Il posto più significativo nello sviluppo del realismo dell'Europa occidentale appartiene all'arte francese. E questa non è una coincidenza. Già dalla fine del XVIII secolo, la Francia ha svolto un ruolo di primo piano nella vita socio-politica dell'Europa, e la lotta di classe tra nobiltà, borghesia e proletariato ha assunto in essa chiare forme classiche. Nascondendosi dietro le vesti reali e imperiali o affermando apertamente il proprio potere, la borghesia ha trionfato. “L'industria e il commercio sono cresciuti in proporzioni immense”, scriveva K. Marx a proposito della Francia negli anni Cinquanta e Sessanta, “la speculazione sui cambi celebrava le sue orge cosmopolite; la povertà delle masse risaltava nettamente accanto allo sfacciato splendore del lusso dissoluto acquisito dalla frode e dal crimine.
Il movimento democratico e proletario a metà del XIX secolo assunse un'ampia portata in Francia. La rivoluzione del 1830 è seguita dalla rivoluzione del 1848; nell'arena politica, il proletariato, alla guida delle grandi masse popolari, esce sempre più decisamente. Nel giugno 1848 insorge apertamente contro la borghesia e nel 1871, dopo aver proclamato la Comune di Parigi, compie il primo eroico tentativo della storia di prendere nelle proprie mani il potere politico.
L'aggravarsi delle contraddizioni sociali, le grandiose battaglie di classe, i nuovi problemi sociali, le questioni della riorganizzazione democratica della società non potevano che eccitare le menti progressiste, costringendole ad analizzare i fenomeni della realtà, a cercare nuove vie nell'arte. In Francia, che fornisce il quadro più chiaro della formazione e dello sviluppo delle principali tendenze del XIX secolo, l'ascesa del realismo si osserva prima che in altri paesi, la tendenza realistica è più strettamente associata alla vita socio-politica, propone i maggiori rappresentanti dell'arte del XIX secolo.
La rivoluzione di luglio del 1830 fu una pietra miliare nello sviluppo dell'arte francese. Sotto la sua influenza, le illusioni romantiche vengono sradicate, cresce l'interesse per gli argomenti sociali e si sviluppa un programma teorico indipendente di realismo. I principali requisiti per la nuova arte furono formulati da Laviron e Galbaccio nel Salon del 1833. Sono stati ulteriormente sviluppati nelle opere dei maggiori teorici-difensori del realismo: Thoré-Burget, Chanfleury, Duranty, Castagnari e altri. Tutti questi critici - rappresentanti della generazione del 1848 - portarono in primo piano la questione del ruolo educativo dell'arte. L'arte, hanno sostenuto, dovrebbe contribuire allo sviluppo della società lungo la via del progresso, dovrebbe essere una "maestra di vita", e per questo deve essere rilevante, socialmente satura, comprensibile per le persone. L'arte dovrebbe aiutare le persone a capire il mondo che le circonda, a comprenderne le contraddizioni. Potrà farlo, mettendo da parte ogni idealizzazione, abbellimento della vita. La veridicità dell'immagine è proposta come una delle condizioni necessarie per la creatività: l'artista scrive ciò che sa, ciò che vede davanti a sé. L'appello al rifiuto dei modelli generalmente accettati e all'affermazione della verità della vita nell'arte ha aiutato gli artisti progressisti a padroneggiare nuovi modi e mezzi di espressione artistica, aprendo ampie prospettive per la ricerca creativa. Allo stesso tempo, alcuni critici della metà dell'Ottocento a volte riducevano il concetto di realismo all'attendibilità esterna dell'immagine, alla natura illusoria della trasmissione del mondo visibile, che, ovviamente, disorientava gli artisti.
Filippo Jeanron. Tra i precursori dei grandi pittori realisti meritano menzione alcuni maestri meno significativi. Mancando i doni dei loro seguaci, hanno preparato loro il terreno. Tra questi c'è Philippe Jeanron (1809-1877). Partecipò alle rivoluzioni del 1830 e del 1848 e spesso parlò sulla stampa difendendo principi realistici. Già nei primi lavori "Children at the Barricade" (1831, Museo di Caen), Jeanron si dedicò alla rappresentazione diretta di eventi rivoluzionari. Nelle opere successive ha fornito un'analisi sociale della realtà, contrapponendo rappresentanti di varie classi della società moderna: la nobiltà, la borghesia e il proletariato. Nel raffigurare i lavoratori, l'artista ha sottolineato la loro povertà e sofferenza, senza evitare alcun sentimentalismo. Genron è anche conosciuto come ritrattista. Ha lasciato ritratti espressivi delle persone di spicco del suo tempo: rappresentanti dell'intellighenzia repubblicana.
Tendenza realistica nell'arte e nella letteratura del XIX secolo.
Nel 19 ° secolo, la società iniziò a svilupparsi rapidamente. Stanno emergendo nuove tecnologie, la medicina, l'industria chimica, l'ingegneria energetica e i trasporti si stanno sviluppando. La popolazione inizia a spostarsi gradualmente dai vecchi villaggi alle città, cercando il comfort e la vita moderna.
La sfera culturale non poteva non reagire a tutti questi cambiamenti. Dopotutto, i cambiamenti nella società, sia economici che sociali, hanno iniziato a creare nuovi stili e direzioni artistiche. Quindi, il romanticismo è sostituito da un'importante tendenza stilistica: il realismo. A differenza del suo predecessore, questo stile ha assunto un riflesso della vita così com'è, senza abbellimenti o distorsioni. Questo desiderio non era nuovo nell'arte: si trova nell'antichità, nel folklore medievale e nell'Illuminismo.
Il realismo trova la sua espressione più luminosa già dalla fine del XVII secolo. La maggiore consapevolezza delle persone stanche di convivere con ideali inesistenti dà origine a una riflessione oggettiva: il realismo, che in francese significa "materiale". Alcune tendenze del realismo appaiono nella pittura di Michelangelo Caravaggio e Rembrandt. Ma il realismo diventa la struttura più integrale delle opinioni sulla vita solo nel XIX secolo. Durante questo periodo raggiunge la sua maturità ed espande i suoi confini all'intero territorio europeo e, ovviamente, alla Russia.
L'eroe della direzione realistica diventa una persona che incarna la mente, cercando di giudicare le manifestazioni negative della vita circostante. Nelle opere letterarie vengono esplorate le contraddizioni sociali, la vita delle persone svantaggiate viene sempre più rappresentata. Daniel Defoe è considerato il fondatore del romanzo realistico europeo. Al centro delle sue opere c'è il buon inizio dell'uomo. Ma le circostanze possono cambiarlo, è soggetto a fattori esterni.
In Francia, il fondatore della nuova direzione fu Frederic Stendhal. Ha letteralmente nuotato controcorrente. In effetti, nella prima metà del XIX secolo, il romanticismo dominava l'arte. Il personaggio principale era un "eroe straordinario". E all'improvviso Stendhal ha un'immagine completamente diversa. I suoi eroi vivono davvero la loro vita non solo a Parigi, ma in provincia. L'autore ha dimostrato al lettore che la descrizione della vita quotidiana, le vere esperienze umane, senza esagerazioni e abbellimenti, possono essere portate al livello dell'arte. G. Flaubert è andato anche oltre. Rivela il carattere psicologico dell'eroe. Ciò richiedeva una descrizione assolutamente accurata dei più piccoli dettagli, una visualizzazione del lato esterno della vita per un trasferimento più dettagliato della sua essenza. Guy de Maupassant divenne il suo seguace in questa direzione.
