothko. Il suo costo iniziale all'asta Christie's a New York è di 35-45 milioni di dollari. Un acquirente sconosciuto ha offerto un prezzo doppio rispetto a quello stimato. Il nome del felice proprietario del dipinto, come spesso accade, non è stato reso noto.

9

"Trittico"

Autore

Francesco Bacone

Un paese
Gran Bretagna
Anni di vita 1909–1992
Stile espressionismo

Le avventure di Francis Bacon, omonimo a pieno titolo e, per di più, lontano discendente del grande filosofo, iniziarono quando suo padre lo rinnegò, incapace di accettare le inclinazioni omosessuali del figlio. Bacon andò prima a Berlino, poi a Parigi, e poi le sue tracce si confondono in tutta Europa. Anche durante la sua vita, le sue opere furono esposte nei principali centri culturali del mondo, tra cui il Museo Guggenheim e la Galleria Tretyakov.

147,5x198 cm (ciascuno)
1976
prezzo
$ 86,2 milioni
venduto nel 2008
all'asta Sotheby's

I musei prestigiosi si sforzavano di possedere dipinti di Bacon, ma il pubblico inglese non aveva fretta di sborsare per tale arte. Il leggendario primo ministro britannico Margaret Thatcher disse di lui: "L'uomo che dipinge questi quadri orribili".

Il periodo iniziale del suo lavoro, l'artista stesso considerava il dopoguerra. Di ritorno dal servizio, riprese a dipingere e creò i principali capolavori. Prima della partecipazione all'asta del "Trittico, 1976", l'opera più costosa di Bacon era lo "Studio per un ritratto di papa Innocenzo X" (52,7 milioni di dollari). Nel "Trittico, 1976" l'artista ha raffigurato la trama mitica della persecuzione di Oreste da parte delle Furie. Naturalmente Oreste è lo stesso Bacone, e le furie sono i suoi tormenti. Per più di 30 anni il dipinto è stato in una collezione privata e non ha partecipato a mostre. Questo fatto gli conferisce un valore speciale e, di conseguenza, aumenta il costo. Ma cosa sono pochi milioni per un intenditore d'arte, e anche generoso in russo? Roman Abramovich ha iniziato a creare la sua collezione negli anni '90, in questo è stato significativamente influenzato dalla sua ragazza Dasha Zhukova, che è diventata una gallerista alla moda nella Russia moderna. Secondo dati non ufficiali, l'uomo d'affari possiede opere di Alberto Giacometti e Pablo Picasso, acquistate per importi superiori a 100 milioni di dollari. Nel 2008 è diventato proprietario del Trittico. A proposito, nel 2011 è stata acquisita un'altra preziosa opera di Bacon: "Tre schizzi per un ritratto di Lucian Freud". Fonti nascoste dicono che Roman Arkadievich divenne di nuovo l'acquirente.

10

"Laghetto con ninfee"

Autore

Claude Monet

Un paese Francia
Anni di vita 1840–1926
Stile impressionismo

L'artista è riconosciuto come il fondatore dell'impressionismo, che ha "brevettato" questo metodo nelle sue tele. La prima opera significativa è stata il dipinto "Colazione sull'erba" (la versione originale dell'opera di Edouard Manet). Da giovane disegnava caricature e si dedicava alla pittura vera e propria durante i suoi viaggi lungo la costa e all'aria aperta. A Parigi condusse uno stile di vita bohémien e non lo abbandonò nemmeno dopo aver prestato servizio nell'esercito.

210x100cm
1919
prezzo
$ 80,5 milioni
venduto nel 2008
all'asta Christie's

Oltre al fatto che Monet era un grande artista, era anche impegnato con entusiasmo nel giardinaggio, adorava la fauna selvatica e i fiori. Nei suoi paesaggi lo stato della natura è momentaneo, gli oggetti sembrano sfocati dal movimento dell'aria. L'impressione è arricchita da grandi tratti, da una certa distanza diventano invisibili e si fondono in un'immagine strutturata e tridimensionale. Nel dipinto del defunto Monet, un posto speciale è occupato dal tema dell'acqua e della vita in essa. Nella città di Giverny, l'artista aveva il suo stagno, dove coltivava ninfee da semi portati appositamente dal Giappone. Quando i loro fiori sbocciarono, iniziò a dipingere. La serie delle Ninfee è composta da 60 opere che l'artista ha dipinto nell'arco di quasi 30 anni, fino alla sua morte. La sua vista è peggiorata con l'età, ma non si è fermato. A seconda del vento, della stagione e del tempo, la vista dello stagno cambiava costantemente e Monet voleva catturare questi cambiamenti. Attraverso un lavoro attento, gli è arrivata la comprensione dell'essenza della natura. Alcuni dei dipinti della serie sono conservati nelle principali gallerie del mondo: Museo Nazionale d'Arte Occidentale (Tokyo), Orangerie (Parigi). La versione del successivo "Stagno con ninfee" è andata nelle mani di un acquirente sconosciuto per una cifra record.

