Klasycyzm jako nurt artystyczny XVII wieku. Luksus i rygor klasycyzmu Klasycyzm w sztuce zachodnioeuropejskiej XVII wieku

Klasycyzm to ruch artystyczny w sztuce i literaturze XVII i XVIII wieku. Kierunek ten charakteryzuje się takimi cechami jak ścisłe przestrzeganie norm i zasad oraz wysoka tematyka obywatelska. Pochodzenie klasycyzmu wynikało z walki z wyższym barokiem.

Klasycyzm osiągnął swoje apogeum w XVII wieku we Francji: w poezji dzięki Lafontaine'owi, w dramaturgii - Racine'owi, Molierowi i Corneille'owi, aw malarstwie dzięki twórczości Poussina. Ten kierunek sztuki literackiej charakteryzuje się stosowaniem zasady klasowej dla różnych gatunków.

Gwałt kobiet Sabine. Mikołaja Poussina

Poetyka klasycyzmu „rozbiła” wszystkie gatunki na „niskie” (bajka, komedia, satyra itp.) I „wysokie” (oda, tragedia, epos). Ponadto wyróżniała ich według klas: tylko zwykli ludzie wchodzili do niskiego gatunku, a tylko książęta, królowie, generałowie i dworzanie mogli brać udział w wysokim gatunku. Bohaterowie komedii mieli tylko rozśmieszyć publiczność, podczas gdy bohaterowie tragedii mieli prawo ich dotykać. Ponadto klasowy podział gatunków wyrażał się także w różnicy stylu i języka. Tragedia była więc z konieczności napisana poetyckim, wysokim stylem i była całkowicie pozbawiona zwykłych codziennych pojęć, a nawet słów. Tragedia francuska siedemnastego wieku jest tragedią czynu heroicznego, nie dopuszcza liryki, fantastyki i cudowności.

Główną cechą charakterystyczną klasycyzmu jest normatywność i ścisłe przestrzeganie wszystkich zasad doktryny klasycznej. Normatywność należy postrzegać jako wynik braku w klasycyzmie absolutnego polegania na rozumie i myśleniu historycznym. Ówcześni klasycy wierzyli, że prawa rozumu, niezmienne i wieczne, wspólne dla całego społeczeństwa, tworzą „dobry gust” w dziedzinie sztuki.

We wszystkich utworach w stylu klasycyzmu wszystko musi być oparte na rozsądku i uzasadnione zdrowym rozsądkiem. Wzniosłe, szlachetne uczucia bohaterów zostały ukazane w długich monologach.

Jacquesa-Louisa Davida. „Przysięga Horacjuszy” (1784)

Główne zasady klasycyzmu:

• Głównym zadaniem jest utworzenie i umocnienie monarchii absolutnej;
• Tylko to, co rozsądne, jest uważane za piękne. Umysł jest podstawą wszystkiego;
• Tematem przewodnim jest konflikt interesów obywatelskich i osobistych, a także uczuć i powinności;
• Najwyższą godnością człowieka jest niekwestionowana służba idei państwowej;
• Starożytność - jako model dziedziczenia;
• Imitacja „upiększonej” natury;
• Piękno jest głównym bohaterem.

Termin klasycyzm zwykle implikuje bezpośredni związek ze sztuką antyczną. Jednak w samym słowieklasycyzm następuje fuzja terminu historycznego i osądu wartościującego. Podklasyczny zrozumieć najlepsze, wzorcowe, najbardziej charakterystyczne cechy dowolnego gatunku, dowolnego etapu w historii sztuki.

Klasycyzm, jako styl artystyczny zorientowany na starożytność, widział w nim idealny wzór do naśladowania. Powstał we Francji w rXVIIwieku, czyli w czasie, gdy w innych krajach dominował barok. Wczesny klasycyzm francuski przejawiał się najwyraźniej w architekturze i dramaturgii, ale także w malarstwie (Poussin), muzyce (Lully).

Podobnie jak sztuka renesansu, klasycyzm jest przepojony wiarą w ludzki umysł. Jego podstawą filozoficzną byłoracjonalizm Kartezjusz - filozofia, która potwierdza, że ​​ludzki umysł jest głównym środkiem poznania prawdy.

Artyści tego nurtu nie starali się oddać otaczającej ich rzeczywistości, ale stworzyli poetycko uszlachetniony świat, w którym królują ideały dobra, sprawiedliwości i wysokiej moralności.

Klasycyzm przywiązywał dużą wagę do społecznej i edukacyjnej funkcji sztuki. Przedstawił nowego bohatera: silnego i odważnego w obliczu życiowych prób, niezłomnie znoszącego ciosy losu, zdolnego do podporządkowania interesów osobistych interesom społeczeństwa. Najważniejsze w klasycyzmie jest orientacja na racjonalny początek, ponieważ to umysł nakazuje człowiekowi wypełnić swój obowiązek, a kategoria powinności w estetyce klasycyzmu jest ważniejsza niż osobiste szczęście.

Architektura klasycyzmu blisko antyku, co przejawiało się:

w stosowaniu systemu zamówień;

w logice jasność planowania;

w racjonalności proporcji, geometrii form;

przy braku dekoracyjnych ekscesów łatwość projektowania;

w tworzeniu zespołów pałacowo-parkowych.

Ogólnie rzecz biorąc, budowle klasycystyczne wyróżniają się surową wielkością i spokojem. Najsłynniejszy zabytek architektury klasycyzmu -Wschodnia fasada Luwru (60s XVIIwiek). Architekt Claude Perrault, który ukończył budowę, ponownie ją wzniósłXVIwiek. Kolumnadę porządku korynckiego wyodrębniają trzy występy w formie portyków (w środku iw narożach fasady).

U początków malarstwa klasycyzmu byłoMikołaja Poussina (1594-1665), który poświęcił się badaniu starożytności. Malował na tematy mitologiczne zaczerpnięte z Owidiusza, Torquato Tasso, rozwijał tematy związane z tematyką biblijną i historyczną, często zwracał się ku pejzażowi. W krajobrazie Poussin osiągnął wyraz majestatycznej prostoty i spokoju.

Najpopularniejszym autorem „idealnego krajobrazu” byłClaude Lorrain (1604-1682). Wizerunki jego obrazów często inspirowane są Biblią, poezją Wergiliusza, Owidiusza czy eposem średniowiecznym, ale w rzeczywistości poświęcone są jednemu przewodniemu tematowi – odzwierciedleniu wewnętrznej harmonii natury („Ascanio i jeleń”). .

Po francusku dramaturgia klasycyzm dał takim tytanom jakCorneille'a, Racine'a, Moliere'a. Corneille i Racine stworzyli najlepsze przykłady nowej klasycznej tragedii, a Molier - komedię.

Pośrodku XVIIIwieku zasady klasycyzmu zostały przekształcone w duchu estetyki oświecenia. Heroiczne opery Glucka to klasycyzm w muzyce, aw malarstwie płótna Davida stały się ucieleśnieniem klasycyzmu.

