język japoński malarstwo klasyczne ma długie i ciekawa historia. Sztuki wizualne Japonii są reprezentowane w różne style i gatunków, z których każdy jest wyjątkowy na swój sposób. Starożytne malowane figurki i motywy geometryczne, znalezione na brązowych dzwonach dotaku i odłamkach ceramiki, datowane są na 300 rne.
Buddyjska orientacja sztuki
W Japonii sztuka była dość dobrze rozwinięta. malowanie ścian, w VI wieku szczególnie popularne były obrazy na temat filozofii buddyzmu. W tym czasie w kraju budowano duże świątynie, a ich ściany były wszędzie ozdobione freskami namalowanymi według wątków buddyjskich mitów i legend. Do tej pory w świątyni Horyuji w pobliżu japońskiego miasta Nara zachowały się starożytne próbki malowideł ściennych. Freski Horyuji przedstawiają sceny z życia Buddy i innych bogów. Styl artystyczny tych fresków jest bardzo zbliżony do koncepcji malarskiej popularnej w Chinach w czasach dynastii Song.
Malowniczy styl dynastii Tang zyskał szczególną popularność w połowie okresu Nara. Freski znalezione w grobowcu Takamatsuzuki pochodzą z tego okresu i datowane są na około VII wiek naszej ery. Technika artystyczna, która ukształtowała się pod wpływem dynastii Tang, stała się później podstawą gatunku malarstwa kara-e. Gatunek ten zachował swoją popularność aż do pojawienia się pierwszych dzieł w stylu yamato-e. Większość fresków i arcydzieł malarstwa należy do pędzla nieznani autorzy, dziś wiele dzieł z tego okresu znajduje się w skarbcu Sesoin.
Rosnący wpływ nowych szkół buddyjskich, takich jak Tendai, wpłynął na szerokie religijne ukierunkowanie japońskich sztuk wizualnych w VIII i IX wieku. W X wieku, w którym szczególnie rozwinął się buddyzm japoński, pojawił się gatunek raigozu, „powitalnych obrazów”, przedstawiających przybycie Buddy do zachodniego raju. Wczesne przykłady raigōzu z 1053 roku można zobaczyć w świątyni Bedo-in, która jest zachowana w mieście Uji w prefekturze Kioto.
Zmiana stylów
W połowie okresu Heian chiński styl kara-e został zastąpiony gatunkiem yamato-e, który przez długi czas stał się jednym z najpopularniejszych i poszukiwanych gatunków. malarstwo japońskie. Nowy styl graficzny został zastosowany głównie do ekranów składanych i drzwi przesuwnych. Z czasem yamato-e przeszło na poziome zwoje emakimono. Artyści, którzy pracowali w gatunku emaki, starali się przekazać w swoich pracach całą emocjonalność wybranej fabuły. Zwój Genji monogatari składał się z kilku połączonych ze sobą epizodów, ówcześni artyści używali szybkich pociągnięć i jasnych, wyrazistych kolorów.
E-maki to jeden z najstarszych i najwybitniejszych przykładów malarstwa otoko-e. portrety męskie. Portrety kobiet podświetlony w odrębny gatunek onna-e. W rzeczywistości między tymi gatunkami, a także między mężczyznami i kobietami, istnieją dość znaczące różnice. Styl onna-e jest barwnie przedstawiony w projekcie Tale of Genji, gdzie głównymi tematami rysunków są romantyczne wątki, sceny z życia dworskiego. Dominuje męski styl otoko-e obraz artystyczny bitwy historyczne oraz inne ważne wydarzenia z życia imperium.
Klasyczna japońska szkoła artystyczna stała się podatnym gruntem dla rozwoju i promocji idei. Sztuka współczesna Japonia, która wyraźnie pokazuje wpływy popkultury i anime. Jeden z najbardziej sławnych japońscy artyści nowoczesność można nazwać Takashi Murakami, którego twórczość poświęcona jest przedstawianiu scen z życia Japończyków w okresie powojennym oraz koncepcji maksymalnej fuzji sztuki piękne i głównego nurtu.
Spośród słynnych japońskich artystów szkoły klasycznej można wymienić następujące.
Napięty Shubun
Shubun pracował na początku XV wieku, poświęcając wiele czasu na studiowanie dzieł chińskich mistrzów epoki dynastii Song, człowiek ten stał u początków japońskiego fajny gatunek. Shubun jest uważany za twórcę sumi-e, monochromatycznego malarstwa tuszem. Dołożył wielu starań, aby spopularyzować nowy gatunek, czyniąc z niego jeden z wiodących nurtów w malarstwie japońskim. Uczniami Shubuna było wielu artystów, którzy później stali się sławni, w tym Sesshu i założyciel słynnego Szkoła Artystyczna Kano Masanobu. Shubunowi przypisywano wiele krajobrazów, ale jego najsłynniejsze dzieło jest tradycyjnie uważane za Czytanie w bambusowym gaju.
