Storia del mondo delle belle arti ricorda molti casi sorprendenti legati alla creazione e ad ulteriori avventure dipinti famosi. Questo perché per i veri artisti vita e lavoro sono troppo strettamente collegati.
L'urlo di Edvard Munch
Anno di creazione: 1893
Materiali: cartone, olio, tempera, pastello
Dov'è: galleria Nazionale,
Il famoso dipinto "The Scream" dell'artista espressionista norvegese Edvard Munch è un argomento di discussione preferito dai mistici di tutto il mondo. Ad alcuni sembra che la tela abbia predetto i terribili eventi del XX secolo con le sue guerre, i disastri ambientali e l'Olocausto. Altri sono sicuri che l'immagine porti sfortuna e malattia ai suoi trasgressori.
La vita dello stesso Munch difficilmente può essere definita prospera: ha perso molti parenti, è stato più volte curato in una clinica psichiatrica e non si è mai sposato.
A proposito, l'artista ha riprodotto quattro volte il dipinto "L'urlo".
Si ritiene che sia il risultato di una psicosi maniaco-depressiva di cui soffriva Munch. In qualche modo, la vista di un uomo disperato con una grande testa, bocca aperta e le mani attaccate al viso, e oggi sciocca tutti coloro che esaminano la tela.
"Il grande masturbatore" Salvador Dali
Anno di fondazione: 1929
Materiali: olio, tela
Ubicazione: Centro per le arti Reina Sofia,
Il grande pubblico ha visto il dipinto "Il grande masturbatore" solo dopo la morte del maestro scioccante e del più famoso surrealista Salvador Dalì. L'artista lo conservava nella sua collezione al Museo del Teatro Dalì di Figueres. Si ritiene che una tela insolita possa dire molto sulla personalità dell'autore, in particolare sul suo atteggiamento doloroso nei confronti del sesso. Tuttavia, possiamo solo indovinare quali motivi sono effettivamente nascosti nell'immagine.
Questo è come risolvere un rebus: al centro dell'immagine c'è un profilo angolare che guarda in basso, simile allo stesso Dalì o a una roccia sulla costa di una città catalana, e una figura femminile nuda si erge nella parte inferiore del la testa - una copia dell'amante dell'artista Gala. L'immagine contiene anche locuste, che hanno causato a Dali una paura inspiegabile, e formiche, un simbolo di decomposizione.
"Famiglia" di Egon Schiele
Anno di creazione: 1918
Materiali: olio, tela
Ubicazione: Galleria del Belvedere,
Un tempo, il bellissimo dipinto dell'artista austriaco Egon Schiele si chiamava pornografia e l'artista fu imprigionato per presunta seduzione di un minore.
A tale prezzo gli fu dato l'amore per il modello del suo maestro. I dipinti di Schiele sono uno dei migliori esempi espressionismo, mentre sono naturalistici e pieni di spaventosa disperazione.
Le modelle di Schiele erano spesso adolescenti e prostitute. Inoltre, l'artista era affascinato da se stesso: la sua eredità include un'ampia varietà di autoritratti. La tela "Famiglia" Schiele ha scritto tre giorni prima propria morte, raffigurante la moglie incinta morta di influenza e il loro bambino non ancora nato. Forse questa è tutt'altro che l'opera più strana, ma sicuramente la più tragica del pittore.
"Ritratto di Adele Bloch-Bauer" di Gustav Klimt
Anno di fondazione: 1907
Materiali: olio, tela
Ubicazione: Nuova Galleria,
La storia della creazione del famoso dipinto dell'artista austriaco Gustav Klimt "Ritratto di Adele Bloch-Bauer" può essere giustamente definita scioccante. La moglie del magnate dello zucchero austriaco Ferdinand Bloch-Bauer divenne la musa e l'amante dell'artista. Volendo vendicarsi di entrambi, il marito ferito decise di ricorrere a un metodo originale: ordinò a Klimt un ritratto della moglie e lo tormentò con infiniti cavilli, costringendolo a realizzare centinaia di schizzi. Alla fine, questo ha portato al fatto che Klimt ha perso il suo precedente interesse per il suo modello.
Il lavoro sul dipinto è durato diversi anni e Adele ha visto svanire i sentimenti del suo amante. Il piano insidioso di Ferdinando non fu mai rivelato. Oggi " monaca austriaca Lisa" è considerato un tesoro nazionale dell'Austria.
Black Supermatic Square di Kazimir Malevich
Anno di creazione: 1915
Materiali: olio, tela
Luogo: Stato Galleria Tretyakov,
Sono passati quasi cento anni da quando l'artista d'avanguardia russo Kazimir Malevich ha creato il suo famosa creazione e le controversie e le discussioni non si fermano fino ad ora. Apparsa nel 1915 alla futuristica mostra "0.10" nell '"angolo rosso" della sala destinata all'icona, l'immagine sconvolse il pubblico e glorificò per sempre l'artista. È vero, oggi poche persone sanno che i dipinti supermatici sono dipinti non oggettivi, in cui il colore governa la palla, e il "quadrato nero" in realtà non è nero e per niente quadrato.
A proposito, una delle versioni della storia della creazione della tela dice: l'artista non ha avuto il tempo di finire il lavoro sul dipinto, quindi è stato costretto a coprire l'opera con vernice nera, in quel momento il suo amico entrò in officina ed esclamò: “Fantastico!”.
"L'origine del mondo" di Gustave Courbet
Anno di creazione: 1866
Materiali: olio, tela
Ubicazione: Museo d'Orsay,
Il dipinto del pittore realista francese Gustave Courbet è stato considerato estremamente provocatorio per molto tempo e non è stato conosciuto dal grande pubblico per più di 120 anni. Una donna nuda sdraiata su un letto con le gambe distese, e oggi provoca una reazione ambigua da parte del pubblico. Per questo, al Musée d'Orsay, uno degli addetti custodisce il dipinto.
Nel 2013, un collezionista francese ha annunciato di essersi imbattuto nella parte del dipinto in cui è visibile la testa del modello in uno dei negozi di antiquariato di Parigi. Gli esperti hanno confermato l'ipotesi che Joanna Hiffernan (Joe) abbia posato per l'artista. Mentre lavorava alla foto, lei era dentro storia d'amore con lo studente di Courbet, l'artista James Whistler. L'immagine ha provocato la loro separazione.