All'origine dello sviluppo del realismo nell'arte del XIX secolo in Russia c'erano autori come Ivan Krylov, Alexander Griboedov, Alexander Pushkin. I primi elementi di realismo più sorprendenti apparvero già nel 1809 nella prima raccolta di favole di I.A. Krylov. La cosa principale al centro di tutte le sue favole è un fatto concreto. Da esso si forma un personaggio, nasce questa o quella situazione comportamentale, che si aggrava a causa dell'uso di idee consolidate sulla natura dei caratteri animali. Grazie al genere scelto, Krylov ha mostrato le vivide contraddizioni della vita moderna: gli scontri tra forti e deboli, ricchi e poveri, ridicolizzando funzionari e nobili.
In Griboedov, il realismo si manifesta nell'uso di personaggi tipici che si trovano in circostanze tipiche - il principio principale di questa direzione. Grazie a questa accoglienza, la sua commedia "Woe from Wit" è ancora attuale. I personaggi che ha usato nelle sue opere si possono sempre trovare.
Il realista Pushkin presenta una concezione artistica un po' diversa. I suoi eroi sono alla ricerca di schemi di vita, basati su teorie educative, valori universali. La storia e la religione giocano un ruolo importante nelle sue opere. Questo avvicina le sue opere alle persone e al loro carattere. Una nazionalità ancora più acuta e profonda si è manifestata nelle opere di Lermontov e Gogol, e successivamente nelle opere dei rappresentanti della "scuola naturale".
Se parliamo di pittura, il motto principale degli artisti realisti del XIX secolo era una rappresentazione oggettiva della realtà. Così, gli artisti francesi, a metà degli anni '30 del XIX secolo, guidati da Theodore Rousseau, iniziarono a dipingere paesaggi rurali. Si è scoperto che la natura più ordinaria, senza abbellimenti, può diventare un materiale unico per la creazione. Che si tratti di una giornata cupa, di un cielo scuro prima di un temporale, di un aratore stanco, tutto questo è una specie di ritratto della vita reale.
Gustave Courbet, pittore francese della seconda metà del XIX secolo, fece arrabbiare i circoli borghesi con i suoi dipinti. Dopotutto, ha raffigurato una vita vera, ciò che vedeva intorno a sé. Queste potrebbero essere scene di genere, ritratti e nature morte. Le sue opere più famose includono "Funeral in Ornan", "Fire", "Deer by the Water" e i dipinti scandalosi "The Origin of the World" e "Sleepers".
In Russia, il fondatore del realismo nell'arte del XIX secolo fu P.A. Fedotov ("Major's Matchmaking"). Ricorrendo alla satira nelle sue opere, denuncia la morale viziosa e simpatizza con i poveri. La sua eredità include molte caricature e ritratti.
Nella seconda metà dell'Ottocento il tema della "vita delle persone" fu ripreso da I.E. Repin. Nei suoi famosi dipinti "Rifiuto della confessione" e "Trasportatori di chiatte sul Volga", vengono denunciati il brutale sfruttamento del popolo e la protesta che cova tra le masse.
Le tendenze realistiche hanno continuato a esistere nel 20 ° secolo nel lavoro di scrittori e artisti. Ma, sotto l'influenza del nuovo tempo, iniziarono ad acquisire altre caratteristiche più moderne.
Come potente movimento artistico, il realismo prende forma a metà del XIX secolo. Naturalmente, Omero e Shakespeare, Cervantes e Goethe, Michelangelo, Rembrandt o Rubens erano i più grandi realisti. Parlando di realismo a metà del XIX secolo, intendono un certo sistema artistico. In Francia, il realismo è associato principalmente al nome di Courbet, che però ha rifiutato di essere definito realista. Il realismo nell'arte è senza dubbio associato alla vittoria del pragmatismo nella mente pubblica, al predominio delle visioni materialistiche e al ruolo dominante della scienza. L'appello alla modernità in tutte le sue manifestazioni, affidandosi, come proclamava Emile Zola, alla scienza esatta, divenne la principale esigenza di questo movimento artistico. I realisti parlavano in un linguaggio chiaro, chiaro, che sostituiva il linguaggio "musicale", ma instabile e vago dei romantici.
La rivoluzione del 1848 dissipò tutte le illusioni romantiche dell'intellighenzia francese e in questo senso fu una tappa molto importante nello sviluppo non solo della Francia, ma dell'intera Europa. Gli eventi del 1848 ebbero un impatto diretto sull'arte. Prima di tutto, l'arte iniziò ad essere usata più ampiamente come mezzo di agitazione e propaganda. Da qui lo sviluppo della forma d'arte più mobile: grafica da cavalletto e rivista illustrativa, grafica come elemento principale della stampa satirica. Gli artisti sono attivamente coinvolti nel turbolento corso della vita pubblica.
La vita propone un nuovo eroe, che presto diventerà l'eroe principale dell'arte: il lavoratore. Nell'arte inizia la ricerca di un'immagine generalizzata, monumentale di essa, e non di un'immagine di genere aneddotico, come è avvenuto finora. La vita, la vita, il lavoro di questo nuovo eroe diventeranno un nuovo tema nell'arte. Un nuovo eroe e nuovi temi daranno origine anche a un atteggiamento critico nei confronti dell'ordine esistente, nell'arte si getteranno le basi per ciò che si è già formato in letteratura come realismo critico. In Francia il realismo critico prende forma negli anni Quaranta e Cinquanta, in Russia negli anni Sessanta. Infine, con il realismo, l'arte riflette le idee di liberazione nazionale che entusiasmano il mondo intero, il cui interesse era già mostrato dai romantici, guidati da Delacroix.
Nella pittura francese, il realismo si afferma prima di tutto nel paesaggio, a prima vista, il più lontano dalle tempeste sociali e dall'orientamento tendenzioso del genere. Il realismo nel paesaggio inizia con la cosiddetta scuola di Barbizon, con artisti che hanno ricevuto un tale nome nella storia dell'arte dal villaggio di Barbizon vicino a Parigi. In realtà i Barbizoniani non sono tanto un concetto geografico quanto storico e artistico. Alcuni dei pittori, come Daubigny, non vennero affatto a Barbizon, ma appartenevano al loro gruppo a causa del loro interesse per il paesaggio nazionale francese. Era un gruppo di giovani pittori - Theodore Rousseau, Diaz della Peña, Jules Dupre, Constant Troyon e altri - che venivano a Barbizon per dipingere schizzi dal vero. Hanno completato i dipinti in bottega sulla base di schizzi, da qui la completezza e la generalizzazione nella composizione e nella colorazione. Ma in loro è sempre rimasto un vivo senso della natura. Tutti loro erano uniti dal desiderio di studiare attentamente la natura e rappresentarla in modo veritiero, ma ciò non ha impedito a ciascuno di mantenere la propria individualità creativa. Theodore Rousseau (1812-1867) tende a sottolineare l'eterno in natura. Nella sua rappresentazione di alberi, prati, pianure, vediamo la materialità del mondo, materialità, volume, che rende le opere di Rousseau legate ai paesaggi del grande maestro olandese Ruisdael. Ma nei dipinti di Rousseau ("Oaks", 1852) c'è un dettaglio eccessivo, una colorazione un po' monotona, a differenza di Jules Dupre (1811-1889), ad esempio, che dipingeva in modo ampio e audace, amava i contrasti di luce e ombra e con il loro aiuto creavano tensione, trasmettevano sensazioni allarmanti ed effetti di luce, o Diaza della Peña (1807-1876), spagnola di origine, nei cui paesaggi la luce del sole è così abilmente convogliata, i raggi del sole che penetrano attraverso il fogliame e schiacciano sull'erba. Constant Troyon (1810-1865) amava introdurre il motivo degli animali nelle sue immagini della natura, unendo così il genere paesaggistico e animalesco (“Departure to the Market”, 1859). Tra gli artisti più giovani della scuola di Barbizon, Charles Francois Daubigny (1817-1878) merita un'attenzione particolare. I suoi dipinti sono sempre sostenuti da una tavolozza illuminata, che lo avvicina agli impressionisti: valli calme, fiumi tranquilli, erbe alte; i suoi paesaggi sono pieni di grande sentimento lirico ("Il villaggio sulle rive dell'Oise", 1868).
