Qual è la definizione di genere musicale nella storia. Generi musicali. Generi musicali rock

La musica è nata nell'antichità come uno dei modi di espressione artistica dei sentimenti umani. Il suo sviluppo è sempre stato strettamente correlato ai bisogni della società umana. All'inizio la musica era povera e inespressiva, ma nel corso dei secoli della sua esistenza è diventata una delle arti espressive più complesse con un potere eccezionale di influenzare le persone.

La musica classica è ricca di vari tipi di opere, ognuna delle quali ha le proprie caratteristiche distintive, il proprio contenuto e il proprio scopo. Tali tipi di opere musicali come canto, danza, ouverture, sinfonia e altri sono chiamati generi.

I generi musicali formano due grandi gruppi, distinti dal metodo di esecuzione: vocale e. strumentale.

La musica vocale è strettamente legata al testo poetico, alla parola. I suoi generi - canzone, romanticismo, coro, aria d'opera - sono le opere più accessibili e popolari per tutti gli ascoltatori. Sono eseguiti da cantanti accompagnati da strumenti, e le canzoni e i cori vengono spesso eseguiti senza accompagnamento.

Il canto popolare è la forma d'arte musicale più antica in origine. Molto prima che la musica professionale iniziasse a svilupparsi, nelle canzoni popolari emersero vivide immagini musicali e poetiche, che riflettevano in modo veritiero e artisticamente convincente la vita delle persone. Ciò si manifesta anche nel carattere dei brani stessi, nella luminosa originalità della struttura melodica. Ecco perché i grandi compositori apprezzavano le canzoni popolari come fonte di sviluppo dell'arte musicale nazionale. "Noi non creiamo, sono le persone che creano", ha detto M. I. Glinka, il fondatore dell'opera e della musica sinfonica russa, "ma noi solo arrangiamo" (processo).

Una caratteristica essenziale di ogni canzone è la ripetizione ripetuta della melodia con parole diverse. Allo stesso tempo, la melodia principale della canzone rimane nella stessa forma, ma ogni volta il testo poetico leggermente modificato le conferisce nuove sfumature espressive.

Anche l'accompagnamento più semplice - l'accompagnamento strumentale - esalta l'espressività emotiva della melodia della canzone, conferisce al suo suono una pienezza e un colore speciali e “completa” con l'aiuto della musica strumentale quelle immagini del testo poetico che non possono essere trasmesse nella melodia. Pertanto, l'accompagnamento al pianoforte nei famosi romanzi di Glinka "Night Zephyr" e "The Blues Fell Asleep" riproduce il movimento delle onde ritmicamente ondeggianti, e nella sua canzone "Lark" - il cinguettio degli uccelli. Con l'accompagnamento della ballata di Franz Schubert “Il re della foresta” si sente il folle galoppo di un cavallo.

Nelle opere dei compositori del XIX secolo. Insieme alla canzone, il romanticismo è diventato il genere vocale preferito. Questo è un breve pezzo per voce con accompagnamento strumentale.

Le romanze sono solitamente molto più complesse delle canzoni. Le melodie dei romanzi non sono solo di tipo ampio, ma anche melodioso e declamatorio ("Non sono arrabbiato" di Robert Schumann). Nei romanzi si può trovare un confronto contrastante tra immagini musicali ("Night Zephyr" di M. I. Glinka e A. S. Dargomyzhsky, "La principessa addormentata" di A. P. Borodin) e un intenso sviluppo drammatico ("Ricordo un momento meraviglioso" di Glinka sull'opera di Pushkin poesie).

Alcuni generi di musica vocale sono destinati a un gruppo di artisti: duetto (due cantanti), trio (tre), quartetto (quattro), quintetto (cinque), ecc., E inoltre - un coro (grande gruppo di cantanti). I generi corali possono essere indipendenti o parte di un'opera musicale e drammatica più ampia: opera, oratorio, cantata. Tali sono le composizioni corali dei grandi compositori tedeschi Georg Friedrich Handel e Johann Sebastian Bach, i cori nelle opere eroiche di Christophe Gluck, nelle maestose opere epiche ed eroico-drammatiche dei compositori russi M. I. Glinka, A. N. Serov, A. P. Borodin, M. P. Mussorgsky, N. A. Rimsky-Korsakov, S. I. Taneyev. Il famoso finale corale della Nona sinfonia di Ludwig van Beethoven, che glorifica la libertà (secondo le parole dell'ode Alla gioia di Friedrich Schiller), riproduce l'immagine della maestosa celebrazione di milioni di persone ("Embrace, Millions").

Cori eccellenti furono creati dai compositori sovietici D. D. Shostakovich, M. V. Koval, A. A. Davidenko. Il coro di Davidenko “A un decimo miglio dalla capitale” è dedicato alle vittime dell’esecuzione del 9 gennaio 1905; l’altro suo coro, intriso di grande entusiasmo, “The Street is Excited”, raffigura la gioia del popolo che rovesciò l’autocrazia nel 1917.

L'Oratorio è un'opera importante per coro, cantanti solisti e orchestra sinfonica. Assomiglia a un'opera, ma viene eseguita in concerti senza scene, costumi e azioni sceniche (l'oratorio “On Guard of the World” del compositore sovietico S. S. Prokofiev).

La cantata è più semplice nel contenuto e di dimensioni inferiori rispetto all'oratorio. Ci sono cantate liriche, solenni, accoglienti, di congratulazioni, create in onore di qualche data di anniversario o evento pubblico (ad esempio, “Cantata per l'apertura dell'Esposizione del Politecnico” di Čajkovskij). Anche i compositori sovietici si rivolgono a questo genere, creando cantate su temi moderni e storici ("Il sole splende sulla nostra patria" di Shostakovich, "Alexander Nevsky" di Prokofiev).

Il genere più ricco e complesso di musica vocale è l'opera. Combina poesia e azione drammatica, musica vocale e strumentale, espressioni facciali, gesti, danza, pittura ed effetti di luce in un unico insieme. Ma nell'opera tutto ciò è subordinato al principio musicale.

Il ruolo della lingua parlata ordinaria nella maggior parte delle opere è svolto dal canto o dal recitativo. In generi operistici come l'operetta, la commedia musicale e l'opera comica, il canto si alterna al linguaggio parlato ordinario ("White Acacia" di I. O. Dunaevsky, "Arshin Mal Alan" di Uzeir Gadzhibekov, "The Tales of Hoffmann" di Jacques Offenbach).

L'azione operistica si rivela principalmente nelle scene vocali: arie, cavatina, canzoni, ensemble musicali e cori. Nelle arie soliste, accompagnate dal suono potente di un'orchestra sinfonica, vengono riprodotte le sfumature più sottili delle esperienze emotive degli eroi o delle loro caratteristiche ritrattistiche (ad esempio, l'aria di Ruslan nell'opera “Ruslan e Lyudmila” di Glinka, le arie di Igor e Konchak nel “Principe Igor” di Borodin). Drammatici scontri di interessi dei singoli personaggi si rivelano negli ensemble: duetti, terzetti, quartetti (il duetto di Yaroslavna e Galitsky nell'opera “Il principe Igor” di Borodin).

Nelle opere classiche russe incontriamo meravigliosi esempi di ensemble musicali: il duetto drammatico di Natasha e il Principe (dal primo atto dell'opera “Rusalka” di Dargomyzhsky), il trio pieno di sentimento “Don't Tomi, Darling” (dal opera “Ivan Susanin” di Glinka). Potenti cori nelle opere di Glinka, Mussorgsky, Borodin ricreano fedelmente le immagini delle masse.

Nelle opere liriche hanno una notevole importanza gli episodi strumentali: marce, danze e talvolta intere scene musicali, solitamente inserite tra un'azione e l'altra. Ad esempio, nell'opera di Rimsky-Korsakov "La leggenda della città invisibile di Kitezh e della fanciulla Fevronia" c'è una rappresentazione sinfonica della battaglia dell'antico esercito russo con le orde tataro-mongole ("La battaglia di Kerzhenets"). Quasi ogni opera inizia con un'ouverture - un prologo sinfonico, che in termini generali rivela il contenuto dell'azione drammatica dell'opera.

La musica strumentale si è sviluppata sulla base della musica vocale. È nato dal canto e dalla danza. Una delle forme più antiche di musica strumentale associata all'arte popolare è il tema e le variazioni.

Tale opera si basa sullo sviluppo e sulla modifica dell'idea musicale principale: il tema. Allo stesso tempo cambiano le svolte melodiche individuali, i canti, il ritmo e il carattere dell'accompagnamento (varieze). Ricordiamo le variazioni di pianoforte sul tema della canzone russa “Uscirò al fiume” del musicista russo del XVIII secolo. I. E. Khandoshkina (vedi articolo "Musica gussiana del XVIII secolo"). Nella fantasia sinfonica di Glinka "Kamarinskaya", prima varia la maestosa canzone nuziale fluente "A causa delle montagne, le alte montagne", poi la melodia di danza veloce "Kamarinskaya".

Un'altra forma musicale più antica è la suite, un'alternanza di danze e spettacoli diversi. In un'antica suite da ballo del XVII secolo. si susseguivano danze opposte per carattere, tempo e ritmo: moderatamente lento (allemande tedesco), veloce (carillon francese), molto lento, solenne (sarabanda spagnola) e rapidamente veloce (giga, conosciuto in numerosi paesi). Nel XVIII secolo Tra la sarabanda e la gige venivano inseriti balli divertenti: gavotte, bourrée, minuetto e altri. Alcuni compositori (ad esempio Bach) spesso aprivano una suite con un pezzo introduttivo che non aveva la forma di una danza: un preludio, un'ouverture.

