bibbia pittore figurativo laico

Nell'arte russa all'inizio del XX secolo, quando una certa parte della società russa era influenzata da stati d'animo religiosi e mistici, il tema della vita terrena del Signore perse il suo antico suono tragico. Ora ha acquisito una connotazione filosofica e lirica. Questa tendenza è particolarmente evidente nelle opere di Mikhail Vasilievich Nesterov (1862 - 1942) e Viktor Mikhailovich Vasnetsov (1848 - 1926). IT Petrova scrive del lavoro di M.V. Nesterov e V.M. Vasnetsova: "In varia misura e ciascuno a modo suo, ma nelle opere di questi maestri si nota una fusione di autoespressione estetica e un sentimento sinceramente religioso. Vasnetsov - monumentale ed espressivo, Nesterov - lirico, raffinato" [Ibid. .].

È sorprendente, ma storie e immagini bibliche si trovano nelle opere di rappresentanti di vari tipi di movimenti modernisti. A metà degli anni '10. Kazimir Severinovich Malevich (1879 - 1935), l'autore del famigerato "Quadrato nero", secondo E.N. Petrova, "ha incarnato in stile simbolico diverse scene evangeliche: l'Ascensione (Trionfo del Cielo), la Sepoltura, Cristo circondato dagli angeli (Autoritratto) e la Preghiera per il Calice (Preghiera)" [Ibid.].

Molti dei creatori dell '"avanguardia russa" si sono rivolti alle storie gospel. Natalia Sergeevna Goncharova (1881 - 1962) divenne autrice di un ciclo dedicato agli Evangelisti (1911). San Giorgio è stato ripetutamente raffigurato nelle sue composizioni, realizzate in uno stile astratto, da Vasily Vasilyevich Kandinsky (1866-1944). Tutta la linea trame del Nuovo Testamento sono presenti nell'opera di Pavel Nikolayevich Filonov (1883-1941). Tra questi - "La Sacra Famiglia" (1914), "Magi" (1914), "Tre a tavola" (1914 - 1915), "San Giorgio" (1915), "Madre" (1916), "Fuga in Egitto " (1918).

Storie bibliche e le immagini, comprese quelle associate alla figura di Cristo, sono presenti anche nell'opera di Marc Chagall (1887 - 1985), nato a Vitebsk in una famiglia di ebrei ortodossi. La sua prima opera sul tema della Sacra Scrittura è Calvario (1912). Nel 1938 creò il dipinto "Crocifissione bianca", che Mikhail Vaishengolts considera la reazione di Chagall alle tendenze antisemite che stavano crescendo in tutta Europa durante l'intero periodo prebellico.

Chagall si rivolse anche a temi biblici in seguito. Quindi, nel 1960-1966. ha lavorato al dipinto "Il sacrificio di Abramo". La vetrata "Isacco incontra sua moglie Rebecca" (1977 - 1978) adorna la chiesa di S. Stefano a Magonza.

Negli anni '30 - '80. in URSS, gli artisti, nonostante le restrizioni esistenti, usavano abbastanza spesso motivi biblici nelle loro opere. Alcuni di loro hanno dedicato lunghi periodi della loro vita alla pittura religiosa. carriera creativa. Tra i maestri che si sono rivolti a soggetti e immagini bibliche nel loro lavoro ci sono David Petrovich Shterenberg (1881-1948), Pavel Dmitrievich Korin (1892-1967). Di particolare rilievo è, a quanto pare, il lavoro di Sergei Mikhailovich Romanovich (1894-1968). CM. Romanovich negli anni '40 dipinse i quadri "Bacio di Giuda", "Tempesta sul lago di Tiberiade", negli anni '50. - "L'Annunciazione", "Il Cristo deriso", "Ecco l'uomo", "Deposizione dalla Croce", negli anni '60. - "Deposizione della corona di spine", ecc.

Tutti questi lavori sono stati eseguiti in maniera modernista. Non meno interesse è stato mostrato per le trame e le immagini di Sacra Scrittura rappresentanti del "underground" degli anni '60 -'70. All'inizio dell'uso della "perestrojka". motivi cristiani v belle arti non più condannato, ma tacitamente approvato. Successivamente, questa approvazione ha acquisito un carattere ufficiale.

La leggenda della Torre di Babele e della dispersione dei popoli è l'ultima leggenda biblica a cui è dedicata storia del mondo umanità. Il capitolo 11 del libro "Genesi" si conclude con la genealogia dei discendenti di Sem, uno dei figli di Noè, dopodiché entrano in scena Patriarchi Abramo, Isacco, Giacobbe- i fondatori del popolo ebraico. Abramo

il primo dei tre patriarchi biblici vissuti dopo il Diluvio.

IN Arte europea le immagini dei patriarchi biblici sono rimaste a lungo nell'ombra.
La storia dell'Antico Testamento era percepita nel cristiano mondo come prologo agli eventi esposti nel Nuovo Testamento,

quindi gli antenati erano venerati principalmente come antenati di Cristo. Il Vangelo di Matteo inizia con "la genealogia di Gesù Cristo, figlio di Davide, figlio di Abramo": "Abramo generò Isacco, Isacco generò Giacobbe, Giacobbe generò Giuda e i suoi fratelli". Dopo molte generazioni, dai discendenti di Giuda nacque Giuseppe, lo sposo di Maria, la madre di Gesù.

Sebbene Tecnicamente Giuseppe non era affatto il padre di Cristo., considerato il Figlio di Dio, per la chiesa lo era estremamente importante elevare la famiglia di Giuseppe, nella cui famiglia è nato e cresciuto Gesù, ai patriarchi dell'Antico Testamento e sottolinearlo nella sua vita terrena, Cristo proveniva dalla stirpe di Abramo.

Naturalmente le opere dedicate ai patriarchi non occupavano un posto di rilievo nelle chiese cristiane. . Nelle chiese russe del XV secolo. immagini patriarchi tradizionalmente collocato nella fila superiore, cosiddetta del capostipite iconostasi. Nell'arte dell'Europa occidentale, scene della vita dei patriarchi si possono trovare nella decorazione scultorea delle cattedrali gotiche, sugli affreschi e sui mosaici, sulle ali laterali degli altari.

La svolta rispetto all'argomento che ci interessa avvenne nell'era dell'Alto Rinascimento,

Il Rinascimento pose le basi per l'imminente trionfo della pittura: il XVII secolo fu il periodo di massimo splendore della pittura classica.

E non è un caso che nel XVII secolo gli artisti si rivolgevano più spesso ai soggetti Vecchio Testamento, tra i quali erano invariabilmente attratti dai racconti dei patriarchi. Si noti che sebbene nel XVII secolo l'artista sia diventato meno dipendente dalla volontà del committente, non era ancora assolutamente libero nella scelta del tema per un futuro dipinto.

Così nei paesi cattolici - Italia e Spagna - i pittori non erano incoraggiati a fare ampio riferimento all'Antico Testamento; al contrario, dentro Olanda protestante tali restrizioni non erano più valide nel XVII secolo. Tuttavia, opere significative I temi dell'Antico Testamento sono creati non solo dagli olandesi - Rembrandt e dagli artisti della sua scuola, ma dal nativo delle Fiandre cattoliche Rubens, dai devoti spagnoli - Murillo, Ribera, Velasquez, l'italiano Caravaggio.
Niente di eterno esiste, non c'è armonia, il mondo è in costante sviluppo, una persona non è perfetta, non ideale, ma quanto è poliedrica, quanto è interessante! Questo è ciò che dichiararono gli artisti del XVII secolo, e furono le tradizioni dell'Antico Testamento a dare ai pittori una preziosa opportunità per mostrare una persona in una svolta, come si dice adesso, un momento fatidico della sua vita.

Nei racconti dei patriarchi, i personaggi sono dati in sviluppo, la loro evoluzione interiore è molto convincente. Diamo un'occhiata alla figura di Jacob. Con un equivoco trucco ottiene la benedizione del padre Isacco e la primogenitura. Allora lo stesso Giacobbe diventa vittima di un indegno inganno, un giocattolo nelle mani del suocero: al posto di Rachele, per la quale Giacobbe ha servito per sette anni, Labano gli dà in moglie Lia.