Queen's House (Queen's House - Queen's House, 1616-1636) w Greenwich Architekt Inigo Jones (Inigo Jones)

Nadszedł czas, a wysoki mistycyzm gotyku, który przeszedł przez próby renesansu, ustępuje miejsca nowym pomysłom opartym na tradycjach starożytnych demokracji. Pragnienie imperialnej wielkości i demokratycznych ideałów przekształciło się w retrospekcję naśladownictwa starożytnych – tak pojawił się w Europie klasycyzm.

Na początku XVII wieku wiele krajów europejskich staje się handlowymi imperiami, pojawia się klasa średnia, zachodzą przemiany demokratyczne, religia w coraz większym stopniu podporządkowana jest władzy świeckiej. Znowu było wielu bogów i przydała się starożytna hierarchia władzy boskiej i ziemskiej. Niewątpliwie nie mogło to nie wpłynąć na trendy w architekturze.

W XVII wieku we Francji i Anglii niemal niezależnie narodził się nowy styl – klasycyzm. Podobnie jak współczesny mu barok, stał się naturalną konsekwencją rozwoju architektury renesansowej i jej przemian w różnych uwarunkowaniach kulturowych, historycznych i geograficznych.

klasycyzm(klasycyzm francuski, od łac. classicus - wzorcowy) - styl artystyczny i nurt estetyczny w sztuce europejskiej końca XVII - początku XIX wieku.

Klasycyzm opiera się na ideach racjonalizm wywodzący się z filozofii Kartezjusz. Dzieło sztuki, z punktu widzenia klasycyzmu, powinno być budowane w oparciu o ścisłe kanony, odsłaniając tym samym harmonię i logikę samego wszechświata. Zainteresowanie klasycyzmem jest tylko wieczne, niezmienne - w każdym zjawisku stara się rozpoznać tylko istotne, typologiczne cechy, odrzucając przypadkowe pojedyncze znaki. Estetyka klasycyzmu przywiązuje dużą wagę do społecznej i edukacyjnej funkcji sztuki. Klasycyzm czerpie wiele zasad i kanonów ze sztuki antycznej (Arystoteles, Platon, Horacy…).

Barokowy był ściśle związany z Kościołem katolickim. Klasycyzm, czyli powściągliwe formy baroku, okazał się bardziej akceptowalny w krajach protestanckich, takich jak Anglia, Holandia, północne Niemcy, a także w katolickiej Francji, gdzie król znaczył znacznie więcej niż papież. Królestwo idealnego króla powinno mieć idealną architekturę, podkreślającą prawdziwą wielkość monarchy i jego rzeczywistą władzę. „Francja to ja”, głosił Ludwik XIV.

W architekturze klasycyzm jest rozumiany jako styl architektoniczny powszechny w Europie w XVIII - początku XIX wieku, którego główną cechą było odwołanie się do form architektury starożytnej jako standardu harmonii, prostoty, rygoru, logicznej jasności, monumentalności i ważność wypełnienia przestrzeni. Architekturę klasycyzmu jako całość cechuje regularność rozplanowania i wyrazistość formy wolumetrycznej. Podstawą języka architektonicznego klasycyzmu był porządek, w proporcjach i formach zbliżonych do antyku, kompozycje symetryczno-osiowe, powściągliwość dekoracji dekoracyjnej oraz regularny układ urbanistyczny.

Zwykle udostępniane dwa okresy w rozwoju klasycyzmu. Klasycyzm ukształtował się w XVII wieku we Francji, odzwierciedlając powstanie absolutyzmu. Wiek XVIII uważany jest za nowy etap w jego rozwoju, gdyż odzwierciedlał wówczas inne ideały obywatelskie, oparte na ideach filozoficznego racjonalizmu oświecenia. Oba okresy łączy idea racjonalnych praw świata, pięknej, uszlachetnionej natury, chęć wyrażania wielkich treści społecznych, wzniosłych ideałów heroicznych i moralnych.

Architekturę klasycyzmu cechuje surowość formy, klarowność rozwiązań przestrzennych, geometryczność wnętrz, miękkość barw oraz lakoniczność dekoracji zewnętrznej i wewnętrznej budowli. W przeciwieństwie do budowli barokowych, mistrzowie klasycyzmu nigdy nie tworzyli iluzji przestrzennych, zaburzających proporcje budowli. A w architekturze parkowej tzw regularny styl gdzie wszystkie trawniki i klomby mają prawidłowy kształt, a tereny zielone są ustawione ściśle w linii prostej i starannie przycięte. ( Zespół ogrodowo-parkowy Wersalu)

Klasycyzm jest typowy dla XVII wieku. dla krajów, w których aktywny był proces formowania się państw narodowych, a siła rozwoju kapitalistycznego rosła (Holandia, Anglia, Francja). Klasycyzm w tych krajach niósł ze sobą nowe cechy ideologii powstającej burżuazji, prowadzącej walkę o stabilny rynek i ekspansję sił wytwórczych, zainteresowanej centralizacją i narodowym zjednoczeniem państw. Będąc przeciwnikiem nierówności klasowych naruszających interesy burżuazji, jej ideolodzy wysuwali teorię racjonalnie zorganizowanego państwa opartego na podporządkowaniu jej interesów stanowych. Za uznaniem rozumu za podstawę organizacji życia państwowego i społecznego przemawiają argumenty postępu naukowego, promowanego wszelkimi sposobami przez burżuazję. To racjonalistyczne podejście do oceny rzeczywistości zostało przeniesione także na pole sztuki, gdzie ważnym tematem staje się ideał obywatelstwa i triumf rozumu nad siłami żywiołów. Ideologia religijna jest w coraz większym stopniu podporządkowana władzy świeckiej, aw wielu krajach jest reformowana. Zwolennicy klasycyzmu widzieli przykład harmonijnej struktury społecznej w świecie starożytnym, dlatego też, aby wyrazić swoje ideały społeczne, etyczne i estetyczne, sięgnęli po przykłady antycznych klasyków (stąd nazwa klasycyzm). Rozwijanie tradycji renesans, klasycyzm wiele czerpał z dziedzictwa barokowy.

Klasycyzm architektoniczny XVII wieku rozwijał się w dwóch głównych kierunkach:

• pierwszy opierał się na rozwoju tradycji szkoły klasycznej późnego renesansu (Anglia, Holandia);
• druga – wskrzeszająca tradycje klasyczne, w większym stopniu rozwinęła tradycje rzymskie baroku (Francja).

klasycyzm angielski

Twórcze i teoretyczne dziedzictwo Palladia, który ożywił antyczne dziedzictwo w całej jego rozpiętości i integralności tektonicznej, szczególnie spodobało się klasycystom. Miało to ogromny wpływ na architekturę tych krajów, które podążyły tą drogą wcześniej niż inne. racjonalizm architektoniczny. Od pierwszej połowy XVII w. w architekturze Anglii i Holandii, które pozostawały pod stosunkowo słabym wpływem baroku, pod wpływem tego wpływu ukształtowały się nowe cechy Palladiański klasycyzm. Szczególnie ważną rolę w rozwoju nowego stylu odegrał architekt angielski. Inigo Jonesa (Inigo Jonesa) (1573-1652) - pierwsza błyskotliwa osobowość twórcza i pierwsze naprawdę nowe zjawisko w angielskiej architekturze XVII wieku. Jest właścicielem najwybitniejszych dzieł angielskiego klasycyzmu XVII wieku.