11

Falsa stella T

Autore

Jasper Johns

Un paese Stati Uniti d'America
Anno di nascita 1930
Stile pop Art

Nel 1949, Jones entrò alla scuola di design di New York. Insieme a Jackson Pollock, Willem de Kooning e altri, è riconosciuto come uno dei principali artisti del XX secolo. Nel 2012 ha ricevuto la Medaglia Presidenziale della Libertà, il più alto riconoscimento civile degli Stati Uniti.

137,2x170,8 cm
1959
prezzo
$ 80 milioni
venduto nel 2006
all'asta privata

Come Marcel Duchamp, Jones ha lavorato con oggetti reali, raffigurandoli su tela e in scultura nel pieno rispetto dell'originale. Per le sue opere ha utilizzato oggetti semplici e comprensibili a tutti: una bottiglia di birra, una bandiera o delle mappe. Non c'è una composizione chiara nell'immagine della Falsa Partenza. L'artista sembra giocare con lo spettatore, spesso “erroneamente” firmando i colori del quadro, capovolgendo il concetto stesso di colore: “Volevo trovare un modo per rappresentare il colore in modo che potesse essere determinato da qualche altro metodo." Il suo dipinto più esplosivo e "insicuro", secondo i critici, è stato acquistato da un acquirente sconosciuto.

12

"Sedutonudosul divano"

Autore

Amedeo Modigliani

Un paese Italia, Francia
Anni di vita 1884–1920
Stile espressionismo

Modigliani fu spesso malato fin dall'infanzia, durante un delirio febbrile riconobbe il suo destino di artista. Studiò disegno a Livorno, Firenze, Venezia e nel 1906 partì per Parigi, dove fiorì la sua arte.

65x100cm
1917
prezzo
$ 68,962 milioni
venduto nel 2010
all'asta Sotheby's

Nel 1917 Modigliani incontrò la diciannovenne Jeanne Hébuterne, che divenne la sua modella e in seguito sua moglie. Nel 2004, uno dei suoi ritratti è stato venduto per 31,3 milioni di dollari, l'ultimo record prima della vendita di Nudo seduto su un divano nel 2010. Il dipinto è stato acquistato da un acquirente sconosciuto al prezzo più alto del momento per Modigliani. Le vendite attive di opere sono iniziate solo dopo la morte dell'artista. Morì in povertà, affetto da tubercolosi, e il giorno successivo anche Jeanne Hébuterne, incinta di nove mesi, si suicidò.

13

"Aquila su un pino"

Autore

Qi Baishi

Un paese Cina
Anni di vita 1864–1957
Stile guohua

L'interesse per la calligrafia ha portato Qi Baishi a dipingere. All'età di 28 anni divenne allievo dell'artista Hu Qingyuan. Il Ministero della Cultura cinese gli ha conferito il titolo di "Grande Artista del Popolo Cinese", nel 1956 ha ricevuto il Premio Internazionale per la Pace.

10×26 cm
1946
prezzo
$ 65,4 milioni
venduto nel 2011
all'asta Guardiano della Cina

Qi Baishi era interessato a quelle manifestazioni del mondo circostante, a cui molti non attribuiscono importanza, e questa è la sua grandezza. Un uomo senza istruzione divenne un professore e un creatore eccezionale nella storia. Pablo Picasso ha detto di lui: "Ho paura di andare nel tuo paese, perché in Cina c'è Qi Baishi". La composizione "Aquila su un pino" è riconosciuta come l'opera più grande dell'artista. Oltre alla tela, comprende due rotoli di geroglifici. Per la Cina, l'importo per il quale è stato acquistato il prodotto è un record: 425,5 milioni di yuan. Solo il rotolo dell'antico calligrafo Huang Tingjian è stato venduto per 436,8 milioni di dollari.

14

"1949-A-#1"

Autore

Clifford Ancora

Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1904–1980
Stile espressionismo astratto

All'età di 20 anni visitò il Metropolitan Museum of Art di New York e rimase deluso. Più tardi, si iscrisse a un corso della lega studentesca d'arte, ma se ne andò 45 minuti dopo l'inizio della lezione: si rivelò "non suo". La prima mostra personale ha suscitato risonanza, l'artista ha ritrovato se stesso e con essa il riconoscimento

79x93cm
1949
prezzo
$ 61,7 milioni
venduto nel 2011
all'asta Sotheby's

Tutte le sue opere, che sono più di 800 tele e 1600 opere su carta, sono ancora lasciate in eredità alla città americana, dove sarà aperto un museo a lui intitolato. Denver divenne una città del genere, ma solo la costruzione fu costosa per le autorità e quattro opere furono messe all'asta per completarla. È improbabile che le opere di Still vengano messe all'asta mai più, il che ha aumentato il loro prezzo in anticipo. Il dipinto "1949-A-No.1" è stato venduto per una cifra record per l'artista, anche se gli esperti avevano previsto una vendita massima di 25-35 milioni di dollari.