Tale è Giacobbe nella sua giovinezza. Nei suoi anni di declino, questo non è più Giacobbe, ma Israele, un padre rispettabile grande famiglia che ha vissuto una vita significativa e dignitosa. Ha combattuto da solo con Dio, che gli è apparso sotto forma di angelo (uscita a Text_9 "Il tempo degli angeli", parte 2), la sua progenie sarà numerosa come la sabbia del mare. C'è un altro motivo che ha spinto gli artisti a rivolgersi ai temi dell'Antico Testamento: la loro interpretazione ha dato il maestro più libertà che l'incarnazione su tela di episodi del Vangelo.
Canoni secolari hanno pesato molto sulle storie evangeliche: la scena stessa, i personaggi, la composizione e un insieme indispensabile di attributi sono stati "approvati" nel Medioevo. Questi canoni molto stabili furono riprodotti migliaia di volte, e sebbene i pittori del XVII secolo li interpretassero in modo incomparabilmente più libero dei maestri medievali e persino rinascimentali, tuttavia, il loro compito era quello di innovare all'interno della tradizione esistente.

Passando alle leggende dell'Antico Testamento, l'artista ottenne un'indipendenza molto maggiore.

numero non numerabileuna volta artisti europei raffiguravano la madre addolorata, la Vergine Maria, in composizioni d'altare con un crocifisso. Impotentemente cadente, sta sempre alla destra di Cristo.

Intanto contiamo solo pochi lavori, il cui tema era il dolore di suo padre - Abramo, per volere di Dio che sacrifica suo figlio Isacco, ma ognuna di queste opere offre una soluzione originale al tema

GIUDITTA

Carattere deuterocanonico dell'Antico Testamento "Libri di Giuditta", Vedova ebrea che salvò la sua città natale dall'invasione degli Assiri.

Secondo il libro "Judith", il comandante Oloferne, comandante dell'esercito di Nabucodonosor, seguendo il suo comando di "completare ... vendetta su tutta la terra", attraversò la Mesopotamia, distrusse tutte le sue città, bruciò tutti i raccolti e ucciso gli uomini. Oloferne assediò la cittadina di Vetiluia, dove viveva la giovane vedova Giuditta. La donna si intrufolò nell'accampamento assiro e sedusse Oloferne. Quando il comandante si addormentò, Judith gli tagliò la testa. "Poiché la sua bellezza ha affascinato la sua anima, - la spada gli ha attraversato il collo!" L'esercito, rimasto senza capo, non poté resistere agli abitanti di Vetilui e fu disperso. Giuditta ricevette come trofeo la tenda di Oloferne e tutti i suoi utensili ed entrò trionfante a Vetiluja.

Giuditta. Giorgione.

Intorno al 1504

Una delle tante opere d'arte sul tema della storia di Giuditta e Oloferne. Scegliere il momento quando l'omicidio è già stato commesso, Giorgione, a differenza di molti artisti che si sono rivolti a questa storia biblica, ha creato sorprendentemente tranquillo immagine. Giuditta, con una spada nella mano destra, si appoggia a un basso parapetto. La sua gamba sinistra poggia sulla testa di Oloferne. Dietro Judith si dispiega un armonioso paesaggio marino.

QUANTITÀ

"Lotto con le figlie".

Pittura Artista olandese Joachim Éval

ABRAMO

Abramo - bibbia prima dei tre patriarchi biblici vissuti dopo il Diluvio, l'antenato degli ebrei e (attraverso Ismail) degli arabi . Secondo la leggenda, originariamente aveva il nome Abram, nato a Ur dei Caldei. Lì ha sposato Sarah. Insieme a Serra Ha lasciato Paese d'origine. Lungo la strada, Yahweh promise che la progenie di Abramo sarebbe diventata una grande nazione. Seguendo il comando di Yahweh, Abramo continuò il suo cammino nel 75° anno della sua vita; in tempo di carestia, insieme alla moglie e al suo popolo, Abramo si recò in Egitto, dove, per paura di essere ucciso, spacciò Sara per sua sorella. Nel frattempo, Abramo era preoccupato per la sua assenza di figli, ma Yahweh promise di nuovo che avrebbe avuto una prole innumerevole come la sabbia della terra. Questa promessa è stata suggellata dalla conclusione dell'unione (alleanza) di Dio e Abramo. Allora Abramo si rese conto che i suoi discendenti sarebbero stati schiavi nella loro terra per altri 400 anni. Tuttavia, Sara, ancora senza figli, diede in moglie il suo schiavo ad Abramo. Agar che gli diede un figlio Ismail. La nuova apparizione di Dio conferma che la promessa che ha fatto non riguarda Ismail, ma circa isacco, nascere da Sarah. Allora Dio comandò ad Abramo di chiamarsi Abramo (padre delle folle dei popoli), e che tutti i maschi nella casa di Abramo fossero circoncisi. Quando Abramo aveva 100 anni e Sara 90, nacque Isacco. Sarah ha insistito per mandare Hagar e il piccolo Ismaele nel deserto. Per mettere alla prova la forza della fede di Abramo, Dio comandò che Isacco gli fosse offerto in sacrificio. Ma, quando Isacco legato era già sdraiato sull'altare e Abramo alzò la mano con un coltello per pugnalarlo, l'angelo fermò la mano di Abramo e al posto di Isacco fu sacrificato un montone impigliato nei cespugli. Dopo la morte di Sarah, Abramo sposò una donna di nome Keturah (Ketura), ebbe altri 6 figli. Abramo morì all'età di 175 anni e fu sepolto accanto a Sara nel cimitero di famiglia nella grotta di Macpela.

Pietro Lastman. Abramo in viaggio verso Canaan. 1614

Pietro Paolo Rubens. Partenza di Agar dalla casa di Abramo.

Agar - nelle tradizioni dell'Antico Testamento - un'egiziana, schiava di Sara e concubina di Abramo.

La Sarah senza figli, agendo secondo l'usanza, suggerì lei stessa che suo marito "entrasse" ad Hagar con l'intenzione di adottare un bambino concepito. “Abramo ascoltò le parole di Sara... Entrò da Agar, ed ella concepì. Vedendo che aveva concepito, iniziò a disprezzare la sua padrona ... ". Sarah cominciò a opprimere Hagar, e lei fuggì da lei nel deserto, ma il messaggero di Dio le ordinò di tornare. " Chiama Ismaele il figlio che partorirai, perché Dio ha sentito parlare delle tue sofferenze. Egli sarà forte come un asino selvatico, e da lui uscirà un popolo numeroso». serva (complicata da un conflitto legale tra la primogenitura di Ismaele e la legittimità di Isacco) divampò con rinnovato vigore: "E Sara vide che il figlio di Agar l'egiziana, che aveva partorito ad Abramo, si stava beffando. E disse ad Abramo: Cast fuori questa schiava e il figlio..." Agar tra le sue braccia con Ismaele fu costretta ad andare in esilio. Agar andò a sud, si stabilì nel deserto arabo, dove Ismaele divenne in seguito il fondatore delle tribù arabe, soprannominate gli Ismaeliti (dal nome del suo nome) e Agariani(dal nome di sua madre). Come madre Ismaele, tradizionalmente considerato il capostipite degli arabi, Hagar occupa un posto importante nelle tradizioni arabe.

IN Letteratura araba si sono conservate molte leggende su Agar, nel dipingere la scena della cacciata di Agar e Ismaele dalla casa di Abramo è stata più volte riprodotta da artisti di tutti i tempi.

ISAAC

Figlio degli anziani Abramo e Sara che si è fatto portatore di tutte le promesse che ha fatto. Quando aveva 37 anni, Abramo ricevette l'ordine di sacrificarlo, e Isacco obbedì docilmente a suo padre: un coltello sacrificale era già stato alzato sopra di lui, ma rifiutato da un angelo. Isacco era sposato con la nipote di suo zio mesopotamico Nahor, Rebecca, dalla quale ebbe due figli, Esaù e Giacobbe. La sua vita è trascorsa senza altri eventi altrettanto eccezionali, ed è morto a 180 anni, diventando uno dei patriarchi più longevi.

Il sacrificio di Abramo, 1635.

Dipinto del pittore olandese Rembrandt van Rijn

A sperimentare la potenza della fede di Abramo, il comando di Dio lo seguì per sacrificare Isacco sul monte Moriah. Abramo obbedì senza esitazione, ma nel momento più decisivo, quando Isacco giaceva legato sull'altare e Abramo sollevò il coltello per affondare nel figlio, l'angelo lo fermò e salvò il ragazzo. Questa impresa di Abramo funge da tema infinito di ricordi per gli ebrei nelle loro preghiere, e per molti secoli l'immagine del sacrificio di Isacco è stata nella chiesa cristiana un soggetto preferito per stucchi e lavoro di pittura artisti.

