คำว่าภาพศิลปะคืออะไร? ภาพทางศิลปะคืออะไร

วิธีการและรูปแบบของการเรียนรู้ชีวิตผ่านงานศิลปะ วิถีแห่งการเป็นงานศิลปะ ภาพศิลปะวิภาษวิธี: เป็นการผสมผสานการไตร่ตรองที่มีชีวิต การตีความเชิงอัตนัย และการประเมินผลโดยผู้เขียน (เช่นเดียวกับนักแสดง ผู้ฟัง ผู้อ่าน ผู้ชม) ภาพทางศิลปะถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของสื่ออย่างใดอย่างหนึ่ง: ภาพ เสียง สภาพแวดล้อมทางภาษา หรือหลายอย่างรวมกัน เป็นส่วนสำคัญของพื้นผิววัสดุในงานศิลปะ เช่น ความหมาย โครงสร้างภายใน ความชัดเจน ภาพดนตรีส่วนใหญ่ถูกกำหนดโดยธรรมชาติของดนตรี - คุณภาพเสียง เสียงดนตรี. ในวรรณคดีและบทกวี ภาพลักษณ์ทางศิลปะถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของสภาพแวดล้อมทางภาษาที่เฉพาะเจาะจง วี ศิลปะการละครใช้ทั้งสามวิธี ในขณะเดียวกัน ความหมายของภาพศิลปะจะถูกเปิดเผยเฉพาะในสถานการณ์การสื่อสารบางอย่างเท่านั้น และ ผลลัพธ์สุดท้ายการสื่อสารดังกล่าวขึ้นอยู่กับบุคลิกภาพ เป้าหมาย และแม้แต่อารมณ์ชั่วขณะของผู้เผชิญหน้า ตลอดจนอารมณ์ต่อๆ ไป วัฒนธรรมเฉพาะซึ่งเขาเป็นเจ้าของ

ภาพศิลปะเป็นรูปแบบหนึ่งของการคิดทางศิลปะ ในภาพอาจจะมี วัสดุความเป็นจริง, รีไซเคิล จินตนาการที่สร้างสรรค์ศิลปิน ทัศนคติของเขาต่อสิ่งที่ถูกพรรณนา ความสมบูรณ์ของบุคลิกภาพของผู้สร้าง เฮเกลเชื่อว่าภาพทางศิลปะ “เผยให้เห็นแก่สายตาของเราไม่ใช่แก่นแท้ของนามธรรม แต่เป็นความจริงที่เป็นรูปธรรม” V. G. Belinsky เชื่อว่าศิลปะคือการคิดเชิงจินตนาการ สำหรับนักคิดเชิงบวก ภาพทางศิลปะคือการสาธิตด้วยภาพถึงแนวคิดที่ให้ความเพลิดเพลินทางสุนทรีย์ ทฤษฎีเกิดขึ้นซึ่งปฏิเสธธรรมชาติเชิงเปรียบเทียบของศิลปะ ดังนั้นนักพิธีการชาวรัสเซียจึงเปลี่ยนแนวคิดเรื่องภาพลักษณ์ด้วยแนวคิดเรื่องการก่อสร้างและเทคนิค สัญศาสตร์ได้แสดงให้เห็นว่าภาพทางศิลปะถูกสร้างขึ้นโดยระบบสัญญาณ มันเป็นความขัดแย้ง การเชื่อมโยง มันเป็นความคิดเชิงเปรียบเทียบและเชิงเปรียบเทียบที่เผยให้เห็นปรากฏการณ์หนึ่งผ่านอีกปรากฏการณ์หนึ่ง ศิลปินได้ปะทะปรากฏการณ์ซึ่งกันและกันและจุดประกายประกายไฟที่ส่องสว่างชีวิตด้วยแสงใหม่ ตามคำกล่าวของอานันทวัฒนา (อินเดีย ศตวรรษที่ 9) ความคิดเป็นรูปเป็นร่าง (ธวานี) มีองค์ประกอบหลัก 3 ประการ ได้แก่ กวี (อาลัมการะธวานี) ความหมาย (กว้างใหญ่ธวานี) อารมณ์ (รสธวานี) องค์ประกอบเหล่านี้จะถูกรวมเข้าด้วยกัน กวีกาลิดาสะแสดงอารมณ์ของธวานีในลักษณะนี้ นี่คือสิ่งที่กษัตริย์ Dushyanta พูดกับผึ้งที่บินวนอยู่ใกล้ใบหน้าของผู้เป็นที่รักของเขา: "คุณสัมผัสดวงตาที่กระพือปีกของเธออย่างต่อเนื่องด้วยมุมที่เคลื่อนไหวของคุณ คุณส่งเสียงกระซิบข้างหูของเธอเบา ๆ ราวกับว่ากำลังบอกความลับแก่เธอแม้ว่าเธอจะโบกมือออกไปก็ตาม คุณดื่มน้ำหวานจากริมฝีปากของเธอเป็นศูนย์กลางของความสุข โอ้ จริง ๆ แล้วคุณบรรลุเป้าหมายแล้ว และฉันกำลังเดินทางเพื่อค้นหาความจริง” กวีที่ไม่ได้เอ่ยชื่อความรู้สึกที่ครอบครอง Dushyanta โดยตรงสื่อถึงอารมณ์แห่งความรักแก่ผู้อ่านโดยเปรียบเทียบคู่รักที่ฝันถึงการจูบกับผึ้งที่บินอยู่รอบตัวหญิงสาว

ในผลงานที่เก่าแก่ที่สุดมีลักษณะเชิงเปรียบเทียบของการคิดเชิงศิลปะปรากฏชัดเจนเป็นพิเศษ ดังนั้นผลงานของศิลปินไซเธียนในสไตล์สัตว์จึงผสมผสานรูปแบบของสัตว์จริงเข้าด้วยกันอย่างประณีต: แมวนักล่าที่มีกรงเล็บและจะงอยปากของนก, กริฟฟินที่มีลำตัวของปลา, ใบหน้าของมนุษย์และปีกของนก รูปภาพของสิ่งมีชีวิตในตำนานเป็นแบบจำลองของภาพศิลปะ: นากที่มีหัวของมนุษย์ (ชนเผ่าอลาสก้า) เทพธิดา Nyu-wa - งูที่มีหัวของผู้หญิง ( จีนโบราณ) เทพเจ้าอานูบิสเป็นชายที่มีศีรษะเป็นหมาป่า (อียิปต์โบราณ) เซนทอร์เป็นม้ามีลำตัวและศีรษะเป็นมนุษย์ ( กรีกโบราณ) ผู้ชายที่มีหัวเป็นกวาง (Lapps)

ความคิดเชิงศิลปะเชื่อมโยงปรากฏการณ์ที่แท้จริง สร้างสิ่งมีชีวิตที่ไม่เคยมีมาก่อนที่ผสมผสานองค์ประกอบของบรรพบุรุษอย่างประณีต สฟิงซ์ของอียิปต์โบราณคือมนุษย์ที่แสดงโดยสิงโต และสิงโตเข้าใจได้โดยมนุษย์ ด้วยการผสมผสานที่แปลกประหลาดระหว่างมนุษย์และราชาแห่งสัตว์ร้าย เราได้เรียนรู้เกี่ยวกับธรรมชาติและตัวเราเอง - อำนาจของกษัตริย์และการครอบงำโลก การคิดอย่างมีตรรกะสร้างความอยู่ใต้บังคับบัญชาของปรากฏการณ์ รูปภาพเผยให้เห็นวัตถุที่มีมูลค่าเท่ากัน - ทีละชิ้น ความคิดทางศิลปะไม่ได้ถูกกำหนดไว้กับวัตถุของโลกจากภายนอก แต่ไหลมาจากการเปรียบเทียบอย่างเป็นธรรมชาติ คุณลักษณะของภาพศิลปะเหล่านี้มองเห็นได้ชัดเจนในภาพย่อของ Aelian นักเขียนชาวโรมัน: "... ถ้าคุณสัมผัสหมู มันก็จะเริ่มส่งเสียงแหลมโดยธรรมชาติ หมูไม่มีขน ไม่มีนม ไม่มีอะไรนอกจากเนื้อ เมื่อสัมผัสเธอก็เดาได้ทันทีถึงอันตรายที่คุกคามเธอโดยรู้ว่าเธอมีประโยชน์อะไรในตัวผู้คน พวกเผด็จการประพฤติในลักษณะเดียวกัน: พวกเขามักจะเต็มไปด้วยความสงสัยและกลัวทุกสิ่ง เพราะพวกเขารู้ว่าเหมือนหมู พวกเขาจะต้องมอบชีวิตให้กับใครก็ตาม” ภาพลักษณ์ทางศิลปะของเอเลียนเป็นเชิงเปรียบเทียบและสร้างขึ้นเหมือนสฟิงซ์ (มนุษย์-สิงโต) ตามที่เอเลียนกล่าวไว้ ทรราชคือมนุษย์หมู การเปรียบเทียบสิ่งมีชีวิตที่อยู่ห่างไกลจากกันทำให้ได้รับความรู้ใหม่อย่างไม่คาดคิด: การกดขี่ข่มเหงเป็นสิ่งที่น่ารังเกียจ โครงสร้างของภาพทางศิลปะไม่ได้ชัดเจนเท่ากับในสฟิงซ์เสมอไป อย่างไรก็ตามมากยิ่งขึ้น กรณีที่ยากลำบากในงานศิลปะปรากฏการณ์ต่างๆ จะถูกเปิดเผยต่อๆ กัน ดังนั้นในนวนิยายของ L.N. ฮีโร่ของตอลสตอยถูกเปิดเผยผ่านการสะท้อนและเงาที่พวกเขาทอดทิ้งกันและกันและบนโลกรอบตัวพวกเขา ใน War and Peace ตัวละครของ Andrei Bolkonsky ถูกเปิดเผยผ่านความรักที่เขามีต่อ Natasha ผ่านความสัมพันธ์ของเขากับพ่อของเขา ผ่านท้องฟ้าแห่ง Austerlitz ผ่านสิ่งต่าง ๆ และผู้คนนับพัน ซึ่งเมื่อฮีโร่ที่ได้รับบาดเจ็บสาหัสคนนี้ตระหนักในความเจ็บปวด กับทุกคน

ศิลปินคิดอย่างเชื่อมโยง สำหรับ Trigorin ของ Chekhov (ในบทละคร "The Seagull") เมฆดูเหมือนเปียโนและ "และเขื่อนก็เปล่งประกายด้วยคอขวดที่แตกและเงาของวงล้อโรงสีเปลี่ยนเป็นสีดำ - แค่นั้นแหละ" คืนแสงจันทร์พร้อม." ชะตากรรมของนีน่าถูกเปิดเผยผ่านชะตากรรมของนก: “โครงเรื่องสำหรับ เรื่องสั้น: เด็กสาวอาศัยอยู่ริมทะเลสาบมาตั้งแต่เด็ก... รักทะเลสาบเหมือนนกนางนวล มีความสุขและอิสระเหมือนนกนางนวล แต่บังเอิญมีชายคนหนึ่งมาเห็นแล้วก็ฆ่ามันเหมือนนกนางนวลตัวนี้โดยไม่ทำอะไรเลย” ในภาพทางศิลปะ การผสมผสานของปรากฏการณ์ที่ห่างไกลจากกัน เผยให้เห็นถึงแง่มุมที่ไม่รู้จักของความเป็นจริง