Ogata Korin (1658-1716)
Ogata Korin to jeden z największych artystów w historii malarstwa japońskiego, założyciel i jeden z nich najzdolniejszych przedstawicieli styl artystyczny rimpy. Korin odważnie odszedł w swoich pracach od tradycyjnych stereotypów, tworząc własne własny styl, którego głównymi cechami były małe formy i żywy impresjonizm fabuły. Korin jest znany ze swojej szczególnej umiejętności przedstawiania natury i pracy z abstrakcyjnymi kompozycjami kolorystycznymi. „Czerwony i biały kwiat śliwy” to jedno z najsłynniejszych dzieł Ogaty Korina, znane są także jego obrazy „Chryzantemy”, „Fale Matsushimy” i wiele innych.
Hasegawa Tohaku (1539-1610)
Tohaku jest założycielem japońskiej szkoły artystycznej Hasegawa. Dla wczesny okres Prace Tohaku charakteryzują się wpływami słynnej szkoły malarstwa japońskiego 
Kano, ale z czasem artysta wykształcił swój własny, niepowtarzalny styl. Pod wieloma względami na twórczość Tohaku wpływ miała praca uznanego mistrza Sesshu, Hosegawa uważał się nawet za piątego następcę tego wielkiego mistrza. Otrzymał obraz Hasegawy Tohaku „Sosny”. światowa sława, znane są również jego prace „Klon”, „Sosny i rośliny kwitnące” i inne.
Kano Eitoku (1543-1590)
Styl szkoły Kanō dominował w sztukach wizualnych Japonii przez około cztery wieki, a Kano Eitoku jest prawdopodobnie jednym z najbardziej znanych i wybitnych przedstawicieli tej szkoły artystycznej. Eitoku był faworyzowany przez władze, mecenat arystokratów i zamożnych mecenasów nie mógł nie przyczynić się do umocnienia jego szkoły, a popularność tego dzieła niewątpliwie bardzo utalentowany artysta. Ośmiopanelowy przesuwny ekran „Cypress” Eitoku Kano to prawdziwe arcydzieło i doskonały przykład zakresu i siły stylu Monoyama. Nie mniej interesujące są inne prace mistrza, takie jak „Ptaki i drzewa czterech pór roku”, „Chińskie lwy”, „Pustelnicy i wróżka” i wiele innych.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Hokusai- największy mistrz ukiyo-e (drzeworyt japoński). Otrzymano dzieło Hokusai światowe uznanie, jego sława w innych krajach nie jest porównywalna z popularnością większości azjatyckich artystów, jego twórczość” Wielka fala in Kanagawa” stał się czymś w rodzaju znaku rozpoznawczego japońskiej sztuki na światowej scenie artystycznej. Samemu kreatywny sposób Hokusai posługiwał się ponad trzydziestoma pseudonimami, po sześćdziesiątce artysta poświęcił się całkowicie sztuce i to właśnie ten czas uważany jest za najbardziej owocny okres jego twórczość. Prace Hokusai wywarły wpływ na twórczość zachodnich mistrzów impresjonizmu i postimpresjonizmu, w tym na twórczość Renoira, Moneta i van Gogha.
Witajcie drodzy czytelnicy - poszukiwacze wiedzy i prawdy!
Japońscy artyści są inni unikalny styl szlifowane przez pokolenia rzemieślników. Dzisiaj porozmawiamy o najjaśniejszych przedstawicielach malarstwa japońskiego i ich obrazach, od starożytności po czasy współczesne.
Cóż, zanurzmy się w sztuce Kraju Kwitnącej Wiśni.
Narodziny sztuki
Starożytna sztuka malarska w Japonii jest związana przede wszystkim ze specyfiką pisma i dlatego opiera się na podstawach kaligrafii. Pierwsze przykłady to fragmenty dzwonów z brązu, naczynia i przedmioty gospodarstwa domowego znalezione podczas wykopalisk. Wiele z nich zostało pomalowanych naturalnymi farbami, a badania sugerują, że wyroby powstały wcześniej niż 300 pne.
Wraz z przybyciem do Japonii rozpoczął się nowy etap w rozwoju sztuki. Na emakimono - specjalnych papierowych zwojach - wizerunki bóstw panteonu buddyjskiego naniesiono sceny z życia Nauczyciela i jego wyznawców.
Przewagę motywów religijnych w malarstwie widać m.in średniowieczna Japonia mianowicie od X do XV wieku. Nazwiska artystów tamtej epoki do dziś niestety nie zachowały się.
W okresie XV-XVIII wieku rozpoczyna się nowy czas, charakteryzujący się pojawieniem się artystów o rozwiniętym indywidualny styl. Opisali wektor dalszy rozwój Dzieła wizualne.
Jasni przedstawiciele przeszłości
Tense Shubun (początek XV wieku)
W celu zostania wybitny mistrz, Xubong studiował techniki pisania chińskich artystów Song i ich twórczość. Następnie stał się jednym z założycieli malarstwa w Japonii i twórcą sumi-e.
Sumi-e- styl artystyczny, który opiera się na rysunku tuszem, co oznacza jeden kolor.
Shubun zrobił wiele, aby nowy styl zakorzenił się w kręgach artystycznych, uczył sztuki innych talentów, w tym przyszłych znani malarze jak Sesshu.
Najbardziej popularne malarstwo Shubun nazywa się „Czytanie w bambusowym gaju”.
