DICHIARAZIONI SULLA MUSICA

Aforismi di compositori stranieri:

1. Lo scopo della musica è toccare i cuoriJohann Sebastian Bach)
2. Musica mediatore tra la vita della mente e la vita dei sensi. (Ludwig van Beethoven)
3. Musica dovrebbe accendere il fuoco dal cuore delle persone. (Ludwig van Beethoven)
4. Ringrazia dove puoi

Ama soprattutto la libertà

E anche al trono reale

Non rinunciare alla verità. (Ludwig van Beethoven)

1. Descrivere è compito della pittura, anche la poesia può ritenersi felice sotto questo aspetto rispetto alla musica, il suo ambito non è così limitato come il mio. Ma d'altra parte, il mio si estende molto più in là in altri regni, e i miei possedimenti non vengono violati così facilmente. (Ludwig van Beethoven)
2. La musica è una rivelazione più alta della saggezza e della filosofia. (Ludwig van Beethoven)
3. La musica è un bisogno delle persone. (Ludwig van Beethoven)
4. Per una persona con talento e amore per il lavoro non ci sono barriere. (Ludwig van Beethoven)
5. La più alta distinzione dell'uomo è la perseveranza nel superare gli ostacoli più crudeli. (Ludwig van Beethoven)
6. ... chiunque agisca moralmente e nobilmente può, proprio in virtù di questo, sopportare la sfortuna. (Ludwig van Beethoven)
7. Un vero artista che ama l'arte soprattutto non è mai soddisfatto di se stesso e cerca di andare sempre oltre. (Ludwig van Beethoven)
8. Non c'è regola che non possa essere infranta per il bene di qualcosa di più bello. (Ludwig van Beethoven)
9. Non sono ancora stati eretti tali avamposti che direbbero al talento emergente: finora e non oltre. (Ludwig van Beethoven)
10. scrivere musica non è difficile, la cosa più difficile è cancellare le note extra. ( Johann Brahms)
11. Musica non può pensare, ma può incarnare un pensiero. ( Riccardo Wagner)
12. La melodia è l'unica forma di musica; senza melodia, la musica è impensabile, e musica e melodia sono inseparabili. ( Riccardo Wagner)
13. Basta volere e ci sarà arte! ( Riccardo Wagner)
14. L'errore nel genere artistico dell'opera è stato che il mezzo di espressione (la musica) è diventato l'obiettivo e l'obiettivo dell'espressione (il dramma) è diventato il mezzo. ( Riccardo Wagner)
15. La vera arte può elevarsi dal suo stato di civilizzata barbarie alla sua degna altezza solo sulle spalle del nostro grande movimento sociale; lui e lui hanno un obiettivo comune e possono raggiungerlo solo a condizione che entrambi lo riconoscano. Questo obiettivo è un uomo bello e forte; lascia che la Rivoluzione gli dia Forza, Arte - Bellezza. ( Riccardo Wagner)
16. ...al di fuori della vita, l'arte degna deve perire... ( Riccardo Wagner)
17. La musica è il vero linguaggio umano universale. (Carlo Maria von Weber)
18. Per comporre musica, devi prima di tutto averla nell'anima! ( Giuseppe Verdi)
19. La musica non dovrebbe proteggerci dalla vita. Dopotutto, tutto ciò di cui viviamo: le nostre sofferenze, le nostre gioie - tutto questo deve a piena voce suono nella musica. Noi in esso, come nella vita, dobbiamo essere sinceri. ( Giuseppe Verdi)
20. Melodia, armonia, recitazione, canto appassionato, effetti orchestrali e colori non sono altro che mezzi. ( Giuseppe Verdi)
21. Crea buona musica con questi strumenti. ( Giuseppe Verdi)
22. Una buona strumentazione non consiste in varietà ed effetti straordinari: è buona. quando si esprime qualcosa. ( Giuseppe Verdi)
23. La bellezza della musica è nella melodia. ( Giuseppe Haydn)
24. mi dispiacerebbe molto. se la mia musica intratteneva solo i miei ascoltatori: aspiravo a renderli migliori. (Georg Friedrich Händel)
25. Semplicità, verità e naturalezza: questi sono i tre grandi principi della bellezza in tutte le opere d'arte. (Christoph Wellibald Gluck)
26. Le parole a volte hanno bisogno di musica, ma musica non ha bisogno di niente. ( Edward Grieg)
27. L'arte è un cuore capace di pensare. ( Carlo Gounod)
28. sono riuscito a vedere grande luce, ma ovunque e sempre sono rimasto quello che ero, un semplice musicista ceco. ( Antonino Dvorak)
29. La musica è l'aritmetica dei suoni, così come l'ottica è la geometria della luce. ( Claudio Debussy)
30. La musica artistica nasce dalla musica popolare. È la sua stretta continuazione, un elegante grado avanzato. ( Zoltán Kodaly)
31. La musica è il linguaggio del mondo invisibile che ci circonda e, come ogni cosa misteriosa, eccita profondamente tutto il mio essere. ( Ljubica Marich)
32. La musica domina in modo autocratico e ti fa dimenticare tutto il resto. (Wolfgang Amadeus Mozart)
33. La poesia è la figlia obbediente della musica. (Wolfgang Amadeus Mozart)
34. La musica, anche nelle situazioni drammatiche più terribili, deve sempre catturare l'orecchio, rimanere sempre musica! (Wolfgang Amadeus Mozart)
35. La musica è l'architettura dei suoni; questa è un'arte plastica che forma la vibrazione dell'aria invece dell'argilla... ( Camille Saint-Saëns)
36. La musica non ha patria; la patria è il suo universo. ( Fryderyk Chopin)
37. L'espressione dei pensieri attraverso i toni, la scoperta dei sentimenti attraverso questi toni, l'arte di esprimersi nei toni - c'è la musica! ( Fryderyk Chopin)
38. La musica è come il dramma. La regina (melodia) ha più potere, ma la decisione spetta sempre al re. ( Roberto Schumann)
39. Con chi non gioca pianoforte , non ci gioca neanche. (Roberto Schumann )
40. Le dita dovrebbero creare sul pianoforte ciò che vuole la testa - e non viceversa. (Roberto Schumann )
41. Suona sempre come se l'artista ti stesse ascoltando. ( Roberto Schumann)
42. ... La musica nel suo senso più alto è in grado di incarnare tutta la multiforme concretezza della vita reale: gli stati d'animo più sottili e speciali, la vita di un individuo e la vita dei popoli, il carattere nazionale del paese e la sua natura ! ( Roberto Schumann)
43. Per me il programma poetico non è altro che un'occasione creativa sia per creare una forma espressiva che per lo sviluppo musicale delle mie sensazioni, e non solo una descrizione musicale di famosi eventi della vita. ( Riccardo Strauss)
44. Disegno... Disegno una sonata... Che gioia è lavorare sodo, furiosamente, senza tregua, quasi fino a perdere conoscenza, dimenticando tutto. (Mikalojus Ciurlionis)
45. La musica deve venire dal cuore per arrivare al cuore. ( Giorgio Enescu)

Aforismi di personaggi stranieri di spicco:

1. LA MUSICA È IL POTERE PIÙ GRANDE. PUÒ FAR AMARE E ODIARE UN UOMO, PERDONARE E UCCIDERE.Dagli insegnamenti degli antichi filosofi greci)
2. Quando percepiamo con l'orecchio ritmo e melodia il nostro stato mentale cambia. (Aristotele )
3. Musica lava via la polvere della vita quotidiana dall'anima. (Bertoldo Averbakh )
4. Solo la musica è la lingua del mondo e non ha bisogno di traduzione, perché l'anima parla. (Bertoldo Averbakh )
5. La musica è l'unica lingua del mondo, non ha bisogno di essere tradotta, l'anima parla all'anima in essa. ( Averbach)
6. Noi non ascoltiamo musica, ma la musica ascolta noi. ( Teodoro Adorno)
7. Cos'è la musica se non suoni che cambiano e si muovono nel tempo. (Leonardo Bernstein)
8. Cos'è la musica ? Occupa un posto tra il pensiero e l'apparenza; come una mediatrice prima dell'alba, sta tra lo spirito e la materia; relativo a entrambi, è diverso da loro; questo è uno spirito che ha bisogno di tempo misurato; è materia che fa a meno dello spazio ( Heinrich Heine)
9. La musica è l'ultima parola d'arte... ( Heinrich Heine)
10. La grandezza dell'arte si vede più chiaramente in musica. ( Johann Wolfgang Goethe )
11. La musica è la più alta delle arti.(Johann Wolfgang Goethe )
12. La musica "piacevole all'orecchio" è come un libro "piacevole da guardare". ( Giuseppe Hoffmann)
13. Il segreto della musica è che trova una fonte inesauribile dove la parola tace. (Ernst Theodor Amadeus Hoffmann)
14. Di tutti i rumori conosciuti dall'uomo, la musica è il rumore più costoso. ( Teofilo Gauthier)
15. scrivere di musica È come ballare sull'architettura. ( Franco Zappa)
16. La musica con la sua melodia ci porta al limite dell'eternità e ci dà l'opportunità per alcuni minuti di comprenderne la grandezza ( Thomas Carlley)
17. La distruzione di qualsiasi stato inizia con la distruzione della sua musica. Un popolo senza musica pura e luminosa è destinato alla degenerazione. (proverbio cinese)
18. La musica unisce i popoli, la sua lingua è comprensibile a tutti, aiuta a comprendere il magazzino spirituale della nazione. ( vanCliburn)
19. La musica è l'arte della tristezza e della gioia senza motivo. (Tadeusz Kotarbinski)
20. Non c'è musica più dolce al mondo del suono della tua voce preferita. ( Jean de La Bruyère)
21. La musica è il linguaggio universale dell'umanità. (Henry Wadsworth Longfellow)
22. La musica è il miglior conforto per una persona triste. ( Martin Lutero)
23. Senza musica la vita sarebbe un errore. ( Friedrich Nietzsche )
24. Dio ci ha dato la musica perché prima di tutto ne fossimo attratti verso l'alto... ( Friedrich Nietzsche )
25. Musica ispira il mondo intero, fornisce le ali all'anima, favorisce il volo dell'immaginazione. ( Platone)
26. ...la più grande delle meraviglie della musica che riguarda solo il movimento è la sua capacità di trasmettere loro anche l'immagine della pace. Il sonno, l'immobilità della notte, la solitudine e persino l'immobilità sono tra i quadri musicali. La pittura, che non ha tale potere, non è in grado di imitare la musica nel modo in cui quest'ultima la imita... ( Jean-Jacques Rousseau)
27. L'espressività è una qualità per cui un musicista sente e trasmette con forza tutte le idee che deve trasmettere, e tutti quei sentimenti che deve esprimere... ( Jean-Jacques Rousseau)
28. Il campo della musica è disordini spirituali. Lo scopo della musica è quello di eccitare questi disturbi emotivi, e anche lei stessa ne è ispirata. ( Giorgio Sabbia)
29. La musica ravviva in noi la coscienza delle nostre facoltà mentali; i suoi suoni ci ispirano con gli sforzi più nobili. (Anne-Louise Germaine de Staël)
30. Niente evoca il passato con tanta forza quanto la musica; ottiene di più: quando lo invoca, sembra che esso stesso ci passi davanti, avvolto, come le ombre di coloro che ci sono cari, da un velo misterioso e triste. (Anne-Louise Germaine de Staël)
31. ... La musica, quando è perfetta, dà indubbiamente la felicità più luminosa. ( Stendhal)
32. La musica era forse la mia passione più forte e più costosa... Avrei percorso centinaia di leghe, avrei accettato di stare in prigione per settimane, solo per ascoltare Don Giovanni (opera di Mozart) o Il matrimonio segreto (opera di Cimarosa) , e non riesco a immaginare perché altrimenti farei tali sacrifici. ( Stendhal)
33. Usando linguaggio magico musica, puoi ritrovarti istantaneamente in un mondo incredibilmente misterioso e meraviglioso di bellezza e ispirazione. (Leopold Stokowski)
34. Musica - fonte di gioia per le persone sagge. ( Xun Tzu)
35. È impossibile far crescere una persona a tutti gli effetti senza coltivare in lui un senso di bellezza. (Rabindranath Tagore)
36. La musica ci incoraggia a pensare in modo eloquente. (Ralph Waldo Emerson)

Aforismi di compositori russi:

1. Il punto dell'armonia è disegnare quelle caratteristiche che non sono e non possono essere nella melodia. (Mikhail Ivanovic Glinka)
2. Evita di cantare in compagnia di cattivi dilettanti, così o sarai viziato da eccessive lodi, che sono sempre dannose, o ti verranno fatte osservazioni da cui sarai scosso. In compagnia di veri musicisti, canta con coraggio, perché da loro, a parte utili istruzioni, non sentirai altro. (Mikhail Ivanovic Glinka)
3. È possibile coniugare le esigenze dell'arte con le esigenze dell'età e, approfittando del miglioramento degli strumenti e delle prestazioni, scrivere opere teatrali ugualmente riferibili agli intenditori e al pubblico comune. (Mikhail Ivanovic Glinka)
4. Voglio che il suono esprima direttamente la parola. Voglio la verità. (Alexander Sergeevich Dargomyzhsky)
5. La musica non solo ci dà piacere. Lei insegna molto. Lei, come un libro, ci rende migliori, più intelligenti, più gentili. ()
6. Il bagaglio spirituale, a differenza del bagaglio ordinario, ha una proprietà straordinaria: più è grande, più è facile per una persona seguire i sentieri della vita. (Dmitrij Borisovich Kabalevskij)
7. La musica è un'arte che ha un grande potere di impatto emotivo su una persona, ed è per questo che può svolgere un ruolo enorme nell'educazione. persona spirituale bambini e giovani. (Dmitrij Borisovich Kabalevskij)
8. L'arte è forse il miracolo più sorprendente di tutti i miracoli. creato dall'umanità nel corso della storia della sua esistenza, e il sentimento, il pensiero e la bellezza sono indissolubilmente legati in questo miracolo. Perché ingannare le persone, perché impoverire il loro mondo spirituale presentando deformità mediocri, prive di sentimenti, pensieri e bellezza, come le più alte conquiste dell'arte? (Dmitrij Borisovich Kabalevskij)
9. La musica è la più capace di esprimere e trasmettere stati d'animo spirituali. ( Cesare Cui)
10. Capisco le persone come una grande personalità, animata da un'unica idea. Questo è il mio compito! Ho cercato di risolverlo nella mia opera. (Modesto Petrovich Musorgskij)
11. ... Per me un articolo importante è una riproduzione fedele della fantasia popolare, non importa come si manifesti.
12. Che vasto e ricco mondo dell'arte, se una persona è presa come obiettivo!(Modest Petrovich Musorgskij)
13. Le esigenze dell'arte dell'artista contemporaneo sono così enormi che possono inghiottire l'intera persona.(Modest Petrovich Musorgskij)
14. L'arte è un mezzo per conversare con le persone, non un obiettivo... Qualunque sia il discorso che sento, non importa chi parli (ciò che conta di più, non importa quello che dicono), la presentazione musicale di un tale discorso funziona nel mio cervello.. .(Modest Petrovich Musorgskij)
15. Voglio fare le persone: dormo e vedo, mangio e ci penso, bevo - mi sembra, è tutto intero, grande, non colorato e senza foglie. E che terribile (veramente) ricchezza di discorsi popolari. Che minerale inesauribile per la presa di tutto ciò che è reale: la vita del popolo russo!(Modest Petrovich Musorgskij)
16. Nelle masse umane, come in un individuo, ci sono sempre tratti finissimi che sfuggono alla presa, tratti che non sono ancora stati toccati da nessuno: notarli e studiarli nella lettura, nell'osservazione, per congetture, studiarli con tutta la loro coraggio e nutrire l'umanità con loro, come un piatto sano, che non ho ancora provato - questo è il compito! Delizia e pura delizia!(Modest Petrovich Musorgskij)
17. Mi sono messo una croce e, a testa alta, andrò allegramente e allegramente contro tutti verso un obiettivo luminoso, forte, giusto, verso la vera arte, amare una persona, vivere della sua gioia, del suo dolore e della sua sofferenza.(Modest Petrovich Musorgskij)
18. La vita, ovunque colpisca; la verità, non importa quanto salata; discorso audace e sincero alle persone a bruciapelo, questo è il mio lievito, questo è quello che voglio ed è quello che avrei paura di perdermi.(Modest Petrovich Musorgskij)
19. La vita chiama a una nuova opera musicale, un'ampia opera musicale; più avanti, sempre più avanti sulla buona strada, con grande zelo verso nuovi lidi di un'arte ancora sconfinata! Cercare queste sponde, cercare instancabilmente, senza paura e imbarazzo, e stare con piede fermo sulla terra promessa: questo è un compito grande e affascinante!(Modest Petrovich Musorgskij)
20. Il tempo della scrittura per il tempo libero è finito. Dai tutto te stesso alle persone: questo è ciò di cui l'arte ha bisogno ora.(Modest Petrovich Musorgskij)
21. Il compositore, come il poeta, lo scultore, il pittore, è chiamato a servire l'uomo e il popolo. Deve decorare vita umana e proteggila. Prima di tutto, deve essere un cittadino nella sua arte, cantare la vita umana e condurre una persona verso un futuro più luminoso. Tale, dal mio punto di vista, è il codice incrollabile dell'arte. (Sergei Sergeevich Prokofiev)
22. Ora non è il momento in cui la musica è stata scritta per una ristretta cerchia di esteti. Ora enormi folle di persone si sono trovate faccia a faccia con musica seria e stanno aspettando con curiosità. Compositori, prestate attenzione a questo momento; se respingi queste folle, andranno al jazz o dove "Marusya è andata e giace tra i morti". se li mantieni, otterrai un pubblico che non è mai stato da nessuna parte e in nessun momento, ma non ne consegue che devi adattarti a questo pubblico. Le coccole hanno in sé un elemento di insincerità e non è mai uscito nulla di buono dal rattoppare. Le masse vogliono grande musica, grandi eventi, grande amore, balli allegri. Capiscono molto più di quanto pensano alcuni compositori e vogliono migliorare. (Sergei Sergeevich Prokofiev)
23. La musica deve prima di tutto essere amata; dovrebbe venire dal cuore ed essere indirizzata al cuore. Altrimenti, la musica deve essere privata della speranza di essere un'arte eterna e imperitura (Sergei Vasilievich Rahmaninov)
24. Comporre musica è parte integrante della mia esistenza, così come respirare o mangiare sono funzioni necessarie della vita. (Sergei Vasilievich Rahmaninov)
25. La più alta qualità di qualsiasi arte è la sua sincerità! (Sergei Vasilievich Rahmaninov)
26. La musica è quanto di più nobile, di più cordiale, di più sincero, di più affascinante, di più sottile abbia inventato lo spirito umano! (Anton Grigorievich Rubinshtein)

La performance è la seconda creazione di una composizione musicale. (Anton Grigorievich Rubinshtein)

1. Puoi parlare molto e magnificamente, senza dire nulla di meraviglioso; In musica sarà una strumentazione insolita e bella di pensieri insignificanti, in pittura sarà una grande cornice sbarrata per un piccolo quadro insignificante. (Anton Grigorievich Rubinshtein)
2. Un artista non dovrebbe nascere nella ricchezza. Le preoccupazioni per il suo pane quotidiano gli sono persino utili all'inizio: aggiungono drammaticità al suo lavoro. (Anton Grigorievich Rubinshtein)
3. Pensatori e scienziati tengono la testa bassa e per lo più avanti; artisti e poeti tengono la testa all'indietro e di solito guardano in alto. (Anton Grigorievich Rubinshtein)
4. La nazionalità del paese in cui lo scrittore è nato e cresciuto sarà sempre visibile nei suoi scritti, anche se vive in un paese straniero e scrive in una lingua straniera. (Anton Grigorievich Rubinshtein)
5. Le belle donne non sanno invecchiare, gli artisti non sanno uscire di scena in tempo: sbagliano entrambi. (Anton Grigorievich Rubinshtein)
6. Cosa non può fare un uomo se vuole! Deve essere in grado di rendere possibile l'impossibile. Scelgo questo come mio motto! (Anton Grigorievich Rubinshtein)
7. La musica è quanto di più nobile, di più cordiale, di più sincero, di più affascinante, di più sottile abbia inventato lo spirito umano. (Anton Grigorievich Rubinshtein)
8. Le caratteristiche principali e integrali del nuovo nell'arte della musica sono la modernità e la semplicità. (Georgy Vasilievich Sviridov)
9. La vera arte, oltre al piacere, al piacere e alla bellezza puramente estetici (e la grande arte educa al senso della vera bellezza), porta enormi benefici: educa una persona! (Georgy Vasilievich Sviridov)
10. O vita, o slancio creatore,

Desiderio che tutto crea:

Sei tutto. Sei un oceano di passioni, poi infuria. poi calma.

Amo le tue mura, amo la tua gioia (non amo solo la disperazione). (Alexander Nikolaevich Skryabin)

1. È impossibile spiegare completamente la creatività a parole. tutto è una mia creazione. Ma esso stesso esiste solo nelle sue creazioni, è completamente identico a loro. Io non sono niente. Sono solo ciò che creo. (Alexander Nikolaevich Skryabin)
2. Non dobbiamo dimenticare che solo ciò che è radicato tra la gente è duraturo. (Sergei Ivanovich Taneev)
3. Personalmente ho grande fiducia nelle capacità musicali del popolo russo. Dobbiamo fare in modo che le forze creative dormienti della nostra gente irrompano e si manifestino in creazioni che stanno al livello di quelle melodie popolari immortali che costituiscono campioni irraggiungibili per noi, musicisti eruditi. (Sergei Ivanovich Taneev)
4. La gloria fa sentire alle persone che c'è potere in loro, in se stesse, e non c'è niente di più piacevole che sentire il potere in te stesso. (Sergei Ivanovich Taneev)
5. Solo padroneggiando l'esperienza dei grandi musicisti del passato, sviluppando tradizioni realistiche, è possibile creare opere degne nel loro contenuto e nel loro livello della nostra epoca. (Tikhon Nikolaevich Khrennikov)
6. La songness è, credo, il principio melodico che dovrebbe essere presente in ogni opera di qualsiasi compositore, acquisendo le proprie caratteristiche specifiche e individuali in qualsiasi genere musicale. (Tikhon Nikolaevich Khrennikov)
7. bellezza nella musicaconsiste non in un cumulo di effetti e curiosità armoniche, ma in semplicità e naturalezza. (Peter Ilyich Ciajkovskij)
8. Musica c'è un tesoro in cui ogni nazionalità contribuisce con il proprio, per il bene comune. (Peter Ilyich Ciajkovskij)
9. Solo quella musica può toccare, scioccare e ferire, che sgorgava dal profondo dell'anima eccitata dall'ispirazione. (Peter Ilyich Ciajkovskij)
10. Desidero con tutta la forza dell'anima che la mia musica si diffonda, che aumenti il ​​numero di persone che la amano, trovano in essa consolazione e sostegno. (Peter Ilyich Ciajkovskij)
11. Sono cresciuto nel deserto, fin dalla prima infanzia sono stato intriso dell'inspiegabile bellezza dei tratti caratteristici della musica popolare russa. Amo appassionatamente l'elemento russo in tutte le sue manifestazioni. Sono russo nel vero senso della parola. (Peter Ilyich Ciajkovskij)
12. La canzone popolare russa è l'esempio più prezioso arte popolare. La bellezza nella musica non sta in un mucchio di effetti e curiosità armoniche, ma nella semplicità e nella naturalezza. (Peter Ilyich Ciajkovskij)
13. La dissonanza è il più grande potere della musica. (Peter Ilyich Ciajkovskij)
14. L'ispirazione è un tale ospite a cui non piace visitare i pigri. (Peter Ilyich Ciajkovskij)
15. Dove il cuore non viene toccato, non può esserci musica. (Peter Ilyich Ciajkovskij)
16. Anche una persona dotata del sigillo di un genio non crea nulla di non solo eccezionale, ma anche mediocre, se non lavora in modo infernale ... (Peter Ilyich Ciajkovskij)
17. Ognuno a modo suo serve il bene comune - eppure l'arte è, secondo me, un bisogno necessario per l'umanità. Al di fuori del tuo sfera musicale Sono incapace di servire per il bene del mio prossimo. (Peter Ilyich Ciajkovskij)
18. Ciò che è estraneo al cuore umano non può essere fonte di ispirazione musicale! (Peter Ilyich Ciajkovskij)
19. Ama e impara la grande arte musica . Ti aprirà il mondo intero alti sentimenti, passioni, pensieri. Ti renderà spiritualmente più ricco. Grazie alla musica, troverai nuovi poteri a te sconosciuti prima. Vedrai la vita in nuovi toni e colori. (Dmitry Dmitrievich Shostakovich )
20. amanti e intenditori musica non si nasce, ma si diventa... Per innamorarsi della musica bisogna prima di tutto ascoltarla. (Dmitry Dmitrievich Shostakovich )
21. Melodia - questo è un pensiero, questo è movimento, questa è l'anima di un'opera musicale. (Dmitry Dmitrievich Shostakovich )
22. La musica accompagna una persona per tutta la vita... È difficile immaginare la vita di una persona senza musica. (Dmitry Dmitrievich Shostakovich )
23. Senza i suoni della musica sarebbe incompleto, sordo, povero. (Dmitry Dmitrievich Shostakovich )
24. Le persone hanno bisogno di tutti i tipi di musica: dalla semplice melodia di un flauto al suono di un'enorme orchestra sinfonica, da una semplice canzone popolare alle sonate di Beethoven. (Dmitry Dmitrievich Shostakovich )
25. I tesori della musica sono inesauribili, così come le sue possibilità per il futuro. Crescerà e si svilupperà per sempre, proprio come lo spirito umano crescerà e si espanderà per sempre. (Dmitry Dmitrievich Shostakovich )
26. La vera musica è in grado di esprimere solo sentimenti umani, solo idee umane progressiste... Non conosciamo un solo brano musicale che glorifichi la malizia, l'odio, la rapina. (Dmitry Dmitrievich Shostakovich )
27. Il talento dell'artista non è sua proprietà personale, appartiene al popolo. (Dmitry Dmitrievich Shostakovich )
28. Solo quell'arte vivrà, fiorirà, sarà profondamente radicata nella vita, che vede la sua vocazione nel servire il grande creatore della storia: il popolo. (Dmitry Dmitrievich Shostakovich )

Aforismi di personaggi russi di spicco:

1. La musica è un discorso vivo, che riflette sensibilmente la realtà, proprio come il discorso verbale. (Boris Vladimirovich Asafiev)
2. ... la musica diventa un'unità di contenuto-forma nella creazione del compositore... come l'incarnazione dell'idea-pensiero da lui intonata. (Boris Vladimirovich Asafiev)
3. ...la melodia è stata e rimane la manifestazione predominante della musica e il suo elemento più comprensibile ed espressivo. (Boris Vladimirovich Asafiev)
4. I compositori dovrebbero lottare per un linguaggio musicale che sia ascoltato da milioni di cuori - dalle canzoni di massa alle opere, alle cantate e alle sinfonie come elevate generalizzazioni intellettuali. È qui che dovrebbero essere dirette le idee e le forme che fanno emergere queste idee. Non stiamo parlando di rusticità a buon mercato per ascoltatori "incomprensibili" e presumibilmente in ritardo, ma di maestosa semplicità, sempre comprensibile per le persone che desiderano sinceramente l'eccitazione dalla loro arte nativa, e sempre insita nelle opere generalmente significative dei grandi democratici della musica. (Boris Vladimirovich Asafiev)
5. L'influenza della musica sui bambini è benefica e prima iniziano a sperimentarla da soli, meglio è per loro. (Vissarion Grigorievich Belinsky)
6. Di tutte le arti soggette all'uomo, solo la musica è fuori di lui, sopra di lui. Oltre la vita e oltre la vita. ( Pavel Vežinov)
7. Il ruolo della musica nel plasmare la personalità umana è davvero inestimabile. Possedendo la capacità di toccare le corde più intime dell'anima, di risvegliare impulsi luminosi e nobili in una persona, di abbracciare le masse in un unico stato d'animo, la musica è giustamente considerata una delle più alte manifestazioni della cultura umana. ()
8. L'arte musicale è uno dei mezzi più potenti per unire le grandi masse in un unico sentimento, un unico impulso. (Aleksandr Borisovich Goldenweiser)
9. Solo l'arte più grande - musica - in grado di toccare le profondità dell'anima. (Maksim Gorky )
10. Non conosco nessun'altra arte di cui ci si possa fidare così infinitamente come la musica ... nemmeno la letteratura, che più di 30 anni fa è diventata la mia professione desiderata e ha soggiogato tutta la mia esistenza, anche il libro più saggio di un grande scrittore o il più emozionante le poesie dei migliori poeti, per quanto le ami appassionatamente, non mi convincono che abbiano ragione e allo stesso tempo non mi danno tanta indipendenza di idee. come succede quando ascolto la musica! ( Leo Cassil)
11. La musica è una composizione acustica che suscita in noi l'appetito per la vita, così come le note composizioni farmaceutiche suscitano l'appetito per il cibo. (Vasily Osipovich Klyuchevsky)
12. La musica allegra rende ancora più felici, infelici, ancora più infelici. ( V. Krachkovskij)
13. La musica... ha un potere insolitamente rinvigorente e purificante. La parola e l'azione diventano altamente significative quando la musica le prende sulle sue ali. ()
14. La musica è suoni, ma la musica è anche tutta una massa di sentimenti che si aprono in questi suoni per le persone sensibili.(Anatoly Vasilievich Lunacharsky)
15. Non so se esista un solo grande musicista che si possa dire superato. La canzone più semplice proveniente dal profondo dei millenni è viva. (Anatoly Vasilievich Lunacharsky)
16. La musica è una sfera in cui l'arte umana è diventata incommensurabilmente superiore alla natura. (Ilya Ilyich Mechnikov)
17. La musica ha più a che fare con le azioni morali dell'uomo di quanto si pensi comunemente. (Vladimir Fedorovič Odoevskij)
18. Non credere che una persona possa capire subito la musica. Questo è impossibile. Devi abituarti prima. (Vladimir Fedorovič Odoevskij)
19. Dai piaceri della vita