"Uomo e donna davanti a un mucchio di escrementi" di Joan Mirò
Anno di fondazione: 1935
Materiali: olio, rame
Luogo: Fondazione Joan Mirò,
Uno spettatore raro quando si guarda un'immagine Artista spagnolo e lo scultore Joan Miro sarebbe stato associato all'orrore guerra civile. Ma fu proprio il periodo dei disordini prebellici nel 1935 in Spagna a servire come soggetto del quadro dal titolo promettente "Uomo e donna davanti a un mucchio di escrementi". Questa immagine è una premonizione.
Raffigura una ridicola coppia "caverna" che è attratta l'una dall'altra, ma non può muoversi. Genitali ingrossati, colori velenosi, figure sparse addosso sfondo scuro- tutto ciò ha predetto, secondo l'artista, l'avvicinarsi di eventi tragici.
La maggior parte dei dipinti di Joan Mirò sono astratti e opere surreali e l'atmosfera che trasmettono è gioiosa.
"Ninfee" di Claude Monet
Anno di fondazione: 1906
Materiali: olio, tela
Ubicazione: collezioni private
Il dipinto cult dell'impressionista francese Claude Monet "Water Lilies" ha una cattiva reputazione - non è un caso che si chiami "pericoloso per il fuoco". Questa serie di coincidenze sospette continua a sorprendere molti scettici. Il primo caso è avvenuto proprio nello studio dell'artista: Monet ei suoi amici stavano festeggiando la fine dei lavori al quadro, quando all'improvviso è scoppiato un piccolo incendio.
L'immagine fu salvata e presto i proprietari del cabaret di Montmartre la acquistarono, ma meno di un mese dopo anche l'istituzione subì un forte incendio. La successiva "vittima" della tela fu il filantropo parigino Oscar Schmitz, il cui ufficio prese fuoco un anno dopo che vi furono appese le "Ninfee". E ancora una volta l'immagine è riuscita a sopravvivere. Quest'anno, un collezionista privato ha acquistato Water Lilies per 54 milioni di dollari.
Le ragazze di Avignone di Pablo Picasso
Anno di fondazione: 1907
Materiali: olio, tela
Dove si trova il museo arte contemporanea,
"Sembra che tu voglia darci da mangiare stoppa o darci benzina da bere", ha detto Georges Braque, un amico di Picasso, riguardo al dipinto "Le ragazze di Avignone". La tela divenne davvero scandalosa: il pubblico adorava le vecchie, tenere e tristi opere dell'artista, e un brusco passaggio al cubismo provocò alienazione.
Figure femminili con ruvido volti maschili e le braccia e le gambe spigolose erano troppo lontane dalla graziosa "Ragazza sulla palla".
Gli amici si sono allontanati da Picasso, Matisse era estremamente insoddisfatto dell'immagine. Tuttavia, furono le "Ragazze di Avignone" a determinare non solo la direzione dello sviluppo dell'opera di Picasso, ma anche il futuro delle belle arti in generale. Il titolo originale della tela è “Philosophical Borthel”.
"Ritratto del figlio dell'artista" di Mikhail Vrubel
Anno di creazione: 1902
Materiali: acquarello, guazzo, matita di grafite, carta
Ubicazione: Museo Statale Russo,
Il brillante artista russo della svolta tra il XIX e il XX secolo, Mikhail Vrubel, ebbe successo in quasi tutti i tipi di belle arti. Il suo primogenito Savva è nato con un "labbro leporino", che ha profondamente sconvolto l'artista. Vrubel ha ritratto francamente il ragazzo su una delle sue tele, senza cercare di nascondere la sua deformità congenita.
I toni gentili del ritratto non lo rendono sereno: vi si legge lo shock. Il bambino stesso è raffigurato con uno sguardo sorprendentemente saggio e non infantile. Poco dopo il completamento del dipinto, il bambino morì. Da quel momento nella vita dell'artista, che stava attraversando un periodo difficile con la tragedia, iniziò un periodo "nero" di malattia e follia.
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Apparvero generi di pittura, guadagnarono popolarità, svanirono, ne sorsero di nuovi, iniziarono a distinguersi sottospecie all'interno di quelle esistenti. Questo processo non si fermerà finché una persona esiste e cerca di catturare il mondo che la circonda, che si tratti di natura, edifici o altre persone.
In precedenza (prima del XIX secolo) esisteva una divisione dei generi della pittura nei cosiddetti generi "alti" (grand genere francese) e generi "bassi" (piccolo genere francese). Tale divisione sorse nel XVII secolo. e si basava su quale soggetto e trama erano raffigurati. A questo proposito, i generi alti includevano: battaglia, allegorico, religioso e mitologico, e i generi bassi includevano ritratto, paesaggio, natura morta, animalismo.
La divisione in generi è piuttosto arbitraria, perché. elementi di due o più generi possono essere presenti contemporaneamente nell'immagine.
Animalismo, o genere animalesco
Animalismo, o genere animalesco (dal latino animale - animale) - un genere in cui il motivo principale è l'immagine di un animale. Possiamo dire che questo è uno dei generi più antichi, perché. disegni e figure di uccelli e animali erano già presenti in vita popoli primitivi. Ad esempio, su un ampio dipinto famoso io. Shishkin "Mattina a pineta» La natura è rappresentata dall'artista stesso e gli orsi sono rappresentati da uno completamente diverso, specializzato nella raffigurazione di animali.
io. Shishkin "Mattina in una pineta" Come si può distinguere una sottospecie Genere ippico(dal greco ippopotami - cavallo) - un genere in cui l'immagine di un cavallo funge da centro dell'immagine.
NON. Sverchkov "Cavallo nella stalla" Ritratto
Il ritratto (dalla parola francese portrait) è un'immagine in cui l'immagine di una persona o di un gruppo di persone è centrale. Il ritratto trasmette non solo somiglianza esterna, ma riflette anche mondo interiore e trasmette i sentimenti dell'artista in relazione alla persona di cui dipinge il ritratto.
CIOÈ. Repin Ritratto di Nicola II Il genere del ritratto è suddiviso in individuale(foto di una persona), gruppo(immagine di più persone), per natura dell'immagine - davanti quando una persona è raffigurata a tutta altezza su un cospicuo sfondo architettonico o paesaggistico e Camera quando una persona è raffigurata fino al petto o fino alla cintola su uno sfondo neutro. Un gruppo di ritratti, uniti secondo qualche attributo, forma un insieme, o una galleria di ritratti. Un esempio sono i ritratti dei membri della famiglia reale.
Assegnato separatamente auto ritratto su cui l'artista si ritrae.