„Czytanie w bambusowym gaju” autorstwa Tense Shubun
Hasegawa Tohaku (1539-1610)
Został twórcą szkoły, nazwanej swoim imieniem - Hasegawa. Początkowo starał się podążać za kanonami szkoły Kano, ale stopniowo w jego pracach zaczęto śledzić jego indywidualny „pismo”. Tohaku kierował się grafiką Sesshu.
Podstawa pracy była prosta, zwięzła, ale realistyczne krajobrazy o nieskomplikowanych nazwach:
- „Sosny”;
- "Klon";
- Sosny i rośliny kwitnące.
Sosny, Hasegawa Tohaku
Bracia Ogata Korin (1658-1716) i Ogata Kenzan (1663-1743)
Bracia byli znakomitymi rzemieślnikami XVIII wieku. Najstarszy, Ogata Korin, poświęcił się całkowicie malarstwu i stworzył gatunek rimpa. Unikał stereotypowych obrazów, preferując gatunek impresjonistyczny.
Ogata Korin malował naturę w ogóle, a kwiaty w formie jasnych abstrakcji w szczególności. Jego pędzle należą do obrazu:
- „Kwiat śliwy czerwono-biały”;
- „Fale Matsushimy”;
- „Chryzantemy”.
Fale Matsushimy Korin Ogata
Młodszy brat - Ogata Kenzan - miał wiele pseudonimów. Przynajmniej zajmował się malarstwem, ale był bardziej znany jako wspaniały ceramik.
Ogata Kenzan opanował wiele technik garncarskich. Wyróżniał się niestandardowym podejściem, np. tworzył tablice w formie kwadratu.
Własne malarstwo nie wyróżniało się przepychem - to też było jego osobliwością. Lubił umieszczać kaligrafię na produktach, takich jak zwój lub fragmenty poezji. Czasami pracowali razem z bratem.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Pracował w stylu ukiyo-e - rodzaj drzeworytu, innymi słowy malarstwa rytowniczego. Przez cały czas twórczości zmienił około 30 nazwisk. słynne dzieło- „Wielka fala u wybrzeży Kanagawy”, dzięki której zasłynął poza ojczyzną.
„Wielka fala w Kanagawie” Hokusai Katsushiki
Szczególnie ciężko Hokusai zaczął pracować po 60 latach, które przyniosły dobre owoce. Van Gogh, Monet, Renoir znali jego twórczość i w do pewnego stopnia wpłynął na twórczość europejskich mistrzów.
Ando Hiroshige (1791-1858)
Jeden z najwięksi artyści 19 wiek. Urodzony, mieszkał, pracował w Edo, kontynuował dzieło Hokusai, inspirował się jego twórczością. Sposób, w jaki przedstawił naturę, jest niemal równie uderzający, jak liczba samych prac.
Edo - Dawna nazwa Tokio.
Oto kilka postaci dotyczących jego twórczości, które są reprezentowane przez cykl obrazów:
- 5,5 tys. – liczba wszystkich rycin;
- „100 widoków Edo;
- „36 widoków Fuji”;
- „69 stacji Kisokaido”;
- „53 stacje Tokaido” .
Malarstwo autorstwa Ando Hiroshige
Co ciekawe, wybitny Van Gogh napisał kilka kopii swoich rycin.
Nowoczesność
Takashiego Murakamiego
Malarz, rzeźbiarz, projektant mody, sławę zyskał już pod koniec XX wieku. W kreatywności przestrzega trendy w modzie z elementami klasyki, czerpie inspiracje z kreskówek anime i manga.
Obraz Takashiego Murakamiego
Twórczość Takashiego Murakamiego zaliczana jest do subkultur, ale jednocześnie cieszy się niesamowitą popularnością. Na przykład w 2008 roku jedno z jego dzieł zostało kupione na aukcji za ponad 15 milionów dolarów. Kiedyś współczesny twórca współpracował z domami mody „Marc Jacobs” i „Louis Vuitton”.
Tycho Asima
Współpracowniczka poprzedniego artysty, tworzy współczesne obrazy surrealistyczne. Przedstawiają widoki miast, ulice megamiast i istoty jakby z innego wszechświata - duchy, złe duchy, obce dziewczyny. W tle obrazów często widać dziewiczą, czasem wręcz przerażającą przyrodę.
Jej obrazy osiągają duże rozmiary i rzadko ograniczają się do papieru. Przenoszą się na skórę, tworzywa sztuczne.
W 2006 roku, w ramach wystawy w stolicy Wielkiej Brytanii, kobieta stworzyła około 20 łukowatych konstrukcji, które odzwierciedlały piękno przyrody wioski i miasta, w dzień iw nocy. Jeden z nich ozdobił stację metra.
Hej Arakawa
Młodego człowieka nie można nazwać tylko artystą w klasycznym tego słowa znaczeniu – tworzy instalacje tak popularne w sztuce XXI wieku. Tematyka jego wystaw jest prawdziwie japońska i dotyka zarówno przyjaznych relacji, jak i pracy całego zespołu.
Ei Arakawa często bierze udział w różnych biennale, na przykład w Wenecji, jest wystawiany w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w swojej ojczyźnie i zasłużenie otrzymuje różne nagrody.
