Arte > Pittura
E e dipinti di grandi dimensioni legati all'architettura, ma con contenuti figurativi indipendenti e socialmente significativi: pannelli pregiati, dipinti, mosaici.
Pannello (Pannello francese dal lat. pannus: pezzo di stoffa) - in primo luogo, si tratta di un'opera pittorica con scopo decorativo, incastonata nella parete di un interno architettonico.A differenza della pittura monumentale, i pannelli vengono quasi sempre eseguiti al di fuori del luogo previsto, su tela e utilizzando tecniche pittoriche convenzionali.
E il secondo significato del pannello - parte della superficie della parete, evidenziata dall'incorniciatura e riempita con dipinti o rilievi scultorei.
pittura - termine nel campo della pittura monumentale e decorativa, che copre tutte le opere di pittura legate all'architettura ad eccezione dei mosaici e dei pannelli. La pittura si riferisce a composizioni ornamentali tematiche, tematiche e puramente decorative realizzate con vernici direttamente sulla superficie di un muro, soffitto, volta, pilastro, colonna, ecc. su intonaco o tela incollata su di esso.
L'affresco è incluso qui insieme alla pittura a olio. La tecnica pittorica nel senso proprio del termine viene utilizzata allo stesso modo della tecnica dello stencil, ecc.
A volte, in senso impreciso, il termine pittura comprende qualsiasi opera di pittura monumentale, compresi pannelli e mosaici. La pittura nelle arti applicate - trama e immagini ornamentali applicate agli oggetti con un pennello o strumenti che lo sostituiscono, ad esempio un aerografo.
Tipicamente, il processo pittorico è strettamente correlato alla produzione stessa degli oggetti dipinti, ma in alcuni casi può diventare un ramo artistico autonomo. Un settore come l'arte diffusa di dipingere tessuti, chiamato "batik". Verniciatura di vassoi, scatole, bambole nidificanti, terracotta, ecc.
Affrescare(otital. affresco - fresco, crudo) - la tipologia tecnica più importante della pittura monumentale con vernici diluite con acqua pulita o di calce su intonaco fresco e umido. Qui la calce viene utilizzata come legante principale.
I leganti fondamentali sono pochi: olio vegetale, colla vegetale e animale, uovo, cera, calce.
L'affresco in senso lato include la pittura utilizzando la tecnica e affresco
(italiano a fresco), cioè in modo crudo, “grezzo”,-
il principale tipo tecnico di pittura ad affresco-
caratterizzato da alleggerimento su intonaco fresco di calce. Qui le vernici vengono fissate man mano che l'intonaco asciuga grazie ad uno strato di composti di carbonato di calcio che si forma su di esso.
Da qui la caratteristica necessità di questa tecnica di completare rapidamente l'opera, che richiede, nelle grandi composizioni, l'obbligatoria esecuzione per parti. Gli svantaggi di questo disegno si rivelano pochi giorni dopo che l'intonaco si è completamente asciugato, il che cambia notevolmente la vernice.
La pittura ad affresco deve quasi sempre essere integrata con segni di tempera per correggere i dettagli, quindi una tecnica priva di correzioni è l'affresco puro ( buon fresco) , quindi particolarmente difficile e rara.
Per la pittura ad affresco è tipico, ma non sempre necessario, essere eseguito in più parti. Tracce delle cosiddette cuciture di collegamento sono i confini tra queste parti. Prorysya- Questo è un trasferimento da un disegno di contorno su cartone o carta spessa, realizzato a grandezza naturale. Quindi il disegno viene trasferito dal cartone al materiale su cui verrà eseguito il dipinto monumentale.
Il dipinto deve comunque essere collocato in ambienti interni e non deve essere esposto a condizioni atmosferiche avverse o sbalzi di temperatura.
Tecnica dell'affresco a secco(Italiano a secco - metodo secco, “in modo secco”)- una delle varietà basate sulla pittura su intonaco di calce duro e già essiccato.
Il prossimo modo per completare un affresco è pittura alla calce-caseina su intonaco fresco. Questo è il modo più perfetto. Si basa sull'utilizzo di una miscela di caseina e calce come legante. In termini di durabilità, questo dipinto è superiore al normale affresco. La pittura con calce-caseina può essere eseguita su intonaco inumidito o anche asciutto. Resiste facilmente al lavaggio con acqua e può essere utilizzato all'aperto.
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Mosaico - un tipo tecnico speciale di pittura monumentale basato sull'uso di solidi multicolori- smaltino (italiano: smalto). Si tratta di piccoli pezzi di vetro colorato opaco, pietre naturali colorate, smalti colorati sopra argilla cotta come materiale artistico principale. L'immagine è composta da pezzi di tali materiali, ben incastrati tra loro, montati su cemento o mastice speciale e lucidati.
Utilizzando il cosiddetto metodo della posa diretta, il mosaico viene realizzato dal lato anteriore nel luogo previsto (un muro, una volta o una lastra separata, che viene poi incastonato nel muro).
Nella posa al contrario, le tessere colorate sono visibili all'artista solo dal retro: sono incollate a faccia in giù su un sottile rivestimento temporaneo, che viene rimosso dopo il trasferimento del mosaico sulla parete.
Il primo di questi metodi è complesso e dispendioso in termini di tempo, ma più perfetto dal punto di vista artistico. Il mosaico impilato è composto da piccoli pezzi pre-preparati che corrispondono ai contorni del disegno solo sfusi.
Nei mosaici in plastica o in pezzi, gli elementi del mosaico sono molto più grandi e vengono ritagliati secondo i contorni pittorici.
Il cosiddetto mosaico fiorentino è costituito da tessere di pietre colorate. A Mosca, il pannello a mosaico può essere visto nelle stazioni della metropolitana: Kyiv Circle, Novokuznetskaya, Chekhovskaya, Victory Park, Frunzenskaya (Palazzo della Gioventù), ecc.
Vetrata (francese vitrage, da vitre- vetro della finestra) - un'opera d'arte decorativa di carattere fine o ornamentale, realizzata in vetro dipinto multicolore, destinata all'illuminazione passante e destinata a riempire l'apertura di una finestra in qualsiasi struttura architettonica.
Le vetrate possono essere realizzate in una scatola speciale con illuminazione, come, ad esempio, sulle colonne della stazione Novoslobodskaya della metropolitana di Mosca.
Le vetrate colorate sono diffuse nelle cattedrali gotiche dei secoli XIII-XV. Lo stile gotico nell'arte dell'Europa occidentale ha trovato un'incarnazione luminosa e caratteristica in Francia e Germania. In Italia ha avuto solo uno sviluppo minore a causa di tradizioni antiche più stabili.
Le cattedrali gotiche simboleggiavano il desiderio di andare verso l'alto, verso il cielo, e tutta la loro decorazione decorativa - statue, rilievi, vetrate,- contribuito a questo. Le vetrate colorate erano costituite da piccoli vetri di varie forme, fissati con cornici di piombo. Le immagini sono state dipinte prima con vernice marrone opaca (destinata ai contorni e altri elementi lineari) e grigia traslucida. Dal 14 ° secolo Inoltre, è stata utilizzata la tecnica della raschiatura su vetro multicolore appositamente verniciato.
Nel 20 ° secolo si è diffusa la produzione di vetrate artistiche da vetro incolore, sabbiato, acidato, inciso
Le immagini nel dipinto sono molto visive e convincenti. È in grado di trasmettere volumi e spazi, natura, incarnare idee universali, eventi del passato storico e voli di fantasia, rivelando il complesso mondo dei sentimenti e del carattere umano. La verniciatura può essere monostrato (eseguita immediatamente) o multistrato, compreso pitture di fondo E pessimizzazione strati di vernice trasparenti e traslucidi applicati sullo strato di vernice essiccata.
In questo modo si ottengono le sfumature e le sfumature di colore più fini.
La costruzione del volume e dello spazio nella pittura è associata a prospettiva lineare e aerea, proprietà spaziali dei colori caldi e freddi, modellazione della forma luce-ombra, trasferimento dello sfondo cromatico generale della tela. Per creare un'immagine, oltre al colore, è necessario buon disegno e composizione espressiva. L'artista, di regola, inizia a lavorare sulla tela cercando la soluzione di maggior successo negli schizzi. Quindi, in numerosi studi pittorici dal vero, elabora gli elementi necessari della composizione.
PITTURA DA CAVALLETTO
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I dipinti da cavalletto sono dipinti che hanno un significato indipendente (sono dipinti su una macchina). La pittura da cavalletto ha molti generi.
Genere
(Francese "maniera", "aspetto", "gusto", "costume", "genere") - un tipo di opera d'arte storicamente emergente e in via di sviluppo.
Il genere può essere indicato nel titolo del dipinto (nota: “Il mercante di pesce”).
Generi di pittura da cavalletto:
Secondo quanto mostrato in foto:
1.Ritratto
2.Scenario
3.Natura morta
4.Famiglia (genere)
5.Storico
6.Battaglia
7.Animalesco
8.Biblico
9.Mitologico
10.Fiaba
1.Ritratto
- un'immagine di una persona o di un gruppo di persone che esistono o sono esistite nella realtà.