Una serie sequenziale di opere musicali combinate in un unico insieme è chiamata ciclo. Ricordiamo i cicli di canzoni di Schubert "The Miller's Love" e "Winter Reise", il ciclo vocale di Schumann "The Poet's Love" con le parole di Heinrich Heine. Molti generi strumentali sono cicli: variazione, suite, serenata strumentale, sinfonia, sonata, concerto.

Inizialmente, la parola sonata (dall'italiano “suonare”) indicava qualsiasi brano strumentale. Solo verso la fine del XVII secolo. Nel lavoro del violinista italiano Corelli si sviluppò un genere unico di sonata di 4-6 movimenti, che divenne uno dei più popolari. Esempi classici di sonate di due o tre movimenti del XVIII secolo. creato dai compositori Carl Philipp Emmanuel Bach (figlio di J. S. Bach), Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, I. E. Handoshkin. La loro sonata consisteva in più parti, diverse nelle immagini musicali. La prima parte energica e rapidamente dispiegata, solitamente costruita su una giustapposizione contrastante di due temi musicali, è stata sostituita dalla seconda parte: un pezzo lirico lento e melodioso. La sonata si concludeva con un finale: musica dal ritmo veloce, ma di carattere diverso rispetto al primo movimento. A volte la parte lenta veniva sostituita da un pezzo di danza: un minuetto. Il compositore tedesco Beethoven scrisse molte delle sue sonate in quattro movimenti, ponendo tra il movimento lento e il finale un brano di carattere vivace - un minuetto o scherzo (dall'italiano "scherzo").

I brani per strumenti solisti (sonata, variazioni, suite, preludio, improvvisato, notturno) insieme a vari ensemble strumentali (trio, quartetti) costituiscono il campo della musica da camera (letteralmente “musica domestica”), concepita per l'esecuzione davanti a un pubblico relativamente ristretto cerchia di ascoltatori. In un ensemble da camera, le parti di tutti gli strumenti sono ugualmente importanti e richiedono una rifinitura particolarmente attenta da parte del compositore.

La musica sinfonica è uno dei fenomeni più brillanti della cultura musicale mondiale. Le migliori opere per un'orchestra sinfonica si distinguono per la profondità e la completezza del loro riflesso della realtà, la grandiosità della loro scala e, allo stesso tempo, la semplicità e l'accessibilità del linguaggio musicale, che a volte acquisisce l'espressività e la vivacità del linguaggio visivo. immagini. Meravigliose opere sinfoniche dei compositori Haydn, Mozart, Beethoven, Liszt, Glinka, Balakirev, Borodin, Rimsky-Korsakov, Čajkovskij e altri sono state create per un pubblico democratico di massa di grandi sale da concerto.

I principali generi di musica sinfonica sono le ouverture (ad esempio, l'ouverture di Beethoven alla tragedia "Egmont" di Goethe), le fantasie sinfoniche ("Francesca da Rimini" di Čajkovskij), i poemi sinfonici ("Tamara" di Balakirev), le suite sinfoniche (" Scheherazade" di Rimsky-Korsakov) e sinfonie.

Una sinfonia, come una sonata, è composta da diversi movimenti nettamente contrastanti, solitamente quattro. Possono essere paragonati ai singoli atti di un'opera drammatica o ai capitoli di un romanzo. Nelle combinazioni inesauribilmente diverse di immagini musicali e nell'alternanza contrastante dei loro movimenti - danza veloce, lenta, leggera e ancora veloce - i compositori ricreano vari aspetti della realtà.

I compositori sinfonici riflettono nella loro musica la natura energica e attiva dell'uomo, la sua lotta con le avversità e gli ostacoli della vita, i suoi sentimenti luminosi, i sogni di felicità e i ricordi tristi, l'affascinante bellezza della natura e, insieme a questo, il potente movimento di liberazione dell'uomo. messe, scene di vita popolare e feste popolari.

Un concerto strumentale nella sua forma ricorda una sinfonia e una sonata. Si tratta di una composizione molto complessa per uno strumento solista (pianoforte, violino, clarinetto, ecc.) con accompagnamento orchestrale. Il solista e l'orchestra sembrano competere tra loro: l'orchestra o tace, incantata dalla passione del sentimento e dall'eleganza delle sonorità nella parte dello strumento solista, oppure lo interrompe discutendo con lui, oppure pizzica con forza il suo tema.

I concerti furono composti da molti compositori eccezionali dei secoli XVII e XVIII. (Corelli, Vivaldi, Händel, Bach, Haydn). Tuttavia, il creatore del concerto classico fu il grande compositore Mozart. Meravigliosi concerti per vari strumenti (il più delle volte per pianoforte o violino) furono scritti da Beethoven, Mendelssohn, Schumann, Dvorak, Grieg, Čajkovskij, Glazunov, Rachmaninov e dai compositori sovietici A. Khachaturian, D. Kabalevskij.

La secolare storia della musica ci racconta come sono nate e si sono sviluppate nel corso dei secoli varie forme e generi musicali. Alcuni di loro sono esistiti per un tempo relativamente breve, altri hanno resistito alla prova del tempo. Ad esempio, nei paesi del campo socialista, i generi della musica sacra stanno scomparendo. Ma i compositori di questi paesi creano nuovi generi come le canzoni dei pionieri e di Komsomol, le canzoni di marcia dei combattenti per la pace.

La musica è parte integrante della vita della maggior parte delle persone. Le opere musicali vengono ascoltate in tutti gli angoli del nostro pianeta, anche in quelli più remoti. Nonostante l'enorme popolarità e importanza di questa direzione artistica, molte persone non pensano a quali tipi di arte esistano. stili e generi musicali. Questo articolo esamina le 10 tendenze musicali TOP che non hanno perso la loro popolarità fino ad oggi.

A causa della varietà di generi diversi, molti di voi si chiedono: quali tipi di musica esistono? Abbiamo provato a rispondere alla tua domanda e ad organizzare i principali stili musicali in un elenco separato che, secondo gli esperti, sarà sempre popolare nonostante molti anni.

1 Musica pop

Questo stile è moderno direzione della musica. Questo genere è caratterizzato da semplicità, parti strumentali interessanti e senso del ritmo, mentre la voce non è l'obiettivo principale. La forma principale e quasi unica di composizione musicale è la canzone. "Pop" include i tratti caratteristici dell'Europop, del latino, del synthpop, della musica dance, ecc.

Gli esperti di musica evidenziano le seguenti caratteristiche della musica pop:

• schema conservatore di costruzione della canzone “strofe + ritornelli”;
• semplicità e facilità di percezione delle melodie;
• lo strumento principale è la voce umana, l'accompagnamento gioca un ruolo secondario;
• La struttura ritmica gioca un ruolo importante: la maggior parte delle composizioni sono scritte per ballare, quindi si distinguono per un ritmo chiaro e immutabile;
• in media, la durata delle canzoni va dai 3 ai 5 minuti, che corrisponde pienamente al formato delle moderne stazioni radio;
• i testi sono solitamente dedicati a emozioni ed esperienze personali (amore, tristezza, gioia, ecc.);
• La presentazione visiva delle opere è di grande importanza.

2 Roccia

Come suggerisce il nome (rock – “pompare”), questo genere di musica caratterizzato da sensazioni ritmiche associate a un determinato movimento. Alcune caratteristiche delle composizioni rock (strumenti musicali elettrici, autosufficienza creativa, ecc.) sono secondarie, motivo per cui molti stili musicali erroneamente attribuito al rock. Varie sottoculture sono associate a questa direzione musicale: punk, hippy, metalhead, emo, goth, ecc.

Il rock è diviso in diverse direzioni o stili, che vanno dalle opere "leggere" di dance rock and roll, pop rock e Britpop, al death metal brutale e aggressivo e al grindcore. Questo genere è caratterizzato da "espressione musicale", in particolare da una maggiore dinamica (volume) dell'esecuzione (alcune composizioni vengono eseguite a 120-155 dB).

I gruppi rock sono tipicamente costituiti da un cantante, un chitarrista (che suona la chitarra elettrica), un bassista e un batterista (a volte un tastierista). La sezione ritmica è composta da basso, batteria e chitarra ritmica (non sempre).

3 Hip-hop

Questo direzione musicaleè composto da diversi generi: dagli stili “leggeri” (pop-rap) a quelli aggressivi (hardcore, horrorcore). I testi delle canzoni possono anche avere contenuti diversi: da leggeri e casuali (ricordi dell'infanzia, della giovinezza, ecc.) A problemi sociali complessi.

L'hip-hop si basa su stili come funk, jazz, reggae, soul e rhythm and blues. Molto spesso l'hip-hop viene confuso con il rap, il che è fondamentalmente sbagliato. Il RAP è un'esecuzione recitativa di composizioni musicali, mentre l'hip-hop potrebbe non avere alcun recitativo. In URSS questo stile musicale è apparso negli anni '80.

Esistono i seguenti sottogeneri dell'hip-hop:

• vecchia scuola: recitativo relativamente semplificato, versi di uguale durata, direzione costante del ritmo e delle battute;
• nuova scuola: brani relativamente brevi, motivi più pieni di sentimento (nella direzione della musica pop);
• gangsta rap: canzoni sulla vita dura, teppismo, criminalità, ecc.;
• hip-hop politico: i testi richiedono attività antisociali, unendo la società per risolvere varie minacce interne ed esterne;
• hip-hop alternativo: questa direzione si basa sugli stili funk, jazz, pop rock, soul e le composizioni sono una combinazione di musica con recitativo;
• g-funk: questo stile combina melodie g-funk e bassi funk profondi (riempimento del sintetizzatore, suono sottile di flauto e recitativo), diluiti con cori maschili o femminili;
• horrorcore: questa direzione si distingue per la massima “rigidità” e brutalità dei brani;
• hip-hop del sud: questo stile ha motivi del sud provenienti dai paesi africani e latinoamericani;
• Grime: caratterizzato dall'atmosfera oscura del brano, bassi rimbombanti e rap veloce e aggressivo.