ความคิดเชิงอุปมาอุปไมยนั้นมีคุณค่าหลากหลาย มีความหมายและความหมายที่ลึกซึ้งและลึกซึ้งพอๆ กับชีวิต แง่มุมหนึ่งของความคลุมเครือของภาพคือการพูดน้อยไป สำหรับเอ.พี. ศิลปะการเขียนของเชคอฟคือศิลปะแห่งการขีดฆ่า E. Hemingway เปรียบเทียบงานศิลปะกับภูเขาน้ำแข็ง: ส่วนหนึ่งมองเห็นได้ ส่วนหลักอยู่ใต้น้ำ ทำให้ผู้อ่านตื่นตัวกระบวนการรับรู้งานกลายเป็นการร่วมสร้างภาพให้จบ อย่างไรก็ตาม นี่ไม่ใช่การคาดเดาโดยพลการ ผู้อ่านได้รับแรงกระตุ้นให้คิดเขาถูกถาม สภาพทางอารมณ์และโปรแกรมสำหรับประมวลผลข้อมูล แต่เขายังคงรักษาเจตจำนงเสรีและขอบเขตของจินตนาการที่สร้างสรรค์ การกล่าวเกินจริงของภาพทางศิลปะช่วยกระตุ้นความคิดของผู้รับรู้ สิ่งนี้ยังแสดงออกมาในความไม่สมบูรณ์อีกด้วย บางครั้งผู้เขียนก็พักงานกลางประโยคและปล่อยให้เรื่องไม่เสร็จไม่แก้ ตุ๊กตุ่น. รูปภาพมีหลายแง่มุม แต่มีความหมายอย่างลึกซึ้งซึ่งเผยให้เห็นเมื่อเวลาผ่านไป แต่ละยุคสมัยค้นพบใน ดูคลาสสิกฝ่ายใหม่และให้การตีความของเขาเอง ในศตวรรษที่ 18 แฮมเล็ตถูกมองว่าเป็นนักหาเหตุผลในศตวรรษที่ 19 - ในฐานะปัญญาชนผู้ไตร่ตรอง (“ลัทธิแฮมเล็ต”) ในศตวรรษที่ 20 - ในฐานะนักสู้ "ต่อสู้กับทะเลแห่งปัญหา" (ในการตีความของเขาเขาตั้งข้อสังเกตว่าเขาไม่สามารถแสดงความคิดของ "เฟาสท์" ด้วยความช่วยเหลือของสูตร เพื่อเปิดเผยมันจะต้องเขียนสิ่งนี้ ทำงานอีกครั้ง

ภาพศิลปะ - ทั้งระบบความคิดนั้นสอดคล้องกับความซับซ้อน ความงดงาม และความเก่งกาจของชีวิตนั่นเอง หากภาพทางศิลปะสามารถแปลเป็นภาษาแห่งตรรกะได้อย่างสมบูรณ์ วิทยาศาสตร์ก็สามารถเข้ามาแทนที่งานศิลปะได้ หากไม่สามารถแปลเป็นภาษาตรรกะได้โดยสิ้นเชิง การวิจารณ์วรรณกรรม การวิจารณ์ศิลปะ และการวิจารณ์ศิลปะก็จะไม่มีอยู่จริง ภาพเชิงศิลปะไม่สามารถแปลเป็นภาษาแห่งตรรกะได้ เพราะในระหว่างการวิเคราะห์จะยังมี "สิ่งตกค้างเหนือความหมาย" หลงเหลืออยู่ และในขณะเดียวกัน เราก็แปลมันเพราะว่าเมื่อเจาะลึกเข้าไปในแก่นแท้ของงาน ความหมายของงานก็จะเปิดเผยได้ครบถ้วนมากขึ้น . การวิเคราะห์เชิงวิพากษ์เป็นกระบวนการในการเจาะลึกความหมายอันไม่มีที่สิ้นสุดของภาพทางศิลปะอย่างไม่สิ้นสุด การวิเคราะห์นี้มีความหลากหลายในอดีต: ยุคใหม่ให้การอ่านงานใหม่

ในทางศิลปะเรียกปรากฏการณ์ใด ๆ ที่สร้างขึ้นใหม่อย่างสร้างสรรค์ในงานศิลปะ ภาพศิลปะเป็นภาพที่สร้างขึ้นโดยผู้เขียนเพื่อเปิดเผยปรากฏการณ์แห่งความเป็นจริงที่อธิบายไว้อย่างสมบูรณ์ ต่างจากวรรณกรรมและภาพยนตร์ ศิลปะไม่สามารถถ่ายทอดการเคลื่อนไหวและการพัฒนาได้ทันเวลา แต่มีจุดแข็งในตัวเอง ในความเงียบงัน ภาพที่งดงามการซ่อนตัว ความแข็งแกร่งมหาศาลซึ่งทำให้เราเห็น สัมผัส และเข้าใจอย่างแน่ชัดถึงสิ่งที่ผ่านเข้ามาในชีวิตโดยไม่หยุด สัมผัสเพียงจิตสำนึกของเราเพียงชั่วครู่และไม่เป็นชิ้นเป็นอันเท่านั้น ภาพทางศิลปะถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของสื่อ: ภาพ เสียง สภาพแวดล้อมทางภาษา หรือหลายอย่างรวมกัน ในเอ็กซ์ โอ วัตถุทางศิลปะเฉพาะอย่างได้รับการฝึกฝนและประมวลผลด้วยจินตนาการที่สร้างสรรค์ จินตนาการ ความสามารถและทักษะของศิลปิน - ชีวิตในความหลากหลายทางสุนทรียภาพและความสมบูรณ์ ความสมบูรณ์ที่กลมกลืนและการปะทะกันของละคร เอ็กซ์ โอ แสดงถึงความสามัคคีที่แยกไม่ออกและแทรกซึมระหว่างวัตถุประสงค์และอัตนัย ตรรกะและราคะ เหตุผลและอารมณ์ สื่อกลางและตรง นามธรรมและเป็นรูปธรรม ทั่วไปและส่วนบุคคล จำเป็นและโดยบังเอิญ ภายใน (ธรรมชาติ) และภายนอก ทั้งหมดและบางส่วน แก่นแท้และปรากฏการณ์ เนื้อหาและรูปร่าง ขอบคุณการควบรวมกิจการระหว่าง กระบวนการสร้างสรรค์ด้านตรงข้ามเหล่านี้กลายเป็นภาพศิลปะที่มีชีวิตแบบองค์รวมองค์เดียว ศิลปินมีโอกาสที่จะบรรลุความสดใส เต็มไปด้วยอารมณ์ มีความเข้าใจเชิงกวี และในขณะเดียวกัน จิตวิญญาณที่ลึกซึ้ง การผลิตซ้ำชีวิตมนุษย์อย่างเข้มข้นอย่างมาก กิจกรรมและการต่อสู้ของเขา ความสุข และความพ่ายแพ้ การค้นหา และความหวัง จากการผสมผสานนี้ รวบรวมด้วยความช่วยเหลือของวัสดุที่มีความหมายเฉพาะสำหรับงานศิลปะแต่ละประเภท (คำ จังหวะ น้ำเสียง การวาดภาพ สี แสงและเงา ความสัมพันธ์เชิงเส้น ความเป็นพลาสติก สัดส่วน ขนาด มิติฉาก ใบหน้า การแสดงออก การตัดต่อภาพยนตร์ ภาพระยะใกล้ มุม และอื่นๆ) ภาพ-ตัวละคร ภาพ-เหตุการณ์ ภาพ-สถานการณ์ ความขัดแย้งของภาพ รายละเอียดภาพ-รายละเอียด ถูกสร้างขึ้นเพื่อแสดงความคิดและความรู้สึกเชิงสุนทรีย์บางอย่าง เป็นเรื่องเกี่ยวกับระบบ X.o. ความสามารถของศิลปะในการทำหน้าที่เฉพาะของมันนั้นเชื่อมโยงกัน - เพื่อให้บุคคล (ผู้อ่าน, ผู้ชม, ผู้ฟัง) ได้รับความพึงพอใจด้านสุนทรียภาพอย่างลึกซึ้ง, เพื่อปลุกให้ศิลปินสามารถสร้างตามกฎแห่งความงามและนำความงามมาสู่ชีวิตในตัวเขา ผ่านฟังก์ชันสุนทรียศาสตร์เพียงหนึ่งเดียวของศิลปะ ผ่านระบบของศิลปะ ของเขา คุณค่าทางการศึกษาผลกระทบทางอุดมการณ์อันทรงพลังการศึกษาการเมืองศีลธรรมต่อผู้คน

2)พวกควายกำลังเดินข้ามมาตุภูมิ

ในปี 1068 มีการกล่าวถึงควายเป็นครั้งแรกในพงศาวดาร ภาพที่ปรากฏในหัวของคุณคือใบหน้าที่ทาสีสดใส เสื้อผ้าที่ไม่สมส่วนและหมวกบังคับที่มีกระดิ่ง ถ้าลองคิดดูก็จินตนาการได้ว่าอยู่ข้างตัวตลกบ้าง เครื่องดนตรีเช่นเดียวกับบาลาไลกาหรือกุสลี สิ่งที่ขาดหายไปคือหมีบนโซ่ อย่างไรก็ตามการเป็นตัวแทนดังกล่าวมีความสมเหตุสมผลอย่างสมบูรณ์เพราะย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 14 นี่เป็นวิธีที่พระอาลักษณ์จากโนฟโกรอดพรรณนาถึงตัวตลกที่ขอบต้นฉบับของเขา ตัวตลกที่แท้จริงใน Rus เป็นที่รู้จักและเป็นที่รักในหลาย ๆ เมือง - Suzdal, Vladimir, อาณาเขตมอสโกตลอดจน เคียฟ มาตุภูมิ. พวกควายเต้นรำอย่างสวยงาม ปลุกเร้าผู้คน เล่นปี่และพิณอย่างยอดเยี่ยม กระแทกช้อนไม้และแทมบูรีน และเป่าเขาสัตว์ ผู้คนเรียกพวกควายว่า "เพื่อนร่าเริง" และแต่งเรื่องราว สุภาษิต และเทพนิยายเกี่ยวกับพวกเขา อย่างไรก็ตามแม้ว่าผู้คนจะเป็นมิตรกับควาย แต่ประชากรที่มีเกียรติมากกว่า - เจ้าชายนักบวชและโบยาร์ - ก็ทนไม่ได้กับคนเยาะเย้ยที่ร่าเริง นี่เป็นเพราะความจริงที่ว่าพวกควายเยาะเย้ยพวกเขาอย่างยินดีเปลี่ยนการกระทำที่ไม่สมควรที่สุดของขุนนางให้เป็นเพลงและเรื่องตลกและทำให้พวกเขาถูกเยาะเย้ยจากคนทั่วไป ศิลปะการแสดงตลกพัฒนาขึ้นอย่างรวดเร็ว และในไม่ช้า หนังตลกไม่เพียงแต่เต้นรำและร้องเพลงเท่านั้น แต่ยังกลายเป็นนักแสดง นักกายกรรม และนักเล่นกลอีกด้วย พวกบัฟฟานเริ่มแสดงร่วมกับสัตว์ที่ได้รับการฝึกฝนมาอย่างเป็นระเบียบ การแสดงหุ่นเชิด. อย่างไรก็ตาม ยิ่งพวกควายเยาะเย้ยเจ้าชายและเซกซ์ตันมากเท่าไร การข่มเหงศิลปะนี้ก็ทวีความรุนแรงมากขึ้นเท่านั้น ควายโนฟโกรอดเริ่มถูกกดขี่ไปทั่วประเทศ บางส่วนถูกฝังในสถานที่ห่างไกลใกล้กับโนฟโกรอด ที่เหลือไปยังไซบีเรีย ตัวตลกไม่ได้เป็นเพียงตัวตลกหรือตัวตลกเท่านั้น แต่ยังเป็นคนที่เข้าใจปัญหาสังคมและเยาะเย้ยความชั่วร้ายของมนุษย์ในเพลงและเรื่องตลกของเขา ด้วยเหตุนี้การข่มเหงควายจึงเริ่มขึ้นในยุคกลางตอนปลาย กฎหมายในเวลานั้นกำหนดให้ตีควายทันทีเมื่อพบกันและไม่สามารถชดใช้การประหารชีวิตได้ ตัวตลกทั้งหมดใน Rus ค่อยๆหายไปและมีตัวตลกจากประเทศอื่นเข้ามาแทนที่ ตัวตลกภาษาอังกฤษเรียกว่าคนเร่ร่อน ตัวตลกชาวเยอรมันเรียกว่าสปีลแมน และตัวตลกชาวฝรั่งเศสเรียกว่าจองเกอร์ ศิลปะการเดินทางของนักดนตรีใน Rus' เปลี่ยนไปอย่างมาก แต่สิ่งประดิษฐ์ต่างๆ เช่น โรงละครหุ่นกระบอก นักเล่นกล และสัตว์ฝึกหัดยังคงอยู่ เช่นเดียวกับความอมตะและเรื่องราวมหากาพย์ที่เหล่าตัวตลกแต่งยังคงอยู่

