Tematy i problemy dramaturgii lat 70. i 80. XX wieku. Dramat drugiej połowy XX wieku

13.04.2019

Lekcja nr.

Cechy rozwoju dramatu w latach 50.-80. XX wieku.

Cele:

edukacyjny:

tworzenie zasady moralneświatopoglądy uczniów;

tworzenie warunków do włączania studentów w aktywne zajęcia praktyczne;

edukacyjny:

rozważ główne etapy rozwoju radzieckiego dramatu;

zwrócić uwagę na rozwój dramatu w latach 50. i 80. XX wieku;

rozwijanie:

rozwój umiejętności robienia notatek;

rozwój aktywności umysłowej i mowy, umiejętność analizowania, porównywania i logicznego prawidłowego wyrażania myśli.

Typ lekcji: lekcja poszerzająca wiedzę, umiejętności i zdolności.

Typ lekcji: wykład.

Techniki metodyczne: sporządzanie notatek z wykładów, omawianie zagadnień.

Przewidywany wynik:

wiedziećo głównych procesach historycznych i literackich lat 50.-80. XX wieku;

mócpodkreśl główne punkty tekstu.

Sprzęt : zeszyty, podręczniki, komputer, multimedia, prezentacja.

PODCZAS ZAJĘĆ

I . Organizowanie czasu.

II . Motywacja do zajęć edukacyjnych. Ustalanie celów.

1. Słowo nauczyciela.

W literaturze lat 1950-1980. Wraz z prozą z sukcesem rozwija się także dramaturgia. W całej historii radzieckiego dramatu nękał go z reguły jeden główny zarzut krytyki: „pozostanie w tyle za życiem”. Na ten zarzut najmniej zasługuje dramaturgia lat 50. i 80. Ponadto jedną z jego powszechnie uznawanych zalet jest to, że odważnie „Patrzy w przyszłość, wkraczając na ścieżkę futurologii, studiów filozoficznych czy dramatu socjologicznego. Ale co najważniejsze, zawsze reaguje na aktualne, naglące wydarzenia i problemy życia i społeczeństwa.

2. Omówienie tematu i celów lekcji.

III . Doskonalenie wiedzy, umiejętności i zdolności uczniów w zakresie tematu lekcji.

Główne etapy rozwoju dramatu radzieckiego.

1. Po rewolucji październikowej pojawiła się potrzeba nowego repertuaru odpowiadającego współczesnej ideologii - Mystery-Bouffe W. Majakowskiego (1918). Zasadniczo współczesny repertuar wczesnego okresu sowieckiego powstał na temat aktualnej „propagandy”, która w krótkim czasie straciła na znaczeniu.

2. Lata 20. XX w Nowy dramat radziecki, odzwierciedlający walkę klas. W tym okresie tacy dramatopisarze jak L. Seifullina („Virineya”), L. Leonov („Badgers”), K. Trenev („Lyubov Yarovaya”), B. Lavrenev („Razlom”), V. Ivanov („Pancerz Pociąg 14-69”), D. Furmanow („Bunt”) i in. Ich dramaturgię jako całość wyróżniała romantyczna interpretacja wydarzeń rewolucyjnych, połączenie tragedii ze społecznym optymizmem.

3. W latach 30. i 40. XX w. w dramacie sowieckim rozpoczęły się poszukiwania czegoś nowego pozytywny bohater. Na scenie wystawiane były sztuki M. Gorkiego („Egor Bułychow i inni”, „Dostigajew i inni”). W tym okresie indywidualność takich dramaturgów jak N. Pogodin („Temp”, „Wiersz o toporze”, „Mój przyjaciel” itp.), W. Wiszniewski („Pierwszy koń”, „Ostatni decydujący”, Powstała „Tragedia optymistyczna”) ), A. Afinogenova („Strach”, „Odległy”, „Mashenka”). Popularne były sztuki przedstawiające wizerunek Lenina: „Człowiek z bronią” Pogodina, „Prawda Kornejczuka” Trenewa. Powstał i aktywnie rozwijał się dramat dla dzieci, którego twórcami byli A. Brushtein, V. Lyubimova, S. Mikhalkov, S. Marshak, N. Shestakov i inni.

4. W czasie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej 1941-1945 i w pierwszej lata powojenne Dramat patriotyczny naturalnie doszedł do głosu zarówno we współczesnym, jak i współczesnym tematy historyczne. Po wojnie powszechne stały się przedstawienia poświęcone międzynarodowej walce o pokój.

5. Dramat lat 50.-80. XX wieku.

Cechy rozwoju gatunkowego dramaturgii w latach 50.-80. XX wieku.

W latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych zakres gatunkowy dramaturgii uległ znacznemu zróżnicowaniu. Od tego okresu nastąpił rozwój różnych gatunki dramatyczne: dramat społeczno-psychologiczny, społeczny i codzienny, historyczny i dokumentalny, komedia. Poza tym w dramacie w większym stopniu niż w prozie i poezji wykazano zainteresowanie młodym współcześnikiem, palącymi problemami współczesności.

Dramat historyczno-rewolucyjny .

Lata 70-80 to renesans dramat polityczny mający wielka historia i pewne tradycje artystyczne w naszej sztuce. Wśród cech typologicznych dramatu politycznego jedną z najważniejszych jest bezpośredni związek z czasem, relewantność, która polega na wykorzystaniu nie tylko materiału teraźniejszości, ale także przeszłości, a także aktywizacja głosu autora i wynikające z tego dziennikarstwo, ostry konflikt i poleganie na dokumencie. Wszystko to jest nieodłącznym elementem sztuk Micha. Szatrowa na temat Wielkiej Październikowej Rewolucji Socjalistycznej.

W dokumentalno-historycznym spektaklu politycznym Szatrow próbował zgłębić fakty dotyczące przywódcy, a nie mit o nim, który stworzyli ideolodzy polityczni. Jego najbardziej udaną grą z okresu odwilży jest„szósty lipca” (pierwsze wydanie - 1964, drugie - 1973). Dramaturg podejmuje w nim problem relacji między celem, nawet tym wysokim, a środkami do jego osiągnięcia. M. Szatrow zwrócił się w kolejnych dziesięcioleciach do wizerunku Lenina. Sam autor zdecydował oryginalność gatunkowa jego sztuk jako „dramat publicystyczny” i „tragedia publicystyczna”. Rzeczywiście, otwarte dziennikarstwo przenika takie ostre sztuki konfliktowe M. Shatrova z lat 70. i 80. XX w., jak„Niebieskie konie na czerwonej trawie (szkic rewolucyjny)*(1977) i „Więc wygrajmy!” (1981).

Charakterystyka dramatu historyczno-rewolucyjnego:

1. Oryginalność „dokumentów” M. Szatrowa to „Szósty lipca” (1962), „W imię rewolucji” (1963), „Bolszewicy” (1967), „Błękitne konie na czerwonej trawie” („ Szkic rewolucyjny”) (1978), „Więc wygramy!” (1980), „Dyktatura sumienia” (1986).

2. Odwołanie się do tematu leninowskiego.

3. Odsłonięcie dramatów historii.

4. Połączenie patosu dokumentalnego i lirycznego.

5. Pragnienie ukazania uczciwości i szlachetności ludzi, którzy uczestniczyli w rewolucji oraz zapomnienia i zdeptania tego wszystkiego przez kolejne pokolenia.

6. Znaczenie zagadnień moralnych i filozoficznych: związek celu ze środkami do jego osiągnięcia, granice i dopuszczalność rewolucyjnej przemocy.

7. Identyfikacja przyczyn przekształcenia przemocy w główny instrument władzy w zarządzaniu społeczeństwem.

Dramat „Produkcja”. .

W latach 70. badania najpilniejsze problemy Problem natury społeczno-ekonomicznej, moralnej i psychologicznej został potraktowany w sposób publicystycznyprodukcja lub socjologiczny,dramat , w środku którego stał się biznesmen. Szczególnym zainteresowaniem cieszyły się spektakle „produkcyjne” A. Gelmana„Protokół jednego spotkania”(1975), "My, niżej podpisani"(1979) , "Informacja zwrotna"(1978), „Sam na sam ze wszystkimi”(1981).

Za osiągnięcie dramaturgów, którzy stworzyli „temat spektaklu”, należy uznać fakt, że większą uwagę poświęcono społecznej analizie rzeczywistości. A stało się tak dlatego, że dramaturg stawia swojego bohatera nie przeciwko bezpośredniemu przeciwnikowi, ale przeciwko samej rzeczywistości, odsłaniając jej złożoność. Charakterystyka bohaterów została pogłębiona w wyniku analizy rzeczywistości. Autor stronił od kategorycznych ocen i bezpośrednich sprzeciwów.

Głównym bohaterem „Protokołu jednego spotkania” Gelmana jest majster Potapow i jego zespół, którzy odmówili przyznania premii nie tylko dlatego, że nie chcą oszukać państwa, ale także dlatego, że w obecnych okolicznościach premia ta nie jest dla nich korzystna. Decyzja brygadzisty (a następnie zgromadzenia partii) była również skierowana przeciwko dyrektorowi budowy Botarcewowi. Jednak nawet w takiej sytuacji nie dochodzi do konfrontacji bohatera z antybohaterem. Przeciwstawia się im sam system społeczny. Tu zaczyna się to, co nazywamy analizą społeczną, a w sztukach teatralnych analiza ta była bardziej znacząca niż w innych dziełach lat 50.

„Temat produkcji” okazał się zjawiskiem przejściowym i stopniowo znikał ze sceny. Słabym punktem spektakli o charakterze „produkcyjnym” było osłabienie zainteresowania dramaturga światem duchowym swoich bohaterów. Pisarz-dramaturg zwrócił uwagę na cechy zawodowe i to okazało się najważniejsze. Duchowo bohaterowie wyglądają na zubożonych.

Charakterystyka dramatu „produkcyjnego”:

1. Temat przedstawienia jako odzwierciedlenie palących problemów epoki.

2. Podjęcie problemu „człowieka i jego biznesu”,

3. Ostry konflikt sytuacji, ujawnienie negatywnych zjawisk społecznych (zastąpienie rzeczywistości wyobrażeniem, biurokratyzacja, oszustwo, dwójmyślenie),

4. Poszukiwanie prawdziwego bohatera tamtych czasów: „Maria” (1969) A. Salyńskiego; „Protokoły jednego spotkania” (1974), „Opinie” (1976), „My, niżej podpisani” (1979) A. Gelmana, „Stalowcy” (1972) G. Bokariewa, „Człowiek z zewnątrz” ( 1971) I. Dvoreckiego.

Dramat społeczno-psychologiczny .

Centralna lokalizacja na scenie teatralnej w okresie „odwilży”.dramat społeczno-psychologiczny. Szczególnym zainteresowaniem publiczności cieszyły się sztuki społeczno-psychologiczne V. Rozova."Dzień dobry!" (1954) i „W poszukiwaniu radości”(1956). Bohaterami obu spektakli są romantycznie nastawieni młodzi ludzie, wrażliwi na utrwalone w życiu filistynizm, obłudę i hipokryzję. Warto zauważyć, że na przełomie XX - XIX wieku działały teatry różne regiony Rosja zwraca się ku dramaturgii W. Rozowa. Na przykład jego sztuka „B dobra godzina!” i obecnie wystawiany jest na scenie teatralnej.