La musica cede a un amore,

Ma l'amore è una melodia... (Alexander Sergeevich Pushkin "L'ospite di pietra")

1. Ho sempre amato la musica. Se non dovessi ascoltarlo per molto tempo, mi mancherebbe. (Ilya Efimovich Repin)
2. Oh musica! Eco di un lontano mondo armonioso! Sospiro di un angelo nella nostra anima! ( Jean-Paul Richter)
3. L'arte è inesauribile, come la vita. E niente ci permette di sentirlo meglio della musica inesauribile. dell'oceano di musica che riempie i secoli. ( Romain Rolland)
4. La musica è una rivelazione più alta della saggezza. ( Romain Rolland)
5. La musica ci è cara perché è l'espressione più profonda dell'anima, l'eco armonica delle sue gioie e dei suoi dolori. ( Romain Rolland)
6. La musica, come la pioggia, penetra nel cuore goccia a goccia e lo ravviva. ( Romain Rolland)
7. Non puoi vivere senza musica. Questa, secondo me, è l'arte più forte e potente che ha un potere straordinario sulle anime delle persone. (Martiros Sergeevich Saryan)
8. Per me, la frase "uomo e canto" suona come "uomo e aria". Se non c'è abbastanza aria, la persona soffoca. (Mikhail Arkadevich Svetlov)
9. La musica è il linguaggio dell'anima; è il regno dei sentimenti e degli stati d'animo; è la vita dell'anima espressa nei suoni. (Alexander Nikolaevich Serov)
10. Da nessuna parte una canzone popolare ha suonato e non ha un ruolo così importante come nella nostra gente, da nessuna parte è stata conservata in tale ricchezza, forza e diversità come lo è con noi. Ciò ha dato un magazzino e una fisionomia speciali alla musica russa e l'ha chiamata ai suoi compiti speciali. (Vladimir Vasilievich Stasov)
11. ...senza pensiero non c'è poesia, senza melodia non c'è musica. (Vladimir Vasilievich Stasov)
12. Musica come tutte le altre linguaggio umano, dovrebbe essere inseparabile dal popolo, dal suolo di questo popolo, dal suo sviluppo storico. (Vladimir Vasilievich Stasov)
13. Musica, melodia, bellezza suoni musicali- un importante mezzo di educazione morale e mentale di una persona, fonte di nobiltà di cuore e purezza di anima. La musica apre gli occhi alla bellezza della natura, dei rapporti morali, del lavoro. Grazie alla musica, una persona risveglia idee sul sublime, maestoso, bello non solo nel mondo che lo circonda, ma anche in se stesso. La musica è un potente mezzo di autoeducazione. ()
14. La musica è una potente fonte di pensiero. Senza educazione musicale, lo sviluppo mentale a tutti gli effetti è impossibile. (Vasily Aleksandrovich Sukhomlinsky)
15. La musica unisce le sfere morale, emotiva ed estetica di una persona. La musica è il linguaggio dei sentimenti. (Vasily Aleksandrovich Sukhomlinsky)
16. Il genio, aprendo il coperchio del pianoforte, spalanca le anime a tutti! (Leonid Semenovich Sukhorukov)
17. Le vere muse suonano sulle corde della loro anima. (Leonid Semenovich Sukhorukov)
18. Muse è amica di coloro che sono in perfetta armonia con lei. (Leonid Semenovich Sukhorukov)
19. La musica dell'anima è la canzone sconosciuta della vita. (Leonid Semenovich Sukhorukov)
20. Il pianista se n'è andato... Ma il suo pianoforte suona sotto la doccia! (Leonid Semenovich Sukhorukov)
21. Più alta è la buona nota, più raffinata dovrebbe essere la sua armonia. (Leonid Semenovich Sukhorukov)
22. Musica è una scorciatoia per i sentimentiLev Nikolaevic Tolstoj )
23. Musica è la mente incarnata in suoni meravigliosi. (Ivan Sergeevich Turgenev)
24. La melodia è musica basamento principale tutta la musica... (Anton Pavlovich Cechov)
25. I grandi compositori hanno sempre e soprattutto prestato attenzione alla melodia come principio guida della musica. La melodia è musica, il fondamento principale di tutta la musica, poiché la melodia perfetta implica e fa vivere la sua disposizione armoniosa. (Anton Pavlovich Cechov)

Il pensiero musicale è uno specifico processo intellettuale di comprensione dell'originalità, dei modelli della cultura musicale e della comprensione delle opere d'arte musicale.

La specificità, l'originalità del pensiero musicale dipendono dal grado di sviluppo abilità musicale, nonché le relative condizioni ambiente musicale in cui una persona vive ed è cresciuta.

Notiamo in particolare queste differenze tra le culture musicali orientali e occidentali.

La musica orientale è caratterizzata dal pensiero monodico.: lo sviluppo del pensiero musicale in orizzontale utilizzando numerose inclinazioni modali /oltre l'ottanta/, quarti di tono, un-ottavo tono, giri melodici scorrevoli, ricchezza di strutture ritmiche, rapporti sonori non temperati, diversità timbrica e melodica.

La cultura musicale europea è caratterizzata dal pensiero omofonico-armonico: lo sviluppo del pensiero musicale lungo la verticale, associato alla logica del movimento delle sequenze armoniche e lo sviluppo su questa base dei generi corali e orchestrali.

Il pensiero musicale è stato studiato fin dai tempi antichi. Così si può dire che il sistema di correlazione dei toni musicali, scoperto da Pitagora nel corso dei suoi esperimenti con il monocordo, abbia gettato le basi per lo sviluppo della scienza del pensiero musicale.

2. Tipi di pensiero. Caratteristiche individuali pensiero

Nell'arte della musica pensiero visivo-realistico può essere attribuito alle attività dell'esecutore, insegnante, educatore.

Pensiero visivo-figurativo associato a specifico percezione dell'ascoltatore.

Astratto / teorico, astratto-logico / il pensiero è associato alle attività del compositore, musicologo. In connessione con le specificità dell'arte musicale, si può distinguere un altro tipo di pensiero, che è caratteristico di tutti i tipi di attività musicale: questo è il pensiero creativo.

Tutti questi tipi di pensiero musicale hanno anche un carattere socio-storico, ad es. appartenere a un certo epoca storica. Ecco come appare lo stile di epoche diverse.: vecchio stile polifonico, stile classici viennesi, lo stile del romanticismo, dell'impressionismo, ecc. Possiamo osservare un'individualizzazione ancora maggiore del pensiero musicale nella creatività, nel modo di esprimere il pensiero musicale, che è caratteristico di un particolare compositore o esecutore. Ogni grande artista, anche se agisce nell'ambito della direzione stilistica proposta dalla società, è un'individualità / personalità / unica.

Il pensiero musicale è direttamente connesso alla nascita di un'immagine artistica. Nella moderna psicologia musicale, l'immagine artistica di un'opera musicale è considerata come l'unità di tre principi: materiale, spirituale e logico. L'elemento materiale comprende:

- testo musicale

parametri acustici,

Melodia

armonia

metroritmo,

dinamica,

Registrati,

Fattura;

A spiritualità:

- sentimenti,

associazioni,

Espressione,

Sentimenti;

all'inizio logico:

Quando c'è una comprensione di tutti questi principi dell'immagine musicale nella mente del compositore, esecutore, ascoltatore, solo allora possiamo parlare della presenza di un pensiero musicale genuino.

Nell'attività musicale, il pensiero si concentra principalmente sui seguenti aspetti:

Pensare attraverso la struttura figurativa dell'opera - possibili associazioni, stati d'animo e pensieri che li sovrastano;

Pensare al tessuto musicale di un'opera - la logica dello sviluppo del pensiero in una costruzione armonica, le caratteristiche di melodie, ritmo, trama, dinamica, agogica, modellatura;

Trovare i modi, i metodi e i mezzi più perfetti per incarnare pensieri e sentimenti su uno strumento o su carta da musica.

Secondo molti musicisti-insegnanti, l'educazione musicale moderna è spesso dominata dalla formazione delle capacità esecutive professionali degli studenti, in cui il rifornimento di conoscenze di natura arricchente e teorica è lento.

Conclusione: L'espansione delle prospettive musicali e intellettuali generali, contribuendo attivamente allo sviluppo del pensiero musicale, dovrebbe essere la preoccupazione costante di un giovane musicista, perché questo aumenta le sue capacità professionali.

3. La logica dello sviluppo del pensiero musicale

Nella sua forma più generale, lo sviluppo logico del pensiero musicale contiene, secondo la nota formula di B.V. Asafiev, - impulso iniziale, movimento e completamento.

L'impulso iniziale è dato dalla presentazione iniziale di un argomento o di due argomenti, che si chiama esposizione o esposizione.

Dopo l'esposizione, inizia lo sviluppo del pensiero musicale e uno dei semplici esempi usati qui è la ripetizione e il confronto.

Un altro esempio dello sviluppo del pensiero musicale è il principio di variazione e alternanza.

Promozione- si tratta di un tipo di confronto in cui ciascuna delle sezioni vicine conserva un elemento della precedente e vi attribuisce una nuova continuazione secondo la formula ab-bc-cd.

compressione progressiva- questo è quando la dinamica aumenta, il tempo accelera, il cambio più frequente di armonie verso la fine di una parte o dell'intero lavoro.

Risarcimento- quando una parte del lavoro compensa, bilancia l'altra in carattere, tempo e dinamica.

4. Sviluppo del pensiero musicale

Secondo il concetto pedagogico generale insegnante famoso MI Makhmutova, per lo sviluppo delle capacità di pensiero degli studenti, è importante utilizzare situazioni problematiche. PS può essere modellato attraverso:

Collisione di studenti con fenomeni della vita, fatti che richiedono una spiegazione teorica;

Organizzazione del lavoro pratico;

Presentare agli studenti fenomeni della vita che contraddicono le precedenti idee mondane su questi fenomeni;

Formulazione di ipotesi;

Incoraggiare gli studenti a confrontare, confrontare e contrastare le loro conoscenze;

Incoraggiare gli studenti a una generalizzazione preliminare di fatti nuovi;

Compiti di ricerca.

Per quanto riguarda i compiti dell'educazione musicale, le situazioni problematiche possono essere formulate come segue.

Per sviluppare capacità di pensiero nel processo di percezione della musica, si consiglia di:

Rivela la grana intonazionale principale nel lavoro;

Determinare a orecchio le direzioni stilistiche di un'opera musicale;

Trova un brano musicale di un certo compositore tra gli altri;

Rivelare le caratteristiche dello stile di esecuzione;

Identificare le sequenze armoniche a orecchio;

Abbina il gusto, l'olfatto, il colore, la letteratura, la pittura, ecc. alla musica.

Per sviluppare capacità di pensiero nel processo di esibizione, dovresti:

Confronta il piano di performance delle diverse edizioni;

Trova le principali intonazioni e roccaforti lungo le quali si sviluppa il pensiero musicale;

Elaborare diversi piani di prestazione per il lavoro;

Eseguire un'opera con varie orchestrazioni immaginarie;

Esegui il lavoro in un colore immaginario diverso.

Per sviluppare capacità di pensiero nel processo di composizione musicale:

Sviluppare melodicamente sequenze armoniche basate su basso generale, bourdon, ostinato ritmico;

Raccogli canzoni familiari a orecchio;

Improvvisare brani di carattere tonale e atonale per un dato stato emotivo o immagine artistica;

L'incarnazione della parola, i dialoghi quotidiani nel materiale musicale;

Improvvisazione su varie epoche, stili, caratteri;

Diversità stilistica e di genere della stessa opera.

5. Prerequisiti pedagogici per la formazione del pensiero musicale negli scolari adolescenza(in termini di lezioni di musica)

Il pensiero musicale è una componente importante della cultura musicale. Pertanto, il livello del suo sviluppo determina in gran parte la cultura musicale e gli studenti adolescenti. I compiti proposti dal programma musicale:

Utilizzare la musica nello sviluppo della cultura emotiva degli studenti;

Formare in loro la capacità di percepire consapevolmente le opere musicali;

Pensa in modo creativo al loro contenuto;

Influenzare il soggetto attraverso la musica;

Sviluppa le capacità di rendimento degli studenti.

In conformità con ciò, vengono anche formulati i requisiti per una lezione di musica (in scuola di educazione generale, v scuola di Musica ecc.), che dovrebbe essere olistico, finalizzato alla comunicazione emotivamente significativa degli studenti con la musica.

La percezione delle opere musicali da parte degli studenti adolescenti comporta:

- la loro consapevolezza delle loro osservazioni emotive, esperienze;

- chiarimento del grado della loro conformità al contenuto dell'opera musicale, ad es. la sua comprensione, valutazione basata sull'assimilazione di un certo sistema di conoscenze e idee sulla musica come arte.

Sulla base dell'analisi dei programmi musicali, tenendo conto degli aspetti psicologici e pedagogici dell'attività musicale degli scolari adolescenti, è possibile identificare una serie di fattori che determinano in un certo modo i livelli di formazione delle loro capacità di pensiero musicale.