ศิลปะบทกวีคือการคิดในภาพ รูปภาพเป็นองค์ประกอบที่สำคัญที่สุดและรับรู้ได้โดยตรงในงานวรรณกรรม รูปภาพเป็นจุดสนใจของเนื้อหาเชิงอุดมคติและสุนทรียศาสตร์และรูปแบบวาจาของรูปลักษณ์

คำว่า “ภาพทางศิลปะ” มีต้นกำเนิดค่อนข้างเร็ว ใช้ครั้งแรกโดย J. V. Goethe อย่างไรก็ตามปัญหาของภาพเองก็เป็นปัญหาในสมัยโบราณ จุดเริ่มต้นของทฤษฎีภาพทางศิลปะพบได้ในคำสอนของอริสโตเติลเรื่อง "การเลียนแบบ" คำว่า "ภาพ" ได้รับการใช้วรรณกรรมอย่างกว้างขวางหลังจากการตีพิมพ์ผลงานของ G. W. F. Hegel นักปรัชญาเขียนว่า: “เราสามารถกำหนดได้ การแสดงบทกวีเป็นรูปเป็นร่าง เนื่องจากมันปรากฏต่อหน้าเรา แทนที่จะเป็นแก่นแท้ที่เป็นนามธรรม แต่เป็นความจริงที่เป็นรูปธรรม”

G. W. F. Hegel สะท้อนให้เห็นถึงความเชื่อมโยงระหว่างศิลปะกับอุดมคติ ได้กล่าวถึงประเด็นของผลกระทบการเปลี่ยนแปลงของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะที่มีต่อชีวิตของสังคม “การบรรยายเกี่ยวกับสุนทรียภาพ” ประกอบด้วยทฤษฎีโดยละเอียดของภาพศิลปะ: ความเป็นจริงเชิงสุนทรียะ การวัดทางศิลปะ อุดมการณ์ ความคิดริเริ่ม เอกลักษณ์ ความสำคัญสากล วิภาษวิธีของเนื้อหาและรูปแบบ

ใน การวิจารณ์วรรณกรรมสมัยใหม่ภาพทางศิลปะถือเป็นการทำซ้ำปรากฏการณ์ชีวิตในรูปแบบเฉพาะตัวที่เป็นรูปธรรม วัตถุประสงค์และวัตถุประสงค์ของภาพคือการสื่อถึงเรื่องทั่วไปผ่านตัวบุคคล ไม่ใช่โดยการเลียนแบบความเป็นจริง แต่โดยการทำซ้ำ

คำนี้เป็นวิธีหลักในการสร้างภาพลักษณ์บทกวีในวรรณคดี ภาพทางศิลปะเผยให้เห็นความชัดเจนของวัตถุหรือปรากฏการณ์

รูปภาพมีพารามิเตอร์ต่อไปนี้: ความเป็นกลาง, ความหมายทั่วไป, โครงสร้าง รูปภาพของหัวเรื่องเป็นแบบคงที่และให้คำอธิบาย ซึ่งรวมถึงภาพรายละเอียดและสถานการณ์ ภาพความหมายแบ่งออกเป็นสองกลุ่ม: บุคคล - สร้างขึ้นด้วยความสามารถและจินตนาการของผู้เขียนสะท้อนรูปแบบชีวิตในยุคหนึ่งและในสภาพแวดล้อมที่แน่นอน และภาพที่ก้าวข้ามขอบเขตแห่งยุคสมัยและกลายเป็นความหมายสากล

รูปภาพที่อยู่นอกเหนืองานและมักจะอยู่นอกเหนืองานของนักเขียนคนหนึ่ง รวมถึงรูปภาพที่ซ้ำซ้อนในผลงานหลายชิ้นโดยผู้เขียนหนึ่งคนขึ้นไป รูปภาพที่มีลักษณะเฉพาะของยุคหรือชาติทั้งหมด และรูปภาพต้นแบบประกอบด้วย "สูตร" ที่มั่นคงที่สุดของจินตนาการของมนุษย์และความรู้ในตนเอง

ภาพลักษณ์ทางศิลปะมีความเกี่ยวข้องกับปัญหาจิตสำนึกทางศิลปะ เมื่อวิเคราะห์ภาพทางศิลปะควรคำนึงว่าวรรณกรรมเป็นรูปแบบหนึ่ง จิตสำนึกสาธารณะและกิจกรรมของมนุษย์ในทางปฏิบัติและจิตวิญญาณที่หลากหลาย

ภาพทางศิลปะไม่ใช่สิ่งที่คงที่ แต่มีความโดดเด่นด้วยธรรมชาติของขั้นตอน ในยุคต่างๆ รูปภาพจะอยู่ภายใต้ข้อกำหนดเฉพาะและประเภทที่พัฒนาขึ้น ประเพณีทางศิลปะ. ในขณะเดียวกัน รูปภาพก็เป็นสัญลักษณ์ของความคิดสร้างสรรค์ที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว

ภาพศิลปะเป็นการสรุปองค์ประกอบของความเป็นจริงซึ่งถูกคัดค้านในรูปแบบที่รับรู้ทางประสาทสัมผัสซึ่งสร้างขึ้นตามกฎประเภทและประเภท ของศิลปะนี้ในลักษณะเฉพาะตัวและสร้างสรรค์

อัตนัย ปัจเจกบุคคล และวัตถุประสงค์ปรากฏอยู่ในภาพด้วยความสามัคคีที่แยกไม่ออก ความเป็นจริงคือเนื้อหาที่ขึ้นอยู่กับความรู้ เป็นแหล่งของข้อเท็จจริงและความรู้สึก ซึ่งสำรวจว่าสิ่งใด คนที่มีความคิดสร้างสรรค์ศึกษาตัวเองและโลกรวบรวมความคิดทางอุดมการณ์และศีลธรรมเกี่ยวกับความเป็นจริงและความเหมาะสมในงานของเขา

ภาพลักษณ์ทางศิลปะที่สะท้อนกระแสชีวิตในขณะเดียวกันก็เป็นการค้นพบดั้งเดิมและการสร้างสรรค์ความหมายใหม่ที่ไม่เคยมีมาก่อน ภาพวรรณกรรมมีความสัมพันธ์กับปรากฏการณ์ชีวิตและลักษณะทั่วไปที่มีอยู่ในนั้นกลายเป็นแบบอย่างของความเข้าใจของผู้อ่าน ปัญหาของตัวเองและการปะทะกันของความเป็นจริง

ภาพลักษณ์ทางศิลปะแบบองค์รวมยังเป็นตัวกำหนดความคิดริเริ่มของงานอีกด้วย ตัวละคร เหตุการณ์ การกระทำ คำอุปมาอุปมัยอยู่ภายใต้ความตั้งใจเดิมของผู้เขียนและในโครงเรื่อง องค์ประกอบ ความขัดแย้งหลัก แก่นเรื่อง และความคิดของงานที่พวกเขาแสดงออกถึงธรรมชาติของทัศนคติเชิงสุนทรีย์ของศิลปินต่อความเป็นจริง

กระบวนการสร้างภาพศิลปะประการแรกคือการเลือกใช้วัสดุอย่างเข้มงวด: ศิลปินใช้คุณสมบัติที่โดดเด่นที่สุดของสิ่งที่ปรากฎ ละทิ้งทุกอย่างแบบสุ่ม ให้การพัฒนา ขยายและทำให้คุณสมบัติบางอย่างคมชัดขึ้นเพื่อความชัดเจนที่สมบูรณ์

V. G. Belinsky เขียนในบทความ "Russian Literature in 1842": "ตอนนี้โดย "อุดมคติ" เราไม่ได้หมายถึงการพูดเกินจริง ไม่ใช่การโกหก ไม่ใช่จินตนาการแบบเด็กๆ แต่เป็นข้อเท็จจริงของความเป็นจริงอย่างที่มันเป็น แต่เป็นข้อเท็จจริงที่ไม่ได้คัดลอกมาจากความเป็นจริง แต่ถ่ายทอดผ่านจินตนาการของกวี ส่องสว่างด้วยแสงแห่งความหมายทั่วไป (และไม่เฉพาะเจาะจง เฉพาะเจาะจง และไม่ได้ตั้งใจ) ยกระดับขึ้นสู่ไข่มุกแห่งจิตสำนึก และด้วยเหตุนี้จึงคล้ายกับตัวมันเองมากขึ้น เป็นจริงต่อตัวมันเองมากขึ้น ยิ่งกว่าสำเนาที่เป็นทาสที่สุดโดยแท้จริงตามต้นฉบับ ดังนั้นในภาพวาดที่วาดโดยจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่คน ๆ หนึ่งจึงดูเหมือนตัวเองมากกว่าภาพสะท้อนของเขาในรูปแบบดาแกร์โรไทป์เพราะ จิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ด้วยรูปลักษณ์อันเฉียบแหลมทำให้ทุกสิ่งที่ซ่อนอยู่ในตัวบุคคลนั้นกระจ่างแจ้งและนั่นอาจเป็นความลับสำหรับบุคคลนี้เอง”

ความโน้มน้าวใจของงานวรรณกรรมไม่ได้จำกัดอยู่เพียงความเที่ยงตรงของการทำซ้ำความเป็นจริงและสิ่งที่เรียกว่า "ความจริงแห่งชีวิต" มันถูกกำหนดโดยความคิดริเริ่มของการตีความเชิงสร้างสรรค์การสร้างแบบจำลองของโลกในรูปแบบการรับรู้ซึ่งสร้างภาพลวงตาของความเข้าใจในปรากฏการณ์ของมนุษย์