K. Bryullov Autoritratto Il ritratto è uno dei generi più antichi: i primi ritratti (scultorei) erano già presenti nell'antico Egitto. Tale ritratto ha agito come parte del culto di aldilà ed era il "doppio" dell'uomo.
Scenario
Il paesaggio (dal francese paysage - paese, area) è un genere in cui l'immagine della natura è centrale: fiumi, foreste, campi, mare, montagne. In un paesaggio, il punto principale è, ovviamente, la trama, ma è altrettanto importante trasmettere il movimento, la vita della natura circostante. Da un lato, la natura è bella, ammirata e, dall'altro, è piuttosto difficile rifletterla nell'immagine.
C. Monet "Campo di papaveri ad Argenteuil" La sottospecie del paesaggio è paesaggio marino o marina(dal francese marine, italiano marina, dal latino marinus - mare) - un'immagine di una battaglia navale, del mare o di altri eventi che si svolgono in mare. Rappresentante brillante pittori marini - K.A. Aivazovsky. È interessante notare che l'artista ha scritto a memoria molti dettagli di questa immagine.
io. Aivazovsky "La nona onda" Tuttavia, spesso gli artisti si sforzano anche di disegnare il mare dalla natura, ad esempio W. Turner per dipingere il dipinto “Tempesta di neve. Il piroscafo all'ingresso del porto dà un segnale di soccorso, colpendo l'acqua bassa, "ha trascorso 4 ore legato sul ponte del capitano di una nave che navigava in tempesta.
W. Turner “Tempesta di neve. Il piroscafo all'ingresso del porto dà un segnale di soccorso, colpendo l'acqua bassa. L'elemento acqua è raffigurato anche nel paesaggio fluviale.
Assegnare separatamente paesaggio urbano, in cui le strade e gli edifici della città sono il soggetto principale dell'immagine. Il paesaggio urbano è Veduta- l'immagine del paesaggio urbano sotto forma di panorama, dove la scala e le proporzioni sono certamente mantenute.
A. Canaletto "Piazza San Marco"Ci sono altri tipi di paesaggio - rurale, industriale e architettonico. IN pittura architettonica il tema principale è l'immagine del paesaggio architettonico, cioè edifici, strutture; include un'immagine degli interni ( decorazione d'interni locali). A volte Interni(dal francese intérieur - interno) si distingue come genere separato. Nella pittura architettonica si distingue un altro genere — Capriccio(dall'italiano capriccio, capriccio, capriccio) - un paesaggio fantasy architettonico.
Natura morta
Natura morta (dal francese nature morte - natura morta) - un genere dedicato all'immagine oggetti inanimati, che si collocano in un ambiente comune e formano un gruppo. La natura morta apparve nei secoli XV-XVI, ma come genere separato si formò nel XVII secolo.
Nonostante il fatto che la parola "natura morta" sia tradotta come natura morta, nelle immagini ci sono mazzi di fiori, frutta, pesce, selvaggina, piatti: tutto sembra "come una cosa vivente", ad es. come reale. Dal suo inizio fino ai giorni nostri, la natura morta è stata un genere importante nella pittura.
C. Monet "Vaso con fiori" Come si può distinguere una sottospecie separata Vanità(dal latino Vanitas - vanità, vanità) - un genere di pittura in cui il posto centrale nell'immagine è occupato da un teschio umano, la cui immagine vuole ricordare la vanità e la fragilità della vita umana.
Il dipinto di F. de Champagne presenta tre simboli della fragilità dell'essere - Vita, Morte, Tempo attraverso le immagini di un tulipano, un teschio, una clessidra.
genere storico
Genere storico - un genere in cui i dipinti raffigurano eventi importanti e sociali eventi significativi passato o presente. È interessante notare che l'immagine può essere dedicata non solo a eventi reali, ma anche a eventi della mitologia o, ad esempio, descritti nella Bibbia. Questo genereè molto importante per la storia, sia per la storia dei singoli popoli e stati, sia per l'umanità nel suo insieme. nelle immagini genere storico può essere inseparabile da altri tipi di generi: ritratto, paesaggio, genere di battaglia.
CIOÈ. Repin "I cosacchi scrivono una lettera al sultano turco" 
K. Bryullov "L'ultimo giorno di Pompei" Genere di battaglia
Il genere della battaglia (dal francese bataille - battaglia) è un genere in cui i dipinti raffigurano il culmine della battaglia, le operazioni militari, il momento della vittoria, scene di vita militare. La pittura di battaglia è caratterizzata dall'immagine nella foto di un gran numero di persone.
AA. Deineka "Difesa di Sebastopoli" Genere religioso
Genere religioso - un genere in cui il principale trama- biblico (scena della Bibbia e del Vangelo). Secondo l'argomento, anche l'iconografia appartiene ai religiosi, la loro differenza sta nel fatto che i dipinti di contenuto religioso non partecipano ai servizi tenuti, e per l'icona questo è lo scopo principale. iconografia tradotto dal greco. significa "immagine di preghiera". Questo genere era limitato da rigidi limiti e leggi della pittura, perché. progettato non per riflettere la realtà, ma per trasmettere l'idea dell'inizio di Dio, in cui gli artisti cercano un ideale. In Rus', la pittura di icone raggiunse il suo apice nei secoli XII-XVI. Maggior parte nomi famosi pittori di icone - Teofane il greco (affreschi), Andrei Rublev, Dionisio.
A. Rublev "Trinità" Come si distingue la fase di transizione dalla pittura di icone al ritratto Parsuna(distorto dal lat. persona - personalità, persona).
Parsuna di Ivan il Terribile. autore sconosciuto genere domestico
Scene rappresentate nei dipinti Vita di ogni giorno. Spesso l'artista scrive di quei momenti della vita, di cui è contemporaneo. Caratteristiche distintive di questo genere: il realismo dei dipinti e la semplicità della trama. L'immagine può riflettere i costumi, le tradizioni, la struttura della vita quotidiana di un particolare popolo.
La pittura domestica include dipinti famosi come “Trasportatori di chiatte sul Volga” di I. Repin, “Troika” di V. Perov, “ Matrimonio ineguale» V. Pukireva.
I. Repin "Trasportatori di chiatte sul Volga" Genere epico-mitologico
Genere epico-mitologico. La parola mito deriva dal greco. "mythos", che significa tradizione. I dipinti raffigurano gli eventi di leggende, poemi epici, leggende, antichi miti greci, antiche leggende, trame del folklore.