Od drugiej połowy lat pięćdziesiątych coraz większą uwagę zwraca się na dramat radzieckido codziennych problemów zwykli ludzie. Zgłębiając psychologię relacji międzyludzkich, dramatopisarze portretowali postacie w rozpoznawalnych okolicznościach życiowych. W stronę tematu miłosnego tacy autorzy jak

A.Wołodin- „Dziewczyna z fabryki”(1956), „Pięć wieczorów” (1957), "Starsza siostra"(1961); E.Radziński -„104 strony o miłości”(1964), „Trochę o kobiecie”(1968). Adresowanie temat wojny, dramatopisarze lat pięćdziesiątych i sześćdziesiątych odeszli od dziennikarstwa. Problemy takie jak obowiązek i sumienie

Patrzyli na bohaterstwo i zdradę, honor i hańbę przez pryzmat wartości moralnych. Jeden z najlepsze sztuki Sztuka A. Salyńskiego stała się repertuarem tamtych lat„Perkusista” (1958).

Osobliwości społeczno-psychologiczne dramaty :

1. Początek liryczny w sztukach (V. Roshchin „Valentin i Valentina” (1971), „Pośpiesz się, aby czynić dobro” (1980)).

2. Miłość i konflikty wewnątrzrodzinne.

3. Zainteresowanie dramaturga sytuacją wybór moralny, do procesów dojrzewania moralnego jednostki, samowiedzy.

Pisarze aktywnie korzystali z takichtechniki , takie jak stworzenie „podtekstu”, stworzenie wbudowanej fabuły, poszerzenie przestrzeni scenicznej poprzez wprowadzenie symboli poetyckich lub tematycznych, „głosy pozasceniczne”, fantastyczne wizje bohaterów.

Z biegiem czasu zmienił się ton życia społecznego i codziennego

i dramat społeczno-psychologiczny. W. Rozow, A. Wołodin, A. Arbuzow, A. Wampilow i inni autorzy próbowali zrozumieć przyczyny kryzysu moralnego społeczeństwa. Twórcy dramatu skupili się na zmianach zachodzących w wewnętrznym świecie człowieka żyjącego według praw podwójne standardy

„czas stagnacji”

W sztukach z lat 70. i 80. XX w. „Gniazdo cietrzewia” (1978), „Mistrza” (1982) i „Dzika” (1987) V. Rozov podjął temat stopniowego niszczenia początkowo obiecującego osobowość. Punkt zwrotny w dramaturgii Rozowa znalazł swoje odzwierciedlenie w spektaklu „Tradycyjne zgromadzenie” (1966), poświęconym tematowi podsumowania skutków życia, kontrastującym z romantycznymi aspiracjami bohaterów jego dramatów z lat pięćdziesiątych.

Sztuki A. Arbuzowa z lat 70. i 80. XX w. poświęcone są problemowi wewnętrznej degradacji osobowości odnoszącej pozorny sukces. Jego dramaty naznaczone są patosem wyparcia „okrutnych zabaw”, w które wplątani są zarówno dorośli, jak i dzieci, pozbawione niegdyś rodzicielskiej miłości. poświęcony tematowi wzajemna odpowiedzialność ludzi za to, co się z nimi dzieje. Dramaturg stworzył cykl „Dramatyczny

opus”, w tym trzy dramaty – „Wieczorne światło” (1974), „Okrutne zamiary” (1978) i „Wspomnienia” (1980).

A. Wołodin w swojej twórczości zwrócił się ku formom przypowieści - „Matka Jezusa” (1970), „Dulcynea z Toboso” (1980), „Jaszczurka” (1982) i E. Radzinsky - „Rozmowy z Sokratesem” (1972) ), „Lunin, czyli śmierć Jakuba” (1979), „Teatr

czasów Nerona i Seneki” (1982). Przedmiotem zrozumienia w sztukach Wołodina i Radzińskiego były uniwersalne wartości ludzkie, ponadczasowe sytuacje, problemy, charaktery.

Twórczość A. Wampilowa.

Teatr Wampilowa zajmuje szczególne miejsce w dramaturgii lat 60. – 70. XX wieku. Ugruntował autorytet zabawy rodzinnej w dramaturgii i w ten sposób niejako przywrócił zerwane tradycje A. N. Ostrowskiego i A. P. Czechowa. Dramaturgia Wampilowa pod względem charakteru fabuły, oryginalności bohaterów, stylu i zagadnień jest bliska twórczości V. Shukshina, prozy wiejskiej. Wampiłow zwrócił uwagę na tzw. „małego człowieka”, a głównym konfliktem uczynił konflikt moralno-etyczny. Korzenie dramatu w jego sztukach to zderzenie różnych stanowisk moralnych i etycznych. Wampiłow stoi u początków nowej tradycji współczesnego dramatu. Bez niego nie byłoby możliwe powstanie teatru lat 80. (Pierre Arrault „Look Who Came”, „Galina” Pietruszewskiej).

Ta dramaturgia pozwoliła jego naśladowcom głębiej wniknąć w istotę samego życia i w sposób bardziej organiczny wyjaśnić pewne wady współczesnego mu człowieka za pomocą społeczno-politycznych i problemy społeczne bieżący dzień. Dramatopisarze w mniejszym stopniu uciekają się do jawnych przeciwieństw, a bardziej są skłonni do ukazywania sprzeczności życia i samego człowieka.

Dramaturgia Wampilowa, orientując współczesnych na społeczne, codzienne aspekty życia ludzkiego i zachowań w tej codzienności, sugerowała potrzebę dotarcia do korzeni ludzkich dramatów.

Temat mentalnego i duchowego infantylizmu współczesnego stał się kluczowy w dramaturgii A. Wampilowa, która pojawiła się na scenach teatralnych w latach 70. XX wieku. Nazwisko A. Wampilowa wiąże się także ze wzmocnieniem roli symboliki i groteski w rosyjskim dramacie drugiej połowy XX wieku.

Cechy dramaturgii A. Wampilowa.

1. Artystyczne studium procesu degradacji moralnej jednostki.

2. Stopniowe komplikowanie charakteru bohatera i konfliktu („Pożegnanie w czerwcu” (1964), „Najstarszy syn” (1965), „ Polowanie na kaczki„(1968), Ostatnie lato w Chulimsku” (1971)). Ambiwalencja bohatera („zły dobry człowiek"), konflikt wielowarstwowy, złożony splot tragiczne i komiczne początki. 3. Tradycje Czechowa w jego sztukach.

Dramaturgia „Post-Wampiłowskiego”. .

Na przełomie lat 80. XX w. w dramaturgię wkroczyło nowe pokolenie autorów, których twórczość tzw„dramat post-wampirzy”. Do tego pokolenia” Nowa fala» m.in. V. Arro, A. Galina, L. Petrushevskaya, V. Slavkina i inni. Twórczość tych dramaturgów łączy dbałość o negatywne aspekty Prywatność współczesny, który zatracił poczucie domu, którego wizerunek był tradycyjnie kluczowy w literaturze rosyjskiej. I to właśnie w dramacie powampiłowskim pojawiły się elementy poetyki charakterystyczne dla dramatu postmodernistycznego końca XX wieku- początek X XI w.

„Patrz, kto przyszedł!” (1982), V. Arro; „Mur” (napisany 1971, inscenizacja 1987), „Retro” (1979), „Trybuna Wschodnia” (1981), „Gwiazdy na niebie porannym” (1982) A. Galina; „Córka kolesia” (1979) (tytuł spektaklu to „ Dorosła córka młody człowiek„), „Serso” (1979) V. Slavkina; „Mężczyzna przyszedł do kobiety” (1978) S. Złotnikowa.

W centrum artystycznego świata spektakli „nowofalowych” znajduje siębohater jest złożony, niejednoznaczny , co nie mieści się w ramach jednoznacznych definicji. Przed nami z reguły bohater w wieku 30–40 lat, który wyłonił się z „młodych chłopców” lat 60. W młodości postawili poprzeczkę zbyt wysoko w stosunku do swoich nadziei, zasad i celów. Bohater nie jest zadowolony z siebie, swojego życia, otaczającej go rzeczywistości i szuka wyjścia z obecnej sytuacji (V. Arro „Look Who Came”, „Tragedia i komedianci”, V. Slavkin „Dorosła córka młody człowiek”, L. Pietruszewska „Trzy dziewczyny” na niebiesko”).

Bohater dramaturgia post-wampiryczna jest śmiertelnasamotny . Osieroceni bohaterowie zalali sztuki post-wampirów. „Bezojcostwo” bohaterów rodzi ich „bezdzietność”. Temat Domu, ujawniany w sztukach „nowej fali”, nierozerwalnie łączy się z tematem utraty więzi rodzinnych.

Bohaterowie wiedzą, co to jestdoskonały i dążą do tego, czują osobistą odpowiedzialność za niedoskonałości swojego życia, otaczającej rzeczywistości i siebie samego (A. Galin „Toastmaster”, „Trybuna Wschodnia”, V. Arro „Tragediarze i Komicy”).

Ważne miejsce w post-wampirowskiej dramaturgii zajmujemotyw kobiecy. Pozycja kobiet traktowana jest przez autorów jako kryterium oceny społeczeństwa, w którym żyją. A wartość moralna i duchowa męskich bohaterów sprawdzana jest poprzez ich stosunek do kobiet (sztuki L. Pietruszewskiej, A. Galina „Trybuna Wschodnia”, N. Kolady „Klucze do Lerracha”).

Wyraźnie widać to w sztukach tego kierunkutemat „innego życia” w innym społeczeństwie . Temat ten przechodzi przez pewne etapy od wyidealizowanej idei „innego życia” do całkowitego zaprzeczenia (V. Slavkin „Dorosła córka młodego mężczyzny”, A. Galin „Grupa”, „Tytuł”, „Przepraszam”, N. Kolyada „Polonez Ogińskiego”).

Bohaterowie spektakli wydają się przechodzić przez coś osobliwegosprawdź w Bytomiu . (L. Petrushevskaya „Schody”, V. Arro „Rut” itp.).

Kontynuując tradycje A.P. Czechow, dramatopisarze „nowej fali”zwiększać przestrzeń sceniczna . W ich spektaklach pojawia się wiele postaci spoza sceny, wyczuwalna jest obecność Historii i jej wpływ na współczesność. W ten sposób przestrzeń sceniczna rozszerza się do granic kompleksowego obrazu życia (V. Slavkin „Dorosła córka młodego mężczyzny”, S. Zlotnikov „Stary mężczyzna zostawił starą kobietę”, A. Galin „Trybuna Wschodnia”, itp.).

Często spotykane w sztukachelementy epickie - przypowieści, sny o bohaterach, w rozszerzonych uwagach wyraźnie widać wizerunek autora (V. Arro „Rut”, N. Kolyada „Polonez Ogińskiego”, „Opowieść o zmarłej księżniczce”, „Proca”, A. Kazantsev „Sny Evgenii”).