4 RAP

Il RAP è un recitativo ritmico, che di solito viene letto a tempo. Gli interpreti di tali composizioni sono rapper o MC. Il RAP è uno dei componenti principali dell'hip-hop. Ma questo stile viene utilizzato anche in altri generi (drum and bass, musica pop, rock, rapcore, nu metal, ecc.).

L'origine della parola “REP” si basa sull'inglese “rap” (battiti, colpi) e “to rap” (parlare).

La musica RAP è piuttosto varia. Le composizioni possono essere semplici, ma allo stesso tempo interessanti e melodiche. Si basano sul beat, il ritmo delle canzoni. Spesso ad ogni battito c'è una certa enfasi di clap (battito di mani), rullante (battito di batteria chiaro e breve), percussioni (fischi, catene, ecc.) o grancassa.

Tastiere, strumenti a fiato e suoni di computer vengono solitamente utilizzati come strumenti musicali.

5 R&B

R&B (rhythm and blues) si riferisce al canto e alla danza genere di musica. Questo stile si basa sulle tendenze blues e jazz della prima metà del XX secolo. Una caratteristica distintiva del genere sono i motivi di danza che incoraggiano gli ascoltatori a ballare in modo incontrollabile.

Lo stile R&B è dominato da melodie allegre che non portano particolari temi filosofici o di pensiero.

Molti esperti di musica associano il rhythm and blues ai neri, poiché si basa su tutti i generi “neri”, ad eccezione dei motivi classici e religiosi.

6

Questo movimento musicale è nato alla fine del XIX secolo negli Stati Uniti. Questo stile di musica combina le culture africane ed europee.

Le caratteristiche distintive di questa direzione sono l'improvvisazione, il ritmo sofisticato (figure sincopate) e le tecniche uniche di trame ritmiche.

Il jazz si riferisce anche alla musica da ballo. Le composizioni sono allegre, donano vivacità e buon umore. Ma a differenza dell’R&B, le melodie jazz sono più tranquille.

7 Musica strumentale

Composizioni di questo stili musicali vengono eseguiti con l'ausilio di strumenti musicali e la voce umana non vi prende alcuna parte. L'IM può essere solista, ensemble e orchestrale.

La musica strumentale è uno dei migliori stili di sottofondo. Melodie basate su strumenti dal vivo e successi moderni sono ideali per le stazioni radio tranquille e ascoltarle porta armonia mentre si lavora e ci si rilassa.

8 musica folk

Anche la musica popolare, che appartiene al folklore musicale, è uno stile abbastanza popolare. Le composizioni rappresentano le idee creative musicali e poetiche delle persone, che vengono tramandate di generazione in generazione. Le melodie tradizionali sono solitamente create dalla popolazione rurale. Questo direzione musicale un contrasto significativo con il canto popolare e accademico.

I testi si basano su vari motivi, che vanno dalle calde relazioni d'amore agli eventi militari terribili e terribili.

9 Elettro

La musica elettronica è un genere abbastanza ampio, le cui melodie vengono create utilizzando strumenti musicali elettronici e tecnologia informatica. Questo stile ha varie direzioni, che vanno dalle canzoni accademiche sperimentali ai brani dance elettronici popolari.

La musica elettronica combina suoni generati da tecnologie elettroniche e strumenti musicali elettromeccanici (telharmonium, organo Hammond, chitarra elettrica, theremin e sintetizzatore).

10 Musica trance

La trance è un tipo di musica elettronica caratterizzata da suoni artificiali, enfasi su parti armoniche e timbriche e un tempo relativamente veloce (da 120 a 150 battiti al minuto). La trance viene solitamente utilizzata per vari eventi di danza.

Se iniziassimo a continuare questo elenco, sarebbe infinito poiché di anno in anno compaiono centinaia di stili e sottostili diversi. Volevamo anche notare che il nostro elenco non includeva stili musicali come:

• discoteca
• techno
• Paese
• sala
• trance

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Genere musicale

Genere musicale- un concetto multivalore che caratterizza vari tipi e tipi di creatività musicale in relazione alla loro origine, nonché il metodo e le condizioni della loro esecuzione e percezione. Il concetto di genere musicale riflette il problema principale della musicologia e dell'estetica musicale: la relazione tra i fattori extramusicali della creatività e le sue caratteristiche puramente musicali. Il genere musicale è uno dei mezzi più importanti di identificazione artistica.

Il concetto di genere musicale può essere considerato in un aspetto più ampio e in uno più ristretto. Nel genere più ampio si parla di generi operistici, sinfonici, da camera, ecc. Nel genere più ristretto si distingue tra i generi dell'opera lirica e comica; sinfonie e sinfoniette; arie, arioso, cavatina, ecc.

Numerosi ricercatori (in particolare V. Tsukerman) distinguono tra generi musicali primari e secondari. Primario direttamente correlato alle condizioni della loro esistenza, e secondario i generi si sono formati in condizioni di esecuzione di concerti.

E. Nazaykinsky identifica tre forme storiche di funzionamento dei generi: sincretico, estetico e virtuale. IN sincretico forma, che è caratterizzata dalla sincronicità di creatività e percezione, il genere musicale agisce principalmente come un canone, che garantisce la riproduzione di una situazione corrispondente a una certa tradizione. IN estetico forma, apparsa con la diffusione della notazione musicale, la musica diventa un fenomeno estetico e le funzioni semantiche vengono alla ribalta. IN virtuale forma, che, grazie alla diffusione della registrazione del suono, è caratterizzata dalla capacità di percepire la musica in varie condizioni, vengono alla ribalta le funzioni di formazione della struttura del genere, che spesso porta alla confusione tra i termini di genere musicale e stile , soprattutto nella musica popolare.

Guarda anche

• Elenco dei generi e delle direzioni musicali

Letteratura

• T. Cherednichenko. Genere musicale // articolo nel Dizionario enciclopedico musicale, "Enciclopedia sovietica" 1990
• E.V. Nazaykinskij- Stile e genere nella musica - M., 2003
• M. K. Mikhailov - Lo stile musicale - M., 1981

Fondazione Wikimedia. 2010.

Scopri cos'è il "genere musicale" in altri dizionari:

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House Direzione: Musica elettronica Origini: disco, soul Luogo e tempo di origine: Primi anni '80, Chicago Periodo d'oro: anni '90 del XX secolo Sottogeneri ... Wikipedia

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Questo termine ha altri significati, vedi Passione. Passione (passione; passione tedesca, dal latino passio sofferenza) è un'opera vocale drammatica dedicata agli eventi della Settimana Santa (Passione di Cristo), basata su ... ... Wikipedia

Libri

• Stile e genere musicale, storia e modernità, M. Lobanova. Il libro di M. Lobanova è dedicato ai problemi dello stile e del genere musicale come fenomeni culturali, storici e teorici. Per la prima volta, la formazione del concetto di “misto...

Ti sei trovato nella sezione dei generi musicali, dove conosceremo ogni direzione musicale in modo più dettagliato. Descriveremo cos'è, perché è necessario e quali caratteristiche ha. Inoltre alla fine ci saranno articoli in questa sezione che descriveranno ciascuna direzione in modo più dettagliato.

Cosa sono i generi musicali

Prima di discutere quali sono i generi musicali, è opportuno menzionare quanto segue. Abbiamo bisogno di un certo sistema di coordinate in modo da poter inserire in esso tutti i fenomeni. Il livello più serio e globale in questo sistema di coordinate è il concetto di stile o sistema storico-artistico.

C'è uno stile medievale, rinascimentale, barocco o romantico. Inoltre, in ogni epoca specifica, questo concetto copre tutte le arti (letteratura, musica, pittura e così via).

Tuttavia, la musica ha le proprie categorie all'interno di ogni stile. Esiste un sistema di generi, forme musicali e mezzi di espressione.

Cos'è un genere?

Ogni epoca offre ai musicisti e agli ascoltatori un certo insieme di luoghi sul palco. Inoltre, ogni sito ha le proprie regole del gioco. Questi siti potrebbero scomparire nel tempo o rimanere per qualche tempo.

Stanno emergendo nuovi gruppi di ascoltatori con nuovi interessi: stanno emergendo nuove fasi, stanno emergendo nuovi generi.

Diciamo che nell'era del Medioevo europeo, fino alla fine dell'XI secolo circa, l'unico palcoscenico del genere per i musicisti professionisti era la chiesa. Ora e luogo di culto.

È qui che prendono forma i generi della musica sacra. E i più importanti di essi (massa e matematica) andranno lontano nel futuro.

Se prendiamo il tardo Medioevo, l'era delle Crociate, appare una nuova fase: un castello feudale, un cortile feudale di un aristocratico, una vacanza di corte o semplicemente un luogo di svago.

E qui nasce il genere della canzone secolare.

Ad esempio, il XVII secolo esplode letteralmente con fuochi d'artificio di nuovi generi musicali. Qui nascono cose che vanno molto avanti rispetto al nostro tempo e che rimarranno dopo di noi.

Ad esempio, opera, oratorio o cantata. Nella musica strumentale, questo è un concerto strumentale. Appare anche un termine come sinfonia. Anche se forse è stato costruito in modo leggermente diverso da come è adesso.

Emergono generi di musica da camera. E alla base di tutto c'è l'emergere di nuovi palcoscenici. Ad esempio, un teatro dell'opera, una sala da concerto o un salone riccamente decorato di una casa aristocratica cittadina.