Immagini e trame bibliche nell'arte europea.

La Bibbia, il libro dei libri, è giunta fino a noi attraverso lo spessore dei secoli. È stata bandita, bruciata, ma è sopravvissuta. Per più di due millenni, il mondo intero è stato educato a tradizioni e parabole tratte dalla Bibbia. Le immagini e le storie bibliche sono diventate la base per molti tipi di arte. I grandi artisti del mondo hanno mostrato scene bibliche nei loro dipinti. Gli eroi biblici fungono da vivida personificazione del bello qualità umane: grandezza spirituale, integrità interiore, severa semplicità, grande nobiltà.La Bibbia è il tesoro più importante dello spirituale e eredità culturale. Incarna gli ideali di bontà, giustizia, servizio disinteressato all'umanità, fede nel valore della persona umana. La Bibbia suggeriva ad artisti, scultori e architetti le immagini per loro più importanti e vitali, soluzioni artistiche ottimali. I temi biblici hanno permeato la creatività i più grandi maestri cultura mondiale. I temi biblici hanno fornito materiale per la fantasia, per esprimere il proprio atteggiamento nei confronti del mondo attraverso le trame della Bibbia.I personaggi e le storie della Storia Sacra hanno continuato a ispirare gli artisti negli ultimi due millenni.

I temi cristiani sono una fonte inesauribile di ricerche creativein diversi tipi di arte e per diversi popoli,sebbene ogni nazione abbia la propria visione, la propria visione del mondo e, di conseguenza, i propri risultati di attuazione creativa sotto forma dicultura nazionale originaria.

Idee generali iniziali dell'arte della chiesa cristiana in sviluppo artistico diverse parti del mondo cristiano presentano differenze significative. Queste differenze erano il risultato della demarcazione statale, politica e poi ecclesiale-teologica tra Oriente e Occidente. Il cattolicesimo e l'ortodossia finirono per essere due vari tipi cultura. La venerazione di Gesù, la Madre di Dio - la Vergine Maria - nel cattolicesimo ha acquisito un carattere più elevato. Se nell'Ortodossia la Madre di Dio è principalmente la Regina del Cielo, patrona e consolatrice, allora per i cattolici la Vergine Maria - Madonna - è l'incarnazione della verità, della saggezza, della bellezza, della giovinezza, della felice maternità. Questa differenza si è poi riflessa nelle immagini della pittura di icone.

Gesù Cristo ortodosso è il Pantocratore, l'Onnipotente, che regna in gloria in cielo dopo il tormento terreno e la risurrezione. Nelle immagini cattoliche, i tormenti terreni di Cristo sono catturati in modo più penetrante, più espressivo del trionfo della risurrezione. E le stesse immagini pittoresche nelle chiese cattoliche non hanno quel significato sacrale (sacro), come Icona ortodossa. In una cattedrale cattolica, in sostanza, non ci sono icone, ma dipinti. Pertanto, durante il Rinascimento, fu nei centri cattolici che il riavvicinamento di laici e pittura della chiesa, - grandi artisti come Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raffaello - sia per la chiesa che per i generi secolari scrivono in modo simile. Ma la Chiesa ortodossa ha seguito rigorosamente i suoi canoni nella pittura di icone.

Ancora più differenze sono state trovate in musica da chiesa. La Chiesa d'Oriente ne proibì fortemente l'uso strumenti musicali durante il culto. C'è un organo nella cattedrale cattolica.

Nelle città dell'Europa occidentale, dal XIII al XVII secolo, l'architettura, la scultura, la pittura dominano nella cattedrale - rappresentata principalmente da vetrate e dipinti d'altare, corali e musica d'organo sono un'unità inscindibile.

Nel diciannovesimo secolo, i problemi spirituali e le storie bibliche divennero particolarmente saldamente radicati nel tessuto della cultura europea, russa e di tutto il mondo. Se si enumerassero solo i titoli di poesie, poesie, drammi, racconti che sono stati dedicati a problemi biblici negli ultimi duecento anni, allora una tale enumerazione richiederebbe molto tempo, anche senza descrizioni e citazioni.

Fa appello a immagini bibliche avveniva già nei primi anni di esistenza di una nuova forma d'arte, il cinema.

Così, nonostante le storie bibliche raccontino tempi passati, gli artisti vi si rivolgono per riflettere la realtà contemporanea attraverso le trame conosciute da tutti.

Dipinti di I. Bosch e A. Ivanov.

Due sentimenti principali hanno nutrito l'ispirazione creativa di Ivanov: l'amore sconfinato per l'arte e la compassione per le persone umiliate e private della vita, il desiderio di aiutarle. Ivanov era convinto che lo scopo dell'arte fosse cambiare la vita.
L'artista russo Alexander Andreevich Ivanov ha vissuto e studiato in Italia per ventotto anni. Lì, nel 1833, concepì, nelle sue parole, una “trama mondiale”, capace di trasformare spiritualmente non solo l'arte, ma tutto società moderna. Ivanov ha deciso di mostrare l'umanità a una svolta e al momento principale della sua storia, e come tema sceglie gli eventi descritti nel primo capitolo del Vangelo di Giovanni.

Comincia a sviluppare schizzi per il futuro grande dipinto "L'apparizione di Cristo al popolo", che i ricercatori chiameranno in seguito "un esteso poema filosofico", "una metafora immortale".
In totale, durante il lavoro sull'immagine (secondo le stime degli storici dell'arte, Ivanov ci ha lavorato per 20 anni), un intero Galleria d'arte: circa quattrocento studi preparatori e bozzetti. Questi sono paesaggi e ritratti brillanti completi.
Seriamente e con grande diligenza, Ivanov cercava un paesaggio per la sua pittura. Ha dipinto schizzi di una costa rocciosa, terreno irregolare, alberi, una palude su cui si diffonde una nebbia grigia, montagne lontane avvolte da una foschia blu. Dipinse distese infinite, solo all'orizzonte delineato da una catena di montagne blu, e un'unica pietra, mostrandone forma, struttura, pesantezza, colore: grigio, viola, rosso. Ivanov ha imparato a trasmettere l'illuminazione degli oggetti all'aperto- mattina pomeriggio sera. Ha anche imparato a trasmettere l'aria stessa, e questa è una grande abilità.
I critici d'arte prestano attenzione, prima di tutto, all'abilità compositiva con cui il regista Ivanov trasforma molti personaggi chiaramente individualizzati verso un unico nobile obiettivo.
I partecipanti alla foto sono uniti in gruppi. Al centro della composizione c'è Giovanni Battista che esegue il rito del battesimo nelle acque del fiume Giordano. Indica al pubblico l'avvicinarsi di Cristo.Sebbene gli ebrei fossero battezzati da Giovanni, il battesimo di Giovanni non aveva la remissione dei peccati, Giovanni predicò solo un pentimento e portò alla remissione dei peccati, cioè portò al battesimo di Cristo, da cui - la remissione dei peccati . Il profeta, che, secondo la leggenda, trascorse a lungo nel deserto, lontano dalla gente, preparandosi per un alto incarico, è vestito con una pelle di cammello ingiallita e un mantello leggero di stoffa ruvida. Capelli lunghi e rigogliosi, che gli cadono in disordine sulle spalle, e una folta barba incorniciano il viso pallido e magro con gli occhi leggermente infossati. Una fronte alta e pulita, uno sguardo fermo e intelligente, una figura coraggiosa e forte, braccia e gambe muscolose: tutto rivela in lui un eccezionale intellettuale e forza fisica, non spezzato, ma solo ispirato alla vita ascetica di un eremita. Tenendo in una mano una croce - attributo iconografico indispensabile di Giovanni Battista - con l'altra indica al popolo la figura solitaria di Cristo, che è già apparsa in lontananza su una strada sassosa arsa dal sole. John spiega al pubblico che la persona che cammina porta loro una nuova verità, un nuovo dogma.