Biglietto 1. Caratteristiche generali del processo letterario a metà del XIX secolo.Biglietto 2. Le origini del realismo come movimento letterario.
Biglietto 4. Letteratura della Francia negli anni 30-40 del XIX secolo.
Biglietto 5. Realismo francese.
La formazione del realismo come metodo avviene in un momento in cui i romantici svolgono un ruolo di primo piano nel processo letterario. Accanto a loro, nella corrente principale del romanticismo, Merimee, Stendhal, Balzac iniziano il loro percorso di scrittura. Tutti loro sono vicini alle associazioni creative dei romantici e partecipano attivamente alla lotta contro i classicisti. Furono i classicisti della prima metà dell'Ottocento, patrocinati dal governo monarchico dei Borboni, che in questi anni furono i principali oppositori dell'emergente arte realistica. Pubblicato quasi contemporaneamente il manifesto dei romantici francesi - "Prefazione" al dramma "Cromwell" di V. Hugo e il trattato estetico di Stendhal "Racine e Shakespeare" hanno un focus critico comune, essendo due colpi decisivi al codice delle leggi dell'arte classica che è già diventato obsoleto. In questi documenti storici e letterari più importanti, sia Hugo che Stendhal, rifiutando l'estetica del classicismo, si battono per l'espansione della materia nell'arte, per l'abolizione di trame e temi proibiti, per rappresentare la vita in tutta la sua pienezza e incoerenza. Allo stesso tempo, per entrambi, il modello più alto, che dovrebbe essere guidato nella creazione di nuova arte, è il grande maestro del Rinascimento Shakespeare (percepito, tuttavia, sia da Hugo che da Stendhal in modi diversi). Infine, i primi realisti di Francia e i romantici degli anni '20 sono accomunati da un comune orientamento socio-politico, che si rivela non solo nell'opposizione alla monarchia borbonica, ma anche in una percezione critica dei rapporti borghesi che si instaurano davanti ai loro occhi .
Dopo la rivoluzione del 1830, che fu una pietra miliare significativa nello sviluppo della Francia, i percorsi di realisti e romantici divergeranno, il che, in particolare, si rifletterà nelle polemiche degli anni '30 (ad esempio, le recensioni critiche di Balzac sul dramma di Hugo "Hernani" e il suo articolo "Akathists romantici" ). Tuttavia, dopo il 1830, furono conservati i contatti degli alleati di ieri nella lotta contro i classicisti. Rimanendo fedeli ai metodi fondamentali della loro estetica, i romantici padroneggeranno con successo l'esperienza dei realisti (soprattutto Balzac), sostenendoli in quasi tutte le imprese importanti. I realisti, a loro volta, seguiranno con interesse le opere dei romantici, incontrando con invariabile soddisfazione ciascuna delle loro vittorie (tali, in particolare, erano i rapporti tra J. Sand e Hugo e Balzac).
I realisti della seconda metà dell'Ottocento rimprovereranno ai loro predecessori il "romanticismo residuo" che si trova in Merimee, ad esempio, nel suo culto dell'esotico (i cosiddetti romanzi esotici), in Stendhal - nella sua passione per la rappresentazione personalità brillanti e passioni eccezionali ("Cronache italiane") , Balzac - nel desiderio di trame avventurose e nell'uso di tecniche fantastiche nelle storie filosofiche ("Shagreen Skin"). Questi rimproveri non sono privi di fondamento, e questa è una delle caratteristiche specifiche: esiste una sottile connessione tra realismo e romanticismo, che si rivela, in particolare, nell'eredità di tecniche o addirittura temi e motivi caratteristici dell'arte romantica (il tema di illusioni perdute, motivo di delusione).
L'importanza del romanticismo come precursore dell'arte realistica in Francia difficilmente può essere sopravvalutata. Furono i romantici i primi a criticare la società borghese contemporanea, e la critica coerente e senza compromessi delle relazioni borghesi dalle alte posizioni dell'umanesimo è il lato più forte dell'estetica dei realisti, che ampliarono e arricchirono l'esperienza dei loro predecessori.
Di particolare importanza in relazione al problema della continuità letteraria è il principio più importante dell'estetica romantica studiato dai realisti: il principio dello storicismo. È noto che questo principio implica la considerazione della vita umana come un processo continuo in cui tutte le sue fasi sono interconnesse dialetticamente, ognuna delle quali ha le sue specificità. Era lei, nella tradizione realistica, ribattezzata in colore storico, che gli autori erano chiamati a rivelare. Tuttavia, nella polemica già formata del 20-30 con i classicisti, questo principio aveva le sue specificità. Sulla base delle scoperte della scuola degli storici moderni (Thierry, Michelet, Guizot), che hanno dimostrato che il motore principale della storia è la lotta delle classi, e il popolo, le masse sono la forza decisiva, i realisti hanno proposto un nuovo metodo di leggere la storia.
I grandi realisti vedono il loro compito nella riproduzione della realtà così com'è, nella conoscenza delle sue leggi interne che determinano la dialettica e la varietà delle forme. "Lo storico stesso doveva essere la società francese, io dovevo solo esserne il segretario", scrive Balzac nella Prefazione. Ma l'immagine oggettiva non è un riflesso speculare passivo di questo mondo, perché a volte, come nota Stendhal, “la natura presenta spettacoli insoliti, contrasti sublimi” e possono rimanere incomprensibili allo specchio inconscio. Riprendendo il pensiero di Stndal, Balzac sostiene che il compito non è copiare la natura, ma esprimerla. Ecco perché la più importante delle installazioni - la ricreazione della realtà - per Balzac, Stendhal, Merimee non esclude tecniche come allegoria, fantasia, grottesco, simbolismo.
Il realismo della seconda metà dell'Ottocento, rappresentato dall'opera di Flaubert, differisce dal realismo della prima fase. C'è una rottura definitiva con la tradizione romantica, recitata ufficialmente già in Madame Bovary (1856). E sebbene la realtà borghese rimanga l'oggetto principale della rappresentazione nell'arte, la scala ei principi della sua rappresentazione stanno cambiando. Le brillanti personalità degli eroi del romanzo degli anni '30 e '40 vengono sostituite da persone comuni, non molto notevoli. Il mondo colorato di passioni veramente shakespeariane, combattimenti feroci, drammi strazianti, catturato nella Commedia umana di Balzac, le opere di Stendhal e Merimee, lascia il posto al "mondo del colore ammuffito", il cui evento più straordinario è l'adulterio.
Sono segnati cambiamenti fondamentali, rispetto al realismo della prima fase, e al rapporto dell'artista con il mondo in cui sceglie l'oggetto dell'immagine. Se Balzac, Merimee, Stendhal mostravano un ardente interesse per i destini di questo mondo e costantemente, secondo Balzac, "sentivano il polso della loro epoca, ne vedevano le malattie", allora Flaubert dichiara un distacco fondamentale dalla realtà per lui inaccettabile, che disegna nelle sue opere. Ossessionato dall'idea di reclusione in un castello d'avorio, lo scrittore è incatenato al presente, diventando un severo analista e un giudice obiettivo. Tuttavia, nonostante tutta l'importanza fondamentale che acquisisce l'analisi critica, uno dei problemi più importanti dei grandi maestri del realismo rimane il problema di un eroe positivo, perché "il vizio è più efficace ... la virtù, al contrario, mostra solo insolitamente linee sottili al pennello dell'artista." La virtù è indivisibile, ma il vizio è molteplice.