P. Veronese "Apollo e Marsia" genere allegorico
Genere allegorico (dal greco allegoria - allegoria). Le immagini sono dipinte in modo tale da avere significato nascosto. Idee e concetti intangibili, invisibili agli occhi (potere, bene, male, amore), vengono trasmessi attraverso le immagini di animali, persone, altri esseri viventi con tali caratteristiche intrinseche che hanno un simbolismo già fissato nella mente delle persone e aiutano a comprendere il significato generale dell'opera.
L. Giordano "Amore e vizi disarmano la giustizia" Pastorale (dal francese pastorale - pastore, rurale)
Un genere di pittura che glorifica e poetizza la vita rurale semplice e pacifica.
F. Boucher "Pastorale autunnale" Caricatura (dall'italiano caricare - esagerare)
Genere in cui la creazione di un'immagine utilizza deliberatamente effetto comico esagerando e affinando lineamenti, comportamento, abbigliamento, ecc. Lo scopo di una caricatura è offendere, a differenza, ad esempio, di una caricatura (dall'accusa francese), il cui scopo è semplicemente quello di fare uno scherzo. Strettamente correlati al termine "caricatura" sono concetti come stecca, grottesco.
Nudo (dal francese nu - nudo, svestito)
Genere in cui è raffigurato il nudo corpo umano più spesso femminile.
Tiziano Vecellio "Venere di Urbino" Inganno, o trompley (dal fr. inganna l'occhio - Illusione Ottica)
Un genere le cui caratteristiche sono tecniche speciali che creano un'illusione ottica e consentono di offuscare il confine tra realtà e immagine, ad es. l'impressione ingannevole che l'oggetto sia tridimensionale, mentre è bidimensionale. A volte l'intoppo si distingue come sottospecie di natura morta, ma a volte anche le persone sono raffigurate in questo genere.
Per Borrell del Caso "Fuga dalla critica" Per la completezza della percezione dei trucchi, è opportuno considerarli nell'originale, perché. una riproduzione non è in grado di trasmettere pienamente l'effetto che l'artista raffigura.
Jacopo de Barberi "La pernice e i guanti di ferro" Immagine tematica della trama
Una miscela di generi tradizionali di pittura (quotidiano, storico, battaglia, paesaggio, ecc.). In un altro modo, questo genere è chiamato composizione di figure, le sue caratteristiche sono: ruolo di primo piano una persona gioca, la presenza di un'azione e un'idea socialmente significativa, le relazioni (conflitto di interessi / personaggi) e gli accenti psicologici sono necessariamente mostrati.
V. Surikov "Boyar Morozova" Ci sono temi eterni nell'arte. Uno di questi è il tema di una donna, il tema della maternità. Ogni epoca ha il suo ideale di donna, l'intera storia dell'umanità si riflette nel modo in cui le persone vedevano una donna, quali miti la circondavano e l'aiutavano a creare. Esattamente una cosa - in tutte le età e tempi Il carattere femminile ha attratto, attira e attirerà l'attenzione speciale degli artisti.
Le immagini di donne create nella ritrattistica portano l'ideale poetico nella sua armoniosa unità. qualità spirituali e l'aspetto esteriore. Dai ritratti si può giudicare come l'aspetto di una donna, il suo magazzino mentale, sia influenzato dagli eventi sociali, dalla moda, dalla letteratura, dall'arte e dalla stessa pittura.
Ti presentiamo una varietà di immagini di donne nella pittura in diverse direzioni
REALISMO
L'essenza della direzione è la fissazione più accurata e oggettiva della realtà. La nascita del realismo nella pittura è spesso associata al lavoro dell'artista francese Gustave Courbet, che aprì il proprio a Parigi nel 1855. mostra personale Padiglione del Realismo. Si oppone al romanticismo e all'accademismo. Negli anni '70 dell'Ottocento, il realismo si divise in due aree principali: naturalismo e impressionismo. I naturalisti erano chiamati artisti che cercavano di catturare la realtà nel modo più accurato possibile, fotograficamente.
Ivan Kramskoy "Sconosciuto"
Serov "Ragazza con le pesche"
ACCADEMISMO
L'accademismo è cresciuto seguendo forme esterne arte classica. L'accademismo incarnava le tradizioni dell'arte antica, in cui l'immagine della natura è idealizzata. L'accademismo russo della prima metà del XIX secolo è caratterizzato da temi sublimi, alto stile metaforico, versatilità, multiforme e pomposità. erano popolari racconti biblici, paesaggi da salotto e ritratti cerimoniali. Nonostante il contenuto limitato dei dipinti, le opere degli accademici si distinguevano per la loro elevata abilità tecnica.
Bouguereau "Pleiadi"
Bouguereau "Umore"
Cabanel "La nascita di Venere"
IMPRESSIONISMO
I rappresentanti dello stile hanno cercato di catturare il mondo reale nella sua mobilità e variabilità nel modo più naturale e imparziale, per trasmettere le loro impressioni fugaci. L'impressionismo francese non ha sollevato problemi filosofici. Invece, l'impressionismo si concentra sulla superficialità, la fluidità del momento, l'umore, l'illuminazione o l'angolo di vista. I loro dipinti rappresentavano solo gli aspetti positivi della vita, non violavano i problemi sociali e aggiravano problemi come la fame, la malattia, la morte. Le trame bibliche, letterarie, mitologiche, storiche inerenti all'accademismo ufficiale furono scartate. Hanno preso argomenti di flirt, balli, soggiorni in caffè e teatri, gite in barca, spiagge e giardini. A giudicare dai dipinti degli impressionisti, la vita è una serie di piccole vacanze, feste, piacevoli passatempi fuori città o in un ambiente amichevole.
Boldini "Moulin Rouge"
Renoir "Ritratto di Jeanne Samary"
Manet "Colazione sull'erba"
Mayo "RosaBrava"
Lautrec "Donna con l'ombrello"
SIMBOLISMO
I simbolisti hanno cambiato radicalmente non solo vari tipi di arte, ma anche l'atteggiamento stesso nei suoi confronti. La loro natura sperimentale, il desiderio di innovazione, il cosmopolitismo sono diventati un modello per la maggior parte dei movimenti artistici contemporanei. Hanno usato simboli, understatement, allusioni, mistero, mistero. Lo stato d'animo principale era spesso il pessimismo, che raggiungeva il punto di disperazione... A differenza di altre tendenze nell'arte, il simbolismo suggerisce l'espressione di idee "irraggiungibili", a volte mistiche, immagini di Eternità e Bellezza.