Sul lato sinistro del quadro, alle spalle di Giovanni Battista, è raffigurato un gruppo di apostoli: il giovane Giovanni il Teologo, seguito da Pietro, poi Andrea il Primo Chiamato e Natanaele. A questo gruppo si oppone un gruppo di persone che scendono dalla collina, guidate dai farisei.
L'immagine è costruita in modo tale che le persone in primo piano sembrano guardare in uno specchio gigante, che riflette la natura con la figura di Cristo che agisce sullo sfondo. Sembra portare con sé un patto di tranquillità e pacifica armonia che regna mondo naturale.
Inoltre, in tutta la sua diversità, i caratteri umani, i temperamenti e gli stati d'animo sono presentati sulla tela: qui e già convertiti in fede cristiana e pagani e titubanti e timorosi e dubbiosi. In primo piano spiccano "schiavo e padrone". A proposito del volto di uno schiavo, l'artista stesso ha detto questo: "Attraverso la solita sofferenza, per la prima volta è apparsa la gioia". Ivanov credeva che non ci potesse essere felicità sulla terra finché la schiavitù non fosse stata abolita e, dicendo questo, pensava non solo agli schiavi dell'antichità oa milioni di contadini russi. Intendeva anche la schiavitù interiore che risiede in una persona che vive in un mondo ingiusto.
Per la testa di uno schiavo l'artista fece grande quantità schizzi per creare quell'unica immagine esatta. Ha dipinto un uomo intelligente e orgoglioso e un pietoso vecchio con un occhio solo trovato in una povera baracca alla periferia di Roma. Dipinse la modella Mariuccia e un prigioniero con un marchio sulla fronte e una grossa corda al collo. E nessun altro volto nella foto esprime un sentimento così complesso. Qui c'è gioia, sfiducia, speranza, scherno e un sorriso gentile, che forse per la prima volta illumina i suoi brutti lineamenti.
Giovanni Battista è raffigurato in primo piano. CON punto artistico vista è anche un'immagine molto luminosa ed espressiva. Chiama non solo per salutare Cristo che viene da lontano, ma predice anche un percorso salvifico per tutti coloro che lo circondano. Lo stesso Ivanov credeva in questa strada: "Se io e i miei coetanei non siamo felici, allora la prossima generazione dopo di noi sfonderà sicuramente una strada maestra verso la gloria russa ...".
È interessante notare che nelle profondità del gruppo centrale Ivanov si è catturato - sotto forma di un vagabondo, con un cappello grigio a tesa larga e con un bastone. E tra coloro che scendono dal colle spicca subito la figura di un uomo con una tunica marrone e il capo scoperto. Rivela le caratteristiche dello scrittore N.V. Gogol, con il quale Ivanov era amico.

"Giardino piaceri terreni» - il più famoso trittico di Hieronymus Bosch, che prende il nome dal tema della parte centrale, è dedicato al peccato di voluttà. Nome originale questo lavoro di Bosch non è noto per certo. I ricercatori hanno chiamato il trittico il "Giardino delle Delizie". In generale, nessuna delle interpretazioni dell'immagine oggi disponibili è riconosciuta come l'unica vera. La maggior parte delle teorie sul significato del dipinto si sono sviluppate nel XX secolo.

L'ala sinistra del trittico raffigura Dio che presenta Eva a uno stupefatto Adamo in un paradiso sereno e pacifico. Nella parte centrale, una serie di scene, variamente interpretate, raffigurano un vero e proprio giardino dei piaceri, dove misteriose figure si muovono con celestiale calma. L'ala destra cattura le immagini più terribili e inquietanti dell'intera opera di Bosch: complesse macchine di tortura e mostri generati dalla sua immaginazione.

Il Giardino delle Delizie è un'immagine del Paradiso, dove l'ordine naturale delle cose è abolito e il caos e la voluttà regnano sovrani, allontanando le persone dal sentiero della salvezza.

Invece della figura di Cristo, che qui si suppone, qui è raffigurata vita terrena persone in tutto il suo peccaminoso "splendore". Il paradiso e l'inferno sono raffigurati sui lati. Pertanto, lo sguardo dello spettatore non è diretto dal bordo sinistro a quello destro, il che ha creato l'impressione di una serie infinita di tormenti (Creazione del mondo - il sacrificio di Cristo - Giudizio Universale), ma dal centro ai bordi, e la sua moralità può essere espressa dalle parole "Ciò che meriti, lo otterrai". E non è chiaro se approvi Delizie Bosch in questo mondo o condanna.

Una coppia di innamorati si è ritirata in una bolla; un giovane abbraccia un gufo; un altro uomo sta a testa in giù, tra il quale nidifica un uccello. Il primo piano è occupato da "varie gioie", sul secondo animali diversi le persone cavalcano, il terzo volano su pesci alati o da soli. Ma, secondo i libri dei sogni dell'epoca, ciliegie, fragole e uva significano diverse forme di dissolutezza, la scena con un grappolo d'uva in piscina è simbolo di comunione; il pellicano ha raccolto nel becco una ciliegia (simbolo di sensualità) e con essa stuzzica le persone; in mezzo, nella torre dell'adulterio, in mezzo al lago della lussuria, tra le corna dormono i mariti ingannati. Sfera di vetro color acciaio - simboli del proverbio olandese "Felicità e vetro - hanno vita breve". E nell'ala destra troviamo Satana con le gambe sotto forma di alberi cavi e un corpo sotto forma di un aperto guscio d'uovo, una lepre più alta di un umano, chimere innaturali, una taverna all'interno di un mostro - tutto questo va oltre la "solita" immagine delle punizioni...

A prima vista, la parte centrale è forse l'unico idillio nell'opera di Bosch. La vasta distesa del giardino è piena di uomini e donne nudi che banchettano con bacche e frutti giganteschi, giocano con uccelli e animali, sguazzano nell'acqua e - soprattutto - si concedono apertamente e spudoratamente piaceri d'amore in tutta la loro diversità. I cavalieri in una lunga fila, come su una giostra, girano intorno al lago, dove nuotano ragazze nude; diverse figure con ali appena percettibili si librano nel cielo. Questo trittico è meglio conservato di la maggior parte Le grandi immagini dell'altare di Bosch e il divertimento spensierato che fluttua nella composizione sono enfatizzati dalla sua luce chiara e uniformemente distribuita su tutta la superficie, dall'assenza di ombre e dai colori brillanti e saturi. Sullo sfondo dell'erba e del fogliame, come fiori stravaganti, brillano i corpi pallidi degli abitanti del giardino, che sembrano ancora più bianchi accanto a tre o quattro figure dalla pelle nera poste in mezzo a questa folla. Dietro le fontane iridescenti e gli edifici che circondano il lago sullo sfondo, si intravede all'orizzonte linea liscia colline che si sciolgono gradualmente. figurine in miniatura le persone e le piante incredibilmente enormi e bizzarre sembrano innocenti come i motivi dell'ornamento medievale che ha ispirato l'artista.

l'obiettivo principale artista - per mostrare le conseguenze perniciose dei piaceri sensuali e la loro natura effimera: l'aloe scava nella carne nuda, il corallo afferra saldamente i corpi, il guscio si chiude sbattendo, girando coppia d'amore nei loro prigionieri. Nella Torre dell'Adulto, le cui pareti giallo-arancio brillano come cristallo, tra le corna dormono mariti ingannati. La sfera di vetro in cui gli innamorati si abbandonano alle carezze e la campana di vetro che protegge tre peccatori illustrano il proverbio olandese: "Felicità e vetro - quanto hanno vita breve"

Può sembrare che l'immagine raffiguri "l'infanzia dell'umanità", l '"età dell'oro", quando persone e animali esistevano pacificamente fianco a fianco, senza il minimo sforzo, ricevendo i frutti che la terra dava loro in abbondanza. Tuttavia, non si dovrebbe presumere che la folla di amanti nudi, secondo il piano di Bosch, sarebbe diventata l'apoteosi della sessualità senza peccato. Per la morale medievale, il rapporto sessuale era la prova che una persona aveva perso la sua natura angelica ed era caduta in basso. Nel migliore dei casi, il rapporto era considerato un male necessario, nel peggiore un peccato mortale. Molto probabilmente, per Bosch, il giardino dei piaceri terreni è un mondo corrotto dalla lussuria.

Ala sinistra.

L'ala sinistra raffigura gli ultimi tre giorni della creazione del mondo. Il cielo e la terra hanno dato vita a dozzine di creature viventi, tra cui puoi vedere una giraffa, un elefante e animali mitici come un unicorno. Al centro della composizione si erge la Sorgente della Vita, una struttura alta, sottile e rosa. Le gemme scintillanti nel fango, così come gli animali fantastici, sono probabilmente ispirate da idee medievali sull'India, che hanno affascinato l'immaginazione degli europei con i suoi miracoli sin dai tempi di Alessandro Magno. C'era una credenza popolare e abbastanza diffusa che fosse in India che si trovasse l'Eden, perduto dall'uomo.