Biglietto 6. La poetica di Beranger. Analisi di 2 poesie.
Jean-Pierre Bérenger 1780-1857] - Cantautore francese. R. a Parigi, nella famiglia di un impiegato. In gioventù ha cambiato diverse professioni: era apprendista orologiaio, servitore di taverna, bibliotecario, ha studiato gioielleria, ecc., Entrando finalmente in contatto con la bohémien letteraria e artistica di Parigi. La democrazia di B., predeterminata dalla sua origine dalla borghesia operaia e dal fatto che è cresciuto nelle condizioni della Grande Rivoluzione Francese, i cui principi erano profondamente intrisi, ha diretto la sua opera letteraria in un rapporto formale lungo la linea di opposizione ai francobolli classici. Tuttavia, nella lotta contro quest'ultimo, il poeta piccolo-borghese non segue la via di quelle classi che hanno creato il romanticismo, ma si affida alla tradizione letteraria "bassa" del distico di canto di strada, improvvisato nelle osterie e nelle osterie di Parigi. B. segue dapprima gli esempi di questo genere, creato nella cerchia dei cantautori "Pogrebok" (la sua tradizione va avanti dal XVIII secolo), in cui entra, spinto dal suo temperamento profondamente sociale, e ben presto aggiorna bruscamente la loro materia questione. Dal fervente elogio dell'amore libero e del divertimento nel primissimo periodo di B. ("Bacchante", "Great Orgy"), B. crea ben presto un acuto pamphlet politico, un'elegia sociale, un'approfondita meditazione lirica.
Le prime opere significative di B. in questo genere sono i suoi opuscoli su Napoleone I: "Re Yveto", "Trattato politico". Ma il periodo di massimo splendore della satira di B. cade nell'era della restaurazione. Il ritorno al potere dei Borboni, e con essi degli aristocratici emigrati, che nulla hanno imparato e nulla hanno dimenticato negli anni della rivoluzione, evoca una lunga serie di canti, libelli in B., in cui l'intero sistema sociale e politico del l'era è brillantemente riflessa satiricamente. La loro continuazione sono le canzoni degli opuscoli dirette contro Luigi Filippo come rappresentante della borghesia finanziaria sul trono. In queste canzoni, che lo stesso B. chiamava la chiesa, la burocrazia e la borghesia le frecce scagliate sul trono, il poeta appare come un tribuno politico, attraverso la creatività poetica che difende gli interessi della borghesia operaia, che ha svolto un ruolo rivoluzionario in l'epoca di B.. Il motivo di B. è l'esaltazione del lavoro, della povertà e della loro superiorità morale sullo sfruttamento e sulla ricchezza. Attraverso tutto il lavoro di B. si estende un filo di canzoni-meditazioni puramente liriche, intrise del motivo dell'esaltazione del lavoro e della vita delle classi lavoratrici ("Dio della brava gente", "Il mio vecchio frac", "Attico", " No, questa non è Lisette", "Il sarto e la fata "," Fata delle rime ", ecc.). B. funge anche da poeta del filisteismo rivoluzionario in un ciclo di canti dedicati alla leggenda di Napoleone. Essendo in opposizione a Napoleone durante il suo regno, il B. afferma il culto della sua memoria durante i Borboni e Luigi Filippo. Nelle canzoni di questo ciclo, Napoleone è idealizzato come rappresentante del potere rivoluzionario, connesso con le masse. Estraneo alla coscienza del vero proletariato, questo motivo della poesia di B. rifletteva sensibilmente lo stato d'animo della borghesia operaia, che reagì dolorosamente al ritorno al potere della nobiltà e della chiesa sotto i Borboni e al predominio della finanza borghesia sotto Luigi Filippo. In questo senso limitato, la natura rivoluzionaria di questo motivo non può essere negata. Infine, gli ideali positivi di B., rivelati in una serie di canzoni utopiche, caratterizzano nuovamente il poeta come rappresentante della piccola borghesia rivoluzionaria. I motivi principali di questo ciclo: fede nel potere delle idee, libertà come una sorta di bene astratto, e non come risultato reale della lotta di classe, necessariamente associata alla violenza ("Idea", "Pensiero"). In una delle canzoni di questo ciclo, B. chiama i suoi maestri: Owen, La Fontaine, Fourier. Davanti a noi c'è quindi un seguace del socialismo utopico pre-marxista.
Nella situazione di graduale rafforzamento della controrivoluzione, interrotta solo di volta in volta da esplosioni rivoluzionarie, in cui il B. visse e operò, le classi dirigenti, rappresentate dai loro governi, tentano alternativamente (sempre senza successo) di conquistarlo al loro fianco come eccezionale forza sociale, sottoponendo poi il poeta a severe repressioni. La prima raccolta di poesie lo priva della misericordia delle autorità dell'università, dove ha poi prestato servizio. La seconda raccolta porta B. processo, che si conclude con una pena detentiva di tre mesi, per oltraggio alla moralità, alla chiesa e alla regalità. La quarta raccolta ha comportato una seconda pena detentiva per l'autore, questa volta per 9 mesi. Entrambi i processi si svolsero sotto il governo controrivoluzionario dei Borbone e servirono solo a una grandiosa crescita della popolarità di B., la cella del carcere to-rogo divenne ogni volta luogo di pellegrinaggio per i migliori rappresentanti di tutto ciò che era progressista in Francia di quell'epoca. La popolarità di B. in ampi strati della Francia lavoratrice, oltre alle sue canzoni, cantate in una capanna contadina, nell'armadio di un artigiano, in una caserma e in una soffitta, fu facilitata soprattutto dallo stile di vita del poeta, che rasentava la povertà, con la piena opportunità di occupare una posizione di rilievo sotto il governo di Luigi Filippo o Napoleone III, che non erano contrari a giocare al liberalismo e ad arruolare il poeta rivoluzionario nel loro seguito, indipendentemente dal suo comportamento sociale. Nonostante tutto ciò, la partecipazione del B. alla vita politica propriamente detta (se non tocchiamo l'azione rivoluzionaria delle canzoni) si traduceva, ad esempio, in forme piuttosto moderate. sotto forma di sostegno ai liberali nella rivoluzione del 1830. Negli ultimi anni il B. si ritirò dalla vita pubblica, stabilendosi vicino a Parigi, passò nel suo lavoro dai motivi politici a quelli sociali, sviluppandoli nello spirito del populismo ("Red Jeanne ", "Tramp", "Jacques" e così via).
L'elezione del B. all'Assemblea nazionale nel 1848 non ebbe un vero significato, poiché egli non prese parte ai lavori dell'Assemblea, e fu solo una dimostrazione di rispetto per il B. da parte di ampi strati della popolazione parigina. La fama del B. in questo periodo fu così grande che dopo la sua morte il governo di Napoleone III fu costretto a prendersi a proprie spese i suoi funerali e ad attribuire loro ufficialmente il significato di atto nazionale.
Dai molti fiori primaverili,
La figlia del popolo, la cantante dei diritti del popolo.
Glielo devi fin dall'infanzia,
Dove ha cantato, calmando il tuo primo pianto.
Tu alla baronessa o alla marchesa
Non cambio per il loro abbellimento.
