Posta jazz. Il jazz è veramente musica americana. Bebop - jazz moderno

16.07.2019

Come si è sviluppato il genere musicale a cavallo tra il XIX e il XX secolo? come risultato della sintesi di elementi di due culture musicali: europea e africana. Degli elementi africani si possono notare il poliritmo, la ripetizione ripetuta del motivo principale, l'espressività vocale, l'improvvisazione, che sono penetrate nel jazz insieme alle forme comuni del folklore musicale negro: danze rituali, canti di lavoro, spiritual e blues.

Parola jazz, originariamente "banda jazz", iniziò ad essere utilizzato a metà del primo decennio del XX secolo. negli stati meridionali per riferirsi alla musica creata da piccoli ensemble di New Orleans (comprendenti tromba, clarinetto, trombone, banjo, tuba o contrabbasso, percussioni e pianoforte) nel processo di improvvisazione collettiva sui temi del blues, ragtime e canzoni e danze popolari europee.

Per fare conoscenza, puoi ascoltare e Cesaria Evora, e, e molti altri.

Allora cos'è Jazz acido? Questo è uno stile musicale funky con elementi incorporati di jazz, funk anni '70, hip-hop, soul e altri stili. Può essere campionato, può essere "dal vivo" e può essere un misto degli ultimi due.

Soprattutto, Jazz acido si concentra sulla musica piuttosto che sul testo/parole. Questa è musica da club che mira a farti muovere.

Primo singolo in grande stile Jazz acido era "Frederick giace ancora", autore Galliano. Era una versione di copertina Curtis Mayfield Freddie è morto dal film "Super mosca".

Grande contributo alla promozione e al sostegno dello stile Jazz acido introdotto Gilles Peterson, che era un DJ su KISS FM. Fu uno dei primi a stabilirsi Jazz acido etichetta. Tra la fine degli anni '80 e l'inizio degli anni '90 c'erano molti artisti Jazz acido, che erano come comandi "live" - , Galliano, Jamiroquai, Don Cherry e progetti in studio - PALm Skin Productions, Mondo GroSSO, Esterno, E Organizzazione futura unita.

Certo, questo non è uno stile di jazz, ma un tipo di ensemble strumentale jazz, ma era comunque incluso nella tabella, perché qualsiasi jazz eseguito da una "big band" si distingue molto sullo sfondo di singoli artisti jazz e piccoli gruppi.
Il numero di musicisti nelle big band di solito varia da dieci a diciassette persone.
Costituito alla fine degli anni '20, è composto da tre gruppi orchestrali: sassofoni - clarinetti(Rulli) ottoni(Ottoni, spiccavano altri gruppi di flauti e tromboni), sezione ritmica(Sezione ritmica - pianoforte, contrabbasso, chitarra, strumenti a percussione). Il periodo di massimo splendore della musica grandi band, iniziato negli Stati Uniti negli anni '30, è associato a un periodo di entusiasmo di massa per lo swing.

Successivamente, fino ai giorni nostri, le big band si sono esibite ed eseguono musica di vari stili. Tuttavia, in sostanza, l'era delle big band inizia molto prima e risale ai tempi dei teatri di menestrelli americani della seconda metà del XIX secolo, che spesso aumentavano lo staff di esibizioni a diverse centinaia di attori e musicisti. Ascoltare The Original Dixieland Jazz Band, King Oliver's Creole Jazz Band, The Glenn Miller Orchestra e la sua orchestra e apprezzerai tutto il fascino del jazz eseguito da big band.

Stile jazz che si è sviluppato all'inizio della metà degli anni '40 del XX secolo e ha aperto l'era del jazz moderno. È caratterizzato da un tempo veloce e complesse improvvisazioni basate su cambiamenti di armonia piuttosto che di melodia.
Il ritmo super veloce della performance è stato introdotto da Parker e Gillespie per tenere fuori i non professionisti dalle loro nuove improvvisazioni. Tra le altre cose, un comportamento scioccante è diventato un segno distintivo di tutti i bebopiti. La tromba ricurva di Dizzy Gillespie, il comportamento di Parker e Gillespie, i cappelli ridicoli di Monk, ecc.
Sorto come reazione all'ubiquità dello swing, il bebop ha continuato a sviluppare i suoi principi nell'uso dei mezzi espressivi, ma allo stesso tempo ha scoperto una serie di tendenze opposte.

A differenza dello swing, che è principalmente la musica di grandi band da ballo commerciali, il bebop è una direzione creativa sperimentale nel jazz, principalmente associata alla pratica di piccoli ensemble (combo) e anti-commerciale nella sua direzione.
La fase bebop è stata un significativo spostamento dell'attenzione nel jazz dalla musica da ballo popolare alla "musica per musicisti" più altamente artistica, intellettuale, ma meno mainstream. I musicisti bop preferivano improvvisazioni complesse basate su accordi strimpellati invece che su melodie.
I principali iniziatori della nascita furono: sassofonista, trombettista, pianisti Germoglio Powell E Telonio Monaco, batterista Max Scarafaggio. Se vuoi Sii bop, Ascoltare , Michel Legrand, Joshua Redman Elastic Band, Jan Garbarek, Modern Jazz Quartet.

Uno degli stili del jazz moderno, formatosi a cavallo tra gli anni '40 e '50 del XX secolo basato sullo sviluppo delle conquiste dello swing e del bop. L'origine di questo stile è principalmente associata al nome del sassofonista swing negro. L. Giovane, che ha sviluppato il modo "freddo" di estrazione del suono (il cosiddetto suono Lester) opposto all'ideale sonoro dell'hot jazz; ha anche introdotto per la prima volta il termine "cool". Inoltre, i prerequisiti del cool jazz si trovano nel lavoro di molti musicisti bebop, come, ad esempio, C. Parker, T. Monk, M. Davis, J. Lewis, M. Jackson e altri.

Tuttavia, bel jazz presenta differenze significative rispetto a bop. Ciò si è manifestato nell'allontanamento da quelle tradizioni dell'hot jazz seguite dal bop, nel rifiuto dell'eccessiva espressività ritmica e dell'instabilità intonazionale, dall'enfasi deliberata su un colore specificamente negro. Suonato in questo stile: , Stan Getz, Modern Jazz Quartet, Dave Brubeck, Zoot Sims, Paul Desmond.

Con la graduale scomparsa della musica rock a partire dai primi anni '70, con la diminuzione del flusso di idee dal mondo del rock, la musica fusion è diventata più semplice. Allo stesso tempo, molti iniziarono a rendersi conto che il jazz elettrico poteva diventare più commerciale, i produttori e alcuni musicisti iniziarono a cercare tali combinazioni di stili per aumentare le vendite. Sono davvero riusciti a creare un tipo di jazz più accessibile all'ascoltatore medio. Negli ultimi due decenni sono emerse molte combinazioni diverse, per le quali promotori e pubblicisti amano usare il termine "Modern Jazz" per descrivere le "fusioni" del jazz con elementi di pop, rhythm and blues e "world music".

Tuttavia, la parola "crossover" si riferisce più accuratamente all'essenza della questione. Crossover e fusion hanno raggiunto il loro obiettivo e hanno aumentato il pubblico del jazz, soprattutto grazie a coloro che erano stufi di altri stili. In alcuni casi questa musica merita attenzione, anche se in generale il contenuto jazz in essa contenuto è ridotto a zero. Esempi di stile crossover vanno da (Al Jarreau) e registrazioni vocali (George Benson) a (Kenny G), "Spyrogira" E " " . C'è un'influenza jazz in tutto questo, ma, tuttavia, questa musica si inserisce nel campo della pop art, che è rappresentata da Gerald Albright, Giorgio Duca, sassofonista Bill Evans, Dave Grusin,.

Dixieland- la più ampia designazione dello stile musicale dei primi musicisti jazz di New Orleans e Chicago che registrarono dischi dal 1917 al 1923. Questo concetto si estende anche al periodo del successivo sviluppo e revival del jazz di New Orleans - Rinascita di New Orleans continuò dopo gli anni '30. Alcuni storici attribuiscono Dixieland solo alla musica di band bianche che suonano nello stile jazz di New Orleans.