Tipi di ritratto
: ritratto a mezzo busto, alle spalle, ritratto a figura intera, ritratto a figura intera, ritratto su sfondo paesaggio, ritratto all'interno di una stanza, ritratto con accessori, autoritratto, doppio ritratto, ritratto di gruppo, ritratto di coppia, costume ritratto, ritratto in miniatura.
A seconda della natura dell'immagine, tutti i ritratti possono essere divisi in 3 gruppi:
UN ) ritratti cerimoniali
, di regola, comportano l'immagine a figura intera di una persona (a cavallo, in piedi o seduta), solitamente su uno sfondo paesaggistico o architettonico;
B) ritratti a mezzo vestito
(forse non completamente a figura intera, non c'è sfondo architettonico);
V ) Camera
ritratti (intimi) in cui viene utilizzata un'immagine all'altezza delle spalle, del petto e della vita, spesso su uno sfondo neutro.
Ritrattisti russi: Rokotov, Levitsky, Borovikovsky, Bryullov, Kiprensky, Tropinin, Perov, Kramskoy, Repin, Serov, Nesterov
2.Scenario
(francese “luogo”, “paese”, “patria”) - raffigura la natura, l'aspetto del territorio, il paesaggio.
Tipi di paesaggio
: rurale, urbano, marino (marina), urbano architettonico (veduta), industriale.
Il paesaggio può essere di natura lirica, eroica, epica, storica, fantastica.
Artisti paesaggisti russi: Shchedrin, Aivazovsky, Vasiliev, Levitan, Shishkin, Polenov, Savrasov, Kuindzhi, Grobar e altri.
3.Natura morta (Francese "natura morta") - raffigura ritratti peculiari delle cose, la loro vita tranquilla. Gli artisti raffigurano le cose più ordinarie, mostrandone la bellezza e la poesia.
Artisti: Serebryakova, Falk
4.Genere quotidiano (pittura di genere) - descrive la vita quotidiana di una persona e ci introduce alla vita di persone di tempi ormai lontani.
Artisti: Venetsianov, Fedotov, Perov, Repin e altri.
5.Genere storico - raffigura eventi storici significativi, eventi del passato, tempi epici. Questo genere è spesso intrecciato con altri generi: vita quotidiana, battaglia, ritratto, paesaggio.
Artisti: Losenko, Ugryumov, Ivanov, Bryullov, Repin, Surikov, Ge e altri.
Surikov, un eccezionale maestro della pittura storica: “La mattina dell'esecuzione di Streltsy”, “Boyaryna Morozova”, “Menshikov a Berezovo”, “La traversata delle Alpi di Suvorov”, “La conquista della Siberia di Ermak”.
6.Genere battaglia - raffigura campagne militari, battaglie, fatti d'armi, operazioni militari.
7.Genere animalesco - raffigura il mondo animale.
PITTURA MONUMENTALE.
Sempre connesso con l'architettura. Decora pareti e soffitti, pavimenti, aperture di finestre.
Tipi di pittura monumentale(varia a seconda della tecnica utilizzata):
1.Affrescare (Italiano: “sul bagnato”) - scritto su intonaco di calce bagnato con vernici (pigmento secco, colorante in polvere) diluite con acqua. Quando asciuga, la calce rilascia una sottile pellicola calcica, che fissa le vernici sottostanti, rendendo la pittura indelebile e molto resistente.
2.Tempera - vernici diluite su uovo, colla di caseina o legante sintetico. Questo è un tipo di pittura murale indipendente e diffuso. A volte si usa la tempera per dipingere su un affresco già asciutto. La tempera si asciuga rapidamente e cambia colore mentre si asciuga.
3.Mosaico (lat. “dedicato alle muse”) - dipinto composto da piccoli pezzi di pietre colorate o smaltino (vetro colorato opaco appositamente saldato)
4. Vetrata (francese "vetro", dal latino "vetro") - dipinto realizzato con pezzi di vetro colorato trasparente collegati tra loro da strisce di piombo (saldatura a piombo)
5.Pannello
(francese "tavola", "scudo")
- a) parte della parete o del soffitto (plafond), evidenziata con una cornice in stucco o un ornamento a nastro e riempita con pittura;
b) realizzato con colori su tela e poi fissati al muro. Per le pareti esterne i pannelli possono essere realizzati con piastrelle di ceramica.
ARCHITETTURA
Architettura - l'arte di creare edifici e loro complessi che costituiscano un ambiente in cui le persone possano vivere. Si differenzia dagli altri tipi di arte in quanto svolge non solo compiti ideologici e artistici, ma anche pratici.
Tipi di architettura:
pubblico (palazzo);
residenziale pubblico;
pianificazione urbana;
restauro;
giardinaggio (paesaggio);
industriale.
Mezzi espressivi dell'architettura:
composizione dell'edificio;
scala;
ritmo;
chiaroscuro;
colore;
natura ed edifici circostanti;
pittura e scultura.
1. Composizione edilizia
- disposizione delle sue parti ed elementi principali in una determinata sequenza . La composizione di un edificio è molto importante perché determina l'impressione che fa l'edificio.. Quando crea una composizione architettonica, l'architetto utilizza varie tecniche: alternanza e combinazione di spazi diversi (aperti e chiusi, illuminati e oscurati, collegati e isolati, ecc.); volumi vari (alti e bassi, diritti e curvi, pesanti e leggeri, semplici e complessi); elementi di superfici racchiudenti (piatte e in rilievo, solide e traforate, semplici e colorate). La scelta della composizione dipende dalla destinazione dell'edificio.
Tipi di composizione:
- Simmetrico
. La stessa disposizione degli elementi costruttivi rispetto all'asse di simmetria, che segna il centro della composizione. Tali edifici erano caratteristici dell'architettura dell'era classica.
- Asimmetrico
. La parte principale dell'edificio è spostata rispetto al centro. Vengono utilizzati vari volumi contrastanti per forma, materiale e colore, il che porta a un'immagine architettonica dinamica . Tipico della costruzione moderna.
Ricezione di simmetria e asimmetria nella composizione dei singoli elementi, disposizione di colonne, finestre, scale, porte, ecc.
2. Ritmo .Grande importanza organizzativa in una composizione architettonica spetta al ritmo, cioè ad una chiara distribuzione dei volumi e dei dettagli di un edificio che si ripetono ad un certo intervallo (infilate di stanze e corridoi, successivi cambiamenti nei volumi delle stanze, raggruppamento di colonne, finestre , sculture)
Tipi di ritmo:
-Ritmo verticale
. Alternanza di singoli elementi in direzione verticale. Dà all'edificio l'impressione di leggerezza e di direzione verso l'alto.
- Ritmo orizzontale
. L'alternanza degli elementi in senso orizzontale rende l'edificio tozzo e stabile.
Raccogliendo e condensando i singoli dettagli in un luogo e scaricandoli in un altro, l'architetto può enfatizzare il centro della composizione e conferire all'edificio un carattere dinamico o statico.
3. Scala
. Rapporto proporzionale tra l'edificio e le sue parti. Determina le dimensioni delle singole parti e dei dettagli di un edificio in relazione alle dimensioni dell'intero edificio nel suo insieme, a una persona, allo spazio circostante e ad altri edifici. La scala di un edificio non dipende dalle dimensioni dell'edificio, ma dall'impressione generale che fa su una persona.
4. Chiaroscuro . Una proprietà che rivela la distribuzione delle aree chiare e scure sulla superficie di una forma. Rafforza e facilita la percezione visiva della forma architettonica, conferendole un aspetto più pittoresco. L'illuminazione artificiale dei volumi dell'edificio viene utilizzata a livello stradale, autostradale e di controluce. La luce riflessa all'interno crea l'illusione della leggerezza delle forme.
La particolarità dell'architettura come arte è creare l'unità di una composizione architettonica da una varietà di forme architettoniche. Il mezzo più semplice per creare unità è dare al volume dell'edificio una forma geometrica semplice. In un insieme edilizio complesso l'unità si realizza attraverso la subordinazione: il volume principale (centro compositivo) è subordinato alle parti secondarie dell'edificio. La tettonica è anche uno strumento compositivo.
Tettonica-struttura strutturale artisticamente rivelata dell'edificio.
5. Colore . Spesso utilizzato nelle strutture architettoniche, soprattutto negli spazi interni (soprattutto negli edifici classici e barocchi). Gli interni moderni sono caratterizzati da colori luminosi e chiari.
6. Pittura e scultura .I mezzi artistici per creare l'unità compositiva di un edificio comprendono l'arte monumentale e applicata, in particolare la scultura e la pittura, la cui combinazione con l'architettura è chiamata “sintesi delle arti”.
7. Natura ed edifici circostanti .L'architettura tende all'insieme. Per le sue strutture è importante inserirsi nel paesaggio naturale (naturale) o urbano (cittadino). Le forme dell'architettura sono determinate: naturalmente (a seconda delle condizioni geografiche e climatiche, della natura del paesaggio, dell'intensità della luce solare); socialmente (a seconda della natura del sistema sociale, degli ideali estetici, dei bisogni utilitaristici e artistici della società).