1. Fattori psicologici e pedagogici:

Abilità naturali (reattività emotiva alla musica, abilità sensoriali: melodico, armonico e altri tipi di orecchio musicale, senso del ritmo musicale, che consente agli studenti di impegnarsi con successo in attività musicali;

Caratteristiche individuali-caratteristiche del bambino, che contribuiscono all'identificazione della qualità della sua sfera emotiva e volitiva (la capacità di concentrazione, le capacità di pensiero logico e astratto, ricettività, impressionabilità, sviluppo di idee, fantasia, memoria musicale);

Caratteristiche della motivazione dell'attività musicale (soddisfazione per la comunicazione con la musica, identificazione di interessi musicali, bisogni);

2. Fattori analitici e tecnologici:

Gli studenti hanno una certa quantità di conoscenze teorico-musicali e storiche, capacità di comprendere le caratteristiche linguaggio musicale, la capacità di operare con loro nel processo dell'attività musicale.

3. Fattori artistici ed estetici:

La presenza di una certa esperienza artistica, livello sviluppo estetico, formazione sufficiente gusto musicale, la capacità di analizzare e valutare le opere musicali dal punto di vista del loro valore e significato artistico ed estetico.

La presenza di alcune componenti del pensiero musicale negli studenti adolescenti, i livelli della sua formazione possono essere stabiliti utilizzando i seguenti criteri nel processo di ricerca dell'attività pedagogica.

1. Caratteristiche della componente riproduttiva del pensiero musicale:

Interesse per le attività musicali;

Conoscenza delle specificità degli elementi del linguaggio musicale, delle loro capacità espressive, capacità di operare con conoscenze musicali nel processo di percezione ed esecuzione di opere musicali (come indicato dal docente).

2. Caratteristiche della componente riproduttiva e produttiva del pensiero musicale:

La presenza di interesse per l'esecuzione di opere popolari e classiche di generi musicali;

La capacità di percepire e interpretare adeguatamente l'immagine artistica della canzone;

Capacità di creare proprio piano le sue esibizioni, arrangiamenti;

Capacità di valutare oggettivamente propria prestazione canzoni;

La capacità di analizzare in modo olistico un'opera musicale dal punto di vista della sua drammaturgia, caratteristiche di genere e stile, valore artistico ed estetico.

3. Caratteristiche della componente produttiva del pensiero musicale:

La necessità di creatività in vari tipi di attività musicale;

Sviluppo di un sistema di rappresentazioni musicali e uditive, capacità di utilizzarle in attività musicali pratiche;

Speciale capacità artistica(visione artistica e figurativa, ecc.);

La capacità di operare con i mezzi del linguaggio musicale (discorso) nel processo di creazione dei propri campioni musicali.

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Specificità dell'arte musicale. Come altri tipi di attività spirituale umana, la musica è un mezzo per conoscere il mondo, dato a una persona in modo che impari a capire se stesso, vedere la bellezza dell'Universo e comprendere il significato della vita.

La musica è il linguaggio dei sentimenti, diceva Robert Schumann. Ma la musica iniziò a imparare ad esprimere sentimenti solo alla fine del Rinascimento, a cavallo tra il XVI e il XVII secolo. Era un momento in cui una persona si rendeva conto di essere una persona capace di pensare, sentire e creare, quando fiorì l'arte secolare e nacque l'opera.

L'espressione delle passioni-affetti umani divenne il compito principale dell'arte musicale nel XVIII secolo e, nell'era del romanticismo, il mondo delle emozioni e delle sensazioni diventa l'area principale a cui si rivolgono i compositori alla ricerca di temi, immagini e persino mezzi di espressione. Sentimenti, suoni, schizzi della vita circostante, movimento Ma il mondo delle idee non è soggetto alla musica? Ogni opera veramente musicale ha un'idea, sosteneva Beethoven.

L'idea, espressa nella sua famosa Quinta Sinfonia, è stata formulata dallo stesso autore come segue: Dalle tenebre alla luce, attraverso la lotta alla vittoria. Non è affatto necessario che la parola aiuti la musica nell'incarnazione delle idee - che si tratti di un programma letterario, libretto d'opera, epigrafe poetica o spiegazioni dell'autore. Non conosciamo il programma della 6a sinfonia di Čajkovskij, che, secondo lo stesso compositore, esisteva nella sua immaginazione, pochissimi conoscono le dichiarazioni frammentarie di Čajkovskij, che concretizzano il contenuto figurativo e ideologico dell'opera.

Tuttavia, è improbabile che qualcuno dubiti che questa musica riguardi la vita e la morte, la confusione dello spirito umano, comprendendo la tragica inevitabilità della partenza. Kabalevsky D. Educazione della mente e del cuore Mosca, Illuminismo, 1981 Emozioni e sensazioni, movimento e cambiamento, idee e rappresentazioni, vita e natura, reale e fantastico, le più sottili sfumature di colore e grandiose generalizzazioni - tutto è accessibile alla musica, anche se non nella stessa misura.

Cosa significa arte musicale, quali modelli lo sottendono, in quali forme esprime un contenuto così diverso? La musica esiste in uno speciale sistema di coordinate, le cui dimensioni più importanti sono lo spazio e il tempo del suono.

Entrambe le dimensioni costituiscono le proprietà primarie e generiche della musica, sebbene solo la prima sia specifica per essa: il tono. Delle migliaia di suoni del mondo circostante, solo i suoni musicali possono diventare musica: gli effetti di rumore e percussioni sono usati in modo molto selettivo anche nelle opere dei moderni compositori d'avanguardia. Ma il suono musicale stesso non può essere percepito né emotivamente né esteticamente. Non ancora musica, ma un insieme di suoni musicali che possono essere paragonati alla tavolozza di un artista oa un insieme di parole che un poeta ha a sua disposizione.

Si ritiene che i principali mezzi espressivi della musica siano la melodia, l'armonia e il ritmo. La portatrice di significato e la più piccola unità strutturale del linguaggio musicale è l'intonazione, la cui esistenza conferma ancora una volta la profonda connessione tra i due mondi - verbale e sonoro - e dimostra che all'inizio della musica c'era anche una parola. Tuttavia, qui il concetto di intonazione acquista un significato diverso, molto più profondo e comprensivo.

L'accademico B. Asafiev lo ha detto molto accuratamente: la musica è l'arte del significato intonato. Quindi alcuni termini musicali- tonico, tonalità, intonazione, intonazione. I progenitori di molte intonazioni musicali erano le intonazioni del linguaggio umano, ma non ordinarie, ma quelle che compaiono nei momenti di più vivida espressione di passioni o emozioni.

Le intonazioni di pianti, lamentele, esclamazioni o domande sono entrate in musica dal vero e, anche senza essere associate a una parola, ad esempio nei generi strumentali, conservano il loro significato emotivo e psicologico primario. Il lamento di Dido dall'opera Dido and Aeneas di G. Purcell, il lamento del Santo Matto dall'opera Boris Godunov di M. Mussorgsky esprimono un'emozione triste tanto chiaramente quanto la quarta parte della sesta sinfonia di Tchaikovsky o la marcia funebre dalla seconda sonata di F. Chopin. Il sesto ascendente - il cosiddetto motivo della domanda - riflette davvero perfettamente l'intonazione interrogativa del linguaggio umano. Non è un caso che sia stato così spesso utilizzato dai compositori romantici e abbia trovato ampia applicazione in opere di natura emotiva e lirica, come la famosa miniatura di Schumann Perché? da ciclo pianistico Spettacoli fantastici. Un attributo obbligatorio del principio eroico nella musica è imperativo, intonazioni invocative - in particolare, un quarto ascendente, sull'ultimo suono del quale cade un accento metrico.

È vero, la sua origine è collegata non solo alla parola, ma anche alla musica urbana militare e di segnalazione, scritta principalmente per strumenti a fiato. Essendo entrati nella creatività musicale professionale e avendo perso la loro funzione applicata, questi elementi intonazionali hanno subito cambiamenti significativi, tuttavia, l'essenza stessa della loro espressività è rimasta la stessa: sono i motivi energetici quarti e trisonici che determinano la natura dell'immagine principale dell'affetto nelle arie eroiche dell'opera seria italiana, nei canti rivoluzionari e negli inni solenni, nella Sinfonia Eroica di Beethoven e nel poema sinfonico Don Giovanni di Richard Strauss. Non tutta la musica rivela una connessione diretta con le intonazioni del parlato. Se così fosse, la gamma delle sue possibilità espressive non sarebbe così ampia.

Ad esempio, nei temi di un magazzino di canzoni, gli elementi del discorso risultano come dissolti, appianati e spesso non sono affatto presenti - in questi casi, l'attenzione dell'ascoltatore è attratta principalmente dalla linea melodica stessa, il la bellezza del suo schema, la plasticità flessibile e talvolta bizzarra delle forme sonore. Tale è la cantilena operistica italiana, un classico esempio: la cavatina di Norma dall'omonima opera di V. Bellini, i temi lirici di Čajkovskij o Rachmaninoff, ricordiamo la parte lenta del suo 2° concerto per pianoforte. L'intonazione nella musica ha un certo significato espressivo, ma non rivela tutte le sfaccettature dell'immagine artistica e non può svolgere un ruolo costruttivo e formativo. Queste funzioni sono assunte dal tema musicale - la principale unità semantica e costruttiva di qualsiasi opera musicale, non identificata con la melodia.

La melodia, per quanto importante possa essere, è solo un lato del tema. Inoltre, ci sono opere senza melodia nel senso comune del termine, preludi e toccate dell'era barocca, un'introduzione all'opera Gold of the Rhine di Wagner, il quadro sinfonico di Lyadov The Magic Lake, i preludi di Debussy o opere di compositori contemporanei - O. Messiaen, K. Stockhausen, A. Schnittke e molti altri. Tuttavia, non esiste musica senza tema.

Il tema nel senso più profondo e universale è una sorta di unità musicale, in cui interagiscono tutti i mezzi di espressione musicale: melodia, modo e armonia, metro e ritmo, consistenza, timbro, registro e componenti di costruzione della forma.

Ciascuno di questi elementi ha proprietà specifiche inerenti solo ad esso e ha un proprio campo di attività, ovvero svolge determinati compiti figurativi e compositivi. Kabalevsky D. Educazione della mente e del cuore Mosca, Illuminismo, 1981 Melodia.

Non è un caso che fosse in cima alla nostra lista.

Una sequenza monofonica di suoni, un pensiero musicale monofonico: queste sono le definizioni teoriche di una melodia. Ma ci sono anche altre interpretazioni. La melodia è un pensiero, è un movimento, è l'anima di un brano musicale, diceva Shostakovich. Le sue parole sono state perfettamente integrate da Asafiev.La melodia è stata e rimane la manifestazione più predominante della musica e il suo elemento più comprensibile ed espressivo. In effetti, in ogni momento nulla è stato apprezzato tra i musicisti quanto il talento di comporre melodie da tutti gli elementi del linguaggio musicale; colpisce il senso estetico di una persona in modo così diretto e nulla può più pienamente di una melodia ripristinare nella nostra mente un'immagine olistica di un'opera musicale.

Ma la melodia non può esistere da sola. I suoni che compongono la melodia devono essere organizzati in un certo sistema, che si chiama modalità, ricordiamo altri significati della parola russa ragazzo: ordine, accordo, disposizione ragionevole, corretta. Le azioni di tutti gli elementi della modalità sono coordinate, ognuna di esse è funzionalmente connessa con le altre, c'è un elemento centrale: il tonico e gli elementi ad esso subordinati. Grazie a ciò, nella musica sorge la gravità - un certo campo di attrazione e repulsione, che ci fa sentire alcuni suoni come stabili, calmi, equilibrati e altri come instabili, che si sforzano dinamicamente e richiedono il permesso, non troveremo analoghi a questa proprietà di musica in qualsiasi altra arte, può essere paragonata solo alla forza gravità. I suoni musicali hanno un'altra particolarità.

Possono essere combinati tra loro non solo in sequenza, ma anche simultaneamente e formare tutti i tipi di combinazioni: intervalli, accordi.

Al contrario, le combinazioni sonore e la capacità del nostro orecchio di coglierle come qualcosa di integrale danno origine a ulteriori proprietà espressive della musica, la più importante delle quali è l'armonia. Le combinazioni di suoni sono percepite da noi in modi diversi, sia come eufoniche - consonanze con lat - accordo, consonanza, armonia, sia come dissonanze, internamente contraddittorie - dissonanze.

Un vivido esempio di organizzazione armonica è la classica maggiore o minore, che divenne la base per la musica di molte epoche e stili. In questi modi a sette passi, il centro di attrazione e il principale elemento stabile che soggioga passi, intervalli e accordi instabili è l'accordo della triade tonica, che si trova sul primo passo del modo. Qualsiasi dilettante che sappia suonare tre accordi distintivi sulla chitarra: T tonico, S sottodominante e triadi di RE dominante, conosce le basi del sistema tonale classico.

Oltre a maggiore e minore, ci sono molti altri modi: li troviamo nei sistemi musicali. mondo antico, v musica antica, nel folklore, il loro spettro è stato notevolmente ampliato dal lavoro dei compositori del XX secolo. Kabalevsky D. Educazione della mente e del cuore Mosca, Illuminismo, 1981 L'armonia nasce nelle condizioni dell'armonia, cioè nello spazio sonoro organizzato in un certo modo.

L'armonia nel senso usuale di questo termine è nata solo in epoca barocca, ha acquisito forme chiare nelle opere dei classici viennesi ed è stata portata alla massima complessità, raffinatezza e diversità nella musica romantica, che ha scosso le posizioni di primo piano della melodia. Nella musica del XX secolo sono sorti molti nuovi sistemi di organizzazione armonica, ad esempio tra gli impressionisti Debussy e Ravel, Messiaen o Stravinsky. Alcuni compositori - tra cui Rachmaninoff e Myaskovsky - sono rimasti fedeli ai principi classico-romantici, e artisti come Prokofiev o Shostakovich, nel campo dei mezzi armonici, sono riusciti a combinare organicamente tradizione e innovazione.

Le funzioni dell'armonia sono molto diverse e responsabili. In primo luogo, fornisce una connessione orizzontale di consonanze in un brano musicale, cioè è uno dei principali conduttori del tempo musicale. A causa del cambiamento di armonie stabili e instabili, consonanti e dissonanti, sentiamo i momenti di accumulo di tensione, salite e cadute: è così che si manifestano le proprietà espressive e dinamiche dell'armonia.

In secondo luogo, l'armonia dà origine a un senso del colore del suono, poiché è in grado di portare nella musica sottili gradazioni di luce e colore, creare l'effetto di abbinare punti colorati e un cambiamento graduale di sottili sfumature di colore. In epoche diverse, diversi compositori manifestavano in modo diverso alcune proprietà dell'armonia; i classici apprezzavano in essa, prima di tutto, la capacità di collegare logicamente le consonanze, attivare il processo di sviluppo musicale e costruire una composizione, che era particolarmente pronunciata nella forma sonata di romanticismo, ha notevolmente migliorato il ruolo delle qualità espressive-emotive dell'armonia, sebbene i compositori non impressionisti fossero indifferenti al suono colorato e si immergessero completamente nell'ammirare la colorazione del suono - non è un caso che il nome stesso di questa direzione sia direttamente correlato a un simile tendenza della pittura europea.