W 1613 Jones udał się do Włoch. Po drodze udał się do Francji, gdzie udało mu się zobaczyć wiele najważniejszych budowli. Ta podróż najwyraźniej była decydującym impulsem w ruchu architekta Jonesa w kierunku wskazanym przez Palladio. Z tego czasu pochodzą jego notatki na marginesach traktatu Palladia iw albumie.

Charakterystyczne jest, że jedyny ogólny sąd wśród nich o architekturze poświęcony jest rozsądnej krytyce pewnych nurtów w architekturze późnego renesansu we Włoszech: Jones zarzuca Michał Anioł i jego naśladowców, ponieważ położyli podwaliny pod nadmierne stosowanie złożonego wystroju i twierdzą, że architektura monumentalna, ok. w przeciwieństwie do scenografii i krótkotrwałych lekkich budynków, powinien być poważny, wolny od afektacji i oparty na zasadach.

W 1615 roku Jones wrócił do ojczyzny. Zostaje mianowany Generalnym Inspektorem Ministerstwa Robót Królewskich. W następnym roku zaczyna budować jedno ze swoich najlepszych dzieł. Queen's House (Queen's House - The Queen's House, 1616-1636) w Greenwich.

W Queens House architekt konsekwentnie rozwija palladiańskie zasady klarowności i klasycznej klarowności artykulacji porządku, widocznej konstruktywności form i równowagi systemu proporcjonalności. Ogólne kombinacje i poszczególne formy budynku są klasycznie geometryczne i racjonalne. W kompozycji dominuje spokojna, rozczłonkowana metrycznie ściana, zbudowana zgodnie z porządkiem współmiernym do skali człowieka. We wszystkim dominuje równowaga i harmonia. W planie zachowana jest ta sama wyrazistość podziału wnętrza na proste zrównoważone przestrzenie pomieszczeń.

Ta pierwsza konstrukcja Jonesa, która przetrwała do naszych czasów, nie miała precedensu ze względu na rygor i nagą prostotę, a także ostro kontrastowała z poprzednimi budynkami. Nie należy jednak (jak to często bywa) oceniać budynku na podstawie jego obecnego stanu. Zgodnie z kaprysem klienta (królowej Anny, żony Jakuba I Stuarta) dom został zbudowany tuż przy starej drodze Dover (jego położenie wyznaczają teraz długie kolumnady przylegające do budynku po obu stronach) i pierwotnie składał się z dwóch budynków oddzielone drogą, połączone nad nią krytym mostem. Złożoność kompozycji nadawała niegdyś budynkowi bardziej malowniczy, „angielski” charakter, podkreślany przez pionowe kominy układane w tradycyjne wiązki. Już po śmierci mistrza, w 1662 r., zabudowano lukę między budynkami. Okazał się więc kwadratowy w planie, zwarty i suchy w architekturze, z ozdobioną kolumnami loggią od strony Greenwich Hill, z tarasem i klatką schodową prowadzącą do dwupiętrowej sali - od strony Tamizy.

Wszystko to nie uzasadnia tak daleko idącego porównania Queenshouse z kwadratową, centryczną willą w Poggio a Caiano pod Florencją, zbudowaną przez Giuliano da Sangallo Starszego, choć podobieństwo w projekcie ostatecznego planu jest niezaprzeczalne. Sam Jones wymienia jedynie Villa Molini, zbudowaną przez Scamozziego pod Padwą, jako pierwowzór fasady od strony rzeki. Proporcje - równość szerokości ryzalitów i loggii, wysoka wysokość drugiego piętra w stosunku do pierwszego, boniowanie bez rozbicia na oddzielne kamienie, balustrada nad gzymsem i krzywoliniowa, dwuskrzydłowa klatka schodowa przy wejściu - nie są w charakterze Palladia i przypominają nieco manieryzm włoski, a jednocześnie racjonalnie uporządkowane kompozycje klasycyzmu.

Słynny Banqueting House w Londynie (Banqueting House - Banquet Hall, 1619-1622) z wyglądu znacznie bliższy prototypom palladiańskim. Pod względem szlacheckiej powagi i konsekwentnie realizowanej struktury porządkowej w całej kompozycji nie miał on w Anglii poprzedników. Jednocześnie pod względem treści społecznej jest to pierwotny typ konstrukcji, który przewijał się przez angielską architekturę od XI wieku. Za dwupoziomową elewacją porządkową (dolną - jońską, powyżej - kompozytową) znajduje się pojedyncza hala o dwóch wysokościach, na obwodzie której znajduje się balkon, który zapewnia logiczne połączenie między zewnętrzem a wnętrzem. Mimo bliskości palladiańskich fasad występują tu znaczne różnice: obie kondygnacje mają taką samą wysokość, co nie występuje u mistrza wicentyńskiego, a duża powierzchnia przeszkleń przy niewielkiej głębokości okien (echo tutejszej konstrukcja z muru pruskiego) pozbawia ścianę plastyczności właściwej włoskim prototypom, nadając jej wyraźnie narodowe cechy angielskie. Luksusowy strop sali z głębokimi kasetonami ( później namalowany przez Rubensa), znacznie różni się od płaskich stropów ówczesnych pałaców angielskich, ozdobionych lekkimi płaskorzeźbami dekoracyjnych płycin.

Z imieniem Inigo Jonesa, który jest członkiem Królewskiej Komisji Budowlanej od 1618 roku, wiąże się z najważniejszym wydarzeniem urbanistycznym XVII wieku - wmurowanie kamienia węgielnego pod pierwszy londyński skwer stworzony zgodnie z regularnym planem. Już jego nazwa zwyczajowa - Piazza Covent Garden- opowiada o włoskich korzeniach idei. Usytuowany na osi zachodniej strony placu kościół św. Pawła (1631) z wysokim frontonem i dwukolumnowym portykiem toskańskim w antah jest oczywistą, naiwną w swej dosłowności imitacją etruskiej świątyni w wizerunek Serlia. Otwarte arkady na pierwszych piętrach trzykondygnacyjnych budynków okalających rynek od północy i południa przypuszczalnie – echa placu w Livorno. Ale jednocześnie jednolity, klasycystyczny układ przestrzeni miejskiej mógł być inspirowany także Place des Vosges w Paryżu, zbudowanym zaledwie trzydzieści lat wcześniej.

Katedra św. Pawła Na placu Covent Garden (Covent Garden), pierwszy kościół linijka po linijce w Londynie po Reformacji, odzwierciedla w swojej prostocie nie tylko pragnienie klienta, księcia Bedford, aby tanio wypełniać zobowiązania wobec członków swojej parafii, ale także podstawowe wymagania Religia protestancka. Jones obiecał klientowi zbudować „najpiękniejszą stodołę w Anglii”. Mimo to fasada kościoła, odbudowana po pożarze w 1795 r., jest wielkoformatowa, majestatyczna mimo niewielkich rozmiarów, a jej prostota ma niewątpliwie szczególny urok. Ciekawe, że wysokie wejście pod portykiem jest fałszywe, ponieważ ołtarz znajduje się po tej stronie kościoła.

