Quali opere dell'antica scultura greca sei? Scultura dell'antica Grecia. Caratteristiche del patrimonio scultoreo dell'antica Grecia

Di fronte all’arte greca, molte menti eccezionali espressero una genuina ammirazione. Uno dei più famosi ricercatori dell'arte dell'antica Grecia, Johann Winckelmann (1717-1768) parla della scultura greca: “Gli intenditori e gli imitatori delle opere greche trovano nelle loro magistrali creazioni non solo la natura più bella, ma anche più della natura, vale a dire una certa bellezza ideale, che... è creata da immagini abbozzate dalla mente." Tutti coloro che scrivono sull'arte greca notano in esso una straordinaria combinazione di ingenua spontaneità e profondità, realtà e finzione. Esso, soprattutto nella scultura, incarna l'ideale dell'uomo. Qual è la particolarità dell'ideale? Perché incantava così tanto la gente che il vecchio Goethe piangeva al Louvre davanti alla scultura di Afrodite?

I greci hanno sempre creduto che solo in un bel corpo possa vivere un'anima bella. Pertanto, l'armonia del corpo e la perfezione esterna sono una condizione indispensabile e la base di una persona ideale. L'ideale greco è definito dal termine kalokagathia(Greco kalos- meraviglioso + agathos Tipo). Poiché Kalokagathia include la perfezione sia della costituzione fisica che della struttura spirituale e morale, allo stesso tempo, insieme alla bellezza e alla forza, l'ideale porta giustizia, castità, coraggio e razionalità. Questo è ciò che rende gli dei greci, scolpiti da antichi scultori, di una bellezza unica.

I migliori monumenti dell'antica scultura greca furono creati nel V secolo. AVANTI CRISTO. Ma sono arrivati ​​anche a noi i lavori precedenti. Statue del VII-VI secolo. aC sono simmetrici: una metà del corpo è l'immagine speculare dell'altra. Postura incatenata, braccia tese premute sul corpo muscoloso. Non la minima inclinazione o giro della testa, ma le labbra sono aperte in un sorriso. Un sorriso sembra illuminare la scultura dall'interno con un'espressione di gioia di vivere.

Successivamente, durante il periodo del classicismo, le statue acquisirono una maggiore varietà di forme.

Ci sono stati tentativi di concettualizzare l'armonia algebricamente. Il primo studio scientifico su cosa sia l'armonia fu intrapreso da Pitagora. La scuola da lui fondata esaminava questioni di carattere filosofico e matematico, applicando i calcoli matematici a tutti gli aspetti della realtà. Né l'armonia musicale, né l'armonia del corpo umano o la struttura architettonica facevano eccezione. La scuola pitagorica considerava il numero la base e l'inizio del mondo.

Cosa c’entra la teoria dei numeri con l’arte greca? Si scopre che è il più diretto, poiché l'armonia delle sfere dell'Universo e l'armonia del mondo intero sono espresse dagli stessi rapporti di numeri, i principali dei quali sono i rapporti 2/1, 3/2 e 4/3 (in musica sono rispettivamente l'ottava, la quinta e la quarta). Inoltre, l'armonia presuppone la possibilità di calcolare l'eventuale correlazione delle parti di ciascun oggetto, compresa la scultura, secondo la seguente proporzione: a / b = b / c, dove a è una parte qualsiasi più piccola dell'oggetto, b è una parte qualsiasi più grande, c è il tutto. Su questa base, il grande scultore greco Policleto (V secolo a.C.) creò una scultura di un giovane portatore di lancia (V secolo a.C.), chiamata "Doriphoros" ("Portatore di lancia") o "Canone" - dal nome del opere dello scultore, dove, discutendo la teoria dell'arte, considera le leggi per rappresentare una persona perfetta e si ritiene che il ragionamento dell'artista possa essere applicato alla sua scultura.

Le statue di Policleto sono piene di vita intensa. Policleto amava rappresentare gli atleti in stato di riposo. Prendi lo stesso "Spearman". Quest'uomo potente è pieno di autostima. Resta immobile davanti allo spettatore. Ma questa non è la pace statica delle antiche statue egiziane. Come un uomo che controlla abilmente e facilmente il proprio corpo, il lanciere piegò leggermente una gamba e spostò il peso del suo corpo sull'altra. Sembra che passerà un momento e lui farà un passo avanti, girerà la testa, orgoglioso della sua bellezza e forza. Davanti a noi c'è un uomo forte, bello, libero dalla paura, orgoglioso, riservato: l'incarnazione degli ideali greci.

Le opere più famose della scultura greca antica.

Eccezionali scultori del V-IV secolo. AVANTI CRISTO.

I primi.

La scultura attraverso gli occhi dei greci

Caratteristiche del patrimonio scultoreo dell'antica Grecia.

Il tempo è stato particolarmente inesorabile per le opere della scultura greca. L'unica autentica statua greca in bronzo è giunta fino a noi epoca classica – Auriga delfico(470 circa a.C ., Museo di Delfi ) (ill. 96) e unica statua marmorea della stessa epoca - Hermes con il piccolo Dioniso Prassitele (Museo Olimpia) (ill. 97). Le autentiche sculture in bronzo scomparvero già alla fine dell'antichità (furono fuse in monete, campane e successivamente in armi). Le statue di marmo venivano bruciate con la calce. Quasi tutti i prodotti greci in legno, avorio, oro e argento andarono perduti. Per questo motivo possiamo giudicare le opere dei grandi maestri, in primo luogo, da copie tarde e, in secondo luogo, presentate in materiale diverso da quello in cui furono concepiti.

Per i Greci un’immagine scultorea non era semplicemente un certo volume di marmo o di bronzo, nel quale si poteva facilmente riconoscere un uomo, una donna, un giovane, ecc. Tutto il pensiero artistico dei Greci era permeato dal desiderio di identificare nella scultura e nell'architettura certe leggi generali proporzioni e armonia, il desiderio di una bellezza ragionevole.

Per i rappresentanti della scuola filosofica fondata da Pitagora, la natura lo è mimesi– imitazione dei sistemi numerici armonici precondizionati dal mondo umano. A sua volta, l'arte stessa è in un certo senso mimesi della natura, cioè imitazione sia nel senso di simulare il suo involucro visibile o fenomeni particolari, sia nel senso di rivelarne la struttura armonica. Cioè, la statua era allo stesso tempo mimesi: seguendo la natura, esprimeva l'armonia nascosta dei rapporti numerici dimensionali, rivelava la razionalità, la struttura, ecc. inerenti al Cosmo e alla natura. Per questo motivo, per i greci, la statua non riproduceva solo il guscio visibile dell'immagine di una persona, ma anche l'armonia, la ragionevole proporzionalità, la bellezza e l'ordine del mondo incarnato in essa.

ʼʼ...Gli scultori, creando gli dei con lo scalpello, spiegavano il mondo.
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Qual è questa spiegazione? Questa è la spiegazione degli dei attraverso l'uomo. Infatti, nessun'altra forma trasmette più accuratamente la presenza invisibile e inconfutabile della divinità nel mondo quanto il corpo di un uomo e di una donna, la bellezza del corpo umano con l'immacolata perfezione di tutte le sue parti, con le sue proporzioni - questo è la cosa più bella che le persone possano offrire agli dei immortali, seguendo la regola: il più bello - agli dei.

I primi i monumenti sono considerati i cosiddetti xana ( dalla parola sbozzato)– idoli scolpiti nel legno .

Uno dei primi statue greche sopravvissute – Era di Samo, OK. metà del VI secolo AVANTI CRISTO. (Parigi, Louvre).

Primo lo scultore ateniese di cui siamo a conoscenza lo era Antenore, statue scolpite in marmo di Armodio e Aristogitone, che uccisero il tiranno Ipparco nel 514 ᴦ. aC, esposto sull'acropoli. Le statue furono portate via dai persiani durante le guerre greco-persiane. A 477 ᴦ. AVANTI CRISTO. Crizia e Nesiod ricreano il gruppo scultoreo dei tirannicidi (ill. 98).

Primo, che nella scultura riuscì a trasferire il baricentro del corpo su una gamba e a rendere più naturale la posa e il gesto della figura umana fu il capo della scuola di scultura di Argo Agelad(6-5 secoli a.C.). Le opere dello scultore non sono sopravvissute.

Creazione prima figura volante attribuito allo scultore della metà del VI secolo. AVANTI CRISTO. dall'isola di Chios Arhermu. Ha scolpito una statua della "Nike di Delos" alata, che personificava la vittoria in battaglia e competizione. I piedi di Nika non toccavano il piedistallo: il ruolo di supporto era svolto dalle pieghe di un chitone svolazzante.

POLICLETO. Vissuto nella seconda metà del V secolo. AVANTI CRISTO. Si credeva che fosse il migliore nel realizzare statue di persone. ʼʼ...Era il Pitagora della scultura, alla ricerca della matematica divina della proporzionalità e della forma. Credeva che la dimensione di ciascuna parte di un corpo perfetto dovesse essere in una determinata proporzione con la dimensione di qualsiasi altra parte di esso, ad esempio l'indice. Si ritiene che nella sua opera teorica "Canone" ("Misura") Policleto abbia generalizzato le leggi fondamentali dell'immagine scultorea di una persona e abbia sviluppato la legge delle relazioni proporzionali ideali del corpo umano. Dopo aver applicato la sua teoria nella propria opera (ad esempio nella statua di ʼʼDoriforʼʼ (ʼʼPortatori di lanciaʼʼ) (ill. 99, 99-a), che godette di massima fama nell'antichità), lo scultore creò un nuovo linguaggio plastico basato sull’armonia fisica, sull’idea della figura umana come meccanismo perfetto in cui tutte le parti sono funzionalmente interconnesse.

La scoperta di Policleto nella scultura è l'intersezionalità del movimento irregolare del corpo (ne parleremo più avanti).

Diadumen (greco) incoronato con la fascia della vittoria) (ill. 100).

MIRON. Originario di Eleutero (Beozia), visse ad Atene. Ha creato sculture per l'acropoli ateniese, i templi di Delfi e Olimpia.

· Circa 470 ᴦ. ha fuso in bronzo la più famosa di tutte le statue di atleti: la statua Lanciatore di discoteca O Discobolo(Museo Termale, copia) (ill. 101); "Questo è un completo miracolo del fisico maschile: tutti quei movimenti di muscoli, tendini e ossa che sono coinvolti nell'azione del corpo sono qui studiati attentamente: gambe ..."; Mirone “...contemplò l'atleta non prima o dopo la competizione, ma nei momenti del combattimento stesso e realizzò il suo disegno in bronzo così bene che nessun altro scultore nella storia riuscì a superarlo nel rappresentare il corpo maschile in azione”. Discobolo- ϶ᴛᴏ il primo tentativo di trasmettere movimento a una statua immobile: nella scultura Mirone è riuscito a catturare l'oscillazione della sua mano prima di lanciare il disco, quando l'intero peso del corpo è diretto sulla gamba destra e sulla mano sinistra mantiene la figura in equilibrio. Questa tecnica ha permesso di trasmettere il movimento delle forme, che consente allo spettatore di tracciare il cambiamento dei punti di vista.