Prima di iniziare, assicurati di iniziare a esplorare direzioni diverse. Questo poi si traduce molto bene nella pratica. Sarà particolarmente utile quando crei qualcosa di nuovo!

Forma musicale

Il livello successivo è la forma musicale. Quante parti sono presenti nel prodotto? Come è organizzata ogni parte, quante sezioni ha e come sono collegate tra loro? Questo è ciò che intendiamo con il concetto di forma musicale.

Diciamo che l'opera è un genere. Ma un'opera può essere in due atti, un'altra in tre, e ci sono opere in cinque atti.

O una sinfonia.

Le sinfonie europee più familiari sono costruite in quattro movimenti. Ma diciamo che la sinfonia Fantastique di Berlioz ha 5 movimenti.

Mezzi espressivi

Il livello successivo è un sistema di mezzi espressivi musicali. Melodia nella sua unità con il ritmo.

Ritmoè la forza organizzatrice profonda di tutto il suono musicale. È alla base dell’esistenza della musica. Perché attraverso il ritmo la vita umana si connette con la realtà, con il cosmo.

Molti movimenti lavorativi sono ritmici. Soprattutto in agricoltura. Molto è ritmico nella lavorazione della pietra e dei metalli.

Il ritmo stesso appare, forse, prima della melodia. Possiamo dire che il ritmo generalizza e la melodia individualizza.

La sensazione del ritmo, come una sorta di magia, nasce nelle primissime fasi della civiltà. E più tardi, nell'era dell'antichità, un tale sentimento è riconosciuto come l'idea della connessione universale dei fenomeni, che è ritmica.

Il ritmo è associato al numero. E per i greci il numero era un'idea estremamente importante dell'ordine mondiale. E tutta questa idea del ritmo è rimasta per molto tempo.

All'inizio del XVII secolo, il compositore tedesco Michael Pritorius parlò dei primi esperimenti italiani nell'opera (non c'era un ritmo ordinato): “Questa musica è senza connessioni e misura. È un affronto all’ordine stabilito da Dio!”

La natura del movimento è veloce, vivace, moderata e calma. Danno anche il tono a qualsiasi sovrastruttura realizzata su di essi. C’è anche un senso di connessione universale qui. 4 lati del carattere del movimento, 4 direzioni cardinali, 4 temperamenti.

Se entriamo ancora più in dettaglio, allora si tratta del timbro o della colorazione del suono. Oppure diciamo come viene pronunciata la melodia. Distintamente sezionato o coerente.

La melodia, il ritmo e tutto il resto appaiono come una risposta emotiva diretta alla realtà. E prendono forma in quei tempi infinitamente lontani nel primitivo sistema comunitario, quando una persona non ha ancora realizzato se stessa rispetto agli altri sé o alla natura.

Ma non appena appare la società classista, si crea una distanza tra sé e gli altri, tra sé e la natura. E poi i generi musicali, le forme musicali e gli stili cominciano a prendere forma.

Generi di musica da camera

Prima di parlare dei generi della musica da camera, capiamone la direzione. Musica da cameraè la musica eseguita da un piccolo numero di artisti per un piccolo numero di ascoltatori.

In precedenza, tale musica veniva spesso eseguita a casa. Ad esempio, con la famiglia. È qui che hanno inventato il nome camera. Dal latino camera significa stanza. Cioè, piccola musica, domestica o da stanza.

Esiste anche un'orchestra da camera. Questa è una versione più piccola (di solito non più di 10 persone) di un'orchestra normale. Ebbene, non ci sono nemmeno molti ascoltatori. Di solito si tratta di parenti, conoscenti e amici.

canzone folk- il genere più semplice e diffuso di musica da camera. In precedenza, molto spesso molti nonni cantavano varie canzoni popolari ai loro figli e nipoti. La stessa canzone potrebbe essere cantata con parole diverse. Come se aggiungessi qualcosa di tuo.

Tuttavia, la melodia stessa è generalmente rimasta invariata. Solo il testo della canzone popolare è cambiato e migliorato.

Il preferito di molte persone romanzi- Questo è anche un genere di musica da camera. Di solito eseguivano un piccolo pezzo vocale. Di solito era accompagnato da una chitarra. Ecco perché amiamo davvero queste canzoni liriche con la chitarra. Molte persone probabilmente li conoscono e li hanno già ascoltati più di una volta.

Ballata- questa è una sorta di narrazione su vari exploit o drammi. Le ballate venivano spesso eseguite nelle taverne. Di regola, elogiavano le gesta di vari eroi. A volte le ballate venivano usate prima di una battaglia imminente per sollevare il morale delle persone.

Naturalmente, in tali canzoni certi momenti venivano spesso abbelliti. Ma in sostanza, senza ulteriore immaginazione, il significato stesso della ballata diminuirebbe.

Requiem- Questa è una messa funebre. Questo tipo di canto corale in lutto viene eseguito nelle chiese cattoliche. Nel nostro paese, il requiem veniva solitamente utilizzato come tributo alla memoria degli eroi popolari.

- canzone senza parole. Di solito inteso per un cantante come esercizio di allenamento. Ad esempio, per sviluppare la voce di un cantante.

Serenata- un genere di musica da camera eseguito per una persona amata. Di solito gli uomini li eseguivano sotto le finestre delle loro amate donne e ragazze. Di norma, tali canzoni elogiavano la bellezza del gentil sesso.

Generi di musica strumentale e vocale

Di seguito troverai i principali generi di musica strumentale e vocale. Per ogni direzione ti darò delle brevi descrizioni. Tocchiamo un po' di più la definizione di base di ogni tipo di musica.

Generi di musica vocale

Esistono diversi generi di musica vocale. Vale la pena dire che la direzione stessa è la più antica nella storia dello sviluppo della musica. Dopotutto, è la chiave principale per la transizione dalla letteratura alla musica. Cioè, le parole letterarie iniziarono ad essere usate in forma musicale.

Naturalmente, a queste parole è stato assegnato il ruolo principale. Per questo motivo, tale musica cominciò a essere chiamata vocale. Un po 'più tardi apparve la musica strumentale.

Nella musica vocale, oltre alla voce, possono essere utilizzati anche vari strumenti. Tuttavia, in questa direzione il loro ruolo è relegato in secondo piano.

Ecco un elenco dei principali generi di musica vocale:

• Oratorio- un'opera molto grande per solisti, orchestra o coro. Tipicamente, tali opere trattavano problemi di natura religiosa. Poco dopo apparvero oratori secolari.
• musica lirica- un'enorme opera drammatica che combina i generi della musica strumentale e vocale, della coreografia e della pittura. Un ruolo speciale qui è dato a vari numeri solisti (aria, monologo e così via).
• Musica da camera- è stato menzionato sopra.

Generi di musica strumentale

Musica strumentale- si tratta di composizioni eseguite senza la partecipazione di un cantante. Da qui il nome strumentale. Cioè, viene eseguito solo con l'aiuto di strumenti.

Molto spesso, molti artisti nei loro album utilizzano brani strumentali come tracce bonus nell'album. Cioè, è possibile selezionare alcune delle composizioni più popolari e quindi registrare le loro versioni senza voce.

Oppure possono selezionare tutte le canzoni dell'album. In questo caso, l'album viene pubblicato in due versioni. Questo di solito viene fatto per aumentare il valore del prodotto e aumentarne il prezzo.

C'è un elenco per alcuni generi di musica strumentale:

• Musica dance- di solito musica semplice per ballare
• Sonata– utilizzato come solista o duetto per musica da camera
• Sinfonia- Suono armonioso per orchestra sinfonica

Generi di canzoni popolari russe

Parliamo dei generi delle canzoni popolari russe. Riflettono tutto il fascino dell'anima del popolo russo. Di solito, tali opere musicali lodano la natura della terra natia, degli eroi e dei lavoratori comuni. Vengono menzionate anche le gioie e le difficoltà del popolo russo.

Ecco un elenco dei principali generi di canzoni popolari russe:

• Canzoni del lavoro- cantato mentre si lavora per facilitare l'attività lavorativa di una persona. Cioè, con queste canzoni era molto più facile per gli operai lavorare. Stabiliscono il ritmo del lavoro. Tali opere musicali riflettevano la vita fondamentale della classe operaia. Le grida di lavoro venivano spesso usate per il lavoro.
• Canzoncine- un genere molto comune di musica popolare. Di norma, questa è una breve quartina con una melodia ripetuta. Chatushki portava un grande significato della parola russa. Esprimevano lo stato d'animo fondamentale della gente.
• Canzoni del calendario- utilizzato in varie festività di calendario. Ad esempio, a Natale o Capodanno. Questo genere musicale era ben utilizzato anche per la predizione del futuro o durante il cambio delle stagioni.
• Ninna nanna- canzoni gentili, semplici e affettuose che le madri cantavano ai loro figli. Di norma, in tali canzoni le madri presentavano i loro figli al mondo che li circondava.
• Canzoni di famiglia- utilizzato in varie vacanze in famiglia. Questo genere si rifletteva molto bene nei matrimoni. Veniva utilizzato anche alla nascita di un bambino, quando un figlio veniva mandato nell'esercito e così via. Vale la pena dire che tali canzoni erano accompagnate da un certo rituale. Tutto questo insieme ha contribuito a proteggersi dalle forze oscure e da vari problemi.
• Composizioni liriche— in tali opere viene menzionata la difficile sorte del popolo russo. Ad esempio, viene spesso menzionata la vita difficile delle donne e la vita difficile dei contadini comuni.