ภาพศิลปะที่สร้างโดย D. Joyce และ I. Kafka นั้นไม่เหมือนกัน ประสบการณ์ชีวิตผู้อ่านเป็นเรื่องยากที่จะอ่านสิ่งเหล่านี้โดยบังเอิญกับปรากฏการณ์แห่งความเป็นจริง “การไม่ระบุตัวตน” นี้ไม่ได้หมายถึงการขาดความสอดคล้องระหว่างเนื้อหาและโครงสร้างของผลงานของนักเขียน และทำให้เราสามารถกล่าวได้ว่าภาพทางศิลปะไม่ใช่ต้นฉบับที่มีชีวิตของความเป็นจริง แต่เป็นตัวแทนของแบบจำลองทางปรัชญาและสุนทรียภาพของโลก และมนุษย์

ในการกำหนดลักษณะองค์ประกอบของภาพ ความสามารถในการแสดงออกและการมองเห็นถือเป็นสิ่งสำคัญ โดย "การแสดงออก" เราควรหมายถึงการวางแนวทางอุดมการณ์และอารมณ์ของภาพและโดย "ภาพ" - การดำรงอยู่ทางความรู้สึกซึ่งกลายเป็น ความเป็นจริงทางศิลปะสถานะส่วนตัวและการประเมินของศิลปิน การแสดงออกของภาพศิลปะไม่สามารถลดลงได้เพียงการถ่ายทอดประสบการณ์ส่วนตัวของศิลปินหรือฮีโร่ เป็นการแสดงออกถึงความหมายของสภาวะทางจิตวิทยาหรือความสัมพันธ์บางอย่าง ความเป็นรูปเป็นร่างของภาพเชิงศิลปะช่วยให้คุณสร้างวัตถุหรือเหตุการณ์ขึ้นมาใหม่ให้มีความคมชัดของภาพได้ การแสดงออกและความเป็นเป็นรูปเป็นร่างของภาพศิลปะนั้นแยกออกไม่ได้ในทุกขั้นตอนของการดำรงอยู่ - จาก แผนเดิมก่อนที่จะรับรู้ถึงผลงานที่เสร็จสมบูรณ์ ความสามัคคีตามธรรมชาติของรูปเป็นร่างและการแสดงออกเกี่ยวข้องอย่างสมบูรณ์กับระบบภาพองค์รวม องค์ประกอบภาพแต่ละภาพอาจไม่ใช่ผู้ถือเอาความสามัคคีดังกล่าวเสมอไป

เป็นที่น่าสังเกตว่าแนวทางทางสังคม - พันธุศาสตร์และญาณวิทยาในการศึกษาภาพ ขั้นแรกกำหนดความต้องการและเหตุผลทางสังคมที่ก่อให้เกิดเนื้อหาและหน้าที่บางอย่างของภาพ และส่วนที่สองวิเคราะห์ความสอดคล้องของภาพกับความเป็นจริง และเกี่ยวข้องกับเกณฑ์ของความจริงและความจริง

ใน ข้อความวรรณกรรมแนวคิดของ “ผู้เขียน” แบ่งออกได้เป็น 3 ประเด็นหลัก ได้แก่ ผู้เขียนชีวประวัติที่ผู้อ่านรู้จักในฐานะนักเขียนและบุคคล ผู้เขียน "เป็นศูนย์รวมของสาระสำคัญของงาน"; รูปภาพของผู้แต่งซึ่งคล้ายกับรูปภาพตัวละครอื่น ๆ ของงานเป็นเรื่องของการสรุปส่วนบุคคลสำหรับผู้อ่านแต่ละคน

คำนิยาม ฟังก์ชั่นศิลปะรูปภาพของผู้แต่งได้รับจาก V.V. Vinogradov:“ รูปภาพของผู้แต่งไม่ได้เป็นเพียงหัวข้อคำพูดเท่านั้นส่วนใหญ่มักจะไม่ได้ตั้งชื่อไว้ในโครงสร้างของงานด้วยซ้ำ นี่คือศูนย์รวมที่รวบรวมแก่นแท้ของงาน โดยผสมผสานระบบโครงสร้างคำพูดทั้งหมดของตัวละครเข้าด้วยกันในความสัมพันธ์ของพวกเขากับผู้บรรยาย นักเล่าเรื่อง หรือนักเล่าเรื่อง และผ่านพวกเขาไปสู่ความเข้มข้นทางอุดมการณ์และโวหาร ซึ่งเป็นจุดสนใจของทั้งหมด”

จำเป็นต้องแยกแยะระหว่างภาพลักษณ์ของผู้แต่งและผู้บรรยาย ผู้บรรยายเป็นภาพศิลปะพิเศษที่ผู้แต่งประดิษฐ์ขึ้นเช่นเดียวกับคนอื่นๆ มีรูปแบบทางศิลปะในระดับเดียวกัน ซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไมการระบุผู้บรรยายกับผู้แต่งจึงเป็นที่ยอมรับไม่ได้ ในงานอาจมีผู้บรรยายหลายคน และนี่เป็นการพิสูจน์อีกครั้งว่าผู้เขียนมีอิสระที่จะซ่อน "ใต้หน้ากาก" ของผู้บรรยายคนใดคนหนึ่งหรืออีกคนหนึ่ง (ตัวอย่างเช่น ผู้บรรยายหลายคนใน "Belkin's Tales" ใน "Hero of Our Time" ). รูปภาพของผู้บรรยายในนวนิยายเรื่อง "Demons" ของ F. M. Dostoevsky นั้นซับซ้อนและหลากหลายแง่มุม

รูปแบบการเล่าเรื่องและความเฉพาะเจาะจงของแนวเพลงยังกำหนดภาพลักษณ์ของผู้แต่งในงานอีกด้วย ดังที่ Yu. V. Mann เขียนว่า “นักเขียนแต่ละคนเปล่งประกายในแนวเพลงของเขา” ในลัทธิคลาสสิก ผู้แต่งบทกวีเสียดสีคือผู้กล่าวหา และในทางที่สง่างาม เขาเป็นนักร้องที่น่าเศร้า และในชีวิตของนักบุญ เขาเป็นนักวาดภาพฮาจิโอกราฟ เมื่อช่วงเวลาที่เรียกว่า "ประเภทกวีนิพนธ์" สิ้นสุดลง รูปภาพของผู้แต่งจะได้รับคุณสมบัติที่สมจริง ได้รับการขยายอารมณ์และ ความหมายเชิงความหมาย. “แทนที่จะเป็นสีเดียว สอง หรือหลายสี กลับกลายเป็นสีหลากสีและสีเหลือบรุ้ง” Yu. Mann กล่าว การพูดนอกเรื่องของผู้เขียนปรากฏขึ้น - นี่คือการสื่อสารโดยตรงระหว่างผู้สร้างงานและผู้อ่าน

การก่อตัวของประเภทนวนิยายมีส่วนช่วยในการพัฒนาภาพลักษณ์ของผู้บรรยาย ในนวนิยายบาโรก ผู้บรรยายกระทำโดยไม่เปิดเผยตัวตนและไม่แสวงหาการติดต่อกับผู้อ่าน นวนิยายที่สมจริงผู้เขียน-ผู้บรรยายคือฮีโร่ของงานอย่างเต็มตัว ตัวละครหลักของผลงานสะท้อนถึงแนวความคิดเกี่ยวกับโลกของผู้เขียนและรวบรวมประสบการณ์ของผู้เขียนไว้ในหลายๆ ด้าน ตัว อย่าง เช่น เอ็ม. เซอร์บันเตส เขียนว่า “นักอ่านที่ไม่ได้ใช้งาน! คุณสามารถเชื่อได้โดยไม่ต้องสาบานว่าฉันต้องการให้หนังสือเล่มนี้ซึ่งเป็นผลแห่งความเข้าใจของฉันเป็นตัวแทนของความงดงาม ความสง่างาม และความลึกซึ้งได้อย่างไร แต่ยกเลิกกฎแห่งธรรมชาติไปเสียตามนั้นทุกประการ สิ่งมีชีวิตให้กำเนิดสิ่งที่คล้ายคลึงกัน ไม่อยู่ในอำนาจของเรา”

แม้ว่าฮีโร่ของงานจะเป็นตัวตนของความคิดของผู้เขียน แต่ก็ไม่เหมือนกันกับผู้เขียน แม้แต่ในรูปแบบคำสารภาพ ไดอารี่ และบันทึก ก็ไม่ควรมองหาความเพียงพอของผู้แต่งและพระเอก ความเชื่อมั่นของ J.-J. ประเด็นของรุสโซก็คืออัตชีวประวัตินั่นเอง รูปร่างที่สมบูรณ์แบบวิปัสสนาและการสำรวจโลกถูกตั้งคำถาม วรรณกรรมแห่งศตวรรษที่ 19ศตวรรษ.

แล้ว M. Yu. Lermontov สงสัยในความจริงใจของคำสารภาพที่แสดงออกมาในคำสารภาพ ในคำนำของ Pechorin's Journal Lermontov เขียนว่า: "คำสารภาพของ Rousseau มีข้อเสียอยู่แล้วที่เขาอ่านให้เพื่อนฟัง" ไม่ต้องสงสัยเลยว่า ศิลปินทุกคนมุ่งมั่นที่จะทำให้ภาพมีความสดใสและตัวแบบมีความน่าสนใจ และดังนั้นจึงไล่ตาม "ความปรารถนาอันแรงกล้าที่จะกระตุ้นการมีส่วนร่วมและความประหลาดใจ"

โดยทั่วไปแล้ว A.S. Pushkin ปฏิเสธความจำเป็นในการสารภาพเป็นร้อยแก้ว ในจดหมายถึง P. A. Vyazemsky เกี่ยวกับบันทึกที่หายไปของ Byron กวีเขียนว่า: "เขา (ไบรอน) สารภาพบทกวีของเขาโดยไม่สมัครใจและถูกพาไปด้วยความยินดีในบทกวี ในร้อยแก้วเลือดเย็น เขาจะโกหกและหลอกลวง บางครั้งพยายามแสดงความจริงใจ บางครั้งทำให้ศัตรูบูดบึ้ง เขาคงจะถูกจับได้เช่นเดียวกับที่รุสโซถูกจับได้ แล้วความอาฆาตพยาบาทและการใส่ร้ายก็กลับมีชัยอีกครั้ง... คุณไม่ได้รักใครมากเท่าไหร่ คุณไม่รู้จักใครดีเท่ากับตัวคุณเอง วัตถุมีไม่สิ้นสุด แต่มันเป็นเรื่องยาก เป็นไปได้ที่จะไม่โกหก แต่การจริงใจนั้นเป็นสิ่งที่เป็นไปไม่ได้ทางกายภาพ”

บทวิจารณ์วรรณกรรมเบื้องต้น (N.L. Vershinina, E.V. Volkova, A.A. Ilyushin ฯลฯ ) / Ed. แอล.เอ็ม. ครุปชานอฟ. - ม. 2548

ภาพศิลปะ

ภาพโดยทั่วไปแล้ว มันเป็นความเป็นจริงทางจิตวิญญาณและจิตใจแบบอัตนัยที่เกิดขึ้น โลกภายในบุคคลที่รับรู้ความเป็นจริงใด ๆ ในกระบวนการติดต่อกับโลกภายนอก - ประการแรกแม้ว่าจะมีภาพจินตนาการจินตนาการความฝันภาพหลอน ฯลฯ โดยธรรมชาติซึ่งสะท้อนถึงความเป็นจริงเชิงอัตนัย (ภายใน) บางอย่าง . ในความหมายทางปรัชญาทั่วไปที่กว้างที่สุด รูปภาพคือการคัดลอกแบบอัตนัย ความเป็นจริงตามวัตถุประสงค์. ภาพศิลปะ– เป็นภาพลักษณ์ของศิลปะ เช่น สร้างขึ้นเป็นพิเศษอยู่ในกระบวนการพิเศษ ความคิดสร้างสรรค์กิจกรรมตามกฎหมายเฉพาะ (แม้ว่าตามกฎแล้วไม่ได้เขียนไว้) ในเรื่องศิลปะ - ศิลปิน - ถือเป็นปรากฏการณ์ ในอนาคตเราจะพูดถึงแต่ภาพลักษณ์ทางศิลปะเท่านั้น ดังนั้นเพื่อความกระชับ ผมจึงเรียกมันว่า ทาง.