Discobolo- l'unica opera (copia) sopravvissuta dello scultore.

Gli antichi riconoscevano che Fidia era il migliore nel rappresentare le statue degli dei.

· Intorno al 438, il figlio dell'artista Fidia creò la famosa statua “Athena Parthenos” (Atena la Vergine). Su un piedistallo di marmo di 1,5 metri nel Tempio di Atena la Città (Partenone) sull'acropoli ateniese c'era una statua di quasi 12 metri della dea della saggezza e della castità (ill. 95). Fidia fu uno dei primi scultori ad adottare l'innovazione del V secolo. aC, – un piedistallo con un'immagine in rilievo (la scena della nascita di Pandora). Fidia mostrò grande coraggio scegliendo per il fregio scultoreo di 160 metri del tempio non un soggetto mitologico, ma un'immagine della processione panatenaica (dove il popolo ateniese stesso è partner alla pari degli dei che occupavano la parte centrale della composizione) . Sotto la guida di Fidia e in parte da lui stesso, fu realizzata la decorazione scultorea.
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La scultura era collocata anche sui frontoni, lungo il fregio della parete esterna dell'interno.

Accusato di furto dai suoi nemici ateniesi, Fidia fu condannato, ma gli abitanti di Olimpia pagarono una cauzione per il maestro a condizione che creasse una statua di Zeus per il tempio con lo stesso nome nel famoso santuario. È così che è apparsa la statua di 18 metri del dio del tuono seduto. Nell'elenco delle "meraviglie del mondo" compilato nel II secolo. AVANTI CRISTO. Antipatore di Sidone, la statua di Zeus Olimpio ottenne il secondo posto. Questo eccezionale monumento è stato menzionato da oltre sessanta (!) scrittori dell'antichità. Il filosofo greco Epitteto consigliava a tutti di andare ad Olimpia per vedere la statua di Zeus, poiché definiva una vera disgrazia morire e non vederla. Il famoso oratore romano Quintiliano scrisse più di cinque secoli dopo: "La bellezza della statua introdusse anche qualcosa nella religione generalmente accettata, poiché la grandezza della creazione era degna di Dio".

Si ritiene che la statua di Zeus Olimpio sia stata ripetuta da un anonimo scultore romano, realizzando una statua di Giove, oggi conservata all'Ermitage (ill. 102).

Il destino di entrambe le statue è triste, ma sicuramente sconosciuto; si ha notizia che entrambi furono trasportati già in epoca cristiana a Costantinopoli, Zeus bruciato in un incendio alla fine del V secolo, e Atena morì all'inizio del XIII secolo.

Non ci sono informazioni precise sul destino di Fidia.

PRASSITEL.

OK. 390-330 gᴦ. AVANTI CRISTO. Figlio di uno scultore, Prassitele dello Ionio lavorava sia il marmo che il bronzo, tanto che più di dieci città gareggiarono per le commesse del maestro.

· Primo greco antico nudo Elleni da tutto il Mediterraneo accorrevano per vedere la statua della dea “Afrodite di Cnido” (ill. 103). Si diceva che, guardando il canone della bellezza femminile che era già diventato in quel momento, gli uomini cadessero nella “follia amorosa”. "...Soprattutto le opere non solo di Prassitele, ma anche quelle esistenti nell'universo in generale è la Venere della sua opera...", scriveva il romano Plinio il Vecchio quasi quattro secoli dopo.

· Riguardo alla seconda statua, la più famosa - ʼʼHermes con il piccolo Dionisoʼʼ(ill. 97) - è stato già detto all'inizio della domanda. Secondo il mito, per ordine della gelosa Era, i titani trascinarono via il figlio illegittimo di Zeus Dioniso e lo fecero a pezzi. La nonna di Dioniso Rea riportò in vita suo nipote. Per salvare suo figlio, Zeus chiese a Hermes di trasformare temporaneamente Dioniso in un capretto o in un agnello e di consegnarlo a cinque ninfe perché lo allevassero. Lo scultore raffigurò Hermes nel momento in cui, dirigendosi verso le ninfe, si fermò, appoggiandosi a un albero, e offrì un grappolo d'uva al piccolo Dioniso (la mano della statua è andata perduta). Il bambino fu sistemato in una grotta sul monte Nisa, e fu lì che Dioniso inventò il vino.

Notiamo in particolare che gli studenti di Prassitele continuarono degnamente l’opera del loro maestro (ill. 107).

Iniziando come semplice ramaio a Sicione, finì come scultore di corte per Alessandro Magno. Come si credeva nell'antichità, autore di mille e mezzo statue. Stabilì un nuovo canone di proporzioni scultoree delle figure introducendo proporzioni leggere e allungate e riducendo le dimensioni della testa. Lisippo diceva che gli artisti precedenti ʼʼ...rappresentano le persone così come sono, e lui – come sembrano essere<глазу>ʼʼ.

· ʼʼApoxiomenʼʼ (ʼʼPulireʼʼ) (ill. 108) - un giovane usa un raschietto per pulirsi da olio e sabbia dopo l'esercizio fisico.

Altre sculture e gruppi statuari di fama mondiale

· Venere di Milo(ill. 109). L'epiteto ʼʼMiloʼ è dovuto al fatto che la statua fu ritrovata sull'isola di Milo nel 1820. La statua stessa, alta più di due metri, risale alla fine del II secolo. aC, è un “rifacimento” della statua di Prassitele.

· Nike di Samotracia(ill. 110). Trovato nel 19° secolo. nell'isola di Samotracia. La statua risale al 190 ᴦ circa. AC, quando i Greci dell'isola di Rodi riportarono una serie di vittorie su Antioco III.

· ʼʼLaocoonteʼ(ill. 111).

A cavallo tra il II e il I secolo. AVANTI CRISTO. tre scultori - Agesandro e i suoi figli Polidoro e Atenodoro - scolpirono "da una sola pietra" un gruppo statuario, che già nell'antichità era considerato "un'opera da preferire a tutte le opere sia della pittura che dell'arte della scultura in rame ."

La trama di "La morte di Laocoonte e dei suoi figli" è collegata all'episodio più famoso della guerra di Troia. Come sapete, i Greci, per penetrare nella città che stavano assediando, costruirono un enorme cavallo di legno cavo, sul quale salirono diverse dozzine di soldati. A Troia fu inviata una spia istruita da Ulisse, che si rivolse al re Priamo sotto forma di predizione: “...Se disprezzi questa statua sacra, Atena ti distruggerà, ma se la statua finisce a Troia, allora sarai capace di unire tutte le forze dell'Asia e invadere la Grecia e conquistare Micene. ʼʼÈ tutta una bugia! "Odisseo ha inventato tutto questo", gridò Laocoonte, il sacerdote del tempio di Poseidone. Dio Apollo (che era arrabbiato con Laocoonte per essersi sposato e aver avuto figli contrariamente al suo giuramento), per avvertire Troia del triste destino che l'attende, mandò due enormi serpenti marini, che prima strangolarono i figli gemelli di Laocoonte, e poi, quando si precipitò in loro aiuto, se stesso. Questo terribile segno convinse i Troiani che la spia greca stava dicendo la verità, e il re di Troia decise erroneamente che Laocoonte fosse stato punito per aver affondato una lancia in un cavallo di legno. Il cavallo fu dedicato ad Atene e i Troiani iniziarono a festeggiare, celebrando la loro vittoria. È inoltre noto: a mezzanotte, seguendo le luci del segnale, i Greci scesero dai cavalli e uccisero le guardie assonnate della fortezza e del palazzo di Troia.

La novità, oltre all'abilità compositiva e alla perfezione tecnica, era l'incarnazione dei gusti di una nuova era: l'ellenismo: un vecchio, bambini, una lotta dolorosa, gemiti morenti...

Quando il “Laocoonte” fu ritrovato tra le rovine delle terme dell’imperatore Tito a Roma nel 1506, Michelangelo disse che era la migliore statua del mondo e, scioccato, tentò senza successo... di restaurare la mano destra rotta della figura centrale . Il successo accompagnò Lorenzo Bernini.

El Greco ha creato un dipinto basato sulla trama di Laoocona. Winckelmann, Lessing, Goethe.

· Toro Farnese(ill. 112, 113, 114, 115). Circa 150ᴦ. AVANTI CRISTO. nella città di Thralls, in Caria, i fratelli scultori Apollonio e Taurisco fusero un gruppo in bronzo per gli abitanti dell'isola di Rodi, che oggi è conosciuta come Toro Farnese(fu ritrovato nelle Terme di Caracalla a Roma, restaurato dallo stesso Michelangelo e fu conservato per qualche tempo al Palazzo Farnese). Secondo una versione del mito, Antiope, figlia del re Nitteo di Tebe, rimase incinta di Zeus e fuggì dall'ira di suo padre presso il re di Sicione, che la sposò, provocando una guerra tra le due città. I Tebani vinsero e lo zio di Antiope riportò Antiope a casa. Là diede alla luce due gemelli, i quali le furono subito portati via dal suddetto zio. A Tebe divenne schiava di sua zia Dirka, che la trattò crudelmente. Antiope, incapace di sopportare la prigionia, riuscì a scappare e ad incontrare i suoi figli ormai adulti, che punirono brutalmente Dirka: la legarono alle corna di un toro selvaggio, che subito se ne occupò - sotto lo sguardo di approvazione di un'Antiope soddisfatta. L'opera si distingue per il virtuosismo nel trasmettere diverse angolazioni e per l'accuratezza della struttura anatomica delle figure.

· Il Colosso di Rodi.