Generi di musica moderna

Ora parliamo dei generi della musica moderna. Ce ne sono parecchi. Tuttavia, partono tutti dalle tre direzioni principali della musica moderna. Quindi ne parleremo un po'.

Roccia

Il rock è popolare oggi. Potrebbe non essere più lo stesso di prima, ma ai nostri tempi è diventato saldamente radicato. Pertanto, è impossibile non menzionarlo. E la direzione stessa ha dato slancio alla nascita di molti generi. Ecco qui alcuni di loro:

• Rock popolare- Gli elementi delle canzoni popolari sono ben utilizzati
• Pop rock- musica per un pubblico molto vasto
• Hard rock- Musica più pesante con un suono aspro

Pop

La musica popolare copre anche molti generi spesso utilizzati nella musica moderna:

• Casa- musica elettronica eseguita su un sintetizzatore
• Trance- musica elettronica con predominanza di melodie tristi e cosmiche
• Discoteca– musica da ballo con abbondanti sezioni ritmiche di batteria e basso

Rap

Negli ultimi anni, il rap ha guadagnato slancio abbastanza bene. In effetti, questa direzione non ha praticamente voce. Fondamentalmente qui non cantano, ma piuttosto leggono. Da qui deriva il termine rap. Ecco un elenco di alcuni generi:

• Rapcore- un misto di rap e musica pesante
• Rap alternativo- una miscela di rap tradizionale con altri generi
• Rap jazz- un misto di rap e jazz

Generi musicali elettronici

Diamo un'occhiata un po' ai principali generi di musica elettronica. Naturalmente non toccheremo tutto qui. Ne analizzeremo comunque alcuni. Ecco l'elenco:

• Casa(casa) - è apparso negli anni '80 del secolo scorso. Proviene dalla discoteca degli anni '70. Apparso grazie agli esperimenti dei DJ. Caratteristiche principali: ritmo ripetuto, indicazione del tempo 4x4 e campionamento.
• Casa profonda(deep house) - musica più leggera e d'atmosfera con un suono profondo e denso. Include elementi di jazz e ambient. La produzione utilizza tastiere soliste, organo elettrico, pianoforte e voce femminile (per lo più). Sviluppato dalla fine degli anni '80. Le voci in questo genere occupano sempre un posto secondario. Il primo contiene melodie e suoni per rappresentare l'atmosfera.
• Casa-garage(garage house) - come la deep house, solo la voce assume il ruolo principale.
• Nuova discoteca(nu disco) è un genere musicale più moderno basato sul rinnovato interesse per la musica da discoteca. Oggi è molto popolare tornare alle proprie radici. Pertanto, questo genere si basa sulla musica degli anni '70 e '80. Il genere stesso è apparso all'inizio degli anni 2000. Suoni sintetizzati simili ai suoni di strumenti reali vengono utilizzati per creare disco degli anni '70 e '80.
• Anima piena(soulful house) - la base è presa dall'house con uno schema ritmico 4x4, così come la voce (completa o sotto forma di campioni). Le voci qui sono per lo più piene di sentimento e molto belle. Inoltre l'uso di una varietà di strumenti musicali. Una così ricca presenza di strumenti fa vivere molto bene la musica di questo genere.

Generi rap

Passiamo a considerare i principali generi del rap. Anche questa direzione si sta sviluppando attivamente. Pertanto, sarebbe bello toccare anche questo. Ecco un piccolo elenco di generi:

• Rap comico- Musica intelligente e divertente per l'intrattenimento. Ha una combinazione di vero hip-hop e umorismo normale. Il rap comico è emerso negli anni '80.
• Rap sporco- rap sporco, caratterizzato da un basso pesante e pronunciato. Fondamentalmente questa musica ha lo scopo di emozionare il pubblico alle varie feste.
• rap gangsta- musica dal suono molto duro. Il genere musicale è apparso alla fine degli anni '80. Elementi del rap hardcore sono stati presi come base principale di questa tendenza.
• Rap hardcore— musica aggressiva con campioni rumorosi e ritmi pesanti. Apparso alla fine degli anni '80.

Generi di musica classica

Ci sono opere suddivise in molti generi di musica classica. Divennero particolarmente diffusi nel XVIII secolo. Ecco un elenco parziale delle destinazioni:

• Ouverture- una breve introduzione strumentale a uno spettacolo, spettacolo teatrale o opera.
• Sonata- un'opera per artisti da camera, utilizzata come solista o duetto. Composto da tre parti collegate tra loro.
• Studio- un piccolo brano strumentale destinato ad affinare la tecnica dell'esecuzione musicale.
• Scherzo- l'inizio della musica con un ritmo vivace e rapido. Principalmente trasmette all'ascoltatore momenti divertenti e inaspettati nel lavoro.
• Opera, sinfonia, oratorio- sono stati menzionati sopra.

Generi musicali rock

Consideriamo ora alcuni generi di musica rock diversi da quelli già menzionati sopra. Ecco un breve elenco con una descrizione:

• Roccia gotica- musica rock con una direzione gotica e cupa. Apparso all'inizio degli anni '80.
• Grunge- Musica con un suono di chitarra solido e testi cupi e depressivi. Apparso da qualche parte a metà degli anni '80.
• Rock popolare- si è formato come risultato della mescolanza del rock con la musica folk. Apparso a metà degli anni '60.
• Roccia vichinga- punk rock con elementi di musica folk. Tali opere rivelano la storia della Scandinavia e degli stessi Vichinghi.
• Trashcore- hardcore più veloce. I lavori sono solitamente di piccole dimensioni.

Generi di musica sacra e profana

Diamo un'occhiata ad alcuni generi di musica sacra e profana. Per cominciare, definiamo queste due direzioni. Scoprirai di cosa si tratta e qual è la differenza. Successivamente, esamineremo diversi generi.

Musica spirituale

La musica spirituale ha lo scopo di guarire l'anima. Tali opere sono utilizzate principalmente per i servizi nelle chiese. Ecco perché alcuni la chiamano anche musica sacra. Ecco un breve elenco dei suoi generi:

• Liturgia- Servizio di Pasqua o Natale. Eseguita da un coro e può includere anche solisti aggiuntivi. Di norma, nel dramma liturgico venivano inserite varie scene di eventi tratti dalle Sacre Scritture. Spesso venivano usati elementi di teatralità.
• Antifona- musiche ripetitive eseguite alternando più gruppi corali. Ad esempio, gli stessi versi possono essere eseguiti alternativamente da due volti. Esistono diversi tipi di antifone. Ad esempio, festivi (nei giorni festivi), tranquillo (domenica), tutti i giorni e così via.
• Rondella- è stato creato su una melodia originale sotto forma di una forma speciale con la successiva introduzione della voce sullo stesso motivo.
• Proprio- parte della Messa che varia a seconda del calendario della chiesa.
• Ordinario- una parte inalterata della massa.

Musica secolare

È riconosciuto che la musica secolare mostra il carattere nazionale di culture diverse. Principalmente è stata descritta l'immagine principale e la vita di un uomo comune. Questo tipo di musica era molto comune tra i musicisti itineranti nel Medioevo.

movimento delle emozioni.

Drammaturgia musicale

Stile musicale

Forma musicale

4) come ordine estetico in una composizione musicale, che si manifesta come formabilità o informe.

5) come uno dei rami della scienza teorica musicale.

Pertanto, vengono considerate due categorie di forme musicali:

a) nel senso ampio del termine - come un modo per incarnare il contenuto;

b) da vicino - come un piano per lo spiegamento di sezioni e parti funzionalmente diverse di un'opera musicale, che sono combinate in una composizione olistica. Altrimenti si chiama forma di composizione o piano compositivo.

La forma della composizione ha due lati:

*) esterno, associato al contenuto musicale, al genere e al tema, nonché alle forme di esistenza della musica, che è particolarmente importante per i generi primari.

*) interno, associato alla divulgazione dell'organizzazione interna, dei suoi lati, degli elementi.

Funzioni di composizione:

1) semantico, determinato dal contenuto dell'opera;

2) comunicativo, volto a gestire la percezione dell’ascoltatore.

Metodo di analisi e sue forme

Il problema principale dell’analisi è il rapporto tra forma e contenuto. Compiti di analisi:

a) formulare quali sentimenti ed emozioni esprime la musica;

b) quali mezzi sono stati utilizzati a tal fine;

c) collegare il contenuto con l'epoca che ha dato vita a questo stile, genere e creatività del compositore. I punti di cui sopra possono essere considerati come aspetti separati dell'analisi e separati in forme indipendenti.

Forme di analisi(secondo Yu. Kholopov) :

1) Analisi come estetica pratica. Consiste nel tracciare i modelli musicali e fare valutazioni. La percezione e l'esperienza estetica dei fenomeni musicali inclusi nell'analisi conferiscono a una certa parte dell'analisi il carattere di uno studio estetico concreto, di un'estetica pratica.

2) Descrizione dell'analisi. Questa specie ha valore scientifico solo quando viene descritto un nuovo fenomeno. La descrizione è una rivisitazione del testo musicale in termini generalmente noti.

3) Olistico O analisi complessa. Il metodo di V. Zuckerman. Consiste nel coinvolgere nell'analisi un'ampia gamma di informazioni relative al saggio. Contenuto e forma sono considerati in un'unità inestricabile. Zuckerman: “L’analisi è una sintesi di scienza e arte, poiché richiede non solo conoscenza, ma anche sensibilità”.

4) Analisi quantitative e di misura. Questa è l'analisi nel senso letterale della parola, cioè la divisione del tutto in elementi. Qui sorge un problema perché l'oggetto principale della misurazione è impreciso.