15

"Composizione suprematista"

Autore

Kazimir Malevich

Un paese Russia
Anni di vita 1878–1935
Stile Suprematismo

Malevich ha studiato pittura alla Scuola d'arte di Kiev, poi all'Accademia delle arti di Mosca. Nel 1913 iniziò a dipingere quadri geometrici astratti in uno stile che chiamò Suprematismo (dal latino “dominanza”).

71x88,5 cm
1916
prezzo
$ 60 milioni
venduto nel 2008
all'asta Sotheby's

Il dipinto fu conservato nel museo cittadino di Amsterdam per circa 50 anni, ma dopo una disputa durata 17 anni con i parenti di Malevich, il museo lo regalò. L'artista ha dipinto quest'opera nello stesso anno del Manifesto del Suprematismo, quindi Sotheby`s già prima dell'asta aveva annunciato che non sarebbe andata a una collezione privata per meno di 60 milioni di dollari. E così è successo. È meglio guardarlo dall'alto: le figure sulla tela ricordano una veduta aerea della terra. Tra l'altro, qualche anno prima, gli stessi parenti avevano espropriato un'altra "composizione suprematista" dal Museo MoMA per venderla a Phillips per 17 milioni di dollari.

16

"Bagnanti"

Autore

Paolo Gauguin

Un paese Francia
Anni di vita 1848–1903
Stile post impressionismo

Fino all'età di sette anni, l'artista ha vissuto in Perù, poi è tornato in Francia con la sua famiglia, ma i ricordi d'infanzia lo hanno spinto costantemente a viaggiare. In Francia iniziò a dipingere, era amico di Van Gogh. Trascorse anche diversi mesi con lui ad Arles, finché Van Gogh non gli tagliò l'orecchio durante una lite.

93,4x60,4 centimetri
1902
prezzo
$ 55 milioni
venduto nel 2005
all'asta Sotheby's

Nel 1891 Gauguin organizzò una vendita dei suoi dipinti per utilizzare il ricavato per esplorare le profondità dell'isola di Tahiti. Lì ha creato opere in cui si può sentire la sottile connessione tra la natura e l'uomo. Gauguin viveva in una capanna dal tetto di paglia e sulle sue tele sbocciava un paradiso tropicale. Sua moglie era una tahitiana Tehura di 13 anni, il che non ha impedito all'artista di impegnarsi nella promiscuità. Avendo contratto la sifilide, partì per la Francia. Tuttavia, Gauguin era angusto lì e tornò a Tahiti. Questo periodo è chiamato il "secondo tahitiano": fu allora che fu dipinto il dipinto "Bagnanti", uno dei più lussuosi della sua opera.

17

"Narcisi e una tovaglia in blu e rosa"

Autore

Henri Matisse

Un paese Francia
Anni di vita 1869–1954
Stile Fauvismo

Nel 1889 Henri Matisse ebbe un attacco di appendicite. Quando si riprese dall'operazione, sua madre gli comprò dei colori. Prima, per noia, Matisse copiò cartoline colorate, poi - le opere di grandi pittori che vide al Louvre, e all'inizio del XX secolo inventò uno stile: il fauvismo.

65,2x81 cm
1911
prezzo
$ 46,4 milioni
venduto nel 2009
all'asta Christie's

Il dipinto "Narcisi e una tovaglia blu e rosa" è appartenuto a Yves Saint Laurent per molto tempo. Dopo la morte dello stilista, tutta la sua collezione d'arte passò nelle mani del suo amico e amante Pierre Berger, che decise di metterla all'asta da Christie's. La perla della collezione venduta era il dipinto "Narcisi e una tovaglia blu e rosa", dipinto su una normale tovaglia invece che su tela. Come esempio di Fauvismo, è pieno dell'energia del colore, i colori sembrano esplodere e urlare. Della nota serie di dipinti su tovaglie, oggi quest'opera è l'unica che si trova in una collezione privata.

18

"Ragazza addormentata"

Autore

RoyLee

chtenstein

Un paese Stati Uniti d'America
Anni di vita 1923–1997
Stile pop Art

L'artista è nato a New York e, dopo essersi diplomato, è andato in Ohio, dove ha frequentato corsi d'arte. Nel 1949, il Liechtenstein ha conseguito il Master in Belle Arti. L'interesse per i fumetti e la capacità di essere ironico lo hanno reso un artista di culto del secolo scorso.

91x91 cm
1964
prezzo
$ 44,882 milioni
venduto nel 2012
all'asta Sotheby's

Una volta la gomma da masticare cadde nelle mani del Liechtenstein. Ha ridisegnato l'immagine dall'inserto sulla tela ed è diventato famoso. Questa trama della sua biografia contiene l'intero messaggio della pop art: il consumo è il nuovo dio, e non c'è meno bellezza in una carta di gomma che in Monna Lisa. I suoi dipinti ricordano fumetti e cartoni animati: Lichtenstein ha semplicemente ingrandito l'immagine finita, ha disegnato raster, ha utilizzato la serigrafia e la serigrafia. Il dipinto "La ragazza addormentata" è appartenuto per quasi 50 anni ai collezionisti Beatrice e Philip Gersh, i cui eredi lo hanno venduto all'asta.