Jones Ensemble niestety całkowicie zaginiony, przestrzeń placu zabudowana, zabudowa zniszczona, wzniesiona dopiero później, w 1878 r., w północno-zachodnim narożniku budynku, można ocenić skalę i charakter pierwotnego planu .

O ile pierwsze prace Jonesa grzeszą raczej suchym rygoryzmem, o tyle jego późniejsze, dworskie budowle są mniej skrępowane więzami klasycznego formalizmu. Swoją swobodą i plastycznością częściowo antycypują angielski palladianizm XVIII wieku. Takim jest np. dom Wiltona (Wilton House, Wiltshire), spłonął w 1647 r. i został odbudowany Johna Webba, wieloletni asystent Jonesa.

Pomysły I. Jonesa były kontynuowane w kolejnych projektach, z których na podkreślenie zasługuje projekt odbudowy Londynu autorstwa architekta. Krzysztofa Wrena (Krzysztofa Wrena) (1632-1723) będący po Rzymie pierwszym wielkim projektem odbudowy średniowiecznego miasta (1666), który wyprzedził o prawie dwa stulecia wspaniałą odbudowę Paryża. Plan nie został zrealizowany, ale architekt przyczynił się do całościowego procesu powstawania i budowy poszczególnych węzłów miasta, dopełniając w szczególności zespół wymyślony przez Inigo Jonesa szpitalu w Greenwich(1698-1729). Innym ważnym budynkiem Wrena jest katedra św. Pawła w Londynie- Londyńska Katedra Kościoła Anglikańskiego. Katedra św. Pawła jest głównym akcentem urbanistycznym na terenie odbudowywanego Miasta. Od konsekracji pierwszego biskupa Londynu, św. Augustyna (604) w tym miejscu, według źródeł, wzniesiono kilka kościołów chrześcijańskich. Bezpośredni poprzednik obecnej katedry, stara katedra św. Pawła, konsekrowany w 1240 r., miał 175 m długości, o 7 m dłuższy niż katedra w Winchester. W latach 1633–1642 Inigo Jones dokonał gruntownych napraw starej katedry i dodał do niej klasyczną palladiańską zachodnią fasadę. Jednak ta stara katedra została całkowicie zniszczona podczas wielkiego pożaru Londynu w 1666 roku. Obecny budynek został zbudowany przez Christophera Wrena w latach 1675–1710; Pierwsze nabożeństwo odbyło się w niedokończonym kościele w grudniu 1697 r.

Z architektonicznego punktu widzenia św. Pawła – jedna z największych kopulastych budowli świata chrześcijańskiego, dorównująca katedrze florenckiej, katedry św. Zofii w Konstantynopolu i św. Piotra w Rzymie. Katedra ma kształt krzyża łacińskiego, jej długość wynosi 157 m, szerokość 31 m; długość transeptu 75 m; całkowita powierzchnia 155 000 mkw. m. W skrzyżowaniu na wysokości 30 m położono fundamenty pod kopułę o średnicy 34 m, która wznosi się na 111 m. Projektując kopułę, Ren zastosował unikalne rozwiązanie. Bezpośrednio nad skrzyżowaniem wzniósł pierwszą ceglaną kopułę z okrągłym 6-metrowym otworem u góry (oculus), w pełni współmierną do proporcji wnętrza. Nad pierwszą kopułą architekt zbudował ceglany stożek, który służy jako podpora dla masywnej kamiennej latarni, której waga sięga 700 ton, a nad stożkiem druga kopuła pokryta ołowianymi blachami na drewnianej ramie, proporcjonalnie skorelowana z bryłami zewnętrznymi budynku. U podstawy stożka ułożony jest żelazny łańcuch, który przyjmuje napór boczny. Lekko spiczasta kopuła spoczywająca na masywnej okrągłej kolumnadzie dominuje w wyglądzie katedry.

Wnętrze jest w większości pokryte marmurem, a ponieważ jest w nim mało koloru, wygląda surowo. Wzdłuż murów znajdują się liczne grobowce znanych generałów i dowódców marynarki wojennej. Szklane mozaiki sklepień i ścian chóru ukończono w 1897 roku.

Ogromne pole dla działalności budowlanej otworzyło się po pożarze Londynu w 1666 roku. Architekt przedstawił swoje plan przebudowy miasta i otrzymał polecenie odbudowy 52 kościołów parafialnych. Wren proponował różne rozwiązania przestrzenne; niektóre budynki są zbudowane z prawdziwym barokowym przepychem (np. kościół św. Szczepana w Walbrook). Ich iglice wraz z wieżami św. Pawła tworzą spektakularną panoramę miasta. Wśród nich należy wymienić kościoły Chrystusa na Newgate Street, St Bride na Fleet Street, St James na Garlick Hill i St Vedast na Foster Lane. Jeśli wymagały tego szczególne okoliczności, jak przy budowie St Mary Aldermary czy Christ Church College w Oksfordzie (Tom's Tower), Wren mógł wykorzystać elementy późnogotyckie, chociaż, jak sam mówi, nie lubił „odchodzić od najlepszego stylu ".

Oprócz budowy kościołów Wren wykonywał prywatne zlecenia, z których jednym było stworzenie nowej biblioteki. Kolegium Trójcy(1676-1684) w Cambridge. W 1669 r. został mianowany głównym dozorcą budowli królewskich. Na tym stanowisku otrzymał szereg ważnych zamówień rządowych, takich jak budowa szpitali w okolicach Chelsea i Greenwich ( Szpital Greenwich) i kilka budynków wchodzących w skład Kompleksy Pałacu Kensington I Pałac Hampton Court.

Podczas swojego długiego życia Wren był w służbie pięciu kolejnych królów na tronie angielskim i opuścił swoją pozycję dopiero w 1718 roku. Wren zmarł w Hampton Court 26 lutego 1723 roku i został pochowany w katedrze św. Paweł. Jego idee zostały podjęte i rozwinięte w szczególności przez następne pokolenie architektów N. Hawksmore i J. Gibbs. Miał znaczący wpływ na rozwój architektury sakralnej w Europie i Stanach Zjednoczonych.

Wśród angielskiej szlachty narodziła się prawdziwa moda na palladiańskie rezydencje, co zbiegło się z filozofią wczesnego Oświecenia w Anglii, która głosiła ideały racjonalności i porządku, najpełniej wyrażone w sztuce antycznej.

Palladiańska angielska willa Była to bryła zwarta, najczęściej trzykondygnacyjna. Pierwsza została potraktowana boniowaniem, główna była frontowa, była to druga kondygnacja, została połączona na elewacji dużym porządkiem z trzecią – mieszkalną. Prostota i wyrazistość budowli palladiańskich, łatwość odtworzenia ich form sprawiły, że podobne budowle stały się bardzo powszechne zarówno w wiejskiej architekturze prywatnej, jak iw architekturze miejskich budynków użyteczności publicznej i mieszkalnych.