L’architettura è strettamente legata allo sviluppo delle forze produttive e della tecnologia. Nessuna arte richiede una tale concentrazione di sforzi collettivi e risorse materiali, ad esempio: la Cattedrale di Sant'Isacco è stata costruita da 500mila persone in 40 anni.
La trinità dell'architettura: utilità, forza, bellezza. In altre parole, queste sono le componenti più importanti dell'insieme architettonico: funzione, disegno, forma (Vitruvio, I secolo d.C., teorico dell'architettura dell'antica Roma). La costruzione divenne architettura quando gli edifici pratici acquisirono un aspetto estetico.
L'architettura ha avuto origine in tempi antichi. Nell'antico Egitto furono create strutture grandiose in nome di scopi spirituali e religiosi(tombe, templi, piramidi). Nell’Antica Grecia l’architettura assume un aspetto democratico e gli edifici religiosi (i templi) già affermano la bellezza e la dignità del cittadino greco. Stanno emergendo nuove tipologie di edifici pubblici: teatri, stadi, scuole. E gli architetti seguono al principio umanistico della bellezza formulato da Aristotele: “Il bello non deve essere né troppo grande né troppo piccolo ".
Nell'antica Roma, gli architetti utilizzavano ampiamente strutture a volta ad arco in cemento. Nuovi tipi di edifici, fori, archi di trionfo e colonne riflettono le idee di statualità e potere militare. Nel Medioevo l’architettura divenne la forma d’arte principale e più popolare.. Nelle cattedrali gotiche rivolte verso il cielo si esprimeva l’impulso religioso verso Dio e l’appassionato sogno terreno di felicità del popolo. . L'architettura rinascimentale sviluppa i principi e le forme dei classici antichi su una nuova base, introducendo una nuova forma architettonica: il pavimento.Il classicismo canonizza le tecniche compositive dell'antichità.
L'unità della composizione architettonica implica l'unità dello stile, che è creata da un insieme di caratteristiche tipiche dell'arte di un certo tempo. Lo stile di ogni epoca è stato influenzato da vari fattori: visioni ideologiche ed estetiche, materiali e tecniche di costruzione, livello di sviluppo produttivo, esigenze quotidiane, forme artistiche.
Stile
- la somma degli elementi che rivelano le caratteristiche di una data epoca.
Stile
- un insieme storicamente stabilito di mezzi e tecniche artistiche che caratterizzano le caratteristiche dell'arte di un certo tempo.
Lo stile è presente in tutti i tipi di arte, ma si forma principalmente nell'architettura. Uno stile architettonico si forma nel corso di decenni o addirittura secoli, ad esempio, nell'antico Egitto, lo stile è stato conservato per 3 anni e quindi ha ricevuto il nome canonico (canonico (norma, regola) - un insieme di regole sviluppate nel processo di pratica artistica e sanciti dalla tradizione).
Principi fondamentali dello stile egiziano, caratteristici di tutta l'arte dell'Antico Egitto:
- unità di immagini e iscrizioni geroglifiche;
- immagine verticale di oggetti e persone (quelli meno significativi sono raffigurati sul piano superiore);
- rappresentazione linea per linea di scene complesse con cinture orizzontali;
- diverse scale di figure, la cui dimensione dipende non dalla loro posizione nello spazio, ma dal significato di ciascuna di esse;
- raffigurazione di una figura umana come da diversi punti di vista (profilo frontale) - il principio di diffondere la figura su un piano (quando la testa e le gambe erano raffigurate di profilo e il busto e gli occhi davanti).
CALENDARIO E PIANIFICAZIONE DELLE LEZIONI TEMATICHE.
Il calendario e la pianificazione tematica dipendono dall'età degli studenti. L'opzione ideale è frequentare le lezioni nelle classi 5(6)-11, il programma statale di Yu. A. Solodovnikov e L. N. Predchetenskaya è progettato per questo. È necessario tenere conto del fatto che le specificità del lavoro a livello medio e senior sono diverse . Gli studenti delle scuole superiori sono già in grado di percepire concetti generalizzati contenuti, ad esempio, nel concetto di stile, dove predomina il fenomeno del principio “dal generale al particolare”. Gli studenti delle scuole medie, soprattutto nelle classi 5-6, non sono sempre pronti a comprendere lo stile, cioè non hanno ancora la capacità di vedere uno schema generale in molti fenomeni specifici. Questa abilità si sviluppa gradualmente, quindi, a livello medio, maggiori risultati si otterranno dalle lezioni di “immersione” in qualsiasi opera, evento, fenomeno, vita e percorso creativo dell'autore, ad esempio “Miti dell'antica Grecia”, “ La nascita dell'opera”, “Il commercio fiorentino”. Queste lezioni possono assumere la forma di drammatizzazioni, giochi aziendali, quiz, dibattiti, ecc. Allo stesso tempo, gli studenti ricevono informazioni relative a personaggi specifici, caratteristiche dei mezzi espressivi di una particolare arte. La capacità di vedere schemi generali dietro questi momenti “privati” emerge a livello subconscio. Ma immagini e situazioni specifiche vengono ricordate bene, vividamente e per lungo tempo.
Successivamente, gli studenti che hanno accumulato esperienza nella comunicazione con singole opere d'arte e fenomeni culturali acquisiscono la capacità di realizzare, formulare ed esprimere un giudizio generalizzato. Questo momento arriva quando lo studente si avvicina al 9° grado, o meno spesso all'8° grado. Gli studenti delle classi 8 e 9 hanno percezioni diverse. L'ottavo grado è una fase del periodo di transizione, che si manifesta in modi diversi. In un caso, gli alunni dell'ottavo anno sono già pronti per un livello di percezione più complesso, nell'altro no. Questa situazione viene decisa dall'insegnante in ciascun caso specifico.
Se a scuola l'MHC viene studiato dai gradi 5 a 11, l'approccio composto da due fasi potrebbe essere il più efficace. Le lezioni nelle classi 5-7(8) sono affascinanti “immersioni” nel mondo di fenomeni specifici della cultura, dell'arte, ecc., utilizzando forme di lavoro attive e pratiche. Potrebbe trattarsi di messa in scena, giochi, dibattiti, utilizzo di programmi informatici, ricerche su Internet, lavoro su progetti, quiz, ecc. Allo stesso tempo, viene preservato il principio dello storicismo: nella pianificazione tematica l'insegnante include opere chiave e fenomeni culturali che riflettono le varie fasi del suo sviluppo. Sarebbe molto utile se questo fosse combinato con un corso di storia che gli studenti seguissero in parallelo. Eventuale collegamento con lezioni di arte, letteratura, musica, ecc.
Il concetto scelto dall'insegnante come base può determinare vari materiali e attività. Solodovnikov suggerisce di affidarsi alla mitologia come possibile principio per organizzare l'argomento. Ma sono possibili anche altri principi.
Avendo raggiunto la seconda fase, avendo conoscenza di uno specifico fenomeno culturale, gli studenti delle classi 9-11 possono ancora una volta percorrere questo percorso, ma dal punto di vista degli stili, delle caratteristiche dell'immagine artistica in un'epoca particolare. Le idee individuali ottenute in precedenza vengono combinate in un unico sistema di relazioni e le cause e le conseguenze diventano chiare.
Quando si elabora un programma per le classi 6-8, l'insegnante può prendere come base il contenuto del corso facoltativo di MHC Danilova, dove dal materiale ampio e vario l'insegnante può scegliere ciò che gli è più vicino e soddisfa le condizioni del suo lavoro.
È anche possibile programmare lezioni di MHC a livello secondario, quando in ogni classe opera il principio concentrico, cioè in ogni classe, gli studenti affrontano in sequenza argomenti relativi all'arte del mondo antico, del Medioevo, dell'Oriente, della Russia, del Rinascimento, ecc.
Affrescare. Oggi per affresco si intende spesso qualsiasi dipinto decorativo per interni, indipendentemente dalla tecnica utilizzata, sia essa pittura ad olio, colla o tempera. La pittura ad affresco è conosciuta fin dai tempi dell'antica Grecia, anche se il nome stesso deriva dall'italiano (tesso, che significa “fresco”. Si esegue con colori minerali diluiti in acqua su intonaco di calce appena applicato. Nel Rinascimento era chiamato un affresco(afresco), che significa “scrivere su intonaco fresco”. Di tutte le tecniche pittoriche, questa è la più difficile, poiché richiede un'elevata abilità da parte dell'artista: bisogna dipingere velocemente (mentre l'intonaco è bagnato) e subito correttamente, poiché non è possibile correggere nulla, bisogna anche tenere conto che i colori su un muro umido hanno un aspetto diverso rispetto a uno asciutto, quindi molti artisti professionisti dell'olio e della tempera non possono lavorare con questa tecnica.
La pittura ad affresco, da un lato, garantisce la forza e la purezza della tonalità di colore (ad eccezione dell'acqua, nella vernice non vengono introdotti additivi) e, dall'altro, elevata resistenza e durata (la vernice scorre in tutte le più piccole irregolarità e pori presenti sulla superficie quando l'intonaco è ancora fresco ed è fissato chimicamente con la calce contenuta nell'intonaco).