A differenza di altre forme di jazz, il repertorio di brani dei musicisti Dixielandè rimasto piuttosto limitato, offrendo infinite variazioni di temi all'interno degli stessi brani composti durante il primo decennio del 20 ° secolo, e includevano ragtime, blues, one-step, two-step, marce e brani popolari. Per lo stile delle prestazioni Dixieland caratteristica era il complesso intreccio di singole voci nell'improvvisazione collettiva dell'intero ensemble. Il solista che ha aperto l'assolo e altri solisti che hanno continuato a suonare, per così dire, si sono opposti al "riffing" del resto degli ottoni, fino alle frasi finali, solitamente eseguite dai tamburi sotto forma di ritornelli di quattro battute, a cui a loro volta ha risposto l'intero ensemble.

I principali rappresentanti di questa era erano The Original Dixieland Jazz Band, Joe King Oliver e la sua famosa orchestra, Sidney Bechet, Kid Ory, Johnny Dodds, Paul Mares, Nick LaRocca, Bix Beiderbecke e Jimmy McPartland. I musicisti Dixieland erano essenzialmente alla ricerca di un revival del classico jazz di New Orleans del passato. Questi tentativi ebbero molto successo e, grazie alle generazioni successive, continuano ancora oggi. Il primo dei revival della tradizione Dixieland ebbe luogo negli anni '40.
Ecco solo alcuni dei jazzisti che hanno suonato Dixieland: Kenny Ball, Lu Watters Yerna Buena Jazz Band, Turk Murphys Jazz Band.

Una nicchia separata nella comunità degli stili jazz dall'inizio degli anni '70 è stata occupata dalla compagnia tedesca ECM (Edizione di Musica Contemporanea- Casa editrice di musica contemporanea), che divenne gradualmente il centro di un'associazione di musicisti che professavano non tanto un attaccamento all'origine afroamericana del jazz quanto la capacità di risolvere un'ampia varietà di compiti artistici, non limitandosi a un certo stile, ma in linea con il processo creativo di improvvisazione.

Nel tempo, tuttavia, si è sviluppato un certo volto dell'azienda, che ha portato alla separazione degli artisti di questa etichetta in una direzione stilistica ampia e pronunciata. L'orientamento del fondatore dell'etichetta Manfred Eicher (Manfred Eicher) a combinare vari idiomi jazz, folklore mondiale e nuova musica accademica in un unico suono impressionistico ha permesso di rivendicare la profondità e la comprensione filosofica dei valori della vita usando questi mezzi.

Lo studio di registrazione principale dell'azienda con sede a Oslo è ovviamente correlato al ruolo di primo piano nel catalogo dei musicisti scandinavi. Prima di tutto, i norvegesi Jan Garbarek, Terje Rypdal, Nils Petter Molvaer, Arild Andersen, Jon Christensen. Tuttavia, la geografia dell'ECM copre il mondo intero. Ecco gli Europei Dave Holland, Tomasz Stanko, John Surman, Eberhard Weber, Rainer Bruninghaus, Mikhail Alperin e rappresentanti di culture extraeuropee Egberto Gismonti, Flora Purim, Zakir Hussain, Trilok Gurtu, Nana Vasconcelos, Hariprasad Chaurasia, Anouar Brahem e molti altri. Non meno rappresentativa è la Legione Americana - Jack DeJohnette, Charles Lloyd, Ralph Towner, Redman Dewey, Bill Frisell, John Abercrombie, Leo Smith. L'impulso rivoluzionario iniziale delle pubblicazioni dell'azienda si è trasformato nel tempo in un suono meditativamente distaccato di forme aperte con strati sonori accuratamente levigati.

Alcuni aderenti al mainstream negano il percorso scelto dai musicisti di questa direzione; tuttavia, il jazz, come cultura mondiale, si sviluppa nonostante queste obiezioni e dà risultati davvero impressionanti.

In contrasto con la raffinatezza e la freddezza dello stile cool, la razionalità del progressivo sulla costa orientale degli Stati Uniti, i giovani musicisti nei primi anni '50 continuarono a sviluppare lo stile bebop apparentemente già esausto. La crescita dell'autocoscienza degli afroamericani, caratteristica degli anni '50, ha giocato un ruolo significativo in questa tendenza. L'attenzione è stata nuovamente richiamata sul mantenimento della fedeltà alle tradizioni di improvvisazione afroamericane. Allo stesso tempo, tutti i risultati del bebop sono stati preservati, ma sono stati aggiunti molti fantastici risultati sia nel campo dell'armonia che nel campo delle strutture ritmiche. I musicisti della nuova generazione, di regola, avevano una buona educazione musicale. Questa corrente è chiamata "hardbop" si è rivelato piuttosto numeroso. I trombettisti si unirono Miles Davis, Fats Navarro, Clifford Brown, Donald Byrd, pianisti Thelonious Monk, Horace Silver, batterista ArteBlake, sassofonisti Sonny Rollins, Hank Mobley, Cannonball Adderley, contrabbassista Paolo Camere e molti altri.

Per lo sviluppo di un nuovo stile, fu significativa un'altra innovazione tecnica, che consisteva nella comparsa di dischi di lunga durata. Ora puoi registrare lunghi assoli. Per i musicisti, questa è diventata una tentazione e una prova difficile, poiché non tutti sono in grado di parlare in modo completo e conciso per molto tempo. I trombettisti furono i primi a sfruttare questi vantaggi, modificando lo stile di Dizzy Gillespie in un modo di suonare più calmo ma profondo. I più influenti furono Grassi Navarro E Clifford Brown. Questi musicisti non si sono concentrati su passaggi virtuosi ad alta velocità nel registro superiore, ma su linee melodiche ponderate e logiche.

L'hot jazz è considerato la musica dei pionieri della seconda ondata di New Orleans, la cui più alta attività creativa coincise con l'esodo di massa dei musicisti jazz di New Orleans verso il nord, principalmente verso Chicago. Questo processo, iniziato poco dopo la chiusura di Storyville per l'entrata degli Stati Uniti nella Prima Guerra Mondiale e la dichiarazione di New Orleans come porto militare per questo motivo, ha segnato la cosiddetta era di Chicago nella storia del jazz . Il principale rappresentante di questa scuola era Louis Armstrong. Mentre si esibiva ancora nel King Oliver Ensemble, Armstrong ha apportato modifiche rivoluzionarie al concetto di improvvisazione jazz, passando dagli schemi tradizionali di improvvisazione collettiva all'esecuzione di singole parti soliste.

Il nome stesso di questo tipo di jazz è legato all'intensità emotiva caratteristica del modo di eseguire queste parti soliste. Il termine Hot era originariamente sinonimo di improvvisazione solista jazz per evidenziare le differenze nell'approccio all'assolo che si verificarono nei primi anni '20. Successivamente, con la scomparsa dell'improvvisazione collettiva, questo concetto è stato associato al modo di eseguire il materiale jazz, in particolare a un suono speciale che determina lo stile strumentale e vocale dell'esecuzione, il cosiddetto hotting o intonazione calda: una combinazione di speciali metodi di ritmizzazione e caratteristiche specifiche dell'intonazione.

Forse il movimento più controverso nella storia del jazz è emerso con l'avvento del "free jazz". Sebbene gli elementi Jazz libero esisteva molto prima della comparsa del termine stesso, in "esperimenti" Coleman Hawkins, Pee Wee Russell e Lenny Tristano, ma solo alla fine degli anni '50 grazie agli sforzi di pionieri come sassofonista e pianista Cecil Taylor, questa direzione ha preso forma come uno stile indipendente.

Quello che questi due musicisti hanno fatto con gli altri, incluso Giovanni Coltrane, Alberto Eulero e comunità come Orchestra SunRa e un gruppo chiamato The Revolutionary Ensemble consisteva in vari cambiamenti nella struttura e nell'atmosfera della musica.
Tra le novità introdotte con fantasia e grande musicalità c'era l'abbandono della progressione di accordi, che permetteva alla musica di muoversi in qualsiasi direzione. Un altro cambiamento fondamentale è stato riscontrato nell'area del ritmo, dove lo "swing" è stato ridefinito o ignorato del tutto. In altre parole, pulsazione, metro e groove non erano più un elemento essenziale in questa lettura del jazz. Un altro componente chiave era associato all'atonalità. Ora il detto musicale non era più costruito sul consueto sistema tonale.

Note stridule, latranti e convulse riempivano completamente questo nuovo mondo sonoro. Il free jazz continua ad esistere oggi come forma praticabile di espressione, e infatti non è più uno stile controverso come lo era all'alba del suo inizio.

Forse il movimento più controverso nella storia del jazz è emerso con l'avvento del "free jazz".

