Tarasa Szewczenki Narodowy Akademicki Teatr Opery i Baletu Ukrainy- teatr muzyczny w Kijowie na Ukrainie. Trzecia najstarsza opera na Ukrainie po odeskiej i lwowskiej operze.
W 1867 roku w Kijowie zorganizowano stałą trupę operową, która wraz z teatrami Moskwy i Petersburga stała się jedną z najlepszych w Imperium Rosyjskim. Impulsem do powstania stałego teatru było udane tournée włoskich zespołów operowych w latach 1865-1866. w Kijowie. Trupa pracowała na terenie Teatru Miejskiego, zwanego „Operą Rosyjską”, zbudowanego w 1856 r. Według projektu rosyjskiego architekta I. V. Sztroma. Pierwszy sezon otworzyła opera Wierstowskiego Grób Askolda. Wkrótce w teatrze P.I. wystawiono opery „Iwan Susanin” oraz „Rusłan i Ludmiła” M. Glinki. Czajkowskiego, w 1893 roku S.V. przyszedł do teatru. Rachmaninowa na premierę Aleko, aw 1895 Rimskiego-Korsakowa na premierę Snow Maiden. Przez lata solistami teatru byli: Piotr Iwanowicz Słowcow, Nina Pavlovna Koshits, Maria Kurenko i inni.
Pojawienie się nowej opery poprzedziło smutne wydarzenie: w lutym 1896 roku, po porannym przedstawieniu opery „Eugeniusz Oniegin” P. Czajkowskiego, w jednej z garderób wybuchł pożar. Ogień rozprzestrzenił się błyskawicznie i doszczętnie zniszczył budynek dawnego Teatru Miejskiego. O dziwo, ale wtedy nie był to przypadek wyjątkowy, tylko w ciągu dwóch lat (1889-1891) w Europie i Ameryce spłonęły 22 sale teatralne.
Następnie ogłoszono konkurs na projekt nowego budynku. Wzięło w nim udział ponad dwudziestu architektów z Rosji, Niemiec, Francji i Włoch. 25 lutego 1897 jury ogłosiło wyniki konkursu. Za najlepszy uznano projekt rosyjskiego architekta Wiktora Aleksandrowicza Shretera, który przebudował również w Petersburgu. Budowę nowego gmachu na miejscu starego teatru rozpoczęto w 1898 roku.
Sala operowa składała się ze straganów, amfiteatru, antresoli i czterech kondygnacji mogących pomieścić około 1650 widzów (w lożach jest 384 miejsc), łączna kubatura teatru to prawie 100 tys. \u200b\u200blokal ma 40 210 mkw. Nad głównym wejściem do teatru umieszczono oficjalny herb Kijowa z wizerunkiem patrona miasta Archanioła Michała, jednak za namową metropolity kijowskiego Teognosta, który uważał teatr za instytucję grzeszną, herb został zastąpiony kompozycją alegoryczną: gryfy heraldyczne trzymają w łapach lirę jako symbol sztuki muzycznej. Fasadę budynku zdobiły popiersia kompozytorów M. Glinki i A. Serowa, podarowane Kijowowi przez artystów Petersburskiego Teatru Maryjskiego.
Dla architekta ważny był nie tylko wygląd teatru, rytm i wyszukany wystrój elewacji. V. Schroeter zadbał o to, aby sala była wygodna zarówno dla tych, którzy będą występować na scenie, jak i dla tych, którzy zasiądą na sali. W tym czasie scena Opery Kijowskiej była największa w Rosji (szerokość 34,3 m; głębokość 17,2 m; wysokość 22,7 m). Teatr posiadał ogrzewanie parowe, klimatyzację, doskonałe wyposażenie sceniczne. Swego czasu Opera Kijowska naprawdę zadziwiła: trybuny, amfiteatr, antresola i cztery kondygnacje mogły pomieścić jednocześnie 1318 widzów (na trybunach było 384 miejsc). We wnętrzach dominował aksamit i brąz. Znakomite fotele, żyrandole i lampy przywieziono z Wiednia.
Uroczyste otwarcie nowej opery odbyło się 29 września (16 września w starym stylu) 1901 r. Wystawieniem opery „Życie dla cara” M.I. Glinka.
W 1911 roku w teatrze miało miejsce wydarzenie, które wpłynęło na całą historię Rosji - zginął premier Piotr Arkadjewicz Stołypin. Pod koniec sierpnia 1911 r. przebywał w Kijowie cesarz Mikołaj II z rodziną i współpracownikami, w tym premierem Stołypinem. 1 września 1911 r. Cesarz, jego córki i bliscy współpracownicy byli obecni na przedstawieniu „Opowieść o Caru Saltanie”. Podczas drugiej przerwy Stołypin rozmawiał przy barierce orkiestry z ministrem dworu baronem V. B. Frederiksem i magnatem ziemskim hrabią I. Potockim. Nieoczekiwanie Dmitrij Bogrow podszedł do Piotra Stołypina i strzelił dwa razy z Browninga: pierwszy pocisk trafił go w ramię, drugi w brzuch, trafiając w wątrobę. Stołypina od natychmiastowej śmierci uratował krzyż św. Włodzimierza, który został trafiony kulą i miażdżąc ją, zmienił kierunek na serce. Kula przebiła klatkę piersiową, opłucną, niedrożność jamy brzusznej i wątrobę. Ranny Stołypin opadł ciężko na fotel i wyraźnie i wyraźnie, głosem słyszalnym niedaleko siebie, powiedział: „Szczęśliwie umrzeć za cara”.
W czasach radzieckich teatr kilkakrotnie zmieniał nazwę, w 1926 roku otrzymał status „akademicki”, w 1939 roku teatr otrzymał imię Tarasa Szewczenki.
Podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej trupa teatralna została ewakuowana do Irkucka, aw 1944 r. wróciła do Kijowa. Sam budynek teatru nie został poważnie uszkodzony przez działania wojenne, a renowacja kosztowała tylko kosmetyczne naprawy.
W latach 1983-1988 przeprowadzono gruntowną przebudowę pomieszczeń teatralnych. Restauratorzy dokonali znacznych zmian w zakulisowej części pomieszczeń teatralnych, co pozwoliło zwiększyć liczbę sal prób, garderób oraz wyposażyć specjalną klasę chóru. Zwiększono również wielkość sceny do 20 m głębokości i 27 m wysokości. Łączna powierzchnia sceny wynosi obecnie 824 mkw. Również podczas renowacji w miejsce starych organów zamontowano nowe, zbudowane przez czeską firmę Rieger-Klos. Przebudowano również fosę dla orkiestry, która obecnie może pomieścić jednocześnie 100 muzyków. Po renowacji powierzchnia pomieszczeń teatralnych powiększyła się o 20 tys. mkw. Było dwa razy więcej szatni, pojawiło się kilka nowych sal prób.
Pauline Viardot, pełne imię i nazwisko Pauline Michelle Ferdinand García-Viardot (fr. Pauline Michelle Ferdinande García-Viardot) to czołowa francuska śpiewaczka, mezzosopranistka XIX wieku, nauczycielka śpiewu i kompozytorka pochodzenia hiszpańskiego. Pauline Viardot urodziła się 18 lipca 1821 roku w Paryżu. Córka i uczennica hiszpańskiego piosenkarza i nauczyciela Manuela Garcii, siostra Marii Malibran. Jako dziecko uczyła się gry na fortepianie u Franciszka Liszta i zamierzała zostać pianistką, ale jej niezwykłe zdolności wokalne zdeterminowały jej zawód. Występowała w różnych teatrach Europy i dała wiele koncertów. Zasłynęła rolami Fideszu ("Prorok" Meyerbeera), Orfeusza ("Orfeusz i Eurydyka" Glucka), Rozyny ("Cyrulik sewilski" Rossiniego). Autorka romansów i oper komicznych do libretta bliskiego jej przyjaciela Iwana Turgieniewa. Wraz z mężem, który tłumaczył dzieła Turgieniewa na język francuski, propagowała dorobek kultury rosyjskiej. Jej nazwisko jest zapisane w różnych formach. Ze swoim panieńskim nazwiskiem Garcia zyskała sławę i rozgłos, po ślubie przez jakiś czas używała podwójnego nazwiska Garcia-Viardot, aw pewnym momencie porzuciła nazwisko panieńskie i nazwała się „Mme Viardot”. W 1837 roku 16-letnia Pauline Garcia dała swój pierwszy koncert w Brukseli, aw 1839 zadebiutowała jako Desdemona w Otello Rossiniego w Londynie, stając się gwiazdą sezonu. Mimo pewnych niedociągnięć głos dziewczyny łączył znakomitą technikę z niesamowitą pasją. W 1840 Pauline poślubiła Louisa Viardota, kompozytora i dyrektora Théatre Italien w Paryżu. Będąc o 21 lat starsza od swojej żony, jej mąż zaczął robić karierę. W 1844 roku w stolicy Imperium Rosyjskiego, Petersburgu, występowała na tej samej scenie z Antonio Tamburinim i Giovannim Battistą Rubinim. Viardot miał wielu wielbicieli. W szczególności rosyjski pisarz Iwan Siergiejewicz Turgieniew zakochał się namiętnie w piosenkarce w 1843 roku po wysłuchaniu jej występu w Cyruliku sewilskim. W 1845 opuścił Rosję, by pójść za Pauliną i ostatecznie stał się prawie członkiem rodziny Viardot. Pisarz traktował czwórkę dzieci Pauline jak własne i wielbił ją aż do śmierci. Ona z kolei była krytykiem jego twórczości, a jej pozycja w świecie i koneksje przedstawiały pisarza w jak najlepszym świetle. Prawdziwy charakter ich związku jest nadal przedmiotem dyskusji. Ponadto Pauline Viardot komunikowała się z innymi wspaniałymi ludźmi, w tym z Charlesem Gounodem i Hectorem Berliozem. Znana ze swoich zdolności wokalnych i dramatycznych Viardot inspirowała takich kompozytorów jak Fryderyk Chopin, Hector Berlioz, Camille Saint-Saens czy Giacomo Meyerbeer, autor opery Prorok, w której została pierwszą wykonawczynią Fideszu. Nigdy nie uważała się za kompozytorkę, ale faktycznie skomponowała trzy kolekcje muzyczne, a także asystowała przy komponowaniu muzyki do ról stworzonych specjalnie dla niej. Później, po zejściu ze sceny, napisała operę Le dernier sorcier. Viardot biegle władała językiem hiszpańskim, francuskim, włoskim, angielskim, niemieckim i rosyjskim, aw swojej pracy wykorzystywała różne techniki narodowe. Dzięki swojemu talentowi występowała w najlepszych salach koncertowych Europy, w tym w Teatrze Operowym w Petersburgu (w latach 1843-1846). Popularność Viardot była tak wielka, że George Sand uczyniła z niej pierwowzór bohaterki powieści Consuelo. Viardot zaśpiewała partię mezzosopranu w Tuba Mirum (Requiem Mozarta) na pogrzebie Chopina 30 października 1849. Zagrała tytułową rolę w Orfeuszu i Eurydyce Glucka. W 1863 roku Pauline Viardot-Garcia zeszła ze sceny, opuściła wraz z rodziną Francję (mąż był przeciwnikiem reżimu Napoleona III) i zamieszkała w Baden-Baden. Po upadku Napoleona III rodzina Viardotów wróciła do Francji, gdzie Pauline uczyła w Konserwatorium Paryskim aż do śmierci męża w 1883 roku, a także prowadziła salon muzyczny przy Boulevard Saint-Germain. Wśród uczniów i studentów Pauline Viardot są słynni Desiree Artaud-Padilla, Sophie Röhr-Brainin, Baylodz, Hasselman, Holmsen, Schliemann, Schmeiser, Bilbo-Bachele, Meyer, Rollant i inni. Wielu rosyjskich śpiewaków przeszło z nią znakomitą szkołę wokalną, w tym F.V. Litwin, E. Lavrovskaya-Tserteleva, N. Iretskaya, N. Shtemberg. 18 maja 1910 Pauline Viardot zmarła w otoczeniu kochających krewnych. Została pochowana na cmentarzu Montmartre w Paryżu. Rosyjski poeta Aleksiej Nikołajewicz Pleshcheev zadedykował jej swój wiersz „Piosenkarka” ( Viardo Garcia ): Nie! Nie zapomnę ciebie, zniewalające dźwięki, Jak nie zapomnę pierwszych słodkich łez miłości! Kiedy cię słuchałem, ból w piersi mi się upokorzył, I znowu byłem gotów wierzyć i kochać! Nie zapomnę jej... Ta natchniona kapłanka, Okryta wieńcem z szerokich liści, Ukazała mi się... i śpiewała świętą pieśń, A jej wzrok płonął boskim ogniem... Ten blady obraz w niej ja ujrzał Desdemonę, Gdy pochylając się nad złotą harfą, O wierzbie śpiewano pieśń... i jęki przerwał tępy przelew tej starej pieśni. Jak głęboko pojmowała, studiowała Tego, który znał ludzi i tajemnice ich serc; A gdyby jakiś wielki powstał z grobu, włożyłby koronę na jej czoło. Czasami ukazywała mi się młoda Rozyna I namiętna, jak noc jej rodzinnego kraju... I wsłuchując się w jej magiczny głos, duszą dążyłam do tej urodzajnej krainy, Gdzie wszystko zachwyca ucho, wszystko cieszy oczy, Gdzie sklepienie nieba lśni wiecznym błękitem, Gdzie słowiki gwiżdżą na gałęziach jaworu, A cyprysowy cień drży na powierzchni wód! I moja pierś, pełna świętej rozkoszy, Czysta rozkosz, wzniosła się wysoko, I niespokojne wątpliwości odleciały, A moja dusza była spokojna i lekka. Jako przyjaciel po dniach bolesnej rozłąki byłem gotów objąć cały świat... Och! Nie zapomnę ciebie, zniewalające dźwięki, Jak nie zapomnę pierwszych słodkich łez miłości!<1846>
Diana Damrau to niemiecka śpiewaczka operowa i koncertowa, sopran koloraturowy. Diana Damrau urodziła się 31 maja 1971 roku w Günzburgu w Bawarii w Niemczech. Mówi się, że jej miłość do muzyki klasycznej i opery rozbudziła się w wieku 12 lat po obejrzeniu pięknego filmu-opery Franco Zeffirellego „La Traviata” (G. Verdi) z Placido Domingo i Teresą Strates w rolach głównych. W wieku 15 lat wystąpiła w musicalu „My Fair Lady” na festiwalu w sąsiednim Offingen. Edukację wokalną zdobyła w Wyższej Szkole Muzycznej w Würzburgu, gdzie uczyła ją rumuńska śpiewaczka Carmen Hanganu, w trakcie studiów studiowała również w Salzburgu u Hanny Ludwig i Edith Mathis. Po ukończeniu z wyróżnieniem konserwatorium w 1995 roku Diana Damrau związała się dwuletnim kontraktem z teatrem w Würzburgu, gdzie zadebiutowała zawodowo w teatrze w roli Elizy „Moja piękna dama” oraz debiutem operowym w partii Barbarina z „Wesela Figara”, następnie role Annie („Czarodziejski strzelec”), Małgosi („Jaś i Małgosia”), Marii („Car i stolarz”), Adele („Nietoperz”) , Valenciennes („Wesoła wdówka”) i inni. Potem były dwuletnie kontrakty z Teatrem Narodowym w Mannheim i Operą we Frankfurcie, gdzie grała role Gildy (Rigoletto), Oscara (Bal maskowy), Zerbinetty (Ariadna na Naxos), Olimpii (Opowieści Hoffmanna) i Królowe nocy („Czarodziejski flet”). W sezonie 1998/99 występowała jako Królowa Nocy gościnnie w Operach Państwowych w Berlinie, Dreźnie, Hamburgu, Frankfurcie oraz w Operze Bawarskiej jako Zerbinetta. W 2000 roku Diana Damrau po raz pierwszy wystąpiła poza granicami Niemiec w Operze Wiedeńskiej w roli Królowej Nocy. Od 2002 roku piosenkarka pracuje jako niezależna artystka w różnych teatrach, w tym samym roku zadebiutowała za granicą koncertem w USA, w Waszyngtonie. Od tego czasu pracowała na czołowych światowych scenach operowych, szczytami kształtowania się kariery Damrau są debiuty w Covent Garden (2003, Królowa Nocy), w 2004 w La Scali na wernisażu po renowacji teatru w tytułową rolę w operze Rozpoznana Europa Antonio Salieriego”, w 2005 w Metropolitan Opera (Zerbinetta, „Ariadne auf Naxos”), w 2006 na Festiwalu w Salzburgu, koncert plenerowy z Placido Domingo na Stadionie Olimpijskim w Monachium ku czci otwarcia mundialu latem 2006 roku. Repertuar operowy Diany Damrau jest bardzo różnorodny, pracuje zarówno w klasycznych rolach sopranowych w operach włoskich, francuskich i niemieckich, jak iw dziełach kompozytorów współczesnych, a na początku swojej kariery w musicalach i operetkach. Bagaż jej ról operowych sięga już prawie pięćdziesiątki, a oprócz wspomnianych wcześniej Marceline (Fidelio, Beethoven), Leila (Poszukiwacze pereł, Bizet), Norina (Don Pasquale, Donizetti), Adina (Napój miłosny, Donizetti ) , Lucia („Łucja z Lammermooru”, Donizetti), Rita („Rita”, Donizetti), Marguerite de Valois („Hugenoci”, Meyerbeer), Servilia („Miłosierdzie Tytusa”, Mozart), Konstancja i Blondynka („Porwanie z Seraju”, Mozart), Suzanne („Wesele Figara”, Mozart), Pamina („Czarodziejski flet”, Mozart), Rosina („Cyrulik sewilski”, Rossini), Zofia („Rycerz Róże”, Strauss), Adele („Nietoperz”, Strauss), Woglind („Złoto Renu” i „Zmierzch bogów”, Wagner) i wielu innych. Oprócz swoich osiągnięć w operze, Diana Damrau ugruntowała swoją pozycję jako jedna z najlepszych wykonawczyń koncertowych w repertuarze klasycznym. Wykonuje oratoria i pieśni Bacha, Haendla, Mozarta, Vincenza Righiniego, Beethovena, Roberta i Clary Schumannów, Meyerbeera, Brahmsa, Fauré, Mahlera, Richarda Straussa, Zemlinsky'ego, Debussy'ego, Orffa, Barbera, regularnie koncertuje w Filharmonii Berlińskiej, Carnegie Hall , Wigmore Hall, Golden Hall Filharmonii Wiedeńskiej, a także stałym gościem Schubertiady, Monachium, Salzburga i innych festiwali. Jej płyta z pieśniami Richarda Straussa (Poesie) z Filharmonią Monachijską została nagrodzona ECHO Klassik w 2011 roku. Diana Damrau mieszka w Genewie, w 2010 roku wyszła za mąż za francuskiego bas-barytona Nicolasa Teste, pod koniec tego samego roku Diana urodziła syna Aleksandra. Po urodzeniu dziecka piosenkarka wróciła na scenę i kontynuuje aktywną karierę. Zdjęcie: Tanja Niemann