19

"Vittoria. Boogie Woogie"

Autore

Pie Mondrian

Un paese Olanda
Anni di vita 1872–1944
Stile neoplasticismo

Il suo vero nome - Cornelis - l'artista cambiò in Mondrian quando si trasferì a Parigi nel 1912. Insieme all'artista Theo van Doesburg fondò il movimento neoplastico. Il linguaggio di programmazione Piet prende il nome da Mondrian.

27x127cm
1944
prezzo
$ 40 milioni
venduto nel 1998
all'asta Sotheby's

Il più "musicale" degli artisti del XX secolo si guadagnava da vivere con le nature morte acquerellate, anche se divenne famoso come artista neoplastico. Si trasferì negli Stati Uniti negli anni '40 e lì trascorse il resto della sua vita. Jazz e New York: questo è ciò che lo ha ispirato di più! Dipinto "Vittoria. Boogie Woogie ne è il miglior esempio. I quadrati netti "brandizzati" sono stati ottenuti attraverso l'uso del nastro adesivo, il materiale preferito di Mondrian. In America fu chiamato "l'immigrato più famoso". Negli anni Sessanta Yves Saint Laurent produsse i famosi abiti "Mondrian" con una grande stampa a quadri colorati.

20

"Composizione n. 5"

Autore

BasilicoKandinsky

Un paese Russia
Anni di vita 1866–1944
Stile avanguardia

L'artista è nato a Mosca e suo padre era della Siberia. Dopo la rivoluzione, cercò di collaborare con le autorità sovietiche, ma presto si rese conto che le leggi del proletariato non erano state create per lui ed emigrò in Germania non senza difficoltà.

275x190 centimetri
1911
prezzo
$ 40 milioni
venduto nel 2007
all'asta Sotheby's

Kandinsky fu uno dei primi ad abbandonare completamente la pittura di oggetti, per la quale ricevette il titolo di genio. Durante il nazismo in Germania, i suoi dipinti furono classificati come "arte degenerata" e non furono esposti da nessuna parte. Nel 1939 Kandinsky prese la cittadinanza francese, a Parigi partecipò liberamente al processo artistico. I suoi quadri “suonano” come fughe, per questo molti vengono chiamati “composizioni” (il primo è stato scritto nel 1910, l'ultimo nel 1939). “Composizione n. 5” è una delle opere chiave di questo genere: “La parola “composizione” mi suonava come una preghiera”, ha detto l’artista. A differenza di molti seguaci, progettò ciò che avrebbe rappresentato su un'enorme tela, come se scrivesse appunti.

21

"Studio di una donna in blu"

Autore

Fernando Léger

Un paese Francia
Anni di vita 1881–1955
Stile cubismo-post-impressionismo

Leger ha ricevuto una formazione architettonica e poi è stato studente alla Scuola di Belle Arti di Parigi. L'artista si considerava un seguace di Cézanne, era un apologista del cubismo e nel XX secolo ebbe successo anche come scultore.

96,5x129,5 centimetri
1912-1913
prezzo
$ 39,2 milioni
venduto nel 2008
all'asta Sotheby's

David Normann, presidente di Sotheby's International Impressionism and Modernism, ritiene che l'enorme somma pagata per The Lady in Blue sia del tutto giustificata. Il dipinto appartiene alla famosa collezione Leger (l'artista ha dipinto tre dipinti su una trama, l'ultimo è oggi in mani private. - Ndr), e la superficie della tela è stata conservata nella sua forma originale. L'autore stesso ha donato quest'opera alla galleria Der Sturm, poi è finita nella collezione di Hermann Lang, collezionista tedesco di modernismo, e ora appartiene ad un acquirente sconosciuto.

22

"Scena di strada. Berlino"

Autore

Ernesto LudovicoKirchner

Un paese Germania
Anni di vita 1880–1938
Stile espressionismo

Per l’espressionismo tedesco Kirchner divenne una persona di riferimento. Tuttavia, le autorità locali lo accusarono di aderire ad "arte degenerata", che influenzò tragicamente il destino dei suoi dipinti e la vita dell'artista, che si suicidò nel 1938.

95x121cm
1913
prezzo
$ 38,096 milioni
venduto nel 2006
all'asta Christie's

Dopo essersi trasferito a Berlino, Kirchner ha creato 11 schizzi di scene di strada. È stato ispirato dal trambusto e dal nervosismo della grande città. Nel dipinto, venduto nel 2006 a New York, l'ansia dell'artista è particolarmente acuta: le persone in una strada di Berlino assomigliano a uccelli: aggraziate e pericolose. Era l'ultima opera della famosa serie, venduta all'asta, il resto è conservato nei musei. Nel 1937 i nazisti trattarono Kirchner brutalmente: 639 delle sue opere furono sequestrate dalle gallerie tedesche, distrutte o vendute all'estero. L'artista non potrebbe sopravvivere a questo.

23

"Riposoballerino"

Autore

Edgar Degas

Un paese Francia
Anni di vita 1834–1917
Stile impressionismo

La storia di Degas come artista è iniziata con il fatto che ha lavorato come copista al Louvre. Sognava di diventare “famoso e sconosciuto”, e alla fine ci riuscì. Alla fine della sua vita, sordo e cieco, l'ottantenne Degas continuò a frequentare mostre e aste.