Redon "Ofelia"
Franz von Stuck "Salomè"
Watts "Speranza"
Rossetti "Persefone"
MODERNO
L'Art Nouveau si è sforzato di unire le funzioni artistiche e utilitarie delle opere create, per coinvolgere tutte le sfere dell'attività umana nella sfera della bellezza. Di conseguenza, l'interesse per arti applicate: interior design, ceramiche, grafica del libro. Gli artisti dell'Art Nouveau hanno tratto ispirazione dall'arte antico Egitto e antiche civiltà. La caratteristica più notevole dell'Art Nouveau era il rifiuto degli angoli retti e delle linee a favore di linee più morbide e curve. Spesso gli artisti moderni hanno preso ornamenti dal mondo vegetale come base dei loro disegni.
Klimt "Ritratto di Adele Bloch-Bauer I"
Klimt "Danae"
Klimt "Le tre età della donna"
Vola "Frutta"
ESPRESSIONISMO
L'espressionismo è uno dei movimenti artistici più influenti del XX secolo. L'espressionismo è nato come reazione alla crisi più acuta del primo quarto del XX secolo, la prima guerra mondiale e i successivi movimenti rivoluzionari, la bruttezza della civiltà borghese, che ha portato al desiderio di irrazionalità. Sono stati usati i motivi del dolore, le urla, il principio dell'espressione ha cominciato a prevalere sull'immagine.
Modigliani. Con l'aiuto dei corpi e dei volti delle donne, cerca di penetrare nell'anima dei suoi personaggi. “Mi interessa l'essere umano. Il volto è la più grande creazione della natura. Lo uso instancabilmente”, ha ripetuto.
Modigliani "Nudo addormentato"
Schiele "Donna in calze nere"
CUBISMO
Il cubismo è un movimento modernista in belle arti(principalmente in pittura) del primo quarto del XX secolo, che ha portato alla ribalta il compito formale di costruire una forma tridimensionale su un piano, minimizzando le funzioni visive e cognitive dell'arte. L'emergere del cubismo è tradizionalmente datato al 1906-1907 ed è associato al lavoro di Pablo Picasso e Georges Braque. In generale, il cubismo rappresentava una rottura con la tradizione dell'arte realistica sviluppata durante il Rinascimento, compresa la creazione illusione visiva pace in aereo. Il lavoro dei cubisti era una sfida alla bellezza standard dell'arte da salotto, alle vaghe allegorie del simbolismo e alla fragilità della pittura impressionista. Entrando nella cerchia dei movimenti ribelli, anarchici, individualisti, il cubismo si distinse tra questi per la sua gravitazione verso l'ascetismo del colore, verso forme semplici, pesanti, tangibili e motivi elementari.
Picasso "Donna piangente"
Picasso "Suonare il mandolino"
Picasso "Le ragazze di Avignone"
SURREALISMO
Il concetto di base del surrealismo, surrealtà- la combinazione di sogno e realtà. Per fare ciò, i surrealisti hanno offerto una combinazione assurda e contraddittoria di immagini naturalistiche attraverso il collage e spostando l'oggetto dallo spazio non artistico allo spazio artistico, grazie al quale l'oggetto si apre con lato inaspettato, in esso compaiono proprietà che non sono state notate al di fuori del contesto artistico. I surrealisti si sono ispirati all'ideologia della sinistra radicale, ma hanno proposto di avviare la rivoluzione dalla propria coscienza. L'arte è stata concepita da loro come il principale strumento di liberazione. Questa direzione si è sviluppata grande influenza La teoria della psicoanalisi di Freud. Il surrealismo era radicato nel simbolismo ed è stato inizialmente influenzato da artisti simbolisti come Gustave Moreau e Odilon Redon. Molti degli artisti popolari erano surrealisti, tra cui René Magritte, Max Ernst, Salvador Dalì, Alberto Giacometti.
Gil Elvgren (1914-1980) è stato uno dei maggiori artisti pin-up del ventesimo secolo. Per tutto il mio attività professionale iniziata a metà degli anni '30 e durata oltre quarant'anni, si è affermata come una delle preferite dai collezionisti e dai fan delle pin-up di tutto il mondo. E sebbene Gil Elvgren sia considerato principalmente un artista pin-up, merita il titolo di un classico illustratore americano che è stato in grado di coprire varie aree dell'arte commerciale.
25 anni di lavoro per la pubblicità Coca-Cola lo hanno aiutato ad affermarsi come uno dei grandi illustratori in questo campo. Le pubblicità della Coca-Cola includevano immagini pin-up delle ragazze di Elvgren, la maggior parte di queste illustrazioni raffiguranti tipiche famiglie americane, bambini, adolescenti - persone normali facendo attività quotidiane. Durante la seconda guerra mondiale e la guerra di Corea, Elvgren ha persino disegnato illustrazioni tema militare per Coca-Cola, alcune delle quali sono diventate "icone" in America.
Il lavoro di Elvgren per Coca-Cola rappresentava il sogno americano di una vita sicura e confortevole, e alcune illustrazioni di storie di riviste raffiguravano le speranze, le paure e le gioie dei loro lettori. Queste immagini sono state pubblicate negli anni '40-'50 in una serie di note riviste americane come McCall's, Cosmopolitan, Good Housekeeping e Woman's Home Companion. Insieme a Coca-Cola, Elvgren ha lavorato anche con Orange Crush, Schlitz Beer, Sealy Mattress, General Electric, Sylvania e Napa Auto Parts.
Elvgren si è distinto non solo per i suoi dipinti e la grafica pubblicitaria, ma lo era anche fotografo professionale, che maneggiava la macchina fotografica con la stessa destrezza con cui maneggiava il pennello. Ma la sua energia e il suo talento non si sono fermati qui: inoltre, era un insegnante, i cui studenti sono poi diventati artisti famosi.
Anche in prima infanzia Elvgren è stato ispirato dalle immagini famosi illustratori. Ogni settimana strappava pagine e copertine da riviste con immagini che gli piacevano, a seguito delle quali raccoglieva vasta collezione, che ha lasciato il segno nel lavoro del giovane artista.
Il lavoro di Elvgren fu influenzato da molti artisti, come Felix Octavius Carr Darley (1822-1888), il primo artista che riuscì a confutare la superiorità delle scuole di illustrazione inglese ed europea sull'arte commerciale americana; Norman Rockwell (1877-1978), che Elvgren conobbe nel 1947, e questo incontro segnò l'inizio di una lunga amicizia; Charles Dana Gibson (Charles Dana Gibson) (1867-1944), dal cui pennello nacque l'ideale di una ragazza, che combinava "vicino" (ragazza della porta accanto) e "ragazza dei sogni" (ragazza dei tuoi sogni) , Howard Chandler Christy, John Henry Hintermeister (1870-1945) e altri.