Questo era il nome della statua del dio Helios sull'isola di Rodi. Il figlio di uno dei comandanti dell'Antigono macedone, Demetrio, assediò Rodi usando torri di battaglia a 7 piani, ma fu costretto a ritirarsi, abbandonando tutto l'equipaggiamento militare. Secondo il racconto di Plinio il Vecchio, gli abitanti dell'isola ricevettero dei fondi dalla sua vendita, per la quale eressero circa 280 ᴦ vicino al porto. AVANTI CRISTO. la statua più grande del mondo antico: il dio del sole Helios, alto 36 metri, dell'architetto Chares, uno studente di Lisippo. I Rodi veneravano Helios come il patrono dell'isola sollevata dagli dei dal fondo del mare, e la capitale Rodi era la sua città sacra. Filone di Bisanzio riferì che per creare la statua furono utilizzate 13 tonnellate di bronzo e quasi 8 tonnellate di ferro. Secondo la ricerca dello scienziato e scultore inglese Marion, la statua non è stata fusa. La sua base era costituita da tre massicci pilastri posti su lastre di pietra quadrangolari e fissati con listelli di ferro; Dai pilastri si irradiavano barre di ferro in tutte le direzioni, alle cui estremità esterne era fissata una struttura di ferro: circondavano i pilastri di pietra a distanze uguali, trasformandoli in una cornice. La statua è stata costruita pezzo per pezzo da un modello in argilla in un periodo di oltre dieci anni. Secondo la ricostruzione, Helios aveva una corona a forma di raggi solari sul capo, la mano destra era applicata sulla fronte e con la sinistra reggeva il mantello, che cadeva a terra e fungeva da fulcro. Il colosso crollò durante il terremoto del 227 (222) ᴦ. aC, e le sue rovine rimasero per più di otto secoli, finché gli arabi le caricarono su 900 (!) cammelli e ne presero in vendita i “materiali da costruzione”.

· Peonia appartiene ad una statua della dea Nike (ca. metà V secolo aC): la figura è posta leggermente inclinata in avanti ed è bilanciata da un ampio mantello fluttuante dai colori vivaci (ill. 116).

La scultura greca manteneva uno stretto legame con l'architettura; convivevano armoniosamente. Gli artisti non hanno cercato di allontanare troppo la statua dagli edifici. I greci evitavano di collocare monumenti al centro della piazza. Di solito venivano posti lungo i suoi bordi o ai margini della via sacra, sullo sfondo di un edificio o tra le colonne. Ma in questo modo la statua non era accessibile per essere aggirata e sottoposta a revisione completa.

La scultura dell'Ellade mantenne un legame stretto e armonioso con l'architettura. Statue di Atlantidei (Fig. 117) e cariatidi (Fig. 56) sostituirono colonne o altri supporti verticali per sostenere il soffitto con travi.

Atlanta– statue maschili che sostengono i soffitti degli edifici addossati al muro. Secondo i miti, il titano greco, fratello di Prometeo, avrebbe dovuto reggere il cielo all'estrema periferia occidentale della Terra come punizione per la sua partecipazione alla lotta dei titani contro gli dei.

Cariatide- un'immagine scultorea di una figura femminile in piedi. Se sulla testa della statua c'è un cesto di fiori o frutti, allora veniva chiamato canefora(dal lat. portacestino). L'origine della parola ʼʼcariatideʼʼ deriva dalle cariatidi, le sacerdotesse del tempio di Artemide a Caria (Cariatide era anche il nome dato alla madre della luna Artemide Caria).

Infine, l'armonia e il coordinamento tra architettura e scultura si manifestavano nell'uso decorativo di quest'ultima. Si tratta di metope decorate con rilievi (campate tra travi, le cui estremità sono mascherate da triglifi) (ill. 117) e frontoni con gruppi statuari (ill. 118, 119). L'architettura ha fornito una cornice alla scultura e l'edificio stesso è stato arricchito dalla dinamica organica della scultura.

Le sculture erano collocate su plinti di edifici (Altare di Pergamo) (ill. 120, 121), su basi e capitelli di colonne (ill. 11), su stele funerarie (ill. 122, 123) e all'interno di stele simili (ill. 68-n), fungevano da supporti per oggetti domestici (ill. 124, 125).

C'erano anche statue funerarie (ill. 68-c, 68-d).

Origini e ragioni delle caratteristiche della scultura greca

La materia e la sua lavorazione

Uno degli esempi notevoli di scultura in terracotta sono il genere e le figurine funerarie rinvenute nelle tombe vicino a Tanagra (ill. 126, 127), una città della Beozia orientale. Terracotta(dall'italiano terra - terra/argilla e cotta - cotto) sono chiamati prodotti in ceramica non smaltata per un'ampia varietà di scopi. L'altezza delle figurine va dai 5 ai 30 centimetri. Il periodo di massimo splendore nella creazione di figurine cade nel 3 ° secolo. AVANTI CRISTO.

L'uso dell'avorio per le opere d'arte è una lunga tradizione nel mondo greco. Durante il periodo classico apparve la tecnica di combinare oro e avorio – crisoelefantino. In particolare contiene le statue di Fidia - Atena nel Partenone (ill. 128) e Zeus ad Olimpia. La base della statua di Atena, ad esempio, era scolpita in legno massiccio, gran parte della superficie era ricoperta d'oro, le parti rappresentanti il ​​corpo nudo e l'egida erano ricoperte da placche d'avorio. Alla base di legno erano attaccate piastre squamose (spesse circa 1,5 mm) rotanti su aste e potevano essere rimosse. L'avorio, come l'oro, era attaccato a scaglie di legno. Tutte le singole parti della scultura - la testa, lo scudo, il serpente, la lancia, l'elmo - sono state realizzate separatamente e fissate alla base della statua, posizionata in precedenza e montata su un piedistallo di legno, incassato in un piedistallo di pietra (Fig. 95) .

Il volto e le mani della statua di Zeus Olimpio con una ghirlanda in testa, Nike (Vittoria) nella mano destra e uno scettro con un'aquila nella sinistra, erano d'avorio, i vestiti e le scarpe erano d'oro. Per proteggere l'avorio dai danni dovuti al clima umido di Olimpia, i sacerdoti lo lubrificavano generosamente con olio.

Oltre all'avorio, per le parti sono stati utilizzati materiali multicolori. Ad esempio, il bulbo oculare era fatto di pietra colorata, vetro o argento con una pupilla di granato (ill. 129). Molte statue hanno ancora dei fori per attaccare ghirlande, nastri e collane.

Dal VII secolo a.C. già i Greci utilizzavano il marmo (ill. 130). Gli scultori spesso cercavano pose e movimenti liberi, ma erano oggettivamente irraggiungibili in un unico pezzo di marmo. Per questo motivo si trovano spesso statue composte da più pezzi. Il corpo della famosa Venere di Milo (ill. 75) è stato scolpito nel marmo dell'isola di Paros, la parte vestita è stata realizzata con un altro tipo di pietra, le braccia sono state ricavate da pezzi separati, fissate con fascette metalliche.

Sistema di lavorazione della pietra.

In epoca arcaica, ad un blocco di pietra venne inizialmente data una forma tetraedrica, e sui suoi piani lo scultore disegnò una proiezione della futura statua. Successivamente, ho iniziato a scolpire simultaneamente da quattro lati, in strati verticali e piatti. Ciò ha avuto due conseguenze. Innanzitutto le statue si distinguevano per una posa completamente immobile, diritta, senza la minima rotazione attorno al proprio asse verticale. In secondo luogo, quasi tutte le statue arcaiche hanno un sorriso sul volto, del tutto indipendente dalla situazione raffigurata dalla statua (ill. 131, 132). È perchè metodo l'elaborazione del viso come un piano situato ad angolo retto rispetto agli altri due piani della testa ha portato al fatto che i tratti del viso (bocca, contorno occhi, sopracciglia) erano arrotondati verso l'alto anziché più profondi.

La costruzione della figura arcaica è determinata in larga misura dal metodo di lavoro dello scultore - la preparazione preliminare di un blocco di pietra rettangolare - che non ha consentito di raffigurare la figura, ad esempio, con le braccia alzate.

Il secondo metodo di lavorazione della pietra è associato al passaggio dall'arcaico al classico, divenne dominante nella scultura greca. L'essenza del metodo è il desiderio di fissare il volume del corpo, le sue curve e transizioni. Lo scultore sembrava girare intorno all'intera statua con il suo scalpello. I colpi degli arcaici erano disposti in file verticali, i colpi dei classici andavano in profondità, giacevano in tondo, in diagonale in connessione con curve, sporgenze e direzioni della forma.

A poco a poco, la statua si voltò verso lo spettatore non solo con la faccia e il profilo diritti, ma anche con giri di tre quarti più complessi, acquisì dinamica e cominciò a sembrare ruotare attorno al proprio asse. Diventò una statua che non aveva la parte posteriore, che non poteva essere appoggiata al muro o inserita in una nicchia.

Scultura in bronzo.

Nel periodo classico era molto difficile scolpire nel marmo una figura nuda con una gamba liberamente estesa senza un supporto speciale. Solo il bronzo permetteva di assegnare qualsiasi posizione alla figura. I maestri più antichi lo fusero in bronzo (ill. 133, 134). Come?

Il metodo di fusione utilizzato era un processo chiamato "cera persa". La figura, modellata in argilla, veniva ricoperta da uno spesso strato di cera, poi da uno strato di argilla con numerosi fori attraverso i quali fuoriusciva la cera sciolta nel forno; Dall'alto lo stampo veniva riempito di bronzo finché il metallo non riempiva tutto lo spazio precedentemente occupato dalla cera. La statua è stata raffreddata e lo strato superiore di argilla è stato rimosso. Infine si procedeva alla smerigliatura, lucidatura, verniciatura, verniciatura o doratura.

Gli occhi della statua di bronzo erano intarsiati con pasta vitrea e pietre colorate, e le acconciature o decorazioni erano realizzate in una lega di bronzo di diversa tonalità; le labbra erano spesso dorate o rivestite con placche d'oro.

In precedenza, a cavallo tra il VII e il VI secolo. AC, data l'estrema importanza del risparmio del bronzo, la tecnica di realizzare statue si diffuse in Grecia, quando le figure in legno venivano inchiodate con lastre di bronzo. Una tecnica simile era conosciuta in Oriente, al posto del bronzo veniva usato solo l'oro.

Policromo.

I greci dipingevano le parti esposte del corpo delle sculture in color carne, gli abiti in rosso e blu e le armi in oro. Gli occhi erano dipinti su marmo.

Applicazione dei materiali colorati nella scultura. Oltre alla combinazione di oro e avorio, i greci utilizzavano materiali multicolori, ma principalmente per i dettagli. Ad esempio, il bulbo oculare era fatto di pietra colorata, vetro o argento con una pupilla granata. Le labbra di una statua di bronzo erano spesso dorate o rivestite con lastre d'oro. Molte statue greche hanno dei fori per attaccare ghirlande, nastri e collane. Le figurine di Tanagra erano completamente dipinte, solitamente nei toni viola, blu e dorati.

Il ruolo della composizione plastica.

In ogni momento, uno dei problemi più importanti affrontati dallo scultore era calcolare la forma e le dimensioni del piedistallo e coordinare la statua e il piedistallo con il paesaggio e l'ambiente architettonico.