In primo piano in questo paesaggio, raffigurante il mondo antidiluviano, non c'è una scena della tentazione o della cacciata di Adamo ed Eva dal Paradiso, ma la loro unione da parte di Dio. Prendendo Eva per mano, Dio la conduce da Adamo, che si è appena svegliato da un sogno, e sembra che stia guardando questa creatura con un misto di sorpresa e attesa. Dio stesso è molto più giovane che in altri dipinti, appare nelle vesti di Cristo, la seconda persona della Trinità e il Verbo di Dio incarnato.

Ala destra ("Inferno musicale")

L'ala destra ha preso il nome dalle immagini degli strumenti qui maggiormente utilizzati in modo strano: un peccatore viene crocifisso sull'arpa, sotto il liuto diventa strumento di tortura per un altro, il “musicista” sdraiato a faccia in giù, sulle cui natiche sono impresse le note della melodia. Viene eseguito dal coro anime dannate guidato da un reggente, un mostro con la faccia da pesce.

Se nella parte centrale è raffigurato un sogno erotico, sull'ala destra è raffigurata una realtà da incubo. Questa è la visione più terribile dell'Inferno: le case qui non solo bruciano, ma esplodono, si illuminano di lampi di fiamma sfondo scuro e rendeva l'acqua del lago scarlatta come il sangue.

In primo piano, un coniglio trascina la sua preda, legata per i piedi a un palo e sanguinante: questo è uno dei motivi preferiti di Bosch, ma qui il sangue dallo stomaco squarciato non scorre, ma sgorga, come sotto l'influenza di una carica di polvere. La vittima diventa il carnefice, la preda il cacciatore, e questo è il modo migliore per trasmettere il caos che regna all'Inferno, dove i normali rapporti che un tempo esistevano nel mondo si capovolgono, e gli oggetti più ordinari e innocui della vita quotidiana, crescendo fino a dimensioni mostruose, si trasformano in strumenti di tortura. Possono essere paragonati a gigantesche bacche e uccelli nella parte centrale del trittico.

Su un lago ghiacciato nell'inquadratura centrale, un altro peccatore si bilancia incerto su un enorme pattino, ma lo porta dritto al polynya, dove sta già annaspando acqua ghiacciata un altro peccatore. Queste immagini sono ispirate a un vecchio proverbio olandese, il cui significato è simile alla nostra espressione "secondo ghiaccio sottile". Poco più in alto sono raffigurate persone, come moscerini che si accalcano alla luce di una lanterna; sul lato opposto, "condannato alla morte eterna" pende nell '"occhio" della chiave della porta.

Il diabolico meccanismo - un organo dell'udito sezionato dal corpo - è costituito da un paio di gigantesche orecchie trafitte da una freccia con una lunga lama al centro. Diverse sono le interpretazioni di questo motivo fantastico: secondo alcuni si tratta di un accenno di sordità umana alle parole del Vangelo "chi ha orecchi, ascolti". La lettera “M” incisa sulla lama denota o il marchio dell'armaiolo o l'iniziale del pittore, per qualche motivo particolarmente sgradevole all'artista (forse Jan Mostaert), oppure la parola “Mundus” (“Pace”), che indica un universale Senso maschile, simboleggiato da una lama, o il nome dell'Anticristo, che, secondo le profezie medievali, inizierà con questa lettera.

Strana creatura con la testa di un uccello e una grande bolla traslucida assorbe i peccatori e poi rovescia i loro corpi in una forma perfettamente rotonda pozzo nero. Lì, l'avaro è condannato a defecare per sempre con monete d'oro, e l'altro, apparentemente, un ghiottone, a rigurgitare senza sosta le prelibatezze mangiate. Ai piedi del trono di Satana, accanto alle fiamme dell'inferno, una donna nuda con un rospo sul petto è abbracciata da un demone nero dalle orecchie d'asino. Il volto della donna si riflette in uno specchio attaccato alle natiche di un altro demone verde: tale è la punizione per coloro che hanno ceduto al peccato dell'orgoglio.

Persiane esterne.

In toni cupi, il Mondo è raffigurato il terzo giorno dopo che Dio lo ha creato dal grande vuoto. La terra è già ricoperta di verde, circondata da acque, illuminata dal sole, ma su di essa non si trovano ancora né persone né animali. L'iscrizione sul lato sinistro recita:"Ha detto ed è successo"(Salmi 32:9), a destra -"Ha comandato, ed è apparso"(Salmo 149:5).

Elenco della letteratura usata.

1. Cultura mondiale dell'arte / P.A. Yuchvidin M. « Nuova scuola» 1996

2. Immagini e racconti evangelici in cultura artistica/ MANGIARE. Chetina M. "Frinta", "Scienza" 1998

3. Platonova N.I. "Arte. Enciclopedia" - "Rosmen-Press", 2002

No, ovviamente non lo sono nel senso di "non amati" che qualcuno presumibilmente prova ostilità nei loro confronti, ma nel senso di opporsi a coloro che sono molto amati dalle persone magre. Ad esempio, ci sono molti dipinti sul tema "Susanna e gli anziani" o "Bathsheba" - forse a causa della trama "fragola", o "Il peccato originale di Adamo ed Eva" - e dove altro puoi ordine pittori medievali ritrarre persone nude? Agli artisti piaceva anche disegnare Giuditta nel processo di segare la testa di Oloferne o subito dopo - in modo efficace e con una contraddizione nascosta: una gentile signora - e improvvisamente inclinazioni così sanguinarie! E anche "Il sacrificio di Isacco", e "Il ritorno del figliol prodigo", e molte altre storie diverse.

Diamo un'occhiata a quali soggetti biblici nelle arti visive si ricorreva raramente e restituiamo un po 'di giustizia con la nostra menzione.

"Creazione di Eva". Miniatura di libro medievale del XIV-XV secolo.

Certo, non ancora un dipinto, ma un'immagine piuttosto dettagliata. Mi tocca con la sua producibilità dettagliata: è così che il Signore ha preso la costola di Adamo e alla fine, miracolosamente, si è formata prima la testa di una donna e poi il resto del corpo. La testa, molto probabilmente, ha subito iniziato a dare consigli: quindi, qui è più, più convessa, ma qui puoi toglierti un po '! Nella foto, Dio sembra minacciarla: sei tu, non parlare troppo!

"Dio porta Eva ad Adamo", mosaico bizantino del XII secolo.

Adam è perplesso, ovviamente: ecco, si scopre, che cose divertenti si possono fare dalle mie costole! "Dammi due!"

"Noè rilascerà una colomba". Miniatura del libro.

Non menziono Caino e Abele: erano spesso raffigurati al tempo del fratricidio in ogni sorta di pose spettacolari, quindi saltiamo un paio di generazioni. Quindi Noè.

È noto che mentre il diluvio era in pieno svolgimento, Noè navigò sulla sua arca con un gruppo di tutte le creature viventi. Per sapere se era ora di andare a terra, ha rilasciato tre volte una colomba. La prima volta che l'uccello è tornato senza niente, la seconda ha portato una foglia di ulivo, che ha chiarito che da qualche parte la terra era già stata liberata dall'acqua, e la terza volta la colomba non è tornata: è rimasta da qualche parte per fare un nido. Noè si rese conto che il disastro era finito ed era tempo di cercare una riva.

Un altro Noè con una colomba. Mosaico della Basilica di San Marco a Venezia (XII-XIII secolo)

All'inizio, tra l'altro, Noah ha rilasciato un corvo, ma ha trovato un cadavere nell'acqua e ha subito iniziato a curarsi, dimenticandosi del suo protettore. Poi ho dovuto ricorrere all'aiuto di una colomba "non carnivora".

"Tre angeli visitano Abramo" di Aert de Gelder

La storia di come l'antenato Abramo ricevette come ospite tre angeli che apparvero davanti a lui nella solita forma umana. In generale era una persona molto ospitale, anche se era un vecchio nobile e non povero, ma questa volta ha fatto irruzione completamente in una torta, come se sentisse che gli ospiti non erano facili: lui stesso correva dietro ai migliori vitello per cucinarlo, e servito a tavola senza schiavi. In segno di gratitudine, gli angeli gli hanno promesso un erede tanto atteso. Sua moglie, Sarah, ha persino riso tra sé - dopotutto, aveva già 90 anni, ma gli angeli l'hanno rimproverata per l'incredulità. Ma la vecchia soffrì presto e diede alla luce un figlio, Isacco, l'antenato degli ebrei. Non va bene, tuttavia, si è scoperto con la concubina Hagar, quella che molto tempo fa aveva dato alla luce il figlio di Abramo Ismail: è stata cacciata con la prole nel deserto. È vero, entrambi sopravvissero e la famiglia musulmana discendeva da loro. È vero, "The Expulsion of Hagar" è solo una trama amata dagli artisti.

