L'Olanda ci ha regalato un numero enorme dei più famosi, i più grandi artisti della storia dell'arte. Olanda e Fiandre XV - XVII secolo. era un vero e proprio terreno fertile per i pittori. Ora li conosciamo come grandi artisti olandesi, grandi artisti olandesi e fiamminghi. Ce ne sono così tanti che è difficile elencarli anche in forma scritta. Ogni museo che si rispetti ritiene suo dovere acquistare tele di artisti del passato, provenienti da questi luoghi, per la mostra. Possiamo dire che sono diventati i fondatori di molti generi di pittura, hanno sviluppato speciali tecniche di imaging, che vengono utilizzate anche ai nostri tempi. La scuola di pittura olandese era una delle più forti d'Europa. Ecco solo alcuni dei nomi conosciuti in tutto il mondo e che anche chi non è affatto interessato alla pittura mondiale conosce: la famiglia Brueghel, Jan Vermeer, Pieter de Hooch, Hugo van der Goes, Paulus Potter, Adrian Brouwer, Jan van Eyck e tanti, tanti altri. È persino difficile immaginare come sarebbe stata l'arte della pittura e della grafica se non ci fosse stato questo strato ricco di artisti nella storia dell'umanità.
Adrian van Ostade. Pescivendola
Hieronymus Bosch. Tentazione di Sant'Antonio
Paolo Potter. giovane toro
Pietro de Hooch. Cortile a Delft
Pietro Clas. Natura morta con granchio
Rembrandt. La Guardia notturna
Frans Hals. Zingaro
Hugo van der Goes. autunno
Jan Vermer. Mezzana
Pieter Brueghel il Vecchio. Cacciatori nella neve
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La religione principale è il protestantesimo. Gli olandesi iniziarono a creare un ritratto dell'Olanda. Questi sono i ritratti dei loro vincitori di guerra, sono apparsi paesaggi, nature morte, generi o dipinti di tutti i giorni. Questi sono dipinti con una composizione in bianco e nero dell'era barocca. Per la prima volta qui appare la specializzazione degli artisti. Apparvero solo maestri della natura morta o del paesaggio. 12 tipi di paesaggio: urbano, mare, dune, cascate, paesaggio forestale. All'inizio dell'arte olandese, il ritratto diventa la direzione principale. Nella prima metà del XVII secolo, il più grande ritrattista olandese è Frans Hals.
Il lavoro di Frans Hals.
Nato nel 1574 ad Anwarpan. Poi la sua famiglia si trasferisce ad Haarlem. Lì ha studiato con l'artista Van Mander. Van Mander ha prodotto biografie di importanti artisti olandesi. Frans Hals è riuscito a fare un'intera rivoluzione nel ritratto. Hals apporta dinamicità ai ritratti. "Il banchetto degli ufficiali della compagnia di San Giorgio" - il primo lavoro che gli ha portato popolarità. Hals raffigura ufficiali durante una baldoria, ogni ufficiale è raffigurato a sua volta. L'immagine è una diagonale attiva. Tutto è costruito sul principio dell'asimmetria. È attivo a colori.
Hals dipinge i suoi ritratti molto velocemente, usando una pennellata aperta e dinamica. "Zingaro". Il nome è molto condizionale. " Mali Babà»- aprire uno striscio fortemente abbandonato. In questo momento, in quasi tutte le opere di Hals, tutti i suoi personaggi sorridono. "Cavaliere sorridente"
Le dinamiche nel ritratto sono particolarmente attive. William van Geith Geisen. Non è stato conservato un solo disegno di Hals. Molto probabilmente ha dipinto i suoi ritratti senza disegno e ha dipinto molto velocemente.
Hals ha dipinto Van Dyck in due ore. Van Dyck lo invitò ad andare con lui in Inghilterra.
Buon compagno. Scritto nello stesso modo veloce e dinamico in cui Hals amava scrivere.
Hals ha anche dipinto ritratti seri: "Ritratto di Peter Van Den Broke", un ritratto su misura, così scrive in dettaglio Hals, un ritratto molto sobrio e conciso Renato Cartesio. Ritratto di famiglia, il paesaggio è stato dipinto per lui da Peter Moleyn. Ritratto femminile - ritratto molto espressivo di Hals. Ritratto Isaac Masa e sua moglie - ritratto del suo amico.
All'età di 30 anni dipinse un quadro ritratto degli ufficiali della compagnia di Sant'Andriano. Ogni figura ha il proprio turno e il proprio movimento. Negli anni '40, la pittura di Hals cambia radicalmente. In questo momento, il ritratto di Van Dyck è diventato di moda. Ritratti 40-50 anni - ritratti con predominanza del nero. Di loro ritratto del Reggente di una casa di cura. Ci sono 27 sfumature di nero in questo ritratto. Una delle ultime opere di Hals - Amministratori della casa di cura. Sorge l'immagine della vecchiaia. Il decadimento della carne trasmette nel ritratto. In modo completamente diverso, dipinge un ritratto Reggenti dell'ospedale di Sant'Elisabetta. Il ritratto mostra chiaramente la selezione di un triangolo di figure, ogni faccia è chiaramente visibile. Durante la sua vita, Hals ha creato più di 200 dipinti. C'è un museo ad Haarlem. Quasi tutto il loro lavoro è raccolto lì.
L'opera di Rembrandt van Rijn.