Wielki wkład w rozwój sztuki parkowej wnieśli angielscy palladianie. Aby zastąpić modne, geometrycznie poprawne " regularny» przyszły ogrody « parki krajobrazowe później nazywany „angielski”. Malownicze gaje z listowiem w różnych odcieniach przeplatają się z trawnikami, naturalnymi zbiornikami wodnymi i wyspami. Ścieżki parków nie oferują otwartej perspektywy, a za każdym zakrętem przygotowują nieoczekiwany widok. Posągi, pawilony i ruiny kryją się w cieniu drzew. Ich głównym twórcą w pierwszej połowie XVIII wieku był Williama Kenta

Krajobrazy czy parki krajobrazowe były postrzegane jako piękno przyrody inteligentnie korygowane, ale korekty nie miały być zauważalne.

Klasycyzm francuski

Klasycyzm we Francji kształtował się w bardziej złożonych i sprzecznych warunkach, silniejsze były lokalne tradycje i wpływy baroku. Geneza francuskiego klasycyzmu w pierwszej połowie XVII wieku. szło na tle swoistego załamania w architekturze form renesansowych, późnogotyckich tradycji i technik zapożyczonych z rodzącego się włoskiego baroku. Procesowi temu towarzyszyły zmiany typologiczne: przesunięcie akcentu z pozamiejskiego budownictwa zamkowego szlachty feudalnej na miejskie i podmiejskie budownictwo mieszkaniowe dla szlachty biurokratycznej.

We Francji ustanowiono podstawowe zasady i ideały klasycyzmu. Można powiedzieć, że wszystko zaczęło się od słów dwóch sławnych osób, Króla Słońca (tj. Ludwika XIV), który powiedział: Państwo to ja!” oraz słynny filozof Rene Descartes, który powiedział: Myślę, więc jestem„(oprócz i przeciwwaga dla powiedzenia Platona -” Istnieję, więc myślę"). To w tych frazach ukryte są główne idee klasycyzmu: lojalność wobec króla, tj. ojczyznę i triumf rozumu nad uczuciem.

Nowa filozofia domagała się swojego wyrazu nie tylko w ustach monarchy i dziełach filozoficznych, ale także w sztuce dostępnej społeczeństwu. Potrzebowaliśmy heroicznych obrazów, mających zaszczepić patriotyzm i racjonalne zasady w myśleniu obywateli. W ten sposób rozpoczęła się reformacja wszystkich aspektów kultury. Architektura tworzyła ściśle symetryczne formy, podporządkowując sobie nie tylko przestrzeń, ale i samą naturę, starając się choć trochę zbliżyć do tego, co powstało. Klaudiusz Ledoux utopijne idealne miasto przyszłości. Który notabene pozostał wyłącznie w rysunkach architekta (warto zaznaczyć, że projekt był na tyle znaczący, że jego motywy są nadal wykorzystywane w różnych nurtach architektonicznych).

Najbardziej uderzającą postacią w architekturze wczesnego klasycyzmu francuskiego był Nicolas Francois Mansart(Nicolas François Mansart) (1598-1666) – jeden z twórców francuskiego klasycyzmu. Jego zasługą, oprócz bezpośredniego wzniesienia budynków, jest opracowanie nowego typu mieszczańskiej siedziby szlacheckiej – „hotelu” – o przytulnym i wygodnym układzie obejmującym przedsionek, okazałą klatkę schodową, szereg amfiladowych pomieszczenia, często zamknięte wokół patio. Gotyckie pionowe odcinki elewacji posiadają duże prostokątne okna, wyraźny podział na kondygnacje oraz bogatą plastyczność porządkową. Cechą charakterystyczną hoteli Mansart są wysokie dachy, pod którymi urządzono dodatkową przestrzeń mieszkalną - strych, nazwany tak od imienia jego twórcy. Świetnym przykładem takiego dachu jest pałac. Maisons-Laffitte(Maisons-Laffitte, 1642-1651). Inne prace Mansarta obejmują - Hotel de Tuluza, Hotel Mazarin i Paryska Katedra Val de Grace(Val-de-Grace) ukończony według jego projektu Lemerce I Le Muet.

Okres rozkwitu pierwszego okresu klasycyzmu przypada na drugą połowę XVII wieku. Koncepcje filozoficznego racjonalizmu i klasycyzmu wysuwane przez ideologię burżuazyjną, absolutyzm w obliczu Ludwik XIV przyjmuje za oficjalną doktrynę państwową. Koncepcje te są całkowicie podporządkowane woli króla, służą jako środek do wysławiania go jako najwyższej personifikacji narodu, zjednoczonego na podstawie rozsądnego samowładztwa. W architekturze ma to dwojaki wyraz: z jednej strony dążenie do racjonalnych, uporządkowanych kompozycji, tektonicznie czystych i monumentalnych, uwolnionych od ułamkowej „wielociemności” poprzedniego okresu; z drugiej strony narastająca tendencja do jednej wolicjonalnej zasady kompozycji, do dominacji osi podporządkowującej budynek i przestrzenie przyległe, do podporządkowania woli człowieka nie tylko zasadom organizacji przestrzeni miejskiej, ale także samej naturze, przekształconej zgodnie z prawami rozumu, geometrii, „idealnego” piękna. Obydwa nurty ilustrują dwa najważniejsze wydarzenia z życia architektonicznego Francji drugiej połowy XVII wieku: pierwsze – projekt i budowa wschodniej elewacji pałacu królewskiego w Paryżu – Żaluzja (Żaluzja); drugi - utworzenie nowej rezydencji Ludwika XIV - najbardziej okazałego zespołu architektonicznego i ogrodniczego w Wersalu.

Wschodnia fasada Luwru powstała w wyniku porównania dwóch projektów – jednego, który przyjechał do Paryża z Włoch Lorenza Berniniego(Gian Lorenzo Bernini) (1598-1680) i francuski Claude'a Perraulta(Claude Perrault) (1613-1688). Preferowano projekt Perraulta (zrealizowany w 1667 r.), gdzie w przeciwieństwie do barokowego niepokoju i tektonicznej dwoistości projektu Berniniego, wydłużona fasada (długość 170,5 m) ma wyraźną strukturę porządkową z przerwaną ogromną dwukondygnacyjną galerią pośrodku i po bokach symetrycznymi ryzalitami. Sparowane kolumny porządku korynckiego (wysokość 12,32 m) dźwigają duże, klasycystycznie zaprojektowane belkowanie, zakończone attyką i balustradą. Fundament jest interpretowany jako gładka piwnica, w której rozwoju, podobnie jak w elementach porządku, podkreśla się funkcje konstrukcyjne głównej podpory nośnej budynku. Czytelna, rytmiczna i proporcjonalna konstrukcja opiera się na prostych relacjach i modułowości, a jako wartość początkową (moduł) przyjmuje się dolną średnicę kolumn, podobnie jak w kanonach klasycznych. Wymiary budynku w wysokości (27,7 m) i ogólna duża skala kompozycji, zaprojektowanej tak, aby stworzyć frontowy plac przed elewacją, nadają budynkowi majestat i reprezentatywność niezbędną pałacowi królewskiemu. Jednocześnie całą strukturę kompozycji wyróżnia architektoniczna logika, geometryczność i artystyczny racjonalizm.