Gli Elleni generalmente preferivano piedistalli non molto alti. Nel V secolo AVANTI CRISTO. la sua altezza di solito non superava il livello del torace di una persona di statura media. Nel secolo successivo, i piedistalli avevano molto spesso una forma a gradini, composta da diverse lastre orizzontali.

All'inizio del suo lavoro, lo scultore ha dovuto tenere conto del punto di vista da cui sarebbe stata percepita la statua, del rapporto ottico tra la statua e lo spettatore. Pertanto, gli artigiani hanno calcolato accuratamente l'effetto ottico delle statue poste sul frontone. Sul Partenone accorciarono la parte inferiore delle figure delle statue sedute e allungarono la parte superiore del corpo. Se la figura era in forte inclinazione, le sue braccia e le sue gambe venivano accorciate o allungate in base alla posizione della figura.

Motivi del movimento nella scultura

La scultura arcaica conosceva solo un tipo di movimento: il movimento dell'azione. Ha giustificato il motivo di qualche azione: l'eroe lancia un disco, partecipa a una battaglia, competizione, ecc. Se non c'è azione, la statua è assolutamente immobile. I muscoli sono dati come generalizzati, il busto è immobile, le braccia e le gambe agiscono in qualche modo uno lato del corpo.

Policlito è considerato l'inventore di un altro tipo di movimento. L'essenza "movimento spaziale" in quanto significa movimento nello spazio, ma senza una meta visibile, senza un motivo tematico specifico. Ma tutti i membri del corpo funzionano, correndo in avanti o attorno al proprio asse.

Lo scultore greco cercava di “raffigurare” il movimento. Nei gesti, nell'andatura, nella tensione muscolare, lo dimostrava funzioni movimenti.

La scultura greca incarna l’armonia tra volontà umana e corpo, la scultura gotica incarna l’energia emotiva di una persona, la scultura di Michelangelo è caratterizzata dalla lotta tra volontà e sentimenti. La scultura greca spesso evita l'eccessiva tensione fisica e, se la usa, è sempre semplice e unilaterale. Michelangelo, al contrario, tende i suoi muscoli al massimo, e in direzioni diverse, a volte opposte. Quindi il genio del Rinascimento aveva una spirale preferita, il movimento rotatorio, percepito come un profondo conflitto psicologico.

Scopri di più sull'evoluzione dei tipi di movimento.

La ricerca della dinamica inizia dai piedi della statua. Il primo segno di movimento è la gamba sinistra che si muove in avanti. Poggia saldamente al suolo con tutta la suola. Il movimento viene registrato solo sullo scheletro e sugli arti. Ma durante tutti gli arcaici il busto rimane immobile. Le braccia e le gambe agiscono su un lato del corpo, destro o sinistro.

In epoca classica Policleto risolve il problema del traffico trasversale. La sua essenza è un nuovo equilibrio del corpo. Il suo peso poggia su una gamba, l'altra è libera da funzioni di sostegno. Lo scultore sposta indietro la gamba libera, toccando il suolo solo con la punta dei piedi. Di conseguenza, i lati destro e sinistro del corpo in corrispondenza delle ginocchia e dei fianchi sono ad altezze diverse, ma per mantenere l'equilibrio i corpi sono nel rapporto opposto: se il ginocchio destro è più alto del sinistro, allora la spalla destra è più bassa. rispetto a sinistra. L'equilibrio in movimento delle parti simmetriche del corpo divenne un motivo preferito dell'arte antica (ill. 135).

U Mirona nella “Discoball” l'intero peso del corpo ricade sulla gamba destra, la sinistra tocca appena il suolo.

Alla fine del IV secolo. AVANTI CRISTO. Lisippo raggiunge la massima libertà di movimento. Il movimento del corpo si svolge in diagonale ("lottatore borghesiano"), può ruotare attorno al proprio asse e gli arti possono essere diretti in diverse direzioni.

Espressività plastica della scultura classica.

In epoca ellenistica apparve il desiderio di massima espressività, di energiche sporgenze e rientranze della forma. Così apparivano i muscoli dell'atleta Ercole (ill. 136).

La dinamica del busto viene migliorata. Comincia a piegarsi a destra e a sinistra. IN Apossiomene Lisippo (ill. 82) il rapporto tra elementi portati e liberi risulta quasi sfuggente. È così che è nato un nuovo fenomeno: una statua assolutamente rotonda che richiede di camminare. Infine, segnaliamo un tratto caratteristico della scultura greca: la predominanza del movimento dal centro verso l'esterno, verso uno scopo esterno.

Gli scultori greci furono i primi a individualizzarsi seduta statua. La base del cambiamento qualitativo è che la statua si trova in modo completamente diverso. L'impressione di una postura individuale è la creazione di un'opzione quando una persona si siede sulla punta del sedile non con tutto il corpo e non sull'intero sedile. Una posa rilassata e libera veniva creata quando il sedile diventava più basso delle ginocchia della persona seduta. Ne è nata una ricchezza di contrasti: braccia incrociate, gambe incrociate, il corpo della persona seduta che si gira e si piega.

Vestiti e tendaggi.

Il concetto creativo dello scultore è determinato da un problema importante: abbigliamento e tendaggi. I suoi elementi partecipano attivamente alla vita della statua e al suo movimento: la natura degli abiti, il ritmo delle sue pieghe, la silhouette, la distribuzione della luce e dell'ombra.

Uno degli scopi fondamentali del drappeggio nella scultura è lo scopo funzionale dell'abbigliamento (cioè il suo rapporto con il corpo umano). Nella scultura greca questo scopo trovò la sua incarnazione più vivida. Nell'era classica, la contraddizione tra abbigliamento e corpo si trasformò in un'interazione armoniosa. Gli abiti, con il ritmo delle loro pieghe, ripetevano, enfatizzavano, completavano e talvolta modificavano le forme e i movimenti del corpo (ill. 136-a).

La libera interpretazione dell'abbigliamento fu molto aiutata dalla natura stessa dell'abbigliamento greco. Un pezzo di materiale rettangolare o rotondo riceveva la sua forma solo dal corpo drappeggiato su di esso. Non era il taglio, ma il modo di indossarlo e di usarlo a determinare la natura dell'abbigliamento. E i principi di base dell'abbigliamento sono rimasti quasi invariati. È cambiato solo il tessuto, l'altezza della cintura, il metodo di drappeggio, la forma della fibbia, ecc.

Lo stile classico ha sviluppato il principio base del drappeggio. Pieghe verticali lunghe, dritte, sottolineano e allo stesso tempo nascondono la gamba portante, la gamba libera è modellata attraverso gli abiti con leggere pieghe. A metà del V secolo. AVANTI CRISTO. Gli scultori hanno risolto anche questo problema, mostrando il corpo attraverso i vestiti in tutte le sue curve.

Il drappeggio era ricco e vario, ma la scultura non aveva un'interpretazione emotiva dell'abbigliamento. Gli artisti incarnavano lo stretto contatto dell’abbigliamento con il corpo, ma non c’era alcuna connessione tra l’abbigliamento e lo stato mentale di una persona. L'abbigliamento caratterizzava l'attività della statua, ma non ne rifletteva gli stati d'animo e i vissuti.

Nell'abbigliamento europeo moderno, il fulcro sono le spalle e i fianchi. Abbigliamento greco altro in sostanza: non va bene drappeggiato. La plasticità del panneggio era valutata molto più del costo del tessuto e della bellezza dell'ornamento; la bellezza dell'abbigliamento risiedeva nella sua grazia.

I greci ionici furono i primi a utilizzare il drappeggio come elemento scultoreo. Nelle sculture egiziane i vestiti sono congelati. Gli Elleni iniziarono a rappresentare pieghe di tessuto, utilizzando abiti per rivelare la bellezza del corpo umano.

Nell'era classica, la contraddizione tra abbigliamento e corpo si trasformò in un'interazione armoniosa. Gli abiti ripetevano, enfatizzavano e completavano le forme e i movimenti del corpo con il ritmo delle loro pieghe.

Il principio di base del drappeggio ellenico è che le pieghe lunghe, diritte e verticali enfatizzano e allo stesso tempo nascondono la gamba portante, la gamba libera è modellata attraverso gli abiti con pieghe leggere.

In generale, il drappeggio era ricco e vario, ma l'interpretazione emotiva dell'abbigliamento era estranea alla scultura greca. Il contatto tra vestiti e corpo non era associato allo stato mentale di una persona. Gli abiti caratterizzavano le attività della statua, ma non ne riflettevano gli stati d'animo e le esperienze.

Gruppo scultoreo (statuario). Se il significato della composizione si svela solo da un punto di vista, le statue risultano isolate l'una dall'altra, indipendenti, possono essere allontanate l'una dall'altra, poste su piedistalli separati, così che alla fine esisteranno indipendentemente l'una dall'altra. altro, allora una composizione del genere non può definirsi un vero e proprio gruppo statuario. In Grecia, durante l'era dello stile classico, un gruppo scultoreo raggiunge la fase di incarnare le relazioni umane tra figure, azione comune ed esperienza comune.

Il problema della luce nella scultura.

La luce nella scultura (come nell'architettura) non influisce tanto sulla forma stessa quanto sull'impressione che l'occhio riceve dalla forma. Il rapporto tra luce e forma plastica determina il trattamento superficiale. In secondo luogo, quando si allestisce una scultura, l'artista deve tenere conto di una determinata fonte di luce. I materiali dalla superficie ruvida e opaca (legno, in parte pietra calcarea) necessitano di luce diretta (conferisce alle forme un carattere chiaro e definito). Il marmo è caratterizzato da una luce trasparente. L'effetto principale delle sculture di Prassitele si basa sul contrasto tra la luce diretta e quella trasparente.

Ritratto scultoreo

La scultura del periodo arcaico, seguendo la regola egiziana della frontalità, era sacra; le sculture dei contemporanei erano ammesse nei casi in cui fossero consacrate dalla morte o dalla vittoria nelle competizioni sportive. La statua in onore del vincitore olimpico non raffigurava un campione specifico, ma il modo in cui era Vorrei essere. Auriga delfico, per esempio, questo è un ritratto ideale, non specifico, del vincitore di una competizione.

Il grave bassorilievo raffigurato Appena persona.

La ragione di ciò è che lo sviluppo armonioso del fisico e dello spirituale era percepito dai Greci come una condizione per raggiungere sia l'armonia estetica che l'utilità civico-eroica di una persona. Per questo motivo agli antichi sembrava del tutto naturale incarnare nelle statue, ad esempio degli atleti, non i tratti individuali di una persona particolare, ma le qualità essenziali, tipiche, preziose e universali di una persona perfetta (o di ogni persona): forza, destrezza, energia, bellezza proporzionata del corpo, ecc. d. L'unicità individuale veniva percepita come una deviazione casuale dalla norma. Per questo motivo non solo l'arte greca, ma tutta l'arte antica era libera dal privato, soprattutto nelle immagini di eroi e dei leggendari.