Non temere, con la musa siamo fedeli al motto:
Quando un ragazzo, senza fama,
mi sono imbattuto in antichi castelli,
Non ho affrettato lo stregone,
Per aprire un portale chiuso per me.
Ho pensato: no, né cantare né amare,
Come trovatori, non ci incontreranno qui.
Andiamo da qui al terzo stato:
I miei gusti ed io veniamo dal popolo.
Abbasso le palle, dove la noia è una vecchia credente
Dove la pioggia di fuochi d'artificio svanisce,
Dove il riso tace, senza avere il tempo di risuonare!
Settimana di distanza! Entri in abito bianco
Chiami nei campi - per iniziare il ballo della domenica;
Il tuo tallone, il tuo arco voglio raggiungere ...
I miei gusti e io - veniamo dalle masse!
Bambino! Non solo con qualsiasi donna -
Puoi discutere con la principessa.
Qualcuno può essere paragonato in bellezza a te?
Quale sguardo è più tenero? Di chi sono le caratteristiche più corrette?
Lo sanno tutti - con due yard di fila
Ho combattuto e salvato l'onore del popolo.
Ottieni il suo cantante come ricompensa:
I miei gusti ed io veniamo dal popolo.
Figlia del popolo
Lebrun, mi stai tentando!
Dopo tutto, sono solo un semplice cantante,
E mi offri in una lettera
Corona accademica!
Ma aspetta, sii paziente!
Avendo vissuto tutta la mia vita come in uno stato di stordimento,
Amo la solitudine
E non andrò alla tua chiamata.
Il tuo rumore mondano mi spaventa;
Sono dipendente dal silenzio.
"Il mondo manchi da tanto tempo..."
Il mondo quasi non si ricorda di me!
Dategli meno gloria
E più soldi - tale è la luce;
E basta scherzi!
"Entra in politica!" - al poeta
Insistono insistentemente da soli.
Davvero, amici, su questo argomento
Non cantavo molto ai vecchi tempi?!
Altri mi gridano: “Profeta
Tu nomina te stesso d'ora in poi
E in questo alto rango
Ti meriti l'incenso da noi."
Diventa una grande persona
non vorrei mai:
Antieconomico il nostro secolo,
Ahimè, il piedistallo è volgarizzato!
Ogni setta ha il suo profeta,
E ogni club ha un genio:
Il Togo ha fretta di essere eletto prefetto,
A questo si affrettano a erigere un altare ...
Di cosa ho paura?
Biglietto 6. Creatività Stendhal.
L'opera di Stendhal (alias letterario di Henri Marie Bayle) apre un nuovo periodo nello sviluppo non solo della letteratura francese, ma anche dell'Europa occidentale. È Stendhal che prende l'iniziativa nel sostanziare i principi e i programmi fondamentali per la formazione dell'arte moderna, teoricamente affermati nella prima metà degli anni '20, quando ancora dominava il classicismo, e ben presto incarnati brillantemente nei capolavori artistici dell'eccezionale romanziere del 19esimo secolo.
Negli "anni di studio" la visione del mondo di Stendhal si forma sotto l'influenza di illuministi materialisti, come Helvetius, Monteske e de Trasti, il fondatore della "medicina filosofica" di Cabanis. Nel 1822 Stendhal, che percorse questi studi scientifici, scrisse: "L'arte dipende sempre dalla scienza, usa i metodi scoperti dalla scienza". La vera scoperta per lui è stata il concetto utilitaristico di "interesse personale" giustificato da Helvetius come base naturale di una persona, per la quale "la ricerca della felicità" è il principale incentivo per tutte le azioni. Una persona, vivendo in una società della sua stessa specie, non solo non può fare a meno di fare i conti con loro, ma deve anche fare del bene per loro. La "caccia alla felicità" era dialetticamente connessa con la virtù civica, garantendo così il benessere dell'intera società. "Un'anima nobile agisce per amore della propria felicità, ma la sua più grande felicità sta nel portare felicità agli altri." "La caccia alla felicità" come motore principale dell'azione umana diventerà un soggetto costante della rappresentazione di Stendhal.
Stendhal fornisce un esempio di analisi matematicamente accurata nel 1822 nel trattato "On Love", tracciando il "processo di cristallizzazione" di uno dei sentimenti più intimi: la passione amorosa.
Le prime ricerche dello scrittore furono segnate dall'evoluzione delle sue predilezioni estetiche: all'ammirazione per il teatro classicista di Racine si sostituì la passione per il neoclassicismo italiano di Alfieri, al quale Shakespeare fu infine preferito. Questo cambio di linee guida estetiche non solo rifletteva le tendenze caratteristiche dell'evoluzione dei gusti estetici della società francese, ma delineava anche un certo approccio al prossimo manifesto letterario di Stendhal "Racine e Shakespeare", che riassume la lotta dei classicisti romantici, e delinea anche le principali conclusioni programmatiche per la creatività dell'autore. Stendhal dimostra l'incoerenza del concetto estetico dei suoi avversari letterari, sostenendo che l'arte si evolve insieme alla società e al cambiamento delle sue esigenze estetiche.
Poco dopo, nell'articolo "Walter Scott e la principessa di Cleves", integrando e correggendo le principali disposizioni di Racine e Shakespeare, Stendhal osserverà: "Da tutto ciò che lo ha preceduto, il XIX secolo si distinguerà per una rappresentazione accurata e penetrante del cuore umano». Stendhal vede il compito fondamentale della letteratura moderna in una rappresentazione veritiera e accurata di una persona, del suo mondo interiore, della dialettica dei sentimenti determinata dalla costituzione spirituale e fisica della personalità, formata sotto l'influenza dell'ambiente, dell'educazione e del sociale condizioni di vita.
Allo stesso tempo, è stato determinato il genere in cui Stendhal fa le sue principali scoperte artistiche, incarnando i principi dell'estetica realistica. L'originalità della sua individualità creativa sarà pienamente rivelata nel tipo di romanzo socio-psicologico che ha creato. La prima esperienza dello scrittore in questo genere è il romanzo "Armans", scritto nel 1827. Nel 1830 Stendhal completò Il rosso e il nero, che segnò l'inizio della maturità dello scrittore. La trama del romanzo si basa su eventi reali legati al caso di un certo Antoine Berte, un giovane di famiglia contadina che decise di fare carriera entrando al servizio di tutore nella famiglia di un ricco locale Misha. Vozre, però, condannato per una storia d'amore con la madre dei suoi allievi, perse il posto, fu espulso dal seminario teologico e poi dal servizio in un palazzo aristocratico parigino, dove fu compromesso anche dai rapporti con la figlia del proprietario, non senza l'aiuto della signora Misha. In preda alla disperazione, Berthe torna a Grenoble e spara alla signora Misha, quindi cerca di suicidarsi. Non a caso questa cronaca di corte attirò l'attenzione di Stendhal, che concepì un romanzo sul tragico destino di un talentuoso plebeo in Francia durante la Restaurazione.
La prima delle Cronache italiane di Stendhal, Vanina Vanini (1829), è dialetticamente connessa con Rosso e Nero. L'eroe del romanzo è vicino a Julien Sorel, ma nella vita sceglie la strada opposta.