Olga Vladimirovna Borodina – rosyjska śpiewaczka operowa, mezzosopran. Artysta Ludowy Rosji, laureat Nagrody Państwowej Federacji Rosyjskiej. Laureat nagrody Grammy 2011. Solista Teatru Maryjskiego. Olga Vladimirovna Borodina urodziła się 29 lipca 1963 roku w Petersburgu. Ojciec - Borodin Władimir Nikołajewicz (1938-1996). Matka - Borodina Galina Fiodorowna. Studiowała w Konserwatorium Leningradzkim w klasie Iriny Bogaczewej. W 1986 roku została zwyciężczynią I Ogólnorosyjskiego Konkursu Wokalnego, a rok później wzięła udział w XII Ogólnounijnym Konkursie Młodych Wokalistów im. M. I. Glinki i otrzymała pierwszą nagrodę. Od 1987 - w trupie Teatru Maryjskiego debiutem w teatrze była rola Siebela w operze Faust Charlesa Gounoda. Następnie na deskach Teatru Maryjskiego śpiewała partie Marfy w Chowańszczyźnie Musorgskiego, Lubaszy w Narzeczonej cara Rimskiego-Korsakowa, Olgi w Eugeniuszu Onieginie, Poliny i Miłowzora w Damie pikowej Czajkowskiego, Konczakowny w Księciu Igorze Borodina, Heleny Kuragina w Wojnie i pokoju Prokofiewa, Marina Mnishek w Borysie Godunowie Musorgskiego. Od początku lat 90. jest poszukiwany na scenach najlepszych teatrów świata - Metropolitan Opera, Covent Garden, San Francisco Opera, La Scala. Współpracowała z wieloma wybitnymi dyrygentami naszych czasów: oprócz Valery'ego Gergieva z Bernardem Haitinkiem, Colinem Davisem, Claudio Abbado, Nikolausem Harnoncourtem, Jamesem Levine'em. Olga Borodina jest laureatką wielu prestiżowych międzynarodowych konkursów. Wśród nich jest konkurs wokalny. Rosa Ponselle (Nowy Jork) i Francisco Viñas International Competition (Barcelona), zdobywając uznanie krytyków w Europie i Stanach Zjednoczonych. Międzynarodowa sława Olgi Borodiny rozpoczęła się także od jej debiutu w Royal Opera House, Covent Garden (Samson and Delilah, 1992), po którym piosenkarka zajęła należne jej miejsce wśród najwybitniejszych śpiewaczek naszych czasów i zaczęła pojawiać się na scenach wszystkich największych teatrów świata. Po debiucie w Covent Garden Olga Borodina wystąpiła na scenie tego teatru w przedstawieniach Kopciuszka, Potępienia Fausta, Borysa Godunowa i Khovanshchina. Po raz pierwszy występując w San Francisco Opera w 1995 roku (Kopciuszek), później wykonała na jej scenie partie Lyubashy (The Car's Bride), Delili (Samson and Delila) i Carmen (Carmen). W 1997 roku śpiewaczka zadebiutowała w Metropolitan Opera (Marina Mniszek, Borys Godunow), na scenie której śpiewa swoje najlepsze partie: Amneris w Aidzie, Polina w Damie pikowej, Carmen w operze o tym samym tytule. Bizeta, Izabela w „Włoszce w Algierze” i Delila w „Samsonie i Delili”. W przedstawieniu ostatniej opery, otwierającej sezon 1998-1999 w Metropolitan Opera, Olga Borodina wystąpiła razem z Plácido Domingo (dyrygent - James Levine). Olga Borodina występuje także na scenach Washington Opera House i Lyric Opera of Chicago. W 1999 roku po raz pierwszy wystąpiła w La Scali (Adrienne Lecouvrere), a później, w 2002 roku, wystąpiła na tej scenie w roli Delili (Samson i Delilah). W Operze Paryskiej śpiewa partie Carmen (Carmen), Eboli (Don Carlos) i Mariny Mnishek (Borys Godunow). Jej inne europejskie zaangażowanie to Carmen z London Symphony Orchestra i Colinem Davisem w Londynie, Aida w Operze Wiedeńskiej, Don Carlos w Operze Paryskiej Bastille i na Festiwalu w Salzburgu (gdzie zadebiutowała w 1997 roku w Borysie Godunowie), a także „Aidę” w Royal Opera House w Covent Garden. Olga Borodina regularnie bierze udział w programach koncertowych największych światowych orkiestr, w tym Metropolitan Opera Symphony Orchestra pod dyrekcją Jamesa Levine'a, Rotterdam Philharmonic Orchestra, Maryinsky Theatre Symphony Orchestra pod dyrekcją Valery'ego Gergieva i wielu innych zespołów. Jej repertuar koncertowy obejmuje partie mezzosopranowe w Requiem Verdiego, Śmierć Kleopatry i Romea i Julii Berlioza, kantaty Iwana Groźnego i Aleksandra Newskiego Prokofiewa, Stabat Mater Rossiniego, Pulcinella Strawińskiego oraz wokalny cykl Ravela „Szeherezada” i „Pieśni i tańce Śmierć” Musorgskiego. Olga Borodina występuje z programami kameralnymi w najlepszych salach koncertowych Europy i USA – Wigmore Hall i Barbican Centre (Londyn), wiedeńskim Konzerthaus, Madryckiej Narodowej Sali Koncertowej, Amsterdamskim Concertgebouw, Santa Cecilia Academy w Rzymie, Davis Hall (San Francisco), na festiwalach w Edynburgu i Ludwigsburgu, a także na scenach La Scali, Teatru Wielkiego w Genewie, Opery w Hamburgu, Teatru Champs-Elysées (Paryż) i Teatru Liceu (Barcelona) . W 2001 roku dała recital w Carnegie Hall (Nowy Jork) z akompaniatorem Jamesem Levine'em. W sezonie 2006-2007. Olga Borodina brała udział w wykonaniu Requiem Verdiego (Londyn, Rawenna i Rzym; dyrygent – Riccardo Muti) oraz koncertowym wykonaniu opery „Samson i Dalila” w Brukseli i na scenie amsterdamskiego Concertgebouw, a także wykonała Pieśni i Pieśni Musorgskiego Tańce Śmierci z Narodową Orkiestrą Francji. W sezonie 2007-2008. śpiewała Amneris (Aidę) w Metropolitan Opera i Delilah (Samson and Delilah) w San Francisco Opera House. Wśród osiągnięć sezonu 2008-2009. - występy w Metropolitan Opera ("Adrienne Lecouvreur" z Plácido Domingo i Marią Guleginą), Covent Garden (Requiem Verdiego, dyr. Antonio Pappano), Wiedniu ("Potępienie Fausta", dyr. Bertrand de Billi), Teatro Real ( „Potępienie Fausta”), a także udział w festiwalu w Saint-Denis (Requiem Verdiego, dyrygent – Riccardo Muti) oraz koncerty solowe w Lizbońskiej Fundacji Gulbenkiana i La Scali. Dyskografia Olgi Borodiny obejmuje ponad 20 nagrań, w tym opery „Carska Oblubienica”, „Książę Igor”, „Borys Godunow”, „Khovanshchina”, „Eugeniusz Oniegin”, „Dama pikowa”, „Wojna i pokój”, „Don Carlos”, „The Force of Destiny” i „La Traviata”, a także „Czuwanie” Rachmaninowa, „Pulcinella” Strawińskiego, „Romeo i Julia” Berlioza, nagrane z Valerym Gergievem, Bernardem Haitinkiem i Sir Colinem Daviesem (Philips Classics). Ponadto Philips Classics dokonał nagrań solowych śpiewaków, m.in. Romances Czajkowskiego (płyta, która zdobyła nagrodę dla najlepszego debiutanckiego nagrania roku 1994 od jury Cannes Classical Music Awards), Songs of Desire, Bolero, album arii operowych wraz z orkiestrą Walijskiej Opery Narodowej pod dyrekcją Carlo Rizziego oraz podwójny album „Portret Olgi Borodiny”, złożony z pieśni i arii. Inne nagrania Olgi Borodiny to Samson i Delilah z José Curą i Colinem Davisem (Erato), Requiem Verdiego z Chórem i Orkiestrą Teatru Maryjskiego pod dyr. z Orkiestrą Filharmonii Wiedeńskiej i Maestro Gergievem (Decca). Źródło: http://www.mariinsky.ru/
Galina Pavlovna Vishnevskaya (25 października 1926 - 11 grudnia 2012) - wielka rosyjska, radziecka śpiewaczka operowa (sopran liryczno-dramatyczny). Artysta Ludowy ZSRR. Komandor francuskiego Orderu Legii Honorowej, doktor honoris causa wielu uczelni. Galina Pavlovna Vishnevskaya urodziła się 25 października 1926 roku w Leningradzie (obecnie Sankt Petersburg), ale większość dzieciństwa spędziła w Kronsztadzie. Przeżyła blokadę Leningradu, w wieku szesnastu lat służyła w jednostkach obrony powietrznej. Jej działalność twórcza rozpoczęła się w 1944 roku jako solistka Leningradzkiego Teatru Operetki, a jej kariera na dużej scenie rozpoczęła się w latach pięćdziesiątych. W swoim pierwszym małżeństwie była żoną marynarza marynarki wojennej Georgija Wiszniewskiego, z którym rozwiodła się dwa miesiące później, ale zachowała jego nazwisko; w drugim małżeństwie - z dyrektorem teatru operetkowego Markiem Iljiczem Rubinem. W 1955 roku, cztery dni po ich poznaniu, po raz trzeci wyszła za mąż za słynnego później wiolonczelistę M.L. Rostropowicza, w zespole, z którym (M.L. Rostropowicz – najpierw jako pianista, a później dyrygent) występował w najbardziej prestiżowych salach koncertowych świata. W latach 1951–1952, po opuszczeniu teatru operetki, Wiszniewska pobierała lekcje śpiewu u V.N. Garina, łącząc klasyczne zajęcia wokalne z występami jako piosenkarka pop. W 1952 roku wzięła udział w konkursie na grupę stażystów Teatru Bolszoj, została przyjęta, mimo braku wykształcenia konserwatorskiego, i wkrótce (według figuratywnej wypowiedzi B.A. Pokrowskiego) stała się „kartą atutową Teatru Bolszoj deck”, czołowy solista głównej opery w kraju. W ciągu swojej 22-letniej kariery artystycznej w Teatrze Bolszoj (od 1952 do 1974) Galina Wiszniewska stworzyła wiele (ponad trzydzieści!) niezapomnianych kobiecych wizerunków w rosyjskich i zachodnioeuropejskich arcydziełach operowych. Po błyskotliwym debiucie w roli Tatiany w operze Eugeniusz Oniegin, wystąpiła w partiach Aidy i Violetty (Aida i Traviata Verdiego), Cio-Cio-san (Cio-Cio-san Pucciniego), Nataszy Rostowej („Wojna i pokój” Prokofiewa), Katarzyna („Poskromienie złośnicy” Szebalina, prapremiera, 1957), Lisa („Dama pikowa” Czajkowskiego), Kupawa („Śnieżna panna” Rimskiego- Korsakowa), Marty („Oblubienica cara” Rimskiego-Korsakowa) Korsakowa) i wielu innych. Wiszniewska brała udział w pierwszych inscenizacjach na rosyjskiej scenie opery Prokofiewa Hazardzista (1974 jako Polina), monoopery Poulenca Głos ludzki (1965). W 1966 roku zagrała główną rolę w operze filmowej „Katerina Izmailova” D.D. Szostakowicza (reż. Michaił Szapiro). Była pierwszą wykonawczynią wielu dedykowanych jej kompozycji D.D. Szostakowicza, B. Brittena i innych wybitnych kompozytorów współczesnych. Pod wrażeniem słuchania jej nagrania powstał wiersz Anny Achmatowej „Głos kobiety”. W czasach sowieckich Galina Wiszniewska wraz z mężem, znakomitym wiolonczelistą i dyrygentem Mścisławem Rostropowiczem, udzielała nieocenionego wsparcia wybitnemu rosyjskiemu pisarzowi i działaczowi na rzecz praw człowieka Aleksandrowi Sołżenicynowi, co stało się jedną z przyczyn nieustannej uwagi i presji ze strony tajne służby ZSRR. W 1974 r. Galina Wiszniewska i Mścisław Rostropowicz opuścili Związek Radziecki, aw 1978 r. zostali pozbawieni obywatelstwa, tytułów honorowych i odznaczeń rządowych. Ale w 1990 roku dekret Prezydium Rady Najwyższej został odwołany, Galina Pavlovna wróciła do Rosji, zwrócono jej honorowy tytuł Artysty Ludowego Związku Radzieckiego i Orderu Lenina, została honorowym profesorem Konserwatorium Moskiewskiego . Za granicą Rostropowicz i Wiszniewska mieszkali w Stanach Zjednoczonych, następnie we Francji i Wielkiej Brytanii. Galina Vishnevskaya śpiewała na wszystkich najważniejszych scenach świata (Covent Garden, Metropolitan Opera, Grand Opera, La Scala, Opera w Monachium itp.), występując z najwybitniejszymi mistrzami światowej kultury muzycznej i teatralnej. Zagrała partię Mariny w wyjątkowym nagraniu opery Borys Godunow (dyrygent Herbert von Karajan, soliści Gyaurov, Talvela, Spiess, Maslennikov), w 1989 roku zaśpiewała tę samą rolę w filmie pod tym samym tytułem (reż. A. Żuławski , dyrygent M. Rostropowicz). Wśród nagrań dokonanych w okresie przymusowej emigracji znajdują się pełna wersja opery S. Prokofiewa „Wojna i pokój”, pięć płyt z romansami rosyjskich kompozytorów M. Glinki, A. Dargomyżskiego, M. Musorgskiego, A. Borodina i P. Czajkowski. Całe życie i twórczość Galiny Wiszniewskiej nakierowane było na kontynuację i gloryfikację największych rosyjskich tradycji operowych. Po rozpoczęciu pierestrojki, w 1990 roku, Galina Wiszniewska i Mścisław Rostropowicz zostali przywróceni do obywatelstwa. Na początku lat 90. G. Vishnevskaya wróciła do Rosji i została honorowym profesorem Konserwatorium Moskiewskiego. Swoje życie opisała w książce „Galina” (wydana w języku angielskim w 1984 r., w języku rosyjskim - 1991 r.). Galina Vishnevskaya jest doktorem honoris causa wielu uczelni, od wielu lat pracuje z twórczą młodzieżą, prowadząc kursy mistrzowskie na całym świecie i zasiadając w jury najważniejszych międzynarodowych konkursów. W 2002 roku w Moskwie otwarto Centrum Śpiewu Operowego Galiny Wiszniewskiej, o którego stworzeniu od dawna marzył wielki śpiewak. W centrum przekazała swoje zgromadzone doświadczenie i unikalną wiedzę utalentowanym młodym śpiewakom, aby mogli odpowiednio reprezentować rosyjską szkołę operową na arenie międzynarodowej. Misyjny aspekt pracy Galiny Wiszniewskiej podkreślają największe federalne i regionalne środki masowego przekazu, szefowie teatrów i organizacji koncertowych oraz opinia publiczna. Galina Wiszniewska otrzymała najbardziej prestiżowe nagrody światowe za nieoceniony wkład w świat muzyki, liczne nagrody rządów różnych krajów: medal „Za obronę Leningradu” (1943), Order Lenina (1971), Order Lenina (1971), Diamentowy Medal Miasta Paryża (1977), Order Zasługi dla Ojczyzny III stopnia (1996), II stopnia (2006). Galina Vishnevskaya - Wielki Oficer Orderu Literatury i Sztuki (Francja, 1982), Kawaler Orderu Legii Honorowej (Francja, 1983), Honorowy Obywatel miasta Kronsztad (1996).