Questo è uno dei grandi artisti del XVII secolo. Nato nel 1606 nella famiglia di un mugnaio nella città di Leida. Il ragazzo era originariamente molto dotato. Rembrandt studia per qualche tempo all'università. Aveva 14 anni quando sentì la vocazione alla pittura e lasciò l'università. Affitta un fienile sulla riva del fiume e crea la sua scuola all'età di 16 anni. Artisti come Doe studiano nella sua scuola. Le prime opere che hanno scritto - Esilio, mercanti dal tempio. Nelle sue prime opere parla di appartenenza al barocco. L'opera ha una composizione diagonale, una composizione luce-ombra. A Leiden, il suo autoritratto è stato dipinto. Lavoro di trama insolito. In questo momento arriva il ministro olandese e acquista diverse opere di Rembrandt. Rembrandt lascia Leidan e parte per Amsterdam, dove entra nello studio dell'artista Lastman. Una luce irreale appare nelle opere. Ciò è particolarmente evidente nella foto L'incredulità di Tommaso . Ad Amsterdam riceve la prima commissione per un ritratto di gruppo. – Anatomia del dottor Tulip . Qui ha dipinto un quadro Il sacrificio di Abramo. Il profeta Geremia tra le rovine di Gerusalemme. Nel dipinto la testa del santo irradia luce. Il suo successo nella pittura lo ha portato a sposare Sasky Van Elenburg. Rembrandt acquista un palazzo ad Amsterdam. Autoritratto con Sasuke in grembo. Sasaki con un fiore. Nello stesso anno in cui Sasky si ammala, Rembrandt riceve un ordine per un ritratto di gruppo della compagnia del Capitano Kok... La Guardia notturna. Raffigura l'uscita dei tiratori agli esercizi. Il dipinto è un capolavoro di Rembrandt degli anni '40. L'immagine è costruita sulla subordinazione. È iniziata una lunga causa per i debiti di Rembrandt. L'addio di David a Jonathan scritto nello stesso anno di Visione notturna. Il dipinto fu acquistato da Pietro il Grande e divenne uno dei primi dipinti dell'Ermitage.
Danae.
La serva di Rembrandt, Hendricke, divenne un'assistente affidabile. Diventerà la seconda moglie di Rembrandt. nel quadro Sacra famiglia con angeli in questa immagine ci sono due diagonali luminose, l'immagine è permeata di luce calda. Hendrick appare in un ritratto - Hendrick alla finestra, Donna al bagno, Versaviya, nella storia del quadro c'è la storia di David e Versavia.
Davide e Uria La luce gioca un ruolo enorme nella foto.
Ritratto di Jan Six. Tutta l'attenzione è focalizzata sul viso.
Congiura di Claudio Civilis. Questo è l'unico dipinto della storia degli olandesi di Rembrandt. .
Ritratto di un uomo anziano in rosso. Biografia del ritratto. Un ritratto nel tempo.
Ritratto di un vecchio ebreo. In questo ritratto vengono evidenziate solo le cose principali: il viso e le mani.
Ritratto di una donna anziana. In questo ritratto, le transizioni più sottili dalla luce all'ombra.
Ritratto che legge Tito.
Ritratto del poeta Decker.
Asur, Haman, Isfir. L'opera principale degli ultimi dipinti di Rembrandt. L'immagine si basa su una soluzione di illuminazione molto complessa.
Rembrandt dipinge una ripetizione di questo quadro Haman chiede perdono a Isfir.
Rembrandt riceve un ordine per un ritratto di gruppo - Sindaci.
Sposa ebrea. Il tema dell'amore è il tema principale di questa immagine. Questo è il dipinto preferito di Van Gogh e Soutine.
Ritratto di famiglia. Ritratto di gruppo. Un ritratto immaginario della sua famiglia.
Due autoritratti.
Nel 66-68, Rembrandt dipinge un quadro Ritorno del figliol prodigo che conclude il suo lavoro.
Simone nel tempio. Il suo ultimo dipinto.
Rembrandt muore nel 1669. Ha avuto molti allievi: Gerard Dou, Fabricius, Gelder uno degli ultimi allievi di Rembrandt. La sua scuola è esistita fino alla fine del XVII secolo.
Argomenti per il credito:
rinascita tedesca.
barocco italiano. Architettura barocca. Lorenzo Bernini, Francesco Boromini e Carlo Moderno. Scultura del Bernini. Due pittori Caravaggio e Anibali Karachi. Rubens. Van Dick. Giordani. Snyder. Brouwer.
Paesaggio olandese del XVII secolo.
Jan Fan Goyen.
È caratterizzato da paesaggi fluviali.
Mulino vicino al fiume tipico paesaggio olandese.
Paesaggio fluviale.
Quasi sempre nelle sue opere la luce del cielo si riflette a terra.
Salomon Reisdael
Dipinse paesaggi mattutini.
Paesaggio con carro paesaggio caratteristico per questo pittore.
Traversata in traghetto. mattina ventosa
Ha allevato uno dei principali artisti del XVII secolo, Jacob Reizad.
Jacob Reisdael.
Veduta di Edmondo. La luce nel cielo, il paesaggio ritmico, il campanile verticale corrisponde esattamente al formato verticale.
Jacob ha dipinto tutti i 12 tipi di paesaggio e ne ha creati diversi tipi lui stesso.
Reisadl era un grande maestro del paesaggio forestale.
Già i contemporanei hanno notato che Reisdal è uno psicologo della foresta. Ogni albero ha il suo ritratto Scrive una biografia dell'albero.
Paesaggio forestale.
Lago tra gli alberi. In primo piano c'è un albero caduto, accanto c'è un albero secco, e nelle profondità ci sono giovani betulle. Esistono diverse età degli alberi. Trasferisce questa tecnica in una serie di dipinti:
Fiume nella foresta
bosco di querce
Pantano
paesaggio forestale
Strada
Paesaggio panoramico: Beintheir Castle, paesaggio con rovine del castello e chiesa.
Mulino a Vecchia. Il paesaggio principale di Reisdal. Reisdael allarga deliberatamente il mulino. Questo paesaggio è uno dei simboli dell'Olanda.
Le tre opere principali di Holland: Ronda di notte, Mulino in Vecca, veduta della città di Delta.
Due dipinti con lo stesso titolo: cimitero ebraico. Disegno immaginario. Trasmette lo stato durante un temporale. In primo piano c'è un albero secco, ma ancora vivo. Un ruscello che scorre è un simbolo della vita che scorre veloce. L'albero è raffigurato sullo sfondo di un albero vivace e rigoglioso. In primo piano c'è una lapide con un ritratto dell'artista stesso e la firma di Reisdal. Nelle profondità vediamo un tempio quasi distrutto e allo stesso tempo vediamo come appare un arcobaleno dopo un temporale, un simbolo di speranza. Il colpo di luce centrale è un monumento. L'immagine ha una ripetizione, crea un significato ancora più nitido della vita e della morte. La seconda immagine porta una grande oscurità, il contrasto tra legno secco e verde è rappresentato in modo molto nitido. La lastra con il ritratto di Reisdael riappare e il tempio ha cambiato aspetto, come una creatura dalle enormi orbite, l'immagine di un mondo morente. Reisdael è considerato il creatore panorama filosofico.