Una direzione di stile moderno nata negli anni '70 sulla base del jazz-rock, una sintesi di elementi di musica accademica europea e folklore non europeo.
Le composizioni più interessanti di jazz-rock sono caratterizzate dall'improvvisazione, combinata con soluzioni compositive, l'uso di principi armonici e ritmici della musica rock, l'incarnazione attiva della melodia e del ritmo dell'est, l'introduzione di mezzi elettronici di elaborazione e sintesi suono in musica.

In questo stile si è ampliato il raggio di applicazione dei principi modali, si è ampliato l'insieme di varie modalità, comprese quelle esotiche. Negli anni '70, il jazz-rock divenne incredibilmente popolare, vi entrarono le forze musicali più attive. Più sviluppato in relazione alla sintesi di vari mezzi musicali, il jazz-rock era chiamato "fusion" (lega, fusione). Un ulteriore impulso alla "fusione" è stato un altro (non il primo nella storia del jazz) cenno alla musica accademica europea.

In molti casi, la fusione diventa effettivamente una combinazione di jazz con pop regolare e ritmo leggero e blues; incrocio. Le ambizioni di profondità musicale e potenziamento della musica fusion rimangono insoddisfatte, sebbene la ricerca continui in rare occasioni, come in band come "Tribal Tech" e gli ensemble di Chick Corea. Ascoltare: Weather Report, Brand X, Mahavishnu Orchestra, Miles Davis, Spyro Gyra, Tom Coster, Frank Zappa, Urban Knights, Bill Evans, da New Niacin, Tunnels, CAB.

Moderno funky si riferisce agli stili popolari del jazz degli anni '70 e '80, in cui gli accompagnatori suonano nello stile del black pop soul, mentre le improvvisazioni soliste sono di natura più creativa e jazz. La maggior parte dei sassofonisti di questo stile usa il proprio set di frasi semplici, che consistono in grida e gemiti blues. Si basano su una tradizione adottata dagli assoli di sassofono nelle registrazioni vocali rhythm and blues, come King Curtis in "Coasters" Junior Walker con i gruppi vocali dell'etichetta Motown, Davide Sanborn con "Blues Band" di Paul Butterfield. Figura di spicco in questo genere, che spesso suonava da solo nello stile Hank Crawford con accompagnamento funky. Gran parte della musica , e i loro studenti usano questo approccio. , funzionano anche nello stile del "funk moderno".

Il termine ha due significati. Innanzitutto, è un mezzo espressivo nel jazz. Un tipo caratteristico di pulsazione basato su deviazioni costanti del ritmo dalle quote di riferimento. Questo crea l'impressione di una grande energia interna in uno stato di equilibrio instabile. In secondo luogo, lo stile del jazz orchestrale che ha preso forma a cavallo tra gli anni '20 e '30 come risultato della sintesi delle forme stilistiche negre ed europee della musica jazz.

definizione originale "roccia jazz" era il più chiaro: una combinazione di improvvisazione jazz con l'energia e i ritmi della musica rock. Fino al 1967, i mondi del jazz e del rock esistevano quasi separatamente. Ma a questo punto, il rock diventa più creativo e più complesso, appare il rock psichedelico, la musica soul. Allo stesso tempo, alcuni musicisti jazz si annoiavano del puro hardbop, ma non volevano nemmeno suonare musica d'avanguardia difficile da percepire. Di conseguenza, i due diversi idiomi iniziarono a scambiarsi idee e unire le forze.

Dal 1967, chitarrista Larry Corell, vibrafonista Gary Burton, nel 1969 batterista Billy Cobham con il gruppo "Dreams", in cui suonavano i fratelli Brecker, iniziarono a esplorare nuove distese di stile.
Alla fine degli anni '60, Miles Davis aveva il potenziale per passare al jazz-rock. È stato uno dei creatori del jazz modale, sulla base del quale, utilizzando ritmi 8/8 e strumenti elettronici, fa un nuovo passo registrando gli album "Bitches Brew", "In a Silent Way". Insieme a lui in questo momento c'è una brillante galassia di musicisti, molti dei quali in seguito diventano le figure fondamentali di questa direzione - (John McLaughlin), Joe Zawinul(Joe Zawinul) Herbie Hancock. L'ascetismo, la concisione e la contemplazione filosofica caratteristici di Davis si sono rivelati i benvenuti nel nuovo stile.

All'inizio degli anni '70 rock-jazz aveva una sua identità distinta come stile jazz creativo, sebbene deriso da molti puristi del jazz. I gruppi principali della nuova direzione erano "Return To Forever", "Weather Report", "The Mahavishnu Orchestra", ensemble vari Miles Davis. Hanno suonato jazz-rock di alta qualità, che combinava un'enorme serie di tecniche sia del jazz che del rock. Asian Kung-Fu Generation, Ska - Jazz Foundation, John Scofield Uberjam, Gordian Knot, Miriodor, Trey Gunn, trio, Andy Summers, Erik Truffaz- dovresti assolutamente ascoltare per capire quanto sia diversa la musica progressiva e jazz-rock.

Stile rap jazzè stato un tentativo di riunire la musica afroamericana dei decenni passati con una nuova forma dominante del presente, che avrebbe permesso di rendere omaggio e infondere nuova vita al primo elemento di questo - la fusione - e anche di espandere gli orizzonti del secondo. I ritmi del jazz-rap sono stati completamente presi in prestito dall'hip-hop, mentre i campioni e le trame sonore provenivano principalmente da cool jazz, soul-jazz e hard bop.

Questo stile era il più cool e famoso dell'hip-hop e molti artisti hanno mostrato una coscienza politica afro-centrica, aggiungendo autenticità storica a questo stile. Data l'inclinazione intellettuale di questa musica, non sorprende che il jazz-rap non sia mai diventato uno dei preferiti delle feste di strada; ma poi nessuno ci ha pensato.

Gli stessi rappresentanti del jazz-rap si definivano sostenitori di un'alternativa più positiva al movimento hardcore / gangsta, che spostò il rap dalle posizioni di primo piano nei primi anni '90. Hanno cercato di diffondere l'hip-hop ad ascoltatori che non possono accettare o comprendere la crescente aggressività della cultura musicale urbana. Così, il jazz-rap ha trovato la maggior parte dei suoi fan nei dormitori degli studenti, ed è stato anche supportato da un certo numero di critici e fan del rock alternativo bianco.

Squadra Lingue native (Afrika Bambaataa)- questo collettivo newyorkese di gruppi rap afroamericani - è diventato una forza potente che rappresenta lo stile rap jazz e include gruppi come A Tribe Called Quest, De La Soul e The Jungle Brothers. Hanno iniziato presto il loro lavoro Pianeti digitali E stella della banda acquisito anche notorietà. A metà della fine degli anni '90, il rap alternativo iniziò a irrompere in un gran numero di sotto-stili e il jazz-rap divenne raramente un elemento del nuovo suono.

Essendo una delle forme d'arte musicale più venerate in America, il jazz ha gettato le basi per un'intera industria, introducendo nel mondo numerosi nomi di brillanti compositori, strumentisti e cantanti e generando una vasta gamma di generi. I 15 musicisti jazz più influenti sono responsabili di un fenomeno globale che si è verificato nell'ultimo secolo nella storia del genere.

Il jazz si è sviluppato negli ultimi anni del XIX secolo e all'inizio del XX secolo come una combinazione di suoni classici europei e americani con motivi folk africani. Le canzoni sono state eseguite con un ritmo sincopato, dando impulso allo sviluppo, e successivamente alla formazione di grandi orchestre per eseguirlo. La musica ha fatto un grande passo avanti dal ragtime al jazz moderno.

L'influenza della cultura musicale dell'Africa occidentale è evidente nel modo in cui la musica è scritta e come viene eseguita. Poliritmo, improvvisazione e sincope sono ciò che caratterizza il jazz. Nel secolo scorso, questo stile è cambiato sotto l'influenza dei contemporanei del genere, che hanno portato la propria idea all'essenza dell'improvvisazione. Cominciarono ad apparire nuove direzioni: bebop, fusion, jazz latinoamericano, free jazz, funk, acid jazz, hard bop, smooth jazz e così via.

15 Arte Tatum

Art Tatum è un pianista jazz e virtuoso che era praticamente cieco. È conosciuto come uno dei più grandi pianisti di tutti i tempi che ha cambiato il ruolo del pianoforte nell'ensemble jazz. Tatum si è rivolto allo stile stride per creare il suo stile unico di suonare, aggiungendo ritmi swing e fantastiche improvvisazioni al ritmo. Il suo atteggiamento nei confronti della musica jazz ha cambiato radicalmente l'importanza del pianoforte nel jazz come strumento musicale rispetto alle sue caratteristiche precedenti.