Nel 1830, il regime della Restaurazione odiato da Stendhal fu spazzato via da un'ondata di eventi rivoluzionari. Tuttavia, la borghesia che salì al potere nel potere di oppressione dei lavoratori superò l'aristocrazia e il clero. Quest'anno non ha portato gioiosi cambiamenti al creatore di "Red and Black". Il capolavoro di Stendhal non è stato notato dalla critica ufficiale. La stessa sorte è toccata al suo nuovo romanzo - "Lucien Leven" ("Rosso e bianco"). Questo romanzo è una prova indiscutibile dell'arricchimento dell'arte di Stendhal romanziere. Creato nei primi anni della monarchia di luglio, il romanzo colpisce per la profondità e l'accuratezza dell'analisi del regime socio-politico che si è appena affermato in Francia. Rimanendo fedele a se stesso, Stendhal tiene conto delle carenze del romanzo precedente, in cui solo i personaggi centrali sono evidenziati in modo brillante, e crea un'intera galleria di personaggi secondari accattivanti e delineati in modo impressionante.
Il tema principale del lavoro di Stendhal nella seconda metà degli anni '30 è legato all'Italia, dove ha trascorso molti anni. Vengono pubblicate quattro storie: Vittoria Accoramboni, duchessa di Palliano, Cenci, badessa di Castro. Insieme a "Vanina Vanini", essi, basati sull'elaborazione artistica di veri manoscritti trovati dalla scrittrice negli archivi d'Italia, rappresentano il ciclo delle "Cronache italiane" di Stendhal.
Il contenuto di uno degli antichi manoscritti che raccontano le scandalose avventure di papa Paolo 3 Farnese è servito come base per la creazione dell'ultimo capolavoro di Stendhal: il romanzo Il monastero di Parma (1839). Segnando il palcoscenico più alto e il risultato creativo dell'evoluzione di Stendhal, "The Parma Abode" è una complessa unità di genere e stile che riflette l'originalità dello sviluppo del metodo artistico dello scrittore.
L'artista, che ha aperto la strada al futuro della letteratura, non è stato compreso dai suoi contemporanei, e questo ha ferito dolorosamente Stendhal. Eppure, nei suoi anni di declino, riuscì ad ascoltare la sua forte confessione, che apparteneva a Balzac, che rispose all'apparizione del "Convento di Parma" con lo "Studio di Bale".
Biglietto 7. Stendhal "Racine e Shakespeare", "Walter Scott e la principessa di Cleves".
Stendhal (vero nome - Henri-Marie Beyle) nacque a Grenoble nel 1783. Nel 1800-1802. prestò servizio come sottotenente nell'esercito italiano di Bonaparte; nel 1805-1812 - quartiermastro; accompagnò le truppe imperiali durante il loro ingresso a Berlino, Vienna, in una campagna contro Mosca. Dopo la caduta di Napoleone partì per l'Italia, dove entrò in contatto con il movimento dei carbonari, incontrò Byron, tornò in Francia nel 1821 e nel 1831 si stabilì come console francese nella città italiana di Civitavecchia.
Stendhal visse in un'epoca di grande distruzione e rinnovamento. Davanti ai suoi occhi (e in una certa misura con la sua partecipazione) il mondo stava cambiando. La struttura di classe della società gli si è rivelata non nella sua statica pre-rivoluzionaria, ma nella lotta, al momento della transizione, per la ridistribuzione del potere. Si rese conto che la coscienza umana in un modo o nell'altro dipende dal suo essere. Pertanto, a suo avviso, la letteratura e l'arte sono anche socialmente dipendenti. Non possono partire da un ideale di bellezza assoluto, immutabile; Tali visioni di Stendhal (generalmente caratteristiche di Balzac e Merimee) determinarono il metodo del suo lavoro.
Come in seguito per Balzac, Scott fu il suo predecessore, anche il suo maestro. "Il famoso romanziere", ha scritto, "ha fatto una rivoluzione nella letteratura francese", "confesso che devo molto alle opere di Walter Scott". Ma nel 1830, nell'articolo “Walter Scott e la principessa di Cleves”, Stendhal, rispondendo alla domanda: “... dovremmo descrivere gli abiti degli eroi, il paesaggio in cui si trovano, i loro tratti del viso? O è meglio descrivere le passioni e i vari sentimenti che eccitano le loro anime? ”, ha preferito inequivocabilmente il secondo. Ma non si deve pensare che tutti i disaccordi con Scott ei "suoi imitatori" si riducano a questo: al modo di scrivere, all'abbondanza o alla moderazione delle descrizioni. Le differenze erano più profonde ed erano di natura fondamentale. Stendhal ha rimproverato a Walter Scott il fatto che, a causa del suo conservatorismo politico, non rende giustizia ai suoi eroi ribelli e che non gli viene data l'espressione di un alto pathos civico. "I personaggi del romanziere scozzese", ha scritto in un articolo sul WSPC, "sono tanto più privi di coraggio e fiducia, quanto più elevati sono i sentimenti che devono esprimere. Confesso che questo mi sconvolge soprattutto in Sir Walter Scott. "La questione della veridicità dell'arte è strettamente connessa con il problema della bellezza, con la comprensione della bellezza. S. Sono convinto che l'ideale della bellezza sia storicamente condizionato , si sviluppa insieme allo sviluppo della società.Ha sostenuto, dando un'interpretazione materialistica e dialettica dell'ideale: "La bellezza è una promessa di felicità". virtù di una data società." Il bello e l'utile si combinano in lui, la bellezza non esiste fuori della morale, e se una delle virtù C considerava la mente, allora la bellezza non esiste fuori della mente, così come, però, la bellezza non esiste senza la spiritualità. Il concetto di bellezza spirituale comprende anche energia, ambizione, dovere, volontà e, naturalmente, la capacità di provare passioni. Credendo che le passioni governino una persona, S. con particolare cura ha indagato su uno dei più importanti - amore (vedi "On Love")
Al centro dell'estetica S. Uomo, carattere umano. In particolare, il suo giudizio di carattere in una lettera a Balzac: "Prendo una delle persone che conoscevo, e mi dico: questa persona ha acquisito certe abitudini, va ogni mattina a cacciare la felicità, e poi gli do un po' di più mente." L'esperienza è al centro della sua arte. S. Sono convinto che non ci siano "persone né completamente buone né completamente cattive". Una persona è definita da ciò che intende per "felicità", ad es. scopo della vita e i mezzi per raggiungerlo. Confronta il suo metodo di visualizzazione della realtà con uno specchio, mostra l'intera diversità del mondo con tutti i suoi lati positivi e negativi. Nei suoi diari l'autore condannava gli scrittori contemporanei che, per un malinteso senso della moralità, "non osavano chiamare camera da letto una camera da letto", "parlavano poco di ciò che li circondava". Nell'opuscolo "Racine e Shakespeare" S. esprime molto chiaramente il suo atteggiamento nei confronti dei due tipi di arte contemporanea, prendendo parte all'acceso dibattito tra "classici" e "romantici". La sua prima tesi: "D'ora in poi, dobbiamo scrivere tragedie per noi, persone ragionanti, serie e invidiose", queste persone moderne "non sembrano marchesi in camiciole ricamate del 1670". "Il classicismo ... ci offre la letteratura che ha dato il massimo piacere ai ... bisnonni". "Il romanticismo è l'arte di dare ai popoli quelle opere letterarie che, allo stato attuale dei loro costumi e delle loro credenze, possono dare loro il massimo piacere." Anche Sofocle ed Euripide erano romantici, così come Racine e Shakespeare - a loro volta, perché scrivevano per il loro tempo. . “In sostanza, tutti i grandi scrittori erano romantici. E i classici sono quelli che, a un secolo dalla morte, li imitano, invece di aprire gli occhi e imitare la natura”. Di qui, a prima vista, la tesi paradossale che accomuna Racine e Shakespeare. S. attribuisce a Shakespeare ciò per cui i suoi contemporanei apprezzavano W. Scott: la combinazione di situazioni politiche e storiche con la storia dei personaggi, ma allo stesso tempo S. riuscì anche a penetrare nell'anima dei suoi eroi.