Ekaterina Shcherbachenko - rosyjska śpiewaczka operowa (sopran), solistka Teatru Bolszoj. Ekaterina Nikolaevna Shcherbachenko (z domu Telegina) urodziła się 31 stycznia 1977 r. W Riazaniu. W 1996 roku ukończyła Ryazan Musical College. G. i A. Pirogov, po otrzymaniu specjalności „dyrygent chóru”. W 2005 roku ukończyła Moskiewskie Państwowe Konserwatorium im. Czajkowskiego. P.I. Czajkowskiego (nauczyciel - prof. Marina Alekseeva) i tam kontynuowała studia podyplomowe. W pracowni operowej konserwatorium śpiewała partię Tatiany w operze "Eugeniusz Oniegin" P. Czajkowskiego oraz partię Mimi w operze "Cyganeria" G. Pucciniego. W 2005 roku była stażystką-solistą Zespołu Operowego Moskiewskiego Akademickiego Teatru Muzycznego. K. S. Stanisławski i VI Niemirowicz-Danczenko. W tym teatrze wykonywała partie Lidoczki w operetce „Moskwa, Czeromuszki” D. Szostakowicza oraz partię Fiordiligi w operze „Wszystkie kobiety tak robią” W. A. Mozarta. W 2005 roku w Teatrze Bolszoj wystąpiła jako Natasza Rostowa w premierze Wojny i pokoju S. Prokofiewa (druga wersja), po czym otrzymała zaproszenie do Teatru Bolszoj jako stały członek trupy operowej. Jej repertuar w Teatrze Bolszoj obejmował następujące role: Nataszy Rostowej („Wojna i pokój” S. Prokofiewa) Tatiany („Eugeniusz Oniegin” P. Czajkowskiego) Liu („Turandot” G. Pucciniego) Mimi („Cyganeria " G. Pucciniego) Mikaela ("Carmen" G. Bizeta) Jolanta ("Jolanthe" P. Czajkowskiego) W 2004 roku wykonała partię Lidoczki w operetce "Moskwa, Czeromuszki" w Operze w Lyonie (dyr. Aleksander Łazariew ). W 2007 roku w Danii brała udział w wykonaniu kantaty Rachmaninowa „Dzwony” z Narodową Orkiestrą Symfoniczną Radia Duńskiego (dyrygent Alexander Vedernikov). W 2008 roku śpiewała partię Tatiany w Cagliari Opera House (Włochy, dyrygent Michaił Jurowski, reżyserzy Moshe Leiser, Patrice Corrier, inscenizacja Teatru Maryjskiego). W 2003 roku otrzymała dyplom Międzynarodowego Konkursu „Nowe Głosy” w Gütersloh (Niemcy). W 2005 roku zdobyła III nagrodę na Międzynarodowym Konkursie Operowym w Shizuoka (Japonia). W 2006 - III nagroda Międzynarodowego Konkursu Wokalnego im. Francisco Viñas w Barcelonie (Hiszpania), gdzie otrzymała również nagrodę specjalną jako „Najlepszy wykonawca muzyki rosyjskiej”, nagrodę „Friends of the Opera Sabadell” oraz nagrodę Stowarzyszenia Muzycznego w Katanii (Sycylia). W 2009 roku wygrała konkurs BBC Singer of the World w Cardiff, a także otrzymała nagrodę Triumph Youth Grant Award.
Rita Streich (18 grudnia 1920 - 20 marca 1987) - jedna z najbardziej cenionych i nagrywanych niemieckich śpiewaczek operowych lat 40-60 XX wieku, sopran. Rita Streich urodziła się w Barnauł w Kraju Ałtajskim w Rosji. Jej ojciec Bruno Streich, kapral armii niemieckiej, dostał się do niewoli na frontach I wojny światowej i został otruty do Barnauł, gdzie poznał Rosjankę, przyszłą matkę słynnej piosenkarki Wiery Aleksiejewej. 18 grudnia 1920 r. Vera i Bruno mieli córkę Margaritę Shtreich. Wkrótce rząd sowiecki zezwolił niemieckim jeńcom na powrót do domu, a Bruno wraz z Verą i Małgorzatą wyjechał do Niemiec. Dzięki swojej rosyjskiej matce Rita Streich dobrze mówiła i śpiewała po rosyjsku, co bardzo przydało się jej w karierze, jednocześnie z powodu jej „nieczystego” niemieckiego na początku były pewne problemy z faszystowskim reżimem. Zdolności wokalne Rity zostały odkryte wcześnie, już w szkole podstawowej była czołową wykonawczynią szkolnych koncertów, na jednym z nich została zauważona i zabrana na studia do Berlina przez znakomitą niemiecką śpiewaczkę operową Ernę Berger. W różnych okresach jej nauczycielami byli także słynny tenor Willi Domgraf-Fasbender i sopranistka Maria Ifogyn. Debiut Rity Streich na scenie operowej miał miejsce w 1943 roku w mieście Ossig (Aussig, obecnie Usti nad Labem, Czechy) rolą Zerbinetty w operze Ariadne auf Naxos Richarda Straussa. W 1946 roku Rita zadebiutowała w Operze Berlińskiej w głównym trupie partią Olimpii w Opowieściach Hoffmanna Jacquesa Offebacha. Potem jej kariera sceniczna zaczęła się rozwijać, co trwało do 1974 roku. Rita Streich pozostała w Operze Berlińskiej do 1952 roku, potem przeniosła się do Austrii i spędziła prawie dwadzieścia lat na scenie Opery Wiedeńskiej. Tutaj wyszła za mąż iw 1956 roku urodziła syna. Rita Streich posiadała jasny sopran koloraturowy i z łatwością wykonywała najtrudniejsze partie w światowym repertuarze operowym, nazywano ją „niemieckim słowikiem” lub „słowikiem wiedeńskim”. W swojej długiej karierze Rita Streich występowała także w wielu światowych teatrach – miała kontrakty z La Scala i bawarskim radiem w Monachium, śpiewała w Covent Garden, Operze Paryskiej, a także w Rzymie, Wenecji, Nowym Jorku, Chicago, San Francisco, podróżował do Japonii, Australii i Nowej Zelandii, występował na festiwalach operowych w Salzburgu, Bayreuth i Glyndebourne. Jej repertuar obejmował niemal wszystkie znaczące partie operowe na sopran – dała się poznać jako najlepsza wykonawczyni ról Królowej Nocy w „Czarodziejskim flecie” Mozarta, Annchen w „Wolnym strzelcu” Webera i innych. W swoim repertuarze miała m.in. utwory kompozytorów rosyjskich, które wykonywała w języku rosyjskim. Uważana była również za znakomitą interpretatorkę repertuaru operetkowego oraz ludowych pieśni i romansów. Pracowała z najlepszymi orkiestrami i dyrygentami w Europie i nagrała 65 znaczących płyt. Po zakończeniu kariery Rita Streich od 1974 roku jest profesorem Akademii Muzycznej w Wiedniu, wykładała w szkole muzycznej w Essen, prowadziła kursy mistrzowskie i kierowała Centrum Rozwoju Sztuki Lirycznej w Nicei. Rita Streich zmarła 20 marca 1987 roku w Wiedniu i została pochowana na starym cmentarzu miejskim obok swojego ojca Bruno Streicha i matki Very Alekseevej.
Angela Gheorghiu (rum. Angela Gheorghiu) to rumuńska śpiewaczka operowa, sopran. Jedna z najsłynniejszych śpiewaczek operowych naszych czasów. Angela Georgiou (Burlacu) urodziła się 7 września 1965 roku w małym miasteczku Ajud w Rumunii. Od najmłodszych lat wiadomo było, że zostanie piosenkarką, jej przeznaczeniem była muzyka. Studiowała w szkole muzycznej w Bukareszcie i ukończyła Narodowy Uniwersytet Muzyczny w Bukareszcie. Jej profesjonalny debiut operowy miał miejsce w 1990 roku jako Mimi w Cyganerii Pucciniego w Cluj iw tym samym roku wygrała międzynarodowy konkurs wokalny im. Hansa Gabora Belvedere w Wiedniu. Nazwisko Georgiou pozostało z nią od pierwszego męża. Angela Georgiou zadebiutowała na arenie międzynarodowej w 1992 roku w Royal Opera House w Covent Garden w La Boheme. W tym samym roku zadebiutowała w nowojorskiej Metropolitan Opera oraz w Wiedeńskiej Operze Państwowej. W 1994 roku w Royal Opera House w Covent Garden po raz pierwszy zaśpiewała partię Violetty w Traviacie, w tym momencie nastąpiły „narodziny gwiazdy”, Angela Georgiou zaczęła odnosić nieustanne sukcesy na scenach operowych i sale koncertowe na całym świecie: w Nowym Jorku, Londynie, Paryżu, Salzburgu, Berlinie, Tokio, Rzymie, Seulu, Wenecji, Atenach, Monte Carlo, Chicago, Filadelfii, Sao Paulo, Los Angeles, Lizbonie, Walencji, Palermo, Amsterdamie, Kuala Lumpur, Zurych, Wiedeń, Salzburg, Madryt, Barcelona, Praga, Montreal, Moskwa, Tajpej, San Juan, Lublana. W 1994 roku poznała tenora Roberto Alagna, z którym wyszła za mąż w 1996 roku. Ceremonia ślubna odbyła się w Metropolitan Opera w Nowym Jorku. Para Alanya-Georgiou od dawna jest najjaśniejszym kreatywnym związkiem rodzinnym na scenie operowej, teraz są rozwiedzeni. Jej pierwszy ekskluzywny kontrakt płytowy podpisała w 1995 roku z firmą Decca, po czym wydawała kilka albumów rocznie, obecnie ma na swoim koncie około 50 albumów, zarówno inscenizowanych operowych, jak i koncertów solowych. Wszystkie jej płyty spotkały się z uznaniem krytyków i zdobyły wiele międzynarodowych nagród, w tym nagrodę magazynu Gramophone, niemiecką nagrodę Echo, francuski Diapason d’Or i Choc du Monde de la Musique i wiele innych. Dwukrotnie w 2001 i 2010 roku brytyjski „Classical BRIT Awards” przyznał jej tytuł „Najlepszej Wokalistki Roku”. Wachlarz ról Angeli Georgiou jest bardzo szeroki, szczególnie uwielbia opery Verdiego i Pucciniego. Z repertuarem włoskim, być może ze względu na względne podobieństwo języków rumuńskiego i włoskiego, radzi sobie znakomicie, niektórzy krytycy zauważają, że opery francuska, niemiecka, rosyjska i angielska są wykonywane słabiej. Najważniejsze role Angeli Gheorghiu: Bellini „Sleepwalker” – Amina Bizet „Carmen” – Michaela, Carmen Cilea „Adriana Lecouvreur” – Adriana Lecouvreur Donizetti „Łucja z Lammermoor” – Lucia Donizetti „Lucrezia Borgia” – Lucrezia Borgia Donizetti „Napój miłosny” " - Adina Gounod "Faust" - Marguerite Gounod "Romeo i Julia" - Julia Massenet "Manon" - Manon Massenet "Werther" - Charlotte Mozart "Don Giovanni" - Zerlina Leoncavallo "Pajacci" - Nedda Puccini "Jaskółka" - Magda Puccini "La Boheme" - Mimi Puccini "Gianni Schicchi" - Loretta Puccini "Tosca" - Tosca Puccini "Turandot" - Liu Verdi Troubadour - Leonora Verdi "La Traviata" - Violetta Verdi "Luise Miller" - Luisa Verdi "Simon Boccanegra" - Maria Angela Gheorghiu nadal aktywnie występuje i znajduje się na szczycie opery Olympus. Przyszłe zobowiązania obejmują różne koncerty w Europie, Ameryce i Azji, Tosca i Faust w Royal Opera House, Covent Garden.
Ekaterina Lyokhina to rosyjska śpiewaczka operowa i sopran. Ekaterina Lechina urodziła się 15 kwietnia 1979 roku w Samarze. Podczas nauki w szkole łączyła łyżwiarstwo figurowe i lekcje w szkole muzycznej nr 10 w Samarze. Bardziej lubiła łyżwiarstwo figurowe, ale jej rodzice, a nie sami muzycy, jej matka jest inżynierem, jej ojciec jest robotnikiem, nalegali na kontynuowanie nauki muzyki. Po ukończeniu szkoły muzycznej Ekaterina wstąpiła na wydział dyrygentury-chóru w D.G. Shatalov Music College, którą ukończyła z wyróżnieniem. W 1998 roku przeniosła się do Moskwy i kontynuowała naukę w Akademii Sztuk Chóralnych, gdzie również uzyskała tytuł magistra śpiewu operowego (klasa prof. S. Nesterenki). Po akademii przez krótki czas pracowała w Moskiewskiej Operze Nowej, przy drobnych przedstawieniach. Pierwszym sukcesem było zwycięstwo w petersburskim konkursie wokalnym w 2005 roku, co zostało zauważone i docenione przez europejskich ekspertów. Od tego czasu jest znacznie szerzej znana światowej publiczności niż rosyjskiej publiczności. W 2006 roku Ekaterina Lekhina zadebiutowała w wiedeńskiej Volksoper jako Madame Hertz w Reżyserze teatralnym Mozarta. Jej kolejną rolą w wiedeńskiej Volksoper była Królowa Nocy w Czarodziejskim flecie Mozarta, z tą rolą wystąpiła także w teatrze Gartnerplatz w Monachium, w dwóch berlińskich teatrach – German State Opera i Deutsche Oper, a także w teatrach Hanower, Düsseldorf, Treviso, Hongkong i Pekin. W 2007 roku Ekaterina Lekhina wygrała jeden z najbardziej prestiżowych międzynarodowych konkursów wokalnych - Operalia, który odbył się w tym roku w Paryżu. W finale konkursu doszło do małego incydentu - organizator konkursu, maestro Placido Domingo, nie pokazał orkiestrze wstępu i zakończenia arii Lakme, Ekaterina śpiewała w kompletnej ciszy. Podczas wręczania głównej nagrody dyrygent tłumaczył: „Rozumiecie, podsłuchałem i dlatego nie miałem czasu pokazać wstępu orkiestrze”. W 2008 roku Lechina zadebiutowała w Royal Opera House w Covent Garden rolą Olimpii z Opowieści Hoffmanna, co przyniosło jej uznanie krytyków i wielki sukces. W 2011 roku Ekaterina Lekhina otrzymała prestiżową nagrodę Grammy od American Recording Academy w nominacji do najlepszego nagrania operowego. Ekaterina zagrała główną rolę - księżniczkę w operze "Miłość z daleka" fińskiego kompozytora Kaya Saari-Aho. Dyrygent Kent Nagano, Niemiecka Orkiestra Symfoniczna Berlina, Chór Radia Berlińskiego, soliści - Daniel Belcher i Marie-Ange Todorovic. Obecnie piosenkarka pracuje na kontraktach w różnych teatrach na całym świecie.
Joyce DiDonato to amerykańska mezzosopranistka i mezzosopranistka. Uważany za jednego z czołowych mezzosopranistów naszych czasów i najlepszego interpretatora dzieł Gioacchino Rossiniego. Joyce DiDonato (z domu Joyce Flaherty) urodziła się 13 lutego 1969 roku w miejscowości Prair Village w stanie Kansas w USA w rodzinie o irlandzkich korzeniach, była szóstym z siedmiorga dzieci. Jej ojciec był liderem miejscowego chóru kościelnego, Joyce w nim śpiewała i marzył o zostaniu gwiazdą Broadwayu. W 1988 roku wstąpiła na Wichita State University, gdzie studiowała śpiew. Po Joyce University DiDonato zdecydowała się kontynuować edukację muzyczną iw 1992 roku wstąpiła do Akademii Sztuk Wokalnych w Filadelfii. Po akademii przez kilka lat brała udział w programach szkoleniowych „Młody Artysta” w różnych zespołach operowych: w 1995 roku – w „Santa Fe Opera”, gdzie odbyła praktyki muzyczne i zadebiutowała na dużej scenie operowej, ale do tej pory w mniejszych rolach w operach „Wesele Figara” W. A. Mozarta, „Salome” R. Straussa, „Hrabina Maritza” I. Kalmana; od 1996 do 1998 - w Houston Grand Opera i został uznany za najlepszego „początkującego artystę”; latem 1997 - w Operze w San Francisco w programie szkoleniowym „Merola Opera”. Podczas studiów i pierwszych praktyk Joyce DiDonato brała udział w kilku znanych konkursach wokalnych. W 1996 roku zajęła drugie miejsce w konkursie Eleanor McCollum w Houston i wygrała okręgowe przesłuchanie konkursu Metropolitan Opera. W 1997 roku zdobyła nagrodę Williama Sullivana. W 1998 roku zajęła II miejsce w konkursie Placido Domingo Operalia w Hamburgu oraz I miejsce w konkursie George London. W kolejnych latach otrzymała jeszcze wiele różnych nagród i wyróżnień. Joyce DiDonato rozpoczęła swoją karierę zawodową w 1998 roku w kilku regionalnych zespołach operowych w Stanach Zjednoczonych, przede wszystkim w Houston Grand Opera. A szerokiej publiczności dała się poznać dzięki występowi w telewizyjnej światowej premierze opery Marca Adamo „Mała kobietka”. W sezonie 2000-2001. DiDonato zadebiutowała w Europie, zaczynając od razu w La Scali jako Angelina w Kopciuszku Rossiniego. W następnym sezonie rozszerzyła swoją ekspozycję na europejską publiczność, występując w Operze Holenderskiej jako Sesta Haendla „Juliusz Cezar”, w Operze Paryskiej jako Rozyna w Cyruliku sewilskim Rossiniego oraz w Bawarskiej Operze Narodowej jako Cherubin w Weselu Mazarta Figaro oraz w programach koncertowych „Chwała” Vivaldiego z Riccardo Mutim i Orkiestrą La Scali oraz „Sen nocy letniej” F. Mendelssohna w Paryżu. W tym samym sezonie zadebiutowała w USA w Washington State Opera jako Dorabella w All Women Do It Mozarta. W tym czasie Joyce DiDonato stała się już prawdziwą gwiazdą operową o światowej sławie, kochaną przez publiczność i chwaloną przez prasę. Jej dalsza kariera tylko poszerzyła geografię koncertowania i otworzyła drzwi do nowych teatrów operowych i festiwali - Covent Garden (2002), Metropolitan Opera (2005), Bastille Opera (2002), Royal Theatre w Madrycie, New National Theatre w Tokio, Wiedniu Opera i inne.Joyce DiDonato zgromadził bogatą kolekcję różnych muzycznych nagród i wyróżnień. Jak mówią krytycy, jest to prawdopodobnie jedna z najbardziej udanych i płynnych karier we współczesnym świecie operowym. I nawet wypadek, który wydarzył się na scenie Covent Garden 7 lipca 2009 roku podczas występu "Cyrulika sewilskiego", kiedy Joyce DiDonato poślizgnęła się na scenie i złamała nogę, nie przerwał tego występu, który zakończyła o kulach , ani kolejnych zaplanowanych występów, po których poruszała się na wózku inwalidzkim, ku uciesze publiczności. To „legendarne” wydarzenie zostało uwiecznione na płycie DVD. Joyce DiDonato rozpoczęła sezon 2010-2011 od debiutu na festiwalu w Salzburgu jako Adalgiz w Normie Belinniego z Editą Gruberovą jako Normą, a następnie wystąpiła z programem koncertowym na festiwalu w Edynburgu. Jesienią wystąpiła w Berlinie jako Rozyna w Cyruliku sewilskim, aw Madrycie jako Oktawian w Kawalerze róży. Rok zakończył się kolejną nagrodą, pierwszą od Niemieckiej Akademii Nagraniowej „Echo Classic (ECHO Klassik)”, która przyznała Joyce DiDonato tytuł „Najlepszej Wokalistki 2010”. Kolejne dwie nagrody przypadły angielskiemu magazynowi muzyki klasycznej „Gramophone”, który przyznał jej tytuł „Najlepszej Artystki Roku” i uznał jej płytę z ariami Rossiniego za najlepszy „Recital Roku”. Kontynuując sezon w USA, wystąpiła w Houston, a następnie z solowym koncertem w Carnegie Hall. Metropolitan Opera przywitała ją w dwóch rolach – pazi Isolier w „Hrabie Ori” Rossiniego oraz kompozytora w „Ariadnie na Naxos” R. Straussa. Zakończyła sezon w Europie trasami koncertowymi w Baden-Baden, Paryżu, Londynie i Walencji. Strona internetowa piosenkarki prezentuje bogaty harmonogram jej przyszłych występów, w tym zestawieniu tylko na pierwszą połowę 2012 roku znajduje się około czterdziestu występów w Europie i Ameryce. Joyce DiDonato jest obecnie żoną włoskiego dyrygenta Leonardo Vordoni, z którym mieszka w Kansas City, Missouri, USA. Joyce nadal używa nazwiska swojego pierwszego męża, którego poślubiła zaraz po studiach.