Tatum ha sperimentato le armonie della melodia, influenzando la struttura dell'accordo ed espandendola. Tutto ciò caratterizzò lo stile del bebop, che, come sapete, sarebbe diventato popolare dieci anni dopo, quando apparvero i primi dischi di questo genere. I critici hanno anche notato la sua impeccabile tecnica di esecuzione: Art Tatum è stato in grado di suonare i passaggi più difficili con tale facilità e velocità che sembrava che le sue dita toccassero a malapena i tasti bianchi e neri.

14 Telonio Monaco

Alcune delle sonorità più complesse e variegate si possono trovare nel repertorio del pianista e compositore, uno dei più importanti rappresentanti dell'era del bebop e del suo successivo sviluppo. La sua stessa personalità di musicista eccentrico ha contribuito alla divulgazione del jazz. Monk, sempre vestito con abito, cappello e occhiali da sole, ha espresso apertamente il suo atteggiamento libero nei confronti della musica improvvisata. Non ha accettato regole rigide e ha formato il proprio approccio alla creazione di composizioni. Alcuni dei suoi lavori più brillanti e famosi sono Epistrophy, Blue Monk, Straight, No Chaser, I Mean You e Well, You Needn't.

Lo stile di gioco di Monk era basato su un approccio innovativo all'improvvisazione. Le sue opere si distinguono per passaggi percussivi e pause taglienti. Molto spesso, proprio durante le sue esibizioni, saltava dal pianoforte e ballava mentre gli altri membri della band continuavano a suonare la melodia. Thelonious Monk rimane uno dei musicisti jazz più influenti nella storia del genere.

13 Carlo Mingus

Riconosciuto virtuoso del contrabbasso, compositore e band leader, è stato uno dei musicisti più straordinari della scena jazz. Ha sviluppato un nuovo stile musicale, combinando gospel, hard bop, free jazz e musica classica. I contemporanei chiamavano Mingus "l'erede di Duke Ellington" per la sua fantastica capacità di scrivere opere per piccoli ensemble jazz. Nelle sue composizioni, tutti i membri della band hanno dimostrato le loro capacità di suonare, ognuno dei quali non era solo talentuoso, ma era caratterizzato da uno stile di gioco unico.

Mingus ha selezionato con cura i musicisti che componevano la sua band. Il leggendario contrabbassista era noto per il suo temperamento, e una volta ha persino preso a pugni in faccia il trombonista Jimmy Knepper, facendogli saltare un dente. Mingus soffriva di un disturbo depressivo, ma non era pronto a sopportare il fatto che questo in qualche modo influisse sulla sua attività creativa. Nonostante questa afflizione, Charles Mingus è una delle figure più influenti nella storia del jazz.

12 Art Blakey

Art Blakey era un famoso batterista e bandleader americano che ha fatto colpo nello stile e nella tecnica di suonare la batteria. Ha combinato swing, blues, funk e hard bop, uno stile che si sente oggi in ogni composizione jazz moderna. Insieme a Max Roach e Kenny Clarke, ha inventato un nuovo modo di suonare il bebop alla batteria. Per oltre 30 anni, la sua band, The Jazz Messengers, ha dato jazz a molti artisti jazz: Benny Golson, Wayne Shorter, Clifford Brown, Curtis Fuller, Horace Silver, Freddie Hubbard, Keith Jarrett e altri.

I Jazz Messengers non creavano solo musica fenomenale, erano una specie di "banco di prova musicale" per giovani musicisti di talento, come la band di Miles Davis. Lo stile di Art Blakey ha cambiato il suono stesso del jazz, diventando una nuova pietra miliare musicale.

11 Dizzy Gillespie (Dizzy Gillespie)

Trombettista jazz, cantante, cantautore e direttore d'orchestra divenne una figura di spicco ai tempi del bebop e del jazz moderno. Il suo stile di tromba ha influenzato Miles Davis, Clifford Brown e Fats Navarro. Dopo la sua permanenza a Cuba, al suo ritorno negli Stati Uniti, Gillespie è stato uno di quei musicisti che hanno promosso attivamente il jazz afro-cubano. Oltre alla sua inimitabile performance sulla caratteristica tromba ricurva, Gillespie era riconoscibile dai suoi occhiali cerchiati di corno e dalle guance incredibilmente grandi mentre suonava.

Il grande improvvisatore jazz Dizzy Gillespie, così come Art Tatum, ha innovato in armonia. Le composizioni di Salt Peanuts e Goovin' High erano ritmicamente completamente diverse dai lavori precedenti. Fedele al bebop per tutta la sua carriera, Gillespie è ricordato come uno dei più influenti trombettisti jazz.

10 Max Scarafaggio

I primi 15 musicisti jazz più influenti nella storia del genere includono Max Roach, un batterista noto come uno dei pionieri del bebop. Lui, come pochi altri, ha influenzato lo stile moderno di suonare la batteria. Roach era un attivista per i diritti civili e ha collaborato con Oscar Brown Jr. e Coleman Hawkins all'album We Insist! - Freedom Now ("Insistiamo! - Freedom now"), dedicato al 100° anniversario della firma del Proclama di emancipazione. Max Roach è un rappresentante di uno stile musicale impeccabile, in grado di eseguire un lungo assolo per tutto il concerto. Assolutamente qualsiasi pubblico era deliziato dalla sua abilità insuperabile.

9 Billie Vacanze

Lady Day è la preferita di milioni di persone. Billie Holiday ha scritto solo poche canzoni, ma quando ha cantato ha trasformato la sua voce dalle prime note. La sua performance è profonda, personale e persino intima. Il suo stile e la sua intonazione sono ispirati dal suono degli strumenti musicali che ha sentito. Come quasi tutti i musicisti sopra descritti, è diventata la creatrice di uno stile nuovo, ma già vocale, basato su lunghe frasi musicali e sul tempo di cantarle.

Il famoso Strange Fruit è il migliore non solo nella carriera di Billie Holiday, ma nell'intera storia del jazz a causa della performance piena di sentimento del cantante. È stata insignita postuma di prestigiosi premi e inserita nella Grammy Hall of Fame.

8 Giovanni Coltrane

Il nome di John Coltrane è associato alla tecnica di esecuzione virtuosa, all'eccellente talento per comporre musica e alla passione per l'apprendimento di nuove sfaccettature del genere. Alle soglie delle origini dell'hard bop, il sassofonista ottenne un enorme successo e divenne uno dei musicisti più influenti nella storia del genere. La musica di Coltrane aveva un suono tagliente e suonava con grande intensità e dedizione. Era in grado sia di suonare da solo che di improvvisare in un ensemble, creando parti soliste di durata impensabile. Suonando il sassofono tenore e soprano, Coltrane è stato anche in grado di creare composizioni melodiche di smooth jazz.

John Coltrane è l'autore di una sorta di "bebop reboot", incorporandovi armonie modali. Rimanendo la principale figura attiva nell'avanguardia, fu un compositore molto prolifico e non smise di pubblicare dischi, registrando circa 50 album come band leader nel corso della sua carriera.

7 Conte Basie

Il rivoluzionario pianista, organista, compositore e bandleader Count Basie guidò una delle band di maggior successo nella storia del jazz. Nel corso di 50 anni, la Count Basie Orchestra, che comprende musicisti incredibilmente famosi come Sweets Edison, Buck Clayton e Joe Williams, si è guadagnata la reputazione di una delle big band più richieste d'America. Il nove volte vincitore del Grammy Award Count Basie ha instillato l'amore per il suono orchestrale in generazioni di ascoltatori.

Basie ha scritto molte canzoni che sono diventate standard jazz, come April in Paris e One O'Clock Jump. I colleghi hanno parlato di lui come di una persona piena di tatto, modesta ed entusiasta. Se non fosse stato per la Count Basie Orchestra nella storia del jazz, l'era delle big band sarebbe suonata diversamente e certamente non così influente come è diventata con questo eccezionale bandleader.

6 Coleman Hawkins

Il sassofono tenore è il simbolo del bebop e di tutta la musica jazz in generale. E per questo possiamo essere grati di essere Coleman Hawkins. Le innovazioni apportate da Hawkins furono vitali per lo sviluppo del bebop a metà degli anni Quaranta. Il suo contributo alla popolarità di questo strumento potrebbe aver determinato le future carriere di John Coltrane e Dexter Gordon.

