- (od greckiego ballizein do tańca). Spektakle teatralne, którym towarzyszy muzyka, w których bohaterowie wyrażają różnorodne pasje nie za pomocą słów, a wyłącznie poprzez ruchy mimiczne i tańce. Słownik słów obcych zawarty w... Słownik obcych słów języka rosyjskiego
Od połowy lat 30. 18 wiek W Petersburgu regularnie pojawiały się występy baletu dworskiego. W 1738 pierwszy Rosjanin szkoła baletowa(od 1779 r szkoła teatralna), w ramach którego odbywały się zajęcia baletowe (obecnie Szkoła Choreograficzna); … Petersburg (encyklopedia)
- (balet francuski z baletu włoskiego), rodzaj sztuki scenicznej, której treść ujawnia się w obrazach tanecznych i muzycznych. Balet zaczął kształtować się w Europie w XVI wieku. Jego rozkwit kojarzony jest z romantyzmem, który wysuwał się od drugiej trzeciej... ... Wielki słownik encyklopedyczny
BALET, balet, mąż. (Balet francuski). 1. Spektakl teatralny na określonej fabule od tańców i pantomimy po muzykę. Idź na balet. || Kompozycja muzyczna, przeznaczone do takiej reprezentacji. Orkiestra wykonała walca z popularnego ... ... Słownik Uszakow
Taniec to jedyna sztuka, dla której sami jesteśmy materiałem. Ted Sean Rosja: setki mil pól i wieczorami balet. Alan Hackney Ballet to opera dla niesłyszących. Balet Emila Łagodnego: sztuka, która swoją popularność zawdzięcza w dużej mierze temu, że... Skonsolidowana encyklopedia aforyzmów
Były. choreografia Słownik rosyjskich synonimów. Kontekst 5.0 Informatyka. 2012. balet n., liczba synonimów: 6 balet galowy (1) ... Słownik synonimów
BALET, mąż. 1. Sztuka tańca scenicznego. Klasyczny B. 2. Przedstawienie teatralne składające się z tańców i pantomimy przy akompaniamencie muzyki. B. na lodzie (jazda na łyżwach). 3. Artyści biorący udział w wykonaniu. | przym. balet, och, och. Wyjaśniające ... ... Słownik wyjaśniający Ożegowa
Mąż. spektakl złożony z tańców i cichej akcji. Balet, związany z takim przedstawieniem; męski tancerz baletowy tancerka baletowa tancerka baletowa. Mąż choreograf. kompozytor, kompilator baletów; właściciel stowarzyszenia tancerzy baletowych; ... ... Słownik wyjaśniający Dahla
Balet- opera dla niesłyszących... Słoń Scepty'ego
Balet- Balet zwiastuje cudzołóstwo, a także niepowodzenia w biznesie, handlu, kłótnie i zazdrość między kochankami. Ponadto sen o balecie wskazuje, że w zwykłym życiu masz tendencję do torturowania się. Czy często znosisz... Wielka uniwersalna książka marzeń
balet- padisza. p e r i f r. Shara Zhienkulova d.m. Olardyn arasyndan „b a l e t p adis ha s y” atanyp ketken ړazhaiyp bishі Shara Zhien `lovany airy `sha belip aytu użyta bolady (Kaz. ördeb., 19.10.1971, 4) ... Kazachski tilinin tusindirme sozdigі
Książki
- Balet. 1992. Numer 2,. Magazyn „BALLET” to publikacja dla prawdziwych koneserów tej pięknej sztuki, która łączy w sobie plastyczność, dramaturgię, muzykę i emocjonalność. Język tańca jest uniwersalny, zrozumiały dla każdego. Czasopismo…
- Balet. 1992. Numer 3,. Magazyn „BALLET” to publikacja dla prawdziwych koneserów tej pięknej sztuki, która łączy w sobie plastyczność, dramaturgię, muzykę i emocjonalność. Język tańca jest uniwersalny, zrozumiały dla każdego.…
Balet (balet francuski, od łac. ballo - tańczę) to rodzaj sztuki widowiskowej, której głównym środkiem wyrazu jest muzyka i taniec, które są ze sobą nierozerwalnie związane.
Najczęściej balet opiera się na jakiejś fabule, dramatycznym projekcie, libretto, ale zdarzają się też balety bez fabuły. Główne rodzaje tańca w balecie to taniec klasyczny i taniec postaci. Ważną rolę odgrywa tu pantomima, za pomocą której aktorzy przekazują uczucia bohaterów, ich „rozmowę” między sobą, istotę tego, co się dzieje. Elementy gimnastyki i akrobatyki są również szeroko stosowane we współczesnym balecie.
Narodziny baletu
Balet powstał we Włoszech w okresie renesansu (XVI w.), początkowo jako scena taneczna połączona jedną akcją lub nastrojem, epizodem przedstawienia muzycznego, operą. Zapożyczony z Włoch we Francji balet dworski rozkwita jako wspaniałe, uroczyste widowisko. Podstawa muzyczna pierwsze balety (Balet komediowy królowej, 1581) były tańcami ludowymi i dworskimi, które wchodziły w skład starej suity. W drugiej połowie XVII wieku pojawiły się nowe gatunki teatralne, takie jak komedia-balet, opera-balet, w których znaczące miejsce poświęca się muzyce baletowej i próbuje się ją dramatyzować. Jednak balet stał się samodzielnym rodzajem sztuki scenicznej dopiero w drugiej połowie XVIII wieku dzięki reformom przeprowadzonym przez francuskiego choreografa J. J. Novera. Opierając się na estetyce francuskich oświeceniowców, tworzył spektakle, w których treść ujawnia się w dramatycznych, wyrazistych obrazach plastycznych, aprobował aktywną rolę muzyki jako „programu determinującego ruchy i działania tancerza”.
Dalszy rozwój baletu
Dalszy rozwój i rozkwit baletu przypada na epokę romantyzmu.
Kostium baletowy nowoczesny (strój wróżki Dragee ze spektaklu „Dziadek do orzechów”)
Już w latach 30. XVIII wieku. Francuska baletnica Camargo skróciła spódnicę (tutu) i porzuciła szpilki, co pozwoliło jej wprowadzić do tańca kapcie. Do końca XVIII w. kostium baletowy staje się znacznie lżejszy i bardziej swobodny, co w dużej mierze przyczynia się do szybkiego rozwoju techniki tańca. Próbując nadać swojemu tańcu większą przewiewność, performerzy próbowali stanąć na palcach, co doprowadziło do wynalezienia pointów. W przyszłości technika palcowa taniec kobiecy aktywnie się rozwija. Pierwszą osobą, która jako środek wyrazu wykorzystała taniec pointe, była Maria Taglioni.