La pittura ad affresco viene eseguita su pareti in pietra o mattoni legate con malta di calce, su pareti in legno intonacate – purché l'intonaco sia di notevole spessore. L'intonaco utilizzato come primer viene applicato non sul mattone, ma sulla base precedentemente posata. Quest'ultimo si applica in due strati (quello inferiore è detto spray, quello superiore è detto coprente). Lo strato inferiore viene utilizzato per livellare la superficie della base. Il rivestimento viene applicato prima di iniziare la verniciatura solo sulla zona che si prevede di verniciare. Il primer per intonaco è costituito da malta di calce sottile. Come riempitivo viene utilizzata la sabbia fluviale lavata di frazione media.
Quando è richiesta una superficie liscia e a grana fine, il rivestimento viene applicato in due o tre strati: il primo con uno spessore di 10-12 mm, il secondo, mezz'ora dopo il primo, con uno spessore di 1,5-3,5 mm . L'ultimo strato di stucco di gesso è costituito da una miscela di uguali quantità di pasta di calce e farina di marmo, miscelata fino alla consistenza dello stucco. Quando per la verniciatura è richiesto un fondo cromatico generale, i pigmenti vengono aggiunti alla soluzione dello strato di copertura in quantità fino al 10% del peso totale della calce.
La maggior parte dei pigmenti in polvere prodotti per la pittura ad affresco devono essere frantumati prima dell'uso in modo che una volta applicati al terreno siano saldamente collegati (le particelle di polvere devono far parte della crosta dura che si forma sulla superficie dell'intonaco). Le vernici non vengono semplicemente mescolate con acqua, ma strofinate fino alla scomparsa dei grumi.
Dipingere con colori ad olio. Come hanno dimostrato molti secoli di esperienza, la pittura a olio è meno adatta alla pittura rispetto ad altre. È uno strato di vernice denso e impenetrabile che impedisce al muro di autoventilarsi. Questo inconveniente richiede una preparazione speciale del muro, mantenendo le condizioni di temperatura e umidità nella stanza per proteggere il dipinto dall'umidità, che può accumularsi all'interno e causare la distruzione dell'immagine. Un esempio di ciò è la storia del dipinto “L’Ultima Cena” di Leonardo da Vinci.Durante il Rinascimento, i pittori ad olio cercarono invano un rimedio contro il cambiamento e la distruzione della pittura sotto l’influenza delle pareti umide. In quel periodo fiorirono gli affreschi e la tempera, Leonardo da Vinci preferì l'olio perché gli permetteva di allungare il processo di lavoro. Nonostante l'accurata preparazione della superficie del muro in quel periodo, la maggior parte del capolavoro crollò, principalmente a causa dell'umidità. della pittura a olio è la superficie lucida, che rende difficile vedere l'immagine da tutti i punti della stanza. Ma, nonostante gli evidenti difetti, tali dipinti erano spesso decorati con pareti.
Preparare pareti e soffitti per dipingere con colori ad olio non è diverso dalla preparazione per una pittura di alta qualità. La superficie precedentemente livellata e intonacata dovrà essere carteggiata in modo che risulti liscia e la tessitura sia a grana fine. L'intonaco di calce è il più adatto a questo scopo. Deve essere asciutto
L'intonaco essiccato può essere impregnato con acido linolenico, una soluzione di carbonato di ammonio o solfato di zinco, olio di lino o rivestito con primer oleoso o olio essiccante. Ma è meglio non scrivere affatto sull'intonaco, ma separare il dipinto dalla parete inserendo nell'ultima lastra (della dimensione del dipinto) una lastra metallica (stagno, rame, alluminio) di ardesia (esente da pirite di ferro) e lastra di legno di aspide o linoleum. In alcuni casi, una tela viene incollata all'intonaco. L'adesivo viene applicato su una superficie oliata, che conferisce comunque una certa appiccicosità. Innanzitutto, la tela imbevuta di olio essiccante viene attaccata alle unghie, quindi levigata con i palmi delle mani o con un rullo sul muro, eseguendo movimenti con la mano dal centro verso i bordi. In alcuni casi, il dipinto viene applicato su una base fissata su un telaio al muro, lasciando una certa distanza tra loro. Come base utilizzare tele di lino di medio spessore e densità, senza nodi o punti sottili. Il controtelaio è realizzato in legno secco. La tela viene tesa uniformemente dal centro verso i bordi e quindi innescata.
La verniciatura viene eseguita con colori artistici ad olio in tubetto. I principali difetti dei dipinti ad olio sono la secchezza, cioè la perdita di lucentezza e saturazione del colore, e le screpolature. Le ragioni principali sono il terreno poroso che assorbe l'olio delle vernici, quantità eccessive di solventi volatili, applicazione di vernice su uno strato precedente non sufficientemente asciugato, applicazione di strati di vernice eccessivamente spessi, invecchiamento della pellicola di vernice. Le parti appassite che ne risultano vengono eliminate immergendole nell'olio, oppure ricoprendole con apposite vernici.
Dipingere con colori a colla. La pittura a colla, come l'affresco, è una delle più antiche. A causa della facilità di esecuzione, della relativa economicità dei materiali, nonché del tono bello, arioso e allo stesso tempo vellutato, è ancora popolare. Nonostante alcuni difetti, in condizioni di normale utilizzo degli edifici si conserva a lungo e non perde la sua freschezza originaria. I leganti per vernici adesive sono tipi di colla animale (ossa o pesce) solubili in acqua calda. La pittura a colla può essere facilmente lavata via o lavata via con acqua. Il suo principale nemico è l'elevata umidità dell'aria nella stanza (a questo livello la colla perde la sua capacità legante). Le aggiunte di allume al colore rendono la pellicola adesiva impermeabile, ma modificano le proprietà della vernice: diventa viscosa, il che rende difficile il lavoro. La colla in eccesso riduce la qualità pittorica del colore e porta a crepe e desquamazione. Meno colla contiene la soluzione, più bella e sonora risulta la vernice.
La pittura a colla viene eseguita direttamente su intonaco o tela incollata su di esso. Alcuni artisti dipingono su tela tesa su un telaio. Quindi la tela viene incollata alla superficie della parete o del soffitto. Non è facile incollare il lavoro finito, perché questo tipo di pittura non è flessibile come la pittura ad olio o la tempera. Pertanto potrebbero apparire delle crepe o la vernice potrebbe staccarsi dalla base. Per aumentare l'elasticità, alla soluzione adesiva viene aggiunta un po' di pasta di farina, glicerina o olio essiccante.
Prima di iniziare a dipingere sull'intonaco, applicare una soluzione di sapone o solfato di rame nelle seguenti proporzioni: prendere 1 kg di sapone per 16 litri di acqua e 1,2 kg di solfato di rame per la stessa quantità di acqua. La soluzione viene applicata a caldo. Dopo l'asciugatura, sulla parte superiore viene applicato un primer bianco. Quando si lavora con vernici adesive è necessario ricordare che quando si asciugano schiariscono notevolmente, come tutte le vernici a base acqua.
Pittura a cera. La tecnica di dipingere con colori a cera è piuttosto antica. La cera è una sostanza molto stabile e in condizioni normali può rimanere inalterata per lungo tempo. A differenza dell'olio, la cera non si ossida, non si formano crepe, non si scioglie in acqua e non ne viene nemmeno bagnata. Lo svantaggio della cera è l'infiammabilità. La cera si dissolve nell'etere, nella trementina e nella benzina senza riscaldamento e negli oli grassi quando riscaldata.
Molto spesso vengono utilizzati due metodi di pittura a cera: caldo (i pigmenti vengono prima strofinati sulla cera fusa, quindi la vernice a cera viene sciolta su una tavolozza speciale e applicata sulla superficie con uno strumento di metallo caldo) e freddo (le vernici a cera vengono applicate a freddo con un pennello). Come legante vengono utilizzate soluzioni o emulsioni di cera.
La base per la pittura a cera è legno, gesso, plastica, pietra, che non hanno una superficie lucida. Il primer non è necessario.
Pittura a tempera. Per i suoi meriti, la tempera, insieme all'affresco, godette di grande popolarità nel Medioevo e nel Rinascimento e, a causa dell'intensità del lavoro di quest'ultimo, questi due metodi venivano spesso utilizzati in un'unica opera. A seconda della composizione del legante, la tempera ha maggiore o minore densità e quindi chiude in misura diversa i pori del muro (ma comunque meno dell'olio) ed ha un tono diverso.
La tempera all'uovo e quella alla caseina sono le più adatte per la pittura. Un'antica ricetta per la tempera per dipingere: un uovo intero, vino debole o aceto da tavola (birra, kvas di pane, vino diluito con acqua) in una quantità pari al volume dell'uovo.
Per dipingere le pareti viene utilizzata anche tempera alla caseina di varie composizioni, mentre la tempera contenente una quantità minore di oli e resine è considerata più adatta. Ha un tono più chiaro ed arioso e interferisce in misura minore con la “respirazione” delle pareti.La tempera alla caseina ha un'elevata capacità adesiva, si lega bene alla superficie del materiale su cui viene applicata, quindi necessita di intonaci forti e terreno denso, altrimenti la superficie potrebbe staccarsi.