La composizione Body and Soul (1939) divenne il punto di riferimento per suonare il sassofono tenore per molti sassofonisti. Anche altri strumentisti furono influenzati da Hawkins: il pianista Thelonious Monk, il trombettista Miles Davis, il batterista Max Roach. La sua capacità di improvvisazioni straordinarie ha portato alla scoperta di nuovi lati jazz del genere che non sono stati toccati dai suoi contemporanei. Questo spiega in parte perché il sassofono tenore è diventato parte integrante del moderno ensemble jazz.

5 Benny Goodman

Si apre la top five dei 15 musicisti jazz più influenti nella storia del genere. Il famoso King of Swing ha guidato quasi l'orchestra più popolare dell'inizio del XX secolo. Il suo concerto alla Carnegie Hall nel 1938 è riconosciuto come uno dei più importanti concerti dal vivo nella storia della musica americana. Questo spettacolo dimostra l'avvento dell'era del jazz, il riconoscimento di questo genere come forma d'arte indipendente.

Nonostante Benny Goodman fosse il cantante principale di una grande orchestra swing, ha anche partecipato allo sviluppo del bebop. La sua orchestra è diventata una delle prime, che ha unito musicisti di razze diverse nella sua composizione. Goodman era un oppositore vocale del Jim Crow Act. Ha persino rifiutato un tour negli stati del sud a sostegno dell'uguaglianza razziale. Benny Goodman era una figura attiva e riformatrice non solo nel jazz, ma anche nella musica popolare.

4 Miles Davis

Una delle figure centrali del jazz del XX secolo, Miles Davis, è stata all'origine di molti eventi musicali e li ha osservati svilupparsi. È accreditato come pioniere dei generi di musica bebop, hard bop, cool jazz, free jazz, fusion, funk e techno. Nella sua costante ricerca di un nuovo stile musicale, ha sempre avuto successo ed è stato circondato da musicisti brillanti tra cui John Coltrane, Cannoball Adderley, Keith Jarrett, JJ Johnson, Wayne Shorter e Chick Corea. Durante la sua vita, Davis ha ricevuto 8 Grammy Awards ed è stato inserito nella Rock and Roll Hall of Fame. Miles Davis è stato uno dei jazzisti più attivi e influenti del secolo scorso.

3 Charlie Parker

Quando pensi al jazz, ti ricordi il nome. Conosciuto anche come Bird Parker, è stato un pioniere del sassofono contralto jazz, musicista e compositore bebop. Il suo modo di suonare veloce, il suono chiaro e il talento come improvvisatore hanno avuto un impatto significativo sui musicisti di quel tempo e sui nostri contemporanei. Come compositore, ha cambiato gli standard della scrittura di musica jazz. Charlie Parker è stato il musicista che ha coltivato l'idea che i jazzisti siano artisti e intellettuali, non solo uomini di spettacolo. Molti artisti hanno provato a copiare lo stile di Parker. Le sue famose tecniche di esecuzione possono anche essere rintracciate alla maniera di molti musicisti alle prime armi attuali, che prendono come base la composizione Uccello, in consonanza con il soprannome dell'alto-sakosofo.

2 Duca Ellington

Era un grandioso pianista, compositore e uno dei più importanti direttori d'orchestra. Sebbene sia conosciuto come un pioniere del jazz, eccelleva anche in altri generi, tra cui gospel, blues, musica classica e popolare. È a Ellington che viene attribuito il merito di aver stabilito il jazz come una forma d'arte distinta. Con innumerevoli premi e riconoscimenti, il primo grande compositore jazz non ha mai smesso di migliorarsi. È stato l'ispirazione per la prossima generazione di musicisti tra cui Sonny Stitt, Oscar Peterson, Earl Hines, Joe Pass. Duke Ellington rimane un riconosciuto genio del pianoforte jazz, strumentista e compositore.

1 Louis ArmstrongLouis Armstrong

Probabilmente il musicista jazz più influente nella storia del genere, alias Satchmo è un trombettista e cantante di New Orleans. È conosciuto come il creatore del jazz, che ha svolto un ruolo chiave nel suo sviluppo. Le straordinarie capacità di questo artista hanno permesso di trasformare una tromba in uno strumento jazz solista. È il primo musicista a cantare e rendere popolare lo stile scat. Era impossibile non riconoscere il suo timbro di voce basso e "tuonante".

L'impegno di Armstrong nei confronti dei propri ideali ha influenzato il lavoro di Frank Sinatra e Bing Crosby, Miles Davis e Dizzy Gillespie. Louis Armstrong ha influenzato non solo il jazz, ma l'intera cultura musicale, dando al mondo un nuovo genere, un modo unico di cantare e suonare la tromba.

Il jazz è un tipo di arte musicale nata dalla sintesi delle culture africane ed europee con la partecipazione del folklore afroamericano. Il ritmo e l'improvvisazione sono presi in prestito dalla musica africana, l'armonia è presa in prestito dall'Europa.

Informazioni generali sulle origini della formazione

La storia del jazz ha origine nel 1910 negli Stati Uniti. Si diffuse rapidamente in tutto il mondo. Durante il ventesimo secolo, questa direzione nella musica ha subito una serie di cambiamenti. Se parliamo brevemente della storia dell'emergere del jazz, va notato che nel processo di formazione sono state superate diverse fasi di sviluppo. Negli anni '30 e '40 fu fortemente influenzato dai movimenti swing e be-bop. Dopo il 1950, il jazz iniziò ad essere visto come un genere musicale che includeva tutti gli stili che aveva sviluppato di conseguenza.

Il jazz ha ora preso il suo posto nel regno dell'alta arte. È considerato piuttosto prestigioso, influenzando lo sviluppo della cultura musicale mondiale.

La storia dell'emergere del jazz

Questa direzione è nata negli Stati Uniti a seguito della fusione di diverse culture musicali. La storia dell'origine del jazz inizia nel Nord America, la maggior parte del quale era abitata da protestanti inglesi e francesi. I missionari religiosi cercavano di convertire i neri alla loro fede, preoccupandosi della salvezza delle loro anime.

Il risultato della sintesi delle culture è l'emergere di spiritual e blues.

La musica africana è caratterizzata da improvvisazione, poliritmia, polimetria e linearità. Un ruolo enorme qui è assegnato all'inizio ritmico. Il valore della melodia e dell'armonia non è così significativo. Ciò è spiegato dal fatto che la musica tra gli africani ha un valore applicato. Accompagna l'attività lavorativa, i rituali. La musica africana non è indipendente ed è associata al movimento, alla danza, alla recitazione. La sua intonazione è abbastanza libera, poiché dipende dallo stato emotivo degli esecutori.

Dalla musica europea, più razionale, il jazz si è arricchito di un sistema modale maggiore-minore, costruzioni melodiche e armonia.

Il processo di unificazione delle culture è iniziato nel XVIII secolo e ha portato alla nascita del jazz nel XX secolo.

Periodo scolastico di New Orleans

Nella storia del jazz, si ritiene che il primo stile strumentale abbia avuto origine in Louisiana. Per la prima volta questa musica è apparsa nell'esibizione di bande di ottoni di strada, molto popolari in quel momento. Di grande importanza nella storia dell'emergere del jazz in questa città portuale è stata Storyville, un'area della città appositamente destinata ai luoghi di intrattenimento. Fu qui, tra i musicisti creoli, di origine negro-francese, che nacque il jazz. Conoscevano la musica classica leggera, erano istruiti, padroneggiavano la tecnica europea di suonare, suonavano strumenti europei, leggevano note. Il loro alto livello di performance e educazione alle tradizioni europee ha arricchito il primo jazz con elementi che non erano soggetti alle influenze africane.

Il pianoforte era anche uno strumento comune negli stabilimenti di Storyville. Qui suonava principalmente l'improvvisazione e lo strumento era usato più come strumento a percussione.

Un esempio di un primo stile di New Orleans è la Buddy Bolden Orchestra (cornetta), che esisteva dal 1895 al 1907. La musica di questa orchestra era basata sull'improvvisazione collettiva di una struttura polifonica. All'inizio, il ritmo delle prime composizioni jazz di New Orleans era in marcia, poiché l'origine delle band proveniva da bande militari. Nel corso del tempo, gli strumenti secondari sono stati rimossi dalla composizione standard delle bande di ottoni. Tali ensemble spesso organizzavano concorsi. Erano presenti anche formazioni "bianche", che si distinguevano per il gioco tecnico, ma erano meno emotive.