Dramatyzacja baletu wymagała rozwoju muzyki baletowej. Beethoven w swoim balecie Kreacje Prometeusza (1801) podjął pierwszą próbę symfonizacji baletu. Kierunek romantyczny został ustalony w baletach Adama Giselle (1841) i Le Corsaire (1856). Za pierwsze balety symfoniczne uważa się balet Delibesa Coppelia (1870) i Sylvia (1876). Jednocześnie zarysowano także uproszczone podejście do muzyki baletowej (w baletach C. Pugny, L. Minkusa, R. Drigo i in.), jako muzykę melodyczną, wyraźną rytmicznie, służącą jedynie jako dodatek do tańca .
Balet przenika do Rosji i na początku zaczyna się rozprzestrzeniać nawet za czasów Piotra I. 18 wiek W 1738 roku na prośbę francuskiego mistrza tańca Jeana-Baptiste'a Lande w Petersburgu otwarto pierwszą w Rosji szkołę tańca baletowego (obecnie Akademia Baletu Rosyjskiego im. A. Ya. Vaganovej).
Historia baletu rosyjskiego rozpoczyna się w 1738 roku. Wtedy właśnie, dzięki petycji pana Lande, powstała pierwsza szkoła w Rosji. sztuka baletowa- Akademia Tańca w Petersburgu im. Agrypiny Jakowlewnej Waganowej, znana obecnie całemu światu. Władcy Tron rosyjski zawsze dbał o rozwój sztuka tańca. Michaił Fiodorowicz był pierwszym z carów rosyjskich, który wprowadził do sztabu swojego dworu nowe stanowisko tancerza. Zostali Iwanem Lodyginem. Musiał nie tylko sam tańczyć, ale także uczyć tego rzemiosła innych. Do jego dyspozycji oddano dwudziestu dziewięciu młodzieńców. Pierwszy teatr powstał za cara Aleksieja Michajłowicza. Wtedy zwyczajem było pokazywanie tańca scenicznego pomiędzy aktami spektaklu, który nazywano baletem. Później, na mocy specjalnego dekretu cesarza Piotra Wielkiego, stały się tańce część integralna Etykieta Dworska. W latach 30. XVIII wieku młodzież szlachecka została zobowiązana do nauki tańca. W Petersburgu taniec towarzyski stał się dyscypliną obowiązkową w korpusie kadetów szlacheckich. Wraz z otwarciem teatru letniego w Ogrodzie Letnim i teatru zimowego w skrzydle Pałacu Zimowego kadeci zaczynają brać udział w tańcach baletowych. Instruktorem tańca w budynku był Jean-Baptiste Landet. Doskonale zdawał sobie sprawę, że szlachta nie będzie w przyszłości poświęcać się baletowi. Chociaż oni wraz z profesjonalistami tańczyli w baletach. Lande jak nikt inny nie widział potrzeby rosyjskiego teatru baletowego. We wrześniu 1737 r. złożył petycję, w której uzasadnił potrzebę utworzenia nowej szkoły specjalnej, w której uczyłyby się sztuki choreograficznej dziewczęta i chłopcy prostego pochodzenia. Wkrótce takie pozwolenie zostało wydane. Spośród służby pałacowej wybrano dwanaście dziewcząt i dwunastu szczupłych młodych mężczyzn, których Lande zaczął uczyć. Codzienna praca przynosiła rezultaty, publiczność była zachwycona tym, co zobaczyła. Od 1743 r byli studenci Lande zaczyna płacić pensje jako tancerze baletowi. Szkole bardzo szybko udało się zapewnić rosyjskiej scenie doskonałych tancerzy corps de ballet i znakomitych solistów. Nazwiska najlepszych uczniów pierwszego zestawu pozostały w historii: Aksinya Sergeeva, Avdotya Timofeeva, Elizaveta Zorina, Afanasy Toporkov, Andrey Nesterov
tożsamość narodowa Balet rosyjski zaczął kształtować się na początku XIX wieku dzięki działalności francuskiego choreografa Ch.-L. Didlo. Didlo podkreśla rolę corps de ballet, połączenia tańca z pantomimą, podkreśla priorytet tańca kobiecego.
Prawdziwej rewolucji w muzyce baletowej dokonał Czajkowski, który wprowadził do niej ciągły rozwój symfoniczny, głęboką treść figuratywną i wyrazistość dramatyczną. Muzyka jego baletów jezioro łabędzie„(1877), „Śpiąca królewna” (1890), „Dziadek do orzechów” (1892) znalazły wraz z symfonią możliwość ujawnienia wewnętrznego przebiegu akcji, ucieleśnienia postaci bohaterów w ich interakcji, rozwój, walka. W choreografii innowację Czajkowskiego ucieleśniali choreografowie Marius Petipa i L.I. Iwanow, którzy zapoczątkowali symfonizację tańca. Tradycję symfonizowania muzyki baletowej kontynuował Głazunow w baletach Raymonda (1898), Młoda panna (1900) i Pory roku (1900).
Początek XX wieku upłynął pod znakiem nowatorskich poszukiwań, chęci przełamywania stereotypów, konwencji akademickich balet XIX wiek. W swoich baletach choreograf Teatr Bolszoj A. A. Gorsky starał się osiągnąć konsekwentny rozwój akcji dramatycznej, dokładność historyczną, próbował wzmocnić rolę corps de ballet jako postaci masowej, przezwyciężyć rozdział pantomimy i tańca. M. M. Fokin wniósł ogromny wkład w rosyjską sztukę baletową, znacznie poszerzając krąg idei i obrazów w balecie, wzbogacając go o nowe formy i style. Jego występy dla baletów „Pory Roku” „Chopiniana”, „Pietruszka”, „Ognisty ptak” i innych przyniosły sławę rosyjskiemu baletowi za granicą. Światową sławę zdobyła miniatura „Umierający łabędź” (1907), stworzona przez Fokina dla Anny Pavlovej. W latach 1911-13 na bazie Sezonów Rosyjskich utworzono stałą trupę, Rosyjski Balet Diagilewa. Po odejściu z trupy Fokina jej choreografem został Wacław Niżyński. Jego najsłynniejszym przedstawieniem był balet Święto wiosny do muzyki Strawińskiego.
Taniec nowoczesny
Taniec nowoczesny to kierunek w sztuce tańca, który pojawił się na początku XX wieku w wyniku odejścia od rygorystycznych norm baletu na rzecz swobody twórczej choreografów.
Taniec swobodny został odepchnięty od baletu, którego twórcy nie byli tak bardzo zainteresowani Nowa technologia taniec czy choreografia, ile tańca jako szczególnej filozofii, która może zmienić życie. Ruch ten, który narodził się na początku XX wieku (za jego przodka uważa się Isadorę Duncan), stał się źródłem wielu kierunków taniec współczesny i dał impuls do reformy samego baletu.