La vernice viene applicata su intonaco di calce, che può essere costituito da due strati. Il primo comprende sabbia grossolana e calce, il secondo - marmo frantumato (passato attraverso un setaccio fine) e calce; oppure prendi due parti d'alabastro per una parte di calce; oppure l'alabastro è mescolato con marmo frantumato. Il risultato è una superficie liscia e bianca.
Per non preoccuparti dell'intonaco, puoi attaccare una tela con un dipinto finito o una tela bianca per dipingere sul muro. La pittura a tempera eseguita su tela (di tessuto a grana fine di lino o canapa) incollata su intonaco (con una pasta di farina di segale, a cui vengono aggiunte colofonia e alcali, che ne aumentano la collosità), ha una grande resistenza. Se necessario, può essere rimosso dalla parete o dal soffitto e spostato in un altro luogo. La tela a media densità viene preparata una volta con uno spesso strato. Se è necessario ottenere una superficie perfettamente brutta, la tela viene primerizzata da tre a sei volte (con un sottile strato di primer in emulsione di uova o caseina con un piccolo contenuto di olio), quindi il primer viene levigato con tela smeriglio.
Dipinto con colori moderni. Poiché l'interesse per la pittura non svanisce, gli artisti moderni si sforzano di trovare metodi più semplici che non siano inferiori a quelli tradizionali né in termini di qualità né di durata. Un esempio di questo è la pittura ai silicati. In questo caso, come legante per le vernici, viene utilizzato il vetro di una certa composizione (silicato di potassio). Ha la forma di un liquido sciropposo, incolore o colorato, facilmente diluibile con acqua, ed ha capacità adesiva. La tavolozza della pittura ai silicati è identica alla pittura ad affresco. È vero, una volta riparate, le vernici si scuriscono leggermente.
A volte gli artisti utilizzano vernici destinate alla verniciatura di pareti interne: lattice, emulsione in acqua, dispersione in acqua, emulsione in acqua, dispersione acrilica, lattice in acqua, ma più spesso acrilico, per opere artistiche che hanno una vasta gamma di colori. . Questi ultimi non sbiadiscono nel tempo e diventano addirittura più luminosi. A seconda della quantità di solvente o acqua, si ottiene l'effetto della pittura ad olio, tempera o acquerello. A lavoro ultimato l'immagine viene rivestita con vernice acrilica opaca o semilucida, creando uno strato protettivo. Oggi gli artisti, di regola, non scrivono direttamente sui muri, ma usano come base cartone, compensato o un telaio con tela tesa. Tali opere pittoriche potranno essere spostate in un'altra stanza o abitazione in caso di cambio di residenza.
La pittura monumentale è sempre associata all’architettura. Decora le pareti ed i soffitti degli edifici pubblici. In passato dipingevano principalmente templi, ora - palazzi della cultura, stazioni ferroviarie, hotel, sanatori e stadi. Tale pittura deve essere realizzata con materiali durevoli per poter durare per secoli insieme agli edifici. I creatori di murales, raffiguranti eventi storici o scene di vita contemporanea, si sforzano di trasmettere la loro idea del mondo, le idee avanzate del loro tempo. La pittura monumentale coltiva il gusto artistico tra le grandi masse di spettatori.
V.I. Lenin attribuiva grande importanza alla pittura monumentale. Nel 1918, in una conversazione con il commissario popolare per l'Istruzione A.V. Lunacarskij, V.I. Lenin osservò: “Campanella nel suo “Stato soleggiato” dice che sui muri della sua città socialista sono dipinti degli affreschi, che servono come lezione oggettiva di scienze naturali per i giovani, le storie, suscitano senso civico, in una parola, partecipano all'educazione delle nuove generazioni. Mi sembra che questo sia tutt'altro che ingenuo e, con un certo cambiamento, potrebbe essere imparato e attuato da noi adesso...” (Su Campanella, vedi vol. 8 DE, art. “Tommaso Campanella”). Lenin chiamò quest’arte “propaganda monumentale”, sottolineando così il potere d’influenza dell’arte monumentale sulle grandi masse dei lavoratori.
Quali sono i compiti di un muralista?
La pittura monumentale si trova su pareti, soffitti, volte e spesso si sposta da una parete all'altra. Guardano i dipinti mentre si muovono all'interno dell'edificio, a volte anche dalla strada, attraverso le grandi vetrate degli edifici moderni. In altre parole, la pittura monumentale viene percepita in movimento da diversi punti di vista e non deve perdere il suo impatto sullo spettatore.
Un muralista può sviluppare una narrazione complessa nella pittura e può collegare eventi accaduti in luoghi diversi e in tempi diversi. Così, il grande artista italiano Michelangelo dipinse molte scene bibliche sul soffitto della Cappella Sistina a Roma, combinandole in un'unica composizione complessa (1508-1512; vedi ill., p. 132).
La pittura monumentale è apparsa molto tempo fa come abitazione umana. Già sulle pareti delle grotte dove si nascondeva l'uomo primitivo si possono vedere scene di caccia eseguite con sorprendente osservazione o semplicemente immagini di singoli animali (vedi articolo “Arte primitiva”).
Studiando la storia delle culture antiche, incontriamo ovunque monumenti di pittura monumentale. Non solo ci danno piacere artistico, ma ci raccontano anche la vita, la vita quotidiana, il lavoro e le guerre dei popoli dell'antico Egitto, dell'India, della Cina, del Messico e di altri paesi.
L'eruzione del Vesuvio nel 79 ricoprì di cenere la ricca città dell'Impero Romano, Pompei. Ciò ha mantenuto intatti molti dipinti per noi. Alcuni di essi, rimossi dalle pareti, ora decorano un museo di Napoli.
Il secondo periodo di massimo splendore della pittura monumentale in Italia è associato al Rinascimento (secoli XIV-XVI). Gli affreschi di Giotto, Masaccio, Piero della Francesca, Mantegna, Michelangelo, Raffaello e per gli artisti del nostro tempo servono come esempi di abilità artistica (vedi articolo “L'arte del Rinascimento italiano”).
La cultura artistica dell'antica Rus' trovò espressione anche nei monumenti della pittura monumentale. La pittura monumentale arrivò in Rus' da Bisanzio dopo l'adozione del cristianesimo, ma acquisì rapidamente caratteristiche nazionali russe. Nonostante i soggetti dei dipinti fossero di natura religiosa, gli artisti russi raffiguravano le persone che vedevano intorno a loro. I loro santi sono semplici uomini russi e semplici donne russe, questo è l'intero popolo russo nelle sue caratteristiche più nobili. I principali centri della pittura monumentale nella Rus' erano Kiev, Novgorod, Pskov, Vladimir, Mosca e successivamente Yaroslavl (vedi articolo “Antica arte russa”). Ma anche al di fuori di queste grandi città antiche, in monasteri tranquilli e remoti, furono creati anche dipinti interessanti.
Nel lontano monastero di Ferapontov, adagiato sui laghi dell'ex provincia di Vologda, il grande artista russo Dionisio ha creato dipinti che ci deliziano con la musicalità delle forme, la tenerezza e la meravigliosa selezione di colori. Dionisio preparò colori per dipinti da pietre multicolori con cui era cosparsa la riva del lago vicino al monastero.
La pittura monumentale russa deve i suoi risultati più alti ad Andrei Rublev, Dionisio e Teofane il greco. Ma, oltre a questi grandi maestri, decine e centinaia di artisti, i cui nomi sono rimasti sconosciuti, hanno realizzato numerosi murales in Russia, Ucraina, Georgia e Armenia.
Ai nostri giorni, a causa dell'enorme scala della costruzione, sono sorte nuove opportunità per lo sviluppo della pittura monumentale. Gli artisti sovietici V. Favorsky, A. Deineka, E. Lanceray, P. Korin e altri hanno dedicato molta energia creativa a quest'arte.
I dipinti variano a seconda della tecnica di esecuzione: affresco, tempera, mosaico, vetro colorato.
La parola affresco viene spesso utilizzata erroneamente per definire tutta la pittura murale. Questa parola deriva dall'italiano “al fresco” che significa “fresco”, “crudo”. E infatti l'affresco è dipinto su intonaco di calce bagnata. Le vernici - pigmento secco, cioè colorante in polvere - vengono diluite in acqua pulita. Quando l'intonaco asciuga, la calce in esso contenuta rilascia una sottile crosta calcarea. Questa crosta è trasparente, fissa le vernici sottostanti, rendendo il dipinto indelebile e molto durevole. Tali affreschi sono giunti fino a noi attraverso i secoli, poco cambiati.
A volte dipingono su un affresco già asciutto con tempera, colori diluiti in colla d'uovo o di caseina. La tempera è anche un tipo di pittura murale indipendente e molto comune.
Il mosaico è un dipinto realizzato con piccoli pezzi di pietra colorata o vetro colorato opaco, saldati appositamente per la lavorazione del mosaico. Le piastrelle di smalto vengono tagliate a cubetti della dimensione richiesta dall'artista, e da questi cubetti, secondo uno schizzo e un disegno realizzato a grandezza naturale (sul cosiddetto cartone), viene disegnata un'immagine. In precedenza i cubetti venivano posati in intonaco di calce bagnata, ora invece vengono posati in cemento misto a sabbia. Il cemento si indurisce e in esso si fissano saldamente i cubetti di pietra o di smaltino. Gli antichi Greci e Romani conoscevano già i mosaici. Era comune anche nei paesi bizantini, balcanici e in Italia. La città italiana di Ravenna è particolarmente famosa per i suoi mosaici (vedi articolo “L'arte di Bisanzio”).