Charakterystyka dramaturgii „postwampilowskiej”:

1. Niejednoznaczność definicji gatunkowej sztuk teatralnych.

2. Związki z tradycjami dramatu społeczno-psychologicznego i społecznego, wpływy teatru Wampilowa i tradycji Czechowa.

3. Uwaga na „wewnętrzne” życie człowieka, naruszenie niewypowiedzianego zakazu na temat degradacji moralnej, dramat stagnacji odzwierciedlony od wewnątrz, specyfika użycia materiału mowy.

3. Oryginalność bohatera: poczucie niezadowolenia, osamotnienia, niemożności samorealizacji ze względu na potrzebę „odgrywania” ról narzuconych przez społeczeństwo.

4. „Płynność” charakteru, jego zależność od okoliczności.

Komedia, jej różnorodność gatunkowa .

Rozkwit gatunku komedii humorystycznej (naturalnej) w rosyjskim dramacie przypadł na lata 60. i 70. XX wieku. XX wiek Główną przyczyną są oczywiście warunki społeczno-historyczne, tzw. „odwilż”. Podobnie jak w odległych czasach pojawienia się komedii naturalnej, rozpoczęło się wyzwolenie społeczeństwa od myślenia totalitarnego i wyzwolenie zasady osobistej. Radość jednostki (i społeczeństwa) uwolnienia się od przestarzałych dogmatów podsyciła optymistyczną ideę zaufania ludzka natura i ogólny bieg życia, określony szczególny

życzliwe zainteresowanie indywidualnymi przejawami natury ludzkiej.

W tych latach tak powszechnie znane dzieła, jak „Pożegnanie w czerwcu” i „Najstarszy syn” A. Wampilowa, „Ironia losu” E. Bragińskiego i E. Ryazanowa, „Opowieści starego Arbatu”, „Stary -Fashioned Comedy” A. Arbuzova. W tym samym czasie ukazały się mniej popularne komedie przyrodnicze: „Dom z oknami na polu” A. Wampilowa, „Siedemnastolatek”, „Most i skrzypce”

I. Dvoretsky, „Pretenci” i „Krewni” E. Braginsky'ego i E. Ryazanowa, „W tym słodkim starym domu” A. Arbuzowa. W tym samym gatunku E. Braginsky'ego

powstały scenariusze filmów „Próżność próżności”, „Prawie”. zabawna historia„, „Jeździ starym samochodem”.

Gatunki komediowe.

1. Komedia liryczna(„Koledzy”, „Krewni” E. Braginsky'ego i E. Ryazanowa),

2. „Tragikomiczny spektakl w dwóch częściach” – „Prowincjonalne dowcipy” A. Wampilowa,

3. Współdziałanie zasad tragicznych i komicznych w dramaturgii „post-Wamipiłowa”.

„Komiksowe fantazje” Grigorija Gorina.

Dramaturgia Grigorija Gorina jest głównym i uderzającym zjawiskiem rosyjskiego procesu literackiego ostatniej tercji XX wieku. Jego sztuki cieszyły się ogromnym powodzeniem wśród publiczności, niektóre nabrały wręcz kultowego charakteru (wystawienie „Tila” w Lenkom – 1974, Film fabularny„Ten sam Munchausen” – 1979). Dramaturg stworzył niepowtarzalny świat artystyczny, którego oryginalność została doceniona zarówno przez krytyków, czytelników, jak i widzów.

Lata 70 odgrywa „Zapomnij o Herostratusie!”, „Til” i „The Most Truthful” („Ten sam Munchausen”). W latach 80. Gorin stworzył następujące rzeczy dzieła dramatyczne: „Dom, który szybko zbudował”, „Zjawiska”, „Formuła miłości”, „Modlitwa pogrzebowa”.

Charakterystyka dramaturgii G. Gorina:

1. Kontynuacja tradycji filozoficznego dramatu paradoksalnego. Relacja między tym, co aktualne, a tym, co wieczne, tym, co społecznie ostre i tym, co filozoficznie uogólnione, fantazją i rzeczywistością. Szerokie odwołanie do groteski, do metaforycznych konwencji zabaw i jawnej teatralności sztuk dramaturga.

2. Tradycja zapożyczania przez E. Schwartza wątków i obrazów „obcych” (literackich i mitologicznych). „Obcy” jako impuls do lotów fantazji. Powaga w stawianiu istotnych problemów społecznych i filozoficznych: związek między wartościami prawdziwymi i wyimaginowanymi, względność normalności i nienormalności, złożoność i nieunikniony konflikt relacji między osobą twórczą a władzą, związek między ignorancją a nienawiścią, pragnienie zniszczenie.

3. Paradoksalne myślenie artystyczne dramaturg w interpretacji słynnych obrazów, fabuł, w rozwoju konfliktu. Przekrojowe motywy tworzenia życia i tworzenia mitów. Różnorodne „pierwotne źródła”, które stanowią podstawę fabuły sztuk Gorina: „Til” (1970) - fantazja oparta na fabule S. de Costera, „Zapomnij o Herostratusie!” (1972) – interpretacja paradoksalna starożytna grecka fabuła; „Najbardziej prawdziwy” (1974), scenariusz filmowy „Ten sam Munchausen” (1979)) - przemyślenie wizerunku Munchausena przez E. Raspe, „Dom, który zbudował Swift” (1980) - nieoczekiwane rozwiązanie obrazu Szybki i jego bohaterowie; „Modlitwa pogrzebowa” (1989) – tragikomedia na podstawie twórczości Szoloma Alejchema, „Kin IV” (1991) – na podstawie sztuki J.-P. Sartre’a; „Zaraza na oba wasze domy!” (1994) - komediowa kontynuacja „Romea i Julii” oraz nowa interpretacja tematu szekspirowskiego; „Royal Games” (1995) - nawiązanie do twórczości J. Anouilha, „The Happy-Unfortunate” (1997) - do twórczości A.N. Ostrovsky'ego, „The Jester Balakirev” (2000) - poprzez odwołanie do tematu Piotra Wielkiego, do wizerunku swojego ulubionego błazna Piotra I, rozwinięcie kluczowego tematu – miejsca artysty i jego przeznaczenia.

Interakcja dramatu i poezji.

W okresie „odwilży”. sztuki performatywne rozwijał się w ścisłej interakcji z poezją. Na scenie Teatru Dramatu i Komedii Taganka odbyły się spektakle poetyckie, których podstawą dramatyczną były wiersze klasyków – V. Majakowski i S. Jesienin, dzieła współczesnych - A. Wozniesienski i E. Jewtuszenko. Teatr pod dyrekcją Yu Ljubimowa skłaniał się ku wyrazistym formom obrazowym, a dzięki lekko otwartej wówczas „żelaznej kurtynie” kultura artystyczna kraju zetknęła się częściowo ze sztuką zachodnioeuropejską i amerykańską. W szczególności na reżyserię Y. Lyubimova wpływ miała twórczość i koncepcje teoretyczne B. Brechta (Brecht Bertld (1898-1956) - niemiecki pisarz i reżyser, opracował zasady „teatru epickiego”, którego istotą jest wpływanie na umysł widza.)

U schyłku „odwilży” wymagani byli inni bohaterowie i odmienna – adekwatna – ocena rzeczywistości i stanu moralnego społeczeństwa, odległa od rzekomego ideału. Pod koniec lat 60. nastąpił spadek rozwoju dramatu. Oczywiście było to powodem aktywnego odwołania teatrów w latach 70. do twórczości rodzimych prozaików: F. Abramowa, V. Tendryakova, Y. Bondareva, V. Bykowa, B. Wasiljewa, D. Granina, V. Rasputina , Y. Trifonov, B. Mozhaeva, V. Shukshina, Ch. Aitmatova.

IV . Informacje o zadaniach domowych.

Przygotuj indywidualną wiadomość na temat A. Wampilowa, czytającego sztukę „Polowanie na kaczki”.

V . Zreasumowanie. Odbicie.

Przełom lat 50. i 90. to aktywne poszukiwanie nowych form w dramacie i teatrze. Uwaga na te codzienne momenty, które służą jako punkt przecięcia psychologii społecznej i osobistej, jest charakterystyczna dla twórczości V. Rozova, A. Volodina, A. Vampilova i wielu innych. Spektakle powstałe w tych latach dostarczyły płodnego materiału do odnowy sztuki teatralnej. Lata 70. i 80. to okres rozkwitu teatru. W tych latach pracowali G. Tovstonogov, O. Efremov, A. Efros, M. Lyubimov, M. Zakharov.

Umocnienie totalitaryzmu, izolacja wczorajszych jeńców wojennych, deportacja na wschodnie tereny szeregu narodów oskarżonych o „zbiorową zdradę”, aresztowanie i deportacja inwalidów wojennych w odległe rejony „Te straszne osiem lat trwało długo. Dwa razy dłużej niż wojna. Długo, bo w strachu fikcja i fałszywa wiara odrywały się od duszy; oświecenie przyszło powoli. Tak, i trudno było zgadnąć, że odzyskałeś wzrok, bo oczy, które odzyskały wzrok, widziały tę samą ciemność, co ślepe” (D. Samoilov)

„Żdanowszczyna” 14 sierpnia 1946 Uchwała Komitetu Centralnego Wszechzwiązkowej Komunistycznej Partii Bolszewików w sprawach literatury i sztuki „O czasopismach „Zwiezda” i „Leningrad”. „Wulgary i szumowiny literatury” Zoszczenki i Achmatowa. 4 września 1946. „O braku pomysłów w kinie”. Luty 1948. „O dekadenckich trendach w Muzyka radziecka" rok. Walka z kosmopolityzmem. 13 stycznia 1953 „Ujawnienie” „spisku morderczych lekarzy”. MM. Zoszczenko

Prezentacja na lekcję N.Yu. Shurygina 7 „Teoria bezkonfliktu” „W społeczeństwie sowieckim nie ma podstaw do narodzin antagonistycznych konfliktów, jest jedynie konflikt między dobrem a najlepszym”. „Te lepkie książki są przygnębiająco identyczne! Mają stereotypowe postacie, motywy, początki i zakończenia. Nie książki, ale bliźniaki - wystarczy przeczytać jedną lub dwie z nich, aby poznać wygląd trzeciego” (V. Pomerantsev „O szczerości literatury, 1953)

Esej refleksyjny proza 1952. V. Owieczkin „Życie codzienne w dzielnicy”. Seria 5 esejów. Fakty z prawdziwego życia ludzi z buszu, sytuacja chłopów kołchozowych (dni robocze, brak paszportów). Wizerunek sowieckiego biurokraty-funkcjonariusza Borzowa zostaje skontrastowany z wizerunkiem „duchowego” Martynowa. Były menedżer o silnej woli i nowy niezależny dyrektor biznesowy. V. Tendryakov „Upadek Iwana Czuprowa”. Prezes kołchozów oszukuje państwo na korzyść swojego kołchozu. Degeneracja moralna człowieka, który egoistycznie wykorzystuje swoją pozycję w społeczeństwie. G. Troepolsky „Notatki agronoma”. Cykl historie satyryczne o roku wiejskim. Na podstawie opowiadania W. Tendryakova „Nie na dworze” „Życie codzienne” wieś powojenna»

Powieści o młodzieży 1953. V. Panova „Pory roku”. Temat „ojców” i „synów”. Wizerunek Giennadija Kupriyanova to typ współczesnego młodego człowieka, obojętny, sceptyczny, ironiczny, urodzony warunki społeczne. Temat degeneracji skorumpowanej nomenklatury sowieckiej (los Stepana Bortaszewicza) roku. I. Erenburg „Odwilż”. Odwilż publiczna (powrót skazanych, możliwość otwartego mówienia o Zachodzie, nie zgadzanie się z opinią większości) i osobista (być uczciwym zarówno publicznie, jak i wobec własnego sumienia). Problem wyboru pomiędzy prawdą a kłamstwem. Prawo artysty do wolności twórczej i jego niezależności od wymogów ideologii i bezpośredniej korzyści państwa. Historia „przeciętnego” człowieka, wyjątkowa głębia jego przeżyć, ekskluzywność świata duchowego, znaczenie „pojedynczej” egzystencji

1954 II Ogólnounijny Kongres Pisarzy Dyskusje na łamach Gazety Literackiej: -Pytanie o postać bohatera literatury -Pytanie o teksty roku. Publikacja grubych czasopism: „Przyjaźń narodów”, „Literatura zagraniczna”, lata „Nevy” - „Młoda Gwardia”, „Pytania o literaturę” itp. „Naród radziecki chce widzieć w swoich pisarzach zapalonych bojowników, aktywnie interweniujących w życiu, pomagając ludziom budować nowe społeczeństwo. Nasza literatura ma nie tylko odzwierciedlać nowe, ale także pomagać w każdy możliwy sposób w jego zwycięstwie.