Stendhal credeva che il futuro appartenesse al suo stile di scrittura, e allo stesso tempo trovò il suo modello - "Principessa di Cleves" - nel XVII secolo. E il suo lavoro è davvero qualcosa come un ponte tra il passato e il futuro. Stendhal agisce come un realista, allo stesso tempo originale, alla ricerca delle proprie strade imbattute.
Realismo(dal tardo latino realis - materiale, reale) nell'arte, un riflesso veritiero e oggettivo della realtà con mezzi specifici inerenti a un particolare tipo di creatività artistica. Nel suo significato storicamente specifico, il termine "realismo" denota una tendenza nella letteratura e nell'arte che sorse nel XVIII secolo e raggiunse pieno sviluppo e fioritura nel realismo critico del XIX secolo. e continuando a svilupparsi nella lotta e nell'interazione con altre aree nel 20° secolo. (fino ad oggi) Parlando di realismo a metà del XIX secolo, si intende un certo sistema artistico che ha trovato giustificazione teorica come metodo esteticamente consapevole.
In Francia, il realismo è associato principalmente al nome di Courbet. L'appello alla modernità in tutte le sue manifestazioni, affidandosi, come proclamava Emile Zola, alla scienza esatta, divenne la principale esigenza di questo movimento artistico. Gustave Courbet nasce nel 1819 a Ornans, un paese di circa tremila abitanti situato nella Franca Contea, a 25 km da Besançon, vicino al confine svizzero. Suo padre, Régis Courbet, possedeva vigneti vicino a Ornans. Nel 1831 il futuro artista iniziò a frequentare il seminario di Ornan. Si sostiene che il suo comportamento contrastasse così tanto con quanto ci si aspettava da un seminarista che nessuno si impegnò a perdonarlo (vedi anche). Ad ogni modo, nel 1837, su sollecitazione del padre, Courbet entrò al College Royal di Besançon, che, come sperava suo padre, lo avrebbe preparato per ulteriori studi legali. Contemporaneamente ai suoi studi al college, Courbet frequentò le lezioni all'Accademia, dove il suo insegnante era Charles-Antoine Flajulo, allievo del più grande artista classicista francese Jacques-Louis David. Nel 1839 andò a Parigi, promettendo al padre che avrebbe studiato legge lì. a Parigi, Courbet ha conosciuto la collezione d'arte del Louvre. Il suo lavoro, soprattutto quelli giovanili, fu successivamente fortemente influenzato dai piccoli artisti olandesi e spagnoli, in particolare Velazquez, da cui prese in prestito i toni scuri generali dei dipinti. Courbet non si occupò di giurisprudenza, ma iniziò invece le lezioni nei laboratori d'arte, principalmente con Charles de Steuben. Ha quindi abbandonato l'educazione artistica formale e ha iniziato a lavorare nelle botteghe di Suisse e Lapin. Non c'erano lezioni speciali nel laboratorio di Suiss, gli studenti dovevano rappresentare il nudo e la loro ricerca artistica non era limitata. Questo stile di insegnamento si adattava bene a Courbet.
Nel 1844, il primo dipinto di Courbet, Autoritratto con cane, fu esposto al Salon di Parigi (tutti gli altri dipinti furono respinti dalla giuria). Fin dall'inizio l'artista si è dimostrato un realista estremo, e più avanti, più forte e persistente ha seguito questa direzione, considerando l'obiettivo finale dell'arte di trasmettere la nuda realtà e la prosa della vita, trascurando anche l'eleganza della tecnologia . Negli anni Quaranta dell'Ottocento dipinse un gran numero di autoritratti.
Tra il 1844 e il 1847 Courbet visitò più volte Ornans e si recò anche in Belgio e nei Paesi Bassi, dove riuscì a stabilire contatti con venditori di quadri. Uno degli acquirenti delle sue opere fu l'artista e collezionista olandese, uno dei fondatori della scuola di pittura dell'Aia Hendrik Willem Mesdag. Successivamente, ciò pose le basi per l'ampia popolarità della pittura di Gustave Courbet al di fuori della Francia. Nello stesso periodo, l'artista stabilisce connessioni nei circoli artistici parigini. Così, ha visitato il caffè Brasserie Andler (situato proprio accanto al suo laboratorio), dove si sono riuniti rappresentanti della tendenza realistica nell'arte e nella letteratura, in particolare Charles Baudelaire e Honore Daumier.
Con la mente e il notevole talento dell'artista, il suo naturalismo, condito, nei dipinti di genere, con una tendenza socialista, fece molto rumore negli ambienti artistici e letterari e gli procurò molti nemici (a loro apparteneva il figlio Alexandre Dumas), sebbene anche molti aderenti, tra i quali apparteneva al famoso scrittore e teorico dell'anarchismo Proudhon.
Alla fine, Courbet divenne il capo della scuola realista che ebbe origine in Francia e da lì si diffuse in altri paesi, in particolare in Belgio. Il livello della sua antipatia per gli altri artisti raggiunse il punto che per diversi anni non partecipò ai salotti parigini, ma alle mostre mondiali organizzò mostre speciali delle sue opere, in stanze separate. Nel 1871, Courbet si unì alla Comune di Parigi, gestì i musei pubblici sotto di essa e guidò il rovesciamento della colonna Vendôme.
Dopo la caduta del Comune scontò, secondo il verdetto del tribunale, sei mesi di reclusione; in seguito fu condannato a reintegrare i costi per il ripristino della colonna che aveva distrutto. Questo lo costrinse a ritirarsi in Svizzera, dove morì in povertà nel 1877. Creatività Courbet più volte nel corso della sua vita ha parlato di sé come di un realista: “La pittura consiste nel presentare cose che l'artista può vedere e toccare... Aderisco fermamente al ritiene che la pittura sia un'arte estremamente concreta e può consistere solo nel rappresentare cose reali che ci vengono date ... Questo è un linguaggio completamente fisico ". La più interessante delle opere di Courbet:" Funeral in Ornans ", il suo ritratto," Capriolo di the stream ”,“ Deer Fight ”,“ Wave" (tutti e cinque al Louvre, Parigi), "Afternoon Coffee at Ornans" (nel Museo di Lille), "The Breakers of the Highway Stone" (conservato nella Galleria di Dresda e morì nel 1945), "Fuoco" (dipinto, in connessione con il suo tema antigovernativo, distrutto dalla polizia), "Preti del villaggio che tornano da una festa cameratesca" (una satira caustica sul clero), "Bagnanti", "Donna con un pappagallo”, “Ingresso alla valle del Puy-Noire”, “Oragnon Rock”, “Cervo sull'acqua" (nel Museo di Marsiglia) e molti paesaggi in cui il talento dell'artista si è espresso in modo più vivido e completo. Courbet è autore di numerosi dipinti erotici scandalosi che non sono stati esposti, ma noti ai contemporanei ("L'origine del mondo", "Dormienti", ecc.); si adattava anche organicamente al suo concetto di naturalismo "Funerale a Ornans" Courbet iniziò a dipingere un quadro nel 1849, in un angusto attico a Ornans. L'opera dell'artista ha provocato un trambusto nella società locale che è caduta nei suoi eroi - vi erano presenti molti abitanti di questi luoghi: dal sindaco e giudice di pace ai parenti e agli amici di Courbet. Ma questa commozione non può essere paragonata alla polemica scoppiata dopo che la tela è stata esposta al Salon.