Reisdael dipinse paesaggi invernali come: Paesaggio invernale, inverno che affronta il tema della solitudine. Reisdal è l'autore del paesaggio-mood.
Fu anche un maestro della pittura marina: Tempesta sul mare, costa del mare.
Era un maestro del paesaggio urbano: Vista di Amsterdam con il fiume Amstel, Vista di Haarlem ( vista della sua città natale).
Negli ultimi anni, Reisdael ha dipinto molti paesaggi raffiguranti cascate: Paesaggio roccioso con una cascata, una cascata in Norvegia, una cascata.
Due mulini- un paesaggio insolito, un mulino è chiaramente visibile e il secondo si trova nelle profondità.
Paesaggio di montagna con una barca a vela uno degli ultimi lavori di Reisdael. In quest'opera riassume la sua vita. Questo è un paesaggio poetico e lirico.
Il lavoro di Mendet Hobeme.
Era uno studente di Reisdael.
Middel vicolo a Harls. Fu il primo a dipingere paesaggi dalla natura. A volte dipingeva paesaggi da disegni di paesaggi.
Era popolare in Inghilterra e ha contribuito all'emergere del paesaggio inglese. Thomas Gensbra, Turner, John Constable si affidarono al lavoro di Hobeme e Reisdael.
Il più grande maestro del paesaggio realistico. Oltre al paesaggio inglese, si manifestò ampiamente l'inizio del paesaggio nazionale francese.
Domande sui biglietti:
L'opera di Rembrandt.
Nel XVII secolo, la scuola di pittura olandese divenne una delle principali in Europa. Fu qui, per la prima volta nella storia dell'arte mondiale, che gli oggetti della realtà circostante si rivelarono fonte di ispirazione creativa e progettuale artistica. Nell'arte olandese di questo periodo fu completata la formazione di un intero sistema di generi, iniziata nel Rinascimento. In ritratti, dipinti di tutti i giorni, paesaggi e nature morte, gli artisti con rara abilità e calore hanno trasmesso le loro impressioni sulla natura circostante e sulla vita senza pretese. Riflettono l'immagine collettiva dell'Olanda, una giovane repubblica che ha difeso la sua indipendenza nella guerra con la Spagna.
"Mattina di una giovane donna" 1660 Frans Miris il Vecchio. Legno, olio. Eremo di Stato
Dipinti di artisti su argomenti quotidiani (o dipinti di genere) raffiguranti una persona in un ambiente familiare e quotidiano, riflettevano le forme stabilite di vita, comportamento e comunicazione di persone appartenenti a varie classi della società olandese. Pensati per decorare gli interni delle case di mercanti, artigiani o ricchi contadini, i quadri degli artisti olandesi erano di piccole dimensioni. Gli artisti guadagnavano vendendo dipinti dipinti con la possibilità di una visione dettagliata a distanza ravvicinata. Questo, a sua volta, ha dato origine a un modo di scrivere particolarmente attento e delicato.
Società Terrazza. 1620 Esais Van De Velde. Legno, olio. Eremo di Stato
Per tutto il XVII secolo, la pittura di genere olandese subì un'evoluzione significativa. Nel periodo della sua formazione, all'inizio del secolo, erano comuni trame sui temi della ricreazione, dell'intrattenimento di giovani ricchi olandesi o scene della vita degli ufficiali. Tali dipinti erano chiamati "banchetti", "società", "concerti". La loro pittura si distingueva per un colore variegato, un elevato tono gioioso. Il dipinto "Società sulla terrazza" di Esaias van de Velde appartiene a opere di questo tipo.
All'inizio degli anni '30, la formazione della pittura di genere olandese fu completata. Le "società" affollate hanno lasciato il posto a composizioni di piccole dimensioni. L'immagine dell'ambiente che circonda una persona ha iniziato a svolgere un ruolo importante. C'è stata una divisione della pittura di genere lungo linee sociali: trame su temi della vita della borghesia e scene della vita dei contadini e dei poveri urbani. Sia quelli che altri dipinti avevano lo scopo di decorare l'interno.
"Combattimento". 1637 Adrian van Ostade. Legno, olio. Eremo di Stato
Uno degli artisti più famosi che hanno lavorato nel "genere contadino" è stato Adrian van Ostade. Nel primo periodo della creatività, l'immagine dei contadini nei suoi dipinti si distingueva per un'accentuata comicità, raggiungendo talvolta la caricatura. Così, nel dipinto “The Fight”, illuminato da una luce tagliente, i combattenti sembrano non essere persone viventi, ma burattini, i cui volti sono come maschere distorte da smorfie di malizia. L'opposizione di colori freddi e caldi, i netti contrasti di luce e ombra aumentano ulteriormente l'impressione del grottesco della scena.
Musicisti del villaggio. 1635 Adrian Van De Ostade 1635 Olio su legno. Eremo di Stato
Nel 1650 ci fu un cambiamento nella pittura di Adrian Ostade. L'artista si è rivolto a soggetti più calmi, raffigurando una persona durante le attività abituali, il più delle volte nei momenti di riposo. Tale, ad esempio, è il dipinto d'interni "Village Musicians". Ostade trasmette abilmente la concentrazione dei "musicisti" trascinati dalla loro occupazione, raffigurando bambini che li guardano attraverso la finestra con umorismo appena percettibile. La varietà e la morbidezza del gioco di luci e ombre, la combinazione di colori marrone-verdastro uniscono le persone e il loro ambiente in un unico insieme.
"Vista invernale". 1640 Isacco Van Ostade. Legno, olio. Eremo di Stato
Anche il fratello di Adrian, Isaac van Ostade, morto prematuramente, lavorava nel "genere contadino". Ha raffigurato la vita dell'Olanda rurale, nella cui natura una persona si sentiva a casa. Il dipinto "Winter View" presenta un tipico paesaggio olandese con un cielo grigio che incombe pesantemente sulla terra, un fiume ghiacciato, sulle rive del quale si trova il villaggio.
"Il paziente e il medico." 1660 Jan Steen. Legno, olio. Eremo di Stato
Il tema di genere dell'arte dei fratelli Ostade è stato continuato da Jan Steen, un maestro di talento che, con senso dell'umorismo, ha notato nei suoi dipinti i dettagli caratteristici della vita e delle relazioni dei personaggi. Nel dipinto "Revelers", l'artista stesso guarda allegramente e maliziosamente lo spettatore, seduto accanto a sua moglie, che si è addormentata dopo un divertente banchetto. Nel film "Il paziente e il dottore", attraverso le espressioni facciali e i gesti dei personaggi, Jan Steen rivela abilmente la trama di una malattia immaginaria.