64x59 cm
1879
prezzo
$ 37,043 milioni
venduto nel 2008
all'asta Sotheby's

"Le ballerine sono sempre state per me solo una scusa per rappresentare tessuti e catturare il movimento", ha detto Degas. Sembrano essere intraviste scene della vita delle ballerine: le ragazze non posano per l'artista, ma semplicemente diventano parte dell'atmosfera catturata dallo sguardo di Degas. La Ballerina in riposo è stata venduta per 28 milioni di dollari nel 1999 e meno di 10 anni dopo è stata acquistata per 37 milioni di dollari: oggi è l'opera più costosa dell'artista mai messa all'asta. Degas prestò molta attenzione alle montature, le disegnò lui stesso e proibì di cambiarle. Mi chiedo quale cornice è installata sul dipinto venduto?

24

"Pittura"

Autore

Juan Mirò

Un paese Spagna
Anni di vita 1893–1983
Stile arte astratta

Durante la guerra civile spagnola, l'artista si schierò dalla parte dei repubblicani. Nel 1937 fuggì dal potere fascista a Parigi, dove visse in povertà con la sua famiglia. Durante questo periodo, Miro dipinge il dipinto "Aiuta la Spagna!", Attirando l'attenzione di tutto il mondo sul dominio del fascismo.

89x115 centimetri
1927
prezzo
$ 36,824 milioni
venduto nel 2012
all'asta Sotheby's

Il secondo nome del dipinto è "Blue Star". L’artista lo scrisse nello stesso anno in cui annunciò: “Voglio uccidere la pittura” e scherniva senza pietà le tele, graffiando la vernice con i chiodi, incollando piume sulla tela, ricoprendo l’opera di spazzatura. Il suo obiettivo era sfatare i miti sul mistero della pittura, ma, dopo aver affrontato questo, Miro ha creato il suo mito: un'astrazione surreale. La sua "Pittura" si riferisce al ciclo delle "immagini-sogni". Quattro acquirenti si sono battuti per questo all'asta, ma una telefonata in incognito ha risolto la controversia e "Pittura" è diventata il dipinto più costoso dell'artista.

25

"Rosa blu"

Autore

Yves Klein

Un paese Francia
Anni di vita 1928–1962
Stile pittura monocroma

L'artista nasce in una famiglia di pittori, ma studia le lingue orientali, la navigazione, il mestiere di doratore di cornici, il buddismo Zen e molto altro ancora. La sua personalità e le sue buffonate impudenti erano molte volte più interessanti dei dipinti monocromi.

153x199x16cm
1960
prezzo
$ 36,779 milioni
venduto nel 2012
all'asta di Christie's

La prima mostra di opere solide gialle, arancioni e rosa non ha suscitato l'interesse del pubblico. Klein si offese e la volta successiva presentò 11 tele identiche, dipinte con oltremare mescolato con una speciale resina sintetica. Ha persino brevettato questo metodo. Il colore è passato alla storia come "International Klein Blue". L'artista vendeva anche il vuoto, creava dipinti esponendo la carta alla pioggia, dando fuoco al cartone, realizzando stampe di un corpo umano su tela. In una parola, ho sperimentato come meglio potevo. Per creare la "Rosa Blu" ho utilizzato pigmenti secchi, resine, sassolini e una spugna naturale.

26

"Alla ricerca di Mosè"

Autore

Sir Lawrence Alma-Tadema

Un paese Gran Bretagna
Anni di vita 1836–1912
Stile neoclassicismo

Lo stesso Sir Lawrence aggiunse il prefisso "alma" al suo cognome per comparire per primo nei cataloghi d'arte. Nell'Inghilterra vittoriana, i suoi dipinti erano così richiesti che all'artista fu assegnato il titolo di cavaliere.

213,4x136,7 cm
1902
prezzo
$ 35,922 milioni
venduto nel 2011
all'asta Sotheby's

Il tema principale del lavoro di Alma-Tadema era l'antichità. Nei dipinti cercò di rappresentare nei minimi dettagli l'era dell'Impero Romano, per questo si impegnò anche in scavi archeologici sulla penisola appenninica, e nella sua casa londinese riproduceva gli interni storici di quegli anni. Le storie mitologiche divennero per lui un'altra fonte di ispirazione. L'artista fu molto richiesto durante la sua vita, ma dopo la sua morte fu presto dimenticato. Adesso l'interesse sta rinascendo, come testimonia il costo del dipinto “Alla ricerca di Mosè”, sette volte superiore alla stima prevendita.

27

"Ritratto di funzionario nudo addormentato"

Autore

Luciano Freud

Un paese Germania,
Gran Bretagna
Anni di vita 1922–2011
Stile pittura figurativa

L'artista è il nipote di Sigmund Freud, il padre della psicoanalisi. Dopo l'instaurazione del fascismo in Germania, la sua famiglia emigrò nel Regno Unito. Le opere di Freud si trovano nella Wallace Collection di Londra, dove nessun artista contemporaneo ha mai esposto in precedenza.