Ikenaga Yasunari
Współczesnemu malarzowi Ikenadze Yasunari udało się połączyć dwie pozornie nie do pogodzenia rzeczy: życie dzisiejszych dziewcząt w formie portretu i tradycyjne techniki Japonia pochodzi z czasów starożytnych. W swojej pracy malarz posługuje się specjalnymi pędzlami, farbami z naturalnym pigmentem, tuszem i węglem drzewnym. Zamiast zwykłego lnu - lniana tkanina.
Malarstwo Ikenagi Yasunari
Podobna technika kontrastowania przedstawionej epoki i wygląd bohaterki sprawiają wrażenie, jakby wróciły do nas z przeszłości.
popularny w Ostatnio w społeczności internetowej seria obrazów przedstawiających złożoność życia krokodyla została również stworzona przez japońskiego rysownika Keigo.
Wniosek
Tak więc malarstwo japońskie powstało około III wieku pne i od tego czasu bardzo się zmieniło. Pierwsze obrazy dotyczyły ceramiki, potem zaczęła dominować sztuka Motywy buddyjskie, ale nazwiska autorów nie zachowały się do dziś.
W epoce New Age mistrzowie pędzla zdobyli wszystko świetna osobowość, Utworzony różne kierunki, szkoły. Dzisiejsze sztuka bez limitu malarstwo tradycyjne- wykorzystywane są instalacje, karykatury, rzeźby artystyczne, konstrukcje specjalne.
Bardzo dziękuję za uwagę, drodzy czytelnicy! Mamy nadzieję, że nasz artykuł okazał się przydatny, a opowieści o życiu i twórczości najwybitniejszych przedstawicieli sztuki pozwoliły lepiej ich poznać.
Oczywiście trudno w jednym artykule opowiedzieć o wszystkich artystach od starożytności do współczesności. Niech więc będzie to pierwszy krok w kierunku poznania malarstwa japońskiego.
I dołącz do nas - zapisz się na bloga - będziemy razem studiować buddyzm i kulturę Wschodu!
Ma bardzo bogatą historię; jego tradycja jest rozległa, a wyjątkowa pozycja Japonii na świecie w dużej mierze wpływa na dominujące style i techniki japońskich artystów. Znany fakt To, że Japonia była dość odizolowana przez wieki, wynika nie tylko z geografii, ale także z dominującej japońskiej kulturowej skłonności do izolacji, która naznaczyła historię tego kraju. W ciągu wieków tego, co moglibyśmy nazwać „cywilizacją japońską”, kultura i sztuka rozwijały się niezależnie od reszty świata. Jest to nawet zauważalne w praktyce malarstwa japońskiego. Na przykład obrazy Nihonga należą do podstawowych elementów japońskiej praktyki malarskiej. Opiera się na ponad tysiącletniej tradycji, a obrazy powstają zazwyczaj pędzlami na twoim (papier japoński) lub eginie (jedwab).
Jednak japońska sztuka i malarstwo były pod wpływem obcych praktyki artystyczne. Po pierwsze, to chińska sztuka w XVI wieku oraz chińskie malarstwo i chińska tradycja artystyczna wywarły szczególny wpływ na kilka sposobów. Od XVII wieku wpływ na malarstwo japońskie miały także m.in zachodnie tradycje. W szczególności w okresie przedwojennym, który trwał od 1868 do 1945 roku, na malarstwo japońskie wpływał impresjonizm i europejski romantyzm. W tym samym czasie na nowe europejskie ruchy artystyczne znaczący wpływ wywarli także Japończycy techniki artystyczne. W historii sztuki wpływ ten nazywany jest „japoństwem” i ma szczególne znaczenie dla impresjonistów, kubistów oraz artystów związanych z modernizmem.
Długa historia Malarstwo japońskie można postrzegać jako syntezę kilku tradycji, które tworzą części uznanej japońskiej estetyki. Przede wszystkim sztuka buddyjska i metody malarskie, a także malarstwo religijne pozostawiła znaczący ślad w estetyce obrazy japońskie; malarstwo wodne przedstawiające pejzaże w tradycji chińskiego malarstwa literackiego – inne ważny element, rozpoznawalny na wielu słynnych obrazach japońskich; malarstwo zwierząt i roślin, zwłaszcza ptaków i kwiatów, to coś, co powszechnie kojarzy się z kompozycjami japońskimi, podobnie jak pejzaże i sceny z życia codziennego. Wreszcie, duży wpływ na malarstwie japońskim miał starożytne idee dotyczące piękna z filozofii i kultury starożytna Japonia. Wabi, co oznacza ulotne i surowe piękno, sabi (piękno naturalnej patyny i postarzania) oraz yugen (głęboki wdzięk i subtelność) nadal wpływają na ideały w praktyce malarstwa japońskiego.
Na koniec, jeśli skupimy się na wyborze dziesięciu najsłynniejszych japońskich arcydzieł, nie sposób nie wspomnieć o ukiyo-e, które jest jednym z najpopularniejszych gatunków sztuki w Japonii, mimo że należy do grafiki warsztatowej. Zdominował sztukę japońską od XVII do XIX wieku, a artyści należący do tego gatunku tworzyli drzeworyty i obrazy o tematyce takiej jak piękne dziewczyny, aktorów kabuki i zapaśników sumo, a także sceny z historii i ludowe opowieści, sceny i pejzaże z podróży, florę i faunę, a nawet erotykę.