"Morte di Sodoma" di Kerstian de Keynik.
La trama è ben nota, ma raramente è stata rappresentata. Sulla strada a sinistra e dietro il gruppo di persone in fuga, si vede una figura bianca: questa è la moglie eccessivamente curiosa di Lot. Durante la fuga da Sodoma, che veniva distrutta dagli angeli, violò l'ordine degli angeli e si voltò - e subito si trasformò in una colonna di sale. Quindi le figlie di Lot dovettero saldare il padre e, a turno, fare figli (nipoti?) con lui in modo che la famiglia non venisse interrotta. Ma questa è già una trama "fragola" amata dai pittori.

Un'altra Sodoma. Artista Peter Shawbreck.
Se ricordi, Gomorra è stata distrutta allo stesso modo. Qui, nella foto, tutti sono già fuggiti, sono rimaste solo la moglie del pilastro e le urla dei sodomiti morenti, annegati nel fuoco.

"La casa estiva di Jacob", Mikael Lukas Wilman
Una storia mistica molto strana: Giacobbe sognava una scala che conduceva al paradiso e gli angeli che la salivano e la scendevano. È come un tunnel in un'altra dimensione.

"Giacobbe e Rachele" di Giacomo d'Antonio de Nigretti Palma Vecchio, XVI secolo

Un'altra bella storia è collegata a Jacob. Si innamorò a prima vista di sua cugina Rachel. Per il diritto di sposarla, ha lavorato per suo padre, suo zio Labano, per sette anni, "e gli sono sembrati pochi giorni, perché l'amava". Lo zio era ancora un frutto, e fece scivolare Jacob nel buio, quando venne il momento, sua figlia maggiore, meno bella, Leah. Quando l'inganno fu scoperto, a Giacobbe fu chiesto di lavorare altri sette anni, poiché aveva preso le due figlie di Labano. Cioè, se si è innamorato di una ragazza di 17 anni, ha già una donna di 31 anni. E Jacob l'ha fatto! C'è un romanzo così meraviglioso "Come pochi giorni". Leggetelo, è fantastico! Leggenda biblica L'ho scoperto quando ho letto questo libro, anche se sono quasi estranei.

"Lavoro nel Fester". Affresco del XIV secolo, Serbia.
Giobbe è un uomo giusto che Dio ha deciso di mettere alla prova e ha persino concordato con il diavolo al riguardo. Pessimo lavoro Giobbe fu privato della sua fortuna, dei figli, dell'alloggio, lo "premiò" con la lebbra. E si sedette su un mucchio di sterco, raschiando le croste dalla sua pelle infiammata con un frammento di argilla. Sua moglie, ovviamente, brontolò e brontolò contro Dio, che sottopose il suo giusto marito a tali prove, ma non smise di nutrire il suo poveretto. L'affresco raffigura la tecnica di alimentazione in un modo molto interessante - con l'aiuto di una tale spatola (la misericordia è misericordia e la lebbra non è uno scherzo per te!). A causa di dettagli così insoliti, ho inserito questa immagine qui, ma in generale, Giobbe era spesso raffigurato su un pus. Se ricordi, è rimasto fedele al Signore, per il quale è stato restituito alla salute e alla ricchezza, e nuovi bambini sono nati nello stesso numero.

"Le figlie del faraone portano il bambino Mosè", affresco del III secolo nella sinagoga di Dura-Europos, Siria

Un'immagine arcaica molto insolita. La principessa e le sue ancelle non sono raffigurate nelle tradizioni classiche a noi familiari, le vediamo come reali donne orientali quello che erano veramente. Una cameriera, come puoi vedere, ha dovuto spogliarsi completamente ed entrare in acqua per prendere il cesto con il bambino. E la trama è sempre stata piuttosto popolare.

"Il processo a Mosè bambino" di Giorgione

Quando la figlia del faraone portò il bambino trovato a suo padre, il bambino gli strappò la corona reale dalla testa e lo gettò a terra. Questo non piacque al faraone e decise di mettere alla prova Mosè. Al bambino fu portato un piatto di carboni e un piatto d'oro e pietre preziose. L'angelo diresse la mano del ragazzo, che afferrò il carbone e se lo mise in bocca. Da allora, molti ebrei sono leggermente sbavati. I sospetti del faraone furono dissipati, il bambino (sulla sua testa) fu lasciato nel palazzo.

Mosè che salva le figlie di Jethro di Rosso Fiorentino

Le figlie del sacerdote Jethro (sette di numero) volevano abbeverare le loro pecore alla sorgente, ma furono bruscamente scacciate dai pastori. Il giovane Moses ha difeso le ragazze. Più tardi sposò uno di loro. Una storia così noiosa scena domestica, ma l'immagine è raffigurata come un grandioso massacro.

"Sansone dalla mascella d'asino". Salomone de Bry

In generale, tra gli antichi, le mascelle degli ungulati erano un'arma popolare, perché Caino uccise allo stesso modo Abele. Sansone nella pittura "divenne famoso" per aver strappato la bocca del leone, distrutto il tempio dei Filistei e improvviso riposo sulle ginocchia dell'infida Dalila, che gli tagliò i capelli, in cui era custodita la forza dell'uomo audace. È anche noto per aver ucciso 1.000 filistei con la mascella di un asino. Raramente veniva ritratto così, tranquillo, familiare, mentre accarezzava amorevolmente la sua arma.

"Saul scaglia una lancia contro Davide", Gverchino

Saul è un re ebreo così antico. All'inizio sembrava una persona normale, poi ha cominciato a essere strano. Il giovane Davide, che uccise il gigante Golia, era molto popolare tra la gente, e Saul lo invidiava e tollerava a malapena il giovane. Durante uno dei festeggiamenti nel palazzo, non ha resistito e ha lanciato una lancia contro David, quando ha deliziato le orecchie di coloro che lo circondavano con una canzone. Il ragazzo è riuscito a malapena a scappare.

La morte di Assalonne di Francesco Pesellino

Davide, come per far dispetto al suo delinquente Saul, alla fine divenne re. Aveva un figlio, Absalom, che decise di ribellarsi al padre e sollevò il suo esercito contro di lui. Il suo esercito fu sconfitto e lui stesso fuggì, ma durante l'inseguimento i suoi lunghi capelli si impigliarono nei rami di una quercia. In quel momento, uno dei comandanti di Davide gli lanciò contro tre lance. Di solito gli artisti descrivono come lancia tutte e tre le lance contemporaneamente. Nonostante il tradimento di suo figlio, David lo pianse tristemente.

La morte di Cicera di Artemisia Genileschi

Ecco questa dolce ragazza che con tanta calma e indaffarata martella un paletto nella testa di un uomo addormentato per fissare una tenda: Jael del tipo di Keniti. La procedura di inchiodare la sua testa al pavimento fu sottoposta al comandante cananeo Sisera, il persecutore dei Giudei, un uomo cattivo, come si suol dire. In generale, Artemisia Genileschi amava queste storie in cui gli uomini si trovavano in varie brutte situazioni. Lei stessa soffriva di uomini e apparentemente si vendicava in modo simile. Si conosce una storia sfortunata quando ha fatto causa al suo insegnante d'arte per averla violentata. L'insegnante è stato condannato, ma quasi immediatamente assolto e scarcerato. Si diceva che fosse semplicemente l'amante di Artemisia e avesse promesso di sposarsi, ma non lo fece, poiché era già sposato.

"La punizione di Jezebel" di André Celesti, XVII secolo

Jezebel è la vile figlia del re di Sidone, il malvagio sovrano e oppressore del popolo ebraico, che ha cercato di sradicare la sua religione. Il profeta Elia ha combattuto con lei. Per tutte le sue atrocità, Jezebel ha ricevuto per intero: alla fine è stata gettata fuori dalla finestra, il suo corpo è stato calpestato dai cavalli e fatto a pezzi dai cani. Vedi i cani che mangiano la vecchia signora nella foto? Questa è la malvagia Jezebel.