219,1x151,4cm
1995
prezzo
$ 33,6 milioni
venduto nel 2008
all'asta Christie's

Mentre gli artisti alla moda del 20° secolo creavano "macchie di colore sul muro" positive e le vendevano per milioni, Freud dipingeva quadri estremamente naturalistici e li vendeva a prezzi ancora più alti. "Catturo le grida dell'anima e la sofferenza della carne che avvizzisce", ha detto. I critici ritengono che tutto ciò sia "l'eredità" di Sigmund Freud. I dipinti furono esposti così attivamente e venduti con successo che gli esperti ebbero un dubbio: hanno proprietà ipnotiche? Venduto all'asta, "Ritratto di un ufficiale nudo addormentato", secondo il Sun, è stato acquistato dall'intenditore di bellezza e miliardario Roman Abramovich.

28

"Violino e chitarra"

Autore

Xuno grigio

Un paese Spagna
Anni di vita 1887–1927
Stile cubismo

Nato a Madrid, dove si è diplomato alla Scuola di Arti e Mestieri. Nel 1906 si trasferì a Parigi ed entrò nella cerchia degli artisti più influenti dell'epoca: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Leger, lavorò anche con Sergei Diaghilev e la sua troupe.

5x100cm
1913
prezzo
$ 28,642 milioni
venduto nel 2010
all'asta Christie's

Gris, secondo le sue stesse parole, era impegnato in "un'architettura planare e colorata". I suoi dipinti sono pensati con precisione: non ha lasciato un solo tratto accidentale, il che rende la creatività legata alla geometria. L'artista creò la sua versione del cubismo, sebbene nutrisse un grande rispetto per Pablo Picasso, il padre fondatore del movimento. Il successore gli dedicò addirittura la sua prima opera cubista, Omaggio a Picasso. Il dipinto "Violino e chitarra" è riconosciuto come eccezionale nel lavoro dell'artista. Durante la sua vita, Gris era conosciuto, favorito dalla critica e dai critici d'arte. Le sue opere sono esposte nei più grandi musei del mondo e sono conservate in collezioni private.

29

"RitrattoCampi di Eluard»

Autore

Salvador Dalì

Un paese Spagna
Anni di vita 1904–1989
Stile surrealismo

"Il surrealismo sono io", disse Dalì quando fu espulso dal gruppo surrealista. Nel tempo divenne l'artista surrealista più famoso. Il lavoro di Dalì è ovunque, non solo nelle gallerie. Ad esempio, è stato lui a inventare la confezione per Chupa-Chups.

25x33 cm
1929
prezzo
$ 20,6 milioni
venduto nel 2011
all'asta Sotheby's

Nel 1929, il poeta Paul Eluard e sua moglie russa Gala vennero a visitare il grande provocatore e attaccabrighe Dalì. L'incontro fu l'inizio di una storia d'amore durata più di mezzo secolo. Il dipinto "Ritratto di Paul Eluard" è stato dipinto proprio durante questa storica visita. "Ho sentito che mi era stato affidato il compito di catturare il volto del poeta, dal cui Olimpo ho rubato una delle muse", ha detto l'artista. Prima di incontrare Gala, era vergine ed era disgustato al pensiero di fare sesso con una donna. Il triangolo amoroso esistette fino alla morte di Eluard, dopo di che divenne il duetto Dali-Gala.

30

"Anniversario"

Autore

Marc Chagall

Un paese Russia, Francia
Anni di vita 1887–1985
Stile avanguardia

Moishe Segal nacque a Vitebsk, ma nel 1910 emigrò a Parigi, cambiò nome e si avvicinò ai principali artisti d'avanguardia dell'epoca. Negli anni '30, quando i nazisti presero il potere, partì per gli Stati Uniti con l'aiuto di un console americano. Ritornò in Francia solo nel 1948.

80x103cm
1923
prezzo
$ 14,85 milioni
venduto nel 1990
all'asta di Sotheby's

Il dipinto "Jubilee" è riconosciuto come una delle migliori opere dell'artista. Ha tutte le caratteristiche del suo lavoro: le leggi fisiche del mondo vengono cancellate, il sentimento di una fiaba è preservato nello scenario della vita piccolo-borghese e l'amore è al centro della trama. Chagall non ha tratto le persone dalla natura, ma solo dalla memoria o dalla fantasia. Il dipinto "Jubilee" raffigura l'artista stesso con sua moglie Bela. Il dipinto è stato venduto nel 1990 e da allora non ha più ricevuto offerte. È interessante notare che il MoMA del Museum of Modern Art di New York mantiene esattamente lo stesso, solo sotto il nome "Compleanno". A proposito, è stato scritto prima, nel 1915.

bozza preparata
Tatyana Palasova
valutazione compilata
secondo l'elenco www.art-spb.ru
rivista tmn №13 (maggio-giugno 2013)

Magnifiche opere d'arte realizzate dalle mani di grandi maestri possono sorprendere anche le persone per le quali l'arte significa poco. Ecco perché i musei di fama mondiale sono tra le attrazioni più popolari e attirano milioni di visitatori ogni anno.