Montserrat Caballe (pełne imię i nazwisko: Maria de Montserrat Viviana Concepcion Caballe i Folch) to hiszpańska katalońska śpiewaczka operowa, sopran, znana z techniki bel canto oraz interpretacji wykonań ról w klasycznych operach włoskich Rossiniego, Belliniego i Donizettiego Montserrat Caballé urodziła się w Barcelonie 12 kwietnia 1933 roku. Przez 12 lat studiowała w Wyższym Konserwatorium Muzycznym Liceum w Barcelonie, które ukończyła ze złotym medalem w 1954 roku. W 1957 roku zadebiutowała na scenie operowej jako Mimi w od 1960 do 1961 śpiewała w Operze w Bremie, gdzie znacznie poszerzyła swój repertuar. W 1962 wróciła do Barcelony i zadebiutowała w Arabelli Richarda Straussa. W 1964 poślubiła Bernaba Marty'ego. w Nowym Jorku w Carnegie. Hall, kiedy została zmuszona do zastąpienia chorej Marilyn Horne i zagrania roli w Lukrecji Borgii Donizettiego. Jej rola miała mniej niż miesiąc. Jej występ stał się sensacją w świecie opery, publiczność biła brawo przez 25 minut. Następnego dnia New York Times ukazał się z nagłówkiem: „Callas + Tebaldi = Caballe”. W tym samym roku Caballe zadebiutowała na scenie w Glyndebourne w The Knight of the Rose, a wkrótce potem w Metropolitan Opera jako Marguerite w Fauście. Od tego czasu jej sława nigdy nie przygasła - otwarte były dla niej najlepsze sceny operowe świata - Nowy Jork, Londyn, Mediolan, Berlin, Moskwa, Rzym, Paryż. We wrześniu 1974 roku przeszła poważną operację i zachorowała na raka żołądka. Wyzdrowiała i wróciła na scenę na początku 1975 roku. Swój 99. i ostatni występ wykonała w Metropolitan Opera 22 stycznia 1988 r. Jako Mimi w Cyganerii Pucciniego u boku Luciano Pavarottiego (Rodolfo). W 1988 roku wraz z wokalistą Queen, Freddiem Mercurym, nagrała album „Barcelona”, którego główny utwór o tym samym tytule stał się super hitem na początku lat 90. i zajął pierwsze miejsce na europejskich listach przebojów. Ten singiel stał się hymnem Letnich Igrzysk Olimpijskich 1992. Po śmierci Freddiego Mercury'ego na nagraniu słychać jego głos, a Montserrat Caballe odmawia zaśpiewania tej piosenki w duecie z innymi piosenkarzami. Do niedawna prowadzi aktywny tryb życia i nie widać oznak zmęczenia, zarówno twórczego, jak i towarzyskiego. Caballe poświęciła się pracy charytatywnej, jest Ambasadorem Dobrej Woli UNESCO i stworzyła fundusz pomocy dzieciom.
Kiri Janet Te Kanawa to nowozelandzka śpiewaczka operowa i sopran liryczny. Jedna z czołowych śpiewaczek operowych naszych czasów, o ciepłym, pięknym głosie i bardzo szerokim repertuarze ról operowych w różnych językach. Kiri Te Kanawa (ur. Claire Mary Teresa Rostron) 6 marca 1944 w Gisborne w Nowej Zelandii, córka Irlandki i ojca Maorysa, ale niewiele wiadomo o jej rodzicach jako Jako dziecko została adoptowana przez rodzinę Te Kanawa, jej przybranymi rodzicami byli również Maorysi i Irlandczycy. Otrzymała wykształcenie ogólne i muzyczne w Auckland i już jako nastolatka i młodość była popularną piosenkarką w klubach w Nowej Zelandii. W tym samym czasie zebrała wszystkie znaczące nagrody muzyczne w Australii i Nowej Zelandii w 1963 roku, zajęła drugie miejsce w konkursie „Mobil (Lexus) Song Quest”, pierwsze miejsce w tym czasie zajął inny znany śpiewak operowy z Nowego Zelandia, Malwina Major. Sama Kiri Te Kanawa wygrała ten sam konkurs w 1965 roku z arią „Vissi d'arte” z „Toski” Pucciniego. W tym samym roku bez przesłuchania dostała się do Centre for Opera Singing w Londynie, nauczyciele zauważyli zarówno jej talent, jak i początkowy brak warsztatu wokalnego.Debiut na scenie operowej miał miejsce w 1968 roku jako druga dama w Czarodziejskim flecie Mozarta w londyńskim Teatrze „Sadler Wells”, zaraz po nim role w Dydonie i Eneaszu Purcella oraz tytułowa w operze Donizettiego Anna Boleyn. po moje uszy, zrobiłam tysiąc przesłuchań i to był fantastycznie piękny głos." Royal Opera House, Covent Garden podpisała trzyletni kontrakt z Kiri Te Kanawa i jej pierwsze występy na deskach tego teatru miały miejsce w roli Xenii w "Borysie Godunie ove” i kwiaciarkę w „Parsifalu” w 1970 roku. Te Kanawa nadal starannie przygotowywała się do roli Hrabiny, której premiera miała odbyć się w Covet Garden w grudniu 1971 roku, ale wcześniej miała miejsce występ na Santa Fe Opera Festival (Nowy Meksyk, USA), gdzie wypróbowała tę rolę , wraz z nią na tym samym festiwalu wystąpiła amerykańska piosenkarka Frederica von Stade, później prasa odnotowała ich występ: „…było dwóch debiutantów, którzy olśnili publiczność…wszyscy od razu zorientowali się, że to były dwa znaleziska i historia potwierdziła ich wydajność." Ci dwaj piosenkarze zaprzyjaźnili się na wiele lat. 1 grudnia 1971 roku w Covent Garden Kiri Te Kanawa powtórzyła swój występ w Santa Fe i wywołała międzynarodową sensację. Tego dnia otrzymała status niekwestionowanej gwiazdy opery i stała się jedną z najsłynniejszych sopranistek świata, występując na czołowych scenach operowych świata – Covent Garden, Metropolitan Opera (debiut 1974), Opery Paryskiej (1975) , Sydney Opera House (1978), Vienna State Opera (1980), La Scala (1978), Chicago Lyric Opera, San Francisco, Bavarian i wielu innych. Jej bohaterki obejmują ogromny repertuar sopranowy, a wśród nich - trzy główne role Richarda Straussa - Arabelli z "Arabelli", Marchalszy, księżnej Marii Teresy von Werdenberg z "Kawalera róży" i Hrabiny z "Capriccio"; Fiordiligi Mozarta z All Women Do It, Donna Elvira z Don Giovanniego, Pamina z Czarodziejskiego fletu i oczywiście Hrabina Almaviva z Wesela Figara; Violetta Verdiego z „Triaviatty”, Amelia Boccanegra z „Simon Boccanegra”, Desdemona z „Ottello”; od Pucciniego - Tosca, Mimi i Manon Lescaut; Carmen Bizet, Tatiana Czajkowski, Rosalind Johann Strauss i wielu innych. Na estradach koncertowych jej wokalne piękno i klarowność łączyły się z czołowymi światowymi orkiestrami symfonicznymi z Londynu, Chicago, Los Angeles pod batutą takich dyrygentów jak Claudio Abbado, Colin Davis, Charles Duthoit, Georg Solti i inni. Stała się stałą uczestniczką międzynarodowych festiwali operowych - w Glideborn, Salzburgu, Weronie. W ciągu swojej długiej kariery twórczej Kiri Te Kanawa wydała około osiemdziesięciu płyt z muzyką operową i koncertową – arie koncertowe Mozarta, Cztery ostatnie pieśni Straussa, Niemieckie Requiem Brahmsa, Mesjasz Haendla i inne, a także albumy z muzyką popularną i piosenkami ludu Maorysów, takie jak hołd dla jego ludu. Niektóre z jej płyt zostały nagrodzone nagrodami Grammy. Ostatni album „Kiri Sings Karl” ukazał się w 2006 roku. W jej karierze miały miejsce dwa znaczące wydarzenia, których powtórzenie dla śpiewaczki operowej jest prawie niemożliwe. W 1981 roku wystąpiła jako solistka na ślubie księcia Karola i księżnej Diany w katedrze św. Pawła w Londynie. Telewizyjna transmisja na żywo z tego wydarzenia przyciągnęła ponad 600 milionów widzów. Druga płyta - w 1990 roku dała otwarty koncert w Auckland, na jej solowy występ przyszło 140 tysięcy widzów. Teraz jej działalność poza sceną związana jest z funduszem, który stworzyła na wsparcie i pomoc finansową dla młodych śpiewaków i muzyków. Kiri Te Kanawa została uhonorowana wieloma odznaczeniami i nagrodami za swoje zasługi dla rozwoju sztuki, z których najwyższe to Dame Commander of the Order of the British Empire (1982), Companion of the Order of Australia (1990), Order of New Zelandia (1995). Otrzymała również honorowe stopnie naukowe z Cambridge, Oksfordu, Chicago, Nottingham i innych uniwersytetów. W ostatnich latach występy Kiri Te Kanawy na scenie operowej i w salach koncertowych stały się rzadkością, ale nie ogłosiła jeszcze wycofania się ze sceny, choć sądzono, że jej ostatni występ odbędzie się w kwietniu 2010 roku, ale nadal występuje .
Teatr Maryjski to teatr operowy i baletowy w Sankt Petersburgu w Rosji. Otwarty w 1860 r. wybitny rosyjski teatr muzyczny. Na jego scenie odbywały się prawykonania arcydzieł Czajkowskiego, Musorgskiego, Rimskiego-Korsakowa i wielu innych kompozytorów. Teatr Maryjski jest siedzibą zespołów operowych i baletowych oraz Orkiestry Symfonicznej Teatru Maryjskiego. Dyrektor artystyczny i główny dyrygent Valery Gergiev. W ciągu ponad dwóch wieków swojej historii Teatr Maryjski dał światu wielu znakomitych artystów: służył tu wybitny bas, założyciel rosyjskiej szkoły operowej Osip Pietrow, tak wielcy śpiewacy jak Fiodor Szalapin, Iwan Erszow, Medea i Nikolai Figner doskonalili swoje umiejętności i osiągnęli wyżyny chwały. , Sofia Preobrazhenskaya. Tancerze baletowi błyszczeli na scenie: Matilda Kshesinskaya, Anna Pavlova, Vatslav Niżynsky, Galina Ulanova, Rudolf Nureyev, Michaił Barysznikow, George Balanchine rozpoczęli swoją przygodę ze sztuką. Teatr był świadkiem rozkwitu talentu znakomitych dekoratorów, takich jak Konstanty Korowin, Aleksander Gołowin, Aleksander Benois, Szymon Wirsaładze, Fiodor Fiodorowski. I wielu, wielu innych. Od dawna jest zwyczajem, że Teatr Maryjski śledzi swój rodowód, licząc stulecie od 1783 roku, kiedy to 12 lipca wydano dekret zatwierdzający komitet teatralny „do kierowania spektaklami i muzyką”, a 5 października Teatr Bolszoj Kamenny na Placu Karuzeli został uroczyście otwarty. Teatr nadał placowi nową nazwę – przetrwał on do dziś jako Teatralnaja. Zbudowany według projektu Antonia Rinaldiego Teatr Bolszoj zadziwiał swoją wielkością, majestatyczną architekturą i sceną wyposażoną w najnowocześniejszą technikę teatralną tamtych czasów. Na jego otwarciu wystawiono operę Giovanniego Paisiello Il Mondo della luna („Świat Księżyca”). Występował tu zespół rosyjski na przemian z włoskim i francuskim, wystawiano przedstawienia dramatyczne, organizowano też koncerty wokalne i instrumentalne. Budowano Petersburg, jego wygląd ciągle się zmieniał. W latach 1802-1803 Thomas de Thomon, genialny architekt i rysownik, dokonał gruntownej reorganizacji układu wnętrz i dekoracji teatru, zauważalnie zmienił jego wygląd i proporcje. Nowy, ceremonialny i odświętny wygląd Teatru Bolszoj stał się jednym z architektonicznych zabytków stolicy Newy, wraz z Admiralicją, Giełdą Papierów Wartościowych i Soborem Kazańskim. Jednak w nocy 1 stycznia 1811 roku w Teatrze Bolszoj wybuchł ogromny pożar. Przez dwa dni w pożarze zniszczeniu uległo bogate wyposażenie wnętrz teatru, a jego fasada została poważnie uszkodzona. Thomas de Thomon, który opracował projekt przywrócenia ukochanego pomysłu, nie doczekał jego realizacji. 3 lutego 1818 r. Ponownie otwarty Teatr Bolszoj został ponownie otwarty prologiem „Apollo i Pallas na północy” oraz baletem Charlesa Didelota „Zefir i Flora” do muzyki kompozytora Katarino Cavos. Zbliżamy się do „złotego wieku” Teatru Bolszoj. W repertuarze epoki „po pożarze” znajdują się Czarodziejski flet, Uprowadzenie z Seraju, Miłosierdzie Tytusa Mozarta. Rosyjską publiczność zachwyca Kopciuszek, Semiramida, Sroka złodziejka i Cyrulik sewilski Rossiniego. W maju 1824 roku miała miejsce premiera „Wolnego strzelca” Webera – dzieła, które tak wiele znaczyło dla narodzin rosyjskiej opery romantycznej. Grane są wodewile Alyabyeva i Verstovsky'ego; jedną z najbardziej ukochanych i repertuarowych oper jest Ivan Susanin Kavosa, która trafiła aż do pojawienia się opery Glinki na tej samej działce. Legendarna postać Charlesa Didelota związana jest z narodzinami światowej sławy rosyjskiego baletu. To właśnie w tych latach Puszkin był bywalcem petersburskiego Bolszoj, ujmując teatr w nieśmiertelne wiersze. W 1836 roku architekt Alberto Cavos – syn kompozytora i kapelmistrza – w celu poprawy akustyki wymienił kopulasty strop sali teatralnej na płaski, a nad nim umieszczono pracownię plastyczną i salę do dekoracji. Alberto Cavos usuwa z widowni kolumny, które zasłaniały widok i zakłócały akustykę, nadaje sali zwykły kształt podkowy, zwiększa jej długość i wysokość, zwiększając liczbę widzów do dwóch tysięcy. 27 listopada 1836 r. wznowiono występy odbudowanego teatru prawykonaniem opery Glinki Życie za cara. Przypadkowo i być może nie bez dobrych intencji premiera drugiej opery Glinki Rusłan i Ludmiła odbyła się dokładnie sześć lat później, 27 listopada 1842 roku. Te dwie daty wystarczyłyby, aby petersburski Teatr Bolszoj na zawsze zapisał się w historii rosyjskiej kultury. Ale oczywiście były też arcydzieła muzyki europejskiej: opery Mozarta, Rossiniego, Belliniego, Donizettiego, Verdiego, Meyerbeera, Gounoda, Auberta, Thomasa ... Z czasem występy rosyjskiej trupy operowej zostały przeniesione na scenę Teatru Aleksandryńskiego i tzw. Teatru Cyrkowego, znajdującego się naprzeciwko Teatru Bolszoj (gdzie kontynuowano występy trupy baletowej, a także włoskiej opery). Kiedy Teatr Cyrkowy spłonął w 1859 roku, nowy teatr został zbudowany na jego miejscu przez tego samego architekta Alberto Cavosa. To on otrzymał imię Maryjski na cześć panującej cesarzowej Marii Aleksandrownej, żony Aleksandra II. Pierwszy sezon teatralny w nowym budynku rozpoczął się 2 października 1860 operą Życie dla cara Glinki pod batutą głównego kapelmistrza Opery Rosyjskiej Konstantego Ladowa, ojca przyszłego słynnego kompozytora Anatolija Ladowa. Teatr Maryjski umocnił i rozwinął wielkie tradycje pierwszej rosyjskiej sceny muzycznej. Wraz z pojawieniem się w 1863 roku Eduarda Napravnika, który zastąpił Konstantina Lyadova na stanowisku głównego kapelmistrza, rozpoczął się najwspanialszy okres w historii teatru. Pół wieku podarowane przez Napravnika Teatrowi Maryjskiemu upłynęło pod znakiem premier najważniejszych oper w historii muzyki rosyjskiej. By wymienić tylko kilka z nich - Borys Godunow Musorgskiego, Panna Pskowa, Noc majowa, Śnieżynka Rimskiego-Korsakowa, Książę Igor Borodina, Dziewica Orleańska, Czarodziejka, Dama pikowa, Iolanthe » Czajkowski, „Demon » Rubinstein, «Oresteja» Tanejew. Na początku XX wieku repertuar Teatru Opery Wagnera (m.in. tetralogia „Pierścień Nibelungów”), „Elektra” Richarda Straussa, „Legenda o niewidzialnym mieście Kiteż” Rimskiego-Korsakowa, „Khovanshchina” Musorgskiego. Marius Petipa, który w 1869 roku kierował trupą baletową teatru, kontynuował tradycje swoich poprzedników Julesa Perrota i Arthura Saint-Leona. Petipa gorliwie konserwował takie klasyczne przedstawienia, jak Giselle, Esmeralda, Le Corsaire, poddając je