"Giona e la balena" Jan Brueghel il Vecchio.

Dio ordinò a Giona di andare in terre pagane e predicare, ma il profeta decise di evitare una missione pericolosa e voleva salpare su una nave in una direzione completamente diversa. Poi si scatenò una terribile tempesta sul mare, la nave fu sballottata da una parte all'altra ei marinai iniziarono a tirare a sorte per scoprire chi aveva fatto arrabbiare Dio. La sorte cadde su Giona. Il profeta si rese conto di non poter evitare un destino difficile e si precipitò nell'abisso del mare, dove fu inghiottito da un grosso pesce (una balena, come si dice in alcune fonti). Pochi giorni dopo, la balena sputò Giona illeso, e doveva ancora andare dove gli era stato ordinato e predicare. Tutto si concluse con successo: Giona riuscì a convertire un'intera nazione alla vera fede.

Queste erano storie dell'Antico Testamento, e ora passiamo alle rare storie del Nuovo Testamento.

"Sacra Famiglia" Bartolomé Esteban Pérez Murillo, XVII secolo
Raramente è così che venivano raffigurati il ​​piccolo Cristo, San Giuseppe e la Vergine Maria. Ed è molto carino!

"L'infanzia di Cristo nella casa di Giuseppe" Gerrit van Horst, XVII secolo.
Anche qui una trama rara: Giuseppe insegna a Gesù l'abilità di un falegname, il ragazzo lo aiuta, tenendo in mano una candela. C'è una foto del genere in Caravaggio.

Molto rara Icona greca- I primi passi di Gesù Cristo(nota 15-16 secolo). Sfortunatamente, è gravemente danneggiato; Per comprenderne l'iconografia, cito un'icona successiva simile:

I primi passi di Gesù Cristo. Grecia

Nutrire cinquemila persone con cinque pani Lambert Lombard, XVI secolo

La leggenda è ben nota, ma raramente rappresentata.

"Non mi tocchi!" Lavinia Fontana

C'erano, naturalmente, tali opere, ma sono poche (di Giotto, per esempio). Questa è la prima apparizione di Cristo alle persone dopo la risurrezione, Maria Maddalena lo vide, ma Cristo le proibì di avvicinarsi: "Non toccarmi, perché non sono ancora salito al Padre mio; ma vai dai miei fratelli e dì loro: Salgo al Padre mio e Padre vostro e al Dio mio e Dio vostro».

"Il debitore spietato" di Domenico Fetti

Queste sono le parabole di Cristo. Una delle parabole racconta come un certo schiavo fu liberato, perdonandogli un intero mucchio di soldi del debito. E la prima cosa che fece, non appena fu liberato, fu di aggrapparsi alla gola del suo debitore, che gli doveva dei soldi.

"La parabola dei lavoratori della vigna" Rembrandt
Una storia sulla rivolta dei viticoltori, indignati di aver pagato equamente quelli di loro che venivano a lavorare per primi e lavoravano tutto il giorno, e quelli che riuscivano a lavorare solo l'ultima ora. La vigna è un'allegoria della fede, il regno dei cieli. Non importa chi e quando lo accetterà, la ricompensa sarà uguale per tutti.

Ecco alcune storie rare. Ora saprai cosa viene mostrato su alcuni immagini incomprensibili. E potremmo tornare su questo prima o poi.

Febbraio segna il 185° anniversario della nascita di Nikolai Ge, pittore e disegnatore russo, maestro della pittura storica e religiosa. La critica e soprattutto la chiesa non hanno sempre accettato la sua interpretazione dei racconti evangelici, troppo naturalistica per l'arte russa, ma abbastanza tradizionale, come mostrano le collezioni della Great Collection of Fine Arts ASG, per l'Europa occidentale.

Sono nato futuro artista Nikolai Ge nel 1831 nella famiglia di un proprietario terriero di Voronezh. L'insolito cognome deriva da Gay: il nonno dell'artista era francese ed emigrò in Russia alla fine del XVIII secolo, molto probabilmente in fuga dalla rivoluzione.

A tre mesi, il bambino è rimasto senza madre: nell'anno della sua nascita, il colera imperversava nelle province centrali della Russia. Su insistenza di suo padre, tutte le cure per il bambino furono rilevate dalla sua tata, una serva.

La capacità di disegnare di Nikolai Ge si è rivelata anche in palestra, ma non osando disobbedire a suo padre, ha studiato prima a Kiev e poi alle Università di San Pietroburgo presso la Facoltà di Matematica. Tuttavia, ha dedicato la maggior parte del suo tempo al disegno all'interno delle mura dell'Hermitage. Nel 1850 Ge lasciò l'università ed entrò all'Accademia delle arti, dove studiò per sette anni. Una grossa medaglia d'oro ricevuta al termine degli studi gli diede l'opportunità di viaggiare in Europa a spese dell'Accademia.

Uno dei principali meriti di Nikolai Ge, secondo i critici, è di essere stato il primo tra gli artisti russi a cogliere una nuova tendenza realistica nei soggetti biblici. Ge ha lavorato dolorosamente: ha creato un'opzione dopo l'altra, raramente le ha portate a termine, non è mai stato soddisfatto di ciò che è stato fatto. E il destino stesso dei suoi dipinti si è evoluto in modo drammatico.

Nel 1861 Ge iniziò a scrivere L'ultima cena, e nel 1863 lo portò a San Pietroburgo e lo espose alla mostra autunnale all'Accademia delle arti.

Nikolaj Ge
L'ultima Cena. 1863
Tela, olio. 283x382 cm.
Museo Statale Russo, San Pietroburgo

Oggi il dipinto è considerato un'opera potente, che riflette le specificità della percezione dell'artista del mito biblico. In una piccola stanza con soffitti alti e muri di pietra in una delle case della città di Gerusalemme, c'è un lettino ordinario su cui si è appoggiato Gesù. Il giovane Giovanni è ai suoi piedi e gli altri apostoli stanno dietro di lui. Peter dai capelli grigi (si ritiene che Ge si sia raffigurato in esso) - a capotavola. Dietro di lui ci sono molte figure scure più indistinte. A destra, contro il muro, c'è una lampada che illumina molto intensamente l'intera figura di Pietro (soprattutto il volto), la tovaglia bianca, il capo chino di Cristo e gli occhi degli apostoli pieni di ansia e confusione. La lampada stessa non è visibile: è coperta dalla sagoma scura di Giuda, il cui aspetto indoviniamo, ma non vediamo.

Il simbolismo biblico può essere rintracciato nella composizione: la tavola è illuminata dalla giusta luce della gentilezza e della saggezza - la personificazione artistica della comunità del cibo spirituale per gli apostoli. Questa luce illumina Cristo, gli sguardi smarriti degli apostoli rivolti a Giuda, cade anche su Pietro, a guardia delle porte del cielo. Tutti loro sono indignati e confusi dall'atto di Giuda, che ha oscurato loro la luce della ragione. E solo Gesù è calmo e triste.

Immagine prodotta al pubblico forte impressione. La stampa ufficiale vi vedeva "il trionfo del materialismo e del nichilismo" e la censura vietava la riproduzione di questa immagine in copia. Tuttavia, L'ultima cena di Nikolai Ge fu acquistata dall'imperatore russo per la sua collezione personale. L'Accademia ha conferito a Nikolai Ge il titolo di professore, scavalcando il titolo di accademico. Ge è stato eletto membro a pieno titolo Accademia Imperiale arti. Pertanto, il suo lavoro è stato riconosciuto dal sofisticato pubblico metropolitano.

Nikolai Ge non si discosta dal tema religioso e dal 1869 al 1880 dipinge il dipinto "Cristo nell'orto del Getsemani". Viene criticato e costretto a credere nella sua mediocrità, ma dopo un po 'l'autore rifà la tela, e poi i critici tacciono. Questo dipinto è riconosciuto come uno dei capolavori del grande artista.

Nikolaj Ge
Cristo nell'orto del Getsemani. 1880
Tela, olio.

Ge mostra allo spettatore Cristo, che è pronto a separare le mani. Conosce il suo scopo, ma è abbastanza difficile per lui essere d'accordo con questo fino alla fine. Manca pochissimo alla crocifissione, Gesù è stanco, e nell'orto del Getsemani è tormentato dai dubbi e lotta con le sue paure. La sua veste era arruffata proprio come l'anima dei grandi peccatori. Sul volto del salvatore vediamo ansia, ma non disperazione. Tutto solo dentro foresta oscura si rivolge al Padre e sa di essere ascoltato e perdonato.