La Chiesa di S. è famosa per i suoi meravigliosi mosaici. Sofia a Kiev. Sono stati creati nell'XI secolo. insieme ai maestri russi, artisti greci invitati dal principe Yaroslav.
M.V. Lomonosov era un grande appassionato di mosaico. Fondò laboratori di mosaico a San Pietroburgo e stabilì la cucina dello smaltino.
In Unione Sovietica l’antica arte del mosaico sta vivendo una nuova fioritura. I mosaici possono essere visti nelle stazioni della metropolitana di Mosca, sulla facciata del Palazzo dei Pionieri di Mosca, ecc.
Il vetro colorato è costituito da pezzi di vetro colorato trasparente uniti insieme in uno schema mediante saldatura a piombo. Le immagini realizzate in questo modo vengono inserite nelle aperture delle finestre. I vetri colorati trasmettono la luce e si illuminano. La tecnologia moderna consente di produrre vetrate in altri modi.
Le vetrate colorate erano particolarmente diffuse nel Medioevo (vedi articolo “L'arte del Medioevo nell'Europa occidentale e centrale”). Le vetrate colorate possono essere viste in ogni cattedrale gotica.
Tutti questi metodi di pittura monumentale esistono da molto tempo, sono ampiamente utilizzati ai nostri tempi. Si sta sviluppando una nuova tecnica per la pittura monumentale basata su resine sintetiche e altri materiali moderni.
Ministero dell'Istruzione e della Scienza della Federazione Russa
Istituzione educativa di bilancio dello Stato federale di istruzione professionale superiore
"L'UNIVERSITÀ STATALE DI NOVGOROD INSIEME A YAROSLAV IL SAGGIO"
Dipartimento di Design
Arte monumentale e decorativa.
Tipi di MDI.
Abstract sulla disciplina
(“Arte monumentale e decorativa”)
specialità 070601.65 – disegno
specializzazione 070601С – progettazione ambientale
Supervisore:
Sokolova D.V.
Studente del gruppo 7403
Vanjashov I.V.
Velikij Novgorod.
2012
Introduzione………………….….….3
Obiettivi e principi dell'arte monumentale.………..4
Pittura monumentale………………………9
Mosaico…………………..................................................................15
Affresco…………………………………...22
Vetrate …………………………………24
Scultura decorativa e monumentale………………30
Elenco della letteratura utilizzata………….…34
Appendice………………………………………..35
Introduzione.
La storia dell'arte, l'estetica e la filosofia generalmente chiamano monumentalità quella proprietà di un'immagine artistica, che nelle sue caratteristiche è simile alla categoria “sublime”. Il dizionario di Vladimir Dahl dà la seguente definizione alla parola monumentale: "glorioso, famoso, sotto forma di monumento". Le opere dotate di caratteristiche monumentali si distinguono per contenuto ideologico, socialmente significativo o politico, incarnato in una forma plastica maestosa (o maestosa) espressiva su larga scala. La monumentalità è presente in vari tipi e generi di belle arti, ma le sue qualità sono considerate indispensabili per le opere d'arte monumentale vera e propria, in cui è il substrato dell'arte, l'impatto psicologico dominante sullo spettatore. Allo stesso tempo, non si dovrebbe identificare il concetto di monumentalità con le stesse opere d'arte monumentali, poiché non tutto ciò che è stato creato entro i limiti nominali di questo tipo di figuratività e decoratività porta le caratteristiche e possiede le qualità della vera monumentalità.
Compiti e principi dell'arte monumentale.
Le opere d'arte monumentale, entrando in sintesi con l'architettura e il paesaggio, diventano un'importante dominante plastica o semantica dell'insieme e dell'area. Gli elementi figurativi e tematici di facciate e interni, monumenti o composizioni spaziali sono tradizionalmente dedicati o, con le loro caratteristiche stilistiche, riflettono le tendenze ideologiche e sociali moderne e incarnano concetti filosofici. Di solito, le opere d'arte monumentali hanno lo scopo di perpetuare figure eccezionali ed eventi storici significativi, ma i loro temi e il loro orientamento stilistico sono direttamente correlati al clima sociale generale e all'atmosfera prevalente nella vita pubblica.
Il desiderio di catturare simbolicamente fenomeni e idee sublimi e universalmente significativi determina e detta la maestosità e il significato delle forme delle opere, le corrispondenti tecniche compositive e i principi di generalizzazione dei dettagli o la misura della sua espressività. Le singole opere svolgono un ruolo di servizio rispetto alle strutture architettoniche, essendo di accompagnamento, esaltandone l'espressività della loro struttura generale e delle caratteristiche compositive. Una certa dipendenza funzionale di una serie di tipi consolidati di arte monumentale, il loro ruolo ausiliario, espresso nella risoluzione dei problemi di organizzazione decorativa delle pareti, di vari elementi architettonici, facciate e soffitti, insiemi di giardini e parchi o del paesaggio stesso, quando le opere destinate questi sono dotati di qualità architettoniche e ornamentali o proprietà di estetizzazione organizzativa, si riflette nella loro attribuzione a arte monumentale e decorativa. Tuttavia, tra queste varietà di arte monumentale non esiste una linea netta che le separi l'una dall'altra. Una delle caratteristiche principali dell'arte monumentale, che ha le qualità sopra menzionate, sono le forme o dinamiche rigorose e generalizzate, commisurate al contenuto. è che, nella maggior parte dei casi, sono realizzati con materiali durevoli.
L'arte monumentale acquisisce un significato particolare durante i periodi di trasformazioni socio-politiche globali, durante i periodi di impennata sociale, fioritura intellettuale e culturale, che dipendono dalla stabilità dello sviluppo nazionale, quando la creatività è chiamata ad esprimere le idee più rilevanti. Numerosi esempi di ciò sono forniti dall'arte primitiva, rupestre, rituale (strutture megalitiche e oscure), dall'arte del mondo antico in generale e dagli esempi più espressivi dell'arte monumentale dell'Antica India, dell'Antico Egitto e dell'Antichità, opere di tradizioni culturali del Nuovo Mondo. Il cambiamento degli atteggiamenti religiosi e le trasformazioni sociali apportano i propri adeguamenti alle tendenze che si riflettono vividamente nell'arte monumentale. Ciò dimostra bene la storia dell'arte del Medioevo e del Rinascimento. In Russia, come in altri stati, è stata osservata anche una dipendenza ciclica simile, rappresentata da opere monumentali del Medioevo: cattedrali di antiche città russe che conservavano affreschi, mosaici, iconostasi e decorazioni scultoree, sculture dell'epoca di Pietro il Grande al periodo di trasformazioni politiche iniziato nel primo quarto del XX secolo, quando il monumentalismo cominciò ad essere utilizzato per scopi ideologici e propagandistici. Il grado di giustificazione del dramma, l'adeguatezza della motivazione del pathos o del pathos dogmatico, l'“assortimento” tematico, alla fine, sono inevitabilmente impressi anche nelle opere d'arte monumentali.
I periodi turbolenti sono accompagnati da temi meschini, che toccano non solo il genere tematicamente universale scultura da giardino, dove è accettabile la presenza di un principio “letterario”, ma anche sulla plastica in un ambiente urbano rigoroso, stilisticamente coerente, che distrugge l'unità organica di quest'ultimo riempiendo il suo ambiente di mestieri decorativi eclettici, di soggetti sentimentali, moltiplicando gli esempi del genere animalesco provinciale, strutturalmente vicino alla plastica su piccola scala, dubbioso non solo in termini di gusto, ma anche in termini di qualità prestazionali professionali; una reazione naturale a tali manifestazioni è un ritorno al tradizionalismo formale, la necessità di “rianimare” un eroe culturale e rivolgersi a un nuovo tema pseudo-epico. il che è complicato dall'assenza di segni dell '"ordine sociale" dell'era formativa... L'arte monumentale, per suo scopo, non può seguire i gusti del pubblico, volendo accontentarlo, è progettata per coltivare la comprensione dell'armonia e alta bellezza; allo stesso tempo, il muralista deve essere in grado di resistere alle richieste della minoranza sociale “d’élite”. Insulsi “decorativismi” ed esempi inarticolati di arte figurativa, poco convincenti sotto ogni aspetto, non portano altro che sconforto in qualsiasi ambiente. Ecco un esempio molto indicativo di modernismo, uno stile per il quale sia formalmente che ideologicamente l'esperienza è controindicata per la presenza nell'arte monumentale (tranne in alcuni casi, una composizione complessiva puramente “moderna”). e ora - come accentuazione stilistica all'interno del concetto di progetto speciale o “scenario”, opportunità ricostruttiva. I periodi intermedi della ricerca dello stile sono periodi di eclettismo e ricostruttivo pseudo e falso classico, “pseudo-gotico”, “pseudo-russo”, pomposo “borghese” e mercantile “a motivi”. L'assenza di una rigida determinazione e, di conseguenza, di una delimitazione categorica dell'arte monumentale e monumentale-decorativa dipende direttamente dalla loro evidente influenza e compenetrazione reciproca.