jedynie starannej edycji. Wystawiona przez niego La Bayadère po raz pierwszy wniosła powiew wielkiej kompozycji choreograficznej na scenę baletową, w której „taniec stał się jak muzyka”. Szczęśliwe spotkanie Petipy i Czajkowskiego, który twierdził, że „balet to ta sama symfonia”, zaowocowało narodzinami Śpiącej królewny, prawdziwego poematu muzyczno-choreograficznego. W społeczności Petipy i Lwa Iwanowa powstała choreografia Dziadka do orzechów. Już po śmierci Czajkowskiego Jezioro łabędzie znalazło drugie życie na scenie Teatru Maryjskiego - i ponownie we wspólnej choreografii Petipy i Iwanowa. Petipa umocnił swoją reputację choreografa i symfonika, inscenizując balet Raymonda Głazunowa. Jego nowatorskie pomysły podchwycił młody Michaił Fokin, który wystawiał w Teatrze Maryjskim Pawilon Armidy Czerepnina, Łabędź Saint-Saensa, Chopiniana do muzyki Chopina, a także balety powstałe w Paryżu - Szeherezada do muzyki Chopina Rimskiego-Korsakowa, Ognistego ptaka i Pietruszki Strawińskiego. Teatr Maryjski był kilkakrotnie przebudowywany. W 1885 roku, kiedy większość przedstawień przeniesiono na scenę Maryjskiego przed zamknięciem Teatru Bolszoj, Wiktor Schreter, główny architekt teatrów cesarskich, dobudował do lewego skrzydła budynku trzykondygnacyjny budynek dla teatru warsztaty, sale prób, elektrownię i kotłownię. W 1894 r. pod kierownictwem Schroetera wymieniono drewniane krokwie na stalowe i żelbetowe, dobudowano skrzydła boczne i powiększono foyer dla widzów. Zrekonstruowano także główną fasadę, która uzyskała monumentalne formy. W 1886 r. przedstawienia baletowe, które do tej pory odbywały się w Teatrze Wielkim Kamieńnym, zostały przeniesione do Teatru Maryjskiego. A na miejscu Bolszoj Kamieńny wzniesiono budynek Konserwatorium Petersburskiego. Dekretem rządu z 9 listopada 1917 r. Teatr Maryjski został ogłoszony Teatrem Państwowym i przekazany pod jurysdykcję Ludowego Komisariatu Oświaty. W 1920 roku zaczęto go nazywać Państwowym Akademickim Teatrem Opery i Baletu (GATOB), a od 1935 roku nosił imię S. M. Kirowa. Obok klasyków ubiegłego stulecia na teatralnych scenach pojawiły się w latach 20. i na początku 30. współczesne opery - Miłość do trzech pomarańczy Siergieja Prokofiewa, Wozzeck Albana Berga, Salome i Kawaler róży Richarda Straussa; rodzą się balety afirmujące nowy, popularny od dziesięcioleci kierunek choreograficzny, tzw. balet dramatyczny - Czerwony mak Reinholda Gliere'a, Płomienie Paryża i Fontanna Bakczysaraju Borysa Asafiewa, Laurencia Aleksandra Crane'a, Romeo i Julia Siergieja Prokofiew itp. Ostatnią przedwojenną premierą operową w Teatrze Kirowa był Lohengrin Wagnera, którego drugie przedstawienie zakończyło się późnym wieczorem 21 czerwca 1941 r., ale przedstawienia zaplanowane na 24 i 27 czerwca zastąpił Ivan Susanin. W czasie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej teatr został ewakuowany do Permu, gdzie odbyły się premiery kilku przedstawień, w tym premiera baletu Gajane Arama Chaczaturiana. Po powrocie do Leningradu teatr otworzył sezon 1 września 1944 operą Glinki Iwan Susanin. W latach 50-70. teatr wystawiał takie słynne balety jak Szurale Farida Yarullina, Spartakus Arama Chaczaturiana i Dwunastu Borysa Tiszczenki w choreografii Leonida Jakobsona, Kamienny kwiat Siergieja Prokofiewa i Legenda miłości Arifa Melikova w choreografii Jurija Grigorowicza, Symfonia Leningradzka Dmitrija Szostakowicza w choreografii Igora Belskiego, wraz z inscenizacjami nowych baletów, w repertuarze teatru pieczołowicie zachowano klasykę baletu. Opery Prokofiewa, Dzierżyńskiego, Szaporina, Chrennikowa pojawiły się w repertuarze operowym obok Czajkowskiego, Rimskiego-Korsakowa, Musorgskiego, Verdiego, Bizeta. W latach 1968-1970. Przeprowadzono generalną przebudowę teatru według projektu Salome Gelfer, w wyniku której lewe skrzydło budynku zostało „rozciągnięte” i uzyskało obecną formę. Ważnym etapem w historii teatru w latach 80. była inscenizacja oper Czajkowskiego „Eugeniusz Oniegin” i „Dama pikowa”, zrealizowana przez Jurija Temirkanowa, który kierował teatrem w 1976 roku. W tych przedstawieniach, które do dziś zachowały się w repertuarze teatru, zadeklarowało się nowe pokolenie twórców. W 1988 roku głównym dyrygentem teatru został Valery Gergiev. 16 stycznia 1992 teatrowi przywrócono historyczną nazwę – Teatr Maryjski. A w 2006 roku trupa i orkiestra teatru otrzymała do swojej dyspozycji Salę koncertową zbudowaną z inicjatywy dyrektora artystycznego-dyrektora Teatru Maryjskiego Walerija Giergijewa przy ulicy Dekabristowa 37. Źródło: Teatr Maryjski
Baszkirski Państwowy Teatr Opery i Baletu Baszkirski Państwowy Teatr Opery i Baletu (Ufa, Baszkiria, Rosja) został otwarty w 1938 roku. 14 grudnia 1938 r. odbyła się premiera opery Giovanniego Paisiello Piękna młynarka (w języku baszkirskim). Baszkirskie Studio Operowe powstało w 1932 roku z inicjatywy śpiewaka, kompozytora, osoby publicznej G. Almuchametowa w celu szkolenia narodowego personelu artystycznego i kompozytorskiego republiki. W ciągu pierwszych dwóch lat Teatr Opery Baszkirskiej dał 13 premier, teatr odwiedziło ponad pół miliona widzów. Na plakacie znalazły się utwory klasyków rosyjskich i zagranicznych, opery kompozytorów radzieckich: Tajne małżeństwo Cimarosy, Faust Gounoda, Rigoletto Verdiego, Eugeniusz Oniegin Czajkowskiego, Arshin Mal Alan U. Gadzhibekova, założyciela azerbejdżańskiej szkoły narodowej im. kompozytorów, oper „Er Targyn” kazachskiego kompozytora E. Brusiłowskiego i „Kachkyn” tatarskiego kompozytora N. Żiganowa i innych. 8 lutego 1940 r. Na scenie teatru odbyła się premiera pierwszej baszkirskiej opery „Khak-mar” M. Valeeva, a kilka miesięcy później, w grudniu, opery „Mergen” A. Eikhenvald został wystawiony. W pierwszych latach absolwenci wydziału baszkirskiego w Leningradzkiej Szkole Choreograficznej, wydziału baletu Baszkirskiej Szkoły Teatralnej oraz grupa tancerzy z zespołu tańca ludowego pracowali w trupie baletowej teatru we wczesnych latach. Wśród pierwszych absolwentów słynnej szkoły Vaganova byli Z. Nasretdinova, Kh. Safiullin, T. Chudaiberdina, F. Sattarov, F. Yusupov, G. Khafizova, R. Derbisheva. Pierwsza produkcja baletowa teatru - "Coppelia" L. Delibesa miała miejsce w 1940 roku. Podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej Kijowski Państwowy Teatr Opery i Baletu. T. Szewczenki, który miał wielki wpływ na proces powstawania opery baszkirskiej. W trupie, która przybyła do Ufy, znaleźli się słynny dyrygent operowy W. Jorisz, reżyserzy N. Smolich i jego syn D. Smolich, znani śpiewacy M. Litwinienko-Wolgemut, I. Patorżyński, Z. Gaidai, K. Łaptiew, A. Iwanow , młody L. Rudenko, I. Maslennikova. W marcu 1944 r. Odbyła się premiera pierwszego baletu baszkirskiego „Pieśń żurawia” L. Stiepanowa i Z. Ismagilowa. Po wojnie dyrektorem artystycznym i dyrektorem teatru został G. Chabibullin; Przedstawienia prowadzili H. Fayzullin, L. Insarov, H. Khammatov. Pracowali tu artyści G. Imasheva i M. Arslanov. W teatrze wyrosła cała plejada utalentowanych wykonawców. Wraz ze starszym pokoleniem śpiewaków - G. Khabibullin, B. Valeeva, M. Khismatullin, M. Saligaskarova z powodzeniem występowali także z młodszymi wykonawcami: Kh. Mazitov, Z. Makhmutov, N. Abdeev, N. Byzina, I. Ivashkov, S. Galimova, N. Allayarova i inni. Ścieżka baszkirskiego baletu jest nierozerwalnie związana z nazwiskami Z. Nasretdinova, T. Khudaiberdina, G. Suleymanova, F. Nafikova, M. Tagirova, Kh. Safiullina, F. Sattarov. Nazwisko wybitnego tancerza XX wieku Rudolfa Nurejewa jest nierozerwalnie związane z historią Baszkirskiego Państwowego Teatru Opery i Baletu. Przez cztery lata studiował w studiu baletowym w teatrze (nauczyciele Zaytuna Bakhtiyarova i Khalyaf Safiullin). W 1953 roku Nureyev został przyjęty do trupy baletowej teatru. Na tej scenie stawiał pierwsze kroki w kierunku światowej kariery baletowej. W roli Djigita w balecie Crane Song Rudolf Nureyev zwrócił na siebie uwagę specjalistów podczas słynnej Dekady Sztuki Baszkirskiej w Moskwie w 1955 roku i został zaproszony na studia do Leningradzkiej Szkoły Choreograficznej. Od 1991 roku w Ufie corocznie odbywają się festiwale sztuki operowej „Wieczory Chaliapina w Ufie” z udziałem gwiazd operowych teatrów rosyjskich i zagranicznych. Idea festiwalu związana była z operowym debiutem Fiodora Chaliapina w Ufie 18 grudnia 1890 roku (partia Stolnika w Kamyczkach Moniuszki). W ramach festiwalu Artyści Ludowi ZSRR Irina Arkhipova, Vladislav Piavko i Maria Biesu, artyści z Łotwy, Gruzji, Niemiec, soliści Teatru Bolszoj i Maryjskiego, a także teatrów muzycznych Saratowa, Samary, Permu i innych miasta występowały na scenie Baszkirskiego Państwowego Teatru Opery i Baletu Rosja. W grudniu 2001 roku odbył się jubileuszowy, dziesiąty festiwal. Został otwarty premierą La Traviata Verdiego w języku włoskim. Od marca 1993 roku odbywają się festiwale baletowe imienia Rudolfa Nurejewa. Pierwszy festiwal zorganizowano na wniosek honorowego przewodniczącego komitetu tańca Międzynarodowego Instytutu Teatralnego przy UNESCO, członka Paryskiej Akademii Tańca, Bohatera Pracy Socjalistycznej, Artysty Ludowego ZSRR i Republiki Białoruś Jurija Grigorowicza oraz odbyło się z udziałem jego trupy „Grigorowicz-balet”. W 1993 roku muzeum teatralne zostało otwarte z okazji 55-lecia Baszkirskiego Państwowego Teatru Opery i Baletu. Znajduje się w dwóch salach pierwszego piętra teatru, na lewo od centralnej klatki schodowej. Można tu znaleźć rekwizyty i rzeczy osobiste znanych artystów, nagrody zespołu, szkice scenografii i kostiumów teatralnych, fotografie i plakaty do spektakli z lat 30-70. Dumą muzeum jest Sala Ermitażu, znajdująca się na drugim piętrze. Od 2008 r. istnieje ekspozycja rzeczy osobistych Rudolfa Nurejewa. 156 artefaktów z życia i twórczości genialnego tancerza XX wieku to dar dla teatru od Międzynarodowej Fundacji im. R. Nurejewa (Wielka Brytania). W 2004 roku opera Zagira Ismagilova Kahym-Turya zdobyła Złotą Maskę Teatru Narodowego w nominacji dla najlepszego dyrygenta. W 2006 roku spektakl „Czarodziejski flet” W.-A. Mozarta w reżyserii W. Schwartza był nominowany w trzech kategoriach. „Złota maska” - „Za wsparcie narodowej sztuki teatralnej” - została wręczona Prezydentowi Republiki Baszkortostanu M.G. Rachimowowi. W 2007 roku opera Un ballo in maskera Giuseppe Verdiego była nominowana do nagrody w pięciu kategoriach. W 2008 roku Artysta Ludowy ZSRR Zaytuna Nasretdinova otrzymał Nagrodę Złotej Maski w nominacji „Za honor i godność”. Za jej wybitny wkład w osiągnięcia kulturalne Rada Międzynarodowego Centrum Biograficznego (Cambridge, Wielka Brytania) przyznała Zaytunie Nasretdinovej honorowy tytuł „International Professional”. W 2007 roku redakcja i rada twórcza magazynu Balet przyznała jej nagrodę Dusza Tańca w kategorii Mistrz Tańca. W 2008 roku Shamil Teregulov, Honorowy Artysta Rosji, Artysta Ludowy Baszkortostanu, otrzymał nagrodę Soul of Dance w nominacji Knight of Dance. W 2006 roku teatr otrzymał Nagrodę Rządu Rosji F. Volkova w nominacji „Najlepszy zespół kreatywny”. Został on zaprezentowany na VII Międzynarodowym Festiwalu Wołkowskim w Jarosławiu, który otworzył balet „Arkaim” L. Ismagilovej. W 2008 roku orkiestra symfoniczna z powodzeniem koncertowała w Korei Południowej i otrzymała wysoką nagrodę - kopię Korony I Cesarza Korei. W 2009 roku została otwarta Mała Sala teatru. W nowym miejscu już trwają nowe spektakle: „Napój miłosny” G. Donizettiego, „Bachanalia” C. Saint-Saensa, „Noc Walpurgii” C. Gounoda, „Urodziny kota Leopolda” B. Savelyeva. Twórcze zasady, ukształtowane przez siedem dekad, żyją i rozwijają się. Szacunek dla tradycji przekazywanych przez poprzednie pokolenia, doświadczenie, ciągłe doskonalenie umiejętności, umacnianie profesjonalizmu. Kluczem do sukcesu teatru są wysoce profesjonalne zespoły kreatywne. Artyści BGTOiB to laureaci, dyplomaci konkursów republikańskich, rosyjskich i międzynarodowych, zdobywcy nagród państwowych i republikańskich. Mistrzom sceny przyznano tytuły honorowe, w tym 1 Artysta Ludowy Federacji Rosyjskiej, 7 - Zasłużony Artysta Federacji Rosyjskiej, 4 - Zasłużony Artysta Federacji Rosyjskiej, 15 - Artysta Ludowy Republiki Białoruś, 50 - Zasłużony Artysta Republika Białoruś, 4 - Honorowi Artyści Republiki Białoruś. Tak jak poprzednio, zespół koncentruje się na wystawianiu najlepszych próbek zagranicznej i krajowej klasyki, w scenicznym wcieleniu, w którym reżyserom i wykonawcom udaje się osiągnąć prawdziwe mistrzostwo.
Nowosybirski Teatr Opery i Baletu (Nowosybirski Państwowy Akademicki Teatr Opery i Baletu, NGATOiB) jest największym teatrem na Syberii, ma status Federalnej Państwowej Instytucji Kultury. Liczba miejsc (sala duża) - 1762 miejsca. Budynek Nowosybirskiego Teatru jest uważany za największy budynek teatralny w Rosji, a po odbudowie w 2005 roku - za najnowocześniejszy. Duża sala teatru przeznaczona jest dla 1774 widzów. Projekt tego budynku (zgodnie z oryginalnym projektem artysty Teatru Bolszoj ZSRR M.I. Kurilko, architekta-artysty T.Ya. Bardta, architekta A.Z. Grinberga) rozpoczął się w 1928 r., Budowa - w 1931 r. Początkowo teatr był pomyślany w stylu konstruktywistycznym, ale wraz ze zmianą wytycznych stylistycznych w latach 1933-35, projekt został radykalnie zmieniony, a budowniczych teatru w 1937 roku represjonowano. Ostateczny projekt teatru został opracowany pod kierunkiem V.S. Birkenberg i inżynier projektant L.M. Gokhman. Projekt budynku został nagrodzony Złotym Medalem Wystawy Światowej w Paryżu (1937). W latach wojny niedokończony budynek teatru służył jako miejsce produkcji i magazyn ewakuowanych kosztowności muzealnych. Otwarcie teatru miało miejsce 12 maja 1945 operą M. Glinki Iwan Susanin. 30 grudnia 1963 roku teatr otrzymał status akademicki (pierwszy teatr akademicki na prowincji rosyjskiej). W ciągu ponad 50 lat istnienia teatru wystawiono ponad 350 spektakli operowych i baletowych. Teatr jest wielokrotnym laureatem festiwalu Złote Maski, brał udział w festiwalach w Makau (1996, 1999), Santander (Hiszpania, 1995), Bangkoku (Tajlandia, 2000, 2004), Sintrze (Portugalia, 1992, 1993, 1994, 1995 , 1996, 1997, 1999) i innych miastach świata.