Questo dipinto sarà esposto a lungo in mostre private. Di lui si diranno cose buone e cattive. Nikolai Ge capirà che questo è un vero successo.

Il dipinto "Golgotha" divenne una delle ultime opere di Nikolai Ge e, secondo i critici, rimase incompiuto. L'autore ha cercato di dare un profondo significato morale al suo lavoro.

Nikolaj Ge
Golgota ​​(Il dipinto non è finito). 1893
Tela, olio. 222,4x191,8 cm.
Galleria Tretyakov, Mosca, Russia

Al centro dell'immagine c'è Cristo e due ladroni. Ogni personaggio nella foto è dotato dei propri tratti caratteriali. Quindi, l'autore conduce un dialogo con lo spettatore, accennando sottilmente a ciò che sta accadendo e parlando dell'umore di ciascuno dei personaggi. Il Figlio di Dio è preso dalla disperazione, si torce le mani. I suoi occhi sono chiusi e la sua testa è gettata all'indietro. Alle spalle di Gesù fa capolino un criminale con le mani legate. Aprì la bocca e i suoi occhi si spalancarono per l'orrore. A destra un giovane, un tempo brigante, ora martire, che si volta tristemente dall'altra parte. L'autore contrasta deliberatamente i suoi personaggi.

Da sinistra appare nel campo visivo una mano dispotica, che dà il segnale di iniziare l'esecuzione. La figura di Gesù irradia disperazione, anticipa una morte lunga e dolorosa, una croce è già stata posta ai suoi piedi. Nikolai Ge ha mostrato in modo più accurato come Cristo è stato tradito e inviato a una vergognosa esecuzione. Con tutti i mezzi visivi, l'artista sottolinea che il Figlio di Dio è stato giustiziato ingiustamente. Il compito che l'autore si è posto è quello di trasmettere allo spettatore che Cristo, con il suo atto, ha espiato i peccati dell'intero genere umano e ha dato alle persone una possibilità di salvezza sacrificando la sua vita.

Ge è stato rimproverato per il suo abbandono della forma e l'abuso di colori contrastanti. Forse questa era l'unica tecnica in grado di esprimere i sentimenti dell'artista. Senza paura di trascendere i confini dell'arte, ignorando norme e convenzioni, Nikolai Ge ha ottenuto risultati sorprendenti nel rappresentare i tormenti fisici e morali di una persona, descrivendoli con straordinaria potenza e autenticità.

Oltre a Nikolai Ge, altri pittori russi si dedicarono a temi religiosi drammatici, in particolare Alexander Ivanov (1806-1858) e Nikolai Kramskoy (1837-1887). Tuttavia, i maestri dell'Europa occidentale furono i pionieri in questa direzione iconografica. Particolarmente popolare è il tema del tradimento di Gesù da parte di Giuda e, in generale, la passione di Cristo tra gli antichi maestri in XVII secolo in epoca barocca, poiché questi soggetti permettevano di rappresentare nei dipinti forti emozioni: sofferenza, dolore, pentimento, tormento e dubbio.

Così, la Grande Collezione di Belle Arti dell'ASG contiene dipinti di maestri francesi e fiamminghi del XVII secolo, con l'aiuto dei quali si può tracciare la catena della trama da "La preghiera per il calice nell'orto del Getsemani" a " Via Crucis di Cristo al Golgota”.

Molti artisti hanno ripreso la trama della "Preghiera per il Calice", risolvendola con vari gradi di successo. Cristo nell'orto del Getsemani fu dipinto da Andrea Mantegna (1455), Giovanni Bellini (1465-1470), El Greco (1605) e altri maestri meno eminenti, in particolare Karel Savarie, pittore fiammingo le cui date e circostanze della sua vita non conosciuto. La collezione ASG contiene una composizione di Savaryer, realizzata su rame, dove Cristo è raffigurato in preghiera la notte prima del suo arresto nell'orto del Getsemani.

Karel Savarier

Fiandre, XVII secolo
Rame, olio. 68,5×87 cm.
BSII ASG, inv. №04-2418

Al centro c'è un Gesù inginocchiato. Si portò la mano al petto e guardò il cielo, pregando Dio per la salvezza dal prossimo tormento. Con una risposta, gli angeli volano da Cristo, uno dei quali porta tra le mani un crocifisso e una coppa piena di sofferenza, che il Figlio di Dio dovrà bere fino in fondo. I discepoli del Salvatore dormono e in lontananza già camminano le guardie e Giuda.

Inoltre in una serie di tragici eventi segue il "Bacio di Giuda" - una trama che non lascia nessuno indifferente, poiché è dedicata a uno degli argomenti più dolorosi dell'umanità: il tradimento del prossimo. Forse il più opera famosa su questo argomento nel mondo oggi è un affresco di Giotto (c. 1267-1337). Su di esso Giuda è vestito con un mantello colore giallo, che fino ad allora era considerato uno dei fiori più gioiosi e regali. Qui, per volontà dell'artista, gli viene assegnata una connotazione negativa. Nella foto del cerchio Pittore francese XVII secolo Michel Corneille il Vecchio (1642-1708) della collezione ASG, il traditore Giuda è vestito tutto di nero.

Michel Corneille Senior, cerchio

Francia, ca. 1700
Tela, olio. 38,5×47 cm.
BSII ASG, inv. №04-2771

Al centro della tela c'è Gesù in una veste rossa. Si lascia baciare umilmente da Giuda come segno ai soldati che lo seguono che è quello che dovrebbero prendere in custodia. Sul lato destro vediamo soldati armati di lance e alabarde, tengono in alto fiaccole e lanterne. La composizione comprendeva anche una trama con il taglio dell'orecchio di un servo (angolo inferiore sinistro della tela). È menzionato in tutti e quattro i Vangeli, anche se solo Giovanni nomina i suoi partecipanti per nome: “Ma Simon Pietro, che aveva una spada, la estrasse e colpì il servo del sommo sacerdote e gli tagliò l'orecchio destro; il nome dello schiavo era Malch." Così, l'artista dell'ambiente di Corneille il Vecchio contrappone il tradimento di Giuda alla lealtà di un altro discepolo di Cristo, pronto a lottare per la vita e la libertà del suo maestro.

Dopo questo bacio di identificazione, inizierà la sofferenza fisica di Gesù, dove una delle più difficili sarà la Via Crucis - il percorso di Cristo dalla casa di Pilato al Monte Calvario, dove sarà crocifisso. Durante questo viaggio, Gesù fu flagellato e deriso dai soldati che gli incoronarono il capo con una corona di spine. E qui torneremo ancora all'opera del fiammingo Karel Savarier, che dipinse il dipinto La Via Crucis al Calvario, scegliendo anche per esso una lastra di rame esattamente delle stesse dimensioni della Preghiera per il Calice.

Karel Savarier

Fiandre, XVII secolo
Rame, olio. 68,5×87 cm.
BSII ASG, inv. №04-1309

Osservando questa composizione a più figure, è difficile identificare qui immediatamente la figura di Cristo con il suo fardello. Si richiama l'attenzione sul cavaliere su un cavallo bianco, che osserva lo svolgimento di questa triste processione, così come sui cavalieri in armatura di metallo che lo seguono. Al centro è raffigurato Cristo, accovacciato a terra, avendo perso le forze. La gente, cercando di aiutare, sostiene la sua croce, e Santa Veronica asciuga il sudore dal volto del Salvatore con un semplice asciugamano, su cui è stato miracolosamente impresso il suo volto. Sulla destra c'è la Madre di Dio, che osserva tristemente il tormento di suo figlio e sostiene il suo discepolo di Cristo, Giovanni. In lontananza c'è il Golgota, alla base del quale Gesù è già giunto. Ci sono molte persone sulla montagna, in attesa che il martire condannato all'esecuzione li raggiunga.

Il tema della Passione di Cristo è eterno nelle arti visive. È stata avvicinata da maestri di diverse scuole ed epoche storiche. La ASG Fine Arts Collection contiene opere di altri artisti che hanno dedicato le loro opere a questo tema, ad esempio il dipinto della bottega di Frans II Francken "La Via Crucis al Calvario". Tutto ciò dimostra solo il grande interesse degli artisti di tutte le età e paesi per i problemi morali e spirituali.

Svetlana BORODINA
Alina BULGAKOVA