Le manifestazioni delle proprietà espressive della modalità sono molto diverse.

Maggiore e minore, familiari a tutti, hanno una colorazione emotiva e coloristica ben definita.Il maggiore suona leggero, ottimista ed è associato a immagini gioiose e luminose, la musica scritta in minore, di regola, è di colore cupo ed è associata al espressione di stati d'animo tristi-malinconia o luttuosi. Ciascuna delle 24 chiavi viene percepita da noi in modi completamente diversi. Anche in epoca barocca erano dotati di uno speciale significato simbolico, che si è conservato per loro fino ai giorni nostri. Quindi, Do maggiore è associato alla luce, alla purezza, allo splendore della mente divina, il Re maggiore è più adatto per esprimere sentimenti di giubilo e trionfo - questa è la chiave della Messa solenne di Beethoven, cori gioiosi ed elogiativi della Messa solenne di Bach - come come Gloria Gloria o Et resurrexit E resuscitato si minore - la sfera delle immagini tragiche e dolorose, non per niente Bach ha usato questa chiave in quei numeri della messa, dove si tratta del sacrificio e della sofferenza di Gesù.

Quindi, armonia e armonia assicurano l'esistenza della musica nello spazio sonoro.

Ma la musica è impensabile al di fuori del secondo asse di coordinate: il tempo musicale, le cui espressioni sono metro, ritmo e tempo. Il metro divide il tempo musicale in segmenti uguali: le quote metriche, che risultano disuguali nel loro significato, sono le quote dei deboli di supporto e di quelli deboli non di supporto. In una tale organizzazione è facile vedere un'analogia con la poesia - questo conferma ancora una volta la profonda parentela di entrambe le arti. Come nella poesia, nella musica ci sono metri in due e tre parti, che determinano in gran parte la natura del movimento e persino le caratteristiche di genere di una particolare opera. Così, un metro di tre tempi, in cui il primo tempo è accentato, ci permette di riconoscere un valzer, e un'alternanza uniforme di durate in condizioni di due tempi aiuta a cogliere l'inizio della marcia.

Tuttavia, nonostante tutto il suo significato, il metro è solo la base, è solo una griglia, o tela, su cui è applicato uno schema ritmico. È il ritmo che concretizza questo o quel genere musicale e conferisce individualità a qualsiasi melodia.

Il significato del ritmo è particolarmente evidente in vari generi di danza, ognuno dei quali ha una formula ritmica speciale. Grazie al ritmo, anche senza ascoltare la melodia, si può distinguere con precisione il valzer dalla mazurka, la marcia dalla polka, il bolero dalla polonaise. Di grande importanza nella musica è il tempo, cioè la velocità dell'esecuzione, che dipende dalla frequenza di alternanza dei battiti metrici. I tassi lenti, veloci e moderati sono associati non solo a vari tipi movimenti, ma anche con una certa portata di espressività.

È impossibile immaginare, ad esempio, un'elegia romantica a un ritmo veloce o un Krakowiak al tempo di un adagio. Il tempo ha una forte influenza sull'umore del genere: è la natura lenta del movimento che consente di distinguere una marcia funebre da una marcia militare o da una marcia scherzo, e cambiamenti di tempo più radicali possono ripensare completamente il genere - girare un lento valzer lirico in uno scherzo vertiginoso e un galante minuetto in una sarabanda maestosamente imponente.

Spesso il tempo e il metro giocano un ruolo decisivo nella creazione di un'immagine musicale. Confrontiamo due delle opere più famose di Mozart: il tema della prima parte della 40a sinfonia e l'aria di Pamina dal secondo atto dell'opera Il flauto magico. Si basano sulla stessa intonazione di lamentela - lamento, dipinta nei toni elegiaci di sol minore. La musica della prima parte della sinfonia è simile a un discorso agitato in cui il sentimento si riversa direttamente, crea una sensazione di impulso tremolante, quasi romantico. I testi dell'aria sono addolorati, profondi, senza speranza, come incatenati dall'interno, ma pieni di tensione nascosta.

Allo stesso tempo, l'influenza decisiva sulla natura dell'immagine lirica è esercitata dal tempo nel primo caso, veloce, e nel secondo - lento, così come la dimensione nella sinfonia - in due parti, con motivi giambici lottando per una forte condivisione del ritmo, nell'aria di Pamina - con una pulsazione in tre parti, ammorbidita e più fluida. . I mezzi di espressività musicale - melodia, metroritmo, modo e armonia - devono essere coordinati e organizzati in un certo modo, devono trovare una sorta di incarnazione materiale.

La struttura è responsabile di ciò nella musica, che può essere definita come un tipo di presentazione materiale musicale, un modo di costruire un tessuto musicale. Ci sono molti tipi di trame. Individueremo solo due principi più importanti nell'organizzazione del tessuto musicale: polifonico e omofonico. Il primo nasce come risultato di una combinazione di diverse voci melodiche indipendenti. Se lo stesso materiale tematico viene utilizzato in tutte le voci alternativamente o con qualche sovrapposizione, allora nasce l'imitazione della polifonia: questo tipo di trama prevale nella musica corale secolare e ecclesiastica del Rinascimento, è ampiamente rappresentata nelle opere dei maestri della polifonia barocca , in particolare nelle fughe di Bach e Handel.

Se diverse melodie sono combinate verticalmente, allora abbiamo a che fare con una polifonia contrastante. Non è così diffuso nella musica come l'imitazione, ma si trova in opere di varie epoche e stili, dal Medioevo ai giorni nostri. Così, nel trio del Comandante, Don Giovanni e Leporello dall'opera Don Giovanni di Mozart, ciascuno dei partecipanti è abbracciato dal proprio sentimento, quindi le parti vocali degli eroi, fondendosi in un insieme polifonico, sono in netto contrasto con ciascuna altro, il dolore e la sofferenza sono espressi nelle frasi lamentose del Comandante, la pietà e l'agghiacciante paura della morte sono incarnate nella sincera melodia cantilena di Don Juan, e il codardo Leporello borbotta sottovoce il suo picchiettio.

Il secondo tipo di trama - l'omofonia - implica la presenza di una voce e di un accompagnamento melodici principali.

Qui sono possibili anche una varietà di opzioni: da un semplice magazzino di accordi, in cui la voce superiore del corale corale di Bach svolge un ruolo melodico, a una melodia con un accompagnamento sviluppato e individualizzato dei notturni di Chopin, i preludi di Rachmaninov. Kabalevsky D. Educazione della mente e del cuore Mosca, Illuminismo, 1981 Tutto ciò che è stato discusso finora è di fondamentale importanza per la musica, ma esiste solo sulla carta da musica fino a quando non si incarna nei suoni, perché il suono è una condizione indispensabile l'esistenza di arte musicale.

Come si materializza il suono, come la musica trasmette il suo significato all'ascoltatore? Questo segreto sta in una sfera speciale di mezzi espressivi: l'intero mondo dei timbri. Voci umane e strumenti - fiati, ottoni, archi e percussioni - danno alla musica un respiro vivace e una sorprendente varietà di colori.

Si esibiscono sia singolarmente che in innumerevoli combinazioni, ognuna delle quali ha qualità espressive e cromatiche molto particolari. L'assolo vocale rivela le più fini sfumature emotive, e la sonorità monumentale e affresco del coro misto è capace di far tremare le volte delle cattedrali e delle sale da concerto. quartetto d'archi, sorprendente per il suo calore e l'unità dei timbri, crea allo stesso tempo l'impressione di plasticità e chiarezza grafica delle linee; i legni discordanti affascinano con la trasparenza dell'acquerello e la chiarezza dei colori.

L'individualità di voci e strumenti è stata notata dai compositori da molto tempo. Assoli sinceri, simili al tema della parte lenta della 4a sinfonia di Čajkovskij, sono spesso affidati all'oboe.Grazie brillanti e fredde-trasparenti sono eccellenti per il flauto - non è vano che Rimsky-Korsakov lo usi, caratterizzando il bellissimo , ma priva di calore umano, la fanciulla di neve, la voce della natura diventa tradizionalmente il richiamo del corno francese, che nella traduzione dal tedesco significa corno della foresta - è lui che esegue temi pastorali nelle aperture di Weber alle opere Oberon e Free Gunner; Ricordiamo il famoso tema secondario del primo movimento della 6a sinfonia di Tchaikovsky. È importante ricordare che tutti i mezzi di espressione musicale sono strettamente correlati.

La maggior parte di loro non esiste affatto da sola, quindi una melodia è impensabile al di fuori del ritmo e dell'armonia, senza armonia e trama l'armonia non può sorgere, e il ritmo, sebbene più indipendente di tutti gli altri elementi, è unidimensionale e privo di essenza primaria della musica - suono. L'interconnessione di tutti i mezzi di espressione musicale si trova letteralmente ad ogni passo. Infatti, dalla mera sequenza di suoni riprodotti con cadenza e ritmo arbitrari, è difficile riconoscere anche una melodia molto familiare.

Confrontiamo alcuni esempi: lascia che sia il tema di Chernomor di Ruslan e Lyudmila Glinka, il leitmotiv della lancia di Wotan da L'anello del Nibelungo di Wagner e il tema del passo a due del balletto Lo schiaccianoci. Le loro melodie sono praticamente le stesse: rappresentano tutte la scala discendente più semplice.

Ma cosa rende questi temi così diversi - nella misura in cui uno di essi incarna le forze del male, l'altro simboleggia la vittoria dell'amore e del bene e il terzo esprime un'idea completamente astratta? Il fatto è che le stesse melodie sono collocate in condizioni ritmiche, armoniche, materiche e timbriche completamente diverse; ritmo di marcia, presentazione ascetica all'unisono e colori timbrici sordi di archi bassi e ottoni determinano il carattere del leitmotiv wagneriano colorazione maggiore illuminata, la vivacità e il volo di un'armonia instabile su un ritmo forte, la plasticità ritmica e il suono caldo e pieno degli archi fanno di una scala semplice uno dei temi lirici più belli di Čajkovskij.

Kabalevsky D. Education of the Mind and Heart Moscow, Prosveshchenie, 1981 Ora che abbiamo esaminato i vari elementi del linguaggio musicale, abbiamo visto la complessità e la diversità delle loro connessioni, è necessario ricordare che tutti sono solo mezzi di esprimere un'immagine artistica.

Ma dopotutto, nell'arte temporanea, l'immagine non rimane mai invariata, anche per la sua visualizzazione ci vuole tempo.

Se ci sono più immagini, allora sia loro che la percezione dell'ascoltatore hanno tanto più bisogno di una sorta di forza che organizzi l'intero insieme di mezzi di espressione nel flusso temporale. Questo compito è svolto in musica da una forma, la cui complessità di comprensione è aggravata dal fatto che è comprensibile solo al momento dell'esecuzione di un'opera musicale.

Da un lato, la forma è una composizione, o la struttura di un'opera, che collega insieme tutte le sue parti. Secondo l'armonia e l'equilibrio della composizione, secondo l'armonia del rapporto tra le parti e il tutto, spesso si giudicano i meriti di un'opera musicale, non per niente Glinka ha detto che Forma significa bellezza. Allo stesso tempo, la forma è una delle più alte manifestazioni della natura procedurale della musica. Riflette il cambiamento delle immagini musicali, rivela il loro contrasto o connessione, sviluppo o trasformazione.

Solo abbracciando la forma musicale nel suo insieme, possiamo comprendere la logica dello sviluppo dell'immagine artistica e il corso del pensiero creativo del compositore. Parlando dei mezzi e delle forme espressive in musica, va ricordato che, con un notevole grado di convenzionalità, possiamo considerare la loro totalità come un unico linguaggio artistico. In realtà, ogni compositore parla la propria lingua, o meglio, è guidato dalle proprie leggi discorso musicale. E questo permette alla musica di rimanere un'arte eternamente viva, diretta e infinitamente diversa, come se assorbisse tutte le correnti della vita e riflettesse e fondesse l'esperienza di altre sfere di attività spirituale in una forma sensualmente compresa. Probabilmente non è un caso che alcuni credano che la musica sia elitaria e richieda un addestramento speciale e persino alcuni dati naturali per la sua percezione, mentre altri la vedono come una forza che può influenzarci al di là della coscienza e dell'esperienza.

Probabilmente hanno ragione entrambi. E il notevole musicologo e scrittore Romain Rolland ha certamente ragione quando ha detto che la musica è un'arte intima, può anche essere un'arte pubblica; può essere il frutto della concentrazione interiore e del dolore, ma può essere un prodotto della gioia e persino della frivolezza. Uno la chiama architettura in movimento, l'altro la chiama psicologia poetica, vede in essa un'arte puramente plastica e formale, l'altra l'arte dell'impatto etico diretto.

Per un teorico l'essenza della musica è nella melodia, per un altro è nell'armonia, la musica non rientra in nessuna formula.

Questo è il canto dei secoli e il fiore della storia, che può nutrire sia i dolori che le gioie umane. Aristarkhova L. Su cosa e come la musica parla Arte 1 settembre. 1999 7 1.2.

Fine del lavoro -

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La musica nel sistema dell'educazione artistica e nell'educazione degli scolari più giovani

Sulla base della loro esperienza, arricchita da mezzo secolo di sviluppo della scienza dell'insegnamento e dell'educazione dei bambini, i migliori insegnanti, guidati dagli anziani - V.N. Shatskaya, lottando per il meglio, per il progresso, per la perfezione e ..

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Elementi di base del linguaggio musicale

“Non abbiate paura delle parole teoria, armonia, polifonia, ecc. Sii amichevole con loro e loro ti sorrideranno".
(R. Schumann)

Ricco e vario mezzi di espressione musica. Se l'artista nel disegno e nella pittura, lo scultore nel legno o nel marmo e lo scrittore e poeta nelle parole ricreano le immagini della vita circostante, allora i compositori lo fanno con l'aiuto di strumenti musicali. A differenza dei suoni non musicali (rumore, crepitio, fruscio). I suoni musicali hanno un'altezza precisa e una durata definita. Inoltre, possono avere un colore diverso, suonare forte o piano, essere eseguiti velocemente o lentamente. Melodia, ritmo, modo e armonia, registro e timbro, dinamica e tempo: questi sono tutti mezzi espressivi dell'arte musicale.