Elvgren ha studiato da vicino il lavoro di questi artisti classici, a seguito del quale ha creato la base su cui il ulteriori sviluppi arte pin-up.
Quindi, Gil Elvgren è nato il 15 marzo 1914, è cresciuto a St. Paul Minneapolis. I suoi genitori, Alex e Goldie Elvgren, possedevano un negozio in centro che vendeva carta da parati e vernici.
Dopo il diploma di scuola superiore, Gil voleva diventare architetto. I suoi genitori approvarono questo desiderio, poiché notarono il suo talento per il disegno quando, all'età di otto anni, il ragazzo fu allontanato da scuola perché dipingeva i margini dei libri di testo. Elvgren alla fine si iscrisse all'Università del Minnesota per studiare architettura e design mentre frequentava corsi d'arte istituto d'arte Minneapolis. Fu lì che si rese conto che il disegno lo interessava molto di più che progettare edifici.
Nell'autunno dello stesso anno, Elvgren sposò Janet Cummins. E qui, su Capodanno gli sposi si trasferiscono a Chicago, dove c'erano molte opportunità per gli artisti. Certo, avrebbero potuto scegliere New York, ma Chicago era più vicina e più sicura.
All'arrivo a Chicago, Gil ha cercato di fare di tutto per sviluppare la sua carriera. Si iscrisse alla prestigiosa American Academy of Arts in centro, dove fece amicizia con Bill Mosby, un artista esperto e un insegnante che è sempre stato molto orgoglioso di vedere Gil crescere sotto la sua guida.
Quando Gil Elvgren è arrivato all'Accademia, ovviamente, aveva talento, ma non si è distinto dalla maggior parte degli studenti che hanno studiato lì. Ma solo una cosa lo distingueva dagli altri: sapeva esattamente cosa voleva. Soprattutto voleva esserlo un bravo artista. In due anni di studio ha perfezionato un corso pensato per tre e mezzo: frequentava le lezioni la sera, d'estate. Nel tempo libero dipingeva sempre.
È stato un buon studente e ha lavorato più degli altri. Jill ha frequentato tutti i corsi in cui poteva acquisire almeno una certa conoscenza della pittura. In due anni fece progressi fenomenali e divenne uno dei migliori diplomati dell'Accademia.
Jill è un'artista straordinaria che pochi possono eguagliare. Forte di corporatura, sembra un giocatore di football; le sue grandi mani non assomigliano affatto alle mani di un artista: la matita vi “nasconde” letteralmente, ma l'accuratezza e la minuziosità dei suoi movimenti possono essere paragonate solo all'abilità di un chirurgo.
Durante la sua permanenza all'istituto, Gil non ha mai smesso di lavorare. Le sue illustrazioni adornavano già gli opuscoli e le riviste dell'accademia dove studiava.
Lì Gil incontrò molti artisti che divennero suoi amici per tutta la vita, come: Harold Anderson (Harold Anderson), Joyce Ballatrin (Joyce Ballantyne).
Nel 1936, Jill e sua moglie tornarono nella loro città natale, dove aprirono il loro studio. Poco prima realizza il suo primo lavoro su commissione a pagamento: una copertina per una rivista di moda, che ritrae bell'uomo vestito con una giacca doppiopetto e pantaloni estivi di colore chiaro. Subito dopo che Elvgren ha inviato il suo lavoro al cliente, il direttore dell'azienda lo ha chiamato per congratularsi con lui e ordinare un'altra mezza dozzina di copertine.
Poi è arrivata un'altra commissione interessante, che era quella di disegnare le cinque gemelle Dionne (Dionne Quintuplets), la cui nascita è diventata una sensazione per i media. Il cliente era Brown and Biglow, il più grande editore di calendari. Quest'opera è stata stampata nei calendari del 1937-1938, venduti in milioni di copie. Da allora, Elvgren ha iniziato a disegnare le ragazze più famose d'America, cosa che gli ha portato un grande successo. Altre società iniziarono a invitare Elvgren a collaborare, ad esempio la concorrente di Brown e Biglow, Louis F. Dow Calendar Company. Le opere dell'artista iniziarono ad essere stampate su opuscoli, giocando a carte e persino scatole di fiammiferi. Poi molti dei suoi dipinti a grandezza naturale realizzati per la Royal Crown Soda sono apparsi nei negozi di alimentari. Lo stesso anno diventa particolarmente importante per Elvgren, poiché lui e sua moglie hanno avuto la loro prima figlia, Karen.
Elvgren continua a prendere ordini e decide di tornare a Chicago con la sua famiglia. Presto incontrò Haddon H. Sundblom (1899-1976), che era il suo idolo. Sandblom ha un'enorme influenza sul lavoro di Elvgren.
Grazie a Sundblom, Elvgren è diventato un artista pubblicitario per Coca-Cola. Fino ad ora, queste opere sono icone nella storia dell'illustrazione americana.
Subito dopo il bombardamento di Pearl Harbor, a Elvgren fu chiesto di dipingere quadri per la campagna militare. Il suo primo disegno per questa serie fu pubblicato nel 1942 sulla rivista Good Housekeeping con il titolo "Lei sa cos'è veramente la "libertà"" e raffigurava una ragazza vestita con un'uniforme da ufficiale della Croce Rossa.
Nel 1942 nacque Jill Jr. e nel 1943 sua moglie aspettava già un terzo figlio. La famiglia di Elvgren, tuttavia, crebbe, così come i suoi affari. Jill è impegnata in progetti pubblicitari e vende anche il suo vecchio lavoro. Si godeva la vita, poiché lui stesso lo era già artista rispettato e un felice padre di famiglia. Quando nella sua famiglia nacque il terzo figlio, Elvgren riceveva già circa 1.000 dollari per quadro, vale a dire circa $ 24.000 all'anno, che all'epoca era una cifra enorme. Ciò significava che Gil poteva diventare l'illustratore più pagato negli Stati Uniti e, ovviamente, avere un posto speciale in Brown e Bigelow.
Prima di lavorare esclusivamente per Brown e Bigelow, ha preso la sua prima (e unica) commissione dalla ditta di Filadelfia di Joseph Hoover. Per evitare problemi con Brown e Bigelow, accettò l'offerta a condizione che il dipinto non fosse firmato. Per questo lavoro, chiamato "Dream Girl", ha ricevuto $ 2.500, perché. era il più grande che avesse mai dipinto (101,6 cm x 76,2 cm).