Kinematografia W centrum los człowieka.1964 1957 1956 1961.

Życie teatralne 1956 Teatr Sovremennik został założony przez grupę młodych aktorów. (Pierwszy spektakl na podstawie sztuki Rozova „Eternally Alive” (reż. O. Efremov). Wolne twórcze stowarzyszenie grupy podobnie myślących ludzi, zdolne do obrony jako integralna grupa artystyczna rok. Powstał Teatr Taganka (premierą była sztuka B. Brechta „ miła osoba z Szechwanu” (reż. Yu. Lyubimov). Swobodny element gry, odwaga kwadratowych przedstawień, odrodzone tradycje Wachtangowa i Meyerholda, aktorskie mistrzostwo w całej palecie sztuk

„Opinia Ludowa” 1957. Prześladowanie B. Pasternaka od roku. „Dron niemal literacki” I. Brodski został aresztowany na rok. A. Sinyavsyakiy i Y. Daniel zostali aresztowani za „agitację i propagandę antyradziecką” (publikowanie dzieł satyrycznych za granicą) 1970. nagroda Nobla Sołżenicyn ma rok. Pozbawienie obywatelstwa sowieckiego na rok. Klęska „Nowego Świata” „Listy od ludu pracującego” - gniewne wiadomości w imieniu robotników itp. „Opinia ludu” była nie do podważenia. Pozasądowe formy odwetu: ludzie byli przymusowo umieszczani w specjalnych szpitalach psychiatrycznych

Proza 1956. W. Dudincew. Powieść „Nie samym chlebem” P. Nilin „Okrucieństwo” 1957. S. Antonow. „Stało się to w Pieńkowie” 2005. S. Govorukhin 1957. Stanisław Rostocki

1964 S. Zalygin „Nad Irtyszem”. Kolektywizacja lat 30. na syberyjskiej wsi to tragedia śmierci wielowiekowego chłopskiego sposobu życia z głębokimi, tradycje kulturowe rok. V. Belov „Biznes jak zwykle”. Potwornie niesprawiedliwe życie kolektywnego rolnika z Wołogdy i jego żony. „Przestrzeń Chłopska” przepełniona jest poezją, miłością i mądrością. Proza wiejska x lat 1952. Rok V. Owieczkina „Życie codzienne w dzielnicy”. A. Yaszyn. Historia „Dźwignie”. Liderzy kołchozów przed, w trakcie i po zebraniu partii. Normalni ludzie przekształcić się w „dźwignie” władzy. „Wieśniacy” 1970. W. Rasputin. "Termin ostateczny". Śmierć wiejskiej staruszki Anny to spokojne i świadome przejście z ziemskiej egzystencji do innego życia. Problemy życia i śmierci.

1946 W. Niekrasow „W okopach Stalingradu”. Wojna ukazana jest poprzez życie codzienne zwykli żołnierze. Zwycięstwo w wojnie nie zostało odniesione przez generałów i marszałków, ale przez naród. „Okopowa” prawda o wojnie „Proza porucznika” 1959. G. Baklanov „Cal ziemi” i inni. Y. Bondarev „Bataliony proszą o ogień” i inni. Do Worobiewa. Historia „Zabity pod Moskwą” i inne. B. Wasiliew. „A tu świt jest cichy” itp. Los człowieka w nieludzkie warunki. Prawdziwe oblicze wojny, istota „ciężkiej pracy” żołnierza, koszt strat i sam nawyk ponoszenia strat – to stało się przedmiotem myśli bohaterów i ich autorów.

„Proza młodzieżowa” „Patrzę tam, patrzę i zaczyna mi się kręcić w głowie, i wszystko, wszystko, wszystko, co się w życiu wydarzyło i co się jeszcze wydarzy, wszystko zaczyna się kręcić i już nie rozumiem, czy to ja kłamię na parapecie czy nie ja.” A prawdziwe gwiazdy, pełne najwyższego znaczenia, krążą i krążą nade mną. A. Gladilin „Kronika czasów Wiktora Podgurskiego” 1957. A. Kuzniecow „Kontynuacja legendy”. Odnalezienie drogi na „placach budowy stulecia” i w życie osobiste rok. V. Aksyonov „Bilet gwiezdny”. Beztroscy absolwenci moskiewskiej szkoły, ubierający się po zachodnim stylu, kochający jazz, nie chcący siedzieć w jednym miejscu. Pokolenie romantyków, których motto brzmi: „Do gwiazd!” 1962 Film A. Zarkhiego „Mój młodszy brat” Zjawisko krótkotrwałe. Stylistycznie wzbogaciła się literatura lat 90. Monologi konfesyjne, slang młodzieżowy, styl telegraficzny.

Gatunek opowiadania Yu.P. Kazakow V.M. Shukshin ()

Wasilij Makarowicz Szukszin Gatunki opowiadań: historia-los („Polowanie na życie”) bohater fabularny („Odcięcie”, „Uraza”, „Crank”) historia-spowiedź („Raskas”) historia-anegdota „Bohater Szukszyński” - dziwak: melodyjność, pech, nieśmiałość, bezinteresowność, szczerość

Lata „prozy obozowej”. V.T. Szałamow pisze „Opowieści z Kołymy” (wyd. w Londynie, 1988). Yu.O. Dombrovsyakiy pisze „Wydział rzeczy niepotrzebnych” (opublikowany we Francji), 1962. A.I. Sołżenicyn „Jeden dzień z życia Iwana Denisowicza” (opublikowany w 1962 r.) Varlam Tichonovich Shalamov (rok) Yuri Osipovich Dombrovsyakiy () „Każdy obywatel wszystkich dwustu milionów obywateli musi przeczytać i zapamiętać tę historię związek Radziecki„(A.A Achmatowa)

« Epoka brązu» Jewtuszenko, Woznesenski, Rozhdestvensky Akhmadulina Okudzhava Sokolov V. Kunyaev S. Gorbovsyakiy G. Rubtsov N. Zhigulin A. Narovchatov S. Slutsky B. Drunina Yu Samoilov D. Levitansky Teksty popowe Ciche teksty Teksty z pierwszej linii The Thaw is the rozkwit poezja w literaturze

Dramaturgia, liryzm, wzmożona podmiotowość, charakterystyczna dla literatury odwilży, gatunek melodramatu Afinogenov A. „Mashenka” Arbuzov A. „Tanya” Leonov L. „ Zwyczajna osoba» Rozov V. Zorin L. Volodin A. Aleshin S. Radzinsky E. Roshchin M. codzienne życie ludzi (subtelna, delikatna poezja), ich codzienne troski (ostry dramat)

1954 "Dzień dobry!" 1957 „W poszukiwaniu radości” 1957. „Forever Alive” „Rozov Boys” dokonują wyboru między przyjętymi standardami a własną indywidualnością, aktywnie przeciwstawiają się standardom i szukają własnego układu współrzędnych. Liryczny patos spektakli to fuzja współczucia, humoru, łez i uśmiechu, ironii i patosu. Rozow Wiktor Siergiejewicz ()

„Pięć wieczorów” 1966. „Starsza siostra” „Nie rozstawaj się z bliskimi” Aleksander Wołodin Bohaterami sztuk Wołodina są intelektualiści: bezbronni, bezbronni, wolą sami cierpieć, niż sprawiać ból bliskim, dlatego szczególnie potrzebują współczucia i zrozumienia. () 1963. „Tania” 1964. „Mój biedny Marat” Głos autora głosem pokolenia. Młody bohater, pewny siebie, wkraczający w życie i chcący je odbudować. Aleksiej Arbuzow żyje w poszukiwaniu szczęścia ()

Aleksander Walentinowicz Wampiłow () 1967. „Najstarszy syn” 1967. „Polowanie na kaczki” zrewolucjonizowało zarówno rosyjski dramat, jak i rosyjski teatr.

Teatr Wampilowa Źródła: Melodramat Teatru Egzystencjalizmu z lat 60. XX w., w którym na nowo przemyśleno rolę swojego pokolenia: „gwiazdorscy chłopcy” przedstawieni są jako „stracone pokolenie” potraktowani jako paradoksalny eksperyment mający na celu sprawdzenie głównego pytania jego twórczości CZYM JEST WOLNOŚĆ? „sytuacja progowa” (to właśnie na „progu” ujawnia się prawdziwa cena i sens wolności) Anegdotyczne opowieści współczesnego folkloru miejskiego – atmosfera komicznie absurdalnego aktorstwa

Michaił Michajłowicz Roszczin () 1967. „Stary Nowy Rok” 1970. „Walentynki i Walentynki” i inne.

Arbuzow zawsze pokazuje swojego bohatera w ruchu, wzroście, rozwoju... Godność jego bohaterów i jego sztuk polega na tym, że życie, które ich wypełnia, podobnie jak prawdziwe życie, jest złożone i pełne sprzeczności. To prawda, że \u200b\u200bArbuzow czasami próbuje zmieścić w ramach dramatu tak wiele różnych konfliktów, że nie mieszczą się one w nich i nie będąc w pełni ujawnionymi, fragmentaryzują obrazy i fabułę, zamieniając (co jest połączone z innymi powodami) dramat romantyczny w płytki melodramat. Ale najlepsze sztuki Arbuzova dają widzowi poczucie witalności i artystycznej autentyczności.

Podobnie jak wszyscy żyjący ludzie, zwłaszcza ludzie rozwijający się duchowo, bohater Arbuzowa ma zarówno zalety, jak i wady. Ale ponieważ Arbuzow stawia sobie za cel stworzenie typowego wizerunku radzieckiego młodzieńca i udaje mu się to w najlepszych sztukach, ludzka podstawa moralna jego bohatera jest pozytywna. Cnoty bohatera pomagają mu pokonać słabości i braki, dzięki czemu ukazują się w szczególnie jasnym świetle.