Per distinguersi dall'enorme numero di dipinti scritti nel corso della storia dell'arte, l'artista ha bisogno non solo del talento, ma anche della capacità di esprimere una trama unica in un modo insolito e molto rilevante per il suo tempo.

I dipinti presentati di seguito parlano ad alta voce non solo del talento dei loro autori, ma anche delle numerose tendenze culturali apparse e scomparse, e degli eventi storici più importanti che si sono sempre riflessi nell'arte.

"Nascita di Venere"

Questo dipinto, dipinto dal grande maestro rinascimentale Sandro Botticelli, raffigura il momento in cui la bellissima Venere appare dalla schiuma del mare. Uno degli aspetti più avvincenti del dipinto è la posa modesta della dea e il suo viso semplice ma bello.

"I cani giocano a poker"

Dipinta da Cassius Coolidge nel 1903, questa serie di 16 dipinti raffigura cani riuniti attorno a un caffè o a un tavolo da gioco mentre giocano a poker. Molti critici riconoscono questi dipinti come la rappresentazione canonica degli americani dell'epoca.

Ritratto di signora Récamier

Dipinto da Jacques-Louis David, questo ritratto raffigura una sfarzosa socialite in un ambiente contrastantemente minimalista e semplice, vestita con un semplice abito bianco senza maniche. Questo è un vivido esempio di neoclassicismo nell'arte del ritratto.

№5

Questo famoso dipinto di Jackson Pollock è la sua opera più iconica, raffigurante vividamente tutto il caos che infuriava nell'anima e nella mente di Pollock. Questa è una delle opere più costose mai vendute da un artista americano.

"Figlio di uomo"

"Il figlio dell'uomo" di René Magritte è una sorta di autoritratto raffigurante l'artista stesso in abito nero, ma con una mela al posto del volto.

"Numero 1" ("Royal Rosso e Blu")

Questo pezzo piuttosto recente di Mark Rothko non è altro che pennellate di tre diverse tonalità su una tela fatta a mano. Il dipinto è attualmente esposto all'Art Institute di Chicago.

"Strage degli innocenti"

Basandosi sulla storia biblica del massacro di bambini innocenti a Betlemme, Peter Paul Rubens ha creato questo dipinto macabro e brutale che tocca le emozioni di tutti coloro che lo guardano.

"Una domenica pomeriggio sull'isola della Grande Jatte"

Creato da Georges Seurat, questo dipinto unico e molto popolare raffigura l'atmosfera rilassata di un fine settimana in una grande città. Tale dipinto è un eccellente esempio di puntinismo, che combina molti punti in uno solo.

"Danza"

"Dance" di Henri Matisse è un esempio di uno stile chiamato Fauvismo, caratterizzato da colori e forme brillanti, quasi innaturali e da un'elevata dinamica.

"Gotico americano"

"American Gothic" è un'opera d'arte che simboleggia perfettamente l'immagine degli americani durante la Grande Depressione. In questo dipinto, Grant Wood raffigurava una coppia severa, apparentemente religiosa, in piedi di fronte a una semplice casa con finestre gotiche.

"Caricatore di fiori"

Questo dipinto del pittore messicano più famoso del XX secolo, Diego Rivera, raffigura un uomo che riesce a malapena a sopportare un cesto sovraccarico di luminosi fiori tropicali sulla schiena.

"La madre di Whistler"

Conosciuto anche come Disposizione in grigio e nero. La madre dell'artista, questo è uno dei dipinti più famosi dell'artista americano James Whistler. In questo dipinto, Whistler raffigurava sua madre seduta su una sedia contro un muro grigio. Il dipinto utilizza solo sfumature nere e grigie.

"La persistenza della memoria"

Questa è un'opera di culto del non meno cult Salvador Dalì, il surrealista spagnolo di fama mondiale che ha portato questo movimento in prima linea nell'arte.

Ritratto di Dora Maar

Pablo Picasso è uno dei pittori spagnoli più famosi e influenti. È il fondatore dello stile sensazionale dell'epoca, chiamato cubismo, che cerca di scomporre qualsiasi oggetto e di trasmetterlo con forme geometriche chiare. Questo dipinto è il primo ritratto in stile cubista.

"Ritratto di un artista senza barba"

Questo dipinto di Van Gogh è un autoritratto, ed unico, perché raffigura il pittore senza la solita barba. Inoltre, questo è uno dei pochi dipinti di Van Gogh venduti a collezioni private.

"Terrazza del caffè notturno"

Dipinto da Vincent van Gogh, questo dipinto raffigura uno spettacolo familiare in un modo completamente nuovo, utilizzando colori sorprendentemente vivaci e forme insolite.

"Composizione VIII"

Wassily Kandinsky è riconosciuto come il fondatore dell'arte astratta, uno stile che utilizza forme e simboli invece di oggetti e persone familiari. "Composizione VIII" è uno dei primi dipinti dell'artista, realizzati esclusivamente in questo stile.