A ciò dovremmo aggiungere perché per lungo tempo i compiti delle espressioni facciali individuali furono estranei alla scultura greca. Era un culto del nudo corpo e lo sviluppo di un ideale unico della testa e del viso (il cosiddetto Profilo greco) – il contorno del naso in linea retta continua il contorno della fronte (ill. 137, 138).

Segnaliamo infine una cosa paradossale: in Grecia si attribuiva grande importanza all’individuo, allo speciale; invece la ritrattistica, ad esempio, era considerata un crimine di Stato. Perché il ruolo dell'individuo nella cultura antica classica è svolto dall '"eroe collettivo" - la polis.

C'erano due tipi principali di raffigurazione di una persona dell'era arcaica: una figura atletica nuda, giovanile e severa con i pugni chiusi - kouros(ill. 139, 140, 141) e una donna vestita modestamente, che con una mano raccoglie le pieghe della sua veste, e con l'altra presenta un certo dono agli dei - abbaio(ill. 142, 143). Sia i semplici mortali che gli dei potrebbero essere raffigurati in questo modo. Nei tempi moderni, i kouros erano spesso chiamati “Apollos”; si presume ora che si trattasse di immagini di atleti o di lapidi. La gamba sinistra leggermente in avanti del kouros indica l'influenza egiziana. Abbaio ( greco. ragazza) è una designazione moderna per figure femminili di epoca arcaica. Queste sculture servivano come doni votivi portati al santuario. A differenza dei kouros, le figure kor erano drappeggiate.

Nella prima metà del V sec. AVANTI CRISTO. si è sviluppato un certo tipo di viso: un ovale arrotondato, un ponte del naso dritto, una linea retta della fronte e del naso, un arco liscio di sopracciglia che sporge sopra gli occhi a mandorla, labbra piuttosto carnose, nessun sorriso. I capelli erano trattati con morbide ciocche ondulate che delineavano la forma del teschio (“Auriga delfico”).

Il fratello di Lisippo, Lisistrato, fu il primo a scolpire volti con sembianze di ritratti; per questo realizzò persino calchi in gesso di volti viventi.

Nella seconda metà del V sec. AVANTI CRISTO. Policleto sviluppò la legge delle componenti proporzionali ideali del corpo umano. Nella scultura tutte le proporzioni del corpo umano erano calcolate nei minimi dettagli. Mano – 1/10 dell'altezza, testa – 1/8, piede e testa con collo – 1/6, braccio fino al gomito – ¼. La fronte, il naso e la bocca con il mento sono uguali in altezza, dalla corona agli occhi, come dagli occhi all'estremità del mento. Si riferisce alla distanza dalla corona all'ombelico e dall'ombelico alle dita dei piedi

Le opere più famose della scultura greca antica. - concetto e tipologie. Classificazione e caratteristiche della categoria "Le opere più famose della scultura greca antica". 2017, 2018.

La scultura dell'antica Grecia occupa un posto speciale tra la varietà di capolavori del patrimonio culturale appartenenti a questo paese. Glorifica e incarna, utilizzando mezzi visivi, la bellezza del corpo umano, il suo ideale. Tuttavia, non solo le linee morbide e la grazia sono i tratti caratteristici che contraddistinguono la scultura dell'antica Grecia. L'abilità dei suoi creatori era così grande che sono riusciti a trasmettere una gamma di emozioni anche nella pietra fredda, a dare alle figure un significato profondo e speciale, come se infondessero loro vita. Ogni scultura dell'antica Grecia è dotata di un mistero che attrae ancora oggi. Le creazioni dei grandi maestri non lasciano nessuno indifferente.

Come altre culture, ha vissuto periodi diversi nel suo sviluppo. Ognuno di loro è stato segnato da cambiamenti in tutti i tipi di belle arti, inclusa la scultura. Pertanto, è possibile tracciare le fasi principali della formazione di questo tipo di arte, caratterizzando brevemente le caratteristiche dell'antica scultura greca in vari periodi dello sviluppo storico di questo paese.

Periodo arcaico

Tempo dall'VIII al VI secolo a.C. La scultura dell'antica Grecia in questo momento aveva una certa primitività come tratto caratteristico. È stato osservato perché le immagini incarnate nelle opere non erano diverse; erano troppo generalizzate, chiamate kors, giovani uomini - kouros).

Apollo di Tenei

La statua di Apollo Tenaeus è la più famosa di tutte le figure esistenti di quest'epoca. In totale, ora se ne conoscono diverse dozzine. È fatto di marmo. Apollo è raffigurato come un giovane con le mani abbassate e le dita serrate a pugno. I suoi occhi sono spalancati e il suo volto riflette un sorriso arcaico, tipico delle sculture di questo periodo.

Figure femminili

Le immagini di donne e ragazze erano caratterizzate da capelli ondulati e abiti lunghi, ma ciò che le attraeva di più era la loro eleganza e le linee morbide, incarnazione della grazia e della femminilità.

Le sculture dell'antica Grecia arcaica erano alquanto sproporzionate e approssimative. Ogni opera, d'altra parte, attrae con la sua sobria emotività e semplicità. Per quest'epoca, la raffigurazione di figure umane è caratterizzata, come abbiamo già notato, da un mezzo sorriso, che conferisce loro profondità e mistero.

Oggi nel Museo Statale di Berlino, la "Dea con la melagrana" è una delle figure meglio conservate tra le altre sculture arcaiche. Con le proporzioni “sbagliate” e la ruvidità esterna dell'immagine, le mani, brillantemente eseguite dall'autore, attirano l'attenzione del pubblico. Un gesto espressivo rende la scultura particolarmente espressiva e dinamica.

"Kouros dal Pireo"

Situato nel Museo di Atene, "Kouros del Pireo" è una creazione successiva, quindi più perfetta, realizzata da uno scultore antico. Un giovane potente guerriero appare davanti a noi. e una leggera inclinazione della testa indicano la conversazione che sta avendo. Le proporzioni disturbate non sono più così sorprendenti. Le sculture dell'antica Grecia arcaica, come abbiamo già accennato, hanno tratti del viso generalizzati. Tuttavia in questa figura ciò non è così evidente come nelle creazioni risalenti al primo periodo arcaico.

Periodo classico

Il periodo classico è il periodo che va dal V al IV secolo a.C. Le opere dell'antica scultura greca in questo periodo subirono alcuni cambiamenti, di cui vi parleremo ora. Tra gli scultori di questo periodo, una delle figure più famose è Pitagora di Regio.

Caratteristiche delle sculture di Pitagora

Le sue creazioni sono caratterizzate da realismo e vivacità, innovative per l'epoca. Alcune delle opere di questo autore sono addirittura considerate troppo audaci per quest'epoca (ad esempio, la statua di un ragazzo che estrae una scheggia). La vivacità della sua mente e lo straordinario talento hanno permesso a questo scultore di studiare il significato dell'armonia utilizzando metodi di calcolo matematico. Li condusse sulla base della scuola filosofica e matematica da lui fondata. Pitagora, utilizzando questi metodi, esplorò l'armonia di varia natura: strutture musicali, architettoniche, corpo umano. Esisteva una scuola pitagorica basata sul principio del numero. Era questo che era considerato la base del mondo.

Altri scultori del periodo classico

Il periodo classico, oltre al nome di Pitagora, ha dato alla cultura mondiale maestri famosi come Fidia, Policleto e Mirone. Le opere dell'antica scultura greca di questi autori sono accomunate dal seguente principio generale: mostrare l'armonia del corpo ideale e dell'anima bella in esso contenuta. Questo principio è quello principale che ha guidato vari maestri dell'epoca durante la creazione delle loro creazioni. La scultura dell'antica Grecia è l'ideale di armonia e bellezza.

Miron

Grande influenza sull'arte di Atene nel V secolo a.C. e. furono resi dalle opere di Mirone (basti ricordare il famoso Discobolo, realizzato in bronzo). Questo maestro, a differenza di Policleto, di cui parleremo più avanti, amava rappresentare figure in movimento. Ad esempio, nella statua sopra del Discobolo, risalente al V secolo a.C. e., ha raffigurato un bel giovane nel momento in cui ha oscillato la mano per lanciare il disco. Il suo corpo è teso e curvo, preso nel movimento, come una molla pronta a dispiegarsi. I muscoli allenati sporgevano sotto la pelle elastica del braccio tirato indietro. Formando un supporto affidabile, abbiamo premuto in profondità nella sabbia. Questa è l'antica scultura greca (Discobolo). La statua è stata fusa in bronzo. Tuttavia, dall'originale è giunta fino a noi solo una copia in marmo realizzata dai romani. L'immagine sotto mostra una statua del Minotauro di questo scultore.

Policleto

L'antica scultura greca di Policleto ha la seguente caratteristica: la figura di un uomo in piedi con il braccio alzato su una gamba è caratterizzata dall'equilibrio. Un esempio della sua magistrale incarnazione è la statua di Doriforo il portatore di lancia. Nelle sue opere, Policleto cercò di combinare caratteristiche fisiche ideali con spiritualità e bellezza. Questo desiderio lo spinse a pubblicare il suo trattato intitolato "Il Canone", che purtroppo non è sopravvissuto fino ad oggi.

Le statue di Policleto sono piene di vita intensa. Amava rappresentare gli atleti a riposo. Ad esempio, il "Lanciere" è un uomo di corporatura potente che è pieno di autostima. Resta immobile davanti allo spettatore. Tuttavia, questa pace non è statica, caratteristica delle antiche statue egiziane. Come una persona che controlla facilmente e abilmente il proprio corpo, il lanciere piegò leggermente la gamba, spostandola sull'altro peso del corpo. Sembra che non passerà molto tempo prima che giri la testa e faccia un passo avanti. Davanti a noi appare un uomo bello, forte, libero dalla paura, sobrio, orgoglioso: l'incarnazione degli ideali dei greci.

Fidia

Fidia può essere giustamente considerata un grande creatore, creatore di sculture risalenti al V secolo a.C. e. Fu lui a padroneggiare alla perfezione l'arte della fusione del bronzo. Fidia lanciò 13 figure scultoree, che divennero degne decorazioni del Tempio di Apollo delfico. Tra le opere di questo maestro c'è anche la statua della Vergine Atena nel Partenone, la cui altezza è di 12 metri. È realizzato in avorio e oro zecchino. Questa tecnica di realizzazione delle statue era chiamata crisoelefantino.

Le sculture di questo maestro riflettono soprattutto il fatto che in Grecia gli dei sono immagini di una persona ideale. Delle opere di Fidia, la meglio conservata è il nastro del fregio in rilievo in marmo di 160 metri, che raffigura la processione della dea Atena diretta al tempio del Partenone.