Definiowanie cech jednego lub drugiego ruch estetyczny znajdują szczególny wyraz w twórczości każdego pisarza, ze względu na cechy jego talentu i indywidualności artystycznej. Będąc całkowicie wiernym kierunkowi liryczno-romantycznemu, A. Arbuzov działa jako artysta z własnym tematem, własnym stylem, swoim niepowtarzalnym wyglądem.

Próbując wypełnić swoje sztuki romansem świeżych i młodzieńczych uczuć, Arbuzov wypełnia je także romantycznym wiatrem latania. Prawie wszystkie sztuki Arbuzowa są skonstruowane w zasadzie w ten sam sposób. Pomiędzy poszczególnymi aktami jest bardzo długi czas. Arbuzow ukazuje swoich bohaterów bardzo młodych, następnie ukrywa ich przez kilka lat, naznaczonych ogromnymi wydarzeniami historycznymi (ogromne zmiany w przebiegu budownictwa socjalistycznego, początek Wielkiej Wojny Ojczyźnianej, jej zwycięskie zakończenie), a następnie sprowadza ich z powrotem na scenę - zmienił się, dorósł i wiele doświadczył, zahartowany w wirze trudnych wydarzeń.

Arbuzow Aleksiej Nikołajewicz – rosyjski dramaturg radziecki. Urodził się 26 maja 1908 r. Ukończył szkołę teatralną w Moskwie. Działalność literacka rozpoczął szkolenie w 1923 r. Pierwszą sztuką Arbuzowa jest „Klasa” (1930). W 1935 roku napisał komedię „Sześć kochanych” i sztukę „Długa droga”, w której jasno nakreślono główne motywy twórczości Arbuzowa: dbałość o kształtowanie duchowego wizerunku radzieckiego młodego człowieka, subtelny liryzm, zamiłowanie dla kameralnych form dramatu i długoterminowej, obejmującej zwykle kilka lat, długości akcji. Cechy te, które pozwalają dramatopisarzowi śledzić rozwój charakteru bohatera, szczególnie konsekwentnie wyrażają się w jednej z jego najlepszych sztuk „Tanya” (1939), która przyniosła Arbuzowowi szerokie uznanie i była wystawiana niemal we wszystkich teatrach w kraju. W 1939 roku Arbuzow zorganizował Moskiewskie Studio Teatralne, które podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej stało się teatrem frontowym. Po zakończeniu wojny pracownia została zamknięta. W 1947 r. Arbuzow napisał lekki dowcip komediowy „Spotkanie z młodzieżą”, a w 1948 r. dramatyzował powieść Turgieniewa „W przeddzień”. Do najlepszych i najbardziej charakterystycznych dzieł Arbuzowa należy sztuka „Lata wędrówek” (1954). W 1959 roku stworzył dramat „ Historia Irkucka”, w latach 60. tragikomedia „Godzina dwunasta”. Sztuki Arbuzowa są szeroko wystawiane w różnych krajach.

Na dnie wspaniałych sztuk A. N. Arbuzowa „Okrutne zamiary” (1978) odtwarza smutny obraz moralnego impasu, w jakim znajdują się zarówno dorośli, jak i młodsze pokolenie: rodzice dziewiętnastoletniej Nelyi, ojciec Terenty'ego i Nelya ona sama, Masza Zemcowa i Nikita. Ojciec Terenty’ego przez całe życie grał w „okrutne igraszki z życiem”, dużo pił, stracił żonę i zerwał więzi z synem. Matka Kaia tak naprawdę porzuciła syna i „bawi się” w niego miłością na odległość, wysyłając z zagranicy pisane na maszynie listy. Zgorzkniały Kai tęskni za ciepłem, z czułością wspomina swoje dzieciństwo, prezenty noworoczne pod drzewem, kiedy on i jego rodzice byli razem: „Tak bardzo się kochali. I wszystko zostało zniszczone w ciągu jednego dnia. A kiedy odeszła, mój ojciec spojrzał na mnie i powiedział: „Wyglądasz jak twoja matka, spójrz w lustro - to dokładnie kopia!” I rzucił mnie w kąt. I wtedy wszystko się skończyło: przestałem kochać wszystkich. I nikomu nie było mi szkoda. „Przestałem wszystkich kochać” – tak Kai swoją bezduszność i egoizm tłumaczy okrucieństwem rodziców. Matka Nelyi terroryzowała swoją córkę - życzliwą, wesołą, ale także nauczyła się bawić w „okrutne gry”: porwała dziecko Maszy Zemcowej, aby sprawdzić autentyczność uczuć ukochanego Nikity Lichaczewa. Sama Masza gra w „własne gry”, zdając sobie sprawę, że „przebiegła obok szczęścia”, gdy miła, przyzwoita Misza, w przeciwieństwie do innych postaci, już nie istnieje. „Jest wiele gier, Mashenka. I jakoś nie oglądasz się na ludzi.<…>Ale życie wymaga uważności. Zgłoś się” – powie żonie, która opuszcza sześciomiesięczną córeczkę. „Gramy i bawimy się, ale wciąż nie mamy dość” – powie Masza, gdy znajdzie

Moskwa Nelya z córką.

Sztuka A. Arbuzowa ujawnia różne sposoby stosunku do życia, bada źródła braku duchowości i okrucieństwa. Wspominając przyjaciół, dawne czasy, kiedy byli razem („Nas troje niczego się nie boimy”), Terenty zadaje jedno z charakterystycznych pytań literatury rosyjskiej drugiej połowy XX wieku – „Jak to się wszystko stało? Dlaczego my

stał się taki!”

LITERATURA

1. Arbuzov A. N. Wybrany. Wyprodukowano: w 2 tomach - M., 1981.

2. Vishnevskaya I. Alexey Arbuzov: Esej o kreatywności: - M., 1971.

3. Gromova M.I. Rosyjska dramaturgia współczesna. Instruktaż. – M., 2002.

Aleksander Mojjewicz Wołodin (1919–2001)

A . Wołodin (prawdziwe nazwisko Lifshits) jest poetą, dramaturgiem i prozaikiem. Przyszły pisarz spędził dzieciństwo w Moskwie. Matka zmarła, gdy chłopiec miał pięć lat,

wychowywał go wujek, moskiewski lekarz. Przez pewien czas Wołodin studiował w Moskwie instytut lotnictwa. W 1939 wstąpił do Państwowego Instytutu Kinematografii, który ukończył po wojnie w 1949.

Od 1939 r. Minął Wołodin służba wojskowa w wojsku, brał udział w Wielkiej Wojnie Ojczyźnianej i został odznaczony medalem „Za Odwagę”. W 1944 roku został ciężko ranny i leczony w Moskwie, gdzie napisał swój pierwszy wiersz. Po ukończeniu wydziału teatrologii GITIS (warsztat E. Gabriłowicza) pracował w leningradzkim studiu filmów popularnonaukowych.

Pierwsza książka Wołodina, zbiór „Opowieści” (1954), stała się „podejściem” do eksperymentów dramatycznych. W 1967 ukazał się jego pierwszy zbiór sztuk teatralnych i scenariuszy filmowych „Dla teatru i kina” w tym autobiograficzny „Notatki optymistyczne”– rodzaj komentarza do dramaturgii, posłowia do książki. Prozę Wołodina można potraktować także jako rodzaj spowiedzi. „Notatki pijanego mężczyzny”(1991), w którym otwarcie opowiada o swoich ścieżka twórcza związane z teatrem i kinem.

Pierwsza gra „Dziewczyna z fabryki” przyniosła dramaturgowi głośną i kontrowersyjną sławę. Jak wspomina sam autor w Notatkach optymistycznych, spektakl był krytykowany „za oczernianie, krytykowanie i zniekształcanie rzeczywistości”.

Już w pierwszej sztuce Wołodina widać jego kontury indywidualny styl – konwencja, parodia, humor, co stanie się bardziej widoczne w „The Assignment”.

„Miejsce docelowe” jest komedia satyryczna o sowieckiej biurokracji, groteskowa sztuka. Są tu podwójne postacie, biurokraci o lustrzanych twarzach i „rezonujące” nazwiska Kuropeeva i Muroveyeva.

Sztuki Wołodina krytykowano zarówno za „pesymizm”, jak i „drobną tematykę”. Przez długi czas dzieła o charakterze przypowieści „Dwie strzały” (1967), „Castruccia” (1968), „Jaszczurka” (1969), „Dulciney of Toboso” (1969), „Matka Jezusa” (1970) nie były wpuszczane na scenę.

Jednak sztuki Wołodina stały się bardzo popularne, wystawiali je znani reżyserzy - O. Efremov, G. Tovstonogov, B. Lvov-Anokhin, A. Efros.

„Castruccia” to dystopia. Dramaturg rozwija w nim tradycje E. Zamiatin (powieść „My”), J. Orwell(powieść „1984”). Artystyczna swoboda – od socrealistycznego realizmu po bezpośrednią konwencję – cechuje paraboliczny spektakl „Jaszczurka”, w którym poruszany jest temat wzajemnego niezrozumienia. Akcja w nim zostaje przeniesiona do Era kamienia łupanego. Bohaterowie wyrażają się w wierszach Puszkina i Czechowa.

Tematyka sztuk Wołodina jest różnorodna. Hymn miłości śpiewany jest w spektaklu „Pięć wieczorów” - o dwóch rozwiedzionych sercach okrutna rzeczywistość. Premiera „Pięciu wieczorów” odbyła się w Leningradzkim Teatrze Dramatycznym Bolszoj. Gorkiego w 1962 r., do dziś odnosi sukcesy na scenie Moskiewskiego Teatru Artystycznego ze znanymi aktorami Yu Garmashem i E. Yakovlevą. Spektakl „Dulcynea Toboso” O. Efremov wziął za swój debiut reżyserski.

A. M. Wołodin jest laureatem Nagrody Państwowej, Triumfu i Złotej Maski oraz Nagrody Literackiej Prezydenta.

Napisz recenzję sztuki A. Wołodina „Pięć wieczorów”.

LITERATURA

1. Wołodin A. M. Jesienny maraton: Odtwarza. – L., 1985.

2. Lanina T. Alexander Volodin: Esej o życiu i twórczości. – L., 1989.

Aleksander Walentinowicz Wampiłow (1937–1972)

A . Wampiłow wkroczył do literatury wraz z pokoleniem „po latach sześćdziesiątych”, do którego należeli W. Wysocki, W. Szukszin, W. Rasputin, W. Biełow, G. Gorbow.

Pisarz o wyjątkowym wyglądzie twórczym A. Wampiłow przywiózł ze sobą doświadczenie Nowoczesne życie, pełen pytań, konsternacji i bolesnych poszukiwań bohaterów w świecie utraconych wartości. Zasługą A. Wampilowa w rosyjskim dramacie jest to, że odsłania tematy i postacie, które naprawdę istnieją w życiu, ale czasami mijają naszą świadomość. Utalentowanemu dramatopisarzowi udało się z wyczuciem uchwycić i przekazać utratę człowieczeństwa i życzliwości w codziennej bieganinie – przymiotów tak niezbędnych dla duchowej harmonii i wzajemnego zrozumienia między ludźmi. Testowanie osoby z życiowymi kolizjami - wygodą, pieniędzmi, sytością, dobrym samopoczuciem lub, przeciwnie, stratami, niepowodzeniami, problemami - to jeden z najpilniejszych problemów dramaturgii A. Wampilowa.