Lo smarrimento e l'incomprensione hanno causato le sue stesse dimensioni. Hanno convenuto che un normale funerale rurale non dovrebbe essere oggetto di un lavoro così vasto. Uno dei critici ha scritto: "Il funerale di un contadino può toccarci ... Ma questo evento non dovrebbe essere così localizzato". Tuttavia, per i realisti, era proprio questa "localizzazione" ad essere estremamente importante. Courbet ha creato un'immagine moderna e facilmente riconoscibile, catturando sulla tela le persone e le realtà del suo tempo. Inoltre, si è concentrato sul processo stesso del funerale di una persona, e non sulle sue azioni o sul destino postumo della sua anima (come si faceva prima). Allo stesso tempo, l'identità del defunto qui rimane anonima, trasformandosi in un'immagine collettiva della morte. Ciò rende l'immagine una versione modernizzata di una trama molto popolare nel Medioevo, nota come Danza della morte.
Jean Baptiste Camillo Corot(P. Jean-Baptiste Camille Corot, 17 luglio 1796, Parigi - 22 febbraio 1875, ibid) - Artista francese, paesaggista. Studiò dapprima studi dalla natura sotto la guida di Michalon (fr. Achille-Etna Michallon, 1796--1822), e poi, studiando con Bertin (fr. Jean Victor Bertin, 1775--1842), perse molto tempo nel seguire la direzione accademica di questo artista, fino a quando si recò in Italia nel 1826 e qui ricominciò per uno studio diretto della natura. Compiendo studi nelle vicinanze di Roma, acquisì rapidamente una comprensione, principalmente della natura generale del paesaggio, sebbene ne approfondisse attentamente i dettagli e cancellasse diligentemente rocce, pietre, alberi, cespugli, muschio, ecc. le prime opere italiane ancora evidenti si sforzano per il ritmo della disposizione delle parti e per lo stile delle forme.
Successivamente, ha lavorato in Provenza, Normandia, Limosino, Delfinato, intorno a Parigi ea Fontainebleau, e la sua visione della natura e della performance è diventata più libera e indipendente. Nei dipinti dipinti al suo ritorno dall'Italia, non persegue un'esatta riproduzione dell'area data, ma cerca di trasmetterne l'unica impressione, utilizzandone le forme e i toni solo per esprimere con il loro aiuto il suo stato d'animo poetico.
Concorrono allo stesso obiettivo anche le figure che colloca nei suoi paesaggi, componendone scene idilliache, bibliche e fantastiche. Sebbene gli sia stato rimproverato di essere troppo sentimentale, molte delle sue opere trasudano anche un sentimento genuinamente luminoso e allegro. Era, per la maggior parte, un pittore di acque che dormono silenziosamente, orizzonti ampi e poveri, cieli avvolti dalla nebbia, foreste e boschetti dormienti - un vero Teocrito della pittura di paesaggio. Oltre a lei, era impegnato nell'incisione con un ago e "vodka forte". I suoi migliori dipinti sono "Veduta della Riva" (1835; nel Museo di Marsiglia), Italian Morning (1842; nel Museo di Avignone),
- "Ricordi del Lago di Nemi" (1865),
- "Idillio"
- Alba a Ville d'Avre (1868; nel Museo di Rouen),
- “Ninfe e satiri salutano l'alba con una danza” (1851; Louvre),
- · "Mattino" e "Veduta nei dintorni di Albano" (ibid.).
- · Nella collezione dell'ex Galleria Kushelev c'erano due campioni del dipinto di Karo: "Mattina" e "Sera". Jean Francois Millem(P. Jean-François Millet, 4 ottobre 1814-20 gennaio 1875) - Artista francese, uno dei fondatori della scuola di Barbizon.
- · Millet è nato in una ricca famiglia di contadini del piccolo villaggio di Grushy sulle rive della Manica vicino a Cherbourg. Le sue capacità artistiche erano percepite dalla famiglia come un dono dall'alto. I suoi genitori gli hanno dato dei soldi e gli hanno permesso di studiare pittura. Nel 1837 arrivò a Parigi e lavorò per due anni nella bottega del pittore Paul Delaroche (1797-1856). Dal 1840, il giovane artista iniziò a esporre le sue opere al Salon. Nel 1849 l'artista si stabilì a Barbizon e vi abitò fino alla fine dei suoi giorni. Il tema della vita contadina e della natura è diventato quello principale per Millet. "Sono un contadino e nient'altro che un contadino", ha detto di se stesso. "The Gatherers of Ears"Il duro lavoro dei contadini, la loro povertà e umiltà si riflettevano nel dipinto "The Gatherers of Ears" (1857). Le figure di donne sullo sfondo del campo sono piegate in un arco basso: solo così potranno raccogliere le spighe rimaste dopo il raccolto. L'intera immagine è piena di sole e aria. L'opera provocò diverse valutazioni del pubblico e critiche, che costrinsero il maestro a rivolgersi temporaneamente agli aspetti più poetici della vita contadina.
- · Il dipinto "Angelus" (1859) ha mostrato che Millet è in grado di trasmettere sottili esperienze emotive nelle sue opere. Due figure solitarie si bloccarono nel campo: marito e moglie, dopo aver sentito suonare la campana della sera, pregarono silenziosamente per i morti. I tenui toni brunastri del paesaggio, illuminati dai raggi del sole al tramonto, creano una sensazione di pace. "Angelus" Nel 1859, Millet, su commissione del governo francese, dipinse il dipinto "Contadina che pascola una mucca". Una mattina gelida, la brina è d'argento sul terreno, una donna vaga lentamente dietro a una mucca, la sua figura è quasi scomparsa nella nebbia mattutina. I critici hanno definito questa immagine un manifesto di povertà.
- · Alla fine della sua vita, l'artista, sotto l'influenza dei Barbizon, si interessa al paesaggio. In Winter Landscape with Crows (1866) non ci sono contadini, se ne sono andati da tempo, lasciando la terra arabile dove vagano i corvi. La terra è bella, triste e solitaria. "Primavera" (1868-1873) è l'ultima opera di Millet. Pieno di vita e amore per la natura, splendente di colori vivaci dopo la pioggia, fu completato poco prima della morte dell'artista.Il 20 gennaio 1875, l'artista morì all'età di 60 anni a Barbizon e fu sepolto vicino al villaggio di Chally, accanto al suo amico Theodore Rousseau. Millais non ha mai dipinto dalla natura. Gli piaceva camminare nei boschi e fare piccoli schizzi, per poi riprodurre a memoria il motivo che gli piaceva. L'artista ha scelto i colori per i suoi dipinti, cercando non solo di riprodurre fedelmente il paesaggio, ma anche di raggiungere l'armonia cromatica.
L'artigianato pittoresco, il desiderio di mostrare la vita rurale senza abbellimenti, hanno messo Jean-Francois Millet alla pari dei barbizoni e degli artisti realistici che hanno lavorato nella seconda metà del XIX secolo.
François Millet in letteratura: Mark Twain ha scritto la storia "È vivo o morto?" in cui descriveva con ironia la storia di come un gruppo di artisti, stanchi della povertà, decise di pubblicizzare e poi inscenare la morte di uno di loro per aumentare i prezzi dei suoi quadri. Gli artisti erano guidati dall'affermazione che i soldi spesi per i funerali e gli epitaffi dei maestri morti di fame sarebbero stati più che sufficienti per vivere comodamente. La scelta è caduta su Francois Millet. Dopo aver dipinto diversi quadri e diverse borse di schizzi, "morì dopo una grave e prolungata malattia". È interessante notare che nella storia lo stesso Francois Millet portava la "sua" bara. Il prezzo dei dipinti è immediatamente aumentato e gli artisti sono stati in grado di raggiungere il loro obiettivo: ottenere un prezzo reale per i loro dipinti durante la loro vita.