ในประวัติศาสตร์แห่งสุนทรียศาสตร์ เขาเป็นคนแรกที่เสนอปัญหาเรื่องภาพลักษณ์ในรูปแบบสมัยใหม่ เฮเกลเมื่อวิเคราะห์ ศิลปะบทกวีและสรุปทิศทางหลักในการทำความเข้าใจและการศึกษา ในภาพและจินตภาพ Hegel มองเห็นความเฉพาะเจาะจงของศิลปะโดยทั่วไป และโดยเฉพาะศิลปะบทกวี “โดยทั่วไป” เขาเขียน “เราสามารถกำหนดให้การเป็นตัวแทนบทกวีเป็นตัวแทนได้ เป็นรูปเป็นร่าง,เนื่องจากมันเผยให้เห็นแก่สายตาของเราไม่ใช่แก่นแท้ที่เป็นนามธรรม แต่เป็นความจริงที่เป็นรูปธรรม ไม่ใช่การดำรงอยู่โดยบังเอิญ แต่เป็นปรากฏการณ์ที่รับรู้ถึงสาระสำคัญโดยตรงผ่านภายนอกและความเป็นปัจเจกของมัน เราเป็นหนึ่งเดียวกับมันอย่างแยกไม่ออก และด้วยเหตุนี้จึงปรากฏต่อหน้ามัน เราในโลกภายในของการเป็นตัวแทนเป็นหนึ่งเดียวและความสมบูรณ์ที่เหมือนกัน ทั้งแนวคิดเกี่ยวกับวัตถุและการดำรงอยู่ภายนอกของมัน ในแง่นี้มีความแตกต่างอย่างมากระหว่างสิ่งที่การนำเสนอโดยเป็นรูปเป็นร่างมอบให้เรากับสิ่งที่ชัดเจนสำหรับเราผ่านวิธีการแสดงออกอื่น ๆ "

ความเฉพาะเจาะจงและข้อได้เปรียบของภาพตามความคิดของ Hegel ก็คือ ตรงกันข้ามกับการกำหนดด้วยวาจาที่เป็นนามธรรมของวัตถุหรือเหตุการณ์ที่ดึงดูดความสนใจของจิตสำนึกที่มีเหตุผล แต่ภาพนั้นนำเสนอต่อการมองเห็นภายในของเราถึงวัตถุในความสมบูรณ์ของรูปลักษณ์ที่แท้จริงและจำเป็นของมัน เท็จจริง. เฮเกลอธิบายเรื่องนี้ ตัวอย่างง่ายๆ. เมื่อเราพูดหรืออ่านคำว่า "ดวงอาทิตย์" และ "รุ่งเช้า" เราก็เข้าใจได้ชัดเจนว่าคำเหล่านั้นหมายถึงอะไร เรากำลังพูดถึงแต่ทั้งดวงอาทิตย์และรุ่งเช้าไม่ปรากฏต่อหน้าต่อตาเราในรูปแบบที่แท้จริง และหากในความเป็นจริงกวี (โฮเมอร์) แสดงสิ่งเดียวกันด้วยคำว่า: "หนุ่ม Eos ลุกขึ้นจากความมืดด้วยนิ้วสีม่วง" เราก็จะได้รับบางสิ่งที่มากกว่าความเข้าใจง่ายๆ เกี่ยวกับพระอาทิตย์ขึ้น สถานที่แห่งความเข้าใจเชิงนามธรรมถูกแทนที่ด้วย "ความแน่นอนที่แท้จริง" และภาพที่สมบูรณ์ของรุ่งอรุณยามเช้าปรากฏต่อสายตาภายในของเราในความเป็นเอกภาพของเนื้อหาที่มีเหตุผล (แนวความคิด) และรูปลักษณ์ที่เป็นรูปธรรม ดังนั้น สิ่งที่สำคัญในภาพลักษณ์ของเฮเกลก็คือความสนใจของกวีในด้านภายนอกของวัตถุจากมุมของการเน้น "แก่นแท้" ของมันในนั้น ในเรื่องนี้ พระองค์ทรงแยกแยะระหว่างภาพ “ในความหมายที่ถูกต้อง” และภาพ “ในความหมายที่ไม่เหมาะสม” นักปรัชญาชาวเยอรมันจำแนกประเภทแรกว่าเป็นภาพที่ตรงไปตรงมาไม่มากก็น้อย ตอนนี้เราจะพูดว่า isomorphic รูปภาพ (คำอธิบายตามตัวอักษร) ของการปรากฏของวัตถุ และอย่างที่สองเป็นภาพที่เป็นรูปเป็นร่างทางอ้อมของวัตถุหนึ่งผ่านอีกวัตถุหนึ่ง รูปภาพประเภทนี้ประกอบด้วยคำอุปมาอุปไมย การเปรียบเทียบ และคำพูดทุกประเภท เฮเกลให้ความสำคัญเป็นพิเศษกับจินตนาการในการสร้างภาพบทกวี แนวคิดเหล่านี้ของผู้แต่ง "สุนทรียภาพ" ที่ยิ่งใหญ่ได้ก่อให้เกิดรากฐานของความเข้าใจด้านสุนทรียศาสตร์ของภาพในงานศิลปะโดยอยู่ระหว่างการพัฒนาความคิดด้านสุนทรียศาสตร์ในบางขั้นตอน การเปลี่ยนแปลง การเพิ่มเติม การเปลี่ยนแปลง และการปฏิเสธอย่างสมบูรณ์ในบางครั้ง

เป็นผลจากการค่อนข้างนาน การพัฒนาทางประวัติศาสตร์ปัจจุบัน สุนทรียศาสตร์คลาสสิกได้พัฒนาความเข้าใจที่สมบูรณ์และหลากหลายระดับเกี่ยวกับภาพและธรรมชาติที่เป็นรูปเป็นร่างของศิลปะ โดยรวมภายใต้ ในทางศิลปะ เป็นที่เข้าใจถึงความสมบูรณ์ทางจิตวิญญาณและจิตวิญญาณแบบอินทรีย์ แสดงออก นำเสนอความเป็นจริงบางอย่างในรูปแบบของมอร์ฟิซึ่มที่มากขึ้นหรือน้อยลง (ความคล้ายคลึงกันของรูปแบบ) และการรับรู้ (การมีอยู่) อย่างครบถ้วนในกระบวนการรับรู้ของ งานศิลปะเฉพาะโดยผู้รับเฉพาะนับว่าเป็นเอกลักษณ์เฉพาะตัวแล้ว โลกศิลปะพับโดยศิลปินในการสร้างสรรค์งานศิลปะให้เป็นจริงตามวัตถุประสงค์ (รูปภาพ ดนตรี บทกวี ฯลฯ ) และเปิดเผยในความเฉพาะเจาะจงอื่น ๆ (ภาวะ hypostasis อื่น) ในโลกภายในของเรื่องของการรับรู้ ภาพโดยรวมมีความซับซ้อน กระบวนการการสำรวจโลกทางศิลปะ มันสันนิษฐานว่ามีวัตถุประสงค์หรืออัตนัย ความเป็นจริงเป็นแรงผลักดันให้เกิดกระบวนการทางศิลปะ แสดง.มันมีการเปลี่ยนแปลงอย่างมีนัยสำคัญทางอัตวิสัยในการสร้างสรรค์ผลงานศิลปะให้กลายเป็นความเป็นจริงบางประการของ ทำงานจากนั้น ในการรับรู้งานนี้ กระบวนการอื่นของการเปลี่ยนแปลงคุณลักษณะ รูปแบบ แม้แต่แก่นแท้ของความเป็นจริงดั้งเดิม (ต้นแบบดังที่พวกเขาพูดในสุนทรียศาสตร์บางครั้ง) และความเป็นจริงของงานศิลปะ ("รอง" ” ภาพ) เกิดขึ้น ภาพสุดท้าย (ที่สามแล้ว) ปรากฏขึ้นซึ่งมักจะอยู่ไกลจากสองภาพแรกมาก แต่ยังคงรักษาบางสิ่งไว้ (นี่คือสาระสำคัญของ isomorphism และหลักการของการทำแผนที่) ที่มีอยู่ในภาพเหล่านั้นและรวมภาพเหล่านั้นไว้ในระบบเดียว การแสดงออกเป็นรูปเป็นร่างหรือการแสดงศิลปะ

จากนี้เห็นได้ชัดว่าเมื่อรวมกับขอบเขตแล้ว ทั่วไปที่สุด และ เต็มเกิดขึ้นระหว่างการรับรู้ สุนทรียภาพก็แยกแยะได้ ทั้งบรรทัดความเข้าใจที่เจาะจงมากขึ้นเกี่ยวกับภาพ ซึ่งสมควรที่จะกล่าวถึงอย่างน้อยก็ในเวลาสั้นๆ ที่นี่ ชิ้นงานศิลปะเริ่มต้นด้วยศิลปินอย่างแม่นยำยิ่งขึ้นด้วยความคิดบางอย่างที่เกิดขึ้นในตัวเขาก่อนที่จะเริ่มทำงานและรับรู้และเป็นรูปธรรมในกระบวนการสร้างสรรค์ในขณะที่เขาทำงาน ความคิดเริ่มต้นนี้มักจะยังค่อนข้างคลุมเครือ แนวคิดนี้มักเรียกว่าภาพซึ่งไม่ถูกต้องทั้งหมด แต่สามารถเข้าใจได้ว่าเป็นภาพร่างทางอารมณ์และจิตวิญญาณของภาพในอนาคต ในกระบวนการสร้างผลงานซึ่งในอีกด้านหนึ่งพลังทางจิตวิญญาณและอารมณ์ทั้งหมดของศิลปินมีส่วนร่วมและอีกด้านหนึ่งคือระบบทางเทคนิคของทักษะของเขาในการจัดการ (การประมวลผล) ด้วยวัสดุเฉพาะที่ บนพื้นฐานของการสร้างงาน (หิน, ดินเหนียว, สี) , ดินสอและกระดาษ, เสียง, คำพูด, นักแสดงละคร ฯลฯ กล่าวโดยย่อ - คลังแสงทั้งหมดของวิธีการมองเห็นและการแสดงออกของประเภทหรือประเภทของศิลปะที่กำหนด ) ตามกฎแล้วรูปภาพต้นฉบับ (= แผน) มีการเปลี่ยนแปลงอย่างมีนัยสำคัญ บ่อยครั้งไม่มีอะไรเหลืออยู่ในร่างภาพร่างความหมายเชิงเปรียบเทียบดั้งเดิม มันทำหน้าที่เป็นแรงกระตุ้นแรกสำหรับกระบวนการสร้างสรรค์ที่ค่อนข้างเป็นธรรมชาติเท่านั้น