Melodia

Il mondo della musica è pieno di bellissime melodie di Bach, Mozart, Grieg, Chopin, Tchaikovsky...

Conosci già molta musica. Rimangono nella tua memoria. Se provi a ricordarli, sicuramente canticchierai una melodia. A. S. Pushkin ha seguito notevolmente il lavoro della memoria musicale nella "piccola tragedia" "Mozart e Salieri". Mozart esclama a Salieri:

SÌ! Beaumarchais era tuo amico;
Hai composto Tarara per lui,
Cosa gloriosa. C'è un motivo...
Continuo a dirlo quando sono felice...
La-la-la-la...

Tarar è un'opera del compositore italiano Antonio Salieri basata su un libretto di Pierre Beaumarchais.

Prima di tutto, Mozart ricorda il motivo: una particella espressiva della melodia. Il motivo può dare un'idea dell'intera melodia, del suo carattere. Ma cos'è una melodia? Melodia- pensiero musicale sviluppato e completo, espresso in una sola voce.

La parola "melodia" deriva da due parole: melos - canto e ode - canto. In generale, una melodia è ciò che tu ed io possiamo cantare. Anche se non lo ricordiamo tutto nella sua interezza, ne canticchiamo alcuni motivi, frasi. Dopotutto, nel discorso musicale, come nel discorso verbale, ci sono frasi e frasi.

Diversi suoni formano un motivo: una piccola particella di una melodia. Diversi motivi compongono una frase e le frasi compongono frasi. La melodia è il principale mezzo di espressione musicale. È la base di ogni opera, è l'anima di un'opera musicale.

La vita di una melodia è come la vita di un fiore. Un fiore nasce da un bocciolo, sboccia e infine appassisce. La vita di un fiore è breve, ma la vita di una melodia è ancora più breve. Dietro poco tempo riesce ad emergere dal motivo, "sbocciare" e finire. In ogni melodia c'è un "punto di fioritura", il punto più alto del suo sviluppo, la più alta intensità dei sentimenti. Si chiama climax. La melodia termina con una cadenza: una svolta costante.

Se continuiamo il confronto con un fiore, dovremmo ricordare che i fiori sbocciano in diversi momenti della giornata. Alcuni aprono le coppe ai primi raggi del sole, altri si “svegliano” in un caldo pomeriggio, altri ancora aspettano il tramonto per donare la loro fragranza al fresco della notte.

Anche le melodie "sbocciano" in momenti diversi. Alcuni iniziano immediatamente dall'alto: il climax. In altri, il culmine è nel mezzo della melodia o vicino alla sua fine. Un vivido esempio di ciò è la canzone di E. Krylatov "Winged Swing" (testi di Y. Entin) dal film "Adventures of Electronics". La sua melodia, sviluppandosi gradualmente, raggiunge il culmine, enfatizzato da ripetizioni sonore della nota più alta.

È facile vedere che la struttura della melodia è simile alla struttura del discorso. Poiché le frasi sono formate da parole, le frasi sono formate da frasi, così in una melodia piccole particelle espressive - motivi - sono combinate in frasi. Una frase musicale, di regola, è formata da due o tre motivi. La sua durata è determinata dalla durata del respiro dell'esecutore che canta o suona uno strumento a fiato. (Nell'esecuzione di musica su strumenti ad arco e a tastiera, l'influenza del respiro sulla lunghezza della frase non è evidente, ma viene anche presa in considerazione.)

Di solito una frase viene eseguita in un respiro (espirazione). Diverse frasi collegate da una linea di sviluppo comune formano frasi e frasi formano una melodia integrale.

Il culmine (dal latino culminis - picco) si trova solitamente nelle battute 5-6 di un periodo di 8 battute o nelle battute 12-13 di un periodo di 16 battute (cioè nel terzo quarto del periodo) e in questi casi rientrano nella cosiddetta "sezione aurea". Il significato della "sezione aurea" sta nella bellezza delle proporzioni rigorose, proporzionalità ed equilibrio armonico delle parti e del tutto. La "proporzione aurea" è anche nella struttura corpo umano sia in architettura che in pittura. Il principio della "sezione aurea" è stato utilizzato dal grande scienziato e artista italiano del XV-inizio XVI secolo Leonardo da Vinci, sebbene la dottrina delle proporzioni sia stata sviluppata e messa in pratica con successo nell'antica Grecia.

La creatività musicale popolare è un tesoro inesauribile di meravigliose melodie. Le migliori canzoni dei popoli del mondo si distinguono per la loro bellezza ed espressività. Sono diversi. A volte, sembra, non c'è e non ci sarà mai la fine del canto. Un suono si trasforma in un altro, la canzone scorre in un flusso continuo. Dicono di una tale melodia: "la melodia di un grande respiro". Si chiama anche cantilena. I compositori P. Tchaikovsky, S. Rachmaninov e altri si sono distinti per la capacità di creare tali melodie.

Ascolta la canzone popolare russa "Nightingale" eseguita dal Big Children's Choir. Ampia melodia che scorre lentamente e cantilenante.

Ma accade il contrario. Non ci sono suoni prolungati nella melodia, è più vicino a una semplice conversazione, in essa si avvertono i giri del linguaggio umano. Melodie simili possono essere trovate nei poemi epici. Non per niente la gente dice che i poemi epici influenzano e gli interpreti dei poemi epici sono chiamati narratori. Queste melodie sono chiamate recitativo.

La parola "recitativo" deriva dal latino recitare, che significa leggere ad alta voce, recitazione. Recitativo - mezzo singolo, mezzo discorso.

Soprattutto spesso i compositori si rivolgono al recitativo nell'opera, dove serve come uno dei mezzi di caratterizzazione musicale dei personaggi. Ad esempio, nella melodia tranquilla e maestosa del recitativo di Susanin, emerge l'immagine coraggiosa dell'eroe dell'opera M. Glinka.

IN opere strumentali le melodie a volte sono significativamente diverse da quelle vocali, cioè destinate al canto. Per gli strumenti musicali, puoi creare melodie con una gamma molto ampia e grandi salti. Immagini notevoli di melodie strumentali si possono trovare nelle opere per pianoforte del grande compositore polacco F. Chopin. Nel suo notturno in mi bemolle maggiore, un'ampia melodiosità si combina con la complessità del pattern melodico.

La ricchezza melodica della musica classica è inesauribile. Canzoni di F. Schubert e romanzi di S. Rachmaninoff, brani per pianoforte di F. Chopin e opere di G. Verdi, composizioni di W. Mozart, M. Glinka e P. Tchaikovsky e molti altri compositori sono diventati popolari tra gli ascoltatori grazie al loro melodie espressive luminose.

Armonia

Questo è uno dei principali mezzi di espressione. Dà colore alla musica e talvolta porta la maggior parte del carico semantico ed emotivo. Accordi armoniosi creano armonia, lasciando l'impressione di armonia, bellezza, pienezza. E a volte gioca un ruolo ancora più importante della melodia. Ascolta il famoso Preludio n. 20 di F. Chopin. Non c'è praticamente nessuna melodia estesa in esso. È l'armonia che crea l'atmosfera generale.

Viene chiamata una sequenza di accordi insieme a una melodia armonia.

Grazie all'armonia, l'espressività della melodia viene esaltata, diventa più luminosa e ricca di suono. Gli accordi, le armonie e la loro sequenza costituiscono l'armonia, interagendo strettamente con la melodia.

Nella Polonaise in la maggiore di Chopin, il potente suono "orchestrale" del pianoforte è ottenuto grazie agli accordi polifonici che accompagnano la melodia di un personaggio eroico solenne.

Ci sono molte opere musicali che suonano leggere e aggraziate. Ad esempio, ballare. Gli accordi nel suono simultaneo qui sarebbero percepiti in modo troppo pesante e goffo. Pertanto, nell'accompagnamento di danze su un forte ritmo di misure, il suono più basso dell'accordo (basso) suona separatamente, e poi i suoi altri suoni simultanei. Questo tipo di presentazione dell'armonia è utilizzato nel Valzer in la bemolle maggiore di F. Schubert, che conferisce alla musica leggerezza ed eleganza del suono.

Nelle opere di natura lirica melodiosa, al fine di ottenere un suono di armonia morbido e "a corde", vengono spesso utilizzati accordi scomposti dai suoni. Nella Sonata al chiaro di luna di L. Beethoven, tale suono dell'accompagnamento, combinato con il movimento senza fretta della melodia triste, conferisce alla musica morbidezza e crea uno stato d'animo elevato e nobile.

Le possibilità di combinazioni di accordi, armonie sono infinitamente varie. I loro cambiamenti inaspettati e bruschi danno l'impressione di qualcosa di insolito, misterioso. Pertanto, quando i compositori scrivono musica da favola, l'armonia diventa uno degli elementi più importanti del linguaggio musicale. Ad esempio, un miracolo trasformazione magica cigni in fanciulle rosse nell'opera "Sadko" di N. Rimsky-Korsakov avviene con l'aiuto di un colorato cambio di accordi "magici".

Ci sono brani musicali in cui l'armonia domina, determina il carattere e lo stato d'animo del brano. Ascolta il preludio in do maggiore dal primo volume del Clavicembalo ben temperato di I. Bach.

Nel lento e fluido cambiamento di accordi scomposti, nell'alternanza di tensioni e recessioni, nel movimento costante verso il climax solenne e nel successivo completamento, si forma un'opera finita e armoniosa. È intriso di uno stato d'animo di pace sublime. Affascinati dal magico gioco di colori armonici, non ci accorgiamo che non c'è melodia in questo preludio. L'armonia esprime pienamente lo stato d'animo dell'opera.

Ritmo

Il ritmo è l'organizzatore dei suoni musicali nel tempo. Ritmo indica il rapporto tra le durate dei suoni. Un brano musicale non può esistere senza ritmo, così come una persona non può vivere senza il lavoro del cuore. Nelle marce, nei balli, nei brani veloci, il ritmo organizza, snellisce il movimento, da questo dipende la natura del lavoro.

Può un brano musicale essere espressivo senza melodia e armonia? La risposta ci viene data dalla commedia originale "Panic" di S. Prokofiev dalla musica per la commedia "Egyptian Nights". L'azione si svolge nel palazzo della leggendaria regina egiziana Cleopatra.

...Notte. Il palazzo è circondato da nemici: le truppe dei romani. Gli abitanti del palazzo affrontano la prigionia o la morte. Impazziti dalla paura, la gente corre fuori dalle stanze lontane del palazzo. Si precipitano verso l'uscita. Ed ecco gli ultimi passi...

Illustrando questo episodio, il compositore usa l'enorme potere espressivo del ritmo. L'originalità della musica sta nel fatto che viene eseguita solo da strumenti a percussione: tamburi piccoli e grandi, timpani, tom-tom. La parte di ogni strumento ha il proprio schema ritmico. Al culmine si forma un grumo di energia ritmica grande forza e tensione.

A poco a poco, la tensione si dissipa: il tam-tom tace, poi anche i timpani, il rullante, la grancassa svaniscono ... Così, usando scarsi mezzi musicali, Prokofiev ha creato un pezzo luminoso, ruolo di primo piano in cui suona il ritmo.

Il ruolo espressivo del ritmo è particolarmente pronunciato nel famoso pezzo orchestrale compositore francese M. Ravel "Bolero". La formula ritmica immutabile della danza spagnola è qui sostenuta per tutta l'opera (è scritta sotto forma di 12 variazioni). "Iron Rhythm" trattiene la melodiosa melodia come in una morsa e aumenta gradualmente la grandiosa tensione nello sviluppo della danza spagnola sobria e appassionata. La "formula" ritmica del bolero è eseguita dal batterista solista.

Ricordalo nella musica fret significa la consistenza dei suoni, diversi in altezza. Questi suoni sono combinati attorno al suono principale - tonici. Nella musica europea, i modi più comuni sono maggiore E minore. La maggior parte dei brani che suoni e di cui parleremo nel nostro libro sono anch'essi scritti in queste due modalità. La dipendenza del carattere della musica dalla modalità è forte? Ascoltiamo la commedia di G. Sviridov "Primavera e autunno".

Il compositore ha dipinto lo stesso paesaggio con suoni in diversi periodi dell'anno. Nella prima parte, accordi leggeri e trasparenti, ricreano una fragile linea melodica paesaggio primaverile. Ascoltando la musica, immaginiamo i colori delicati del verde che ha vestito gli alberi, i profumi leggeri dei giardini fioriti, le voci sonore degli uccelli. Il pezzo suona in chiave maggiore, ottimista, leggero.

Ma ora l'atmosfera è cambiata, il ritmo è rallentato. I colori di un paesaggio familiare svanirono. Ti sembra di vedere le sagome nere degli alberi spogli attraverso la maglia grigia della pioggia. La luce del sole sembrò scomparire dalla musica. colori primaverili il tasto maggiore è uscito, sono stati sostituiti da un minore. Nella melodia erano nettamente delineate le intonazioni delle dissonanze-tritoni. Il tempo lento ha intensificato l'espressività dei tristi accordi minori.

Ascoltando la seconda parte dell'opera, si nota facilmente che si tratta solo di una variante della prima. Ma il cambio di modalità crea l'impressione che si stia suonando un nuovo brano, opposto per carattere e umore al primo.

Ritmo

Certo, sai bene che questa parola significa velocità di movimento. È vero, questo termine non deriva dalla parola velocità, ma dalla parola tempo (latino tempus). Sia il carattere che l'umore dell'opera dipendono dal tempo. Una ninna nanna non può essere suonata a un ritmo veloce e un galoppo non può essere suonato a un ritmo lento.

Ricordiamo i tempi musicali di base. Sono comunemente indicati in italiano.

Largo (largo) - molto lentamente e ampiamente.
Adagio (adagio) - lentamente, con calma.
Andante(andante) - al ritmo di un passo calmo.
Allegro (allegro) - rapidamente.
Presto (presto) - molto velocemente.

Spesso ci sono variazioni di queste tariffe:

Moderato (moderato) - moderatamente, sobrio.
Allegretto (allegretto) - piuttosto vivace.
Vivace (vivache) - vivo.

Ascolta un frammento del tema principale della celebre Fantasia in re minore del grande W. Mozart. Ascolta come viene scelta bene la morbida trama pulsante dell'accompagnamento a questa melodia delicata e fragile.

E anche il prossimo esempio è tratto dalla musica di W. Mozart, il finale più popolare della sua sonata per pianoforte, noto anche come Marcia turca o Rondò turco. Musica incendiaria, tutt'altra cosa. Qui W. Mozart non si sente triste, non sogna, ma si diverte contagiosamente.