Wszystko zaczęło się ponad pięćset lat temu w północnych Włoszech. Był to renesans, którego cechami wyróżniającymi był świecki charakter kultury, humanizm i antropocentryzm, czyli zainteresowanie przede wszystkim człowiekiem i jego działalnością.
W okresie renesansu włoscy książęta organizowali uroczystości pałacowe, podczas których taniec zajmował ważne miejsce. Jednak wspaniałe szaty, podobnie jak sale, nie pozwalały na niezorganizowany ruch. Dlatego istnieli specjalni nauczyciele - mistrzowie tańca, którzy ćwiczyli ze szlachtą ruchu i osobne figury później poprowadzić tancerzy. Stopniowo taniec stawał się coraz bardziej teatralny, a samo słowo „balet” oznaczało kompozycje, które nie przekazywały fabuły, ale właściwość lub stan charakteru.
Pod koniec XV wieku ten rodzaj baletu był częścią spektaklu tworzonego przez znani poeci i artyści. W 1496 roku Leonardo da Vinci zaprojektował kostiumy tancerzy i wynalazł efekty sceniczne na święto księcia Mediolanu.
W 1494 roku, kiedy król Francji Karol VIII wkroczył do Włoch, zdobywając tron Neapolu, jego dworzanie byli pod wrażeniem umiejętności włoskich nauczycieli tańca. W rezultacie na dwór francuski zaproszono mistrzów tańca. Jednocześnie potrzebna była notacja – system nagrywania tańca. Autorem pierwszego znanego systemu był Tuan Arbo. Nagrywał kroki taneczne ze znakami muzycznymi.
Rozwój był kontynuowany we Francji...
Francuska królowa Katarzyna Medycejska zaprosiła Włocha Baldasarino di Belgiojoso (we Francji nazywano go Balthazar de Beaujoieux) do wystawiania przedstawień dworskich. Balet ugruntował swoją pozycję jako gatunek, w którym dramat, „śpiewająca opowieść” (recytatyw) i taniec tworzyły ciągłą akcję. Rozważany jest pierwszy w tym gatunku i najbardziej znany „Cirke, czyli balet komediowy królowej”, wydany w 1581 r. Fabuła została zaczerpnięta z starożytna mitologia. Tańce odbywały się we wspaniałych kostiumach i maskach. szlachetne panie i dziadkowie.
W XVI wieku wraz z rozwojem muzyki instrumentalnej rozwijała się technika tańca. W Francja XVII wieku zaczęły pojawiać się balety maskaradowe, a następnie pompatyczne balety melodramatyczne o rycerskich i fantastycznych fabułach, w których epizody taneczne przeplatały się ariami wokalnymi i recytacją wierszy - „Balet Alcine” (1610), „Triumf Minerwy” (1615) ), „Wyzwolenie Rinaldo” (1617). Takie balety składały się z różne liczby, który dziś przypomina rozrywkę, a później stanie się jedną z ważnych form strukturalnych przyszłego baletu.
Później król Francji Ludwik XIII, który lubił tańczyć i otrzymał ocenę doskonałą edukacja muzyczna, był autorem przedstawienia baletowego „Merlezon Ballet” (15 marca 1635). Fabuła obejmowała przygody podczas polowania na drozdy – jedną z ulubionych rozrywek króla. Balet składał się z 16 aktów. Jego Królewska Mość nie tylko skomponował libretto, muzykę, choreografię, naszkicował scenografię i kostiumy, ale także odegrał dwie role: handlarza przynętami i chłopa.
Pierwsze kroki młodej sztuki. Świetny Pierre Beauchamp
Szczególny rozkwit występy baletu dworskiego osiągnęły za panowania króla Ludwika XIV. Bo dopiero wtedy zaczęto wykonywać taniec pewne zasady. Po raz pierwszy sformułował je francuski choreograf Pierre Beauchamp (1637–1705).
Ludwik XIV otrzymał swój słynny przydomek „Król Słońce” po zagraniu roli Słońca w Balecie Nocy. Uwielbiał tańczyć i brać udział w przedstawieniach. W 1661 roku otworzył Królewską Akademię Muzyki i Tańca, do której zaproszono 13 czołowych mistrzów tańca. Ich obowiązkiem było zachowanie tradycje taneczne.
Dyrektor akademii Pierre Beauchamp spisał kanony szlachetnego sposobu tańca, którego podstawą było wywinięcie nóg (en dehors). Stanowisko to dało Ludzkie ciało możliwość swobodnego poruszania się w różnych kierunkach. Wszystkie ruchy podzielił na grupy: przysiady (plié), skoki (huśtawki, entresha, cabrioles, jette, umiejętność zawisania w skoku – wzniesienie), rotacje (piruety, fouety), pozycje ciała (postawy, arabeski). Wykonanie tych ruchów odbywało się w oparciu o pięć pozycji nóg i trzy pozycje rąk (port de bras). Wszystko pa taniec klasyczny pochodzące z pozycji stóp i dłoni.
Jego klasyfikacja jest żywa do dziś, a francuska terminologia stała się powszechna dla artystów na całym świecie, podobnie jak łacina dla lekarzy.
Beauchamp wniósł także nieoceniony wkład w balet klasyczny, dzieląc tańce na trzy główne typy: poważne, półcharakterystyczne i komiczne. Poważny taniec (prototyp współczesnej klasyki) wymagał akademickiego rygoru wykonania, piękno zewnętrzne, wdzięk – nawet na granicy afektacji. Był to taniec „szlachetny”, który służył do odgrywania roli króla, boga, bohater mitologiczny. Półcharakterystyczne - łączone tańce pasterskie, peisan i fantastyczne, które miały przedstawiać siły natury lub personifikację ludzkie namiętności. Tańce furii, nimf i satyrów również podlegały jego prawom. Wreszcie taniec komiczny wyróżniał się wirtuozerią, pozwalającą na przesadne ruchy i improwizację. Był potrzebny do groteskowych i egzotycznych tańców występujących w komediach teatru klasycyzmu.
W ten sposób rozpoczęła się formacja baletu, który XVIII wiek z przerywników i rozrywek rozwinęła się w sztukę niezależną.
Pierwszy teatr. Pierwsza trupa
Zdobywając coraz większą popularność, balet stał się zatłoczony sale pałacowe. Pod kierownictwem Beauchampa powstała Opera Paryska, gdzie był choreografem, ale przedstawienia nie różniły się zbytnio od poprzednich przedstawień. Brali w nich udział ci sami dworzanie, którzy wykonywali powolne menuety, gawoty i pawany. Ciężkie sukienki, buty na wysokich obcasach i maski uniemożliwiały kobietom wykonywanie skomplikowanych ruchów. Następnie Pierre Beauchamp założył trupę baletową składającą się wyłącznie z tancerzy płci męskiej. Ich tańce były bardziej pełne gracji i wdzięku. Kobiety pojawiły się na scenie Opery Paryskiej dopiero w 1681 roku. Duże grupy tancerze zaczęli jednocześnie wykonywać złożone ruchy i towarzyszyć solistom; taniec solowy w wymowny sposób oddał wzniosłość postaci, siłę emocji; taniec w parach uformowane w pas de deux. Taniec silnie uwarunkowany, skłaniający się ku wirtuozerii, zależny był od muzyki i uzyskiwał z nią równe prawa w praktyce i teorii.