Zawsze trudno jest zrobić listę najlepsze zdjęcia z tradycji artystycznych. Wiele niesamowitych prac zostanie wykluczonych; jednak na tej liście znajduje się dziesięć najbardziej rozpoznawalnych japońskich obrazów na świecie. W niniejszym artykule zaprezentowane zostaną wyłącznie obrazy powstałe od XIX wieku do współczesności.
Malarstwo japońskie ma niezwykle bogatą historię. Na przestrzeni wieków rozwijali się japońscy artyści duża liczba unikalne techniki i style, które są najcenniejszym wkładem Japonii w świat sztuki. Jedną z takich technik jest sumi-e. Sumi-e dosłownie oznacza „rysunek tuszem”, łącząc kaligrafię i malarstwo tuszem, tworząc rzadkie piękno kompozycji malowanych pędzlem. To piękno jest paradoksalne - starożytne, ale nowoczesne, proste, ale złożone, odważne, ale stonowane, niewątpliwie odzwierciedlające duchowe podstawy sztuki buddyzmu zen. Kapłani buddyjscy przywieźli do Japonii blok z twardym atramentem i pędzle bambusowe z Chin w VI wieku, aw ciągu ostatnich 14 stuleci Japonia rozwinęła bogate dziedzictwo malarstwa tuszem.
Przewiń w dół i zobacz 10 arcydzieł malarstwa japońskiego
1. Katsushika Hokusai „Sen żony rybaka”
Jednym z najbardziej rozpoznawalnych japońskich obrazów jest Sen żony rybaka. Został napisany w 1814 r sławny artysta Hokusai. Według ścisłych definicji to Wspaniała robota Hokusai nie można uznać za obraz, ponieważ jest to drzeworyt ukiyo-e z Young Pines (Kinoe no Komatsu), czyli trzytomowej książki shunga. Kompozycja przedstawia młodego nurka ama splecionego seksualnie z parą ośmiornic. Ten obraz był bardzo wpływowy w XIX i XX wieku. Praca wywarła wpływ na późniejszych artystów, takich jak Felicien Rops, Auguste Rodin, Louis Ocock, Fernand Khnopf i Pablo Picasso.
2. Tessai Tomioka „Abe no Nakamaro pisze nostalgiczny wiersz, obserwując księżyc”
Tessai Tomioka to pseudonim znanego japońskiego artysty i kaligrafa. Uważany jest za ostatniego wielkiego artystę w tradycji bungjing i jednego z pierwszych główni artyści Styl Nihongi. Bunjinga była szkołą malarstwa japońskiego, która rozkwitła w późnym okresie Edo wśród artystów uważających się za literatów lub intelektualistów. Każdy z tych artystów, w tym Tessaia, rozwinął swój własny styl i technikę, ale wszyscy byli wielkimi fanami sztuka chińska i kultura.
3. Fujishima Takeji „Wschód słońca nad Morzem Wschodnim”
Fujishima Takeji był japońskim artystą znanym z prac nad rozwojem romantyzmu i impresjonizmu w ruchu sztuki jogi (w stylu zachodnim) w koniec XIXw- początek XX wieku. W 1905 roku udał się do Francji, gdzie był pod wpływem francuskich ruchów tamtych czasów, zwłaszcza impresjonizmu, co widać na jego obrazie Wschód słońca nad Morzem Wschodnim z 1932 roku.
4. Kitagawa Utamaro „Dziesięć typów kobiecych twarzy, kolekcja dominujących piękności”
Kitagawa Utamaro był wybitnym japońskim artystą, który urodził się w 1753 roku i zmarł w 1806 roku. Zdecydowanie najbardziej znany jest z serii o nazwie Dziesięć typów kobiecych twarzy. Kolekcja rządzących piękności, wielkie motywy miłosne poezja klasyczna” (czasami nazywany „Zakochanymi kobietami”, zawierający osobne druki „Naga miłość” i „Zamyślona miłość”). Jest jednym z najwybitniejszych twórców nurtu drzeworytniczego ukiyo-e.
5. Kawanabe Kyosai „Tygrys”
Kawanabe Kyosai był jednym z najbardziej znanych japońskich artystów okresu Edo. Na jego sztukę wpłynął Tohaku, XVI-wieczny malarz Kano, który był jedynym malarzem swoich czasów, który malował ekrany w całości tuszem na delikatnym tle sproszkowanego złota. Chociaż Kyosai jest znany jako rysownik, napisał niektóre z najbardziej znane obrazy V Historia Japonii sztuka XIX wieku. „Tygrys” to jeden z tych obrazów, które Kyosai stworzył za pomocą akwareli i tuszu.
6. Hiroshi Yoshida Fuji z jeziora Kawaguchi
Hiroshi Yoshida jest znany jako jedna z głównych postaci stylu Shin-Hanga (Shin-Hanga to ruch artystyczny w Japonii na początku XX wieku, w okresie Taisho i Showa, które odrodziły się Sztuka tradycyjna ukiyo-e, które zakorzeniło się w okresie Edo i Meiji (XVII - XIX w.)). Był szkolony w tradycji zachodniego malarstwa olejnego, które zostało przyjęte w Japonii w okresie Meiji.