In precedenza, i tempi nella musica erano determinati approssimativamente, in base all'umore. Ma a volte i compositori volevano indicare il tempo in modo molto preciso. IN inizio XIX secolo, il meccanico tedesco I. Melzel ha inventato il metronomo appositamente per questo. La velocità desiderata si trova facilmente con il metronomo.

Dinamica

Altrettanto importante è la dinamica della performance, cioè la potenza del suono. Sicuramente hai prestato attenzione al fatto che durante l'esibizione i musicisti suonano ad alta voce oa bassa voce. Questo non sta accadendo perché il musicista vuole che sia così. È così che il compositore ha concepito e indicato con l'aiuto di quali sfumature dinamiche è possibile rivelare la sua idea.

Esistono due sfumature dinamiche principali e le conosci molto bene: forte - forte e piano - silenzioso. In musica si scrivono in lettere italiane: F e R.

A volte queste sfumature sono migliorate. Ad esempio, molto forte - FF (fortissimo) o molto silenzioso - PP (pianissimo). Spesso durante il lavoro, la forza del suono cambia più di una volta. Ricordiamo la commedia di P. Tchaikovsky "Baba Yaga". La musica inizia appena udibile, poi la sua sonorità diventa più forte, raggiungendo un volume molto alto, e gradualmente si abbassa di nuovo. Come se uno stupa con Baba Yaga apparisse da lontano, ci passasse accanto e scomparisse in lontananza.

Ecco come le tonalità dinamiche possono aiutare un compositore a creare un'immagine musicale vibrante.

Timbro

La stessa melodia può essere suonata al pianoforte, al violino, al flauto e alla chitarra. E sai cantare. E anche se lo suoni su tutti questi strumenti nella stessa tonalità, allo stesso tempo, con le stesse sfumature e tocchi, il suono sarà comunque diverso. Con Cosa? La colorazione stessa del suono, il suo timbro. Questa parola deriva dal timbro francese, che significa campana, oltre che etichetta, cioè segno distintivo.

Timbro- una speciale colorazione del suono, caratteristica di ogni voce e strumento. Con questa colorazione distinguiamo voci e strumenti diversi l'uno dall'altro.

Ascolta una canzone popolare russa eseguita dal coro Im. Pyatnitsky "Cammino con loach".

La varietà delle voci cantate è particolarmente evidente nell'opera, dove per ogni personaggio il compositore seleziona il timbro di voce che meglio si adatta al suo personaggio. Nell'opera The Tale of Tsar Saltan di N. Rimsky-Korsakov, il ruolo della principessa Swan è stato scritto per soprano e il sensale di matrimoni Babarikha è stato scritto per mezzosoprano. L'esecutore del ruolo di Tsarevich Gvidon è un tenore e lo zar Saltan è un basso.

Registrati

Vagare su tutta la tastiera del pianoforte. Ascolta come i suoni più bassi differiscono dai più alti.

Quando stavi appena iniziando a familiarizzare con lo strumento, probabilmente ti è stato detto che "un orso giace in una tana" sotto e "gli uccelli cantano" sopra. Ma i tasti che sono nel mezzo suonano i più melodici. Sono più spesso usati nella musica. E non perché sia ​​più comodo raggiungerli, ma perché sono più ricchi di altri in termini di espressività musicale. Ma se abbiamo bisogno, ad esempio, di rappresentare un temporale, allora come possiamo fare a meno del tuono nei bassi e degli scintillanti zigzag di fulmini nel registro "uccello"?

Cos'è una fila di tasti del pianoforte? Un certo numero di suoni. E in breve: una sana lite. Quindi il registro fa parte della scala. Questo è corretto, ma non ci dice nulla sui registri stessi, sulla loro natura, caratteristiche.

Ecco, per esempio, il caso centrale. Quello in cui si canta e si parla. Il nostro orecchio è sintonizzato al meglio sull'onda "conversazionale". E inoltre, che tu lo sappia o no, ascoltiamo la musica non solo con le nostre orecchie, ma anche con le nostre corde vocali. Quando ascoltiamo una melodia, le nostre corde vocali la cantano silenziosamente, che ci piaccia o no. Pertanto, quando i legamenti di un cantante si ammalano, non gli è permesso non solo di cantare se stesso, ma anche di ascoltare altri cantanti.

Questo suggerisce la conclusione: chi canta meglio e in modo più pulito, ascolta meglio la musica e ne trae più piacere. Non è un caso che R. Schumann, a voi già noto, abbia scritto nelle sue “Regole per giovani musicisti”: “Canta diligentemente nel coro”.

Il registro medio è il più familiare per noi. E quando ascoltiamo la musica scritta in questo registro, prestiamo attenzione non al registro stesso, ma ad altri dettagli: melodia, armonia e altri dettagli espressivi.

E i registri inferiore e superiore si distinguono nettamente per la loro speciale espressività di registro. La minuscola ricorda una "lente d'ingrandimento". Lui fa immagini musicali più grande, più grande, più grande. Può spaventare. E dire: "Shh, è un segreto".

Misteriosamente, insolitamente, inizia la commedia di E. Grieg "Nella caverna del re della montagna". Ma il tema spaventoso del formidabile re Shahriar da suite sinfonica N. Rimsky-Korsakov "Scheherazade".

Il registro acuto, al contrario, sembra “ridurre” ciò che suona in esso. Nell '"Album per bambini" di P. Tchaikovsky c'è un "March soldati di legno". Tutto in esso è come in una vera marcia militare, ma piccolo, "giocattolo".

Ora possiamo dirlo Registrati- questa è una parte della scala che ha un certo colore sonoro. Ci sono tre registri: superiore, medio e inferiore.

Abbiamo ascoltato esempi scritti nello stesso registro. Ma questo tipo di musica è raro. Spesso i compositori usano tutti i registri contemporaneamente. Come, ad esempio, E. Grieg nel pezzo per pianoforte Nocturne. "Notturno" significa "notte". In Norvegia, nella patria di E. Grieg, d'estate ci sono le stesse notti bianche di San Pietroburgo. La musica del Notturno di E. Grieg è colorata e pittoresca. I colori a registro giocano un ruolo importante in questa pittura sonora.

Presentazione

Incluso:
1. Presentazione - 30 diapositive, ppsx;
2. Suoni della musica:
Bach. Preludio in do minore (clavicembalo in spagnolo) Beethoven. Sonata "Lunare", parte I - Adagio sostenuto (frammento), mp3;
Glinka. Il recitativo di Susanin "Smell the Truth" dall'opera "Life for the Tsar", mp3;
Grieg. "In the Hall of the Mountain King" dalla suite "Peer Gynt" (frammento), mp3;
Grieg. Notturno da "Lyrical Suite" (frammento), mp3;
Mozart. Rondò in stile turco (frammento), mp3;
Mozart. Fantasia in re minore (frammento), mp3;
Prokof'ev. "Panic", dalla musica per lo spettacolo "Egyptian Nights", mp3;
Ravel. "Bolero" (frammento), mp3;
Rimskij-Korsakov. "Il miracolo della trasformazione dei cigni in fanciulle rosse" dall'opera "Sadko", mp3;
Rimskij-Korsakov. Tema di Shahriar dalla suite sinfonica "Scheherazade", mp3;
Sviridov. "Primavera e autunno", mp3;
Chaikovsky. "Baba Yaga" da "Album per bambini", mp3;
Chaikovsky. "March of Wooden Soldiers" da "Children's Album", mp3;
Chopin. Notturno in mi bemolle maggiore op. 9 n. 2 (frammento), mp3;
Chopin. Polonaise in La maggiore, op. 40 n. 1 (frammento), mp3;
Chopin. Preludio in do minore, op. 28 n. 20, mp3;
Schubert. Valzer in la bemolle maggiore, mp3;
"Cammino con loach", mp3;
Usignolo (in spagnolo BDH), mp3;
3. Articolo di accompagnamento - riepilogo della lezione, docx.

§ 9. L'intonazione come principio semantico fondamentale della musica. Tipi e forme di base delle dichiarazioni musicali, le loro sfumature emotive e psicologiche

Come già notato, la percezione di un musicista professionista è altamente analitica: è differenziata, in grado di trovare principi strutturali sottostanti nel tessuto musicale e percepire il discorso musicale come un insieme altamente organizzato, formato secondo le leggi della bellezza. Tuttavia, il numero di musicisti professionisti è relativamente piccolo, così come il numero di ascoltatori altamente eruditi. La maggior parte degli ascoltatori si affida ai parametri sonori più generalizzati e indifferenziati: tempo, timbro, dinamica, articolazione e fraseggio. Queste proprietà dell'insieme musicale sono in grado di veicolare significati artistici e diventare la base della percezione musicale anche quando l'architettura e la struttura formale del materiale musicale sono lungi dall'essere pienamente percepite - a questo livello, un ascoltatore inesperto acquisisce la capacità, partendo da le fonti primarie dell'espressività musicale, cioè dall'intonazione, per raggiungere un livello più alto di adeguatezza nella loro percezione della musica. A differenza di orecchio analitico percepire i lati più altamente differenziati dell'insieme musicale - altezza e ritmo, l'udito, basato sulle proprietà timbrodinamiche, agogiche e articolatorie della musica, è chiamato udito intonazionale. I musicisti professionisti, sulla base delle risorse del loro udito intonazionale, acquisiscono l'immediatezza della percezione, che si avvicina così alle origini dell'arte musicale come un'affermazione intonazione-espressiva e significativa.

L'udito dell'intonazione è sorto anche quando l'uomo più antico non poteva usare il suono della musica vera e propria, che aveva un'altezza e una durata rigorosamente definite. Tuttavia, già a quel tempo, secondo la scienza, una persona percepiva il mondo sonoro che lo circondava in modo abbastanza significativo ed emotivo. Qualsiasi suono per una persona antica era principalmente semantico, portando determinate informazioni sulle "intenzioni" o sulla relazione tra "oggetto" e "soggetto": se il tuono rimbombava, se un ruscello mormorava, se i rami scricchiolavano nell'oscurità, se si udirono i suoni di una caduta massi di montagna - tutto ciò richiedeva una risposta, provocava una risposta, che era una logica conseguenza delle informazioni sonore ricevute. Queste qualità fondamentali della percezione uditiva hanno costituito la base dei segnali sonori più antichi, da cui successivamente è nata l'arte della musica. Percependo tali segnali e decifrandone il significato, si è formato l'udito dell'intonazione di una persona (nel corso di milioni di anni!)

Forse, a causa del più profondo radicamento genetico dell'udito intonazionale, è molto difficile da sviluppare ed è molto più conservatore dell'udito analitico, che si sviluppa con molto successo sotto l'influenza dell'addestramento sistematico. Questa caratteristica dell'udito dell'intonazione si è manifestata nel corso di studi su larga scala condotti in Russia e negli Stati Uniti. Quindi, ad esempio, indipendentemente dalla nazionalità e dall'esperienza musicale, i bambini - afroamericani, bianchi americani e bambini russi - hanno mostrato lo stesso risultato durante il test dell'udito dell'intonazione: in tutti i casi hanno affrontato con successo un compito molto difficile 12 % ; i soggetti - bambini 7 - 8 anni. Questo risultato testimonia il ruolo dominante dei fattori congeniti nella formazione dell'udito intonazionale.

Nonostante le molte fasi di mediazione che si celano tra i segnali sonori comunicativi epoche preistoriche e culture musicali altamente sviluppate, l'intenzione comunicativa dell'autore di un'opera musicale emerge attraverso molti strati semantici per l'ascoltatore moderno: l'ascoltatore sente intuitivamente il discorso musicale come un'affermazione significativa a lui rivolta. Allo stesso tempo, l'orientamento comunicativo della musica si fa sentire non solo attraverso l'intonazione musicale, ma anche "mostrata", acquista contorni visibili. La comunicazione musicale nelle forme più antiche del fare musica e nella pratica musicale dei bambini è inevitabilmente satura di vari gesti che riflettono tutta la ricchezza emotiva della comunicazione non verbale. La passività della percezione musicale nel quadro della moderna cultura musicale accademica solo psicologicamente sembra essere tale: soppressa nel senso di manifestazioni esterne, l'attività motoria è tuttavia presente nella coscienza umana e nel subconscio come componente organica della percezione musicale. Secondo B.M. Teplov, "la percezione della musica è assolutamente direttamente accompagnata da certe reazioni motorie, che trasmettono più o meno accuratamente il corso del tempo del movimento musicale, o, in altre parole, la percezione della musica ha una componente uditivo-motoria attiva" .

La componente motore-motore, secondo Teplov, risulta essere una sorta di fusione di tutto ciò che è una conseguenza inevitabile del suono. Qui, la sensazione di un certo sforzo o rilassamento muscolare, il ritmo del respiro, il passo, la pulsazione: questi sono tutti equivalenti dell'esperienza del tempo musicale; o una sensazione di densità e scarsità, vicinanza o lontananza di un oggetto musicale, un'idea di linee musicali, le loro intersezioni - queste immagini spaziali possono essere rappresentate come risultato della traduzione delle relazioni sonore in una modalità visiva ("gamma visiva ").

Nella musicologia moderna, la frase "forme di base della musica" si è affermata saldamente. Riguarda qui sull'equivalente musicale, il tipico "accompagnamento" musicale di situazioni in cui un tempo, agli albori dell'umanità, nacquero e si radicarono nella vita quotidiana varie reazioni sonore, "espressioni", ecc., in una parola, il così -chiamato proto-intonazione. La proto-intonazione, come risulta dall'etimologia della parola - ciò che ha preceduto l'intonazione musicale nel senso moderno del termine, l'ha preceduta. Le proto-intonazioni gravitano verso i più antichi meta-sensi codificati nell'"inconscio collettivo" (K. Jung). La caccia e i rituali militari hanno svolto un ruolo significativo qui. Questi rituali si basano sull'imitazione della vittoria sul nemico, sull'affermazione della propria forza e fermezza. Qui domina l'intonazione dominante, volitiva e invocativa. Molto comune nel folklore popoli diversi ci sono anche situazioni di petizione o supplica. Questo può essere chiedere regali allo sposo durante una cerimonia di matrimonio, chiedere regali al proprietario durante i canti natalizi, chiedere un raccolto, chiedere buona fortuna. Qui l'intonazione dominante è lirica, suadente, talvolta lamentosa. Situazioni di concentrazione orante, pacificazione, dove prevale un'intonazione monotona e misurata, e situazioni giocose e comiche - dai giochi nuziali al folklore dei bambini - sono anche incluse in una sorta di "meta-dizionario" dell'espressività musicale, basato su fonti folcloristiche.