Francuską choreografię znacznie wzbogacili dramatopisarz Molière i kompozytor J. B. Lully, z którym po raz pierwszy współpracował jako choreograf i tancerz w komediach-baletach Małżeństwo mimowolnie (1664), Georges Dandin (1668) i Handlarz w szlachcie (1670). ). ). Zostając kompozytorem, Lully stworzył gatunek muzycznej tragedii, na który wpłynęła estetyka klasycyzmu: monumentalność obrazów, jasna logika rozwoju, surowość smaku, pogoń za formami. Akcję tragedii lirycznych wzmacniały procesje plastyczne i dekoracyjne, pantomimy i tańce.
Reforma teatru baletowego spowodowała wzrost umiejętności wykonawczych - pojawili się tancerze L. Pecourt i J. Ballon. Mademoiselle Lafontaine została pierwszą profesjonalną tancerką, występując w operze-balecie Triumph of Love Lully'ego. Później została nazwana „Królową Tańca”.
Poważne tańce wykonywano w szerokiej spódnicy, która była utrzymywana na trzcinowych obręczach. Noski jej butów wystawały spod niej. Mężczyźni nosili brokatowe kirysy i krótkie spódniczki na trzcinowych oprawkach, które nazywano „beczkami”. Każdy miał wysokie obcasy. Dodatkowo zakrywali twarze okrągłymi maskami w różnych kolorach, w zależności od charakteru postaci.
W baletach półcharakterystycznych kostiumy były lekkie, ale dodano atrybuty charakteryzujące taniec - sierpy, kosze, łopatki, skóry lamparta i inne. Strój do tańców komicznych nie był tak rygorystycznie regulowany – reżyser zaufał wyobraźni artysty.
Wtedy narodził się cały system. symbolika. Jeśli artysta np. pogładził czoło krawędzią dłoni, oznaczało to koronę, czyli tzw. król; ręce skrzyżowane na piersi – „umarł”; wskazał palec serdeczny ręce - „Chcę się ożenić” lub „poślubić”; ręczny obraz ruchów przypominających fale - „płynał statkiem”.
Balet oczarowuje Europę
Równocześnie z rozwojem baletu w ogóle główne miasta zaczęły pojawiać się własne teatry, choreografowie i performerzy. Tak więc balet powrócił do ojczyzny - do Włoch, gdzie do XVIII wieku rozwinął się własny styl wykonania, różniący się od francuskiej maniery techniczną wirtuozerią i większą bezpośredniością. Walka szkół francuskiej i włoskiej w balet klasyczny będzie trwać dłużej niż stulecie.
W XVII wieku balet pojawił się w Holandii. W Anglii, w wyniku rewolucji burżuazyjnej i zakazu spektakli, teatr baletowy rozwinął się nieco później – dopiero wraz z przywróceniem monarchii. W 1722 roku powstał pierwszy w Danii teatr dworski, w którym zawodowi tancerze uczestniczyli w komediach i baletach Moliera. I dopiero pod koniec XVIII wieku duński balet uzyskał niepodległość. W XVIII wieku balet istniał także w Niemczech, Szwecji i Holandii. Formy egzekucji zapożyczone od Włochów i Francuzów wzbogacono barwą narodową.
Balet przybył do Rosji później niż do innych kraje europejskie, ale to właśnie tutaj złapał go okres świetności, a to historia innych stuleci, która zasługuje na osobny rozdział.
Balet to dość młoda sztuka. Ma nieco ponad czterysta lat, choć taniec zdobi życie człowieka od czasów starożytnych. Balet narodził się w północnych Włoszech w okresie renesansu. Włoscy książęta uwielbiali wspaniałe uroczystości pałacowe, w których taniec zajmował ważne miejsce. Tańce wiejskie nie były odpowiednie dla dam i panów dworu. Ich szaty, podobnie jak sale, w których tańczyli, nie pozwalały na niezorganizowany ruch. Nauczyciele specjalni – mistrzowie tańca – próbowali uporządkować tańce dworskie. Z wyprzedzeniem ćwiczyli ze szlachtą poszczególne figury i ruchy tańca oraz prowadzili grupy tancerzy. Stopniowo taniec stawał się coraz bardziej teatralny.
Termin „balet” pojawił się pod koniec XVI wieku (od włoskiego baletu – taniec). Ale wtedy nie było to przedstawienie, a jedynie epizod taneczny, który oddawał określony nastrój. Takie „balety” składały się zazwyczaj z mało powiązanych ze sobą „wyjść” postaci – najczęściej bohaterów Mity greckie. Po rozpoczęciu takich „wyników”. taniec ogólny- „wielki balet”.
Pierwszym przedstawieniem baletowym był Balet Komediowy Królowej, wystawiony we Francji w 1581 roku przez włoskiego choreografa Baltazariniego di Belgiojoso. To właśnie we Francji nastąpił dalszy rozwój baletu. Początkowo były to balety maskaradowe, później pompatyczne balety melodramatyczne o rycerskich i fantastycznych fabułach, w których epizody taneczne zastąpiono ariami wokalnymi i recytacją wierszy. Nie zdziw się, w tamtym czasie balet był nie tylko występem tanecznym.
Za panowania Ludwika XIV występy baletu dworskiego osiągnęły szczególny blask. Sam Ludovic uwielbiał brać udział w baletach, a swój słynny przydomek „Król Słońce” otrzymał po zagraniu roli Słońca w „Baletach Nocy”.
W 1661 roku utworzył Królewską Akademię Muzyki i Tańca, w skład której wchodziło 13 czołowych mistrzów tańca. Ich obowiązkiem było kultywowanie tradycji tanecznych. Dyrektor akademii, nauczyciel tańca królewskiego Pierre Beauchamp, określił pięć podstawowych stanowisk tańca klasycznego.
Wkrótce otwarto Operę Paryską, której choreografem był ten sam Beauchamp. Pod jego kierownictwem utworzono trupę baletową. Początkowo składała się wyłącznie z mężczyzn. Kobiety pojawiły się na scenie Opery Paryskiej dopiero w 1681 roku.
Teatr wystawiał opery-balety kompozytora Lully'ego i komedie-balety dramaturga Moliera. Początkowo brali w nich udział dworzanie, a przedstawienia prawie nie różniły się od przedstawień pałacowych. Tańczono wspomniane już powolne menuety, gawoty i pawany. Maski, ciężkie sukienki i buty na wysokich obcasach utrudniały kobietom wykonywanie skomplikowanych ruchów. Dlatego męskie tańce odznaczały się wówczas większą łaską i wdziękiem.