C'era un gran numero di orchestre che suonavano marce, blues, ragtime, ecc.

Insieme alle orchestre negre, apparvero anche orchestre composte da musicisti bianchi. All'inizio eseguivano la stessa musica, ma si chiamavano "Dixielands". Successivamente, queste composizioni hanno utilizzato più elementi della tecnologia europea, hanno cambiato il modo di produrre il suono.

Bande di battelli a vapore

Nella storia dell'origine del jazz, un certo ruolo è stato svolto dalle orchestre di New Orleans che lavoravano sui battelli a vapore che attraversavano il fiume Mississippi. Per i passeggeri che viaggiavano su piroscafi da diporto, uno degli intrattenimenti più attraenti era l'esibizione di tali orchestre. Hanno eseguito musica da ballo divertente. Per gli artisti, un requisito obbligatorio era la conoscenza dell'alfabetizzazione musicale e la capacità di leggere le note da un foglio. Pertanto, queste composizioni avevano un livello professionale piuttosto elevato. In una tale orchestra, la pianista jazz Lil Hardin, che in seguito divenne la moglie di Louis Armstrong, iniziò la sua carriera.

Nelle stazioni dove facevano tappa le navi, le orchestre organizzavano concerti per la popolazione locale.

Alcune delle band rimasero nelle città lungo i fiumi Mississippi e Missouri o lontano da loro. Una di queste città era Chicago, dove i neri si sentivano più a loro agio che in Sud America.

grande band

All'inizio degli anni '20 del XX secolo si sviluppò nella storia della musica jazz una forma di big band, che rimase rilevante fino alla fine degli anni '40. Gli esecutori di tali orchestre suonavano le parti apprese. L'orchestrazione ha assunto il suono brillante di ricche armonie jazz, che sono state eseguite da ottoni e le orchestre jazz più famose erano le orchestre di Glenn Miller, Benny Goodman, Count Basie, Jimmy Lunsford. Hanno registrato autentici successi di melodie swing, che sono diventati una fonte di mania swing in un'ampia cerchia di ascoltatori. Alle "battaglie delle orchestre" che si tenevano in quel momento, improvvisatori solisti di big band facevano impazzire il pubblico presente.

Dopo gli anni '50, quando la popolarità delle big band diminuì, per diversi decenni le famose orchestre continuarono a girare e registrare dischi. La musica che suonavano è cambiata, influenzata da nuove direzioni. Oggi la big band è lo standard dell'educazione jazz.

Jazz di Chicago

Nel 1917, gli Stati Uniti entrano nella prima guerra mondiale. A questo proposito, è stata dichiarata città di importanza strategica. Ha chiuso tutti i luoghi di intrattenimento in cui lavorava un gran numero di musicisti. Rimasti disoccupati, emigrarono in massa al Nord, a Chicago. In questo periodo ci sono tutti i migliori musicisti sia di New Orleans che di altre città. Uno degli interpreti più brillanti è stato Joe Oliver, che è diventato famoso a New Orleans. Durante il periodo di Chicago, la sua band comprendeva musicisti famosi: Louis Armstrong (seconda cornetta), Johnny Dodds (clarinetto), suo fratello "Babby" Dodds (batteria), il giovane e colto pianista di Chicago Lil Hardin. Questa orchestra ha suonato jazz improvvisato di New Orleans a tutto tondo.

Analizzando la storia dello sviluppo del jazz, va notato che nel periodo di Chicago il suono delle orchestre è cambiato stilisticamente. Alcuni strumenti vengono sostituiti. Le esibizioni che diventano stazionarie possono consentire l'uso di diventare membri obbligatori della band. Invece di un contrabbasso, viene usato un contrabbasso, invece di un banjo - una chitarra, invece di una cornetta - una tromba. Ci sono anche cambiamenti nel gruppo di batteria. Ora il batterista suona su una batteria, dove le sue possibilità si ampliano.

Allo stesso tempo, il sassofono iniziò ad essere utilizzato nelle orchestre.

La storia del jazz a Chicago si riempie di nuovi nomi di giovani interpreti, musicalmente istruiti, capaci di leggere da un foglio e fare arrangiamenti. Questi musicisti (prevalentemente bianchi) non conoscevano il vero suono del jazz di New Orleans, ma lo impararono da artisti neri emigrati a Chicago. I giovani musicali li hanno imitati, ma poiché questo non ha sempre funzionato, è nato un nuovo stile.

Durante questo periodo, l'abilità di Louis Armstrong raggiunse il suo apice, segnando il modello del jazz di Chicago e assicurandosi il ruolo di solista di altissimo livello.

A Chicago il blues rinasce proponendo nuovi interpreti.

C'è una fusione del jazz con il palco, quindi i cantanti iniziano ad apparire in primo piano. Creano le proprie composizioni orchestrali per l'accompagnamento jazz.

Il periodo di Chicago è caratterizzato dalla creazione di un nuovo stile in cui cantano gli strumentisti jazz. Louis Armstrong è uno dei rappresentanti di questo stile.

Oscillazione

Nella storia della creazione del jazz, il termine "swing" (tradotto dall'inglese - "swing") è usato in due significati. In primo luogo, lo swing è un mezzo espressivo in questa musica. Si distingue per la pulsazione ritmica instabile, che crea l'illusione di un'accelerazione del tempo. A questo proposito, si ha l'impressione che la musica abbia una grande energia interna. Esecutori e ascoltatori sono uniti da un comune stato psicofisico. Questo effetto si ottiene attraverso l'uso di tecniche ritmiche, di fraseggio, articolatorie e timbriche. Ogni musicista jazz si sforza di sviluppare il proprio modo originale di suonare la musica. Lo stesso vale per ensemble e orchestre.

In secondo luogo, questo è uno degli stili del jazz orchestrale apparso alla fine degli anni '20 del XX secolo.

Una caratteristica dello stile swing è l'improvvisazione solista sullo sfondo di un accompagnamento piuttosto complesso. Musicisti con una buona tecnica, conoscenza dell'armonia e padronanza delle tecniche di sviluppo musicale potrebbero lavorare in questo stile. Per tale produzione musicale venivano forniti grandi ensemble di orchestre o big band, che divennero popolari negli anni '30. La composizione standard dell'orchestra comprendeva tradizionalmente 10-20 musicisti. Di questi - da 3 a 5 flauti, lo stesso numero di tromboni, un gruppo di sassofoni, che comprendeva un clarinetto, nonché una sezione ritmica, composta da pianoforte, contrabbasso, chitarra e strumenti a percussione.

Bop

A metà degli anni '40 del XX secolo stava prendendo forma un nuovo stile jazz, la cui comparsa segnò l'inizio della storia del jazz moderno. Questo stile è nato come opposizione allo swing. Aveva un ritmo molto veloce, introdotto da Dizzy Gillespie e Charlie Parker. Ciò è stato fatto con un obiettivo specifico: limitare la cerchia degli artisti solo ai professionisti.

I musicisti hanno utilizzato schemi ritmici e giri melodici completamente nuovi. Il linguaggio armonico è diventato più complesso. La base ritmica dal grande tamburo (in swing) si è spostata sui piatti. Qualsiasi ballabilità è completamente scomparsa dalla musica.

Nella storia degli stili jazz, il bebop è stato il primo a lasciare la sfera della musica popolare verso la creatività sperimentale, alla sfera dell'arte nella sua forma "pura". Ciò è accaduto in connessione con l'interesse dei rappresentanti di questo stile per l'accademismo.

I bopers si distinguevano per l'aspetto e il comportamento oltraggiosi, sottolineando così la loro individualità.

La musica bebop è stata eseguita da ensemble di piccole composizioni. In primo piano c'è il solista con il suo stile individuale, tecnica virtuosa, pensiero creativo, padronanza dell'improvvisazione libera.

Rispetto allo swing, questa direzione era più artistica, intellettuale, ma meno massiccia. Era anti-commerciale. Tuttavia, il bebop iniziò a diffondersi rapidamente, aveva il suo vasto pubblico di ascoltatori.

Territorio del jazz

Nella storia del jazz è necessario notare il costante interesse di musicisti e ascoltatori di tutto il mondo, indipendentemente dal paese in cui vivono. Ciò è dovuto al fatto che artisti jazz come Dizzy Gillespie, Dave Brubeck, Duke Ellington e molti altri hanno costruito le loro composizioni sulla sintesi di varie culture musicali. Questo fatto suggerisce che il jazz è musica comprensibile in tutto il mondo.