Statua di Atena

La scultura di questo tempio è stata gravemente danneggiata. Anche nell'antichità questa figura moriva all'interno del tempio. È stato creato da Fidia. L'antica scultura greca di Atena aveva le seguenti caratteristiche: la testa con il mento arrotondato e la fronte bassa e liscia, così come le braccia e il collo erano fatti di avorio, mentre l'elmo, lo scudo, i vestiti e i capelli erano fatti di fogli di oro.

Ci sono molte storie legate a questa figura. Questo capolavoro era così famoso e grande che Fidia ebbe subito molti invidiosi che cercarono in tutti i modi di infastidire lo scultore, per il quale cercarono ragioni per accusarlo di qualsiasi cosa. Questo maestro, ad esempio, fu accusato di aver presumibilmente nascosto parte dell'oro destinato alla scultura di Atena. Per dimostrare la sua innocenza, Fidia rimosse tutti gli oggetti d'oro dalla statua e li pesò. Questo peso coincideva esattamente con la quantità di oro che gli era stata fornita. Quindi lo scultore fu accusato di empietà. Lo scudo di Atena ha causato questo. Raffigurava una scena di battaglia con le Amazzoni dei Greci. Fidia si rappresentò tra i Greci, così come Pericle. Il pubblico greco, nonostante tutti i meriti di questo maestro, si opponeva ancora a lui. La vita di questo scultore si è conclusa con un'esecuzione brutale.

I risultati di Fidia non si limitarono alle sculture realizzate nel Partenone. Così creò una figura in bronzo di Atena Promachos, che fu eretta intorno al 460 a.C. e. nell'acropoli.

Statua di Zeus

Fidia raggiunse la vera fama dopo che questo maestro creò una statua di Zeus per il tempio situato ad Olimpia. L'altezza della figura era di 13 metri. Molti originali purtroppo non sono sopravvissuti; fino ad oggi sono sopravvissute solo le loro descrizioni e copie. Ciò era in gran parte dovuto alla fanatica distruzione da parte dei cristiani. Anche la statua di Zeus non è sopravvissuta. Può essere descritto come segue: una figura di 13 metri sedeva su un trono d'oro. La testa del dio era decorata con una corona di rami d'ulivo, simbolo del suo amore per la pace. Il petto, le braccia, le spalle e il viso erano d'avorio. Il mantello di Zeus è drappeggiato sulla sua spalla sinistra. La barba e la corona sono realizzate in oro scintillante. Questa è questa antica scultura greca, brevemente descritta. Sembra che Dio, se si alzasse e raddrizzasse le spalle, non si adatterebbe a questa vasta sala: il soffitto sarebbe basso per lui.

Periodo ellenistico

Le fasi di sviluppo della scultura greca antica sono completate da quella ellenistica. Questo periodo è un periodo nella storia dell'antica Grecia dal IV al I secolo a.C. La scultura in quel momento aveva ancora lo scopo principale di decorare varie strutture architettoniche. Ma rifletteva anche i cambiamenti in atto nel governo.

Nella scultura, che a quel tempo era una delle principali forme d'arte, sorsero molte tendenze e scuole. Esistevano a Rodi, Pergamo e Alessandria. Le migliori opere presentate da queste scuole riflettono i problemi che preoccupavano le menti delle persone di quell'epoca in quel momento. Queste immagini, in contrasto con il classico senso calmo dello scopo, portano pathos appassionato, tensione emotiva e dinamica.

La tarda antichità greca è caratterizzata da una forte influenza dell'Oriente su tutta l'arte in generale. Appaiono nuove caratteristiche dell'antica scultura greca: numerosi dettagli, squisiti tendaggi, angoli complessi. La grandezza e la tranquillità dei classici sono permeate dal temperamento e dall'emotività dell'Oriente.

Le Terme di Afrodite di Cirene, situate nel Museo Romano, sono piene di sensualità e di civetteria.

"Laocoonte e i suoi figli"

La composizione scultorea più famosa appartenente a quest'epoca è "Laocoonte e i suoi figli", realizzata da Agesandro di Rodi. Questo capolavoro è oggi conservato ai Musei Vaticani. La composizione è piena di drammaticità e la trama suggerisce emotività. L'eroe e i suoi figli, resistendo disperatamente ai serpenti inviati da Atena, sembrano comprendere il loro terribile destino. Questa scultura è stata realizzata con straordinaria precisione. Le figure sono realistiche e plastiche. I volti dei personaggi lasciano una forte impressione.

Tre grandi scultori

Nelle opere di scultori risalenti al IV secolo a.C. e., l'ideale umanistico viene preservato, ma l'unità del collettivo civile scompare. Le sculture dell'antica Grecia e i loro autori stanno perdendo il senso di pienezza della vita e l'integrità della loro visione del mondo. Grandi maestri vissuti nel IV secolo a.C. e., creare arte che riveli nuovi aspetti del mondo spirituale. Queste ricerche sono state espresse più chiaramente da tre autori: Lisippo, Prassitele e Scopa.

Skopás

Skopas divenne la figura più importante tra gli altri scultori attivi in ​​quel periodo. La sua arte respira profondi dubbi, lotta, ansia, impulso e passione. Questo nativo dell'isola di Paros ha lavorato in molte città dell'Hellas. L'abilità di questo autore era incarnata in una statua chiamata "Nike di Samotracia". Questo nome fu ricevuto in ricordo della vittoria nel 306 a.C. e. Flotta della Rhodesia. Questa figura è installata su un piedistallo, che ricorda nel design la prua di una nave.

"La Menade Danzante" di Skopas è presentata in una prospettiva dinamica e complessa.

Prassitele

Questo autore ha cantato la bellezza sensuale del corpo e la gioia della vita. Prassitele godeva di grande fama ed era ricco. La statua di Afrodite, che realizzò per l'isola di Cnido, portò a questo scultore la massima fama. Fu la prima rappresentazione di una dea nuda nell'arte greca. La bella Frine, la famosa etera, amata da Prassitele, servì da modello per la statua di Afrodite. Questa ragazza fu accusata di blasfemia e poi assolta dai giudici ammirandone la bellezza. Prassitele è una cantante di bellezza femminile, venerata dai Greci. Purtroppo Afrodite di Cnido ci è nota solo tramite copie.

Leohar

Leochares è un maestro ateniese, il più grande dei contemporanei di Prassitele. Questo scultore, operando in varie città elleniche, creò scene mitologiche e immagini di dei. Realizzò diversi ritratti con la tecnica del crisoelefantino, raffiguranti membri della famiglia del re. Successivamente divenne maestro di corte di Alessandro Magno, suo figlio. In questo momento, Leochares creò una statua di Apollo, molto popolare nell'antichità. Fu conservato in una copia in marmo realizzata dai Romani e ricevette fama mondiale sotto il nome di Apollo Belvedere. Leohar dimostra una tecnica virtuosa in tutte le sue creazioni.

Dopo il regno di Alessandro Magno, l'era ellenistica divenne un periodo di rapida fioritura della ritrattistica. Nelle piazze delle città furono erette statue di vari oratori, poeti, filosofi, generali e statisti. I maestri volevano ottenere una somiglianza esterna e allo stesso tempo enfatizzare le caratteristiche dell'aspetto che trasformano un ritratto in un'immagine tipica.

Altri scultori e le loro creazioni

Le sculture classiche divennero esempi di varie creazioni di maestri che lavorarono in epoca ellenistica. Nelle opere di quel tempo è chiaramente visibile la gigantomania, cioè il desiderio di incarnare l'immagine desiderata in un'enorme statua. Si manifesta particolarmente spesso quando vengono create antiche sculture di divinità greche. La statua del dio Helios ne è un ottimo esempio. È realizzato in bronzo dorato e si trovava all'ingresso del porto di Rodi. L'altezza della scultura è di 32 metri. Lepri, uno studente di Lisippo, ci lavorò instancabilmente per 12 anni. Quest'opera d'arte ha giustamente preso un posto d'onore nella lista delle meraviglie del mondo.

Dopo la conquista dell'antica Grecia da parte dei conquistatori romani, molte statue furono portate fuori dal paese. Non solo le sculture, ma anche i capolavori della pittura, le collezioni delle biblioteche imperiali e altri oggetti culturali subirono questo destino. Molte persone che lavoravano nel campo dell'istruzione e della scienza furono catturate. Pertanto, vari elementi greci si intrecciarono nella cultura dell'antica Roma, avendo un'influenza significativa sul suo sviluppo.

Conclusione

Naturalmente, i diversi periodi di sviluppo vissuti dall'antica Grecia hanno apportato i propri adattamenti al processo di formazione della scultura, ma una cosa ha unito maestri appartenenti a epoche diverse: il desiderio di comprendere la spazialità nell'arte, l'amore di esprimere la plasticità dell'essere umano corpo utilizzando varie tecniche. L'antica scultura greca, la cui foto è presentata sopra, purtroppo, è sopravvissuta solo parzialmente fino ad oggi. Il marmo veniva spesso utilizzato come materiale per le figure, nonostante la sua fragilità. Questo era l'unico modo per trasmettere la bellezza e l'eleganza del corpo umano. Il bronzo, sebbene fosse un materiale più affidabile e nobile, veniva usato molto meno frequentemente.

La scultura e la pittura dell'antica Grecia sono uniche e interessanti. Vari esempi d'arte danno un'idea della vita spirituale di questo paese.

L'antica Grecia era uno dei più grandi stati del mondo. Durante la sua esistenza e sul suo territorio furono gettate le basi dell'arte europea. I monumenti culturali sopravvissuti di quel periodo testimoniano le più alte conquiste dei greci nel campo dell'architettura, del pensiero filosofico, della poesia e, naturalmente, della scultura. Pochi originali sono sopravvissuti: il tempo non risparmia nemmeno le creazioni più uniche. Conosciamo in gran parte l'abilità per cui gli antichi scultori erano famosi grazie alle fonti scritte e alle successive copie romane. Tuttavia, queste informazioni sono sufficienti per comprendere l'importanza del contributo degli abitanti del Peloponneso alla cultura mondiale.

Periodi

Gli scultori dell'antica Grecia non furono sempre grandi creatori. L'era del periodo di massimo splendore della loro abilità fu preceduta dal periodo arcaico (VII-VI secolo aC). Le sculture giunte fino a noi da quel periodo si distinguono per la loro simmetria e staticità. Non hanno quella vitalità e quel movimento interno nascosto che fa sembrare le statue persone congelate. Tutta la bellezza di questi primi lavori si esprime attraverso il volto. Non è più statico come il corpo: un sorriso irradia una sensazione di gioia e serenità, donando un suono speciale all'intera scultura.