"Una stanza in una casa olandese". Pietro Janssen. Tela, olio. Eremo di Stato
Negli anni Cinquanta e Sessanta del XVII secolo il soggetto dei dipinti di genere si restrinse gradualmente. La struttura figurativa dei dipinti sta cambiando. Diventano contemplazione più calma, più intima, più lirica, il pensiero silenzioso appare in loro. Questa fase è rappresentata dalle opere di artisti come: Pieter de Hooch, Gerard Terborch, Gabriel Metsu, Pieter Janssens. Le loro opere incarnavano un'immagine poetica e in qualche modo idealizzata della vita quotidiana della borghesia olandese, che un tempo combatteva per i propri diritti e l'indipendenza, e ora ha raggiunto una prosperità sostenibile. Così, nel dipinto d'interni "A Room in a Dutch House" di Peter Janssens, è raffigurata un'accogliente stanza inondata di luce solare con raggi di sole che giocano sul pavimento e sulle pareti, nel dipinto "The Old Lady by the Fireplace" di Jacob Wrehl, è raffigurata una stanza con un caminetto immerso in un tenue crepuscolo. La scelta della composizione nelle opere di entrambi gli artisti sottolinea l'unità dell'uomo e del suo ambiente.
"Bicchiere di limonata." 1664 Gérard Terborch. Ostia (traduzione dal legno), olio. Eremo di Stato
In questi anni, i pittori di genere olandesi hanno cercato per la prima volta di riflettere nelle loro opere la profondità della vita interiore di una persona. Nelle situazioni della vita quotidiana, hanno trovato l'opportunità di riflettere il variegato mondo delle esperienze più sottili. Ma puoi vederlo solo con un esame attento e attento dell'immagine. Quindi, nel dipinto di Gerard Terborch "Un bicchiere di limonata", il linguaggio sottile dei gesti, il tocco delle mani e il contatto visivo rivela un'intera gamma di sentimenti e relazioni tra i personaggi.
"Colazione". 1660 Gabriel Metsu. Legno, olio. Eremo di Stato
Il mondo degli oggetti inizia a svolgere un ruolo importante nei dipinti di genere di questo periodo. Non solo caratterizza l'ambiente materiale ed emotivo della vita di una persona, ma esprime anche la diversità del rapporto di una persona con il mondo esterno. L'insieme degli oggetti, la loro disposizione, un complesso sistema di simboli, così come i gesti dei personaggi: tutto gioca un ruolo nella creazione della struttura figurativa dell'immagine.
"Festeggiatori". 1660 Jan Steen. Legno, olio. Eremo di Stato
La pittura di genere olandese non si distingueva per un'ampia varietà di soggetti. Gli artisti si sono limitati a rappresentare solo una certa cerchia di personaggi e le loro occupazioni. Ma, con il loro aiuto, la pittura di genere olandese è stata in grado di trasmettere un'immagine affidabile di costumi, costumi e idee sulla vita di una persona nel XVII secolo.
Nella preparazione della pubblicazione sono stati utilizzati materiali provenienti da fonti aperte.
L'età d'oro della pittura olandese è una delle epoche più straordinarie nella storia di tutta la pittura mondiale. L'età d'oro della pittura olandese è considerata XVII secolo. Fu in questo momento che gli artisti e i pittori più talentuosi crearono le loro opere immortali. I loro dipinti sono ancora considerati capolavori insuperabili, che sono conservati nei famosi musei del mondo e sono considerati un patrimonio inestimabile dell'umanità.
All'inizio XVII secolo in Olanda fioriva ancora un'arte piuttosto primitiva, giustificata dai gusti e dalle preferenze mondane di persone ricche e potenti. Come risultato dei cambiamenti politici, geopolitici e religiosi, l'arte olandese è cambiata radicalmente. Se prima gli artisti cercavano di assecondare i borghesi olandesi, raffigurando la loro vita e la loro vita, privi di qualsiasi linguaggio alto e poetico, e lavoravano anche per la chiesa, che ordinava agli artisti di lavorare in un genere piuttosto primitivo con trame a lungo banali, allora l'inizio del XVII secolo fu una vera svolta. In Olanda regnava la dominazione protestante, che praticamente smise di ordinare dipinti su temi religiosi agli artisti. L'Olanda divenne indipendente dalla Spagna e si affermò sul podio storico generale. Gli artisti sono passati da argomenti precedentemente familiari alla rappresentazione di scene quotidiane, ritratti, paesaggi, nature morte e così via. Qui, in un nuovo campo, gli artisti dell'età dell'oro sembrano aver aperto un nuovo respiro e cominciarono ad apparire alla luce veri e propri geni dell'arte.
Gli artisti olandesi del XVII secolo portarono il realismo nella moda nella pittura. Incredibili nella composizione, nel realismo, nella profondità e nell'insolito, i dipinti iniziarono a riscuotere un enorme successo. La domanda di pittura è aumentata notevolmente. Di conseguenza, iniziarono ad apparire sempre più nuovi artisti, che a un ritmo incredibilmente veloce svilupparono le basi della pittura, svilupparono nuove tecniche, stili e generi. Alcuni degli artisti più famosi del Secolo d'Oro furono: Jan Vermeer, Cornelis Trost, Matthias Stom, Pieter Brueghel il Vecchio, Esaias van de Velde, Frans Hals, Andrian Brouwer, Cornelis de Man, Anthony van Dyck e molti altri.
Dipinti di pittori olandesi
Cornelis de Man - Manifattura per la lavorazione dell'olio di balena
Cornelis Trost - Divertimento nel parco
Ludolf Backhuizen - Bacino della campagna delle Indie Orientali ad Amsterdam
Pieter Brueghel il Vecchio - La catastrofe dell'alchimista
Rembrandt - Andries de Greef
Dopo aver vinto la lotta contro la Spagna per la sua indipendenza, l'Olanda borghese divenne lo stato economicamente più sviluppato dell'Europa occidentale. La principale città olandese di Amsterdam è stata definita come uno dei centri commerciali più grandi d'Europa.