Jekaterynburski Państwowy Akademicki Teatr Opery i Baletu to teatr operowy i baletowy w Jekaterynburgu w Rosji. Po raz pierwszy trupa operowa pojawiła się w Jekaterynburgu w sezonie 1879-1880: przywiózł ją słynny rosyjski przedsiębiorca P. M. Miedwiediew. W przyszłości przedsięwzięcia operowe powtarzały się więcej niż raz, aw latach 70. XIX wieku przedstawiciele miejscowej inteligencji zorganizowali Koło Muzyczne w Jekaterynburgu. Od 1907 roku przedsiębiorstwa operowe w Jekaterynburgu stały się coroczne. W 1912 r. na placu Wood Square (obecnie Plac Komuny Paryskiej) w miejscu istniejącego od 1896 r. Teatr Miejski (w czasach sowieckich Akademicki Teatr Opery i Baletu im. AV Łunaczarskiego) został zaprojektowany przez cywilnego architekta Piatigorska Władimira Nikołajewicza Siemionowa, podobnie jak znane opery w Wiedniu i Odessie. W 1904 roku, w wieku trzydziestu lat, Siemionow wygrał konkurs na stworzenie projektu Teatru Opery i Baletu w Jekaterynburgu, którego budowę zakończono w 1912 roku. Teatr otworzyła opera Michaiła Iwanowicza Glinki Życie dla cara (09.02.10.12.1912). Pierwszy główny dyrygent - S. Barbini. Inscenizacja Czarodziejskiego fletu Ricardo Drigo (1914) rozpoczęła annały baletu. Po rewolucji październikowej teatr został otwarty w 1919 roku. W 1922 roku powstał zespół baletowy, którego prawykonaniem była Coppélia Delibesa. Od 1924 r. - Państwowy Teatr Opery imienia A.V. Łunaczarskiego. W latach 1925-26 naczelnym reżyserem został słynny śpiewak i reżyser operowy Aleksander Iwanowicz Uluchanow, wystawił opery Opowieść o carze Saltanie i Werterze. Od 1931 roku teatr ma nową nazwę - Teatr Opery i Baletu w Swierdłowsku. AV Łunaczarski. W 1962 roku teatr został odznaczony Orderem Czerwonego Sztandaru Pracy, a od 1966 roku stał się teatrem akademickim. W latach 1981-82 przeprowadzono znaczną przebudowę budynku, którą zakończono do 26 grudnia 1982 roku. W latach 1983-1985 pod kierunkiem architekta i artysty Georgy Shishkina (autora projektu) prowadzono prace nad stworzeniem muzeum teatru: wnętrza i wystawy stałej, w tym oryginalnych konstrukcji przestrzenno-konsolowych z eksponatami , dwa duże malowidła ścienne oraz galerię portretów solistów teatru wykonanych przez tego artystę. Bogate tradycje prywatnych przedsiębiorstw, zespołów objazdowych i miejskich kół muzycznych sprawiły, że teatr szybko zyskał zaufanie i sławę. W czasach sowieckich nazywano go „laboratorium radzieckiej opery”, a często plakat pojawiał się na plakacie „Prawo pierwszej produkcji należy do teatru”. W czasach sowieckich pracowali tu wybitni rzemieślnicy. W Jekaterynburgu swoją karierę rozpoczęli później znani śpiewacy - Artyści Ludowi ZSRR: I. Kozlovsky, S. Lemeshev, I. Arkhipova, B. Shtokolov. Teatr otrzymał dwukrotnie Nagrodę Państwową ZSRR: w 1946 r. (Nagrodę Stalina) pierwszą z peryferyjnych za wystawienie opery Otello iw 1987 r. za sceniczne narodziny opery V. Kobekina Prorok. Trasy koncertowe trupy - ponad sto miast ZSRR, udział w wielu festiwalach teatralnych, w tym zagranicznych. W latach 90. teatr przeżywał kryzys. W 2006 roku, wraz z pojawieniem się nowego dyrektora, teatr doczekał się drugich narodzin. Dyrektorem muzycznym teatru jest Siergiej Stadler. Kierowana przez niego orkiestra teatralna to profesjonalny zespół, w skład którego wchodzą wybitni artyści Rosji, laureaci ogólnorosyjskich i międzynarodowych konkursów. Teatr nawiązał kontakty kulturalne i twórcze z Włochami, Niemcami, USA, Anglią, Koreą itd. Na jego scenie często występują wybitni aktorzy gościnni, odbywają się międzynarodowe festiwale muzyczne. Informacje ze strony internetowej teatru http://www.uralopera.ru/ W rzeczywistości historia teatru w Jekaterynburgu zaczęła się na długo przed położeniem pierwszej cegły w fundamentach tego luksusowego budynku. W latach siedemdziesiątych XIX wieku na scenie pierwszego teatru miejskiego (obecnie kino „Coliseum”) gościły pierwszorzędne metropolitalne przedsięwzięcia operowe. Po ukończeniu znakomitej szkoły audiencyjnej miejscowi miłośnicy tego gatunku zorganizowali w 1874 r. jedyne w kraju koło muzyczne, według prasy początku wieku, gdzie na własną rękę powstawały luksusowe inscenizacje operowe, najbardziej ożyły złożone partytury muzyczne. Drżąca miłość i cześć do opery skłoniły wówczas władze miasta do zastanowienia się nad budową własnej opery. W 1912 roku Teatr Nowy Miejski rozpoczął swój pierwszy sezon operą Michaiła Iwanowicza Glinki Życie dla cara (dyrygent S. Barbini, reż. A. Altszuller). Pierwsze przedstawienie baletowe („Czarodziejski flet” R. Drigo, choreografa F. Trojanowskiego) datuje się na 1914 rok (choć nazwa „Teatr Opery i Baletu” pojawiła się dopiero w 1931 roku). Bogate tradycje prywatnych przedsiębiorstw, zespołów objazdowych i miejskich kół muzycznych sprawiły, że teatr szybko zyskał zaufanie i sławę. Dekadę później wśród teatrów peryferyjnych młodego państwa sowieckiego zaczęto wymieniać Jekaterynburg (wówczas Swierdłowsk). Od połowy lat dwudziestych Opera w Swierdłowsku zyskuje sławę i sławę jako jedna z najlepszych w kraju, przede wszystkim dzięki stałej obecności utalentowanych muzyków i wykonawców w trupie. Przez cały czas pracowali tu znakomici rzemieślnicy. Śpiewacy Sergei Lemeshev, Ivan Kozlovsky, bracia Pirogov, dyrygent Ary Pazovsky, reżyserzy Vladimir Lossky i Leonid Baratov rozpoczęli karierę w Jekaterynburgu. „Szkoła personelu” - taką definicję przypisano zespołowi, który nie uniknął losu wszystkich prowincjonalnych rosyjskich teatrów, aby stać się żłobkiem młodych talentów. Nie licz „strat”: artyści operowi Irina Arkhipova, Boris Shtokolov, Yuri Gulyaev, Evgenia Altukhova, tancerze baletowi Nina Mlodzinskaya, Vladimir Preobrazhensky, Alexander Tomsky, Nina Menovshchikova. Wśród kolejnych „strat” są dyrygenci Kirill Tichonow, jeden z założycieli Opery Helikon i Jewgienij Kolobow, założyciel Opery Nowaja; dyrektor naczelny i artystyczny opery w Moskiewskim Teatrze Muzycznym. K.S.Stanislavsky i Vl.I.Nemirovich-Danchenko Alexander Titel; światowe gwiazdy Vladimir Ognovenko i Galina Gorchakova; solista Teatru Bolszoj Andriej Grigoriew; solista „Helikon-Opera” Andrey Vylegzhanin; piosenkarka Elena Voznesenskaya, solistka Baletu Rosyjskiego Marina Bogdanova i wielu, wielu innych... Szczyt entuzjazmu jekaterynburskiej publiczności związany był najpierw z nazwiskiem utalentowanego dyrygenta Jewgienija Kolobowa, a następnie z twórczym tandemem dyrygenta Jewgienija Brazhnik i reżyser Alexander Titel. Jewgienij Kolobow spędził najszczęśliwsze lata swojej biografii w Jekaterynburskim Teatrze Opery i Baletu, lata pełne prawdziwej kreatywności, której rezultaty na długo zapamiętają miłośnicy opery i profesjonalni muzycy, którzy mieli szczęście być świadkami i współpracownikami -twórcy takich wydarzeń muzycznych jak inscenizacje operowe "Piotr I" Andrieja Pietrowa (dyrygent E. Kolobow, reż. Stein, artysta I. Sewastyanow). Spektakle Borysa Godunowa Modesta Musorgskiego (dyrygent Brazhnik, reżyser A. Titel, artysta E. Heidebrecht), Prorok Władimira Kobekina (dyrygent Brazhnik, reżyser A. Titel, artyści E. Heidebrecht i Y. Ustinov), Opowieści Hoffmanna Jacques Offenbach ( dyrygent Brazhnik, reżyser A. Titel, artysta V. Leventhal) były najlepiej stworzone przez związek Aleksandra Titela i Jewgienija Brazhnika. Przez wiele lat ustalali termin „zjawisko swierdłowskie”. W ostatnich latach Jekaterynburski Teatr Opery i Baletu udowodnił, że może stawiać sobie różnorodne zadania twórcze i osiągać wysokiej jakości wyniki. Opery Eugeniusz Oniegin, Mazepa, Jolanta, Aleko P. Czajkowskiego, „Narzeczona cara” N. Rimskiego-Korsakowa, „Książę Igor” A. Borodina, „Czarodziejski flet” W. A. Mozarta, „Il Trovatore”, „La Traviata”, „Rigoletto”, „Falstaff” "G. Verdiego, "Madame Butterfly", "Cyganeria" G. Pucciniego, "Córka pułku" G. Donizettiego, "Cyrulik sewilski" G. Rossiniego, "Mała Syrenka" A. Dvoraka, balety „Jezioro łabędzie”, „Dziadek do orzechów” P. Czajkowskiego, „Szeherezada” N. Rimskiego-Korsakowa, „Stworzenie świata” A. Pietrowa, „Tysiąc i jedna noc” F. Amirowa, „Don Kichot” L. Minkusa, „Wielki walc” I. Straussa. Czas ciągle coś zmienia w teatrze. Każdy teatralny sezon przynosi nowe zwycięstwa i osiągnięcia, rodzi nowe projekty i inscenizacje. Wśród najnowszych premier teatralnych są Snow Maiden N.A. Rimskiego-Korsakowa (dyrygent Vello Pyachn, reżyser Alexei Stepanyuk, scenograf Igor Ivanov, chórmistrz Elvira Gaifullina), La Traviata G. Verdiego (dyrygent reżyser Aleksiej Ludmilin, reżyser Alexei Stepanyuk, scenografia wykonana pod kierunkiem Ravila Akhmetzyanova, kostiumograf Natalia Stepanova), Corsa A. Adama (choreograf Jean-Guillaume Bart, dyrygent Michael Güttler, scenograf Elena Khailova), „Tosca” G. Pucciniego (dyrygent-producent Michael Güttler, reżyser-producent Irkin Gabitov, scenograf Michaił Kuriłko-Ryumin), ludowy dramat muzyczny „Khovanshchina” M.P. Musorgskiego (dyrygent-producent Siergiej Stadler, reżyser-reżyser Borys Morozow, scenograf Igor Iwanow, mistrz chóru Valery Kopanev) , Madama Butterfly G. Pucciniego (dyrygent sceniczny Michaił Granowski, reżyser Aleksiej Stepanyuk, chudy scenograf Dmitrij Czerbadzi, dyrygent chóru Walerij Kopaniew), Kamienny kwiat S. Prokofiewa (choreograf Andriej Pietrow, dyrygent Siergiej Stadler, scenograf Stanislav Benediktov, kostiumograf Olga Polyanskaya), Dama pikowa P. Czajkowski (dyrygent sceniczny Michaił Granowski, reżyser Aleksiej Stepanyuk, scenograf Igor Iwanow, dyrygenci chóru Elwira Gaifullina, choreograf Galina Kaloshina), A. Adam „Giselle” (wersja sceniczna i inscenizacja - Artysta Ludowy ZSRR, laureat Nagrody Państwowej ZSRR Ludmiła Semenyaka, reżyser - Honorowy Artysta Rosja Aleksiej Ludmilin, scenograf - Artysta Ludowy Rosji, laureat Państwowej Nagrody Rosji Stanisław Benediktow, kostiumograf - Artysta Ludowy ZSRR, laureat Nagrody Państwowej ZSRR Ludmiła Semenyaka), V . A. Mozart „Wesele Figara” (dyrygent Fabio Mastrangelo, reżyser - Czczony Artysta Rosji Irkin Gabitow, scenograf - Czczony Artysta Rosji Wiaczesław Okunev, projektant oświetlenia - Czczony Artysta Rosji Damir Ismagiłow, chórmistrz - Czczony Artysta Rosji Valery Kopanev, choreograf Alexandra Tikhomirova), P. Bulbul oglu „Miłość i śmierć” (choreograf - Honorowy Robotnik Artystyczny Rosji Nadieżda Malygina, dyrygent Fabio Mastrangelo, scenograf - Honorowy Artysta Rosji, laureat Nagrody Państwowej ZSRR Igor Iwanow).
Opera de Lille (Opera de Lille, Francja) została zbudowana w latach 1907-1913. i oficjalnie otwarty w 1923 roku. W 1903 roku w pożarze spłonął stary budynek Opery w Lille. Konkurs na najlepszy projekt nowego teatru wygrał architekt Louis-Marie Cordonnier, inspirowany architekturą Opery Garnier w Paryżu i teatrów włoskich. Budynek Opéra de Lille został zbudowany w stylu neoklasycystycznym. Fronton przedstawia patrona sztuki Apolla w otoczeniu muz, rzeźby wykonał Hippolyte Lefebvre. Po lewej stronie grupy znajduje się alegoryczne przedstawienie Muzyki Amedeo Cordonniera, a po prawej rzeźba „Tragedia” autorstwa Hectora Lemaire'a. Wewnętrzna klatka schodowa jest w bogatym stylu Ludwika XIV. Ogromna hala „włoska” (jedna z ostatnich zbudowanych we Francji) może pomieścić ponad 1000 widzów. Na początku I wojny światowej, w lipcu 1914 roku, niedokończony jeszcze budynek teatru został zajęty przez wojska niemieckie. W ciągu czterech lat okupacji w teatrze odbyło się około stu przedstawień. Po wojnie budynek odrestaurowano, w 1923 roku odbyła się w nim „francuska premiera”. W 1998 roku stan teatru wymagał awaryjnego zamknięcia w połowie sezonu. Remont przerodził się w ambitny projekt poprawy funkcjonalności opery. Odbudowę przeprowadzili architekci Patrice Nerink i Pierre-Louis Carlier. Projekt ten zakończono pod koniec 2003 roku, aw 2004 roku Lille zostało ogłoszone Europejską Stolicą Kultury.
La Scala (po włosku: Teatro alla Scala lub La Scala) to znana na całym świecie opera w Mediolanie (Włochy). Wszystkie czołowe gwiazdy operowe ostatnich dwóch i pół wieku uważały za zaszczyt występować w La Scali. Teatr La Scala jest siedzibą zespołu operowego o tej samej nazwie, chóru, baletu i orkiestry symfonicznej. Jest także związany z Akademią Teatralną La Scala, która oferuje profesjonalne szkolenia z zakresu muzyki, tańca i zarządzania sceną. W holu teatru znajduje się muzeum, w którym prezentowane są obrazy, rzeźby, kostiumy i inne dokumenty związane z historią opery i teatru. Budynek teatru został wzniesiony dekretem cesarzowej Austrii Marii Teresy według projektu architekta Giuseppe Piermariniego w latach 1776-1778. na miejscu kościoła Santa Maria della Scala, od którego wzięła się nazwa samego teatru. Kościół z kolei swoją nazwę otrzymał w 1381 roku od patronki – przedstawicielki rodu władców Werony o imieniu Scala (Scaliger) – Beatrice della Scala (Regina della Scala). Teatr został otwarty 3 sierpnia 1778 r. wystawieniem opery Uznana Europa Antonio Salieriego. Na przełomie XVIII i XIX w. w repertuarze teatru pojawiły się opery kompozytorów włoskich: P. Anfossiego, P. Guglielmiego, D. Cimarosy, L. Cherubiniego, G. Paisiello, S. Mairy. opery G. Rossiniego Kamień probierczy (1812), Aurelian w Palmyrze (1813), Turek we Włoszech (1814), Sroka złodziejka (1817) i inne (w jednej z nich Caroline Unger zadebiutowała we Włoszech), a także opery J. Meyerbeera Małgorzata Anjou (1820), Wygnanie z Grenady (1822) oraz szereg dzieł Saverio Mercadante. Począwszy od lat 30. XIX w. w repertuarze teatru pojawiały się dzieła G. Donizettiego, V. Belliniego, G. Verdiego, G. Pucciniego, po raz pierwszy wystawiano tu „Pirata” Belliniego (1827) i „Norma” (1831) czas, "Lucrezia Borgia" (1833) Donizetti, "Oberto" (1839), "Nabucco" (1842), "Otello" (1887) i "Falstaff" (1893) Verdiego, "Madama Butterfly" (1904) i " Turandot” Pucciniego. W czasie II wojny światowej teatr uległ zniszczeniu. Po przywróceniu pierwotnego wyglądu przez inżyniera L. Secchiego, teatr został ponownie otwarty w 1946 roku. Budynek teatru był wielokrotnie odnawiany. Ostatnia renowacja trwała trzy lata i kosztowała ponad 61 milionów euro. Pierwszym utworem wystawionym na wyremontowanej scenie 7 grudnia 2004 roku była opera Antonio Salieriego Uznana Europa. Liczba miejsc siedzących wynosi 2030, czyli znacznie mniej niż przed ostatnią renowacją, liczba miejsc siedzących została zmniejszona ze względu na bezpieczeństwo przeciwpożarowe i zwiększenie komfortu. Tradycyjnie nowy sezon w La Scali rozpoczyna się zimą – 7 grudnia (co jest ewenementem na tle innych teatrów świata) w dzień św. Ambrożego, patrona Mediolanu, a kończy w listopadzie. A każde przedstawienie musi kończyć się przed północą, jeśli opera jest bardzo długa, to zaczyna się wcześnie.