7. Takashi Murakami „727”
Takashi Murakami jest prawdopodobnie najpopularniejszym japońskim artystą naszych czasów. Jego prace są sprzedawane za astronomiczne ceny główne aukcje, a kreatywność już teraz inspiruje nowe pokolenia artystów nie tylko w Japonii, ale także za granicą. Sztuka Murakamiego obejmuje cała linia media i jest zwykle opisywana jako superpłaszczyzna. Jego prace znane są z używania koloru, włączając motywy z japońskiej kultury tradycyjnej i popularnej. Treść jego obrazów jest często określana jako „urocza”, „psychodeliczna” lub „satyryczna”.
8. Yayoi Kusama „Dynia”
Yaoi Kusama jest również jednym z najbardziej znanych japońscy artyści. Tworzy w różne techniki w tym malarstwo, kolaż, rzeźbę scat, sztukę performance, sztukę środowiska i instalację, z których większość pokazuje jej zainteresowanie tematyczne psychodelicznym kolorem, powtórzeniem i wzorem. Jedna z najbardziej znanych serii tego typu wspaniały artysta to seria „Dynia”. Zwykła tykwa w kropki w jasnożółtym kolorze jest pokazana na tle siatki. Wszystkie te elementy razem tworzą wizualny język, który jest charakterystyczny dla stylu artysty i był rozwijany i udoskonalany przez dziesięciolecia żmudnego rzemiosła i reprodukcji.
9. Tenmyoya Hisashi „Japoński duch nr 14”
Tenmyoya Hisashi to współczesny japoński artysta znany ze swoich obrazów neo-nihonga. Brał udział w odrodzeniu stara tradycja Malarstwo japońskie, które jest dokładnym przeciwieństwem współczesnego malarstwa japońskiego. W 2000 roku stworzył także swój nowy styl, butouha, który świadczy o silnym stosunku do władzy. systemem artystycznym poprzez jego obrazy. „Japanese Spirit No. 14” powstał w ramach schemat artystyczny„BASARA”, interpretowana w kulturze japońskiej jako buntownicze zachowanie niższej arystokracji w okresie Walczących Królestw, mające na celu pozbawienie władz możliwości poszukiwania doskonały obrazżycie, ubieranie się w pompatyczne i luksusowe stroje oraz działanie z wolnej woli, co nie odpowiadało ich klasie społecznej.
10. Katsushika Hokusai „Wielka fala w Kanagawie”
Wreszcie Wielka fala u wybrzeży Kanagawy jest prawdopodobnie najbardziej rozpoznawalnym japońskim obrazem, jaki kiedykolwiek namalowano. To naprawdę najwięcej słynne dzieło sztuka wykonana w Japonii. Przedstawia ogromne fale zagrażające łodziom u wybrzeży prefektury Kanagawa. Chociaż czasami mylona z tsunami, fala, jak sugeruje nazwa obrazu, najprawdopodobniej ma po prostu anormalnie wysoką wysokość. Obraz jest wykonany w tradycji ukiyo-e.
Od: ,
Malarstwo japońskie to absolutnie wyjątkowy kierunek w sztuce światowej. Istnieje od czasów starożytnych, ale jako tradycja nie straciła swojej popularności i zdolności do zaskakiwania.
Uwaga na tradycje
Wschód to nie tylko krajobrazy, góry i wschodzące słońce. To także ludzie, którzy tworzyli jej historię. To właśnie ci ludzie przez wiele wieków podtrzymywali tradycję malarstwa japońskiego, rozwijając i pomnażając swoją sztukę. Ci, którzy wnieśli znaczący wkład w historię japońskich artystów. To dzięki nim współczesne zachowały wszystkie kanony tradycyjnego malarstwa japońskiego.
Styl malarski
W przeciwieństwie do Europy, artyści japońscy woleli malować bliżej grafiki niż malarstwa. W takich obrazach nie można znaleźć szorstkich, nieostrożnych pociągnięć olejem, tak charakterystycznych dla impresjonistów. Jaki jest graficzny charakter takich dzieł jak japońskie drzewa, skały, zwierzęta i ptaki - wszystko na tych obrazach jest narysowane tak wyraźnie, jak to możliwe, mocnymi i pewnymi liniami atramentu. Wszystkie obiekty w kompozycji muszą mieć kontur. Wypełnienie wewnątrz konturu jest zwykle wykonywane akwarelą. Kolor jest wypłukiwany, dodawane są inne odcienie, a gdzieś zostaje kolor papieru. Dekoracyjność jest właśnie tym, co odróżnia malarstwo japońskie od sztuki całego świata.
Kontrasty w malarstwie
Kontrast to kolejna charakterystyczna technika stosowana przez japońskich artystów. Może to być różnica w odcieniu, kolorze lub kontrast ciepłych i zimnych odcieni.
Artysta sięga po technikę, gdy chce podkreślić jakiś element tematu. Może to być żyła na roślinie, pojedynczy płatek lub pień drzewa na tle nieba. Następnie przedstawiona jest jasna, oświetlona część obiektu i cień pod nim (lub odwrotnie).