Insieme all'economia, si sta sviluppando anche la pittura olandese. A differenza di altri paesi dell'Europa occidentale, i dipinti barocchi di palazzi e castelli non erano popolari in Olanda: la debolezza della nobiltà serviva da ostacolo allo sviluppo dell'arte decorativa. Anche la Chiesa calvinista d'Olanda non ha cercato di decorare i suoi templi con dipinti.
Tuttavia, la pittura fiorì in Olanda: gli artisti ricevettero numerose commissioni da privati. Anche i contadini olandesi potevano appendere una piccola immagine nella loro casa: queste creazioni di artisti erano così economiche.
Nel 17 ° secolo oltre duemila artisti hanno lavorato nella piccola Olanda. Hanno avviato la produzione di dipinti, hanno prodotto tele in interi lotti e le hanno consegnate ai venditori. Quasi tutti i maestri hanno eseguito da due a cinque composizioni a settimana.
Spesso la produzione di dipinti superava la domanda, quindi, per nutrirsi, gli artisti dovevano svolgere contemporaneamente altri lavori. Maestri famosi come J. Sten, M. Gobbema, J. van Goyen e molti altri erano allo stesso tempo impiegati, giardinieri e tavernieri.
In genere, i pittori si sono specializzati in un argomento particolare. Ad esempio, H. Averkamp ha dipinto vedute invernali, E. van der Poel ha raffigurato fuochi notturni, G. Terborch e G. Metsu - scene quotidiane, P. Klas e V. K. Heda - nature morte della colazione.
Molto spesso, gli artisti hanno lavorato collettivamente su un'immagine: uno ha dipinto il cielo, l'altro - erba e alberi, il terzo - figure umane. Le opere di maggior successo che hanno avuto successo con il pubblico sono state copiate e sono servite da modello per la creazione di innumerevoli versioni.
Sebbene l'arte dei pittori di talento fosse subordinata a scopi commerciali, i maestri di solito riuscivano a evitare la falsità. La maggior parte di queste tele si distingue per il realismo, l'integrità e la chiarezza della composizione, la freschezza del colore e l'eccellente tecnica.
Il genere del ritratto si diffuse nella pittura olandese. Un ruolo importante nella vita del paese è stato svolto da varie organizzazioni (società di tiro, gruppi di rappresentanti della corporazione medica e negozi commerciali), che hanno contribuito all'emergere di un ritratto pubblico di gruppo.
La lotta a lungo termine con i colonialisti spagnoli ha acuito il senso dell'identità nazionale, quindi nella pittura, oltre al realismo, è stata particolarmente apprezzata la rappresentazione dei tratti caratteristici nazionali. Gli artisti hanno dipinto il mare e le navi, il bestiame, i fiori. Oltre al ritratto, si svilupparono generi come il paesaggio e la natura morta. C'era anche pittura religiosa, ma non c'era in essa alcun elemento di misticismo; sono state presentate storie bibliche
l'artista piuttosto come scene domestiche.
Frans Hals
Frans Hals nacque intorno al 1581 ad Anversa da una famiglia di tessitori. In gioventù venne ad Haarlem, dove visse quasi ininterrottamente fino alla sua morte (nel 1616 visitò Anversa e, a metà degli anni Trenta del Seicento, Amsterdam). Poco si sa della vita di Hals. Nel 1610 entrò nella Corporazione di San Luca e nel 1616 nella Camera degli oratori (attori dilettanti).
Hals divenne rapidamente uno dei ritrattisti più famosi di Haarlem. Nei secoli XV-XVI. nella pittura dei Paesi Bassi c'era la tradizione di dipingere ritratti solo di rappresentanti dei circoli dominanti, personaggi famosi e artisti. L'arte di Khals è profondamente democratica: nei suoi ritratti possiamo vedere un aristocratico, un ricco cittadino, un artigiano e persino una persona dal basso. L'artista non cerca di idealizzare il raffigurato, l'importante per lui è la loro naturalezza e originalità. I suoi nobili si comportano in modo disinibito come i rappresentanti degli strati inferiori della società, raffigurati nei dipinti di Hals come persone allegre, non prive di autostima.
Un posto importante nell'opera del pittore è occupato da un ritratto di gruppo. Le migliori opere di questo genere furono i ritratti degli ufficiali della compagnia di fucilieri di San Giorgio (1627) e della compagnia di fucilieri di Sant'Adriano (1633). Ogni personaggio nei dipinti ha la sua brillante personalità e, allo stesso tempo, queste opere si distinguono per la loro integrità.
Hals dipinse anche ritratti su misura, in cui i ricchi borghesi e le loro famiglie sono posti in pose rilassate ("Ritratto di Isaac Massa", 1626; "Ritratto di Hethuisen", 1637). Le immagini di Hals sono vivaci e dinamiche, sembra che le persone nei ritratti parlino con un interlocutore invisibile o si rivolgano allo spettatore.
I rappresentanti dell'ambiente popolare nei ritratti di Hals si distinguono per vivida espressività e immediatezza. Nelle immagini di ragazzi di strada, pescatori, musicisti e frequentatori di osterie si avverte la simpatia e il rispetto dell'autore. Il suo "zingaro" è notevole. Una giovane donna sorridente sembra sorprendentemente viva, il cui sguardo sornione è rivolto a un interlocutore invisibile al pubblico. Hals non idealizza la sua modella, ma l'immagine di una zingara allegra e spettinata delizia con il suo fascino vivace.
Molto spesso i ritratti di Hals includono elementi della scena di genere. Queste sono le immagini di bambini che cantano o suonano strumenti musicali ("Singing Boys", 1624-1625). Con lo stesso spirito, è stata rappresentata la famosa "Malle Babbe" (inizio 1630), presentando il noto proprietario della taverna di Haarlem, che i visitatori chiamavano alle sue spalle la strega di Haarlem. L'artista ha raffigurato in modo quasi grottesco una donna con un enorme boccale di birra e un gufo sulla spalla.
Nel 1640 Il Paese mostra segni di svolta. Sono passati solo pochi decenni dalla vittoria della rivoluzione e la borghesia ha già cessato di essere una classe progressista basata su tradizioni democratiche. La veridicità della pittura di Hals non attrae più clienti facoltosi che vogliono vedersi nei ritratti meglio di quanto non siano in realtà. Ma Hals non ha abbandonato il realismo e la sua popolarità è crollata. Note di tristezza e delusione compaiono nel dipinto di questo periodo ("Ritratto di un uomo con un cappello a tesa larga"). La sua tavolozza diventa più rigorosa e calma.