W połowie XVIII wieku balet zyskiwał w Europie dużą popularność. Wszystkie dwory arystokratyczne Europy starały się naśladować luksus francuskiego dworu królewskiego. otwierane w miastach opery. Wielu tancerzy i nauczycieli tańca z łatwością znalazło pracę.
Wkrótce pod wpływem mody kobiecy kostium baletowy stał się znacznie lżejszy i swobodniejszy, pod nim odgadywano linie ciała. Tancerki porzuciły buty na obcasach, zastępując je lekkimi butami bez obcasów. stał się mniej uciążliwy i garnitur męski: obcisłe pantalony do kolan i pończochy pozwalały dostrzec sylwetkę tancerki.
Każda innowacja czyniła tańce bardziej znaczącymi, a technikę tańca wyższą. Stopniowo balet oddzielił się od opery i stał się sztuką niezależną.
Choć francuska szkoła baletowa słynęła z wdzięku i plastyczności, cechowała ją pewien chłód i formalność wykonania. Dlatego choreografowie i artyści poszukiwali innych środków wyrazu.
W koniec XVIII wieku narodził się nowy nurt w sztuce - romantyzm, który wywarł silny wpływ na balet. W balecie romantycznym tancerka stała na pointach. Jako pierwsza zrobiła to Maria Taglioni, całkowicie zmieniając dotychczasowe wyobrażenia o balecie. W balecie „La Sylphide” pojawiła się jako kruche stworzenie męt. Sukces był oszałamiający.
W tym czasie pojawiło się wiele wspaniałych baletów, ale niestety stał się baletem romantycznym ostatni okres kwitnącej sztuki tańca na Zachodzie. Od drugiego połowa XIX balet stulecia, utraciwszy swoje dawne znaczenie, stał się dodatkiem do opery. Dopiero w latach trzydziestych XX wieku pod wpływem baletu rosyjskiego rozpoczęło się odrodzenie tej formy sztuki w Europie.
W Rosji pierwsze przedstawienie baletowe – „Balet Orfeusza i Eurydyki” – wystawiono 8 lutego 1673 roku na dworze cara Aleksieja Michajłowicza. Tańce ceremonialne i powolne polegały na zmianie pełnych wdzięku pozycji, ukłonów i ruchów, na przemian ze śpiewem i mową. Nie odegrał znaczącej roli w rozwoju tańca scenicznego. Była to po prostu kolejna królewska „zabawa”, która przyciągała swoją niezwykłością i nowością.
Zaledwie ćwierć wieku później, dzięki reformom Piotra I, muzyka i taniec weszły w życie rosyjskiego społeczeństwa. W szlachcie placówki oświatowe wprowadzono obowiązkową naukę tańca. Na dworze przyjmowani są muzycy zwolnieni z zagranicy, artyści operowi i zespoły baletowe.
W 1738 roku otwarto pierwszą w Rosji szkołę baletową, a trzy lata później 12 chłopców i 12 dziewcząt ze służby pałacowej zostało pierwszymi zawodowymi tancerzami w Rosji. Początkowo występowali w baletach zagranicznych mistrzów jako figuranty (jak nazywano tancerzy corps de ballet), później w partiach głównych. Wybitny tancerz tamtych czasów Timofey Bublikov błyszczał nie tylko w Petersburgu, ale także w Wiedniu.
Na początku XIX wieku dotarła rosyjska sztuka baletowa dojrzałość twórcza. Rosyjscy tancerze wnieśli do tańca ekspresję i duchowość. Czując to bardzo trafnie, A. S. Puszkin nazwał taniec swojej współczesnej Avdotyi Istominy „lotem pełnym duszy”.
Balet w tym czasie zajmował uprzywilejowaną pozycję wśród innych typów sztuka teatralna. Władze mu dały duże skupienie pod warunkiem, że dotacje rządowe. Zespoły baletowe Moskwy i Petersburga występowały w dobrze wyposażonych teatrach, a absolwenci szkół teatralnych co roku uzupełniali kadrę tancerzy, muzyków i dekoratorów.
W historii naszego teatru baletowego często pojawiają się nazwiska zagranicznych mistrzów, którzy odegrali znaczącą rolę w rozwoju rosyjskiego baletu. Przede wszystkim są to Charles Didelot, Arthur Saint-Leon i Marius Petipa. Pomogli stworzyć rosyjską szkołę baletową. Ale utalentowani rosyjscy artyści umożliwili także ujawnienie talentów swoich nauczycieli. To niezmiennie przyciągało do Moskwy i Petersburga największych choreografów Europy. Nigdzie na świecie nie spotkali tak dużej, utalentowanej i dobrze wyszkolonej trupy jak w Rosji.
W połowa XIX wieku realizm zawitał do rosyjskiej literatury i sztuki. Choreografowie gorączkowo, ale bezskutecznie, próbowali stworzyć realistyczne przedstawienia. Nie wzięli pod uwagę, że balet jest sztuką warunkową, a realizm w balecie znacznie różni się od realizmu w malarstwie i literaturze. Rozpoczął się kryzys sztuki baletowej.
Nowy etap w historii rosyjskiego baletu rozpoczął się, gdy wielki rosyjski kompozytor P. Czajkowski po raz pierwszy skomponował muzykę do baletu. To było Jezioro Łabędzie. Wcześniej muzyka baletowa nie była traktowana poważnie. Uważano ją za gorszą twórczość muzyczna, tylko akompaniament do tańca.
Dzięki Czajkowskiemu muzyka baletowa wraz z operą i operą stała się poważną sztuką muzyka symfoniczna. Dawniej muzyka całkowicie zależny od tańca, teraz taniec musiał być posłuszny muzyce. Potrzebne były nowe środki wyrazu nowe podejście stworzyć spektakl.
Dalszy rozwój baletu rosyjskiego wiąże się z nazwiskiem moskiewskiego choreografa A. Gorskiego, który porzucając przestarzałe techniki pantomimy, w przedstawieniu baletowym zastosował techniki współczesnej reżyserii. Dający bardzo ważne malowniczą scenografią spektaklu, przyciągnął do pracy najlepszych artystów.