Allo stesso tempo, ci sono, ad esempio, aree abbastanza produttive arte cinetica monumentale, le cui opere sono ugualmente appropriate nel paesaggio e nell'ambiente dell'architettura moderna, quando è giustificata una deviazione dalle esigenze statuarie dell'insieme della città vecchia, costringendo l'artista a lasciarsi guidare non solo dal tatto e dall'atteggiamento premuroso nei confronti della legittimità dell'installazione nello spazio esistente compositivamente completo, ma anche di obbedire a quello formato da lui volume costante. Ma composizioni di vari gradi di arte convenzionale, dotate di segni reali di contenuto plastico e persuasività, ricevono e addirittura vincono il diritto di esistere in quasi tutti gli ensemble. Anche un prodotto della controcultura, e anche sotto forma di antitesi, può entrare attivamente e persino invadere l'ambiente di qualsiasi stile realizzato e completato nel tempo, esaurito nel suo sviluppo, ma solo se è veramente un'opera, e un'arte veramente monumentale. . L’arte anticipa il cambiamento delle epoche.
Le esigenze dell'arte monumentale, sviluppate nel corso dei secoli, si presentano a caratteristiche plastiche generali in armonia con la componente contenutistica. I criteri per comprendere la valutazione retrospettiva di un oggetto in tutti i suoi aspetti obbligano non solo a seguire un'adeguata comprensione del futuro dell'opera, ma anche a trovare forme praticabili equivalenti.
Comprenderlo è estremamente difficile anche per gli specialisti. Nell’arte vale la domanda “come?”; ci sono principi, proporzioni e tecniche, ma la domanda “cosa?” non ha diritto di esistere. (con una sola eccezione: l'ordine morale), non esistono standard rigidi al riguardo. La preferenza non è sempre ovvia e la “soluzione unica” che attualmente sembra accettabile non è sempre giustificata. Non è sempre possibile rispondere in modo inequivocabile alla domanda sul destino futuro di un'opera, e la sua presenza in un particolare ambiente non può essere un'alternativa solo a una specifica corrispondenza semantica o stilizzazione. Ogni affermazione può essere contrastata con argomenti sufficientemente convincenti; ogni tentativo di classificazione può essere carico di contraddizioni e avere eccezioni. L'esperienza storica mostra che il percorso protettivo e restrittivo dell'intervento ideologico in questioni di appartenenza puramente professionale è il meno efficace ed è irto di stagnazione. E l’arte monumentale, per il suo potere di influenza e accessibilità, però, come ogni creatività, dovrebbe essere esente da questa qualificazione. Ma l'ideale è così proclamato, e finché esisteranno lo stato e il denaro, esisteranno l'ideologia e l'ordine: l'arte monumentale dipende direttamente da loro.
Il dipinto è monumentale.
Dipinto monumentale- un tipo di pittura legata all'arte monumentale e decorativa. La pittura monumentale comprende opere direttamente correlate alle strutture architettoniche, collocate su pareti, soffitti, volte, meno spesso su pavimenti, nonché tutti i tipi di dipinti su intonaco: affresco, encausto, tempera, pittura ad olio (o pittura su qualche altro legante), mosaici, pannelli dipinti su tela, appositamente adattati per un luogo specifico in architettura, nonché vetrate, sgraffiti, maioliche e altre forme di decorazione pittorica planare in architettura.
L'arte monumentale si sviluppa particolarmente attivamente quando la cultura artistica dell'epoca è intrisa di un pronunciato pathos di affermazione di valori sociali positivi. Le origini della pittura monumentale risalgono alla società primitiva. Menhir, statue di culto e pitture rupestri incarnavano le idee dell'uomo primitivo sulla potenza delle forze della natura e rafforzavano le sue capacità lavorative. Con l'avvento delle classi, i rapporti sociali divennero decisivi per l'arte monumentale. I principi di monumentalità e staticità che dominavano l'arte dell'antico Egitto, nelle condizioni di una società proprietaria di schiavi, avrebbero dovuto contribuire all'affermazione dell'idea dell'inviolabilità del sistema sociale e della divinizzazione della personalità del sovrano (la cosiddetta Grande Sfinge di Giza, ma in una forma storicamente determinata incarnavano anche idee sul potere della mente umana, la vittoria del collettivo umano sulle forze della natura). Durante il periodo di massimo splendore dell'antica democrazia greca proprietaria degli schiavi, furono create opere d'arte monumentali (l'arredamento scultoreo del Partenone ateniese), intrise di fede nella bellezza e nella dignità dell'uomo, che in forme veritiere incarnavano gli ideali umanistici dell'antica Grecia polis. L'intera struttura artistica della cattedrale gotica, la sua decorazione pittorica e scultorea esprimeva non solo le idee di gerarchia sociale ed ecclesiastica generate dal sistema feudale, l'intero sistema della visione del mondo religioso-dogmatica medievale, ma anche la crescente autocoscienza del città, il pathos lavorativo del collettivo del comune cittadino (decorazione scultorea delle cattedrali di Reims, Chartres, Naumburg, ecc.). L'impennata spirituale nazionale durante l'era dell'Alto Rinascimento in Italia (fine del XV - primo terzo del XVI secolo) si espresse con tutta la sua forza in opere d'arte monumentali caratterizzate dall'ampiezza del suono pubblico, piene di titanico potere e dramma intenso.
Cattedrale di Reims.
In base alla natura del contenuto e alla struttura figurativa, viene fatta una distinzione tra opere di pittura che hanno le qualità della monumentalità, che sono la caratteristica dominante più importante dell'insieme architettonico, e dipinti monumentali e decorativi che decorano solo la superficie delle pareti , soffitti e facciate, che sembrano “dissolversi” nell’architettura. La pittura monumentale è anche chiamata pittura monumentale-decorativa, o decorazione pittorica, che sottolinea lo speciale scopo decorativo dei dipinti. A seconda della loro funzione, le opere di pittura monumentale sono progettate in modo volumetrico-spaziale o planare-decorativo.
La pittura monumentale acquisisce integrità e completezza solo in interazione con tutti i componenti dell'insieme architettonico.
Le decorazioni murali più antiche conosciute sono immagini di animali incise nelle grotte della Dordogna in Francia e dei Pirenei meridionali in Spagna. Probabilmente furono creati dai Cro-Magnon tra il 25 e il 16 mila a.C. Sono ampiamente conosciute le pitture rupestri di Altamira (Spagna) e gli esempi più avanzati di quest'arte del tardo Paleolitico nella grotta di La Madeleine (Francia).
Pitture rupestri di Altamira.
Immagini di animali del Paleolitico superiore provenienti dalla grotta La Madeleine. Francia.
Pitture murali esistevano nell'Egitto predinastico (V-IV millennio aC), ad esempio nelle tombe di Hierakonpolis (Hierakonpolis); In questi dipinti è già evidente la tendenza degli egiziani a stilizzare le figure umane. Durante l'era dell'Antico Regno (3–2 mila a.C.) si formarono i tratti caratteristici dell'arte egizia e furono creati molti bellissimi dipinti murali. In Mesopotamia sono sopravvissuti pochi dipinti murali, a causa della fragilità dei materiali da costruzione utilizzati. Sono note immagini figurative che riflettono una certa tendenza al realismo nella rappresentazione della natura, ma gli ornamenti sono più tipici della Mesopotamia.
Nel 2mila a.C. Creta diventa un intermediario culturale tra Egitto e Grecia. A Cnosso e in altri palazzi dell'isola sono stati conservati molti frammenti di magnifici affreschi, eseguiti con vivo realismo, che distinguono notevolmente quest'arte dalla ieratica pittura egiziana. Nella Grecia dei periodi prearcaico e arcaico la pittura murale continuò ad esistere, ma di essa quasi nulla è sopravvissuto. La fioritura di questo genere in epoca classica è testimoniata da numerosi riferimenti nelle fonti scritte; Particolarmente famosi erano i dipinti di Polignoto nei Propilei dell'acropoli ateniese. Bellissimi esempi di pittura monumentale dell'antica Roma furono conservati sotto uno strato di cenere sui muri delle case nelle città di Pompei, Ercolano e Stabia, distrutte dall'eruzione del Vesuvio nel 79, così come a Roma. Si tratta di composizioni policrome con una varietà di soggetti, dai motivi architettonici ai complessi cicli mitologici, ad esempio l'affresco di Ulisse nel paese dei Lestrigoni dalla casa sull'Esquilino a Roma; in tali composizioni si può vedere l’eccellente conoscenza della natura da parte dell’artista e la capacità di trasmetterla.