All'età di 84 anni, Hals crea due dei suoi capolavori: ritratti di gruppo di reggenti (fiduciari) e reggenti di una casa di cura (1664). Queste ultime opere del maestro olandese si distinguono per l'emotività e la brillante individualità delle immagini. Dalle immagini dei reggenti - vecchi e vecchie - si respira tristezza e morte. Questa sensazione è enfatizzata anche dalla colorazione, sostenuta nei toni del nero, del grigio e del bianco.
Hals morì nel 1666 in profonda povertà. La sua arte veritiera e affermativa ha avuto una grande influenza su molti artisti olandesi.
Rembrandt
Negli anni 1640-1660. La pittura olandese fiorì. L'artista più significativo di questo periodo fu Rembrandt.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn nacque nel 1606 a Leida. Suo padre era un ricco mugnaio. I genitori sognavano una buona educazione per il figlio e lo assegnarono a una scuola latina, dopodiché Rembrandt entrò all'Università di Leida. Ma il giovane era attratto dall'arte. Lasciò l'università e iniziò a studiare con il pittore Jacob Swannenburgh. Tre anni dopo, il giovane artista si recò ad Amsterdam, dove iniziò a prendere lezioni da Peter Lastman.
Nel 1624 Rembrandt tornò a Leida. Qui, insieme al pittore Jan Lievens, affittò un laboratorio. L'artista lavora molto dal vero, dipinge non solo in officina, ma anche per strada e nel bazar cittadino.
Alla fine del 1620. Rembrandt ha guadagnato popolarità tra gli abitanti di Leida. Aveva molti ordini e il primo studente - Gerard Dow, che in seguito divenne un pittore abbastanza noto.
I primi dipinti di Rembrandt sono caratterizzati da una composizione meticolosa e da un'esecuzione coscienziosa. Allo stesso tempo, sono caratterizzati da una certa rigidità ("Torment of St. Sebastian", 1625).
Nel 1631 Rembrandt si stabilì ad Amsterdam. La fama di lui si diffuse molto rapidamente in tutta la città e gli ordini caddero sul pittore. Anche la vita personale di Rembrandt ebbe successo: nel 1634 sposò Saskia van Uylenburg, una ragazza di una nota famiglia borghese. Il matrimonio ha portato all'artista una fortuna significativa, che gli ha fornito indipendenza creativa e gli ha permesso di dedicarsi al collezionismo di opere d'arte e di antiquariato.
Rembrandt godeva della felicità in compagnia della sua amata moglie, che ritrasse molte volte nei ritratti. Spesso Saskia fungeva anche da modello per dipinti con un'ampia varietà di soggetti (Flora, 1634; Autoritratto con Saskia in ginocchio, 1639 ca.).
Il lavoro di Rembrandt in questo periodo è vario, dipinge composizioni storiche, mitologiche e religiose, ritratti, scene quotidiane, paesaggi, nature morte, dipinti con immagini di animali. Ma l'oggetto principale della sua attenzione è una persona. Non solo nei ritratti, ma anche nelle altre sue opere, l'artista cerca di trasmettere il carattere e il mondo interiore dei suoi personaggi.
Un notevole maestro del genere del ritratto, solo negli anni Trenta del Seicento. Rembrandt ha eseguito oltre sessanta ritratti su commissione. La cosa principale per il pittore non è la somiglianza esterna con il modello, ma la profondità del mondo interiore, la forza dei movimenti e delle esperienze spirituali. Il ritratto di gruppo "Anatomia del dottor Tulp" (1632) fu accolto con entusiasmo dai suoi contemporanei. L'artista ha apportato modifiche alla composizione tradizionale del classico ritratto di gruppo, disponendo le figure non in fila, come era consuetudine, ma liberamente. Questa costruzione ha dato all'immagine vivacità e naturalezza.
Alla fine del 1630. Rembrandt divenne il maestro più famoso d'Olanda. Il suo capolavoro appartiene a questo periodo: il famoso "Danae" (1636), la cui abilità di esecuzione supera tutto ciò che è stato creato dai contemporanei.
artista. Colpisce la perfezione della sua composizione e la ricchezza della gamma cromatica, sostenuta da sfumature dorate. Sembra che non ci sia nulla di superfluo in quest'opera, ogni suo dettaglio è attentamente studiato dall'autore. Con l'ausilio di un tratto libero e vivace, il maestro trasmette la leggerezza del copriletto, le pieghe di pesanti tendaggi e tendaggi. Colpisce la duttile plasticità di una giovane donna distesa sul letto, le morbide sfumature dorate del suo corpo illuminato da una luce soffusa. Sebbene Danae non brilli di bellezza ideale, la sua immagine delizia lo spettatore con fascino vivo e freschezza.
Nel 1630 l'artista lavora molto anche nell'acquaforte. È attratto dai motivi quotidiani ("Il venditore di veleno per topi", 1632). Elementi di genere sono insiti anche nelle opere con temi biblici (Il ritorno del figliol prodigo, 1636). Una delle migliori incisioni di questo periodo è La morte di Maria (1639), emozionante e intrisa di un senso di profondo dolore. La notevole opera "Cristo che guarisce gli infermi" (il cosiddetto "Un foglio da cento fiorini" - questo nome indica il valore dell'opera) si distingue anche per la complessità della composizione e la monumentale imponenza delle immagini.
Nel 1640 Rembrandt diventa il pittore più famoso e più pagato di Amsterdam. Gli vengono ordinati ritratti, composizioni per il palazzo dello stadtholder olandese all'Aia. Molti aspiranti artisti cercano di studiare nel suo studio. La fama dell'arte di Rembrandt va oltre l'Olanda. Diversi dipinti del famoso maestro sono conservati nel palazzo del re inglese Carlo I.
Il talento di Rembrandt si è manifestato nelle sue nature morte realistiche ed espressive (La carcassa di un toro) e nei paesaggi (Paesaggio con mulino, 1650 circa). Il sottile lirismo è inerente ai paesaggi olandesi senza pretese, che colpiscono lo spettatore con la loro realtà quasi tangibile.