Jednak prawdziwym reformatorem sztuki baletowej jest Michaił Fokin, który zbuntował się przeciwko tradycyjnej konstrukcji przedstawienia baletowego. Przekonywał, że temat spektaklu, jego muzyka, epoka, w której rozgrywa się akcja, za każdym razem wymagają czegoś innego ruchy taneczne, inny wzór tańca. Inscenizując balet „Egipskie noce” Fokin inspirował się poezją W. Bryusowa i starożytnymi rysunkami egipskimi, a obrazy baletu „Pietruszka” inspirowały się poezją A. Bloka. W balecie Daphnis i Chloe porzucił taniec pointe i w swobodnych, plastycznych ruchach wskrzesił antyczne freski. Jego „Chopiniana” ożywił atmosferę baletu romantycznego. Fokin napisał, że „marzy o stworzeniu dramatu baletowego z zabawy baletowej, z tańca – zrozumiałym, mówiącym językiem”. I udało mu się.
W 1908 roku rozpoczęły się coroczne występy rosyjskich tancerzy baletowych w Paryżu, organizowane przez postać teatralna S. P. Diagilew. Nazwiska tancerzy z Rosji - Wasława Niżyńskiego, Tamary Karsawiny, Adolfa Bolma - stały się znane na całym świecie. Ale pierwszą w tym rzędzie jest imię niezrównanej Anny Pavlovej.
Pavlova – liryczna, krucha, o wydłużonych liniach ciała, wielkich oczach – przywodziła na myśl ryciny przedstawiające romantyczne baletnice. Jej bohaterki przekazywały czysto rosyjskie marzenie o harmonijnym, uduchowionym życiu lub tęsknotę i smutek za niespełnionym. „Umierający łabędź” świetna baletnica Pavlova to poetycki symbol rosyjskiego baletu początku XX wieku.
To wtedy, pod wpływem umiejętności rosyjskich artystów, zachodni balet otrząsnął się i zyskał drugi oddech.
Po Rewolucja październikowa W 1917 roku wiele postaci teatru baletowego opuściło Rosję, mimo to szkoła baletu rosyjskiego przetrwała. Patos ruchu ku nowemu życiu, motywy rewolucyjne i, co najważniejsze, pole do twórczego eksperymentu inspirowały mistrzów baletu. Ich zadaniem było przynieść sztuka choreograficzna do ludzi, aby uczynić je bardziej żywotnymi i dostępnymi.
Tak narodził się gatunek baletu dramatycznego. Były to przedstawienia, zazwyczaj oparte na fabułach znanych dzieła literackie, które zostały zbudowane zgodnie z prawem dramatyczny występ. Treści w nich zawarte zostały zaprezentowane za pomocą pantomimy i tańca obrazowego. W połowie XX wieku balet dramatyczny przeżywał kryzys. Choreografowie podejmowali próby zachowania tego gatunku baletu, wzmacniając widowiskowość przedstawień za pomocą efektów scenicznych, ale niestety bezskutecznie.
Pod koniec lat pięćdziesiątych nastąpił punkt zwrotny. Choreografowie i tancerze nowego pokolenia ożywili zapomniane gatunki - balet jednoaktowy, symfonia baletowa, miniatura choreograficzna. A od lat 70. powstają niezależne zespoły baletowe, niezależne od teatrów operowych i baletowych. Ich liczba stale rośnie, są wśród nich pracownie wolny taniec i taniec nowoczesny. Ale balet akademicki i szkoła tańca klasycznego nadal przodują w naszym kraju.
TO JEST INTERESUJĄCE
W baletach przeszłości istniał cały system symboli. Jeśli na przykład artysta pogładził czoło krawędzią dłoni, sugerując, że ma na głowie koronę, oznaczało to „król”; skrzyżował ręce na piersi, co oznacza „umarł”; wskazał na palec serdeczny dłoni, na którym zwykle noszą pierścionek - „chcę się ożenić” lub „wychodzić za mąż”; zaczął wykonywać rękami falowe ruchy, co oznacza, że „płynął statkiem” i tak dalej. Oczywiście wszystkie te gesty były zrozumiałe tylko dla choreografów, artystów i garstki baletnic – stałych bywalców baletów.
Korzenie rosyjskiego baletu, jak każdej sztuki, sięgają folkloru tanecznego. Najprawdopodobniej były to tańce kultowe (wszelkiego rodzaju tańce okrągłe) i tańce gry („Taniec”, „Kuma, gdzie byłeś” itp.). Balet rosyjski nie tylko zachował wszystkie kanony estetyczne, ale także stał się prawodawcą w świecie baletu.
pochodzenie
W Rus Kijowska na przełomie VIII-IX w. zaczęli pojawiać się pierwsi tancerze, profesjonaliści w swojej dziedzinie – bufony… Po pewnym czasie, gdy Moskwa stała się stolicą, bufonami nie byli już koniecznie mężczyźni.
W XV-XVI wiekśmieszne spektakle mummerów z twarzami ukrytymi za maskami, tzw. „maszkarów”, zdumiewających i zaskakujących odwiedzających obcokrajowców.
W XVII wieku historię baletu rosyjskiego naznaczyło otwarcie Teatru Kremlowskiego. Zgodnie z ustaloną tradycją każde przedstawienie w tym teatrze kończyło się zawsze przerwami międzysezonowymi (specjalnymi przedstawieniami baletowymi). Te tak zwane przystawki wykonywali mężczyźni ubrani w pompatyczne szaty. Aktorzy pokazali kilka elementów tańca towarzyskiego.
królewska zabawa
Za pierwsze pełnowymiarowe przedstawienie baletowe w Rosji uważa się przedstawienie wystawione 8 lutego 1673 roku. To doniosłe wydarzenie miało miejsce na dworze cara Aleksieja Michajłowicza i zostało nazwane „Baletem Orfeusza i Eurydyki”. Historia powstania baletu rosyjskiego opisuje go jako zmianę ceremonialnych póz, powolne tańce, ukłony i przejścia. Pomiędzy nimi aktorzy wypowiadali zapamiętane słowa lub śpiewali. Wszystko wyglądało trochę jak prawdziwe. spektakl teatralny. Była to tylko królewska zabawa, kusząca swoją niejasnością.
W międzyczasie I. Gregory, organizator teatru, zaprasza Nicolę Lim do zorganizowania szkoleń teatralnych dla teatr królewski. Początkowo 10 dzieci szlacheckich filistynów, potem 20, pomyślnie ukończyło szkolenie i pokazało dwórowi carskiemu inscenizację baletową „Orfeusza” w stylu francuskim.
Zadanie jest ustawione
Dopiero po ćwierćwieczu Piotr I przystąpił do reform życie kulturalne Rosja wnosi muzykę i taniec w życie rosyjskiego społeczeństwa. Postanawia zaszczepić sztukę w elitarnych warstwach mieszkańców Petersburga. Aby to zrobić, Piotr I zamyka moskiewski teatr Aleksieja Michajłowicza i wydaje rewolucyjny dekret. Ten dekret o zgromadzeniach zobowiązał wszystkich agencje rządowe uczyć tańca towarzyskiego bez przerwy. Reformy te sprawiły, że pozycja mistrza tańca była nieosiągalnie wysoka. To właśnie tym zgromadzeniom balet zawdzięcza pojawienie się w ruchach tańca baletowego przybyłych z zagranicy, innowacjom w postaci elementów narodowych tańców słowiańskich.