A. Wampiłow urodził się 19 sierpnia 1937 r. we wsi Czeremchowo w regionie Angara. Chłopiec otrzymał imię Aleksander na cześć Aleksandra Siergiejewicza Puszkina (1937 przeszedł do historii jako stulecie poety).

Ojciec przyszłego dramaturga Walentina Nikiticza Wampilowa pochodził z dużej rodziny chłopów buriackich, według wspomnień współczesnych był bystrą i niezwykłą osobowością. Nie było mu przeznaczone brać udział w wychowaniu najmłodszy syn. Dyrektor Kutulińskiej Liceum, człowiek wielkiej erudycji, żarliwie zakochany w literaturze, został aresztowany w 1937 roku i zapisał się do „Pan-Mongolistów” – fikcyjnej przez funkcjonariuszy bezpieczeństwa grupy, która rzekomo miała na celu zjednoczenie Buriacji i dwóch okręgów narodowych z Mongolią . Na początku 1938 r. rozstrzelano Walentina Nikiticza, a w 1957 r. przeszedł całkowitą rehabilitację. W tym samym roku 1938 rozstrzelano także ojca Anastazji Prokopiewnej (matki Aleksandra). Prawosławny ksiądz w trzecim pokoleniu. Anastasia Prokopyevna uczyła matematyki i pracowała jako dyrektor w tej samej szkole, w której pracował ojciec Aleksandra Wampilowa. Anastasia Prokopyevna samotnie wychowała czworo dzieci - Wołodię, Miszę, Galię i Aleksandra.

A. Wampiłow zaczął pisać opowiadania na pierwszym roku studiów na Uniwersytecie w Irkucku.

Przyszły dramaturg studiował na Wyższych Kursach Literackich przy ul Instytut Literacki ich. A. M. Gorki.

Na światopogląd Wampilowa duży wpływ miała komunikacja w okresie moskiewskim (1963–1965) z tak znakomitymi reżyserami i pisarzami, jak Wiktor Rozow, Afanasy Salynski, Gieorgij Towstonogow, Aleksander Twardowski, Oleg Jefremow. Szkoła literacka dla dramaturga stał się także tzw „Szkoła irkucka” - komunikacja z poetami Giennadijem Maszkinem, Wiaczesławem Szugajewem, Giennadijem Nikołajewem, Dmitrijem Siergiejewem. Jasna przyjaźń zjednoczyła Aleksandra Wampilowa i poetę Wołogdy Nikołaja Rubcowa.

A. Wampiłow żył krótko. Utonął 17 sierpnia 1972 roku, już kilka metrów od brzegu, do którego płynął, serce mu zamarło, po tym jak łódź wywróciła się po napotkaniu zaczepu ukrytego pod wodami Bajkału.

Musiał pisać tylko przez siedemnaście lat. W tym czasie A. Wampiłow stworzył 273 opowiadania, liczne opowiadania, jednoaktówki, szkice dramatyczne

(„Dom z oknami na polu”, „20 minut z aniołem”). Jego sztuki - „Pożegnanie” taniec w czerwcu” (1966),„Najstarszy syn” (1967), „Polowanie na kaczki” (1970), „Ostatnie lato w Czu-limsku”

(1972), „Prowincjonalne żarty”(1971) wszedł do złotego funduszu rosyjskiego dramatu. Znacznie mniej znane są opowiadania, eseje i felietony Wampilowa napisane w latach, gdy był sekretarzem wykonawczym irkuckiej gazety „Młodzież Radziecka”. W grze „Dom z oknami na pole” A. Wampiłow z pewną dozą humoru sformułował swoje prawo wielkiego sukcesu: „Aby zyskać uznanie, musisz odejść lub umrzeć”.

Dużo piszą o sztukach A. Wampilowa, kłócą się o jego bohaterów i wiele mówią różne zdania, że pojawiło się wyrażenie „entuzjastyczne niezrozumienie Wampilowa” (V.

Rasputina). Niemniej jednak wszyscy krytycy i badacze literatury jednoczą się w afirmacji głębi wpływ psychologiczny Sztuki Wampilowa.

W w szczególności V. Rasputin słusznie zauważa: „Razem z Do ciebie, Piłow, do teatru przyszła szczerość i życzliwość - starożytne uczucia, jak chleb i jak chleb, niezbędne dla naszego istnienia i dla sztuki. Nie można powiedzieć, że przed nim ich nie było – istniały oczywiście, ale nie z tą oczywistą perswazją i bliskością widza”.

W krytyka literacka szczególnie podkreślała tradycje Czechowa w twórczości Wampilowa. Rzeczywiście, realizm sztuk i charakterystyczna dla Czechowa milcząca groteskowość są dość zauważalne w większości sztuk dramaturga. Również osobliwość Język Wampiłowski - humor.

W W sztukach A. Wampilowa współistnieją liryzm i fantazja, hiperbola i groteska, komedia i tragedia. A. Wampiłow nie próbował wymyślać nowych prawd, zmuszał swojego rozmówcę - czytelnika, widza - do ponownego przemyślenia i upewnienia się, że takie kwestie, jak kwestie dobra i zła, okrucieństwa i miłosierdzia, miłości i nienawiści, przyzwoitości i podłości, obojętność i uczestnictwo zawsze martwiły ludzi i każdy musi o tym zdecydować.

Już pierwsza sztuka A. Wampilowa „Pożegnanie w czerwcu” porusza istotne kwestie związane z demaskowaniem cynizmu, podłości i zdrady. Podobnie jak kolejne sztuki dramatopisarza – „Najstarszy syn”, „Polowanie na kaczki”, „Ostatnie lato w Chulimsku”, „Anegdoty prowincjonalne”, tak i w „Pożegnaniu czerwca” ujawniają się niepokojące zjawiska o charakterze społecznym i etycznym. W grze powstaje temat kompromisu moralnego i wyboru, przed którym stoi bohater spektaklu, student Kolesow, który nie jest pozbawiony uroku. Znajduje się w delikatnej sytuacji: jest zakochany w Tanyi, córce rektora uniwersytetu, na którym studiuje. Ojciec dziewczynki stawia mu warunek – porzucenie Tanyi – a wtedy otrzyma dyplom i możliwość studiowania na studiach. Kolesow zgadza się i zdradza swoją ukochaną dziewczynę. Wyrzuty sumienia, udręka moralna w-

Prowadzą bohatera do wyboru: podrze dyplom, odnajduje spokój ducha, utraconą uczciwość.

Spektakl „Pożegnanie czerwca”, bardzo subtelny w obserwacji, w połączeniu z później-

emanuje twórczością dramaturga jednością ideologiczną, koncepcją harmonii

osoba. Jeden z najjaśniejszych obrazów, antybohater w świat sztuki A. Wampilowa, w przedstawieniu pojawi się wizerunek Zołotujewa, wujka Kolesowa, którego trafnie nie bez powodu nazywa „starcem z koszmaru”. Zołotujew to nie tyle fantasmagoryczny obraz, ile straszny wytwór braku duchowości, wewnętrznej nieczystości i cynizmu. Po przeczytaniu sztuki „Pożegnanie w czerwcu” A. Twardowski powiedział: „Zastanawiam się, czy Wampiłow obserwował tego Zołotiewa za życia, czy też to wymyślił? Jeśli to zaobserwowałeś, jest to cudowne; jeśli to wymyśliłeś, jest jeszcze cudowniejsze. Co to za rycerz zysku, co to za pasja!

Sztuka „Polowanie na kaczki”, napisana w 1967 r. i opublikowana w 1970 r., jest zdaniem wielu krytyków jednym z „najpotężniejszych dzieł tragikomicznych Wampilowa”. W „Polowaniu na kaczki” Wampiłow stworzył genialną galerię postaci, która wywołała ogromny oddźwięk. Szczególnie wizerunek głównego bohatera Ziłowa wywołał wiele kontrowersji i sprzecznych ocen.

W groteskowo-realistyczny dramaturg uchwycił jako znaki czasu przejawy obojętności i sceptycyzmu, oportunizmu, pragmatyzmu aż do okrucieństwa. To właśnie imię Ziłowa w krytyce literackiej oznacza termin „Ziłowszcz-

na", zawierające psychologię obojętność, bezwładność, pusta dusza.

Wyjątkowość kompozycji sztuki polega na tym, że punktem wyjścia rozwoju akcji jest zakończenie, to znaczy tragikomedia zaczyna się od końca opowieści, trzy akty składają się z sześciu scen i każda jest napisana jak sen- pamięć Ziłowa. Wspomnienia ze snów prezentowane są retrospektywnie, bohaterowie grają w nich w rzeczywistych okolicznościach - w kawiarni, w nowe mieszkanie Zilov w biurze projektowym, gdzie Zilov pracuje jako inżynier.

Istotna autentyczność sztuki Wampilowa polega na stworzeniu złożonej i kontrowersyjny. W sztuce dramatopisarza Ziłow zdaje egzamin moralności jako syn, jako mąż, jako obywatel – i nie zdaje żadnego egzaminu. Bohater ma

dzięki niezwykłej naturze potrafi być prawdomówny, zdolny do surowej, trzeźwej oceny swoich czynów. Jednak przeważa obojętność, sceptycyzm i kłamstwo, prowadzące do duchowej degradacji i ponownej próby rozpoczęcia wszystkiego od nowa, rozpoczęcia od polowania na kaczki, które planuje przez całe przedstawienie i jego finał.

Aby scharakteryzować wizerunek Ziłowa, A. Wampiłow używa antytezy jako znaczącego kontrastu różne poziomy– zarówno w uwagach autora, jak i w mowie bohaterów, i w dialogach, które odsłaniają istotę charakterów bohaterów: moralną niższość Ziłowa, egoizm pięknej Wiery, zdolnej do jakiegokolwiek rozliczenia się ze swoim sumieniem, cynizm i okrucieństwo kelnera Dimy, oportunizm Sayapina i Kuzakowa – przyjaciół Ziłowa. Zewnetrzne piekno Ziłowa kontrastuje ze swoją niższością moralną: bohater od czterech lat nie widział rodziców, nigdy nie odwiedził chorego ojca, nie interesuje się jego zdrowiem, jedynie cynicznie komentuje jego listy. Otrzymawszy wiadomość o śmierci ojca, Ziłow pogrąża się w żałobie i ma zamiar udać się na pogrzeb, ale na wydział przychodzi młoda dziewczyna Ira, a bohater rozpoczyna nowy flirt. Do kawiarni, w której Ziłow umawia się z Irą, przychodzi także jego żona Galia. W ten sposób melodia żałobna zmienia się w bezczelną i wulgarną.

Kluczowym fragmentem spektaklu jest gra – wspomnienie miłości. Galya powie Zilovowi: „Przestań udawać. Przez długi czas nic cię nie obchodziło. I ustawię dokładną średnicę

gnoza: „Nie obchodzi cię to. Wszystko na świecie. Nie masz serca. To jest problem. W ogóle

bez serca."

Tworząc wizerunek Ziłowa, A. Wampiłow unika jednak schematów i uproszczeń, nadając mu autentyczny dramat. Dusza Ziłowa zachowuje jasny, poetycki początek - polowanie na kaczki. W miarę rozwoju fabuły obraz „polowania na kaczki” okazuje się symboliczny. Polowanie na kaczki dla Ziłowa jest symbolem jasnego życia i harmonijnej natury.