La morte della sua amata moglie nel 1642 allontanò Rembrandt dalla sua nobile famiglia. L'artista ha smesso di comunicare con i suoi conoscenti della società aristocratica. I cambiamenti nella vita del maestro si sono riflessi nella sua pittura, che diventa più profonda e focalizzata. Se le prime opere di Rembrandt si distinguono per uno stato d'animo calmo e uniforme, ora nei suoi dipinti iniziano a risuonare note di ansia e dubbio. Cambia anche la palette, dominata da sfumature rosse e dorate.
La tela "David and Jonathan" (1642, Hermitage, San Pietroburgo), eseguita nei toni del rosa dorato e del blu dorato, si distingue per la sua vivida espressività.
Tutte queste nuove caratteristiche nella pittura di Rembrandt non incontrarono comprensione tra i suoi contemporanei. L'insoddisfazione è stata causata da una grande composizione monumentale "Night Watch" (1642). Questo dipinto ha ricevuto il suo nome nel XIX secolo. L'azione infatti non si svolge di notte, ma di giorno, alla luce del sole, che conferma la natura delle ombre.
Nel tempo i colori si sono scuriti e solo il restauro effettuato nel 1946-1947 ha mostrato che la cromia di quest'opera era un tempo molto più chiara.
Il dipinto raffigura i fucilieri della compagnia del Capitano Banning Cock. Il cliente si aspettava di vedere un ritratto cerimoniale tradizionale (una scena di una festa o un comandante che presenta i suoi subordinati allo spettatore). Rembrandt ha creato il
Tela roico-storica raffigurante l'esibizione dei tiratori agli ordini del capitano. I personaggi sono entusiasti e dinamici; il comandante impartisce gli ordini, l'alfiere alza lo stendardo, il tamburino batte il tamburo, le frecce caricano l'arma. Qui non è chiaro dove stia girando la bambina con un gallo in vita.
Durante questi anni, Hendrikje Stoffels apparve nella vita di Rembrandt, prima una domestica, e poi sua moglie, che divenne la sua fedele amica e assistente. L'artista sta ancora lavorando sodo. Crea la sua famosa "Sacra Famiglia" (1645), in cui il tema religioso è trattato come un genere. Insieme alle composizioni bibliche, il pittore esegue paesaggi realistici con immagini del villaggio ("Winter View", 1646). I suoi ritratti di questo periodo si distinguono per il desiderio di mostrare le caratteristiche individuali dei modelli.
Nel 1650 il numero di ordini è notevolmente ridotto. Rembrandt sta attraversando grandi difficoltà finanziarie. È minacciato di completa rovina, perché il debito associato all'acquisto di una casa durante la vita della sua prima moglie Saskia non è stato ancora pagato. Nel 1656 l'artista fu dichiarato fallito e la sua collezione d'arte e tutti i suoi beni furono venduti all'asta. La famiglia Rembrandt dovette trasferirsi nel povero quartiere ebraico di Amsterdam.
Nonostante tutte le difficoltà, il talento del grande pittore non si esaurisce. Ma ora il criterio della sua abilità è completamente diverso. Nelle ultime opere di Rembrandt, i tratti colorati appaiono nitidi sulla superficie della tela. Ora i colori nei suoi dipinti servono non solo a trasmettere l'aspetto esteriore dei personaggi e l'immagine dell'interno, ma è il colore che assume il carico semantico dell'opera. Pertanto, la sensazione di intenso dramma nel dipinto Assur, Haman ed Ester (1660) viene creata attraverso una complessa gamma tonale e speciali effetti di luce.
Privo di ordini, vivendo in profonda povertà, Rembrandt non smette di scrivere. Crea ritratti espressivi e spirituali, modelli per i quali sono parenti e amici ("Ritratto della moglie del fratello dell'artista", 1654; "Ritratto di un vecchio in rosso", 1652-1654; "Ritratto del figlio di Tito che legge", 1657; "Ritratto di Hendrikje Stoffels alla finestra", c. 1659).
Il figlio Titus, che ha finalmente ricevuto la fortuna della madre defunta, sta cercando di proteggere suo padre dalla privazione materiale e di creare le condizioni affinché possa lavorare tranquillamente. Ma le disgrazie continuano a perseguitare l'artista: nel 1663 Hendrikje muore e pochi anni dopo Tito la segue.
Fu in questo momento tragico che il vecchio artista solitario crea i suoi capolavori, contraddistinti da grandezza monumentale e spiritualità ("David and Uriah", 1665-1666; "The Return of the Prodigal Son", ca. 1668-1669).
Rembrandt morì nel 1669, dimenticato da tutti. Solo nel XVIII sec. la sua arte fu finalmente compresa e apprezzata.
Negli anni 1640-1660. il genere principale nella pittura olandese era il genere domestico. Le immagini che ritraggono i momenti più ordinari della realtà sono sorprendentemente poetiche e liriche. L'oggetto principale dell'attenzione dei pittori è una persona e il mondo che lo circonda. La maggior parte delle composizioni di genere sono caratterizzate da una narrazione calma e dalla mancanza di drammaticità. Raccontano delle faccende domestiche della padrona di casa (acquistare provviste, prendersi cura dei bambini, fare il ricamo), dell'intrattenimento del borghese olandese (giocare a carte, ricevere ospiti, concerti). Gli artisti descrivono tutto ciò che accade nella casa di un ricco cittadino, ignorando il lato sociale della vita di una persona.
I pittori di genere erano molto apprezzati: G. Dou, i cui quadri erano venduti a caro prezzo, A. van Ostade, che dipinse scene di vita contadina (“Concerto campestre”), J. Sten, i cui temi preferiti erano scene di divertimento e vacanze (“Merry Society”), G. Terborch, la cui elegante pittura rappresentava la vita di una ricca famiglia borghese (“Bicchiere di limonata”), G. Metsu con la sua narrativa ingenua (“Sick Child”), P .de Hooch, che creò tele contemplativo-liriche es ("La padrona e il servo").
K. Fabritius, che visse una vita breve (morì a Delft nell'esplosione di un deposito di polvere da sparo), cercò di ampliare la portata del genere quotidiano. Una delle sue opere migliori è La risurrezione di Lazzaro (1643 circa), notevole per la sua drammaticità e la sua portata quasi monumentale. Notevoli anche i suoi ritratti e autoritratti, che mettono l'artista alla pari di F. Hals e Rembrandt.