La collaborazione con Brown e Bigelow ha permesso a Elvgren di continuare a dipingere per Coca-Cola, sebbene potesse lavorare per qualsiasi altra azienda che non avesse conflitti con Brown e Bigelow. Iniziò così nel 1945 una collaborazione tra Elvgren e Brown e Bigelow che durò oltre trent'anni.
Il regista di Brown e Bigelow Charles Ward ha reso riconoscibile il nome di Elvgren. Ha anche suggerito a Gil di realizzare una pin-up nuda, a cui l'artista ha accettato con grande entusiasmo. Questo dipinto rappresentava una ninfa bionda nuda su una spiaggia, sotto un lilla blu-viola chiaro di luna. Questa illustrazione è stata rilasciata in un mazzo di carte, insieme al lavoro di un altro artista - ZoÎ Mozert. L'anno successivo, Ward commissionò a Elvgren un'altra pin-up nuda per altre mappe, ma questa volta Elvgren lo fece interamente da solo. Questo progetto ha battuto i record di vendita di Brown e Bigelow ed è stato chiamato "Mais Oui di Gil Elvgren".
I primi tre progetti di pin-up per Brown e Bigelow sono diventati i bestseller dell'azienda dopo solo un paio di settimane. Queste immagini furono presto utilizzate per giocare a carte.
Entro la fine del decennio, Elvgren era diventato l'artista Brown e Bigelow di maggior successo, grazie ai media, il suo lavoro era ampiamente conosciuto dal pubblico, persino le riviste pubblicavano articoli su di lui. Le aziende con cui ha lavorato includevano Coca-Cola, Orange Crush, Schlitz, Red Top Beer, Ovaltine, Royal Crown Soda, Campana Balm, General Tire, Sealy Mattress, Serta Perfect Sleep, Napa Auto Parts, Detzler Automotive Finishes, Frankfort Distilleries, Four Roses Blended Whisky, General Electric Appliance e Pangburn's Chocolates.
Di fronte a una tale richiesta per il suo lavoro, Elvgren pensò di aprire un suo studio, perché c'erano già molti artisti che ammiravano il suo lavoro e la cosiddetta "pittura maionese" (il cosiddetto stile di Sandblom e Elvgren perché i colori su le opere sembravano “cremose” e lisce come la seta). Ma dopo aver soppesato tutti i pro ei contro, ha abbandonato questa idea.
Gil Elvgren ha viaggiato molto, ha incontrato molte persone influenti. Il suo stipendio alla Brown and Bigelow è passato da $ 1.000 per tela a $ 2.500 e ha dipinto 24 dipinti all'anno, inoltre ha ricevuto una percentuale delle riviste che hanno stampato le sue illustrazioni. Si è trasferito con la sua famiglia a nuova casa nel sobborgo di Winnetka, dove ha iniziato a costruire il suo studio in soffitta, che gli ha permesso di lavorare in modo ancora più produttivo.
Gil aveva un gusto eccellente ed era anche spiritoso. Il suo lavoro è sempre una composizione interessante, combinazioni di colori, e pose e gesti attentamente studiati li rendono vivi ed emozionanti. I suoi dipinti sono sinceri. Gil ha sentito l'evoluzione della bellezza femminile, che era molto importante. Pertanto, Elvgren era sempre richiesto dai clienti.
Nel 1956 Gil si trasferì con la sua famiglia in Florida. Era completamente soddisfatto del nuovo luogo di residenza. Lì ha aperto uno studio eccellente, dove ha studiato Bobby Toombs, che è diventato giustamente un artista riconosciuto. Ha detto che Elvgren era un eccellente insegnante che gli ha insegnato a usare tutte le sue abilità in modo ponderato.
In Florida, Gil ha dipinto un numero enorme di ritratti, tra i suoi modelli c'erano Myrna Loy, Arlene Dahl, Donna Reed, Barbara Hale, Kim Novak. Negli anni '50 e '60, ogni aspirante modella o attrice vorrebbe che Elvgren disegnasse una ragazza a sua somiglianza, che poi sarebbe stata stampata su calendari e poster.
Elvgren era sempre alla ricerca di nuove idee per i suoi dipinti. Sebbene molti dei suoi amici artisti lo abbiano aiutato in questo, ha fatto affidamento soprattutto sulla sua famiglia: ha discusso le sue idee con sua moglie e i suoi figli.
Elvgren ha lavorato in una cerchia di artisti a cui ha insegnato o, al contrario, da cui ha studiato; che erano i suoi amici con i quali aveva molto in comune. Tra loro c'erano Harry Anderson, Joyce Ballantyne, Al Buell, Matt Clark, Earl Gross, Ed Henry, Charles Kingham e altri.
Gil Elvgren è vissuto vita piena. Da appassionato escursionista, amava la pesca e la caccia. Poteva passare ore in piscina, si era affezionato macchine da corsa, condivideva anche con i figli la passione per il collezionismo di armi antiche.
Nel corso degli anni, Elvgren ha avuto molti assistenti in studio, la maggior parte dei quali in seguito lo sono diventati artisti di successo. Quando Elvgren è stato costretto a rifiutarsi di collaborare con le aziende a causa di enorme quantità lavoro, i direttori artistici hanno accettato di aspettare un anno, o anche di più, se solo Jill avesse lavorato per loro.
Ma tutto questo successo di Gil nel 1966 fu oscurato dalla terribile tragedia che colpì la sua famiglia: la moglie di Gil, Janet, morì di cancro. Successivamente, si è immerso ancora di più nel lavoro. La sua popolarità rimane invariata, non deve preoccuparsi di nulla se non del risultato del suo lavoro. Fu il periodo migliore della carriera di Elvgren, se non fosse per la morte della moglie.
L'abilità di trasferimento di Elvgren bellezza femminile era insuperabile. Mentre disegnava, di solito si sedeva su una sedia a rotelle in modo da potersi muovere facilmente e guardare il disegno angoli diversi, e un grande specchio dietro di lui gli ha permesso di avere un'idea generale dell'intero quadro. Le ragazze erano la cosa principale nel suo lavoro: preferiva modelle di 15-20 anni che stavano appena iniziando la loro carriera, poiché avevano un'immediatezza che scompare con l'esperienza. Quando gli è stato chiesto della sua tecnica, ha detto che aggiunge i suoi tocchi: allunga le gambe, allarga il petto, restringe la vita, rende le labbra più carnose, gli occhi più espressivi, il naso camuso, conferendo così alla modella più attrattiva. Elvgren elaborava sempre attentamente le sue idee dall'inizio alla fine: selezionava il modello, gli oggetti di scena, l'illuminazione, la composizione, anche i capelli erano molto importanti. Dopotutto, ha fotografato la scena e ha iniziato a dipingere.