Państwowy Kameralny Teatr Muzyczny „St. Petersburg Opera” to opera w Sankt Petersburgu w Rosji. Teatr mieści się w małej, ale bardzo przytulnej posiadłości barona von Derviz. Kameralny Teatr Muzyczny został założony w 1987 roku w Leningradzie przez czołowego dyrektora muzycznego Rosji, który zasłynął jako innowator sztuki operowej, Zasłużony Artysta Rosji, laureat Państwowej Nagrody Teatralnej „Złota Maska”, „Złota Podsufitka”, Artysta Rosji JURIJ ALEKSANDROW. Laboratorium twórcze Opery Petersburskiej, zgodnie z pierwotnym zamysłem reżysera, z czasem przekształciło się w profesjonalny Teatr Państwowy, dobrze znany nie tylko w naszym kraju, ale także daleko poza rosyjskim teatrem operowym. Mimo swojej młodości teatr ma już bogatą biografię twórczą. Od dwudziestu trzech sezonów Teatr Kameralny tworzy jeden twórczy organizm z unikalnym, autorskim programem. W skład trupy teatralnej wchodzą utalentowani soliści i muzycy, z których wielu to Honorowi Artyści Rosji, laureaci i studenci międzynarodowych i ogólnorosyjskich konkursów. Repertuar Opery Petersburskiej prezentuje całą paletę gatunków sztuki operowej – od opery komicznej, opery buff po dramaty muzyczne, w tym opery współczesnych autorów: „Gra Robina i Marion” Adama de la Alle, „Sokół Bortniańskiego, „Biała róża” Zimmermanna, „Wierzę” Piguzowa, „Pies plamisty biegnący brzegiem morza”, „Piąta podróż Krzysztofa Kolumba” Smelkowa, „Dzwon”, „Rita” Donizettiego , „Eugeniusz Oniegin” Czajkowskiego, „Borys Godunow” Musorgskiego (w 1996 nominowany do Państwowej Nagrody Teatralnej „Złota Maska”), „Gracze – 1942” Szostakowicza (w 1997 otrzymał Najwyższą Nagrodę Teatralną im. Św. „Złota maska”), „Rigoletto” Verdiego (w 1998 nominowany do Narodowej Nagrody Teatralnej „Złota Maska”), „Pieśń o miłości i śmierci” Corneta Christopha Rilkego” Mattusa (w 1999 nagrodzony Narodową Nagrodą Teatralną „Złota Maska”) maska” w nominacji „Najlepsze przedstawienie operowe”), „Dama pikowa” Czajkowskiego (w 2000 nominowana do Narodowej Nagrody Teatralnej „Złota Maska”), „Piękna Elena” Offenbacha, „Antyformalistyczny raj” Szostakowicza , „Adrienne Lecouvreur” Cilei, „Don Pasquale”, „Piotr Wielki – car całej Rusi, czyli stolarz z Inflant” Donizettiego, „Gianni Schicchi” Pucciniego i innych. Petersburski Teatr Operowy wystawiał inscenizacje oper, które są wystawiane w Petersburgu tylko na scenie Teatru Kameralnego - Rita, Dzwon, Donizetti, Sokół Bortniansky'ego, Tajne małżeństwo Cimarosy, Hazardziści - 1942, Anty- Raj formalistyczny „Szostakowicz”, „Adrienne Lecouvreur” Cilea, „Piotr Wielki – car całej Rusi, czyli stolarz z Inflant” Donizettiego. W 1997 roku teatr zorganizował i przeprowadził Festiwal Muzyczny im. Requiem kompozytora zostało wykonane po raz pierwszy w Rosji w centrum starego Petersburga przy ulicy Galernaya 33. Otwarcie odrestaurowanego budynku odbyło się w dniu rocznicy urodzin św. ala europejska muzyczna sensacja - zabawny melodramat Gaetano Donizettiego "Piotr Wielki - Car całej Rusi, czyli stolarz z Inflant". Niewielki kameralny dworek przy ulicy Galernaya, który na przełomie XIX i XX wieku należał do barona S.P. von Derviz, ma bogatą historię muzyczną i teatralną. Pod koniec XIX wieku wystawiano tu spektakle „Domu interludiów”, które wystawiał Wsiewołod Meyerhold, działający wówczas pod pseudonimem „Doktor Dapertutto”. Wzięli w nich udział poeta i muzyk M. Kuzmin, artyści N. Sapunow i S. Sudeikin, artyści N. Petrov, B. Kazarova-Volkova. K. Stanisławski, Vl.I. Niemirowicz-Danczenko, E. Wachtangow, A. Czechow i wielu innych artystów. Od 1915 r. Dom zaczęto nazywać „Salą koncertowo-teatralną”, w której odbywały się koncerty z udziałem F. Szaliapina, L. Sobinowa, A. Duncana. Koncerty i spektakle odbywały się w dużej Sali Białej ze specjalnie wyposażoną sceną. Tutaj cudem (po imprezach klubowych organizowanych w czasach sowieckich) zachowało się wnętrze: barokowe stiukowe ściany z rzeźbami symbolizującymi sztukę, strzelisty Geniusz z lirą w dłoniach nad bogato zdobionym portalem sceny, herb rodu von Derviz na oknach drzwi wejściowych. Zachowały się także inne wnętrza rezydencji: luksusowy salon mauretański, pokryty złoconymi ornamentami, ozdobiony malowniczą tablicą Klon Salon, wykonany w formie dziwacznej groty Ogród Zimowy. Pierwszym właścicielem rezydencji był słynny mąż stanu pierwszej połowy XVIII wieku, minister gabinetu Anny Ioannovnej A. P. Wołyńskiego, straconego w 1740 r. za udział w spisku przeciwko księciu Bironowi. Następnie właścicielem domu była jego córka, która wyszła za mąż za hrabiego II. Woroncowa. Kiedyś dom należał do kupców Schneider, Balabin, potem książę Repin. W 1870 roku architekt F.L. Miller przebudowuje fasadę i buduje na innym budynku. W 1883 roku dom kupił Baron S.P. von Derviza. architekt Schreiber odbudowuje domy od strony Nabrzeża Angielskiego i ulicy Galernej, łącząc je wspólną elewacją. Siergiej Pawłowicz von Derviz (1863 - 1918) - potomek starożytnego rodu Wiese, wywodzący się z Niemiec. W połowie XVIII wieku służący w Szwecji John-Adolf Wiese wstąpił do służby rosyjskiej jako radca prawny i został wyniesiony do stanu szlacheckiego przez Święte Cesarstwo Rzymskie z dodatkiem „von der”. Syn Siergiej miał rangę prawdziwego tajnego radcy i tytuł podkomorzego sądu najwyższego. Był właścicielem kopalń i majątków ziemskich w guberniach kijowskim, riazańskim i orienburgskim. On, podobnie jak jego matka, zasłynął z działalności charytatywnej. Główną uwagę zwrócono na wnętrza domu, które zgodnie z ówczesną modą wykonano w różnych stylach. W 1902 roku dom od strony wału dobudowano na dwóch kondygnacjach, tracąc przy tym wygląd rezydencji. W 1909 r. SP. von Derviz sprzedał dom, dzieląc go na trzy części. Pierwszy kupiła żona generała porucznika A.A. Ignatieva, po lewej (w tym dwór na Galernaya) - N.N. Szebeko. Dwór przebudowano według projektu architekta A.P. Maksimowa iw tej formie dożył naszych dni. W latach 1911 - 1913 mieścił się tu "Dom Interludiów" V. Meyerholda - nowatorska, artystyczna restauracja-teatr z unikalnym repertuarem. Od 1913 - sala teatralna N. Szebeko. Po rewolucji - komitet okręgowy RCPb, Związek Metalowców, Estoński Dom Oświaty. Od 1946 do 1991 - klub "Mayak". 27 maja 2003 roku, w dniu 300-lecia Petersburga, po długiej renowacji, dwór ponownie stał się domem teatralnym. Rozbrzmiewa tu muzyka operowa i symfoniczna, rodzą się nowe produkcje petersburskiego teatru operowego, który założył i kierował Jurij Aleksandrow. Informacje z oficjalnej strony teatru: http://www.spbopera.ru
Akademicki Teatr Opery i Baletu w Saratowie to teatr opery i baletu w Saratowie w Rosji. Jeden z najstarszych w regionie Wołgi i Rosji, założony w 1875 roku. W 1803 r. W Saratowie, przy ulicy Dvoryanskaya (obecnie Sacco i Vanzetti), otwarto pierwszy publiczny teatr ziemianina Grigorija Wasiljewicza Gładkowa. Grali w nim aktorzy fortecy. Repertuar Teatru Gładkowa był obszerny. W 1806 r. teatr wystawił 28 komedii, 27 oper, 3 dramaty i 3 tragedie. Ale w 1807 Gladkov przeniósł swoją trupę teatralną do Penzy, gdzie przebudowano mały budynek teatralny. Teatr Gładkowa w Saratowie został zastąpiony w 1810 r. Teatrem gubernatora A.D. Panczulidzew. Na centralnym placu miasta odbudowano specjalny budynek teatralny, przemianowany z tej okazji z Chlebnaja na Teatralnaja. Teatr ten przez wiele lat był jedynym dystrybutorem sztuki teatralnej w województwie. W 1860 r. w Saratowie wybudowano teatr letni, który stał się platformą objazdową dla przyjezdnych zespołów i wybitnych wykonawców. Tutaj w 1875 roku odbyły się występy pierwszej rosyjskiej trupy operowej pod kierunkiem wybitnej postaci teatralnej Rosji, aktora i przedsiębiorcy Piotra Miedwiediewa. Podstawą repertuaru były dzieła kompozytorów rosyjskich: „Życie dla cara” oraz „Rusłan i Ludmiła” M.I. Glinka, „Syrenka” A.S. Dargomyżski, „Rogned” A.N. Serow, „Grób Askolda” A.N. Wiertowski. W 1887 roku trupą kierował najzdolniejszy rosyjski dyrygent Ivan Palitsin. Znakomici dyrygenci rosyjscy w różnych okresach stawali na mównicy dyrygenckiej: A. Pazovsky, A. Pavlov-Arbenin, V. Suk. Pierwsza profesjonalna trupa powstała w 1928 roku. Jej repertuar obejmował balety „Jezioro łabędzie”, „Śpiąca królewna”, „Dziadek do orzechów” P. Czajkowskiego, „Laurencia” A. Crane'a, „Kamienny kwiat” i „Kopciuszek” S. Prokofiewa oraz inne przedstawienia. Podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej skład trupy operowej uzupełniono solistami Teatru Bolszoj Rosji. W orkiestrze zaczęli pracować muzycy metropolitalni. Cała epoka w historii teatru związana jest z nazwiskami aktorki Olgi Kalininy (sopran) i głównego dyrygenta teatru Nissona Szkarowskiego. W 1956 roku odbył się pierwszy objazd teatru w Moskwie, który został wysoko oceniony w prasie centralnej. Godnym uwagi wydarzeniem sezonu 1959 był spektakl „Rigoletto”, w którym główne role wykonali absolwenci Konserwatorium w Saratowie Galina Kowalowa i Jurij Popow, którzy później otrzymali tytuł „Artysty Ludowego ZSRR”. W 1977 roku teatr został ponownie zaproszony na tournée do Moskwy. Na scenie Teatru Bolszoj odbyło się 15 przedstawień. Za wysokie osiągnięcia w dziedzinie sztuki muzycznej teatr w Saratowie otrzymał tytuł „akademicki”. W ciągu tych lat talent sopranistki dramatycznej, Artystki Ludowej ZSRR Olgi Bardiny, jednego z najwybitniejszych barytonów Rosji, Artysty Ludowego ZSRR Leonida Smetannikowa, Artystów Ludowych Rosji - mezzosopranistki Alexandry Rudes i sopranistki Nelli Dovgaleva, zostało wyraźnie ujawnione. Od 1975 roku do chwili obecnej głównym dyrygentem teatru jest laureat Nagrody Państwowej Artysta Ludowy Rosji Jurij Leonidowicz Koczniew. Od 1986 roku w teatrze corocznie odbywa się Festiwal Muzyczny Sobinowa, który obecnie uzyskał status „międzynarodowego”. Obecnie Akademicki Teatr Opery i Baletu w Saratowie dysponuje bogatym, oryginalnym repertuarem. „Złoty Fundusz” tworzą klasyki, stale aktualizowane, zachowujące nowoczesną formę artystyczną - „Khovanshchina” M. Musorgskiego, „Książę Igor” A. Borodina, „Eugeniusz Oniegin”, „Dama pikowa” P. Czajkowskiego, „Syrenka” A. Dargomyżskiego, „Tannhäuser” R. Wagnera, „William Tell” G. Rossiniego, „Bal maskowy”, „Rigoletto”, „Traviata”, „Il trovatore” G. Verdiego. Arcydzieła operowe W. Mozarta („Czarodziejski flet”, „Wesele Figara”), G. Pucciniego („Tosca”), D. Rossiniego („Cyrulik sewilski”) oraz klasyka sztuki baletowej – „Łabędź” Jezioro”, „Dziadek do orzechów”, „Śpiąca królewna” P. Czajkowskiego, „Giselle” A. Adama, „Don Kichot” L. Minkusa i wielu innych. Na scenie Teatru w Saratowie ożywa także wiele dzieł współczesnych autorów – opera „Margarita” jekaterynburskiego kompozytora V. Kobekina (światowa premiera miała miejsce w marcu 2007 r.), balety „Mały garbaty konik” reż. R. Szczedrina, „Juno i Avos” A. Rybnikowa, „Dziewczyna i śmierć” saratowskiego kompozytora W. Kowalowa, „Tajemnicze tango” do muzyki argentyńskiego kompozytora A. Piazzolli, dziecięce opery i balety I. Morozowa , V. Agafonnikov, V. Gokieli, D. Saliman-Vladimirov, J. Kolodub, S. Banevich. O poziomie kultury muzycznej teatru decyduje wysoki profesjonalizm i umiejętności naszych solistów, których nazwiska znane są nie tylko w Rosji, ale także za granicą: Artyści Ludowi ZSRR L. Smetannikow i Yu Popow, Artyści Ludowi Rosji V. Baranova, S. Kostina, L. Telius, N. Bryatko, V. Verin, V. Grigoriev, I. Stetsyur-Mova, Honorowi Artyści Rosji O. Kochneva, A. Bagmat, R. Granich, D. Kurynov, W. Demidow. Od ponad 35 lat dyrektor artystyczny, główny dyrygent, laureat Nagrody Państwowej, Artysta Ludowy Rosji Yu.L. Koczniew. Wystąpił w ponad 50 produkcjach. To klasyka i nowoczesność, utwory rzadko słyszane i wykonywane po raz pierwszy, jak „Krutnyava” E. Sukhona, „The Rise and Fall of Mr. Mahagonny” K. Weila, „Magic Shooter” K. Webera, „Tannhäusera” R Wagnera, „Williama Tella” D. Rossiniego i innych. W 2003 roku, zgodnie z wynikami konkursu gazety „Przegląd Muzyczny”, Yu.L. Kochnev został zwycięzcą nominacji „Dyrygent Roku”. 21 lipca 2008 r. premier Federacji Rosyjskiej Władimir Putin podpisał dekret o przyznaniu Nagrody im. Fiodora Wołkowa Rządu Federacji Rosyjskiej Akademickiemu Teatrowi Opery i Baletu w Saratowie za wkład w rozwój sztuki teatralnej w Rosji. Ceremonia wręczenia nagród odbyła się w Jarosławiu podczas IX Międzynarodowego Festiwalu Teatralnego im. Fiodora Wołkowa. Na otwarciu festiwalu 25 września 2008 roku Teatr Opery i Baletu w Saratowie z wielkim sukcesem zaprezentował premierę 2007 roku - koncert teatralny do muzyki Izaaka Dunajewskiego „W stylu retro”. W 1998 roku teatr został laureatem, aw 2000 zwycięzcą ogólnorosyjskiego konkursu „Okno na Rosję”, organizowanego przez gazetę „Kultura”, w nominacji „Teatr Muzyczny Roku”. Pierwsze miejsce przyznano, jak zauważyło jury, za politykę repertuarową i inicjatywy artystyczne teatru - takie jak systematyczne organizowanie Festiwalu Muzycznego im. Sobinowa, rozwijanie i umacnianie twórczych kontaktów z teatrami i wykonawcami w Rosji i za granicą. Od 2005 roku teatr realizuje projekt „Teatr dla studentów uniwersytetów w Saratowie”. W ramach projektu wyświetlono ponad 30 spektakli, teatr odwiedziło ponad 30 tysięcy studentów i nauczycieli miejskich uczelni. Akademicki Teatr Opery i Baletu w Saratowie stale pracuje z dziećmi i młodzieżą. W 2004 roku teatr zorganizował Młodzieżowy Klub Miłośników Opery i Baletu, który działa do dziś. W ramach klubu odbywają się spotkania tematyczne z udziałem czołowych solistów teatru, artystów, reżyserów, dyrygentów, quizy muzyczne i intelektualne, konkursy twórcze, programy koncertowe. Członkami klubu było ponad 1000 dzieci ze szkół, liceów, internatów i sierocińców w Saratowie. W 2009 roku wspólny projekt Akademickiego Teatru Opery i Baletu w Saratowie oraz Fundacji Charytatywnej. LV Sobinowa „Teatr Muzyczny dla Dzieci i Młodzieży Wiejskiej” zdobył stypendium Prezydenta Federacji Rosyjskiej (administrowane przez „Instytut Problemów Społeczeństwa Obywatelskiego”). Podczas realizacji projektu kreatywny zespół teatru odwiedził 35 dzielnic regionu saratowskiego z programem edukacyjnym. Ponad 13 tysięcy wiejskich dzieci zapoznało się z twórczą działalnością Akademickiego Teatru Opery i Baletu w Saratowie. W ramach projektu odbyła się naukowa i praktyczna konferencja „Teatr Muzyczny dla Dzieci i Młodzieży”, w której wzięli udział przedstawiciele Moskwy, Petersburga, Samary, Rostowa nad Donem, Kurganu, Salavata, Czajkowskiego, Nowosybirska, Stawropola i Kijów brał udział. Całkowita pojemność sali teatralnej to 903 miejsca.