Tragico è il destino di E. de Fabritius, talentuoso maestro di scene e opere quotidiane raffiguranti interni di chiese ("Mercato nel porto", "Interno con una donna al clavicembalo"). L'artista non ha cercato di assecondare i gusti del pubblico borghese, quindi le sue opere, che non hanno avuto successo con i suoi contemporanei, sono state vendute per pochi centesimi. Spesso Fabritius era costretto a darli per debiti ai proprietari di case. In una notte d'inverno del 1692, l'artista settantacinquenne, cacciato di casa dal suo padrone, si impiccò alla ringhiera del ponte. Un destino simile era caratteristico di molti pittori olandesi che non volevano abbandonare le tradizioni realistiche a favore del pubblico.
Jan Wermeer di Delft
Un rappresentante di spicco della pittura di genere olandese è Jan Vermeer, soprannominato Delftsky per il suo luogo di nascita e attività. Il pittore nacque nel 1623 nella famiglia di un commerciante di quadri e sete. Poco si sa della vita di Vermeer. Forse il suo insegnante era K. Fabricius. Nel 1653, l'artista divenne membro della Gilda di San Luca e sposò la figlia di un ricco cittadino, Katherine Bolnes. A Delft godeva di rispetto e fama, viveva in una grande casa situata sulla piazza del mercato.
Vermeer ha lavorato sui suoi dipinti molto lentamente e in dettaglio, scrivendo attentamente ogni dettaglio. La pittura non poteva fornire alla famiglia dell'artista un'esistenza confortevole, sebbene le sue tele avessero molto successo. Questo è probabilmente il motivo per cui Vermeer iniziò a commerciare in dipinti, continuando l'opera del padre.
Già nelle prime opere di Vermeer appare una combinazione di realismo e una certa dose di idealizzazione delle immagini, caratteristica del suo lavoro ("Diana con le ninfe", "Cristo con Marta e Maria" - entrambi prima del 1656). L'opera successiva - una tela di grandi dimensioni "Alla mezzana" (1656), scritta su una trama usata da molti pittori, si distingue per l'originalità dell'esecuzione. L'ordinaria scena quotidiana dell'artista acquista un significato quasi monumentale. Il dipinto si distingue tra le altre opere con temi simili per la sua colorazione audace, sostenuta nei colori puri giallo, rosso, nero e bianco, e per la brillante espressività delle immagini.
Successivamente, Vermeer si dedicò alle composizioni da camera tradizionali della pittura olandese. Come altri maestri olandesi, raffigura eventi che si svolgono in ricche case borghesi. L'immagine preferita dell'artista è una ragazza che legge una lettera o si prova una collana. Le sue tele rappresentano ingenue scene quotidiane: una cameriera consegna una lettera alla sua padrona, un signore porta un bicchiere di vino a una signora. Ma questi dipinti, semplici nella composizione, stupiscono per integrità, armonia e lirismo, le loro immagini attraggono con naturalezza e calma poesia.
Nella seconda metà del 1650. l'artista ha creato la più notevole delle sue opere. Profondamente lirici "Sleeping Girl", "Glass of Wine", "Girl with a Letter" sono contrassegnati da una calda sensazione. Molti pittori olandesi di questo tempo nei loro dipinti raffiguravano servi impegnati nel lavoro, ma solo in Vermeer l'immagine di una donna del popolo ha tratti di genuina bellezza e grandezza ("Serva con una brocca di latte").
Vermeer è un vero virtuoso nel trasmettere l'essenza del mondo delle cose con l'aiuto di mezzi visivi. Le nature morte nei suoi dipinti sono eseguite con grande abilità. Un piatto con mele e prugne sembra incredibilmente bello e naturale, in piedi su un tavolo coperto da una tovaglia a motivi geometrici nella tela "Ragazza con una lettera".
Nel dipinto “Il servo con una brocca di latte”, pane e latte, versati da una brocca in un denso ruscello, deliziano con la sua freschezza.
La luce gioca un ruolo importante nelle opere di Vermeer. Riempie lo spazio delle tele, creando l'impressione di straordinaria ariosità; modella le forme e penetra le vernici, facendole risplendere dall'interno. È grazie a questa quantità di luce e aria che si crea uno speciale sollevamento emotivo nella maggior parte delle opere di Vermeer.
La notevole abilità del pittore si è manifestata nella pittura di paesaggio. Un piccolo angolo di città, avvolto nell'atmosfera umida di una giornata nuvolosa, è riprodotto dalla chiara e semplice composizione "Street" (1658 circa). La città bagnata dalla pioggia appare pulita e fresca nel dipinto “Veduta di Delft” (tra il 1658 e il 1660). I raggi del sole sfondano le pallide nuvole argentee, creando molti riflessi luminosi sulla superficie dell'acqua. La colorazione sonora con le sue sottili transizioni di colore conferisce all'immagine espressività e armonia.
Nel 1660 La pittura di Vermeer diventa più raffinata ed elegante. Cambia anche la tavolozza, che ora è dominata da tonalità fredde e colorate ("Girl with a Pearl"). I personaggi principali delle tele sono ricche signore e signori circondati da oggetti lussuosi ("Lettera d'amore", ca. 1670).
Jan Wermeer di Delft. Cameriera con una brocca di latte. Tra il 1657 e il 1660
Jan Wermeer di Delft. Bottega del pittore. OK. 1665
Nell'ultimo periodo della vita di Vermeer, le sue opere diventano superficiali e alquanto inverosimili ("Allegoria della fede"), e la tavolozza perde saturazione e sonorità. Ma anche in questi anni le singole opere dell'artista stupiscono per la loro antica forza espressiva. Tale è il suo "Bottega del pittore" (1665), in cui Vermeer si raffigurava al lavoro, e i dipinti "Astronomo" e "Geografo", raffiguranti scienziati.
Il destino di Vermeer, come molti altri maestri olandesi, è tragico. Alla fine della sua vita, l'artista malato, che aveva perso la maggior parte dei suoi ex clienti, fu costretto a trasferire la sua numerosa famiglia dalla sua vecchia casa a una più economica. Negli ultimi cinque anni non ha dipinto un solo quadro. Il pittore morì nel 1675. La sua arte fu dimenticata per molto tempo, e solo a metà del XIX secolo. Vermeer è stato apprezzato e messo alla pari con maestri olandesi come Rembrandt e F. Hals.