Przejścia i kolory
Podczas rysowania japońskich obrazów często stosuje się przejścia. Są różne: na przykład od jednego koloru do drugiego. Na płatkach lilii wodnych, piwonii można zauważyć przejście od jasnego odcienia do bogatego, jasnego koloru.
Przejścia są również używane w obrazie powierzchnia wody, niebo. Bardzo pięknie prezentuje się płynne przejście od zachodu słońca do ciemnego, pogłębiającego się zmierzchu. Podczas rysowania chmur stosuje się również przejścia z różnych odcieni i odbić.
Główne motywy malarstwa japońskiego
W sztuce wszystko jest ze sobą powiązane prawdziwe życie, z uczuciami i emocjami osób w nią zaangażowanych. Podobnie jak w literaturze, muzyce i innych przejawach twórczości, w malarstwie istnieje kilka odwiecznych tematów. Są to wątki historyczne, obrazy ludzi i natury.
Japońskie krajobrazy są zróżnicowane. Często na obrazach pojawiają się wizerunki stawów - ulubionego tematu wnętrz Japończyków. Ozdobny staw, obok kilka lilii wodnych i bambusów - tak wygląda typowe malowidło z XVII-XVIII wieku.
Zwierzęta w malarstwie japońskim
Zwierzęta są również powracającym elementem w malarstwie azjatyckim. Tradycyjnie jest to przyczajony tygrys lub kot domowy. Ogólnie rzecz biorąc, Azjaci bardzo lubią i dlatego ich przedstawiciele znajdują się we wszystkich formach sztuki orientalnej.
Świat fauny to kolejny temat, po którym następuje malarstwo japońskie. Ptaki – żurawie, ozdobne papugi, luksusowe pawie, jaskółki, niepozorne wróble, a nawet koguty – wszystkie znajdują się na rysunkach orientalnych mistrzów.
Ryby to równie gorący temat dla japońskich artystów. Koi to japońska wersja złotej rybki. Te stworzenia żyją w Azji we wszystkich stawach, nawet w małych parkach i ogrodach. Karp Koi to rodzaj tradycji, która należy do Japonii. Ryby te symbolizują walkę, determinację, dążenie do celu. Nic dziwnego, że są przedstawiane jako unoszące się z prądem, zawsze z ozdobnymi grzbietami fal.
Malarstwo japońskie: przedstawianie ludzi
Szczególnym tematem są ludzie w malarstwie japońskim. Artyści przedstawiali gejsze, cesarzy, wojowników i starców.
Gejsze są przedstawiane w otoczeniu kwiatów, zawsze ubrane w wyszukane szaty z wieloma fałdami i elementami.
Przedstawiono mędrców siedzących lub wyjaśniających coś swoim uczniom. Wizerunek starego naukowca jest symbolem historii, kultury i filozofii Azji.
Wojownik był przedstawiany jako budzący grozę, czasem onieśmielający. Długie zostały szczegółowo narysowane i wyglądały jak drut.
Zwykle wszystkie szczegóły zbroi są udoskonalane atramentem. Często nagich wojowników zdobią tatuaże przedstawiające orientalnego smoka. Jest symbolem siły i siła militarna Japonia.
Przedstawiono władców rodziny cesarskie. Piękne szaty, ozdoby we włosach mężczyzn - takich dzieł sztuki nie brakuje.
krajobrazy
Tradycyjny japoński krajobraz - góry. Malarzom azjatyckim udało się przedstawić różnorodne pejzaże: potrafią przedstawić ten sam szczyt w różnych kolorach, w różnych atmosferach. Jedyne, co pozostaje niezmienione, to obowiązkowa obecność kwiatów. Zwykle wraz z górami artysta przedstawia na pierwszym planie jakąś roślinę i szczegółowo ją rysuje. Pięknie wyglądają góry i kwitnące wiśnie. A jeśli narysujesz spadające płatki - obraz podziwia smutne piękno. Kontrast w atmosferze obrazu to kolejna niezwykła cecha kultury japońskiej.
Hieroglify
Często kompozycja obrazu w malarstwie japońskim jest łączona z literami. Hieroglify są ułożone tak, że kompozycyjnie wygląda pięknie. Zazwyczaj są one rysowane po lewej lub prawej stronie obrazu. Hieroglify mogą wskazywać, co jest przedstawione na obrazie, jego nazwę lub nazwisko artysty.
Japonia jest jednym z najbogatszych krajów pod względem historii i kultury. Na całym świecie zwyczajowo uważa się Japończyków za pedantycznych ludzi, którzy znajdują estetykę w absolutnie wszystkich przejawach życia. Dlatego japońskie obrazy są zawsze bardzo harmonijne pod względem koloru i tonu: jeśli występują inkluzje jakiegoś jasnego koloru, to tylko w centrach semantycznych. Na przykładzie malarstwa artystów azjatyckich można studiować teorię koloru, poprawne przekazywanie formy za pomocą grafiki, kompozycję. Technika wykonania japońskich obrazów jest na tyle wysoka, że może służyć jako przykład pracy z akwarelami i wykonywania „mycia” prac graficznych.