Kijowski Teatr Opery i Baletu im. T. Szewczenki
Narodowy Akademicki Teatr Opery i Baletu im. Tarasa Szewczenki Ukrainy to teatr muzyczny w Kijowie na Ukrainie. Trzecia najstarsza opera na Ukrainie po odeskiej i lwowskiej operze.
Opera Narodowa Ukrainy (Opera Kijowska) W 1867 roku w Kijowie zorganizowano stałą trupę operową, która wraz z teatrami Moskwy i Petersburga stała się jedną z najlepszych w Imperium Rosyjskim. Impulsem do powstania stałego teatru było udane tournée włoskich zespołów operowych w latach 1865-1866. w Kijowie. Trupa pracowała na terenie Teatru Miejskiego, zwanego „Operą Rosyjską”, zbudowanego w 1856 r. Według projektu rosyjskiego architekta I. V. Sztroma. Pierwszy sezon otworzyła opera Wierstowskiego Grób Askolda. Wkrótce w teatrze P.I. wystawiono opery „Iwan Susanin” oraz „Rusłan i Ludmiła” M. Glinki. Czajkowskiego, w 1893 roku S.V. przyszedł do teatru. Rachmaninowa na premierę Aleko, aw 1895 Rimskiego-Korsakowa na premierę Snow Maiden. Przez lata solistami teatru byli: Piotr Iwanowicz Słowcow, Nina Pavlovna Koshits, Maria Kurenko i inni.
Pojawienie się nowej opery poprzedziło smutne wydarzenie: w lutym 1896 roku, po porannym przedstawieniu opery „Eugeniusz Oniegin” P. Czajkowskiego, w jednej z garderób wybuchł pożar. Ogień rozprzestrzenił się błyskawicznie i doszczętnie zniszczył budynek dawnego Teatru Miejskiego. O dziwo, ale wtedy nie był to przypadek wyjątkowy, tylko w ciągu dwóch lat (1889-1891) w Europie i Ameryce spłonęły 22 sale teatralne.
Następnie ogłoszono konkurs na projekt nowego budynku. Wzięło w nim udział ponad dwudziestu architektów z Rosji, Niemiec, Francji i Włoch. 25 lutego 1897 jury ogłosiło wyniki konkursu. Za najlepszy uznano projekt rosyjskiego architekta Wiktora Aleksandrowicza Shretera, który przebudował także fasadę Teatru Maryjskiego w Petersburgu. Budowę nowego gmachu na miejscu starego teatru rozpoczęto w 1898 roku.
Sala operowa składała się ze straganów, amfiteatru, antresoli i czterech kondygnacji mogących pomieścić około 1650 widzów (w lożach jest 384 miejsc), łączna kubatura teatru to prawie 100 tys. \u200b\u200blokal ma 40 210 mkw. Nad głównym wejściem do teatru umieszczono oficjalny herb Kijowa z wizerunkiem patrona miasta Archanioła Michała, jednak za namową metropolity kijowskiego Teognosta, który uważał teatr za instytucję grzeszną, herb został zastąpiony kompozycją alegoryczną: gryfy heraldyczne trzymają w łapach lirę jako symbol sztuki muzycznej. Fasadę budynku zdobiły popiersia kompozytorów M. Glinki i A. Serowa, podarowane Kijowowi przez artystów Petersburskiego Teatru Maryjskiego.
Dla architekta ważny był nie tylko wygląd teatru, rytm i wyszukany wystrój elewacji. V. Schroeter zadbał o to, aby sala była wygodna zarówno dla tych, którzy będą występować na scenie, jak i dla tych, którzy zasiądą na sali. W tym czasie scena Opery Kijowskiej była największa w Rosji (szerokość 34,3 m; głębokość 17,2 m; wysokość 22,7 m). Teatr posiadał ogrzewanie parowe, klimatyzację, doskonałe wyposażenie sceniczne. Swego czasu Opera Kijowska naprawdę zadziwiła: trybuny, amfiteatr, antresola i cztery kondygnacje mogły pomieścić jednocześnie 1318 widzów (na trybunach było 384 miejsc). We wnętrzach dominował aksamit i brąz. Znakomite fotele, żyrandole i lampy przywieziono z Wiednia.
Uroczyste otwarcie nowej opery odbyło się 29 września (16 września w starym stylu) 1901 r. Wystawieniem opery „Życie dla cara” M.I. Glinka.
W 1911 roku w teatrze miało miejsce wydarzenie, które wpłynęło na całą historię Rosji - zginął premier Piotr Arkadjewicz Stołypin. Pod koniec sierpnia 1911 r. przebywał w Kijowie cesarz Mikołaj II z rodziną i współpracownikami, w tym premierem Stołypinem. 1 września 1911 r. Cesarz, jego córki i bliscy współpracownicy byli obecni na przedstawieniu „Opowieść o Caru Saltanie”. Podczas drugiej przerwy Stołypin rozmawiał przy barierce orkiestry z ministrem dworu baronem V. B. Frederiksem i magnatem ziemskim hrabią I. Potockim. Nieoczekiwanie Dmitrij Bogrow podszedł do Piotra Stołypina i strzelił dwa razy z Browninga: pierwszy pocisk trafił go w ramię, drugi w brzuch, trafiając w wątrobę. Stołypina od natychmiastowej śmierci uratował krzyż św. Włodzimierza, który został trafiony kulą i miażdżąc ją, zmienił kierunek na serce. Kula przebiła klatkę piersiową, opłucną, niedrożność jamy brzusznej i wątrobę. Ranny Stołypin opadł ciężko na fotel i wyraźnie i wyraźnie, głosem słyszalnym niedaleko siebie, powiedział: „Szczęśliwie umrzeć za cara”.
W czasach radzieckich teatr kilkakrotnie zmieniał nazwę, w 1926 roku otrzymał status „akademicki”, w 1939 roku teatr otrzymał imię Tarasa Szewczenki.
Podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej trupa teatralna została ewakuowana do Ufy, następnie do Irkucka, by w 1944 roku wrócić do Kijowa. Sam budynek teatru nie został poważnie uszkodzony przez działania wojenne, a renowacja kosztowała tylko kosmetyczne naprawy.
W latach 1983-1988 przeprowadzono gruntowną przebudowę pomieszczeń teatralnych. Restauratorzy dokonali znacznych zmian w zakulisowej części pomieszczeń teatralnych, co pozwoliło zwiększyć liczbę sal prób, garderób oraz wyposażyć specjalną klasę chóru. Zwiększono również wielkość sceny do 20 m głębokości i 27 m wysokości. Łączna powierzchnia sceny wynosi obecnie 824 mkw. Również podczas renowacji w miejsce starych organów zamontowano nowe, zbudowane przez czeską firmę Rieger-Klos. Przebudowano również fosę dla orkiestry, która obecnie może pomieścić jednocześnie 100 muzyków. Po renowacji powierzchnia pomieszczeń teatralnych powiększyła się o 20 tys. mkw. Było dwa razy więcej szatni, pojawiło się kilka nowych sal prób.
Historia Opery Kijowskiej
Zespół teatru operowego w Kijowie powstał w 1867 roku. Budynek opery został otwarty w 1901 roku. Ten zachwycający pięknem budynek został zaprojektowany przez utalentowanego architekta Viktora Schroetera. Od samego początku Opera Narodowa Ukrainy zaliczana jest do najlepszych teatrów Kijowa i Ukrainy.
Pierwszy sezon otworzyła opera Askold's Grave w inscenizacji Wierstowskiego. Wkrótce zwiedzający mogli zobaczyć różne ciekawe opery, wśród których były „Rusłan i Ludmiła”, „Iwan Susanin”, „Eugeniusz Oniegin”, „Dama pikowa”. W 1893 r. S. V. Rachmaninow odwiedził premierowe przedstawienie opery Aleko. W 1895 roku Rimski-Korsakow odwiedził Operę Kijowską i mógł zobaczyć operę The Snow Maiden .
Teatr w czasach ZSRR
W czasach Związku Radzieckiego teatr znacjonalizowano i przemianowano. Początkowo nosił imię K. Liebknechta, aw 1926 roku przemianowano go na Kijowską Państwową Akademicką Operę Ukraińską. W tym czasie wszystkie przedstawienia sceniczne odbywały się w języku ukraińskim. W 1939 roku operze nadano imię Tarasa Szewczenki, co stało się jednym z najważniejszych wydarzeń dla wielu mieszkańców Kijowa, szczególnie szanujących twórczość Szewczenki.
W latach 30. ubiegłego wieku gmach teatru miał zostać przebudowany. Zamierzał nadać cechy „stylu proletariackiego”. Jednak podczas pierestrojki usunięto tylko popiersia rosyjskich kompozytorów i wzniesiono dwupiętrowy budynek, w którym znajdowały się sale prób. Następnie teatr wystawił takie spektakle, jak „Złota obręcz”, „Szczors”, „Borys Godunow”.
W czasach przedwojennych zwiedzający mogli zobaczyć pokazy taneczne z gruzińskimi tańcami ludowymi. Ich dyrektorem był I.I. Suchiszwili.
W czasie wojny teatr ewakuowano do Ufy i Irkucka. Kijowski teatr mógł powrócić do stolicy Ukrainy dopiero w 1944 roku. Było to ważne wydarzenie dla mieszkańców Kijowa, gdyż symbolizowało odrodzenie życia kulturalnego. W okresie powojennym w Operze Kijowskiej wystawiano przedstawienia operowe znanych kompozytorów ZSRR, wśród których można wymienić Katerinę Izmailovą. W 1975 roku autorzy sztuki „Katerina Izmailova” otrzymali honorową Nagrodę Państwową im. Tarasa Szewczenki.
Rekonstrukcja teatru
W 1961 roku w budynku teatru zainstalowano urządzenia umożliwiające kontrolę temperatury w sali. Należy zauważyć, że wcześniej teatry w Kijowie nie były wyposażone w urządzenia do kontroli temperatury.
W latach 1983 - 1988 w budynku teatru przeprowadzono prace rekonstrukcyjne. Konserwatorzy zmienili część kulisową, dzięki czemu zwiększono liczbę sal prób, a także garderób. Ponadto operze w Kijowie udało się wyposażyć klasę chóru. Podczas renowacji powierzchnia sceny została powiększona i obecnie osiąga 824 metry kwadratowe. W nowym kanale orkiestrowym może jednocześnie zmieścić się nawet stu muzyków. Powierzchnia pomieszczeń teatru została powiększona o dwadzieścia tysięcy metrów kwadratowych. Po odbudowie teatr zaczął przyciągać jeszcze więcej zwiedzających, zarówno mieszkańców, jak i gości Kijowa.
Wiosną 2011 roku dyrektorem artystycznym Opery Kijowskiej został słynny ukraiński kompozytor Miroslav Skorik. Dużą wagę przywiązuje do muzyki kompozytorów ukraińskich.
Zgodnie z tradycją co roku zespół teatralny Opery Narodowej dokonuje prapremier dwóch spektakli operowych i dwóch baletowych.
Kijów jest interesujący dla wszystkich koneserów opery dzięki Operze Kijowskiej.
Narodowy Akademicki Teatr Opery i Baletu Ukrainy im. T.G. Szewczenko
Wszystkie koncerty i wydarzenia w Operze Narodowej
Narodowa Opera Ukrainy im. T. G. Szewczenki z Kijowa, jest jednym z największych teatrów muzycznych w stolicy Ukrainy. Budynek kulturalno-rozrywkowy został wzniesiony w 1901 roku w samym centrum Kijowa. Osobą, która zaprojektowała konstrukcję był Viktor Schroeter.
O Operze Narodowej
W 1867 r. w stolicy zorganizowano trupę operową, która istniała na stałe i mogła śmiało konkurować z moskiewskimi zespołami teatralnymi. Stała sala operacyjna powstała dzięki temu, że w 1865 roku zespoły twórcze z niewiarygodnymi sukcesami objechały Kijów.
31 lat później, w środku zimy, po zakończeniu seansu „Eugeniusza Oniegina”, w instytucji wybuchł pożar, w wyniku którego budynek Teatru Miejskiego został doszczętnie zniszczony. Wkrótce ogłoszono konkurs na projekt nowego budynku, którego zwycięzcą został wspomniany Schroeter.
Bilety do Opery Narodowej
Widownia mogła pomieścić około 1650 zwiedzających. Klasyczny projekt architektoniczny pomieszczenia jest widoczny gołym okiem, wszystko wygląda bardzo bogato i majestatycznie. Całkowita powierzchnia budynku to w rzeczywistości 100 000 metrów kwadratowych. Przed głównym wejściem do Opery Narodowej umieszczono herb Kijowa przedstawiający Archanioła Michała. Ale metropolita kijowski Teognost uważał, że opera była grzeszna, w związku z czym herb został zastąpiony kompozycją alegoryczną.
Fasadę organizacji zdobiły popiersia znanych kompozytorów muzycznych, które podarowali Kijowowi artyści Teatru Maryjskiego z Petersburga. Tym samym odrestaurowany budynek został otwarty i poświęcony 28 września 1901 roku. Do dziś opera jest narodowym skarbem kraju. Adres Opery Kijowskiej: ul. Wołodymyrska 50, Kijów, indeks 01034. Repertuar opery i baletu Kijowskiego Teatru Szewczenki można znaleźć na wielu plakatach rozwieszonych w całym mieście, a także na stronach oficjalnej strony internetowej.
I balety w Kijowie - największe na Ukrainie. Jego budynek wzniesiono w 1901 roku według projektu architekta Wiktora Schroetera. Teatr znajduje się w centrum stolicy pod adresem: ulica Władimirskaja, 50.
Fabuła
Pierwszy sezon otworzyła opera Wierstowskiego Grób Askolda. Teatr Opery i Baletu w Kijowie odwiedził P. I. Czajkowski. Siergiej Rachmaninow był obecny na premierze opery Aleko. Spektakl „The Snow Maiden” odwiedził Rimski-Korsakow. W 1896 roku wybuchł pożar, który doszczętnie zniszczył budynek teatru. Z tego powodu ogłoszono konkurs na nowy projekt obiektu architektonicznego. Zwyciężyła praca Victora Schroetera. Budowę nowego gmachu rozpoczęto w 1898 roku. Odrodzony Teatr Opery i Baletu w Kijowie składał się z czterech kondygnacji, antresoli, amfiteatru i straganów. Budynek mógł pomieścić 1650 widzów. Nad wejściem umieszczono wizerunek Archanioła Michała, który uważany jest za patrona miasta. Ale pod naciskiem Teognosta, metropolity kijowskiego, herb został zastąpiony specjalną kompozycją alegoryczną. Faktem jest, że duchowny uważał teatr za instytucję grzeszną.
W efekcie nad wejściem pojawiły się heraldyczne gryfy trzymające w łapach lirę, będącą symbolem sztuki muzycznej. Fasadę budynku zdobiły popiersia T. Szewczenki, A. Sierowa i M. Glinki. Przedstawili je Kijowowi artyści Teatru Maryjskiego w Petersburgu. Wraz z nadejściem ery sowieckiej Teatr Opery i Baletu w Kijowie został upaństwowiony. Nadano mu imię, które potem kilkakrotnie zmieniano. Od 1939 roku teatr nosi imię poety Tarasa Szewczenki. W latach 30. dyskutowano nad projektem socjalistycznej przebudowy budynku. Teatr miał nabrać cech „stylu proletariackiego”. Restrukturyzacja dotyczyła jednak tylko niektórych elementów. W szczególności usunięto popiersia kompozytorów rosyjskich. Do jednego z boków budynku dostawiono także dwukondygnacyjną salę prób.
Podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej teatr został ewakuowany do Ufy, a następnie do Irkucka. W 1944 wrócił do Kijowa. W 1961 roku w budynku pojawił się system monitorowania temperatury w hali. W latach 1983-1988 przeprowadzono gruntowną przebudowę obiektu. Konserwatorzy dokonali zmian w części, która znajdowała się za kulisami. W efekcie zwiększyła się liczba sal prób i garderób. Wyposażono także specjalną klasę chóru.
Współczesne produkcje
Repertuar Teatru Opery i Baletu (Kijów) w 2012 roku został uzupełniony o ultranowoczesny balet Radio i Julia. Wcielono współczesną wersję tragedii „Romeo i Julia”. Uzupełnieniem była choreografia Edwarda Kluga i muzyka rockowego zespołu Radiohead. W 2012 roku dodano kolejny nowoczesny balet Quatro (choreografia Edvarda Kluga i muzyka Milko Lazar).
i balet: plakat
W ostatnim czasie na deskach teatru wystawiane były: Walc wiedeński, Śpiąca królewna, Wesele Figara, Madama Butterfly, Dziadek do orzechów, Jezioro łabędzie, Romeo i Julia, Dafnis i Chloe, „Giselle”, „Opowieść o Caru Sałtanie”. Więcej aktualnych informacji o nadchodzących spektaklach można znaleźć na oficjalnej stronie teatru.