Nel periodo paleocristiano (III-VI secolo) e nel Medioevo la pittura monumentale era una delle principali forme d'arte. Durante questo periodo, gli affreschi decorarono le pareti e le volte delle catacombe, e poi le pitture murali e i mosaici divennero i principali tipi di decorazione monumentale dei templi sia nell'Impero Romano d'Occidente (fino al 476), sia a Bisanzio (IV-XV secolo) e altri paesi dell’Est Europa. Nel Medioevo in Europa occidentale le chiese erano decorate prevalentemente con affreschi o pitture su intonaco secco; i mosaici continuarono ad esistere anche in Italia. Nei dipinti di stile romanico (XI-XII secolo), a differenza della pittura classica e rinascimentale, non c'è interesse per la modellazione plastica del volume e il trasferimento dello spazio; sono piatti, convenzionali e non si sforzano affatto di riprodurre accuratamente il mondo che li circonda.
La modellazione plastica appare di nuovo nelle opere dei maestri italiani della fine del XIII e dell'inizio del XIV secolo, in particolare Giotto. In Italia durante il Rinascimento l'affresco divenne insolitamente diffuso. Nelle loro opere, gli artisti di quest'epoca cercavano di ottenere la massima somiglianza con la realtà; Erano principalmente interessati a trasmettere volume e spazio.
Anche gli artisti dell'Alto Rinascimento iniziarono a sperimentare tecniche pittoriche. Così, la composizione dell'Ultima Cena di Leonardo da Vinci nel refettorio del monastero di Santa Maria delle Grazie a Milano è stata dipinta ad olio su una superficie murale mal preparata. Tuttavia, ha sofferto molto nel corso del tempo e si è rivelato quasi indistinguibile sotto lo strato di aggiornamenti successivi. Nei secoli XVI-XVIII. nella pittura monumentale italiana c'è un crescente desiderio di sfarzo, decoratività e illusionismo.
Nel 19 ° secolo i dipinti murali erano spesso usati per decorare gli edifici pubblici sia in Europa che in America. Nel 20 ° secolo la pittura monumentale e decorativa conobbe una nuova ascesa grazie al lavoro degli artisti messicani D. Rivera, J. Orozco e D. Siqueiros.
Mosaico
Il mosaico (mosaico francese, mosaico italiano dal latino (opus) musivum - (opera) dedicato alle muse) è un'arte decorativa, applicata e monumentale di vari generi, le cui opere comportano la formazione di un'immagine attraverso la disposizione, la digitazione e il fissaggio su una superficie (di solito - su un piano) pietre multicolori, smalto, piastrelle di ceramica e altri materiali.
Storia del mosaico
La storia dei mosaici risale alla seconda metà. IV millennio a.C e. - l'epoca a cui è datata la costruzione dei palazzi e dei templi delle città sumere della Mesopotamia: Uruk, Ur, Eridu.
Mosaico a cono. Uruk. Mesopotamia. 3mila AVANTI CRISTO e.
Il mosaico era realizzato con bastoncini di cono di argilla cotta lunghi 8-10 cm e con un diametro di 1,8 cm, adagiati su una soluzione di argilla. L'immagine era formata dalle estremità di questi coni, che erano dipinte, solitamente in rosso, nero e bianco. Sono stati utilizzati motivi geometrici: rombo, triangolo, zigzag.
Un primo esempio della tecnica dell'intarsio o della tecnica musiva chiamata nell'antichità opus sectile, poi sviluppatasi nella tecnica del mosaico fiorentino, può essere considerato un manufatto convenzionalmente chiamato “Stendardo di Ur” (2600-2400 a.C.). Entro l'VIII secolo a.C. e. includono i primi esempi dell'uso della tecnica musiva realizzata con ciottoli non lavorati, che costituì una delle fasi nello sviluppo delle tecniche musive e, alla fine, fu chiamata in modo dispregiativo dai Romani opus barbaricum. Gli scavi hanno rivelato i pavimenti di ciottoli decorati di Altyn Tepe (Anatolia orientale) e il palazzo di Arslan-tash (Assiria), ma il monumento più ricco sono i mosaici di ciottoli di Gordion.
Gordio. VIII secolo AVANTI CRISTO e. Negli anni '90 i mosaici furono parzialmente smontati e trasportati al museo. Foto moderna.
I primi mosaici antichi realizzati con ciottoli non trattati furono ritrovati a Corinto e risalivano alla fine. V secolo AVANTI CRISTO e. Si tratta di immagini di contorno di persone, animali, creature mitologiche, decorate con motivi geometrici e floreali, solitamente realizzate in bianco su nero, stilisticamente vicine alla pittura vascolare a figure rosse. Esempi simili del IV secolo. AVANTI CRISTO. si trova anche a Olinto, Sicione ed Eretria. Un passo importante verso il realismo fu compiuto nei mosaici di Pella (fine IV secolo aC).
Nell'antica Roma i mosaici venivano utilizzati per rivestire pavimenti e pareti di ville, palazzi e terme. I mosaici romani erano realizzati con piccoli cubetti di vetro molto denso: smalto, ma l'uso di piccole pietre e ciottoli non era raro.
L'era dell'Impero bizantino può essere considerata la massima fioritura dell'arte musiva. I mosaici bizantini diventano più raffinati, vengono utilizzati moduli più piccoli di pietre e murature delicate, lo sfondo delle immagini diventa prevalentemente dorato.
Mosaico bizantino
I mosaici erano molto utilizzati nella decorazione dei palazzi dei sovrani d'Oriente. Il Palazzo degli Sheki Khan è un'opera eccezionale di architettura medievale in Azerbaigian. Se non ci fossero altri edifici antichi dell'Azerbaigian, basterebbe mostrare al mondo intero solo il Palazzo degli Sheki Khan.
Il Palazzo degli Sheki Khan, considerato uno dei monumenti architettonici di valore del XVIII secolo in Azerbaigian, fu costruito nel 1762 da Guseikhan. Il palazzo, che un tempo faceva parte di un complesso di edifici del palazzo e fungeva da residenza degli Sheki khan, è un edificio a due piani. La facciata del palazzo è costituita da telai a traliccio sollevati con una serie di shebeke, piccoli bicchieri multicolori. Il design multicolore dello shebeke si abbina in modo colorato ai dipinti che ricoprono le pareti del palazzo.
Palazzo di Sheki Khan
Nella seconda metà del XVIII secolo, l'arte della pittura, direttamente correlata all'architettura e all'edilizia, raggiunse un alto livello di sviluppo nello Sheki Khanate. Tutte le strutture architettoniche significative della città di Sheki erano riccamente decorate con pitture murali, che era la tecnica pittorica più popolare a quel tempo. La prova di ciò sono esempi di dipinti del palazzo degli Sheki khan, che sono sopravvissuti fino ad oggi e non hanno perso la loro espressività artistica.
I dipinti murali erano dedicati a vari temi: scene di caccia di animali selvatici, battaglie, motivi floreali e geometrici, disegni basati sui "Khamsa" (Cinque), il brillante poeta azerbaigiano Nizami Ganjavi, scene di vita di palazzo, schizzi quotidiani di vita contadina , ecc. d. I colori principali utilizzati erano blu, rosso, oro e giallo. Il nome del talentuoso pittore Abbas Quli è criptato sul soffitto della sala nel palazzo degli Sheki khan. Va notato che le mura del palazzo sono state restaurate più di una volta, e quindi qui si possono trovare dipinti realizzati da maestri vissuti in tempi diversi. Palazzo di Sheki Khan (Azerbaigian)
Mosaico in Russia
Nella Rus' i mosaici apparvero con l'adozione del cristianesimo, ma non si diffusero a causa dell'alto costo del materiale importato da Costantinopoli.
I mosaici di M. V. Lomonosov fanno parte dell'attività dello scienziato, che combina la promozione di due aree importanti e strettamente correlate del suo lavoro: lo sviluppo della scienza del vetro da lui fondata, qui applicata, messa al servizio di un tipo speciale di produzione del vetro - fusione, il cosiddetto vetro solido, smaltino - un materiale sorprendentemente bello adatto a scopi artistici - creazione di una varietà di opere di mosaico - in questo caso, la direzione principale, che implica la soddisfazione di una gamma abbastanza ampia di interessi e bisogni - da oggetti utilitari (perline, piani di composizione, accessori, decorazioni di mobili e piccole forme architettoniche, elementi interni).
Il primo mosaico di M. V. Lomonosov.
L'indomabile energia e determinazione dello scienziato contribuirono al fatto che le sue aspirazioni erano destinate a diventare realtà: in uno speciale ampliamento della sua casa sull'isola Vasilievskij, fu aperto un laboratorio per una serie di dipinti a mosaico, e in esso iniziò le lezioni con il suo primo studenti - mosaicisti Matvey Vasilyevich Vasiliev e Efim Tikhonovich Melnikov. E lo stesso M.V. Lomonosov fu la prima persona in Russia che iniziò a padroneggiare la tecnica della dattilografia a mosaico dalla propria esperienza e con le proprie mani. Dimostra le proprietà di un inconfondibile estro artistico, il nobile pathos dei suoi piani. Avendo una visione sobria dell'arte, M.V. Lomonosov nel più breve tempo possibile divenne il leader di un gruppo di artisti che divennero famosi per aver creato dipinti a mosaico di prima classe, le loro qualità paragonabili con i migliori dipinti a opere d'arte indipendenti - "dipinti a mosaico" e pannelli monumentali, facendo rivivere questo dimenticato artigianato e arte.