Da una prospettiva più ampia, l’analisi in quanto tale non può essere affatto separata dalla sintesi. Questi sono due lati di un unico processo di pensiero e cognizione. L’analisi non dovrebbe essere solo olistica, ma basato sul valore cioè deve rilevare la presenza connessioni spirituali. L’analisi musicale non lascia la musica se:

*) rappresenta i mezzi tecnici della musica come estetica

*) preserva la forma sonora della musica, cioè opera con esempi musicali.

L'analisi del valore rivela il lato figurativo ed emotivo della musica attraverso l'esperienza estetica. Con il metodo di analisi del valore i “mezzi” vengono interpretati principalmente nel quadro della forma musicale. Da qui il significato dominante del concetto di forma come oggetto di analisi.

La struttura del discorso musicale

La forma musicale è caratterizzata da una gerarchia di struttura (subordinazione reciproca). La forma musicale è composta da una serie di sezioni, ciascuna delle quali è divisa in sottosezioni. Il periodo contiene le seguenti sottosezioni:

1) frase – la maggior parte del periodo completato dalla cadenza;

2) frase – parte di una frase separata da una cesura;

3) motivo: l'elemento strutturale minimo della forma associato a una quota forte.

Strutture di forma metrica

Per la musica come arte temporanea, la proporzionalità, la proporzionalità delle parti, è importante. Nella forma musicale si distinguono le seguenti strutture metriche, a seconda del numero di movimenti forti:

1) ortogonalità - "parti a 4 orologi" (Sposobin). La quadratura è tipica dei generi associati al movimento (danze, marce);

2) non ortogonalità – violazione del principio di ortogonalità (3+3; 6+6 volumi). Caratteristica delle canzoni popolari russe.

Modulo semplice in due parti

Le forme semplici sono forme composte da 2 o 3 parti, ciascuna delle quali non è più complicata di un punto. La differenza rispetto all'epoca è la presenza di una sezione evolutiva. Forme semplici sono nate dalla musica da canto o da ballo. Area di utilizzo: canzoni, miniature strumentali, genere e musica di tutti i giorni.

Modulo semplice in 2 partiè una forma composta da due sezioni o periodi, dove la prima sezione è la presentazione del pensiero musicale, e la seconda è il suo sviluppo e completamento. Le forme semplici in 2 parti sono divise in forme contrastanti A+B e in via di sviluppo A+A1.

1) contrastante (non ripresa). La struttura è quella del coro principale, con caratteristiche di genere (r.n.p. “Dubinushka”).

2) sviluppo (ripresa): aa1+va1, dove la seconda sezione è composta da due costruzioni: V – aggiornamento e sviluppo della tematica cosiddetta “di mezzo”; a1 - ripetizione della seconda frase della prima sezione.

Modulo semplice in tre parti.

Una forma semplice a tre parti è una forma in cui la prima parte è la presentazione di un pensiero musicale, la seconda parte è il suo sviluppo o la presentazione di un nuovo pensiero musicale, e la terza parte è il completamento con l'aiuto di una ripresa. . A seconda del materiale tematico della parte centrale, ci sono 2 varietà di una semplice forma in 3 parti:

1) sviluppo (un argomento) AA1A. La sezione centrale è caratterizzata da instabilità tonale-armonica, evitamento della tonica, deviazioni, strutture frazionarie, sequenze, polifonizzazione del tema (Čajkovskij, “Barcarolle”).

2) ABA contrastante (due scuri). La sezione centrale è un periodo di tipo non espositivo, in cui non c'è completezza, alla fine si accumula un'armonia instabile (Čajkovskij, storia d'amore “Among the Noisy Ball”).

Esistono due tipi di ripresa:

a) esatto (letterale, statico, da capo);

b) modificato - variato, ampliato o accorciato (raramente).

Una variazione della semplice forma in tre parti - forma in tre-cinque parti ABABA (Liszt, “Sogni d'amore”).

Forme complesse

Sono costituiti da 2 o 3 parti, ciascuna delle quali (almeno una) è una forma semplice. Ha un contrasto pronunciato di sfere figurative opposte.

Forma complessa in due parti

Campo di applicazione - voce da camera, musica d'opera, meno spesso - nella musica strumentale (Mozart, Fantasia in re minore). È disponibile in due varietà:

1) non riconosciuto o riconosciuto AA1(Bach, HTC II, preludi n. 2,8,9,10,15,20; Scriabin, preludi op.11 n. 3,16,21);

2) contrastante AB. ( Bach, HTC I, preludi n. 3,21). L'integrità della forma è facilitata dalla disuguaglianza delle parti:

a) parte 1 – introduttiva, parte 2 – principale (Glinka, cavatina e il rondò di Antonida dall'opera “Ivan Susanin”). Oppure nel Coro dei Cacciatori (Weber, opera “The Magic Shooter”): parte 2 – coro.

Forma complessa in tre parti

Questa è una forma rinomata, composta da 3 parti, ognuna delle quali è una forma semplice. Questo modulo include due immagini contrastanti seguite dalla fissazione della prima. Storia dell'origine: musica strumentale e vocale del XVII secolo - cicli di danza, aria da capo. Campo di applicazione: parti centrali di cicli sonata-sinfonici, singole opere strumentali, romanze, arie, cori. Varietà:

1) COME UN 2) AA1A(arie da capo) 3) ABCA(per i romantici)

Caratteristica della prima parte: mancanza di contrasto - forma monocolore in 2 o 3 parti.

Storicamente, ci sono stati due tipi di parte centrale:

1) parte centrale con trio , dove la presentazione del nuovo materiale prevale sullo sviluppo. Si tratta di una costruzione stabile, compiuta nella forma e nella struttura tonale-armonica, nettamente separata da una cesura dalle parti esterne (Rachmaninov, Preludio in sol minore)

2) parte centrale – episodio , dove lo sviluppo prevale sulla presentazione. Questa costruzione è tonalmente, armonicamente e strutturalmente instabile, con una transizione graduale verso una ripresa (Čajkovskij, “Febbraio”).

Per i romantici la distinzione tra un trio e un episodio è sfumata.

Tipi di ripresa:

1) esatto (Mozart, Sinfonia in sol minore, 3° movimento)

2) vario (Chopin, notturno in re bemolle maggiore)

3) dinamico, contenente un ripensamento figurativo del materiale tematico della prima parte e un nuovo contrasto figurativo (Chopin, notturno in do minore).

Codice– aggiunta post-ripresa sviluppata. Esegue la funzione finale di sintesi. Caratteristiche principali: punto d'organo tonico, giri plagali.

Modulo di variazione

Una forma di variazione è una forma basata sulla presentazione di un tema e sulla sua ripetizione in forma modificata: AA1A2… Il numero di parti non è limitato. Il significato è la divulgazione di vari stati figurativi inerenti al tema.

Origine – collegata alla tradizione dello spettacolo popolare. Area di utilizzo: opere indipendenti, parti di cicli sonata-sinfonici.

È necessario distinguere tra variazione (questo è un modo di sviluppare un tema) e variazione, cioè forma di variazione.

Tipi storici di variazioni:

1) Variazioni vintage(XVI – XVII secolo). Variazioni del Basso ostinato. 2 tipi:

UN) passacaglia– forma grande, Maestoso.Il tema costante nel basso varia.

B) ciaccona– da camera, lirico. Solitamente incluso in una forma di grandi dimensioni. La formula armonica invariata varia.

Alla fine del XVII secolo le differenze tra passacaglia e ciaccona furono cancellate (Bach, Ciaccona in re minore; Händel, Passacaglia dalla suite in sol minore, n. 7).

2) Variazioni rigorose. Variazioni di VKSh. Variazioni figurative, ornamentali.

Caratteristiche del tema:

1) registro medio, 2) tempo moderato, 3) struttura degli accordi,

4) chiara funzionalità del tema, 5) natura del canto e della danza del tema,

6) forma – semplice in due parti, meno spesso – in tre parti, anche meno spesso – punto.

Principio di variazione: riproduzione del tema nel suo insieme, arricchendolo di dettagli.

L'argomento cambia: pattern melodico, ritmo, struttura, tempo, ecc.

Rimangono invariati: piano armonico, forma , tonalità (può essere sostituita una volta con lo stesso nome o parallela).

Tecniche per sviluppare una melodia: a) ornamenti, B) canto, V) trasformazione variante. (Mozart, Sonata in la maggiore, n. 11, 1° movimento).

3) Variazioni libere. Si affermarono nell'opera dei compositori romantici all'inizio del XIX secolo. Variazioni caratteristiche-genere. Ogni variazione è come uno spettacolo indipendente basato sul tema. Il tema è solo una scusa per creare immagini contrastanti. Il principio della variazione: l'elemento tematico è un oggetto di sviluppo indipendente (Rachmaninov, “Rhapsody on a Theme of Paganini”).

Doppie varianti.

Si tratta di variazioni su due temi. Gli argomenti possono variare individualmente o uno per uno (Glinka, “Kamarinskaya”).

Variazioni di Glinka(soprano ostinato).

Il tema rimane lo stesso, l'accompagnamento cambia (Glinka, Coro persiano dall'opera “Ruslan e Lyudmila”).

Forma sonata

La forma sonata è una forma in cui la prima sezione (esposizione) si basa sul contrasto tonale di due temi principali. La sezione 2 (sviluppo) li sviluppa intensamente. La terza sezione (ripresa) porta i temi in unità tonale.

La forma sonata è la più alta tra le forme omofoniche strumentali, avendo assorbito le caratteristiche di tutte le altre forme. Grazie alla sua struttura complicata, la forma della sonata è in grado di riflettere luminosi contrasti figurativi, incarnare contenuti complessi in fase di sviluppo e mostrare un cambiamento qualitativo nelle immagini.