ผลงานศิลปะที่เป็นผลออกมาก็เช่นกันและด้วยเหตุผลที่มากกว่านั้นเรียกว่ารูปภาพ ซึ่งในทางกลับกันก็มีระดับที่เป็นรูปเป็นร่างหรือภาพย่อยจำนวนหนึ่ง - ภาพที่มีลักษณะเฉพาะในท้องถิ่นมากขึ้น ผลงานโดยรวมมีความเย้ายวนอย่างเป็นรูปธรรมที่รวบรวมไว้ในเนื้อหาของงานศิลปะประเภทนี้ ทางโลกที่ไม่ซ้ำใครเชิงอัตวิสัยทางจิตวิญญาณซึ่งศิลปินอาศัยอยู่ในกระบวนการสร้างสรรค์ ของงานนี้. ภาพนี้เป็นชุดของหน่วยภาพและการแสดงออกของงานศิลปะประเภทนี้ ซึ่งแสดงถึงความสมบูรณ์ทางโครงสร้าง องค์ประกอบ และความหมาย นี่คืองานศิลปะที่มีอยู่อย่างเป็นกลาง (ภาพวาด โครงสร้างทางสถาปัตยกรรม นวนิยาย บทกวี ซิมโฟนี ภาพยนตร์ ฯลฯ)

ภายในงานภาพที่พังทลายนี้ เรายังพบภาพขนาดเล็กทั้งชุด ซึ่งพิจารณาจากโครงสร้างทางภาพและการแสดงออกของงานศิลปะประเภทนี้ สำหรับการจำแนกภาพในระดับนี้ ระดับของ isomorphism (ความคล้ายคลึงภายนอกของภาพกับวัตถุหรือปรากฏการณ์ที่บรรยาย) เป็นสิ่งสำคัญ ยิ่งระดับของมอร์ฟิซึ่มสูงขึ้นเท่าใด รูปภาพของระดับการแสดงออกที่เป็นรูปเป็นร่างก็จะยิ่งอยู่ใกล้มากขึ้นเท่านั้น แบบฟอร์มภายนอกพรรณนาถึงเศษเสี้ยวของความเป็นจริง ยิ่งเป็น "วรรณกรรม" เช่น ยืมคำอธิบายด้วยวาจาและกระตุ้นให้เกิดแนวคิด "รูปภาพ" ที่สอดคล้องกันในผู้รับ ตัวอย่างเช่นรูปภาพ ประเภทประวัติศาสตร์, ภูมิทัศน์คลาสสิก, เรื่องราวที่สมจริง ฯลฯ ในขณะเดียวกัน ก็ไม่มีความสำคัญนักไม่ว่าเราจะพูดถึงทัศนศิลป์ (จิตรกรรม ละคร ภาพยนตร์) หรือเกี่ยวกับดนตรีและวรรณกรรมก็ตาม ด้วย isomorphism ในระดับสูง รูปภาพหรือแนวคิด "รูปภาพ" จะเกิดขึ้นไม่ว่าจะด้วยวิธีใดก็ตาม และพวกเขาไม่ได้มีส่วนช่วยในการสร้างภาพลักษณ์ทางศิลปะที่แท้จริงของงานทั้งหมดเสมอไป บ่อยครั้งที่จินตภาพระดับนี้กลับกลายเป็นว่ามุ่งเน้นไปที่เป้าหมายด้านสุนทรียศาสตร์พิเศษ (สังคม การเมือง ฯลฯ)

อย่างไรก็ตาม รูปภาพทั้งหมดเหล่านี้จะรวมอยู่ในโครงสร้างของภาพศิลปะโดยรวม ตัวอย่างเช่นในวรรณคดีพวกเขาพูดถึงโครงเรื่องเช่น ภาพสถานการณ์ในชีวิต (ของจริง ความน่าจะเป็น มหัศจรรย์ ฯลฯ) เกี่ยวกับ ภาพฮีโร่เฉพาะของงานนี้ (รูปภาพของ Pechorin, Faust, Raskolnikov ฯลฯ ) เกี่ยวกับ ภาพธรรมชาติในคำอธิบายเฉพาะ ฯลฯ เช่นเดียวกับการวาดภาพ โรงละคร ภาพยนตร์ นามธรรมมากขึ้น (ที่มีระดับมอร์ฟนิยมน้อยกว่า) และคล้อยตามการใช้วาจาที่เป็นรูปธรรมน้อยกว่าคือภาพในงานสถาปัตยกรรม ดนตรี หรือศิลปะนามธรรม แต่ถึงอย่างนั้นเราก็สามารถพูดคุยเกี่ยวกับโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างที่แสดงออกได้ ตัวอย่างเช่น ในการเชื่อมต่อกับ "องค์ประกอบ" ที่เป็นนามธรรมโดย V. Kandinsky โดยที่ isomorphism เชิงภาพและวัตถุประสงค์ขาดไปโดยสิ้นเชิงเราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับการเรียบเรียง ภาพ,ขึ้นอยู่กับการจัดโครงสร้างของรูปแบบสี ความสัมพันธ์ของสีความสมดุลหรือความไม่ลงรอยกันของมวลสี เป็นต้น

ในที่สุดในการกระทำของการรับรู้ (ซึ่งโดยวิธีการเริ่มที่จะตระหนักอยู่แล้วในกระบวนการของความคิดสร้างสรรค์เมื่อศิลปินทำหน้าที่เป็นผู้รับคนแรกและกระตือรือร้นอย่างมากของผลงานที่เกิดขึ้นใหม่ของเขาโดยแก้ไขภาพในขณะที่พัฒนา) งานศิลปะก็เกิดขึ้นจริง ดังที่กล่าวไปแล้วว่า ภาพหลักของงานนี้จึงได้เกิดขึ้นจริง ในโลกฝ่ายวิญญาณในเรื่องการรับรู้บางอย่าง ความเป็นจริงในอุดมคติซึ่งทุกสิ่งเชื่อมโยงกัน หลอมรวมเป็นความสมบูรณ์ทางอินทรีย์ ไม่มีอะไรที่เกินความจำเป็น และไม่มีข้อบกพร่องหรือข้อบกพร่องใดๆ เธอเป็นในเวลาเดียวกัน ถึงเรื่องนี้(และสำหรับเขาเท่านั้น เพราะอีกเรื่องหนึ่งจะมีความเป็นจริงที่แตกต่างกัน ภาพที่แตกต่างกันขึ้นอยู่กับงานศิลปะชิ้นเดียวกัน) งานศิลปะ(เกิดขึ้นบนพื้นฐานของงานนี้โดยเฉพาะเท่านั้น) และ สู่จักรวาลโดยรวมสำหรับ จริงหรือแนะนำผู้รับในกระบวนการรับรู้ (เช่น การมีอยู่ของความเป็นจริงที่กำหนด ภาพลักษณ์ที่กำหนด) ความสมบูรณ์แห่งความเป็นสากลสุนทรียศาสตร์แบบดั้งเดิมอธิบายสิ่งนี้ งานศิลปะชั้นยอดในรูปแบบที่แตกต่างกัน แต่ความหมายยังคงเหมือนเดิม: ความเข้าใจในความจริงของการดำรงอยู่, สาระสำคัญของงานที่กำหนด, สาระสำคัญของปรากฏการณ์หรือวัตถุที่ปรากฎ; การปรากฏของความจริง, การก่อตัวแห่งความจริง, ความเข้าใจในความคิด, เอโดส; การใคร่ครวญถึงความงดงามของชีวิต ความคุ้นเคย ความงามในอุดมคติ; การระบาย ความปีติยินดี ความหยั่งรู้ ฯลฯ และอื่น ๆ ขั้นตอนสุดท้ายของการรับรู้งานศิลปะนั้นได้รับการสัมผัสและรับรู้ว่าเป็นความก้าวหน้าของหัวข้อการรับรู้ไปสู่ความเป็นจริงในระดับที่ไม่รู้จัก มาพร้อมกับความรู้สึกของความบริบูรณ์ของการเป็น ความเบาที่ไม่ธรรมดา ความประณีต ความปิติทางจิตวิญญาณ

ในกรณีนี้ มันไม่สำคัญเลยว่าเนื้อหาเฉพาะเจาะจงที่รับรู้ทางสติปัญญาของงานคืออะไร (ระดับวรรณกรรมและประโยชน์ใช้สอยผิวเผิน) หรือภาพการได้ยินที่เฉพาะเจาะจงไม่มากก็น้อยของจิตใจ (ระดับอารมณ์ - พลังจิต) ที่ เกิดขึ้นบนพื้นฐานของมัน เพื่อให้เกิดภาพลักษณ์ทางศิลปะที่สมบูรณ์และจำเป็น สิ่งสำคัญและสำคัญคือการจัดงานตามกฎหมายทางศิลปะและสุนทรียภาพ เช่น จำเป็นต้องทำให้เกิดความพึงพอใจทางสุนทรียศาสตร์ในท้ายที่สุดแก่ผู้รับซึ่งเป็นตัวบ่งชี้ ความเป็นจริงของการติดต่อ– การเข้าสู่วัตถุแห่งการรับรู้ด้วยความช่วยเหลือของภาพที่เกิดขึ้นจริงจนถึงระดับการดำรงอยู่ที่แท้จริงของจักรวาล

ตัวอย่างเช่นภาพวาดที่มีชื่อเสียง "ดอกทานตะวัน" ​​โดย Van Gogh (1888, มิวนิก, Neue Pinakothek) ซึ่งแสดงภาพช่อดอกทานตะวันในเหยือก ในระดับ "วรรณกรรม" เราเห็นบนผืนผ้าใบเพียงช่อดอกทานตะวันในเหยือกเซรามิกที่ยืนอยู่บนโต๊ะโดยมีพื้นหลังเป็นผนังสีเขียว มีภาพเหยือก และภาพช่อดอกทานตะวัน และภาพที่แตกต่างกันมากของดอกไม้ทั้ง 12 ดอก ซึ่งทั้งหมดสามารถอธิบายได้อย่างละเอียดด้วยคำพูด (ตำแหน่ง รูปร่าง สี ระดับวุฒิภาวะของดอกไม้เหล่านั้น บ้างก็มีจำนวนกลีบด้วยซ้ำ) อย่างไรก็ตาม คำอธิบายเหล่านี้จะยังคงมีความสัมพันธ์ทางอ้อมกับภาพศิลปะแบบองค์รวมของวัตถุแต่ละชิ้นที่ปรากฎเท่านั้น (เราสามารถพูดถึงเรื่องนี้ได้) และยิ่งไปกว่านั้นกับภาพศิลปะของงานทั้งหมด อย่างหลังก่อตัวขึ้นในจิตใจของผู้ชมโดยพิจารณาจากจำนวนฝูงชนดังกล่าว องค์ประกอบภาพภาพวาดที่ประกอบขึ้นเป็นความสมบูรณ์แบบอินทรีย์ (อาจกล่าวได้ว่ากลมกลืนกัน) และแรงกระตุ้นเชิงอัตนัยทุกประเภท (การเชื่อมโยง ความทรงจำ ประสบการณ์ทางศิลปะของผู้ชม ความรู้ของเขา อารมณ์ของเขาในขณะที่รับรู้ ฯลฯ ) ทั้งหมดนี้ไม่ได้ให้ความสำคัญกับการบัญชีหรือคำอธิบายทางปัญญาใดๆ อย่างไรก็ตามหากเรามีงานศิลปะที่แท้จริงต่อหน้าเราเช่น "ดอกทานตะวัน" เหล่านี้วัตถุประสงค์ทั้งหมดนี้ (มาจากภาพ) และแรงกระตุ้นเชิงอัตวิสัยที่เกิดขึ้นที่เกี่ยวข้องกับพวกมันและบนพื้นฐานของพวกมันจะก่อตัวขึ้นในจิตวิญญาณของ ผู้ชมแต่ละคนมีความเป็นจริงแบบองค์รวม ภาพ-จิตวิญญาณ ภาพที่ปลุกพลังความรู้สึกอันทรงพลังให้ตื่นขึ้นในตัวเรา มอบความสุขที่ไม่อาจพรรณนาได้ และยกระดับเราไปสู่ระดับของความรู้สึกและประสบการณ์อย่างแท้จริงของการเป็นอย่างที่เราไม่เคยทำได้ในชีวิตประจำวัน ชีวิต (นอกประสบการณ์สุนทรียศาสตร์)