Dopo il completamento del periodo arcaico, segue il periodo più fruttuoso, in cui gli antichi scultori dell'antica Grecia crearono le loro opere più famose. È suddiviso in più periodi:

• primo classico - inizio del V secolo. AVANTI CRISTO e.;
• alto classico - V secolo AVANTI CRISTO e.;
• tardo classico - IV secolo. AVANTI CRISTO e.;
• Ellenismo - fine del IV secolo. AVANTI CRISTO e. - I secolo N. e.

Tempo di transizione

I primi classici sono il periodo in cui gli scultori dell'antica Grecia iniziarono ad allontanarsi dalla posizione statica del corpo e cercare nuovi modi per esprimere le loro idee. Le proporzioni sono piene di bellezza naturale, le pose diventano più dinamiche e i volti diventano espressivi.

Lo scultore dell'antica Grecia Myron creò proprio in questo periodo. Nelle fonti scritte, è caratterizzato come un maestro nel trasmettere la struttura anatomicamente corretta del corpo, capace di catturare la realtà con elevata precisione. Anche i contemporanei di Mirone sottolinearono i suoi difetti: secondo loro, lo scultore non sapeva come conferire bellezza e vivacità ai volti delle sue creazioni.

Le statue del maestro incarnano eroi, dei e animali. Tuttavia, lo scultore dell'antica Grecia Myron ha dato la massima preferenza alla rappresentazione degli atleti durante i loro successi nelle competizioni. Il famoso “Discobolus” è una sua creazione. La scultura non è sopravvissuta fino ad oggi nell'originale, ma ne esistono diverse copie. "Lanciatore di discoteche" raffigura un atleta che si prepara a lanciare il suo proiettile. Il corpo dell'atleta è di esecuzione superba: i muscoli tesi indicano la pesantezza del disco, il corpo contorto ricorda una molla pronta a dispiegarsi. Sembra solo un secondo e l'atleta lancerà il proiettile.

Di ottima esecuzione da Mirone sono considerate anche le statue “Atena” e “Marsia”, anch'esse pervenute a noi solo sotto forma di copie successive.

Heyday

Eccezionali scultori dell'antica Grecia hanno lavorato durante l'intero periodo degli alti classici. In questo momento, i maestri della creazione di rilievi e statue comprendono sia i metodi per trasmettere il movimento, sia le basi dell'armonia e delle proporzioni. Gli alti classici sono il periodo di formazione di quelle basi della scultura greca, che in seguito divennero lo standard per molte generazioni di maestri, compresi i creatori del Rinascimento.

In questo momento lavorarono lo scultore dell'antica Grecia Policleto e il geniale Fidia. Entrambi hanno fatto sì che le persone si ammirassero durante la loro vita e non furono dimenticati per secoli.

Pace e armonia

Policleto lavorò nella seconda metà del V secolo. AVANTI CRISTO e. È conosciuto come un maestro nella creazione di sculture raffiguranti atleti a riposo. A differenza del "Disco Thrower" di Miron, i suoi atleti non sono tesi, ma rilassati, ma allo stesso tempo lo spettatore non ha dubbi sulla loro forza e capacità.

Policleto fu il primo a utilizzare una posizione del corpo speciale: i suoi eroi spesso riposavano su un piedistallo con una sola gamba. Questa posa ha creato una sensazione di rilassamento naturale caratteristica di una persona che riposa.

Canone

La scultura più famosa di Policleto è considerata "Doriphoros", o "Lanciere". L'opera è anche chiamata canone del maestro, poiché incarna alcuni principi del pitagorismo ed è un esempio di un modo speciale di porre una figura, contrapposto. La composizione si basa sul principio del movimento trasversale irregolare del corpo: il lato sinistro (la mano che tiene la lancia e la gamba arretrata) è rilassato, ma allo stesso tempo in movimento, in contrasto con il destro teso e statico. (la gamba portante e il braccio teso lungo il corpo).

Policleto in seguito utilizzò una tecnica simile in molte delle sue opere. I suoi principi fondamentali sono esposti in un trattato di estetica non pervenuto a noi, scritto dallo scultore e chiamato “Canone”. Policleto dedicò in esso un posto abbastanza ampio al principio, che applicò con successo anche nelle sue opere, quando questo principio non contraddiceva i parametri naturali del corpo.

Genio riconosciuto

Tutti gli antichi scultori dell'antica Grecia durante l'alto periodo classico hanno lasciato creazioni ammirevoli. Tuttavia, il più eccezionale tra loro fu Fidia, giustamente considerato il fondatore dell'arte europea. Purtroppo la maggior parte delle opere del maestro sono sopravvissute fino ad oggi solo come copie o descrizioni sulle pagine di trattati di autori antichi.

Fidia lavorò alla decorazione del Partenone ateniese. Oggi un’idea dell’abilità dello scultore può essere ricavata dal rilievo marmoreo conservato, lungo 1,6 m, raffigurante numerosi pellegrini diretti verso il resto delle decorazioni del Partenone andate perdute. La stessa sorte toccò alla statua di Atena, qui installata e creata da Fidia. La dea, fatta di avorio e oro, simboleggiava la città stessa, il suo potere e grandezza.

Meraviglia del mondo

Altri eccezionali scultori dell'antica Grecia potrebbero essere stati leggermente inferiori a Fidia, ma nessuno di loro poteva vantarsi di aver creato una meraviglia del mondo. L'Olympic è stato realizzato da un maestro per la città in cui si sono svolti i famosi Giochi. L'altezza del Tuono, seduto su un trono d'oro, era sorprendente (14 metri). Nonostante tale potere, il dio non sembrava formidabile: Fidia creò uno Zeus calmo, maestoso e solenne, un po' severo, ma allo stesso tempo gentile. Prima della sua morte, la statua attirò per nove secoli numerosi pellegrini in cerca di conforto.

Tardo classico

Con la fine del V sec. AVANTI CRISTO e. Gli scultori dell'antica Grecia non si seccarono. I nomi Scopa, Prassitele e Lisippo sono noti a tutti coloro che sono interessati all'arte antica. Hanno lavorato nel periodo successivo, chiamato i classici tardivi. Le opere di questi maestri sviluppano e completano le conquiste dell'era precedente. Ognuno a modo suo trasforma la scultura, arricchendola con nuovi soggetti, modi di lavorare la materia e opzioni per trasmettere emozioni.

Passioni bollenti

Skopas può essere definito un innovatore per diversi motivi. I grandi scultori dell'Antica Grecia che lo hanno preceduto preferirono utilizzare come materiale il bronzo. Skopas ha creato le sue creazioni principalmente dal marmo. Invece della tradizionale calma e armonia che riempivano le sue opere nell'antica Grecia, il maestro scelse l'espressione. Le sue creazioni sono piene di passioni ed emozioni, somigliano più a persone vere che a divinità imperturbabili.

Il fregio del mausoleo di Alicarnasso è considerato l'opera più famosa di Skopas. Raffigura l'Amazzonomachia: la lotta degli eroi dei miti greci con le bellicose Amazzoni. Le caratteristiche principali dello stile insito nel maestro sono chiaramente visibili nei frammenti sopravvissuti di questa creazione.

Levigatezza

Un altro scultore di questo periodo, Prassitele, è considerato il miglior maestro greco in termini di trasmissione della grazia del corpo e della spiritualità interiore. Una delle sue opere eccezionali - Afrodite di Cnido - è stata riconosciuta dai contemporanei del maestro come la migliore creazione mai creata. dea divenne la prima rappresentazione monumentale del corpo femminile nudo. L'originale non ci è pervenuto.

I tratti dello stile caratteristico di Prassitele sono pienamente visibili nella statua di Hermes. Con la posa speciale del corpo nudo, la morbidezza delle linee e la morbidezza dei mezzitoni del marmo, il maestro è riuscito a creare un'atmosfera un po' sognante che avvolge letteralmente la scultura.

Attenzione ai dettagli

Alla fine dell'era tardo classica, lavorò un altro famoso scultore greco, Lisippo. Le sue creazioni si distinguevano per uno speciale naturalismo, un'attenta elaborazione dei dettagli e un certo allungamento delle proporzioni. Lisippo si sforzò di creare statue piene di grazia ed eleganza. Ha affinato le sue capacità studiando il canone di Policleto. I contemporanei notarono che le opere di Lisippo, a differenza di Doriforo, davano l'impressione di essere più compatte ed equilibrate. Secondo la leggenda, il maestro era il creatore preferito di Alessandro Magno.

Influenza orientale

Una nuova fase nello sviluppo della scultura inizia alla fine del IV secolo. AVANTI CRISTO e. Il confine tra i due periodi è considerato il periodo delle conquiste di Alessandro Magno. Con loro inizia effettivamente l'era dell'ellenismo, che era una combinazione dell'arte dell'antica Grecia e dei paesi orientali.

Le sculture di questo periodo si basano sulle conquiste dei maestri dei secoli precedenti. L'arte ellenistica ha regalato al mondo opere come la Venere di Milo. Allo stesso tempo apparvero i famosi rilievi dell'altare di Pergamo. In alcune opere del tardo ellenismo, c'è un notevole ricorso a soggetti e dettagli quotidiani. La cultura dell'antica Grecia in questo momento ebbe una forte influenza sullo sviluppo dell'arte dell'Impero Romano.

Finalmente

L'importanza dell'antichità come fonte di ideali spirituali ed estetici non può essere sopravvalutata. Gli antichi scultori dell'antica Grecia gettarono non solo le basi della propria arte, ma anche gli standard per comprendere la bellezza del corpo umano. Sono stati in grado di risolvere il problema della rappresentazione del movimento cambiando la posa e spostando il centro di gravità. Gli antichi scultori dell'antica Grecia impararono a trasmettere emozioni ed esperienze con l'aiuto della pietra lavorata, per creare non solo statue, ma figure praticamente viventi, pronte a muoversi in qualsiasi momento, sospirare, sorridere. Tutti questi risultati costituiranno la base per il fiorire della cultura durante il Rinascimento.

Pianificazione viaggio in Grecia, molte persone sono interessate non solo agli hotel confortevoli, ma anche all'affascinante storia di questo antico paese, parte integrante del quale sono gli oggetti d'arte.

Un gran numero di trattati di famosi storici dell'arte sono dedicati specificamente alla scultura greca antica, come ramo fondamentale della cultura mondiale. Sfortunatamente, molti monumenti di quel tempo non sono sopravvissuti nella loro forma originale e sono conosciuti da copie successive. Studiandoli, puoi ripercorrere la storia dello sviluppo dell'arte greca dal periodo omerico all'era ellenistica ed evidenziare le creazioni più sorprendenti e famose di ogni periodo.