Drugą sztukę A. Wampilowa „Najstarszy syn” (1967) można nazwać przypowieścią filozoficzną: temat rodziny i domu jest w niej przedstawiony w tradycji opowieści moralnej, budującej i pouczającej. Ekspozycja spektaklu związana jest z ulubieńcem Wampilowa urządzenie literackie –„zasada ramowa”. W „Najstarszym synu” ucieleśnia to wypadek – spóźnienie na pociąg. Student Busygin i jego towarzysz podróży Siemion Sewastyanow odprawili dziewczyny i późnym wieczorem znaleźli się daleko od miasta. Trafiają do mieszkania Sarafanowa, a Busygin decyduje się na odważny trik – podszywanie się Nieślubnym synem Sarafanow, który rzekomo urodził się w czasie wojny w wyniku przypadkowego połączenia na froncie.

Inwazja Busygina na cudzą rodzinę, w świat intymny relacje rodzinne- konwencjonalny zabieg, którym dramaturg się posługuje, aby wyrazić ważną ideę - duchowe pokrewieństwo ludzi w przeciwieństwie do powiązań formalnych. W świetle wyłaniającej się relacji pomiędzy „ojcem” a wyimaginowanym synem ujawnia się humanistyczny patos spektaklu, poruszana jest problematyka dziecięcego sieroctwa oraz wątek matczynego „kuku-kuku”.

Sarafanow, który czuje się nieudacznikiem, zarabia na jedzenie dla swojej rodziny, grając na weselach i pogrzebach, według Wampilowa zachował bezcenny dar - życzliwość i uważne uczestnictwo w losach ludzi. Dramaturg w taki sposób osadza swoich bohaterów sytuacje życiowe, które niczym papierek lakmusowy odkrywają swoją istotę i odkrywają niezrealizowany potencjał duchowy. Dlatego Busygin początkowo nie myśli o dramatycznych konsekwencjach swojej mistyfikacji („Ludzie mają grubą skórę i nie tak łatwo się przez nią przebić. Trzeba porządnie kłamać, tylko wtedy uwierzą i będą z tobą współczuć”), jednak w miarę postępu akcji jego charakter ujawnia się w jego własnym, dalekim od prostych sprzecznościach: bohater zdaje sobie sprawę z okrucieństwa swojego czynu; Zakochawszy się w Ninie, swojej wyimaginowanej siostrze, jest gotowy walczyć o swoją miłość. Brutalnie wyrzuca narzeczonego Niny, kadeta szkoły lotniczej Kudimov, i bierze na siebie winę za podpalenie domu, którego dopuścił się Wasenka, który cierpi, bo jego ukochana Natasza znalazła nowego konkurenta – Sewastyanowa. Pod wpływem Busygina również dokonał się przemiana Sarafanow, który przez całe życie komponował albo kantatę, albo oratorium. Zdaje sobie sprawę, że jego życie nie jest bezużyteczne -

„Każdy człowiek rodzi się twórcą, każdy w swoim własnym biznesie i każdy, najlepiej jak potrafi i potrafi, musi tworzyć, aby pozostało to, co w nim najlepsze

po nim".

Tym samym tragikomedia, w której pojawia się wiele ludzkich postaci i aktualnych problemów, w finale jest zgodna z planem liryczno-komediowym.

W „Prowincjonalne żarty” A. Wampiłow obala filistynizm, bezduszną egzystencję, demonstrując genialny talent komika. Spektakl składa się z dwóch żartów: pierwszy żart - „Historia ze stroną wzorcową” i drugi - „Dwadzieścia minut z aniołem”. Spektakl jest ostrą satyrą na oportunistę, który w zależności od sytuacji zmienia swój wygląd i styl zachowania status społeczny rozmówca. Administrator hotelu Taiga, gorliwy strażnik porządku i moralności, Kaloszyn, zastając w pokoju Victorii sąsiada płci męskiej, który przyszedł do niej wysłuchać reportażu piłkarskiego, obraża go i wypycha. Potem historia zamienia się w anegdotę. Dowiedziawszy się, że osoba, którą obraził, jest widowiskiem, i to z Moskwy, Kałoszyn, myśląc, że to ważna osoba (nikt nie potrafi mu wytłumaczyć słowa „meterpage”), boi się, udaje chorego, udaje wariata . Spektakl wyraźnie nawiązuje do tradycji „Generał Inspektor” Gogola:„Jestem robakiem, jestem robakiem, jestem biedronką. Jeśli teraz wstanę, wiatr mnie uniesie.<…>Nie bałem się niczego na świecie oprócz władz” – przyznaje bohater Wampilowa w chwili olśnienia. Kiedy Kaloszyn dowiaduje się, że wzorcowa strona to tylko zecer w drukarni, wyjawia swoją prawdziwą istotę, wypędza żonę i cynicznie i spokojnie deklaruje: „Zaczynam nowe życie”.

Drugi żart - „Dwadzieścia minut z aniołem” w połączeniu z pierwszym ogólnym stylem, ale nie fabułą. W tej tragikomedii, podobnie jak w pierwszej, A. Wampiłow wprowadza techniki bufonady, ironii i tragicznej groteski, aby „dotrzeć” do ludzi.

Anegdota ma formę ostrej satyry, tragikomedii-przypowieści. Pomysł autora został włożony w usta Chomutowa wraz z jego bezinteresowny czyn co zdziwiło nie tylko dwójkę podróżujących służbowo, ale także wszystkich bohaterów spektaklu, z wyjątkiem młodej studentki Fainy: „...Musimy sobie pomagać.<…>Nie możemy całkowicie zapominać o innych. Nadchodzi godzina, w której drogo płacimy za naszą obojętność, za nasz egoizm”.

Piąta sztuka A. Wampilowa - „Ostatnie lato w Chulimsku”(1972) - został ukończony przez autora na kilka miesięcy przed śmiercią nad jeziorem Bajkał. Utwór ma częściowo charakter autobiograficzny. Tutaj A. Wampiłow także podąża za tradycjami dramatu Czechowa: żąda od człowieka, doświadczając dla niego dokuczliwego bólu. Reżyser Georgy Tovstonogov zauważył, że „Ostatnie lato w Chulimsku” to chyba najbardziej poetycka sztuka A. Wampilowa: „Poezja w nim urasta do rangi symbolu”.

Podobnie jak pozostałe sztuki dramatopisarza, sztuka „Ostatnie lato w Chulimsku” stawia w centrum uwagi problemy duchowe i moralne. Pojawia się tu także bohater przekrojowy, „budzić się na progu” aby oczyścić się duchowo i zacząć wszystko od nowa.

On, bohater Wampilowa, wciąż nie wie, co go dalej spotka, a pisarz aktywnie przyciąga do pomocy duszę widza czy czytelnika – tam, w nim, a nie na scenie, wyciągane są wnioski z przesłanek, które pisarz dał nam do refleksji, powinna się skrystalizować.

W grze „Ostatnie lato w Chulimsku” A. Wampiłow skupia swoją uwagę na moralnym odrodzeniu bohatera – śledczego Szamanowa, który wcześniej pracował w centrum regionalne(„jeździł własnym samochodem”). Szamanow okaże uczciwość, decydując się na „uwięzienie” sprawcy, który miał silnych patronów („ale nic mu nie wyszło”). Szamanow zostanie usunięty, uda się do miejsc, które w starożytności nazywano „zakątkami niedźwiedzia”. W jego monologu wyłania się stanowisko bohatera: „Mam dość. Walnij głową w mur – pozwól to zrobić innym – tym, którzy są młodsi i mają twardszy odłamek.”

W finał sztuki szamanów -„budzi się”, dokonuje wyboru. Jak się okazuje z rozmowy telefonicznej pod koniec spektaklu, bohaterowi spieszy się na samolot, aby polecieć do miasta i przemawiać na rozprawie („...potrzebuję tego. A ja nie jestem tylko jeden").

W odtwórz „Ostatnie lato w Chulimsku” A Wampiłow podniósł alarm w związku z dewaluacją relacji międzyludzkich, obojętnością na los człowieka. W tym sensie możemy mówić o bliskości teatru A. Wampilowa z prozą W. Szukszyna, poezją N. Rubcowa, dramatem

Maturgia V. Rozova, A Arbuzov. Podobnie jak „ekscentrycy” Shukshina, bohater Wampilowa odczuwa dyskomfort moralny, niezadowolenie z siebie i zmęczenie życiem.

„Myślę” – pisze Walentin Rasputin – „że po śmierci poety Wołogdy Nikołaja Rubcowa nie było już Literacka Rosja bardziej nieodwracalna i absurdalna strata niż śmierć Aleksandra Wampilowa. Oboje byli młodzi, utalentowani, posiadali niesamowity dar odczuwania, rozumienia i umiejętności wyrażania najbardziej subtelnych, a zatem nieznanych wielu poruszeniom i pragnieniom ludzkiej duszy.

Pytania i zadania do samodzielnej pracy

1. Na czym, Twoim zdaniem, polega wyjątkowość gatunkowa sztuk A. Wampilowa?

2. Jak wyjaśnisz charakter pojawienia się takiej postaci jak Ziłow w „Polowaniu na kaczki”?

3. Narysuj uogólniony obraz „środowiska” Ziłowa w „Polowaniu na kaczki”. W jaki sposób uzupełnia indywidualny portret bohatera?

4. Jaka jest końcowa uwaga autora w spektaklu „Polowanie na kaczki”? Jakie opcje przyszły los Czy autor sugeruje Ci Zilovą? Napisz oczekiwaną kontynuację spektaklu.

5. Porównaj formuły życiowe bohatera Wampilowa Dimy z „Polowania na kaczki”

I Egor Yasyunin ze sztuki „Gniazdo cietrzewia” Wiktora Rozowa.

6. Przygotuj wiadomość na temat: „Tradycje N.V. Gogola, M.E. Saltykov-Shchedrin, A.P. Czechow w dramaturgii A. Wampilowa.”

7. Napisz recenzję na temat jednej ze sztuk A. V. Wampilowa (opcjonalnie).

8. Napisz wiadomość na temat: „Walentina i losy Szamanowa i Paszki w sztuce „Ostatnie lato w Chulimsku”: Wzloty i upadki ludzkiej duszy w świetle prawdy”.

9. Typologiczne powiązania twórczości. A. Wampiłow i W. Rasputin, N. Rubcow. Twórcze kontakty. Jak myślisz, jak się one wyrażają?

LITERATURA

1. Kolekcja Vampilova AV. cit.: W 2 tomach - M., 1984.

2. Ulubione Vampilov A.V. – M., 1984.

3. Gromova M. I. Poszukiwania estetyczne w sowieckim dramacie międzynarodowym lata 70-80. – M.: MGPI im. Lenina, 1987.

4. OvcharenkoA. Dramatyczna saga Aleksandra Wampilowa // OvcharenkoA. Wielka literatura. – M., 1985.

5. Frolov V. Losy gatunków dramatycznych. – M., 1979.

Przyjrzyjmy się głównym nurtom rozwoju dramatu domowego w latach pięćdziesiątych i dziewięćdziesiątych XX wieku.