La forma della sonata è stata finalmente formata nelle opere dei compositori della Scuola Superiore d'Arte. È utilizzato nelle parti estreme dei cicli sonata-sinfonici, come una forma di opere orchestrali con programma in un movimento (ouverture, fantasia, pittura, poesia), come una forma di ouverture operistica. Raramente trovato nella musica vocale (aria di Ruslan dall'opera “Ruslan e Lyudmila” di Glinka).

La forma sonata contiene tre sezioni obbligatorie: esposizione, sviluppo e coda. Oltre a questi, potrebbero essercene altri: un'introduzione e un codice.

Esposizione

Questa è una visualizzazione di immagini musicali, l'inizio di un dramma. Basato sul contrasto tonale (tematico) delle parti principale e secondaria. È necessario distinguere tra i concetti di festa e tema: una festa è una sezione di un'esposizione o ripresa. Il tema è il materiale musicale che caratterizza l'immagine.

Festa principale– più spesso di natura attiva e volitiva (movimento lungo i suoni degli accordi, ritmo impulsivo). Spesso contiene un contrasto interno di vari elementi.

Lotto laterale– spesso di natura lirica. Di solito questo è un tema melodioso di danza di genere. A volte una parte laterale è composta da più temi (Beethoven, Sinfonia “Eroica”, 1° movimento). Spesso un lotto secondario contiene una frattura (spostamento): l'introduzione di elementi del lotto principale, il lotto di collegamento. Ciò introduce tensione e anticipa il dramma dello sviluppo.

Relazioni tonali tipiche:

Gl.p. (in maggiore) – sub. (nella tonalità di Re)

Gl.p. (in minore) – ab.p. (in parallelo maggiore)

Oltre alle feste principali e collaterali, la mostra contiene parte vincolante , che collega tonalmente e tematicamente la parte principale con quella secondaria, scarica l'energia accumulata nella parte principale. La caratteristica principale della parte di collegamento è l'instabilità tonale. La parte di collegamento può variare in scala: dalle costruzioni sviluppate al collegamento breve (Schubert, Sinfonia “Incompiuta”, 1° movimento).

Gioco finale– riassume l'esposizione, stabilisce la tonalità della parte laterale. Spesso è costruito su materiale tratto dai temi dell'esposizione, meno spesso su un nuovo tema.

Sviluppo

Questo è lo sviluppo e il culmine dell'azione musicale. Il contrasto tra i temi della mostra si approfondisce o si attenua. Più spesso, lo sviluppo si basa sul tema del partito principale, in quanto più attivo e internamente conflittuale. Tecniche di base per sviluppare un tema:

1) frammentazione del tema in elementi e loro sviluppo tonale, armonico, tessitura, registro, timbro.

2) polifonizzazione del tema.

Lo sviluppo può essere costituito da più sezioni, ciascuna con il proprio culmine (le cosiddette onde). Viene chiamata l'ultima sezione, basata sull'accumulo di energia di una funzione instabile precursore Viene chiamata la comparsa di un nuovo argomento in sviluppo che non è stato ascoltato nella mostra episodio(Shostakovich, Sinfonia “Leningrado”, 1° movimento).

Ripresa

Questo è l'epilogo dell'azione musicale, in cui i temi convergono sulla base dell'unità tonale. Una ripresa della forma sonata è:

1) esatto (Beethoven, sinfonia n. 3, 1 movimento)

2) ripensamento dinamico – figurativo dei temi della mostra; l'inizio della ripresa coincide con il culmine dello sviluppo (Shostakovich, Sinfonia n. 7, 1° movimento)

3) specchio (Chopin, ballata n. 1, sol minore)

4) incompleta, mancante della parte principale, che compare nella coda (Chopin, Sonata n. 2, si bemolle minore).

Codice

La sua funzione è riassumere lo sviluppo, portare il contrasto nell'unità e affermare l'idea principale. Più forte è il contrasto nell'esposizione, più dinamico è lo sviluppo nello sviluppo, maggiore è il valore del codice. La coda della forma sonata può essere simile al secondo sviluppo. Di solito il codice è costruito sul materiale tematico della mostra, meno spesso su un nuovo argomento.

Rondò-sonata

Questa è una forma intermedia tra la forma rondò e quella sonata. schema : AVA C AB1A, Dove AVA– esposizione, CON– episodio , AB1A– ripresa. L'episodio centrale (centrale) può essere sostituito dallo sviluppo dei temi precedenti. Secondo la definizione di V. Zuckerman, “Un rondò sonata è un tipo di rondò con tre (occasionalmente quattro) episodi, in cui gli episodi estremi sono tematicamente e tonalmente nella stessa proporzione delle parti laterali dell'esposizione e delle riprese della forma sonata . Varietà:

1) se l'episodio centrale CON– sviluppo dei temi espositivi, quindi questa tipologia si avvicina alla forma sonata,

2) se la sezione centrale CON- episodio, quindi - al rondò.

Segni della forma sonata:

*) contrasto tonale dei temi UN E IN all'inizio e la loro unità tonale alla fine

*) episodio IN- non una costruzione intermedia, ma un contrasto con il cap. n.come soggetto indipendente

Differenza dalla forma sonata:

*) ripetizione del cap. alla fine dell'esposizione e ripresa

Segni di un rondò:

*) ripetendo il ritornello almeno tre volte

*) tema della danza di genere

Differenza da Rondò:

*) ripetizione di un nuovo episodio in una nuova tonalità.

Campo di applicazione: finali di cicli sonata-sinfonici, talvolta come brani indipendenti. L'introduzione non è tipica di un rondò-sonata, ma è possibile. Beethoven, sonata n. 8, finale, sezione centrale – episodio. Mozart, sonata n. 17, finale, sezione centrale – sviluppo).

Forme cicliche

Una forma ciclica è una forma composta da diverse parti contrastanti completate unite da un design comune.

Esistono due tipi di forme cicliche:

1) suite, in cui predomina il contrasto delle parti,

2) ciclo sonata-sinfonico (vocale-sinfonico, vocale, strumentale), in cui la cosa principale è l'unità del ciclo.

Suite.

Questo è un lavoro ciclico, composto da una serie di spettacoli diversi. Tipologie storiche di suite:

1) Antica Suite (partita). Secoli XVI-XVIII. Si compone di quattro danze:

a) allemande(danza tedesca) – tempo lento, 4/4, polifonico;

b) suono(danza francese) – tempo moderato, 3/4, polifonico;

c) sarabanda(Danza spagnola) – tempo lento, 3/4, struttura degli accordi;

d) concerto(Danza inglese) – tempo veloce, ritmo di terzine. Oltre ai balli principali, a volte venivano introdotti nella suite altri balli: gavotte, minuetto, bure, ecc. La suite si apriva con un preludio o una toccata. (Suite di Bach, inglese, tedesco, francese).

2) Suite VKSH . Generi principali: cassazioni, divertissement, serenate (Mozart, “Little Night Serenade”). C'è un rifiuto della danza obbligatoria e un riavvicinamento al ciclo sonata-sinfonico.

3) Nuova Suite (2° quarto del XIX secolo). Le sue caratteristiche: grande importanza della programmazione, combinazione di parti con una certa trama, aumento del contrasto delle parti (Schumann, "Carnevale"). Una suite può essere composta dai principali numeri musicali di un'opera teatrale, di un balletto o di un'opera (Grieg, Peer Gynt).

Ciclo sonata-sinfonico

Il ciclo sonata-sinfonico comprende i generi di sinfonia, sonata, concerto e quartetto. Il ciclo sonata-sinfonico classico è composto da 4 movimenti, tra cui un Allegro in forma sonata, un movimento lento, un minuetto (poi scherzo) e un finale. Nei generi concerto e sonata il minuetto è assente. L'unità compositiva delle parti del ciclo si manifesta nell'organizzazione temporale dell'insieme, nei collegamenti tonale-armonici, tematici e figurativi.

Le parti del ciclo sonata-sinfonico sono, per così dire, fasi di rivelazione del concetto della composizione nel suo insieme. Ogni parte del ciclo ha i suoi generi e forme tipici:

1 parte(sonata Allegro) – forma sonata.

parte 2(Andante, Adagio) – forma complessa a 3 parti, forma sonata senza sviluppo, forma variazione, talvolta rondò.

Parte 3(Minuetto) è una forma complessa in 3 parti.

parte 4(Finale) – forma sonata o rondò (rondò sonata).

Collegamenti tonali: le parti esterne si scrivono nella stessa tonalità o nella stessa tonalità, la 2a parte si scrive nella tonalità di S, stessa tonalità o parallela. La terza parte è nella tonalità principale.

Forme libere e miste

Si tratta di forme musicali non cicliche che non si adattano agli schemi tipici delle forme di musica classica e romantica, né combinano caratteristiche di varie forme. Le forme libere differiscono dalle forme miste in quanto nelle forme miste la forma sonata è combinata con altre forme. Nei moduli liberi, i moduli suite sono combinati con altri moduli. Le forme libere sono associate ai generi di musica strumentale divertente (valzer di Strauss, medley). La rondalità diventa spesso il principio guida. Ogni nuova immagine musicale ha una forma completa. I moduli liberi sono tipici dei saggi che hanno un programma.

Forme libere dell'era barocca: fantasie di organo e clavicembalo e generi correlati. Una caratteristica delle forme libere della seconda metà del XVIII secolo è la miscela di tratti omofonici e polifonici.

La crescente importanza delle forme libere e miste nel XIX secolo (ballate, poesie, rapsodie) è determinata dall'estetica del romanticismo. Sono caratterizzati da una presentazione approfondita di temi contrastanti, da un aumento dell'intensità dello sviluppo, della trasformazione e della convergenza delle immagini e dalla dinamizzazione della parte ripresa-coda.