Autor V. Krasovskaya („Historia baletu rosyjskiego” - L. Art, 1978) uważa, że dzięki energii i władczemu charakterowi Piotra I w teatrze zaczęły odbywać się występy zespołów baletowych, muzyków i artystów operowych zapraszanych z zagranicy sale pałacowe.
Na początku 1738 r. W kraju zorganizowano szkołę sztuki baletowej, która faktycznie stała się pierwszą. Historia rosyjskiego baletu krótko opowiada o tym okresie. Absolwenci szkoły pracowali w zespołach baletowych teatrów zagranicznych jako tzw. figuranci (aktorzy corps de ballet). I dopiero znacznie później zostali przyjęci do głównych partii.
Pierwsze szkolenie zawodowe
kolebka współczesny balet Historycy uważają, że w Ziemskim pracował słynny Jean-Baptiste Lange, który ze swoimi uczniami wystawił trzy przedstawienia baletu dworskiego. Jak pokazuje historia baletu rosyjskiego, były to praktycznie pierwsze przedstawienia baletowe spełniające wszystkie prawa i regulacje Królewskiej Akademii Tańca w stolicy Francji.
Podchorążowie korpusu szlacheckiego wzięli udział w akademickim, lirycznym, na poły charakterystycznym, a zarazem komicznym przedstawieniu baletowym w wykonaniu trupy Fessano z Włoch.
Elżbieta I, aby nie stracić przygotowanych Tancerze baletu, otwiera Jej Królewskiej Mości Szkoła Tańca, z których pierwszą grupę stanowiło 12 dzieci zwykłych ludzi.
A pod koniec 1742 r. Cesarzowa podpisała dekret nakazujący utworzenie trupy baletowej złożonej z rosyjskich tancerzy. To w nim pojawiły się pierwsze rosyjskie gwiazdy - zawodowi tancerze baletowi: Aksinya Baskakova i Afanasy Toporkov.
Wyjście z impasu
Śmierć Baptiste Lande wprowadza zamieszanie w branży choreograficznej w kraju. Występy prowadzone przez Fessano stają się monotonną i nudną burleską. Widzowie nie są zainteresowani takimi występami.
Historia baletu rosyjskiego krótko opisuje ten okres. W tej chwili i w Europie pojawia się pytanie o reformę biznesu choreograficznego. Rousseau i Saint-Mar żądają, aby tancerze baletowi pozbyli się pompatycznych strojów i masek z perukami. Diderot zdecydowanie zaleca zmianę fabuły przedstawień baletowych. Tymczasem John Weaver, nie czekając na generalne zmiany, wystawia spektakl taneczny o przemyślanej fabule, a Georges Nover pisze legendarne „Listy o tańcu”.
Balet rosyjski nie pozostaje daleko w tyle. Dowodem na to jest pojawienie się Hilferdinga. Ten niemiecki specjalista zabezpieczał fabularne produkcje choreograficzne w Petersburgu. W Paryżu przedstawienia baletu fabularnego pojawiły się dopiero 15 lat później. Hilferdingowi pomagał Leopold Paradiso. Już w latach pięćdziesiątych XIX wieku tworzyli niezależne przedstawienia baletowe.
Początek przedstawień dramatycznych
Pierwszy dramat w rosyjskim balecie należy do A.P. Sumarokowa. Propagował pochwalne przedstawienia taneczne, komponował literacką oprawę spektakli baletowych „Schronienie cnót” i „Nowe Laury”.
Zaproszony przez cara choreograf Gasparo Angiolini, potęgując świetlistość nut słowiańskich pieśni ludowych, wystawia spektakl baletowy „Zabawy o święta”. Katarzyna II bardzo pochwaliła występ. W 1779 r. Komisja Legislacyjna w całości zatwierdziła balet, do którego muzykę napisano w oparciu o folklor słowiański.
Po tak kolosalnym sukcesie Angilini zajął się rozrywkowymi produkcjami teatralnymi, które naśmiewały się z aktualnych tematów. Były to panegiryki, które wywołały burzę: „Zwycięska Rosja” (chwalono klęskę armii tureckiej pod Cahul i Largą), „Nowi Argonauci” (chwalebna oda do floty Imperium Rosyjskiego) i „Zwycięskie rozumowanie” ( podniesiono kwestię konieczności szczepienia przeciwko szerzącej się ospie, co było przedmiotem troski wszystkich).
Nieco wcześniej odbył się pierwszy bohaterski spektakl baletowy „Semira”. Od tego momentu choreografowie zaczęli przywiązywać dużą wagę do wyrazistości tańca baletowego. Tancerze mogą bowiem jednocześnie brać udział w zabawnych przedstawieniach operowych teatrów niepaństwowych i w pseudo-rosyjskich przedstawieniach operowych, do których libretto skomponowała sama cesarzowa.
Już od nowego roku 1778 w Petersburgu (jak pokazuje historia rosyjskiego baletu, książki żywo opisują to wyjątkowe wydarzenie) na widzów czekają już dwa teatry: handlowy „Teatr Wolny” i dworski.
Pierwsze kolektywy forteczne
W drugiej połowie XVIII wieku modne stało się opanowanie sztuki tańca. I już na początku 1773 roku, pod okiem Leopolda Paradisa, pierwszego Centrum edukacyjne który później stał się pierwszym teatrem publicznym. W pierwszej grupie wzięło udział 60 dzieci. Y. Bakhrushin w swoich książkach opowiada o pierwszych przedstawieniach choreograficznych inscenizowanych przez słynnego Cosimo Maddoxa.
Szczegółowo przez niego przestudiowana i opisana historia baletu rosyjskiego w pełni odsłania ten okres sztuki tańca. Medox z grupą młodych tancerzy przeszkolonych w Rosji wystawiał opery komiczne, spektakle choreograficzne poświęcone prawdziwe wydarzenie(na przykład „Zdobycie Oczakowa”) i rozrywki.
Na tym tle teatr forteczny zaczął się szybko rozwijać. W ostatniej dekadzie XVIII wieku znane były już duże grupy aktorów pańszczyźnianych. Takie kolektywy mieli Zorich, Golovkina, Apraksin, Szeremietiew, Potiomkin i inni właściciele ziemscy.
Ten sam okres upłynął pod znakiem rozwoju i inscenizacji techniki tańca kobiecego oraz artystycznego projektu sceny do przedstawienia. Pojawia się nowa tradycja skonkretyzować miejsce akcji na scenie, namalować scenerię w stylu realistycznym, zastosować grę półcienia i światła.