Lata 1950-1960

W latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych zakres gatunkowy dramaturgii uległ znacznemu zróżnicowaniu. Rozwijane są dramaty komediowe, społeczno-psychologiczne i historyczno-dokumentalne. W większym stopniu niż w prozie i poezji wzmaga się zainteresowanie młodym współczesnością, realnym życiem w jego najostrzejszych sprzecznościach.
Szczególnym zainteresowaniem cieszyły się spektakle społeczno-psychologiczne V. Rozova, takie jak „Dobra godzina!”. (1954) i W poszukiwaniu radości (1956). "Dzień dobry!" i obecnie wystawiany jest na scenie teatralnej.

Dramaturgia coraz częściej zwracała uwagę na codzienne problemy zwykłych ludzi. Badając psychologię relacji międzyludzkich, dramatopisarze umieszczają bohaterów w rozpoznawalnych okolicznościach życiowych. Dramaty A. Wołodina i E. Radzinskiego poświęcone są miłości.

Wracając do tematu wojny, dramatopisarze lat 50. i 60. XX wieku odeszli od dziennikarstwa, na problemy takie jak obowiązek i sumienie, bohaterstwo i zdradę, honor i hańbę patrzyli przez pryzmat wartości moralnych. Jedną z najlepszych sztuk w repertuarze tamtych lat była sztuka A. Salynskiego „Perkusista” (1958).

Dramat okresu odwilży

W okresie „odwilży” sztuka teatralna rozwijała się w ścisłej współpracy z poezją. Na scenie Teatru Dramatu i Komedii Taganka odbyły się przedstawienia poetyckie, których podstawą dramatyczną były wiersze klasyków W. Majakowskiego i S. Jesienina oraz dzieła współczesnych - A. Woznesenskiego i E. Jewtuszenki. Teatr pod dyrekcją Yu Ljubimowa skłaniał się ku wyrazistym formom obrazowym, a dzięki lekko otwartej wówczas „żelaznej kurtynie” kultura artystyczna kraju zetknęła się częściowo ze sztuką zachodnioeuropejską i amerykańską. W szczególności na kierunek Y. Lyubimova wpływ miała twórczość i koncepcje teoretyczne B. Brechta.

Z „odwilżą” kojarzona jest twórczość M. Szatrowa, który ukazał wizerunek Lenina z niezwykłej perspektywy. W dokumentalno-historycznej dramaturgii politycznej Szatrowa analitycznym badaniom poddawany jest fakt dokumentalny, a nie mit o wodzu stworzony przez ideologów politycznych. Jego najbardziej udaną sztuką z okresu odwilży jest „Szósty lipca” (pierwsze wydanie - 1964, drugie - 1973). Dramaturg podejmuje w nim problem relacji między celem, nawet tym wysokim, a środkami do jego osiągnięcia. M. Szatrow zwrócił się w kolejnych dziesięcioleciach do wizerunku Lenina. Sam określił wyjątkowość gatunkową swoich sztuk jako „dramat publicystyczny” i „tragedia publicystyczna”. Nie bez powodu: otwarte dziennikarstwo wpisane jest w tak kontrowersyjne sztuki M. Szatrowa z lat 70. i 80. XX w., jak „Błękitne konie na czerwonej trawie” (1977) i „Więc wybielmy to!” (1981).

Dramaturgia przełomu lat 60. i 80. XX wieku.

Koniec „odwilży” wymagał innych bohaterów oraz odpowiedniej oceny rzeczywistości i stanu moralnego społeczeństwa, co było dalekie od rzekomego ideału. Pod koniec lat 60. nastąpił spadek rozwoju dramatu. Oczywiście było to powodem aktywnego odwołania teatrów w latach 70. do twórczości rodzimych prozaików F. Abramowa, W. Tendryakowa, Yu. Bondariewa, W. Bykowa, B. Wasiliewa, D. Granina, W. Rasputina, Yu Trifonov, B Mozhaeva, V. Shukshina, Ch. Aitmatova.

W tych samych latach 70. rozpoczęto badania nad najpilniejszymi problemami społeczno-gospodarczymi. Moralną i psychologiczną naturą zajmowała się produkcja nastawiona na dziennikarstwo. lub socjologiczny, dramat I. Dvoretsky'ego, G. Bokareva, A. Grebneva, V. Czernycha itp. Szczególną popularnością cieszyły się sztuki „produkcyjne” A. Gelmana.

Z biegiem czasu zmieniał się także ton dramatów społecznych, codziennych i społeczno-psychologicznych. W. Rozow, A. Wołodin, A. Arbuzow. A. Wampiłow i inni autorzy próbowali zrozumieć przyczyny kryzysu moralnego społeczeństwa, zmiany zachodzące w wewnętrznym świecie człowieka żyjącego zgodnie z prawami podwójnej moralności „czasu stagnacji”.

Punkt zwrotny w dramaturgii W. Rozowa znalazł odzwierciedlenie w spektaklu „Tradycyjne zgromadzenie” (1966), poświęconym tematowi podsumowań życiowych, które kontrastują z romantycznymi aspiracjami bohaterów jego dramatów z lat 50. XX wieku. W sztukach z lat 70. i 80. „Gniazdo cietrzewia” (1978), „Mistrza” (1982), „Dzika” (1987) i innych Rozov podjął temat stopniowego niszczenia początkowo obiecującego osobowość. Wartości ludzkie stał się przedmiotem zrozumienia w sztukach L. Wołodina i E. Radzinskiego. Obaj autorzy posługiwali się formami przypowieści w celu filozoficznego zrozumienia ponadczasowych sytuacji, problemów i postaci.

Sztuki A. Arbuzowa z lat 70. i 80. XX w. poświęcone są problemowi wewnętrznej degradacji osobowości, która na zewnątrz odnosi sukcesy. Patos zaprzeczania „okrutnym zabawom”, w które uwikłani są zarówno dorośli, jak i dzieci, pozbawione niegdyś rodzicielskiej miłości, naznaczone są jego dramatami poświęconymi tematowi wzajemnej odpowiedzialności ludzi za to, co ich spotyka. Dramaturg stworzył cykl „Opus dramatyczny”, na który składają się trzy dramaty – „Światło wieczoru” (1974), „Okrutne zamiary” (1978) i „Wspomnienia” (1980).

Mentalny i duchowy infantylizm współczesnego człowieka to kluczowy wątek dramaturgii A. Wampilowa, która pojawiła się na scenie teatralnej w latach 70. XX wieku. Jak stwierdził krytyk L. Anninsky, dramaturg stworzył typ bohatera „przeciętnego moralnie”, którego charakter jest tak zależny od proponowanych okoliczności, że nie sposób zrozumieć, kim tak naprawdę jest. To bohater sztuki Wampilowa „Polowanie na kaczki” (1970), Wiktor Ziłow. Imię A. Wampilowa wiąże się ze wzmocnieniem roli symboliki i groteski w rosyjskim dramacie.

Dramat lat 80. - 90. XX wieku

Odkrycie „bezbożnego” bohatera A. Wampilowa uznawane jest za kamień milowy w rozwoju rosyjskiego dramatu drugiej połowy XX wieku. Twórczość autorów „nowej fali”, którzy do dramatu zajrzeli na przełomie lat 80. i 80. XX wieku, przejmując doświadczenie Wampilowa, nazywano „dramatem postwampiłowskim”.
Ta koncepcja dramaturgii łączy twórczość dramaturgów L. Pietruszewskiej, V. Arro, V. Slavkina,

A. Galina, L. Razumovskaya i inni, różniący się stylem, ale połączeni patosem zmierzenia się z negatywnością, która narosła w codziennym, prywatnym życiu ludzi, którzy utracili z pola wartości koncepcję domu, którego wizerunek przez długi czas był kluczowy w literaturze rosyjskiej. Tym samym „teatr postwampirzy” głośno deklarował, że osobowości człowieka nie da się sprowadzić do jednej tylko funkcji społeczno-zawodowej. Pogardliwe podejście do osobistych problemów codziennych i rodzinnych ostatecznie jest obarczone poważnymi wadami moralnymi.

W latach pierestrojki, na przełomie lat 80. i 90. XX w., dziennikarstwo artystyczne Dramat „socjologiczny” ustąpił miejsca dziennikarstwu właściwemu, a dzieła dramatyczne zostały zastąpione dramatyzacją literatury pamiętnikowej. W przedstawieniach W. Szałamowa, E. Ginzburga, A. Sołżenicyna wątek totalitaryzmu został zgłębiony w kluczu psychologicznym. Korzystając z tego samego materiału pod koniec lat 80. A. Kazantsev napisał dramatyczną dystopię „Wielki Buddo, pomóż im!” (1988), którego akcja rozgrywa się na terenie „wzorowej Komuny Wielkich Idei”. Dramaturg analizuje tematykę reżimu totalitarnego przez pryzmat problemu jednostki i państwa.

W dramaturgii rosyjskiej drugiej połowy XX wieku nastawienie postmodernistyczne nie ujawniło się tak wcześnie, jak w innych narodziny literackie. Dzieje się tak między innymi dlatego, że teatr jako zjawisko publiczne znajdował się przede wszystkim pod szczególną uwagą cenzury.

Najbardziej wyrazisty postmodernistyczny sposób rozumienia rzeczywistości objawił się w niedokończonej sztuce Wen. Jerofiejew „Noc Walpurgi, czyli kroki dowódcy!” (1985). Treść spektaklu opiera się na porównaniu życia z domem wariatów: rozsądne w tym życiu okazuje się nienormalne, a nienormalne – rozsądne. Tym samym w postmodernistycznym dramacie „Noc Walpurgii…” nie ma wyraźnego konfliktu, fabuła jest fragmentaryczna, układ postaci pozbawiony jest hierarchii, a granice płci i gatunku zacierają się.

Dramaty postmodernistyczne kojarzą się z tradycjami teatru absurdu Ostatnia dekada XX w. N. Sadur, D. Lipskerova i inni Idee postmodernistycznej świadomości świata i człowieka wyrażają się we współczesnym dramacie za pomocą takich środków, jak brak związków przyczynowo-skutkowych, współzależność postaci i okoliczności, brak fabuły , deformacje czasoprzestrzenne, izolacja i alienacja postaci.

Z drugiej strony, w latach 90. w rozwoju dramatu domowego zarysował się odwrotny trend. W sztukach M. Ugarowa, E. Greminy, O. Michajłowa i innych dominuje nostalgicznie jasny patos za odległą, idyllicznie piękną przeszłością. Dramatopisarze tworzą poetycko wysublimowany obraz życia bohaterów, których mowa jest literacko ustandaryzowana i pełna cytatów z komedii Czechowa. Stwarza to efekt odzwierciedlania się różnych epok, co ma co najmniej podwójne znaczenie. Dramatopisarze albo chcą zwrócić uwagę, że pożądaną harmonię można osiągnąć jedynie w rzeczywistości artystycznej, albo przypominają o „dźwięku pękającej struny”, który według słów Jodły Czechowa zapowiada „nieszczęście” z „woli”.

Wykorzystane materiały książkowe: Literatura: podręcznik. dla uczniów średnio prof. podręcznik instytucje / wyd. GA Obernikhina. M.: „Akademia”, 2010