Ad oggi, la storia del jazz ha la sua continuazione, poiché il potenziale per lo sviluppo di questa musica è piuttosto ampio.

Musica jazz in URSS e Russia

A causa del fatto che il jazz in URSS era considerato una manifestazione della cultura borghese, fu criticato e bandito dalle autorità.

Ma il 1 ottobre 1922 fu segnato da un concerto della prima orchestra jazz professionale dell'URSS. Questa orchestra ha eseguito balli alla moda di Charleston e Foxtrot.

La storia del jazz russo include i nomi di musicisti di talento: pianista e compositore, nonché il capo della prima orchestra jazz Alexander Tsfasman, il cantante Leonid Utyosov e il trombettista Y. Skomorovsky.

Dopo gli anni '50, molti gruppi jazz grandi e piccoli iniziarono la loro attività creativa attiva, tra cui l'orchestra jazz di Oleg Lundstrem, che è sopravvissuta fino ad oggi.

Attualmente, Mosca ospita ogni anno un festival jazz, a cui prendono parte gruppi jazz e artisti solisti di fama mondiale.

Il jazz è nato a New Orleans. La maggior parte delle storie del jazz inizia con una frase simile, di regola, con il chiarimento obbligatorio che una musica simile si è sviluppata in molte città del sud americano: Memphis, St. Louis, Dallas, Kansas City.

Le origini musicali del jazz, sia afroamericano che europeo, sono numerose e lunghe da elencare, ma è impossibile non citare i suoi due principali predecessori afroamericani.

Si possono ascoltare canzoni jazz

Ragtime e blues

Circa due decenni a cavallo tra il XIX e il XX secolo: una breve era del periodo di massimo splendore del ragtime, che fu il primo tipo di musica popolare. Ragtime è stato eseguito principalmente al pianoforte. La parola stessa si traduce come "ritmo irregolare", e questo genere ha preso il nome dal ritmo sincopato. L'autore dei brani più popolari è stato Scott Joplin, che ha ricevuto il soprannome di "King of Ragtime".

Esempio: Scott Joplin - Maple Leaf Rag

Un altro predecessore altrettanto importante del jazz è stato il blues. Se il ragtime ha dato al jazz un ritmo energico e sincopato, il blues gli ha dato una voce. E in senso letterale, visto che il blues è un genere vocale, ma soprattutto in senso figurato, visto che il blues è caratterizzato dall'uso di note sfocate che sono assenti dal sound system europeo (sia maggiori che minori) - note blues , così come un'esecuzione colloquialmente rumorosa e ritmicamente libera.

Esempio: Blind Lemon Jefferson - Black Snake Moan

Nascita del jazz

Successivamente, i musicisti jazz afroamericani trasferirono questo stile alla musica strumentale e gli strumenti a fiato iniziarono a imitare la voce umana, le sue intonazioni e persino le articolazioni. I cosiddetti suoni "sporchi" sono apparsi nel jazz. Ogni suono dovrebbe essere, per così dire, pepato. Un musicista jazz crea musica non solo con l'aiuto di note diverse, ad es. suoni di diverse altezze, ma anche con l'ausilio di timbri diversi e persino rumori.

Jelly Roll Morton—Blues da marciapiede

Scott Joplin visse nel Missouri, il primo blues pubblicato noto fu chiamato "Dallas Blues". Tuttavia, il primo stile jazz si chiamava "New Orleans Jazz".

Il cornettista Charles "Buddy" Bolden combinò ragtime e blues suonando a orecchio e improvvisando, e la sua innovazione influenzò molti dei successivi musicisti di New Orleans che portarono la nuova musica in tutto il paese, principalmente a Chicago, New York, Los Angeles: Joe "King " Oliver, Bank Johnson, Jelly Roll Morton, Kid Ory e, naturalmente, il re del jazz Louis Armstrong. È così che il jazz ha conquistato l'America.

Tuttavia, questa musica non ha ricevuto immediatamente il suo nome storico. All'inizio si chiamava semplicemente musica calda (calda), poi apparve la parola jass e solo allora jazz. E il primo disco jazz fu registrato da un quintetto di artisti bianchi Original Dixieland Jass Band nel 1917.

Esempio: Original Dixieland Jass Band - Livery Stable Blues

Era dello swing - febbre da ballo

Il jazz è emerso e si è diffuso come musica da ballo. A poco a poco la febbre della danza si diffuse in tutta l'America. Proliferarono le sale da ballo e le orchestre. Inizia l'era delle big band, o swing, che dura circa un decennio e mezzo dalla metà degli anni '20 alla fine degli anni '30. Mai prima o dopo il jazz è stato così popolare.
Un ruolo speciale nella creazione dello swing appartiene a due musicisti: Fletcher Henderson e Louis Armstrong. Armstrong ha influenzato innumerevoli musicisti insegnando loro la libertà ritmica e la varietà. Henderson ha creato il formato di un'orchestra jazz, con la sua successiva consueta divisione in una sezione di sassofoni e una sezione di ottoni con un appello tra di loro.

Fletcher Henderson

La nuova composizione si è diffusa. C'erano circa 300 big band nel paese. I leader dei più popolari erano Benny Goodman, Duke Ellington, Count Basie, Chick Webb, Jimmy Lunsford, Tommy Dorsey, Glenn Miller, Woody Herman. Il repertorio delle orchestre include melodie popolari, che sono chiamate standard jazz, o talvolta sono chiamate classici del jazz. Lo standard più popolare nella storia del jazz, Body and Soul, fu registrato per la prima volta da Louis Armstrong.

Dal bebop al postbop

Negli anni '40. l'era delle grandi orchestre finì e abbastanza bruscamente, principalmente per ragioni commerciali. I musicisti iniziano a sperimentare piccole composizioni, grazie alle quali è nato un nuovo stile jazz: be-bop, o semplicemente bop, che ha significato un'intera rivoluzione nel jazz. Questa era musica destinata non al ballo, ma all'ascolto, non a un pubblico generale, ma a una cerchia più ristretta di amanti del jazz. In una parola, il jazz ha cessato di essere musica per l'intrattenimento del pubblico, ma è diventato una forma di espressione di sé dei musicisti.

I pionieri del nuovo stile furono il pianista Thelonious Monk, il trombettista Dizzy Gillespie, il sassofonista Charlie Parker, il pianista Bud Powell, il trombettista Miles Davis e altri.

Groovin High - Charlie Parker, Dizzy Gillespie

Bop ha gettato le basi del jazz moderno, che è ancora prevalentemente la musica di piccoli ensemble. Infine, il bop ha portato in primo piano nel jazz la costante ricerca di cose nuove. Miles Davis e molti dei suoi collaboratori e talenti da lui scoperti che in seguito divennero noti jazzisti e star del jazz erano un musicista eccezionale, volto a una costante innovazione: John Coltrane, Bill Evans, Herbie Hancock, Wayne Shorter, Chick Corea, John McLaughlin , Wynton Marsalis.

Il jazz degli anni '50 e '60 continua a svilupparsi, da un lato rimanendo fedele alle sue origini, ma ripensando i principi dell'improvvisazione. È così duro bop, bello ...

Miles Davis

…jazz modale, free jazz, post-bop.

Herbie Hancock - Isola del cantalupo

D'altra parte, il jazz inizia ad assorbire altri tipi di musica, come l'afro-cubana, la latina. Così appare il jazz afro-cubano, afro-brasiliano (bosa nova).

Manteca - Dizzy Gillespie

Jazz e rock = fusione

L'impulso più potente allo sviluppo del jazz è stato l'appello dei musicisti jazz alla musica rock, l'uso dei suoi ritmi e strumenti elettrici (chitarra elettrica, basso, tastiere, sintetizzatori). Il pioniere anche in questo caso è stato Miles Davis, che è stato ripreso da Joe Zawinul (Weather Report), John McLaughlin (Mahavishnu Orchestra), Herbie Hancock (The Headhunters), Chick Corea (Return to Forever). È così che è nato il jazz-rock, o fusion ...

Mahavishnu Orchestra - Incontro degli spiriti

e jazz psichedelico.