Zespół Wersalski(Château de Versailles, 1661-1708) - szczyt działalności architektonicznej czasów Ludwika XIV. Chęć połączenia atrakcyjnych aspektów życia miejskiego i życia na łonie natury doprowadziła do powstania okazałego kompleksu, w skład którego wchodzi pałac królewski z budynkami dla rodziny królewskiej i rządu, ogromny park i przylegające do pałacu miasto . Pałac jest centralnym punktem, w którym oś parku zbiega się – z jednej strony, az drugiej – z trzema promieniami miejskich autostrad, z których środkowa służy jako droga łącząca Wersal z Luwrem. Pałac, którego długość od strony parku wynosi ponad pół kilometra (580 m), jego środkowa część jest ostro wysunięta do przodu, a w wysokości ma wyraźny podział na piwnicę, piętro główne i poddasze . Na tle uporządkowanych pilastrów portyki jońskie pełnią rolę rytmicznych akcentów, które łączą elewacje w integralną kompozycję osiową.

Oś pałacu służy jako główny czynnik dyscyplinujący w przekształcaniu krajobrazu. Symbolizując nieograniczoną wolę panującego właściciela kraju, ujarzmia elementy natury zgeometryzowanej, przeplatając się w ścisłym porządku z elementami architektonicznymi o charakterze parkowym: schodami, basenami, fontannami, różnymi formami małej architektury.

Właściwa dla baroku i starożytnego Rzymu zasada osiowej przestrzeni realizowana jest tu w okazałej osiowej perspektywie zielonych parterów i alejek opadających tarasami, prowadzących wzrok obserwatora w głąb położonego w oddali kanału na planie krzyża i dalej do nieskończoność. Piramidalne krzewy i drzewa podkreślały linearną głębię i sztuczność kreowanego krajobrazu, nabierając naturalnego dopiero poza główną perspektywą.

Pomysł " przekształcona natura odpowiadał nowemu sposobowi życia monarchy i szlachty. Doprowadziło to również do powstania nowych planów urbanistycznych – odejścia od chaotycznego średniowiecznego miasta, a ostatecznie do zdecydowanego przekształcenia miasta opartego na zasadach regularności i wprowadzenia do niego elementów krajobrazu. Rezultatem było rozpowszechnienie zasad i technik opracowanych w planowaniu Wersalu do pracy nad odbudową miast, przede wszystkim Paryża.

Andrzej Lenotrou(André Le Nôtre) (1613-1700) - twórca zespołu ogrodowo-parkowego Wersal– należy do idei uregulowania układu centralnej dzielnicy Paryża, sąsiadującej od zachodu i wschodu z pałacami Luwru i Tuileries. Oś Luwr - Tuileries, pokrywający się z kierunkiem drogi do Wersalu, decydował o znaczeniu słynnego „ paryska średnica”, która później stała się główną arterią stolicy. Na tej osi rozplanowano Ogrody Tuileries i część alei - alejek Pól Elizejskich. W drugiej połowie XVIII wieku powstał Place de la Concorde, łączący Tuileries z aleją Pól Elizejskich, aw pierwszej połowie XIX wieku. monumentalny łuk Gwiazdy, umieszczony na końcu Pól Elizejskich pośrodku okrągłego placu, dopełnił formacji zespołu, którego długość wynosi około 3 km. Autor Pałac wersalski Jules Hardouin-Mansart(Jules Hardouin-Mansart) (1646-1708) stworzył również wiele wybitnych zespołów w Paryżu na przełomie XVII i XVIII wieku. Należą do nich okrągłe Plac Zwycięstwa(Place des Victoires), prostokątny Miejsce Vendôme(Place Vendome), zespół szpitala Inwalidów z katedrą z kopułą. Klasycyzm francuski drugiej połowy XVII wieku. przejęli zdobycze urbanistyczne renesansu, a zwłaszcza baroku, rozwijając je i stosując na szerszą skalę.

W XVIII wieku, za panowania Ludwika XV (1715-1774), w architekturze francuskiej, podobnie jak w innych formach sztuki, rozwinął się styl rokoko, który był formalną kontynuacją barokowych tendencji malarskich. Oryginalność tego stylu, bliskiego barokowi i pretensjonalnego w swoich formach, przejawiała się głównie w wystroju wnętrz, który odpowiadał luksusowemu i rozrzutnemu życiu królewskiego dworu. Sale ceremonialne nabrały wygodniejszego, ale też bardziej pretensjonalnego charakteru. W dekoracji architektonicznej pomieszczeń szeroko stosowano lustra i dekoracje sztukatorskie wykonane z misternie zakrzywionych linii, girland z kwiatów, muszli itp. Styl ten znalazł szerokie odzwierciedlenie również w meblach. Jednak już w połowie XVIII wieku nastąpiło odejście od pretensjonalnych form rokokowych w kierunku większej rygoru, prostoty i przejrzystości. Okres ten zbiega się we Francji z szerokim ruchem społecznym skierowanym przeciwko monarchicznemu systemowi społeczno-politycznemu i znalazł swoje rozwiązanie we francuskiej rewolucji burżuazyjnej 1789 r. Druga połowa XVIII i pierwsza tercja XIX wieku to we Francji nowy etap w rozwoju klasycyzmu i jego szerokiej dystrybucji w krajach europejskich.

KLASYCYZM DRUGIEJ POŁ. XVIII wiek w dużej mierze rozwinął zasady architektury poprzedniego wieku. Jednak nowe ideały burżuazyjno-racjonalistyczne - prostota i klasyczna klarowność form - są obecnie rozumiane jako symbol pewnej demokratyzacji sztuki lansowanej w ramach burżuazyjnego oświecenia. Zmienia się relacja między architekturą a naturą. Symetria i oś, które pozostają podstawowymi zasadami kompozycji, nie mają już dawnego znaczenia w organizacji krajobrazu naturalnego. Coraz częściej francuski park regularny ustępuje miejsca tzw. parkowi angielskiemu z malowniczą kompozycją krajobrazową imitującą krajobraz naturalny.