Afrodite di Milo

La famosa Afrodite dell'isola di Milos risale al periodo ellenistico dell'arte greca. In questo momento, grazie agli sforzi di Alessandro Magno, la cultura dell'Hellas iniziò a diffondersi ben oltre la penisola balcanica, il che si rifletteva notevolmente nelle belle arti: sculture, dipinti e affreschi divennero più realistici, i volti degli dei su di essi avere caratteristiche umane: pose rilassate, uno sguardo astratto, un sorriso dolce.

Statua di Afrodite, o come la chiamavano i romani, Venere, è fatta di marmo bianco come la neve. La sua altezza è leggermente maggiore dell'altezza umana ed è di 2,03 metri. La statua fu scoperta per caso da un normale marinaio francese, che nel 1820, insieme a un contadino locale, dissotterrò Afrodite vicino ai resti di un antico anfiteatro sull'isola di Milos. Durante il trasporto e le controversie doganali, la statua perse le braccia e il piedistallo, ma fu conservata la testimonianza dell'autore del capolavoro indicato su di essa: Agesandro, figlio di Menida, residente ad Antiochia.

Oggi, dopo un accurato restauro, Afrodite è esposta al Louvre di Parigi, attirando ogni anno milioni di turisti con la sua bellezza naturale.

Nike di Samotracia

La creazione della statua della dea della vittoria Nike risale al II secolo a.C. La ricerca ha dimostrato che Nika è stata installata sopra la costa del mare su una ripida scogliera: i suoi vestiti di marmo svolazzano come dal vento e l'inclinazione del corpo rappresenta un costante movimento in avanti. Le pieghe più sottili degli abiti coprono il forte corpo della dea e le ali potenti sono spiegate nella gioia e nel trionfo della vittoria.

La testa e le braccia della statua non si sono conservate, anche se durante gli scavi del 1950 furono scoperti singoli frammenti. In particolare Karl Lehmann e un gruppo di archeologi ritrovarono la mano destra della dea. La Nike di Samotracia è oggi una delle opere più importanti del Louvre. La sua mano non è mai stata aggiunta all'esposizione generale; è stata restaurata solo l'ala destra, che è in gesso.

Laocoonte e i suoi figli

Una composizione scultorea raffigurante la lotta mortale di Laocoonte, sacerdote del dio Apollo e dei suoi figli, con due serpenti inviati da Apollo in vendetta per il fatto che Laocoonte non ascoltò la sua volontà e cercò di impedire al cavallo di Troia di entrare in città .

La statua era in bronzo, ma il suo originale non è sopravvissuto fino ad oggi. Nel XV secolo, una copia in marmo della scultura fu ritrovata nel territorio della “casa d'oro” di Nerone e, per ordine di papa Giulio II, fu installata in una nicchia separata del Belvedere Vaticano. Nel 1798 la statua di Laocoonte fu trasportata a Parigi, ma dopo la caduta del dominio di Napoleone gli inglesi la riportarono al suo posto originale, dove è conservata ancora oggi.

La composizione, raffigurante la disperata lotta morente di Laocoonte con la punizione divina, ispirò molti scultori del tardo Medioevo e del Rinascimento e diede origine a una moda per rappresentare i movimenti complessi e vorticosi del corpo umano nelle belle arti.

Zeus da Capo Artemision

La statua, trovata dai sommozzatori vicino a Capo Artemision, è in bronzo ed è una delle poche opere d'arte di questo tipo che sono sopravvissute fino ad oggi nella sua forma originale. I ricercatori non sono d'accordo sul fatto che la scultura appartenga specificamente a Zeus, ritenendo che possa raffigurare anche il dio dei mari, Poseidone.

La statua è alta 2,09 m e raffigura il dio supremo greco, che alzò la mano destra per scagliare un fulmine con giusta rabbia. Il fulmine stesso non è sopravvissuto, ma da numerose figure più piccole si può giudicare che avesse l'aspetto di un disco di bronzo piatto e molto allungato.

Dopo quasi duemila anni di permanenza sott'acqua, la statua è rimasta quasi intatta. Mancavano solo gli occhi, presumibilmente d'avorio e tempestati di pietre preziose. Puoi vedere quest'opera d'arte al Museo Archeologico Nazionale, che si trova ad Atene.

Statua del Diadumen

Una copia in marmo di una statua in bronzo di un giovane che si incorona con un diadema - un simbolo di vittoria sportiva, probabilmente adornava il luogo della competizione ad Olimpia o Delfi. Il diadema a quel tempo era una benda di lana rossa che, insieme alle corone di alloro, veniva assegnata ai vincitori dei Giochi Olimpici. L'autore dell'opera, Policleto, l'ha eseguita nel suo stile preferito: il giovane è in leggero movimento, il suo viso mostra completa calma e concentrazione. L'atleta si comporta come un meritato vincitore: non mostra stanchezza, sebbene il suo corpo abbia bisogno di riposo dopo il combattimento. Nella scultura, l'autore è riuscito a trasmettere in modo molto naturale non solo piccoli elementi, ma anche la posizione generale del corpo, distribuendo correttamente la massa della figura. La piena proporzionalità del corpo è l'apice dello sviluppo di questo periodo: il classicismo del V secolo.

Sebbene l'originale in bronzo non sia sopravvissuto fino ad oggi, le sue copie possono essere viste in molti musei in tutto il mondo: il Museo Archeologico Nazionale di Atene, il Louvre, il Metropolitan e il British Museum.

Afrodite Braschi

La statua in marmo di Afrodite raffigura la dea dell'amore che si spoglia prima di fare il bagno leggendario, spesso mitico, che le ripristina la verginità. Afrodite tiene nella mano sinistra i vestiti rimossi, che cadono dolcemente su una brocca lì vicino. Dal punto di vista ingegneristico, questa soluzione ha reso la fragile statua più stabile e ha dato la possibilità allo scultore di darle una posa più rilassata. L'unicità di Afrodite Brasca è che questa è la prima statua conosciuta della dea, il cui autore decise di raffigurarla nuda, cosa che un tempo era considerata un'audacia inaudita.

Ci sono leggende secondo le quali lo scultore Prassitele creò Afrodite a immagine della sua amata, l'etera Frine. Quando il suo ex ammiratore, l'oratore Eutia, lo venne a sapere, suscitò uno scandalo, a seguito del quale Prassitele fu accusato di imperdonabile blasfemia. Al processo, l'avvocato difensore, vedendo che le sue argomentazioni non soddisfacevano l'impressione del giudice, strappò i vestiti di Phryne per mostrare ai presenti che un corpo così perfetto della modella semplicemente non poteva nascondere un'anima oscura. I giudici, essendo aderenti al concetto di kalokagathia, sono stati costretti ad assolvere completamente gli imputati.

La statua originale fu portata a Costantinopoli, dove morì in un incendio. Molte copie di Afrodite sono sopravvissute fino ad oggi, ma tutte presentano le proprie differenze, poiché sono state ricostruite da descrizioni verbali e scritte e da immagini sulle monete.

Maratona giovanile

La statua di un giovane è realizzata in bronzo e presumibilmente raffigura il dio greco Hermes, sebbene non si osservino prerequisiti o attributi nelle mani o negli abiti del giovane. La scultura fu sollevata dal fondo della Baia di Maratona nel 1925 e da allora è stata aggiunta alla mostra del Museo Archeologico Nazionale di Atene. A causa del fatto che la statua è rimasta a lungo sott'acqua, tutte le sue caratteristiche erano molto ben conservate.

Lo stile in cui è stata realizzata la scultura rivela lo stile del famoso scultore Prassitele. Il giovane sta in una posizione rilassata, la sua mano è appoggiata al muro contro il quale è stata installata la figura.

Discobolo

La statua dell'antico scultore greco Mirone non è sopravvissuta nella sua forma originale, ma è ampiamente conosciuta in tutto il mondo grazie alle sue copie in bronzo e marmo. La scultura è unica in quanto è stata la prima a rappresentare una persona in movimento complesso e dinamico. Una decisione così coraggiosa da parte dell'autore è stata un esempio lampante per i suoi seguaci, che, con non meno successo, hanno creato opere d'arte nello stile di "Figura serpentinata" - una tecnica speciale che raffigura una persona o un animale in uno stato spesso innaturale e teso. , ma posa molto espressiva, dal punto di vista dell'osservatore.

Auriga delfico

La scultura in bronzo di un auriga fu scoperta durante gli scavi nel 1896 presso il Santuario di Apollo a Delfi ed è un classico esempio di arte antica. La figura raffigura un giovane greco antico che guida un carro durante Giochi pitici.

L'unicità della scultura sta nel fatto che è stato conservato l'intarsio degli occhi con pietre preziose. Le ciglia e le labbra del giovane sono decorate con rame, e la fascia è d'argento e presumibilmente aveva anche un intarsio.

Il momento della creazione della scultura, teoricamente, è all'incrocio tra l'arcaico e il primo classico: la sua posa è caratterizzata dalla rigidità e dall'assenza di qualsiasi accenno di movimento, ma la testa e il viso sono realizzati con un realismo piuttosto grande. Come nelle sculture successive.

Atena Parteno

Maestoso statua della dea Atena non è sopravvissuto fino ad oggi, ma ne esistono molte copie, restaurate secondo le antiche descrizioni. La scultura era realizzata interamente in avorio e oro, senza l'uso di pietra o bronzo, e si trovava nel tempio principale di Atene: il Partenone. Una caratteristica distintiva della dea è un alto elmo decorato con tre stemmi.

La storia della creazione della statua non è stata priva di momenti fatali: sullo scudo della dea, lo scultore Fidia, oltre a raffigurare la battaglia con le Amazzoni, ha posto il suo ritratto sotto forma di un vecchio debole che solleva un pesante pietra con entrambe le mani. Il pubblico di quel tempo valutò in modo ambiguo l'atto di Fidia, che gli costò la vita: lo scultore fu imprigionato, dove si tolse la vita con il veleno.

La cultura greca divenne la fondatrice dello sviluppo delle belle arti in tutto il mondo. Ancora oggi, guardando alcuni dipinti e statue moderne, si può rilevare l'influenza di questa antica cultura.

Antica Grecia divenne la culla in cui fu attivamente coltivato il culto della bellezza umana nelle sue manifestazioni fisiche, morali e intellettuali. Residenti in Grecia di quel tempo non solo adoravano molti dei dell'Olimpo, ma cercavano anche di somigliargli il più possibile. Tutto ciò si riflette nelle statue in bronzo e marmo: non solo trasmettono l'immagine di una persona o di una divinità, ma le avvicinano anche l'una all'altra.

Sebbene molte statue non siano sopravvissute fino ai giorni nostri, le loro copie esatte possono essere viste in molti musei di tutto il mondo.

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