Una caratteristica distintiva del lavoro di Gil era che, guardando i dipinti, sembrava che le ragazze in essi stessero per prendere vita, salutare o offrirsi di bere una tazza di caffè. Sembravano carini e pieni di entusiasmo. Sempre affascinanti, armate di un sorriso amichevole, anche durante la guerra hanno dato ai soldati la forza e la speranza di tornare a casa delle loro ragazze.
Molti artisti sognavano di dipingere come faceva Elvgren e tutti ammiravano il suo talento e il suo successo.
Ogni anno dipingeva con maggiore facilità e professionalità, i suoi primi dipinti apparivano più "duri" di quelli successivi. Ha raggiunto l'apice dell'eccellenza nel suo campo.
Il 29 febbraio 1980, Gil Elvgren, un uomo che si era dedicato a rendere felici le persone con la sua arte, morì di cancro all'età di 65 anni. Suo figlio Drake ha trovato nello studio di suo padre l'ultimo dipinto incompiuto, ma comunque magnifico per Brown e Bigelow. Sono passati tre decenni dalla morte di Elvgren, ma la sua arte vive ancora. Senza dubbio Elvgren passerà alla storia come artista che ha dato un grande contributo all'arte americana del XX secolo.
L'artista e fotografo cinese Dong Hong-Oai è nato nel 1929 ed è morto nel 2004 all'età di 75 anni. Ha lasciato opere incredibili create nello stile del pittorialismo: fotografie straordinarie, simili alle opere del tradizionale pittura cinese.
Dong Hong-Oai è nato nel 1929 nella città di Guangzhou, nella provincia del Guangdong, in Cina. Ha lasciato il paese all'età di sette anni dopo la morte improvvisa dei suoi genitori.
Essendo il più giovane di 24 figli, Dong è andato a vivere in una comunità cinese a Saigon, in Vietnam. In seguito ha visitato la Cina diverse volte, ma non ha mai più vissuto in quel paese.
Al suo arrivo a Saigon, Dong divenne apprendista in uno studio fotografico di immigrati cinesi. Lì ha imparato le basi della fotografia. Ha anche sviluppato una passione per la fotografia naturalistica, cosa che ha fatto spesso con una delle fotocamere dello studio. Nel 1950, all'età di 21 anni, entrò alla Vietnam National University of Arts.
Nel 1979 tra repubblica socialista Il Vietnam e la Repubblica popolare cinese hanno aperto un confine insanguinato. Il governo vietnamita ha avviato una politica repressiva contro l'etnia cinese che vive nel paese. Di conseguenza, Dong divenne uno dei milioni di "battellieri" fuggiti dal Vietnam tra la fine degli anni '70 e l'inizio degli anni '80.
All'età di 50 anni, senza parlare inglese e senza famiglia o amici negli Stati Uniti, Dong arrivò a San Francisco. È stato persino in grado di acquistare una piccola stanza per sviluppare le sue fotografie.
Vendendo le sue fotografie alle fiere di strada locali, Dong è stato in grado di guadagnare abbastanza soldi per tornare periodicamente in Cina per scattare fotografie.
Inoltre, ebbe l'opportunità di studiare per qualche tempo sotto Lung Ching-San a Taiwan.
Lung Ching-San, morto nel 1995 all'età di 104 anni, ha sviluppato uno stile fotografico basato sulla rappresentazione tradizionale cinese della natura.
Per secoli, gli artisti cinesi hanno creato maestosi paesaggi monocromatici utilizzando semplici pennelli e inchiostro.
Questi dipinti non dovevano rappresentare esattamente la natura, dovevano trasmettere l'atmosfera emotiva della natura. IN l'anno scorso Dopo gli imperi Song e Yuan, gli artisti iniziarono a combinare tre diverse forme d'arte su una tela... poesia, calligrafia e pittura.
Si credeva che questa sintesi di forme permettesse all'artista di esprimersi pienamente.
Lung Chin-San, nato nel 1891, ha studiato proprio questa tradizione classica nella pittura. Ad un certo punto della sua lunga carriera, Lun iniziò a sperimentare il trasferimento dello stile artistico impressionista alla fotografia.
Pur mantenendo un approccio stratificato alla scala, ha sviluppato un metodo per stratificare i negativi che corrispondevano a tre livelli di distanza. Long ha insegnato questo metodo a Dong.
Cercando di imitare il tradizionale stile cinese, Dong ha aggiunto la calligrafia alle foto.
Il nuovo lavoro di Dong, basato sull'antica pittura cinese, ha iniziato ad attirare l'attenzione della critica negli anni '90.
Non aveva più bisogno di vendere le sue fotografie alle fiere di strada; ora era rappresentato da un agente e il suo lavoro iniziò ad essere venduto nelle gallerie di Stati Uniti, Europa e Asia.
Non doveva più dipendere dai singoli clienti; il suo lavoro era ora ricercato non solo da collezionisti d'arte privati, ma anche da acquirenti aziendali e musei. Aveva circa 60 anni quando raggiunse un qualsiasi livello di successo finanziario per la prima volta nella sua vita.
Il pittorialismo è un movimento fotografico emerso intorno al 1885 dopo l'ampia presentazione del processo fotografico su una lastra da stampa non inumidita. Il movimento raggiunse il suo apice all'inizio del XX secolo e il periodo di declino arrivò nel 1914, dopo l'emergere e la diffusione del modernismo.
I termini "pittorialismo" e "pittorialista" divennero di uso comune dopo il 1900.
Il pittorialismo entra in contatto con l'idea che la fotografia artistica debba imitare la pittura e l'incisione di quel secolo.
La maggior parte di queste fotografie erano in bianco e nero o in tonalità seppia. Tra i metodi utilizzati c'erano: messa a fuoco instabile, filtri speciali e rivestimento delle lenti, nonché processi di stampa esotici.
Lo scopo di tali tecniche era raggiungere "l'espressione personale dell'autore".
Nonostante questo obiettivo di autoespressione, il meglio di queste fotografie correva parallelamente allo stile impressionista, non al passo con la pittura contemporanea.
Guardando indietro, si può anche vedere uno stretto parallelismo tra composizione e oggetto pittorico. quadri di genere e fotografie nello stile del pittorialismo.