นี่คือความจริง ความจริงของการดำรงอยู่ที่แท้จริง ภาพศิลปะ,อันเป็นพื้นฐานสำคัญของศิลปะ ศิลปะใด ๆ หากจัดระเบียบผลงานของตนตามกฎศิลปะที่ไม่ได้เขียนไว้ มีความหลากหลายอย่างไม่สิ้นสุด แต่มีอยู่จริง

สั้น ๆ :

ภาพทางศิลปะเป็นหนึ่งในประเภทสุนทรียศาสตร์ การพรรณนาถึงชีวิตมนุษย์ การพรรณนาธรรมชาติ ปรากฏการณ์เชิงนามธรรม และแนวคิดที่ก่อให้เกิดภาพโลกในงาน

ภาพทางศิลปะเป็นแนวคิดที่มีเงื่อนไข ซึ่งเป็นผลมาจากการสรุปบทกวี โดยประกอบด้วยสิ่งประดิษฐ์ จินตนาการ และจินตนาการของผู้แต่ง มันถูกสร้างขึ้นโดยนักเขียนตามโลกทัศน์ของเขาและ หลักการด้านสุนทรียภาพ. ในการวิจารณ์วรรณกรรมไม่มีมุมมองเดียวในเรื่องนี้ บางครั้งงานชิ้นเดียวหรือแม้แต่งานทั้งหมดของผู้แต่งก็ถือเป็นภาพศิลปะที่สมบูรณ์ (ชาวไอริช D. Joyce เขียนด้วยแนวทางแบบเป็นโปรแกรม) แต่บ่อยครั้งที่งานได้รับการศึกษาเป็นระบบภาพซึ่งแต่ละองค์ประกอบเชื่อมโยงกับองค์ประกอบอื่น ๆ ด้วยแนวคิดทางอุดมการณ์และศิลปะเดียว

ตามธรรมเนียมแล้ว เป็นเรื่องปกติที่จะแยกแยะระดับของภาพต่อไปนี้ในข้อความ: ภาพ-ตัวละคร ภาพธรรมชาติที่มีชีวิต(สัตว์ นก ปลา แมลง ฯลฯ) ภาพทิวทัศน์ ภาพวัตถุ ภาพคำพูด ภาพเสียง ภาพสี(ตัวอย่างเช่น สีดำ สีขาว และสีแดงในคำอธิบายการปฏิวัติในบทกวีของ A. Blok เรื่อง The Twelve) ภาพ-กลิ่น(เช่นกลิ่นหัวหอมทอดโชยมาตามสนามหญ้า เมืองต่างจังหวัด S. ใน "Ionych" ของ Chekhov ภาพ-สัญญาณ, ตราสัญลักษณ์,และ สัญลักษณ์เปรียบเทียบและอื่น ๆ

สถานที่พิเศษในระบบภาพของงานถูกครอบครองโดยผู้เขียนผู้บรรยายและผู้บรรยาย สิ่งเหล่านี้ไม่ใช่แนวคิดที่เหมือนกัน

รูปภาพของผู้แต่ง- รูปแบบการดำรงอยู่ของนักเขียนในวรรณกรรม มันรวมระบบตัวอักษรทั้งหมดเข้าด้วยกันและพูดกับผู้อ่านโดยตรง เราสามารถหาตัวอย่างนี้ได้ในนวนิยายเรื่อง Eugene Onegin ของ A. Pushkin

รูปภาพของผู้บรรยายในงานบุคคลที่เป็นนามธรรมทั่วไปตามกฎแล้วไม่มีคุณลักษณะแนวตั้งใด ๆ และแสดงออกเฉพาะในคำพูดเท่านั้นที่เกี่ยวข้องกับสิ่งที่กำลังสื่อสาร บางครั้งมันสามารถมีอยู่ได้ไม่เพียงแต่ภายในงานเดียวเท่านั้น แต่ยังอยู่ภายในอีกด้วย วงจรวรรณกรรม(เช่นเดียวกับใน "Notes of a Hunter" โดย I. Turgenev) ในข้อความวรรณกรรม ผู้เขียนทำซ้ำใน ในกรณีนี้ไม่ใช่ของเขาเอง แต่เป็นลักษณะการรับรู้ความเป็นจริงของผู้บรรยาย เขาทำหน้าที่เป็นตัวกลางระหว่างนักเขียนและผู้อ่านในการถ่ายทอดเหตุการณ์

รูปภาพของผู้บรรยาย- นี่คือตัวละครที่มีการกล่าวสุนทรพจน์ในนามของ ผู้บรรยายจะได้รับบางส่วนซึ่งแตกต่างจากผู้บรรยาย ลักษณะบุคลิกภาพ(รายละเอียดภาพบุคคล ข้อเท็จจริงเกี่ยวกับชีวประวัติ) ในงาน บางครั้งผู้เขียนสามารถนำการบรรยายไปพร้อมกับผู้บรรยายได้ มีตัวอย่างมากมายในวรรณคดีรัสเซีย: Maxim Maksimych ในนวนิยายเรื่อง "Hero of Our Time" ของ M. Lermontov, Ivan Vasilyevich ในเรื่องราวของ L. Tolstoy เรื่อง "After the Ball" ฯลฯ

ภาพศิลปะที่แสดงออกสามารถสร้างความตื่นเต้นและตกใจให้กับผู้อ่านได้อย่างลึกซึ้งและส่งผลต่อการศึกษา

ที่มา: คู่มือนักเรียน: เกรด 5-11 - อ.: AST-PRESS, 2000

รายละเอียดเพิ่มเติม:

ภาพทางศิลปะเป็นหนึ่งในแนวคิดที่คลุมเครือและกว้างที่สุดซึ่งนักทฤษฎีและผู้ปฏิบัติงานในงานศิลปะทุกประเภทใช้ รวมถึงวรรณกรรมด้วย เราพูดว่า: ภาพลักษณ์ของ Onegin, ภาพของ Tatyana Larina, ภาพลักษณ์ของมาตุภูมิหรือความสำเร็จ ภาพบทกวี, หมายถึงหมวดหมู่ ภาษากวี(คำคุณศัพท์ คำอุปมา การเปรียบเทียบ...) แต่มีอีกความหมายหนึ่งที่อาจสำคัญที่สุด ซึ่งกว้างที่สุดและเป็นสากลมากที่สุด นั่นคือ ภาพซึ่งเป็นรูปแบบหนึ่งของการแสดงออกของเนื้อหาในวรรณคดี ซึ่งเป็นองค์ประกอบหลักของศิลปะโดยทั่วไป

ควรสังเกตว่าภาพโดยทั่วไปเป็นนามธรรมที่ได้รับโครงร่างที่เป็นรูปธรรมเป็นองค์ประกอบเบื้องต้นของภาพเท่านั้น ระบบศิลปะโดยทั่วไป. งานศิลปะทุกชิ้นเป็นรูปเป็นร่าง และส่วนประกอบทั้งหมดก็เช่นกัน

ถ้าเราหันไปหางานใด ๆ เช่น "Demons" ของพุชกินจุดเริ่มต้นของ "Ruslan และ Lyudmila" หรือ "To the Sea" เราจะอ่านและถามคำถาม: "ภาพอยู่ที่ไหน" - คำตอบที่ถูกต้องคือ: “ทุกที่!” เพราะจินตภาพคือรูปแบบหนึ่งของการดำรงอยู่ของงานศิลปะ วิธีเดียวเท่านั้นความเป็นอยู่ของมัน ซึ่งเป็น "สสาร" ชนิดหนึ่งที่มันประกอบขึ้น และในที่สุดก็แตกออกเป็น "โมเลกุล" และ "อะตอม"

ประการแรก โลกศิลปะคือโลกที่เป็นรูปเป็นร่าง งานศิลปะเป็นภาพเดียวที่ซับซ้อน และแต่ละองค์ประกอบของมันเป็นอนุภาคที่ค่อนข้างเป็นอิสระและมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวจากทั้งหมดนี้ โดยมีปฏิสัมพันธ์กับมันและกับอนุภาคอื่นๆ ทั้งหมด ทุกสิ่งและทุกคนในโลกกวีเต็มไปด้วยจินตภาพ แม้ว่าข้อความจะไม่ได้มีคำคุณศัพท์ การเปรียบเทียบ หรือคำอุปมาเพียงคำเดียว

ในบทกวีของพุชกิน "ฉันรักคุณ..." ไม่มี "การตกแต่ง" แบบดั้งเดิมเช่น tropes มักเรียกว่า "ภาพทางศิลปะ" (ไม่นับคำอุปมาทางภาษาศาสตร์ที่สูญพันธุ์ไปแล้วว่า "ความรัก... จางหายไป") ดังนั้นจึงมักถูกนิยามว่าเป็น "น่าเกลียด" ซึ่งเป็นความผิดโดยพื้นฐาน ดังที่ R. Jacobson แสดงให้เห็นอย่างยอดเยี่ยมในบทความชื่อดังของเขาเรื่อง "The Poetry of Grammar and the Grammar of Poetry" โดยใช้วิธีทางภาษากวีโดยเฉพาะ และมีเพียงการใช้รูปแบบไวยากรณ์ที่เทียบเคียงกันอย่างเชี่ยวชาญเท่านั้น พุชกินได้สร้างภาพลักษณ์ทางศิลปะที่น่าตื่นเต้นของประสบการณ์ของ คนรักผู้บูชาวัตถุแห่งชีวิต โดดเด่นในความเรียบง่ายสง่างาม เป็นธรรมชาติ รักและสละความสุขเพื่อเขา ส่วนประกอบของภาพที่เป็นรูปเป็นร่างที่ซับซ้อนนี้คือภาพส่วนตัวของการแสดงออกทางวาจาล้วนๆ ซึ่งเปิดเผยโดยนักวิจัยผู้รอบรู้