Święto baletu rosyjskiego
Historia baletu rosyjskiego XIX i XX wieku jest bogata i różnorodna. DO początek XIX wieku sztuka baletowa osiąga tę dojrzałość, którą docenia widz. Rosyjskie baletnice wnoszą do choreografii zwiewność, szlachetność i wyrazistość. Bardzo trafnie zauważył to A. S. Puszkin, opisując piękno ruchów tanecznych swojej współczesnej, gwiazdy sceny baletowej, Istominy: „lot duszy” (to określenie stało się synonimem baletu). Jej mimika i perfekcja ruchów tanecznych budziły podziw. Większość widzów poszła
Nie mniej piękne były Lihutina Anastasia, Ekaterina Teleshova, Danilova Maria.
Występy baletowe cieszą się coraz większą popularnością. Taniec baletowy jako sztuka staje się uprzywilejowana i przeznaczane są na nią dotacje państwowe.
W latach 60. ubiegłego wieku kulturowy beau monde został objęty nowomodnym nurtem „realizmu”. Nadchodzi kryzys w rosyjskim teatrze. W inscenizacjach choreograficznych wyrażało się to w prymitywizmie fabuły, dostosowanej do konkretnego tańca. Baletnice, które osiągnęły doskonałość, zapraszane są do tańca w realistycznych przedstawieniach.
Historia powstania rosyjskiego baletu wkracza w nową rundę. Odrodzenie rozpoczęło się od Piotra Czajkowskiego, który jako pierwszy napisał muzykę do spektaklu choreograficznego. Po raz pierwszy w historii baletu muzyka stała się tak samo ważna jak taniec. A nawet znalazła się na równi z muzyką operową i kompozycjami symfonicznymi. Jeśli wcześniej muzyka Czajkowskiego była pisana do elementów tanecznych, teraz aktor baletowy starał się przekazywać plastyką, ruchem i wdziękiem nastrój muzyczny i emocji, które pomogły widzowi rozwikłać fabułę, zapisaną przez kompozytora w notatkach. Świat wciąż zachwyca się słynnym „Jeziorem Łabędzim”.
Choreograf A. Gorski wprowadził do spektakli elementy współczesnej reżyserii, zaczął przykładać dużą wagę do artystycznej oprawy sceny, wierząc, że widz powinien być całkowicie zanurzony w tym, co dzieje się na scenie. Zakazał stosowania elementów pantomimy. M. Fokin radykalnie odwrócił sytuację. Wskrzesił balet romantyczny i sprawił, że mowa ciała w tańcu stała się zrozumiała i przemawiająca. Według Fokina każdy występ sceniczny powinien być wyjątkowy. To jest akompaniament muzyczny, styl i wzór tańca powinny być specyficzne dla konkretnego występu. Na początku XX wieku przy pełnych salach kręcono jego produkcje Noce egipskie, Umierający łabędź, Sen nocy letniej, Acis i Galatea i inne.
W 1908 r. P. zaprasza Fokina, aby został głównym dyrektorem paryskiego „Sezonu Rosyjskiego”. Dzięki temu zaproszeniu Fokin zyskuje światową sławę. A rosyjscy tancerze baletowi zaczęli co roku triumfalnie występować w stolicy Francji. Historia baletu rosyjskiego gloryfikuje tancerzy rosyjskiej trupy, których nazwiska znane są całemu światu: Adolf Bolm, Tamara Karsavina, Wacław Niżyński i inni.I to w okresie upadku europejskiego baletu!
Diagilew zaryzykował i wygrał. Zebrał trupę młodych i utalentowanych aktorów baletowych i dał im swobodę. Pozwolił mi działać poza znanymi ramami, jakie wyznaczyła słynna, choć już dość podstarzała Petipa.
Swoboda działania dała tancerzom możliwość odkrywania i wyrażania siebie. Oprócz tych rewolucyjnych innowacji Diagilew wprowadził dekoracja jego najsłynniejsi artyści współcześni (J. Cocteau, A. Derain, P. Picasso) i kompozytorzy (C. Debissy, M. Ravel, I. Strawiński). Teraz każdy występ baletowy stał się arcydziełem.
Po rewolucji październikowej wielu tancerzy i choreografów opuściło zbuntowaną Rosję. Ale kręgosłup pozostał. Stopniowo balet rosyjski staje się bliższy ludziom. Karty historii w okresie formacji widziały wiele ...
Po połowie XX wieku nowe pokolenie tancerzy i choreografów przywróciło na scenę zapomniane miniatury taneczne, symfonie i jednoaktowe balety. Liczba studiów i teatrów zaczęła systematycznie rosnąć.
„Triumfalna”, baletnica, krytyk baletowy
Słynna rosyjska tancerka Wiera Michajłowna Krasowska urodziła się w Imperium Rosyjskim 11 września 1915 r. Po Liceum wstąpił i w 1933 roku pomyślnie ukończył Leningradzką Szkołę Choreograficzną. Studiowała u słynnej Vaganovej Agrypiny. Od tego czasu aż do 1941 roku Krasowska służyła w Teatrze. Kirow. Zajmuje się baletami z repertuaru akademickiego.
W 1951 roku Wiera Michajłowna ukończyła studia podyplomowe w Leningradzie. Instytut Teatralny ich. A. Ostrovsky, po wykształceniu podstawowym na Wydziale Teatralnym.
Szkoła profesjonalizmu otrzymana przez Krasowską, najpierw w klasie Agrypiny Waganowej, następnie w przedstawieniach baletowych Teatr Maryjski wraz z bagażem wiedzy o skali encyklopedycznej, arystokracja, tradycje kulturowe i niesamowita znajomość języków (francuskiego i angielskiego), pozwoliły jej stać się błyskotliwym i niewątpliwie największym krytykiem sztuki baletowej.
W 1998 wesołe wiadomości latał po całości świat teatru. Vera Michajłowna Krasowska otrzymała nagrodę Triumph. Historia baletu rosyjskiego, o której opowiadała w książkach (niektóre z nich zostały przetłumaczone na j języki obce) oraz artykuły (ponad 300) jako historyk i krytyk sztuki uczyniły Wierę Michajłowną laureatką bezpłatnego konkursu Nagroda Rosyjska"Triumf". Nagroda ta przyznawana jest za wybitne osiągnięcia w sztuce i literaturze.
W 1999 r. Zmarła Krasowska Wiera Michajłowna.
Epilog
Historia rosyjskiego baletu z wdzięcznością przechowuje nazwiska mistrzów sztuki tańca, którzy wnieśli kolosalny wkład w powstanie rosyjskiej choreografii. Są to znani Sh. Didlo, M. Petipa, A. Saint-Leon, S. Diagilew, M. Fomin i wielu innych. A talent rosyjskich artystów przyciąga i przyciąga dziś wielka ilość widzów w różne kraje pokój.
Do dziś rosyjskie zespoły baletowe uważane są za najlepsze na świecie.