Nei secoli XIX e XX le forme libere si basavano su un piano che influenzava la forma (programma). Nella seconda metà del XX secolo la “composizione individuale della forma” divenne il principio compositivo.

Forme polifoniche

1) simulazione, basata sullo sviluppo di un argomento.

2) non imitazione (contrasto), basata sulla combinazione simultanea (contrasto) di vari argomenti.

La polifonia ebbe origine nel XIV secolo come tipo di musica sacra per un coro a cappella. Principali generi polifonici: fuga, fuguette, ricercar, invenzione, ecc.

Fuga

La fuga è la forma più alta di polifonia imitativa. I principali elementi compositivi di una fuga: tema, risposta, contrasto, intermezzo (costruzione tra argomenti basata sullo sviluppo di elementi di argomenti) e stretta (imitazione dell'introduzione del tema in una voce fino alla fine nell'altra).

Una fuga è solitamente composta da tre sezioni:

1 sezione– esposizione. Questa è una voce sequenziale di voci con un tema in un rapporto T-D. Tra la 2a e la 3a presentazione dell'argomento, così come dopo l'intera esposizione, vengono riprodotti degli intermezzi.

Sezione 2– lo sviluppo si basa sullo svolgimento del tema in chiavi subordinate. Vengono utilizzate trasformazioni di temi e intermezzi.

Sezione 3– ripresa. Si inizia con il ritorno del tema (nella tonalità principale), che viene eseguito a tutte le voci.

La ripresa fa ampio uso della stretta.

Una fuga su un tema si dice semplice, su due temi si dice doppia, su tre temi si dice tripla. Le fughe doppie e triple vengono fornite con esposizione separata o congiunta. Una fuga può avere una struttura in due parti: sezione 1 – esposizione, sezione 2 – libera.

Fuguetta – una piccola fuga di natura meno grave. Basato su semplici tipi di imitazione.

Caratteristiche della formazione nella musica vocale e corale

La sintesi di testo e musica porta al fatto che le singole parti della forma vocale sono meno complete rispetto alle forme strumentali. Pertanto, i periodi iniziali delle forme vocali spesso terminano con una mezza cadenza. Si incontra spesso la struttura non quadrata dei periodi iniziali, che è libera in termini di struttura interna.

Un’altra caratteristica delle forme vocali – la loro scarsa idoneità allo sviluppo tematico – è associata a due ragioni:

2) con una struttura metrica e strutturale uniforme del testo poetico.

Questo è uno dei motivi del raro uso della forma sonata nella musica vocale.

La struttura uniforme di un testo poetico può portare al fatto che al centro viene preservata la struttura delle costruzioni espositive, ma con variazione tonale-armonica, melodica, strutturale. Nasce una cosiddetta “variante centrale”.

Più spesso che nella musica strumentale si trovano varianti di ripresa anche nella musica vocale.

Le forme vocali sono caratterizzate dalla compenetrazione di vari principi di formazione, portando a forme sintetiche.

Tra le forme particolari di musica vocale, ci sono 3 tipologie principali che si sono dimostrate storicamente molto stabili:

1) forma distico

2) forma varia

3) attraverso la forma vocale.

La musica è una forma d'arte complessa e difficile da comprendere perché, a differenza di altre forme d'arte, si rivolge esclusivamente alla percezione uditiva. Esistono diversi punti di vista sulla questione di cosa costituisca il contenuto della musica:

1) “La musica è qualcosa di del tutto innato, interno, che non richiede alcuna esperienza tratta dalla vita” (I. Goethe).

2) G. Laroche: “La musica riflette lo spirito generale dell’epoca”.

3) E. Hanslick: “Non c'è contenuto nella musica” (cioè nessuna informazione). “Il contenuto musicale è il movimento delle forme sonore.”

4) B. Asafiev: “La fuga è la regina della logica”.

5) Innanzitutto la musica riflette il mondo emotivo di una persona. L’emozione in sé non ha significato; il mondo emotivo è sempre in movimento. Quindi, la base della musica è movimento delle emozioni. Secondo L. Mazel, nella musica dovrebbe esserci un'unità di emozione e pensiero, cioè l'emozione deve essere compresa e il pensiero sentito.

Riconosciamo il contenuto musicale con l’aiuto dell’udito dell’intonazione, che è una sorta di “organo di comunicazione”. L'intonazione uditiva identifica 4 stati emotivi del suo interlocutore musicale:

a) Chiamata: bruscamente, progressivamente, senza esitazione (movimento ascendente);

b) Petizione - lamentosa, incerta (movimento verso il basso);

c) Suonare – vivace e facile, magistrale (movimento motorio);

d) Meditazione – con calma, misuratamente (ritornare alla stessa velocità).

Drammaturgia musicale

Questo è un sistema di mezzi espressivi e tecniche per incarnare l'azione drammatica in opere del genere teatrale musicale (opera, balletto, operetta). La drammaturgia musicale si basa sulle leggi generali del dramma come una delle forme d'arte: la presenza di un pronunciato conflitto centrale, rivelato nella lotta tra le forze di azione e reazione; una certa sequenza di fasi nello sviluppo di un concetto drammatico (esposizione, trama, sviluppo, climax, epilogo). Questi modelli generali trovano una rifrazione specifica in ciascuno dei tipi di arte musicale e drammatica, a seconda della natura dei loro mezzi espressivi, e il ruolo della musica determina una serie di caratteristiche della loro composizione, diverse dalla costruzione del dramma letterario.

Nel corso dello sviluppo storico sono emerse alcune forme che servono a incarnare l'azione scenica: nell'opera - recitativo, aria, arioso, ensemble, cori. Il balletto comprende danze ed ensemble classici e di carattere. Queste forme non rimangono invariate. Pertanto, la drammaturgia operistica si arricchisce grazie ad alcune tecniche di sviluppo sinfonico (leitmotiv, ecc.). Nelle opere di genere musicale e scenico ci sono segni di variazione, somiglianza di rondò e sonata.

Il concetto di drammaturgia si applica anche alle opere di musica strumentale. Pertanto, la drammaturgia è una delle forme specifiche del sinfonismo (poiché il metodo del sinfonismo non è altro che il metodo di sviluppo drammatico del tematismo).

Generi musicali e principi della loro classificazione

Il ruolo del genere è importante nel rivelare il contenuto di un'opera musicale. Di norma, il genere si riferisce al ruolo sociale della musica, alle condizioni di esistenza e alle condizioni dei mezzi di esecuzione. I generi sono tipi, tipi, varietà storicamente stabiliti di opere musicali, che vengono combinati e differenziati in base a una serie di caratteristiche.

Nella musicologia russa, il problema del genere è stato studiato da V. Zuckerman e A. Sokhor. Zuckerman distingue i generi in base alla natura del contenuto: lirico, narrativo-epico, motorio, pittorico. Sokhor differenzia i generi in base alle condizioni di performance ed esistenza: tutti i giorni (tutti i giorni), tutti i giorni di massa, concerti, teatrali. Questa è la classificazione più generale dei generi; al loro interno possono esserci delle divisioni (Bobrovsky li definisce “generi secondari”).

I generi possono anche essere suddivisi in semplici e complessi. Semplice: canto, danza, marcia. Sono anche divisi in più piccoli (canzoni - lavoro, lirica, ecc. Marche - funebri, militari, ecc.). I generi semplici sono altrimenti chiamati generi quotidiani, il che sottolinea il loro scopo utilitaristico. I generi complessi possono essere sistematizzati in base ai mezzi di esecuzione:

1) generi strumentali – musica sinfonica, da camera, solistica

2) generi vocali: corale, musica d'insieme, solista con accompagnamento

3) generi misti strumentali e vocali - cantate, oratori

4) generi teatrali: opere, balletti, operetta, ecc.

Stile musicale

Lo stile musicale (dal latino "stylus" - un bastoncino per scrivere, cioè un modo di presentazione) è un concetto di estetica e storia dell'arte che cattura la sistematicità dei mezzi espressivi. In estetica, la categoria di stile apparve alla fine del XVI secolo in connessione con la differenziazione della musica professionale, in precedenza prevalentemente musica di culto. Nel XVII secolo per stile si intendevano le caratteristiche di un genere e le scuole nazionali. Dal XVII secolo è stato aggiunto un significato più ampio: lo stile del periodo storico (stile polifonico e un nuovo stile - omofonico-armonico). Nel 19 ° secolo, il concetto di stile acquisì un significato ristretto: lo stile di scrittura individuale del compositore. Nel 20° secolo, a causa delle differenze talvolta nette tra le diverse fasi del lavoro di un compositore, lo stile determina qualsiasi periodo del lavoro dell'autore o un'opera separata.

Il concetto di stile musicale ha un significato valutativo, indicando l'unità, l'interrelazione organica dei mezzi espressivi dell'opera, il rapporto tra tradizionale e innovativo nel linguaggio del singolo compositore.

Forma musicale

Il concetto di “forma” in musica è utilizzato in diversi significati:

1) come categoria estetica e filosofica, cioè l'incarnazione musicale del contenuto o un'organizzazione olistica dei mezzi di espressività musicale (melodia, armonia, ritmo, timbro, ecc.) volti a incarnare il contenuto. Questa è la forma nel senso più ampio del termine.

2) come concetto musicale, cioè il tipo di composizione, lo schema formale secondo Asafiev, la forma della composizione (ad esempio, forma sonata, fuga, ecc.).

3) come aspetto individuale e unico di un'opera musicale. Asafiev: "Esiste solo uno schema di sonata, ma ci sono tante forme della sua manifestazione quante sono le forme di sonata stesse."