Via Lattea: bollettino meteorologico

Storia del jazz e degli standard jazz

La storia del jazz non è solo stili, tendenze e famosi artisti jazz, è anche un sacco di belle melodie che vivono in molte versioni. Si riconoscono facilmente, anche se non ricordano o non conoscono i nomi. Il jazz deve la sua popolarità e attrattiva a compositori straordinari come George Gershwin, Irving Berlin, Cole Porter, Hoggy Carmichael, Richard Rogers, Jerome Kernb e altri. Sebbene scrivessero musica principalmente per musical e spettacoli, i loro temi, raccolti dai rappresentanti del jazz, divennero le migliori composizioni jazz del 20 ° secolo, chiamate standard jazz.

Summertime, Stardust, What Is This Thing Called Love, My Funny Valentine, All the Things You Are - questi e molti altri argomenti sono noti a tutti i musicisti jazz, così come le composizioni create dagli stessi jazzisti: Duke Ellington, Billy Strayhorn, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Paul Desmond e molti altri (Caravan, Night in Tunisia, 'Round Midnight, Take Five). Questo è un classico del jazz e un linguaggio che unisce sia gli artisti stessi che il pubblico jazz.

jazz contemporaneo

Il jazz moderno è un pluralismo di stili e generi e una costante ricerca di nuove combinazioni all'intersezione di tendenze e stili. E gli artisti jazz moderni spesso suonano in stili diversi. Il jazz è ricettivo alle influenze di molti tipi di musica, dall'avanguardia accademica e dal folklore all'hip hop e al pop. Si è rivelato essere il tipo di musica più flessibile.

In riconoscimento del ruolo mondiale del jazz, l'UNESCO ha dichiarato nel 2011 la Giornata internazionale del jazz, che si celebra ogni anno il 30 aprile.

Un piccolo fiume, la cui sorgente era a New Orleans, in poco più di 100 anni si è trasformato in un oceano che bagna il mondo intero. Lo scrittore americano Francis Scott Fitzgerald una volta definì gli anni '20. età del jazz. Ora queste parole possono essere applicate al XX secolo nel suo insieme, poiché il jazz è la musica del XX secolo. La storia dell'emergere e dello sviluppo del jazz si inserisce quasi nel quadro cronologico del secolo scorso. Ma ovviamente non finisce qui.

1. Louis Amstrong

2. Duke Ellington

3. Benny Goodman

4. Conte Basie

5. Vacanze Billie

6. Ella Fitzgerald

7. Art Tatum

8. Gillespie vertiginoso

9.Charlie Parker

10 Thelonius Monaco

11. Arte Blakey

12. Germoglio Powell

14. Giovanni Coltrane

15. Bill Evans

16.Charlie Mingus

17. Ornetta Coleman

18.Herbie Hancock

19.Keith Jarrett

20. Joe Zawinul

Testo: Alexander Yudin

Il messaggio "Jazz" ti aiuterà brevemente a prepararti per le lezioni di musica e ad approfondire le tue conoscenze in quest'area. Inoltre, il rapporto sul jazz fornirà molte informazioni dettagliate su questa forma di arte musicale.

Messaggio Jazz

Che cos'è il Jazz?

Jazzè una forma di arte musicale. Il luogo di nascita del jazz sono gli Stati Uniti, dove ha avuto origine nel XX secolo nel processo di sintesi delle culture europea e africana. Quindi quest'arte si è diffusa in tutto il pianeta.

Il jazz è una musica vivace e sorprendente che ha assorbito il genio ritmico africano e i tesori di molti anni di esecuzione di canti e tamburi rituali e rituali. La sua storia è dinamica, insolita e piena di eventi meravigliosi che hanno influenzato il processo del mondo musicale.

Il jazz è stato portato nel Nuovo Mondo dagli schiavi, i popoli del continente africano. Spesso appartenevano a famiglie diverse e per una migliore comprensione reciproca hanno creato una nuova direzione musicale con motivi blues. Si ritiene che il jazz abbia avuto origine a New Orleans. Il primo disco fu registrato il 26 febbraio 1917 ai Victor Studios di New York. Con la composizione del gruppo "Original Dixieland Jazz Band" è iniziata la sua marcia in giro per il mondo.

Caratteristiche Jazz

Le caratteristiche principali di questa direzione musicale sono:

Il ritmo è un impulso regolare.
Poliritmo, che si basa su ritmi sincopati.
improvvisazione.
Riga timbrica.
Armonia colorata.
Swing è un insieme di tecniche per eseguire texture ritmiche.

Diversi artisti possono improvvisare contemporaneamente. I membri dell'ensemble interagiscono tra loro in modo artistico e "comunicano" con il pubblico.

Stili Jazz

La diversità stilistica del jazz sin dal suo inizio è sorprendente. Diamo un nome solo ai tipi più comuni di jazz:

Avanguardia. Nato nel 1960. Armonia, ritmo, metro, strutture tradizionali, musica a programma sono insiti in esso. Rappresentanti - Sun Ra, Alice Coltrane, Archie Shepp.
Jazz acido. È uno stile musicale funky. L'enfasi non è sulle parole, ma sulla musica. Rappresentanti - James Taylor Quartet, De-Phazz, Jamiroquai, Galliano, Don Cherry.
Grande Curva. Formatosi negli anni '20. Consiste di tali gruppi orchestrali - sassofoni - clarinetti, ottoni, sezione ritmica. Rappresentanti: The Original Dixieland Jazz Band, The Glenn Miller Orchestra, King Oliver's Creole Jazz Band, Benny Goodman e la sua orchestra.
Bop. Formatosi negli anni '40. È caratterizzato da complesse improvvisazioni e tempi veloci, che non si basano su un cambio di melodia, ma su un cambio di armonia. Artisti jazz bebop: il batterista Max Roach, il trombettista Dizzy Gillespie, Charlie Parker, i pianisti Thelonious Monk e Bud Powell.
Boogie Woogie. Questo è un assolo strumentale che combina elementi di jazz e blues. Nato negli anni '20. I rappresentanti sono Alex Moore, Piano Red e David Alexander, Jimmy Yancey, Cripple Clarence Lofton, Pine Top Smith.
Bossanova. Questa è una sintesi unica di ritmi di samba brasiliani e improvvisazione cool jazz. I rappresentanti sono Antonio Carlos Jobim, Stan Getz e Charlie Bird.
jazz classico. Sviluppato alla fine del XIX secolo. Rappresentanti: Chris Barber, Acker Bilk, Kenny Ball, The Beatles.
Oscillazione. Formatosi a cavallo tra gli anni '20 e '30. È caratterizzato da una combinazione di forme europee e negre. Rappresentanti: Ike Quebec, Oscar Peterson, Mills Brothers, Paulinho Da Costa, Wynton Marsalis Septet, Stephane Grappelli.
Corrente principale. Questo è un tipo di jazz piuttosto nuovo, caratterizzato da una certa interpretazione delle opere musicali. Rappresentanti - a Ben Webster, Lester Young, Roy Eldridge, Coleman Hawkins, Johnny Hodges, Buck Clayton.
jazz del nord-est. Nato all'inizio del XX secolo a New Orleans. La musica è calda e veloce. Rappresentanti del jazz nord-orientale: Art Hodes, il batterista Barrett Deems e il clarinettista Benny Goodman.
Stile Kansas City. Lo stile Newfangled è nato alla fine degli anni '20 a Kansas City. È caratterizzato dalla penetrazione di un pezzo di colore blues nella musica jazz dal vivo e da un assolo energico. Rappresentanti: Count Basie, Benny Moten, Charlie Parker, Jimmy Rushing.
Jazz della costa occidentale. Nato negli anni '50 a Los Angeles. I rappresentanti sono Shorty Rogers, i sassofonisti Bud Shenk e Art Pepper, il clarinettista Jimmy Giuffrey e il batterista Shelly Mann.
Freddo. Ha iniziato a svilupparsi negli anni '40. Questo è uno stile di jazz meno violento e morbido. È caratterizzato da un suono distaccato, piatto e omogeneo. Rappresentanti: Chet Baker, George Shearing, Dave Brubeck, John Lewis, Leni Tristano, Lee Konitz, Tad Dameron, Zoot Sims, Gerry Mulligan.
Jazz progressivo. Era caratterizzato da un'armonia audace, secondi e blocchi frequenti, politonalità, pulsazione ritmica, colorazione.

Jazz oggi

Il jazz moderno ha assorbito le tradizioni e i suoni dell'intero pianeta. C'è stato un ripensamento della cultura africana che ne è stata la fonte. Tra i rappresentanti del jazz moderno ci sono: Ken Vandermark, Mats Gustafsson, Evan Parker e Peter Brotzmann, Wynton Marsalis, Joshua Redman e David Sanchez, Jeff Watts e Billy Stewart.