Hariyo Marita urodził się w 1945 roku w prefekturze Saitama.
Z wczesne dzieciństwo studiowała japoński rysunek klasyczny pod kierunkiem mistrza Husuki. Przedstawił także Hariyo Maritę malownicze kompozycje dzięki czemu japoński wygląd stał się tak popularny w Japonii i na Zachodzie.
W 1960 roku jej prace zostały uznane za najlepsze w konkursie organizowanym w prefekturze.
Po studiach jako praktykantka Hariyo przez około 10 lat pracowała jako projektantka kimon, w wyniku czego wypracowała własny styl, w którym udało jej się połączyć klasyczną sztukę japońską i własny pomysł na nowoczesne malarstwo japońskie. Wraz z kimonem projekt Hariyo Marity obejmował również rozwój kanzashi. Według historycznego japońska tradycja, połączenie elementów kanzashi miało odzwierciedlać zmianę pór roku i zmianę z miesiąca na miesiąc.
W 1977 roku artysta przeniósł się do Londynu, spędził wystawy osobiste swojej pracy w Londynie, Nowym Jorku, Honolulu, Los Angeles, Arabia Saudyjska, Tokio. Miłośnicy sztuki kochają jej prace.
Następnie Hariyo Marita przeniosła się do Australii, gdzie bardzo spodobał jej się klimat, który według artystki jest idealny dla jej twórczości.
Na swoich obrazach Hariyo Marita przedstawia gejsze, yujo i szlachetne damy epoki Heian (794-1185).
Szlachetne damy epoki Heian
Japonki mogły się wykazać tylko w dwóch przypadkach: poza murami własnego domu, w otoczeniu domowników i/lub mężów, albo gejsza mogła to zrobić, bo. Już w epoce Heian szlachcianki miały zwyczaj zakrywania twarzy w miejscach publicznych.
Ideał kobiece piękno tamten czas w Japonii: okrągła twarz, wysokie czoło, biała skóra. Kobiety grubo wybielały twarze proszkiem ryżowym oshiroi (oshiroi), który trudno było zmyć. Naturalne brwi uważano za wulgarne, golono je, a zamiast tego rysowano wysoko na czole krótkie grube czarne kreski. Później japońskie piękności zaczęły wyrywać sobie brwi. Oczy były podkreślone czernią lub czerwienią, usta pomalowano czerwoną szminką. Ponadto kobiety mogły podkreślić linię włosów czarnym tuszem, który powinien był zbiegać się na czole trójkątem. To stworzyło iluzję gęstych włosów.
Najważniejszą cechą urody kobiety Heian były jej włosy. Włosy musiały być gęste, czarne jak smoła, gładkie i bardzo długie, poniżej pięt. Powinny być luźne i leżeć na plecach w jednej ciemnej gęstej masie. Ta fryzura nazywała się kurokami. Ta moda zaczęła się jako reakcja na importowaną modę chińską, gdzie fryzury były znacznie krótsze i zawierały ogony typu kucyk. Rekordzistką długości włosów w okresie Heian według legendy była kobieta o włosach długości 7 metrów.
Gejsza
Gejsza to dziewczyna, która zabawia swoich klientów (gości, zwiedzających) japońskim tańcem, śpiewem, prowadzeniem ceremonii parzenia herbaty, rozmową na dowolny temat, zwykle ubrana w kimono i nosząca tradycyjny makijaż i fryzurę.
„Prawdziwa gejsza nigdy nie zepsuje swojej reputacji swoją dostępnością dla mężczyzn”.
Gejsza z pewnością dużo wiedziała o psychologii stosowanej. Gejsza potrafiła odczytywać myśli, uczucia, emocje i wiele więcej z twarzy rozmówcy. Ale co najważniejsze, największą rzeczą, która czyniła gejsze wyjątkowymi, było to, że były szczęśliwymi kobietami. I tak byli postrzegani przez gości i klientów. Promieniowały radością i światłem. Wieczny uśmiech na twarzy. Ton głosu jest melodyjny muzycznie. Ruchy są płynne, jak zadowolony kot. Myśli są tylko jasne, wesołe, energiczne. Do tej dyscypliny umysłu przywiązywano wielką wagę.
Chęć cieszenia się życiem we wszystkim i zawsze. Czy to tylko picie sake z klientem, czy wyrafinowana rozmowa przy filiżance herbaty. Niezależnie od tego, czy idziesz ulicą w deszczu. Rzut oka na ptaka latającego na niebie. Czerp przyjemność ze wszystkiego. Przekształcenie w przyjemne wydarzenie to nawet drobiazg. Tego uczono dziewczęta w prawdziwych szkołach gejsz.
Yujo
Yujo jest pojedynczy typ japońskie kobiety który ma pasek zawiązany z przodu. Yujo najwyższej kategorii nazywane są tayu.
Yujo miał pełna rację do swobodnego, a czasem upartego usposobienia, potrafiła odmówić współpracy z klientem. Trzeba było zdobyć przychylność.
Ciekawy świata przygotował dla Was wybór obrazów Hariyo Marity, na których artysta przedstawił te wszystkie piękne i tak różne Japonki.