Forme archetipiche di base, che sono formazioni psico-musicali primarie, dove una certa situazione comunicativa comporta una certa immagine motorio-plastica e spazio-temporale, sono alla base del vocabolario psico-musicale universale della percezione. Custode di questo dizionario di primaria significati musicaliè intonazione. L'esistenza di tali significati, codificati in forme base, è una conferma di V.V. Medushevsky che "... i più alti significati socio-spirituali moderni crescono dall'interno dei più semplici e antichi" .

Quindi, le origini delle forme basilari di comunicazione sonora risalgono ai più antichi archetipi comunicativi, fissati nella memoria genetica dell'uomo. Che si tratti di una chiamata attiva, di una richiesta insistente, di un gioco frivolo o di una meditazione profonda, ognuno di questi tipi di interazione sociale, nonostante le molteplici manifestazioni specifiche, è sufficientemente costante come tipo di comunicazione, come tipo di comunicazione sociale, e quindi ciascuno dei tipi nominati di interazione sociale può essere attribuito agli archetipi fondamentali che si trovano in tutti i tipi di civiltà e culture. Le forme base sono una sorta di segni psicologici motori-spaziali attraverso i quali la nostra coscienza riconosce gli archetipi comunicativi, poiché è troppo importante che una persona capisca immediatamente con quale intenzione, con quale tono emotivo si sta rivolgendo. La correttezza del riconoscimento dell'intenzione comunicativa del parlante (archetipo comunicativo) può talvolta dipendere dalla vita sia di un individuo che di un'intera tribù.

Gli archetipi comunicativi (archetipi di "chiamata", "richiesta", "gioco" e "meditazione"), che compaiono nella musica, delineano i contorni dell'incarnazione sonora delle forme di base nella forma in cui sono sorte nei più antichi tipi di musica fabbricazione. La forma base ha un certo contenuto semantico, è una "estrazione motorio-spaziale psico-emotiva" dal processo di comunicazione musicale. L'archetipo comunicativo si riferisce interamente al campo dell'interazione sociale, cioè interazioni tra individui e gruppi di persone; è lui la causa motivante che ha dato vita alla forma base con le sue qualità motorie e protointonazionali.

L'analisi dei principali archetipi mostra i supporti che l'udito intonazionale utilizza per decifrare contenuto musicale, per l'interpretazione emotiva dichiarazione musicale. Prendi, ad esempio, il tipo comunicativo di "chiamata". È associato a una situazione di motivazione all'azione, quando l'oratore vuole trasmettere la sua attività agli ascoltatori. Questo archetipo si basa sulla proto-intonazione dominante del richiamo, letta in musica come tono di tensione delle corde vocali e della motricità corporea. La caratteristica più importante della proto-intonazione è la sua immagine spaziale, la sua incarnazione lineare. La proto-intonazione del richiamo è caratterizzata da un movimento ascendente, quando si delinea una certa "differenza di potenzialità melodiche". L'equivalente motorio della proto-intonazione del richiamo, generalizzando il suo contenuto articolatorio-ritmico, potrebbe sembrare un gesto di richiamo da "Ehi, vieni qui!" a "Bene, aspetta un minuto!" Tali gesti hanno origine da antichi rituali militari e di caccia, quando il dominio sulla vittima, la vittoria sul nemico era sentita come cattura, inclusione nella sfera della propria influenza. Pertanto, viene esposta un'altra sfumatura comunicativa dell'archetipo della "chiamata": la pretesa di leadership di chi parla, intonazioni di comando, un senso della propria forza e potere. Gli esempi includono la Cavalcata delle Valchirie di Wagner o il leitmotiv di tre carte da La dama di picche di Ciajkovskij. La proto-intonazione del richiamo si coglie anche nella musica con un tono grottesco e amaro che dipinge un ritratto di forza bruta. Tali episodi si trovano nella musica di Shostakovich. Questi includono, ad esempio, le variazioni culminanti del "tema dell'invasione" dalla Settima Sinfonia, lo Scherzo dall'Ottava Sinfonia.

Modulo di chiamata di baseè estremamente ricco di varietà, poiché l'impulso all'azione, il desiderio di contagiare chi percepisce con la propria energia è estremamente importante in molte situazioni sociali. Non è solo una guerra, una lotta, una corsa alla vittoria o un trionfo finale, ma sono anche situazioni legate alla ricreazione collettiva, dove è necessaria una certa carica di energia per incoraggiare le persone a riunirsi per il divertimento comune. La ricreazione pubblica o situazioni ad essa vicine (a volte possono fondersi, essere identificate con situazioni vittoriose e trionfali) sono associate a generi come una canzone da bere, dove il capobanda, "maestro di cerimonie", invita tutti a condividere la sua gioia, o un soldato canta durante una marcia vittoriosa, viene tirata fuori una canzone, che tutti riprendono dopo di lui. Da questo punto di vista, il tavolo del valzer e quelli in marcia simili a una marcia, a cui appartiene il cant russo (un esempio da manuale - "Gloria!" Glinka), saranno attribuiti alla stessa forma di base - la forma della chiamata.

svolge un ruolo importante nella musica forma base dell'espressione sonora, che può essere caratterizzato come un archetipo comunicativo di "petizione". Si basa sulla ben nota situazione richieste, "accattonaggio", dove la gamma emotiva si estende dalla preghiera appassionata alla secolare cortesia galante. Qui l'atteggiamento etico dell'autore nei confronti dell'ascoltatore-destinatario si distingue per speciale rispetto, cura e, allo stesso tempo, cordiale apertura. IN culture antiche le situazioni di accattonaggio sono naturalmente associate a un culto religioso, quando le preghiere per l'invio di beni essenziali occupano un posto enorme nella vita della società. Mostrare rispetto per qualcuno è naturalmente associato all'assegnazione di uno status sociale inferiore rispetto a una persona rispettata. Se questa situazione penetra nella musica, la proto-intonazione della supplica viene espressa molte volte in vari modi: dalla sposa che piange il suo sfortunato destino ai cantori che chiedono regali al proprietario.

Il contorno melodico più organico che forma la proto-intonazione della supplica è la discesa, lo scivolamento, la discesa melodica. In primo luogo, ciò è dovuto alla caduta naturale della voce, che nel linguaggio ordinario intende anche esprimere incertezza, debolezza; in secondo luogo, questo contorno melodico delinea un caratteristico gesto di supplica - una figura di arco, che è associata a tutte le situazioni di supplica: da un profondo inchino a terra a un galante inchino. Se confrontiamo l'aspetto ritmico metrico della proto-intonazione di una petizione con la proto-intonazione di un appello, allora assomiglierà piuttosto non a un energico trochee, ma a un liscio anfibraco.

L'archetipo comunicativo della "richiesta" è il più antico d'Europa musica classica, essendo una delle prime manifestazioni dell'individualismo europeo, quando a un individuo è stato dato il diritto di lamentarsi, chiedere compassione e chiedere compassione. Gli inizi della forma base di petizione possono essere visti nel canto polifonico secolare del XVI secolo. - il genere "chanson", per non parlare del madrigale maturo. Sviluppandosi e prosperando nelle viscere dell'opera barocca, si radicò la forma base della petizione stile galante 18esimo secolo si trasferì nel XIX secolo, riempiendo il tema dell'amore del romanticismo musicale. Nel XX secolo. la vita dell'archetipo comunicativo della “richiesta” si sviluppa soprattutto nel genere pop, nel canto lirico. La cosiddetta musica seria e accademica del XX secolo. ricorreva molto raramente all'archetipo della "petizione".

Non meno significative sono le funzioni delle forme base che riflettono gli archetipi comunicativi del “gioco” e della “meditazione”. Il primo ("gioco") era uno dei componenti necessari delle culture antiche. Le situazioni di gioco sono sorte attorno a una varietà di rituali pubblici e festività che non hanno avuto un massimo stato sociale. (Questo non significa vittoria militare o una festa dedicata a qualche evento importante.) La comunicazione del gioco nasce come gioia spontanea della vita, incondizionata e non dovuta a nulla al suo aspetto - gioia senza ragione e alta senso pubblico. Tali, ad esempio, sono i giochi dei bambini che, oltre a tutto il resto, svolgono una funzione puramente rilassante. La situazione comunicativa del gioco presuppone l'uguaglianza di tutti i partecipanti: non c'è leader e pubblico di cui deve catturare l'attenzione, non c'è "richiedente" e colui a cui è rivolta la petizione - la situazione di gioco presuppone il principio di collettività: gli eguali comunicano con gli eguali in una situazione artificialmente isolata dalla vita con la sua inevitabile gerarchia sociale.

Immagine spaziale forma base del gioco abbastanza chiuso: movimento energico, veloce, creato per mezzo di metroritmo, contrasta con il profilo dell'ostinato, riportando persistentemente il contorno melodico al punto di partenza. Di conseguenza, c'è un movimento in un cerchio, un movimento-rotazione. Piccolo spazio modellato dalla musica crea effetto aggiuntivo teatralità, deliberata artificialità di ciò che sta accadendo.

La comunicazione sociale basata sulla "uguaglianza dei partecipanti" ha dato origine a un'altra forma di base: forma di meditazione. Anche qui non ci sono superiori e inferiori, non c'è impulso all'azione o alla petizione, ma c'è un'esperienza di autoapprofondimento. Il segno di "uguaglianza" nell'ambito della forma base della meditazione è la caratteristica proto-intonazione dominante dell'oscillazione, dell'oscillazione, che è vicina al gioco della proto-intonazione del vortice e della rotazione. L'oscillazione e l'oscillazione nell'ambito di una forma base meditativa, così come la rotazione e il vortice all'interno di una forma ludica, tendono a centrarsi, a raggruppare il contorno melodico attorno a un certo centro che disegna intorno a sé l'intero movimento musicale. L'incarnazione corporo-motoria della meditazione gravita verso l'immutabilità, la fluttuazione, la ricorrenza; l'immagine spaziale del movimento modella un'atmosfera di intima comunicazione, conforto, creando l'impressione di sicurezza e distacco da tutto ciò che interferisce, superfluo. Allo stesso tempo, la pace e la tranquillità, la mancanza di clamore, che accompagnano la situazione comunicativa di una ninna nanna, portano una persona in uno stato di contemplazione orante: in questo caso, lo spazio della casa, per così dire, si allontana, il " i muri crollano" e la persona si ritrova sola con l'Universo, su di lui scende un sentimento di liberazione e fusione. con la natura e il mondo.

Una varietà della forma base di meditazione è una sfera altamente sviluppata nella musica - la sfera della riflessione, che si estende dai canti religiosi del Medioevo alle intuizioni cosmiche dell'anima nella musica del 20° secolo. L'immagine del movimento in questo caso si trasforma nel suo opposto: il movimento si blocca, "un momento si ferma" - colui che prega e rivolge la sua anima a Dio non si manifesta con alcuna attività esterna. L'immagine spaziale corrispondente alla forma base - la meditazione - è l'Universo infinito, lo spazio senza confini. La situazione comunicativa della preghiera in questo caso non è una richiesta o una supplica, ma un'iniziazione a un principio superiore, un'accettazione della purezza superiore e della pace insite in esso. Qui il confine tra "parlare" e "ascoltare", tra chi si rivolge e chi si rivolge è sfumato.

L'ambito di applicazione della varietà della preghiera della forma base meditativa è estremamente ampio e talvolta cattura non solo singoli generi e tipi di musica, ma intere culture musicali. Tale è tutta la musica spirituale del Rinascimento e del canto gregoriano medievale, la maggior parte musica d'organo barocco e musica strumentale affine da chiesa al rallentatore, che spesso si concentra sui generi corali della musica sacra. Qui confina anche una parte significativa della musica sacra russa: dal canto di Znamenny all '"età d'oro" della composizione spirituale russa nella persona di Chesnokov, Kastalsky, Grechaninov e oltre fino ai giorni nostri. A causa del naturale intellettualismo di questa forma di base, vi si riversa una parte significativa della musica del XX secolo. - dagli adagi filosofici di Shostakovich alla musica di Schnittke, Kancheli, Pyart, Gubaidulina. Possiamo dire che questa forma di base occupa nella musica del 20 ° secolo. posizione dominante.

Va notato qui che le forme di base sono estremamente rare in forma pura: nella vera creatività e percezione musicale, di regola, si mescolano tra loro, e la più sottile miscela di "vettori" musicali e comunicativi conferisce a ogni opera un aspetto individuale. Pertanto, il principio del gioco e l'appello spesso coesistono e tendono a fondersi, unire, così come il lirismo, l'"accattonaggio" e la contemplazione neutra tendono a combinarsi tra loro nel genere del notturno e della musica di simile inclinazione emotiva. Durante tutto lo sviluppo musicale, specialmente in generi così "movimentati" come la sonata, la sinfonia, l'opera, c'è un cambio multiplo, un cambiamento nelle forme di base, un cambiamento nell'orientamento comunicativo del discorso musicale. Fluttuazioni di questo tipo sono presenti non solo nelle grandi forme musicali, ma anche a livello di piccoli frammenti musicali.

La dialettica della formazione e del mutamento delle forme fondamentali nell'ambito di un'opera costituisce per l'ascoltatore la base per la percezione della drammaturgia musicale, il suo strato "inferiore", il contorno più generale del processo drammatico-musicale. Questo strato di contenuto musicale con tutte le sue sfumature di intonazione, sia in generale che in particolare, è formato dal musicista esecutore sulla base della sua esperienza interiore del testo musicale, correlato con la tradizione esecutiva. È nelle mani dell'esecutore che l'intero set di espressività mezzi musicali- dinamica, timbro, tempo, articolazione, ecc.; tutti questi mezzi costituiscono il "materiale da costruzione" per la percezione delle forme elementari. Significa che lo strato più primario e fondamentale del contenuto musicale - la forma di base - è percepito sotto l'influenza diretta del musicista che esegue. Si rivolge a nome del compositore al destinatario, disponendo di tutti i mezzi musicali necessari per questo.

"L'udito analitico", "l'udito dell'intonazione" sono concetti in gran parte metaforici. Tuttavia, poiché sono abbastanza comuni tra gli specialisti (musicologi, insegnanti di musica), ha senso usarli in questo lavoro. I concetti di udienza intonazionale e analitica sono introdotti per analogia con la forma iotizzata intonazionale - non notata e analitica - di un'opera musicale, che denota le proprietà della coscienza percipiente, su cui si basa la percezione delle forme intonazionali e analitiche nella musica. L'autore del concetto di intonazione e forma analitica è il musicologo russo V.V. Medushevsky (vedi: Medushevsky V.V. forma di intonazione della musica. - M., 1993).

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