ในด้านสุนทรียภาพ มีสองแนวคิดเกี่ยวกับภาพลักษณ์ทางศิลปะเช่นนี้ ตามประการแรกรูปภาพเป็นผลผลิตจากแรงงานเฉพาะซึ่งออกแบบมาเพื่อ "คัดค้าน" เนื้อหาทางจิตวิญญาณบางอย่าง แนวคิดเกี่ยวกับภาพนี้มีสิทธิ์ในการมีชีวิต แต่จะสะดวกกว่าสำหรับงานศิลปะประเภทเชิงพื้นที่โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับผู้ที่มีความสำคัญ (ประติมากรรมและสถาปัตยกรรม) ตามแนวคิดที่สองภาพก็เป็นเช่นนั้น รูปร่างพิเศษควรพิจารณาการพัฒนาทางทฤษฎีของโลกโดยเปรียบเทียบกับแนวคิดและแนวคิดเป็นหมวดหมู่ของการคิดทางวิทยาศาสตร์

แนวคิดที่สองนั้นใกล้และชัดเจนกว่าสำหรับเรา แต่โดยหลักการแล้ว ทั้งคู่ต้องทนทุกข์ทรมานจากฝ่ายเดียว จริงๆแล้วเรามีสิทธิ์ที่จะระบุหรือไม่ ความคิดสร้างสรรค์ทางวรรณกรรมด้วยการผลิตบางประเภท งานประจำธรรมดา การมีเป้าหมายเชิงปฏิบัติที่ชัดเจน? ไม่จำเป็นต้องพูดว่าศิลปะเป็นงานที่ยากและเหน็ดเหนื่อย (ให้เราจำคำเปรียบเทียบที่แสดงออกของ Mayakovsky: "บทกวีคือการทำเหมืองเรเดียมแบบเดียวกัน: / ในปีแห่งการขุดจะมีงานหนึ่งกรัม") ซึ่งไม่หยุดทั้งกลางวันและกลางคืน บางครั้งผู้เขียนก็สร้างขึ้นอย่างแท้จริงแม้ในขณะหลับ (ราวกับว่า Henriad ฉบับที่สองปรากฏต่อวอลแตร์) ไม่มีการพักผ่อน ไม่มีความเป็นส่วนตัวเช่นกัน (ดังที่ O'Henry แสดงให้เห็นอย่างยอดเยี่ยมในเรื่อง "Confession of a Humorist")

ทำงานหนักมั้ย? ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ? ใช่ ไม่ต้องสงสัย แต่ไม่ใช่แค่ทำงานเท่านั้น มันเป็นความทรมาน ความเพลิดเพลินที่หาที่เปรียบมิได้ การค้นคว้าเชิงวิเคราะห์ที่รอบคอบ และการหลบหนีอย่างอิสระของจินตนาการอันไร้ขอบเขต งานหนักที่เหน็ดเหนื่อย และ เกมที่น่าตื่นเต้น. มันคือศิลปะ

แต่ผลงานของงานวรรณกรรมคืออะไร? สามารถวัดได้อย่างไรและด้วยอะไร? ท้ายที่สุดไม่ใช่ด้วยหมึกหลายลิตรและไม่ใช่กระดาษที่หมดสภาพเป็นกิโลกรัมไม่ใช่กับไซต์ที่โพสต์บนอินเทอร์เน็ตพร้อมข้อความผลงานที่มีอยู่ในพื้นที่เสมือนจริงล้วนๆ! หนังสือยังคงเป็นวิธีการดั้งเดิมในการบันทึก จัดเก็บ และบริโภคผลลัพธ์ งานเขียนเป็นสิ่งที่ภายนอกล้วนๆ และเมื่อมันปรากฏออกมา เปลือกที่ไม่จำเป็นอย่างยิ่งสำหรับโลกที่เป็นรูปเป็นร่างที่สร้างขึ้นในกระบวนการของเขา โลกนี้ถูกสร้างขึ้นทั้งจากจิตสำนึกและจินตนาการของนักเขียน และถูกแปลตามลำดับไปสู่ขอบเขตของจิตสำนึกและจินตนาการของผู้อ่าน ปรากฎว่าจิตสำนึกถูกสร้างขึ้นผ่านจิตสำนึก เกือบจะเหมือนกับในเทพนิยายที่มีไหวพริบของ Andersen เรื่อง "The King's New Clothes"

ดังนั้นภาพศิลปะในวรรณคดีจึงไม่ได้เป็น "การคัดค้าน" โดยตรงของเนื้อหาทางจิตวิญญาณความคิดความฝันอุดมคติใด ๆ เนื่องจากนำเสนอได้ง่ายและชัดเจนในรูปปั้นเดียวกัน (Pygmalion ผู้ "คัดค้าน" ความฝันของเขา ใน งาช้างสิ่งที่เหลืออยู่คือขอให้เทพีแห่งความรักอโฟรไดท์เติมชีวิตชีวาให้กับรูปปั้นเพื่อแต่งงานกับเธอ!) งานวรรณกรรมไม่ก่อให้เกิดผลลัพธ์ที่เป็นรูปธรรมโดยตรง หรือผลที่ตามมาในทางปฏิบัติที่จับต้องได้

นี่หมายความว่าแนวคิดที่สองนั้นถูกต้องมากกว่า โดยยืนยันว่าภาพลักษณ์ทางศิลปะของงานเป็นรูปแบบหนึ่งของการสำรวจโลกทางทฤษฎีโดยเฉพาะหรือไม่? ไม่ และมีด้านเดียวบางอย่างที่นี่ ความคิดสร้างสรรค์วี นิยายแน่นอนว่าต่อต้านทฤษฎีและวิทยาศาสตร์แม้ว่าจะไม่ได้ยกเว้นเลยก็ตาม การคิดเชิงเปรียบเทียบด้วยวาจาสามารถแสดงได้เป็นการสังเคราะห์ความเข้าใจเชิงปรัชญาหรือเชิงสุนทรีย์ของชีวิต และการออกแบบทางประสาทสัมผัสเชิงวัตถุวิสัย การทำซ้ำในเนื้อหาที่มีอยู่ในตัวมันโดยเฉพาะ อย่างไรก็ตาม ไม่มีความแน่นอนที่ชัดเจน ไม่มีลำดับตามแบบบัญญัติ ไม่มีลำดับของทั้งสองอย่าง และแน่นอนว่าเราไม่สามารถมีได้ ถ้าเราหมายถึงงานศิลปะที่แท้จริง ความเข้าใจและการทำซ้ำ การแทรกซึม เสริมซึ่งกันและกัน ความเข้าใจกระทำในรูปแบบที่เป็นรูปธรรมและรับรู้ได้ และการทำซ้ำจะทำให้ความคิดกระจ่างและกระจ่างขึ้น

การรับรู้และความคิดสร้างสรรค์เป็นการกระทำแบบองค์รวมเดียว ทฤษฎีและการปฏิบัติในงานศิลปะแยกกันไม่ออก แน่นอนว่ามันไม่เหมือนกัน แต่เป็นหนึ่งเดียวกัน ในทางทฤษฎี ศิลปินยืนยันตัวเองในทางปฏิบัติ ในทางปฏิบัติ - ในทางทฤษฎี สำหรับแต่ละบุคคลที่มีความคิดสร้างสรรค์ ความสามัคคีของทั้งสองด้านของทั้งหมดจะแสดงออกมาในแบบของตัวเอง

ดังนั้น V. Shukshin จึง "สำรวจ" ในขณะที่เขากล่าวถึงชีวิตเห็นมันจำมันได้ด้วยสายตาที่ได้รับการฝึกฝนของศิลปินและ A. Voznesensky ดึงดูด "สัญชาตญาณ" ในความรู้ (“ หากคุณมองหาอินเดีย คุณจะพบกับอเมริกา!”) พร้อมด้วยสถาปนิกผู้จ้องมองเชิงวิเคราะห์ (การศึกษาอดไม่ได้ที่จะมีผลกระทบ) ความแตกต่างยังสะท้อนให้เห็นในแง่ของการแสดงออกที่เป็นรูปเป็นร่าง (นักปราชญ์ไร้เดียงสา "คนประหลาด" ต้นเบิร์ชที่เคลื่อนไหวได้ใน Shukshin และ "นักดนตรีปรมาณู" ผู้นำวัฒนธรรมของ NTR "ลูกแพร์สามเหลี่ยม" และ "ผลไม้สี่เหลี่ยมคางหมู" ใน Voznesensky)

ทฤษฎีที่เกี่ยวข้องกับโลกวัตถุประสงค์คือ "ภาพสะท้อน" และการปฏิบัติคือ "การสร้าง" (หรือค่อนข้างจะเป็น "การเปลี่ยนแปลง") ของโลกวัตถุประสงค์นี้ ประติมากร “สะท้อน” บุคคล—สมมติว่าเป็นพี่เลี้ยงเด็ก—และสร้างวัตถุใหม่—เป็น “รูปปั้น” แต่ผลงาน ประเภทวัสดุศิลปะเป็นสิ่งที่ชัดเจนในความหมายที่แท้จริงของคำ ซึ่งเป็นเหตุว่าทำไมจึงง่ายต่อการติดตามรูปแบบสุนทรียภาพที่ซับซ้อนที่สุดโดยใช้ตัวอย่างของพวกเขา ในนิยาย ในศิลปะแห่งถ้อยคำ ทุกสิ่งทุกอย่างมีความซับซ้อนมากขึ้น

การสำรวจโลกด้วยภาพ ศิลปินดำดิ่งลงสู่ส่วนลึกของวัตถุ ราวกับนักวิทยาศาสตร์ธรรมชาติในคุกใต้ดิน เขารู้ถึงแก่นสารของมัน หลักการพื้นฐาน แก่นสาร สกัดเอารากของมันออกมา ความลับของวิธีการสร้างภาพเสียดสีได้รับการเปิดเผยอย่างน่าอัศจรรย์โดยตัวละครในนวนิยายของไฮน์ริช บอลล์ เรื่อง “Through the Eyes of a Clown” ฮันส์ ชเนียร์: “ฉันหยิบยกเสี้ยวหนึ่งของชีวิต ยกระดับมันขึ้นมาสู่พลัง จากนั้นจึงดึงรากเหง้ามาจาก แต่ด้วยจำนวนที่แตกต่างกัน”

ในแง่นี้ใคร ๆ ก็สามารถเห็นด้วยอย่างจริงจังกับเรื่องตลกที่มีไหวพริบของ M. Gorky:“ เขารู้ความเป็นจริงราวกับว่าเขาทำเอง!.. ” และตามคำจำกัดความของ Michelangelo:“ นี่คือผลงานของคนที่รู้มากกว่าธรรมชาติ” ซึ่งเขาอ้างถึงในบทความของเขา V. Kozhinov

การสร้างภาพทางศิลปะนั้นไม่ค่อยเหมือนการค้นหา เสื้อผ้าสวย ๆสำหรับแนวคิดหลักสำเร็จรูปเบื้องต้น แผนเนื้อหาและการแสดงออกเกิดและเติบโตในตัวเขาอย่างกลมกลืนพร้อม ๆ กัน การแสดงออกของพุชกิน "กวีคิดในบทกวี" และ Belinsky เวอร์ชันเดียวกันเกือบทั้งหมดในบทความที่ 5 ของเขาเกี่ยวกับพุชกิน: "กวีคิดในภาพ" “โดยบทกวี เราหมายถึงรูปแบบความคิดเชิงกวีดั้งเดิมที่เกิดขึ้นทันที” ยืนยันวิภาษวิธีนี้อย่างน่าเชื่อถือ