Architektura budynków staje się nieco bardziej humanitarna i racjonalna, choć ogromna skala urbanistyczna nadal determinuje szerokie, zespołowe podejście do zadań architektonicznych. Miasto ze wszystkimi jego średniowiecznymi budynkami jest ogólnie uważane za obiekt wpływów architektonicznych. Przedstawiane są pomysły planu architektonicznego dla całego miasta; Jednocześnie interesy transportu, kwestie poprawy warunków sanitarnych, lokowania przedmiotów działalności handlowej i produkcyjnej oraz inne kwestie gospodarcze zaczynają zajmować znaczące miejsce. W pracach nad nowymi typami zabudowy miejskiej wiele uwagi poświęca się wielokondygnacyjnym budynkom mieszkalnym. Pomimo tego, że praktyczna realizacja tych idei urbanistycznych była bardzo ograniczona, wzrost zainteresowania problematyką miasta wpłynął na powstawanie zespołów. W warunkach dużego miasta nowe zespoły starają się objąć duże przestrzenie swoją „strefą wpływów”, często przybierając charakter otwarty.

Największy i najbardziej charakterystyczny zespół architektoniczny francuskiego klasycyzmu XVIII wieku - Place de la Concorde w Paryżu stworzony w ramach projektu Ange-Jacques Gabriel (Ange-Jacque Gabriel(1698 - 1782) w latach 50-60 XVIII wieku, a jego ostateczne ukończenie przypada na drugą połowę XVIII - pierwszą połowę XIX wieku. Rozległy plac służy jako przestrzeń dystrybucyjna nad brzegiem Sekwany między Ogrodami Tuileries przylegającymi do Luwru i szerokimi bulwarami Pól Elizejskich. Istniejące wcześniej suche rowy służyły jako granica prostokątnego terenu (o wymiarach 245 x 140 m). „Graficzny” układ terenu za pomocą suchych rowów, balustrad, grup rzeźbiarskich nosi piętno planarnego założenia parku wersalskiego. W przeciwieństwie do zamkniętych placów Paryża w XVII wieku. (Place Vendôme itp.), Place de la Concorde jest przykładem otwartego placu, ograniczonego tylko z jednej strony dwoma symetrycznymi budynkami zbudowanymi przez Gabriela, które tworzyły poprzeczną oś przechodzącą przez plac i utworzoną przez nie Rue Royale . Oś osadzono na placu z dwiema fontannami, a na przecięciu głównych osi wzniesiono pomnik króla Ludwika XV, a później wysoki obelisk). Pola Elizejskie, Ogrody Tuileries, przestrzeń Sekwany i jej bulwary są niejako kontynuacją tego ogromnego w swoim zakresie zespołu architektonicznego w kierunku prostopadłym do osi poprzecznej.

Częściowa przebudowa ośrodków z układem regularnych „placów królewskich” obejmuje także inne miasta Francji (Rennes, Reims, Rouen itp.). Szczególnie widoczny jest Plac Królewski w Nancy (Place Royalle de Nancy, 1722-1755). Rozwija się teoria urbanistyki. Na szczególną uwagę zasługuje praca teoretyczna dotycząca placów miejskich architekta Patta, który opracował i opublikował wyniki konkursu na plac Ludwika XV w Paryżu, przeprowadzonego w połowie XVIII wieku.

Rozwój przestrzenny budynków francuskiego klasycyzmu XVIII wieku nie jest pomyślany w oderwaniu od zespołu urbanistycznego. Wiodącym motywem pozostaje duży porządek, który dobrze koreluje z sąsiadującymi przestrzeniami miejskimi. Konstruktywna funkcja jest zwracana do porządku; częściej stosowany jest w postaci portyków i krużganków, jego skala jest powiększona, obejmując wysokość całej głównej kubatury budowli. Teoretyk francuskiego klasycyzmu MA Laugier (Laugier MA) zasadniczo odrzuca klasyczną kolumnę, która tak naprawdę nie niesie obciążenia, i krytykuje umieszczanie jednego zamówienia na drugim, jeśli w ogóle można obejść się przy jednym wsporniku. Praktyczny racjonalizm otrzymuje szerokie uzasadnienie teoretyczne.

Rozwój teorii stał się typowym zjawiskiem w sztuce francuskiej od XVII wieku, od powstania Akademii Francuskiej (1634), powstania Królewskiej Akademii Malarstwa i Rzeźby (1648) oraz Akademii Architektury (1671). ). Szczególną uwagę w teorii przywiązuje się do rzędów i proporcji. Rozwijanie doktryny proporcji Jakuba Francois Blondela(1705-1774) - francuski teoretyk drugiej połowy XVII wieku, Laugier tworzy cały system logicznie uzasadnionych proporcji, oparty na racjonalnie sensownej zasadzie ich absolutnej doskonałości. Jednocześnie w proporcjach, podobnie jak w całej architekturze, wzmacniany jest element racjonalności, opartej na spekulacyjnie wyprowadzonych matematycznych regułach kompozycji. Rośnie zainteresowanie dziedzictwem starożytności i renesansu, aw konkretnych próbkach tych epok poszukuje się logicznego potwierdzenia przedstawionych zasad. Rzymski Panteon jest często przytaczany jako idealny przykład jedności funkcji użytkowej i artystycznej, a budynki Palladia i Bramantego, w szczególności Tempietto, uważane są za najpopularniejsze przykłady klasyki renesansu. Próbki te są nie tylko dokładnie badane, ale często służą jako bezpośrednie prototypy wznoszonych budynków.

Wzniesiony w latach 1750-1780 wg projektu Jacquesa Germaina Souflo(Jacques-Germain Soufflot) (1713 - 1780) Św. Genowefy w Paryżu, który później stał się narodowym panteonem francuskim, można dostrzec powrót do artystycznego ideału starożytności i najdojrzalszych przykładów renesansu tkwiących w tym czasie. Kompozycję na planie krzyża wyróżnia logika ogólnego schematu, równowaga części architektonicznych, klarowność i przejrzystość konstrukcji. Portyk wraca w swoich formach do rzymskiego Panteon, bęben z kopułą (rozpiętość 21,5 m) przypomina kompozycję Tempietto. Główna fasada uzupełnia perspektywę krótkiej, prostej ulicy i jest jednym z najbardziej widocznych obiektów architektonicznych Paryża.

Ciekawym materiałem ilustrującym rozwój myśli architektonicznej w drugiej połowie XVIII – początku XIX wieku jest opublikowanie w Paryżu konkursowych projektów naukowych nagrodzonych najwyższą nagrodą (Grand prix). Czerwoną nitką przewijającą się przez wszystkie te projekty jest podziw dla starożytności. Niekończące się kolumnady, ogromne kopuły, wielokrotnie powtarzane portyki itp. Mówią z jednej strony o zerwaniu z arystokratyczną zniewieściałością rokoka, z drugiej strony o rozkwicie pewnego rodzaju architektonicznego romansu, dla realizacji którego nie było jednak podstaw w rzeczywistości społecznej.

W przededniu Rewolucji Francuskiej (1789-94) zrodziło się dążenie do surowej prostoty w architekturze, śmiałe poszukiwanie monumentalnej geometrii, nowej, nieuporządkowanej architektury (K. N. Ledoux, E. L. Bulle, J. J. Lekeux). Poszukiwania te (zaznaczone także wpływem akwafort architektonicznych G. B. Piranesiego) posłużyły za punkt wyjścia dla późnej fazy klasycyzmu - empiru.