"Bacio"

Una delle prime opere d'arte in stile Art Nouveau, questo dipinto è quasi interamente realizzato in tonalità dorate. Il dipinto di Gustav Klimt è una delle opere di stile più sorprendenti.

"Ballo al Moulin de la Galette"

Il dipinto di Pierre Auguste Renoir è una rappresentazione vivida e dinamica della vita cittadina. Inoltre, è uno dei dipinti più costosi al mondo.

"Olimpia"

In Olympia, Édouard Manet suscitò una vera e propria polemica, quasi uno scandalo, poiché una donna nuda con lo sguardo è chiaramente un'amante, non velata dai miti del periodo classico. Questo è uno dei primi lavori nello stile del realismo.

"Il 3 maggio 1808 a Madrid"

In quest'opera, Francisco Goya descrisse l'attacco di Napoleone agli spagnoli. Questo è uno dei primi dipinti spagnoli a ritrarre la guerra in una luce negativa.

"Las Meninas"

Il dipinto più famoso di Diego Velasquez raffigura l'Infanta Margherita di cinque anni davanti a un ritratto dei suoi genitori dipinto da Velasquez.

"Ritratto degli Arnolfini"

Questo dipinto è una delle opere pittoriche più antiche. È stato dipinto da Jan van Eyck e raffigura l'uomo d'affari italiano Giovanni Arnolfini e sua moglie incinta nella loro casa a Bruges.

"Grido"

Un dipinto dell'artista norvegese Edvard Munch raffigura il volto di un uomo distorto dalla paura contro un cielo rosso sangue. Il paesaggio sullo sfondo aggiunge un fascino oscuro a questo dipinto. Inoltre, L'Urlo è uno dei primi dipinti espressionisti in cui il realismo è ridotto al minimo per consentire maggiore libertà alle emozioni.

"Acque"

Le ninfee, di Claude Monet, fanno parte di una serie di 250 dipinti raffiguranti elementi del giardino dell'artista. Questi dipinti sono esposti in vari musei d'arte in tutto il mondo.

"Notte stellata"

La "Notte stellata" di Van Gogh è una delle immagini più famose della cultura contemporanea. Attualmente è esposto al Museum of Modern Art di New York.

"Caduta di Icaro"

Questo dipinto, dipinto dall'artista olandese Pieter Brueghel, mostra l'indifferenza di una persona verso la sofferenza dei suoi simili. Un forte tema sociale è qui mostrato in un modo piuttosto semplice, utilizzando l'immagine di Icaro che annega sott'acqua e le persone che ignorano la sua sofferenza.

"La Creazione di Adamo"

La Creazione di Adamo è uno dei tanti magnifici affreschi di Michelangelo che adornano il soffitto della Cappella Sistina nel Palazzo Vaticano. Raffigura la creazione di Adamo. Oltre a rappresentare forme umane ideali, l'affresco è uno dei primi tentativi di raffigurare Dio nella storia dell'arte.

"L'ultima Cena"

Questo affresco del grande Leonardo raffigura l'Ultima Cena di Gesù prima del suo tradimento, arresto e morte. Oltre alla composizione, alla forma e al colore, la discussione su questo affresco è piena di teorie sui simboli nascosti e sulla presenza di Maria Maddalena accanto a Gesù.

"Guernica"

La "Guernica" di Picasso raffigura l'esplosione dell'omonima città spagnola durante la guerra civile spagnola. Questa è un'immagine in bianco e nero, che raffigura negativamente il fascismo, il nazismo e le loro idee.

"La ragazza con l'orecchino di perla"

Questo dipinto di Johannes Vermeer viene spesso definito la Monna Lisa olandese, non solo per la sua straordinaria popolarità, ma anche perché l'espressione sul viso della ragazza è difficile da catturare e spiegare.

"Decollazione di Giovanni Battista"

Il dipinto di Caravaggio raffigura in modo molto realistico il momento dell'uccisione di Giovanni Battista in carcere. La semioscurità del dipinto e le espressioni facciali dei suoi personaggi ne fanno un vero capolavoro classico.

"La ronda di notte"

La Ronda di Notte è uno dei dipinti più famosi di Rembrandt. Raffigura un ritratto di gruppo di una compagnia di fucilieri guidata dai suoi ufficiali. Un aspetto unico del dipinto è la semioscurità, che dà l'impressione di una scena notturna.

"Scuola di Atene"

Dipinto da Raffaello nel suo primo periodo romano, questo affresco raffigura famosi filosofi greci come Platone, Aristotele, Euclide, Socrate, Pitagora e altri. Molti filosofi sono raffigurati come contemporanei di Raffaello, ad esempio Platone - Leonardo da Vinci, Eraclito - Michelangelo, Euclide - Bramante.

"Monna Lisa"

Probabilmente il dipinto più famoso al mondo è la Gioconda di Leonardo da Vinci, meglio conosciuta come la Monna Lisa. Questa tela è un ritratto della signora Gherardini, che attira l'attenzione con un'espressione misteriosa sul viso.