W latach rewolucji prawie nie prowadzono budowy, ale narodziła się duża liczba projektów. Określona jest ogólna tendencja do przezwyciężania form kanonicznych i tradycyjnych schematów klasycznych.

Myśl kulturologiczna, po przejściu kolejnej rundy, zakończyła się w tym samym miejscu. Malarstwo rewolucyjnego kierunku francuskiego klasycyzmu jest reprezentowane przez odważny dramat historycznych i portretowych obrazów J. L. Davida. W latach cesarstwa Napoleona I w architekturze rośnie wspaniała reprezentatywność (Ch. Percier, L. Fontaine, J. F. Chalgrin)

Międzynarodowym centrum klasycyzmu XVIII – początku XIX wieku stał się Rzym, w którym w sztuce dominowała tradycja akademicka, z połączeniem szlachetności form i nierzadkim dla akademizmu zimnym, abstrakcyjnym idealizmem (malarz niemiecki A. R. Mengs, austriacki pejzażysta J. A. Koch, rzeźbiarze - włoski A. Canova, Duńczyk B. Thorvaldsen).

W XVII i na początku XVIII wieku ukształtował się klasycyzm w architekturze holenderskiej- architekt Jakub van Campen(Jacob van Campen, 1595-165), co dało początek jego szczególnie powściągliwej wersji, powiązania z klasycyzmem francuskim i niderlandzkim, a także wczesnym barokiem, wpłynęły na krótki, genialny okres rozkwitu klasycyzm w architekturze szwedzkiej koniec XVII - początek XVIII wieku - architekt Nikodem Tessin Młodszy(Nikodem Tessin Młodszy 1654-1728).

W połowie XVIII wieku zasady klasycyzmu zostały przekształcone w duchu estetyki oświecenia. W architekturze odwoływanie się do „naturalności” stawiało wymóg konstruktywnego uzasadnienia elementów porządkujących kompozycję, we wnętrzu – opracowanie elastycznego układu wygodnego budynku mieszkalnego. Środowisko krajobrazowe „angielskiego” parku stało się idealnym środowiskiem dla domu. Szybki rozwój wiedzy archeologicznej o starożytności greckiej i rzymskiej (wykopaliska w Herkulanum, Pompejach itp.) wywarł ogromny wpływ na klasycyzm XVIII wieku; Prace II Winkelmanna, JV Goethego i F. Militsiya wniosły swój wkład do teorii klasycyzmu. We francuskim klasycyzmie XVIII wieku zdefiniowano nowe typy architektoniczne: niezwykle kameralną rezydencję, frontowy budynek użyteczności publicznej, otwarty plac miejski.

W Rosji klasycyzm przeszedł kilka etapów swojego rozwoju i osiągnął niespotykane dotąd rozmiary za panowania Katarzyny II, która uważała się za „oświeconego monarchę”, korespondowała z Wolterem i popierała idee francuskiego oświecenia.

Klasyczna architektura Petersburga była bliska idei znaczenia, wielkości, potężnego patosu.

Z łacińskiego classicus - wzorowy. Styl lub nurt w literaturze i sztuce XVII - początku XIX wieku, który zwracał się do dziedzictwa antycznego jako normy i idealnego wzorca. Klasycyzm ukształtował się w XVII wieku. we Francji. w XVIII wieku klasycyzm wiązał się z Oświeceniem; opierając się na ideach racjonalizmu filozoficznego, na ideach racjonalnych praw świata, na pięknej uszlachetnionej naturze, dążył do wyrażenia wielkiej treści społecznej, wzniosłych ideałów heroicznych i moralnych, do ścisłej organizacji logicznych, jasnych i harmonijnych obrazów . Zgodnie z wzniosłymi ideami etycznymi, programem edukacyjnym sztuki, estetyka klasycyzmu ustanowiła hierarchię gatunków - „wysoką” (tragedia, epos, oda; malarstwo historyczne, mitologiczne, religijne itp.) I „niską” (komedia, satyra, bajka, malarstwo rodzajowe itp.). W literaturze (tragedie P. Corneille'a, J. Racine'a, Voltaire'a, komedie Moliera, wiersz „Sztuka poetycka” i satyry N. Boileau, bajki J. La Fontaine'a, proza ​​​​F. La Rochefoucaulda , J. La Bruyère we Francji, twórczość okresu weimarskiego I. V. Goethego i F. Schillera w Niemczech, ody M. V. Łomonosowa i G. R. Derzhavina, tragedie A. P. Sumarokowa i Ja. B. Knyazhnina w Rosji), znaczące kolizji etycznych, wiodącą rolę odgrywają obrazy typizowane normatywnie. Dla sztuki teatralnej [Mondory, T. Duparc, M. Chanmelet, AL Leken, FJ Talma, Rachel we Francji, F.K. Neuber w Niemczech, F.G. Wołkow, I.A. Dmitrewskiego w Rosji] charakteryzują się uroczystą, statyczną strukturą przedstawień, wyważoną lekturą poezji. W teatrze muzycznym heroizm, uniesienie stylu, logiczna klarowność dramaturgii, dominacja recytatywu (opery J.B. Lully'ego we Francji) czy wokalnej wirtuozerii w ariach (opera włoska seria), szlachetna prostota i wzniosłość (reformistyczne opery K.V. Glucka w Austrii) . Klasycyzm w architekturze (J. Hardouin - mansart, J.A. Gabriel, K.N. Ledoux we Francji, K. Ren w Anglii, V.I. Bazhenov, M.F. Kazakov, A.N. Voronikhin, A.D. Zacharow, K.I. Rossi w Rosji) charakteryzują się wyrazistością i geometryzmem form , racjonalna przejrzystość planowania, zestawienia gładkiej ściany z nakazem i powściągliwym wystrojem. Sztuki piękne (malarze N. Poussin, C. Lorrain, JL David, JOD Ingres, rzeźbiarze JB Pigalle, EM Falcone we Francji, IG Shadov w Niemczech, B Thorvaldsen w Danii, A. Canova we Włoszech, malarze AP Losenko, GI Ugryumov, rzeźbiarze M.P. Matros w Rosji) wyróżnia się logicznym rozwinięciem fabuły, ścisłą równowagą kompozycji, plastyczną klarownością form, wyraźną harmonią liniowych rytmów .

SZTUKA.

W XVIII wieku we Francji narodził się nowy styl artystyczny – klasycyzm. Nazwę „klasycyzm” można dosłownie przetłumaczyć jako „oparty na klasyce”, „wzorowy”. Jego pojawienie się wiąże się ze zmianami w życiu politycznym i myśli filozoficznej.

Szczególna forma rządów – absolutyzm, związana z imieniem króla Ludwika 14, jest aforystycznie iw pełni wyrażona w jednej królewskiej formule: „Państwo to ja”.

Nowy kierunek filozoficzny - racjonalizm - głosił pierwszeństwo ludzkiego umysłu. Prawa piękna są całkiem zrozumiałe racjonalnie, co oznacza, że ​​sztuka musi opierać się na pewnych zasadach. Zadaniem sztuki jest ucieleśnienie idealnego porządku.

Starożytność nazywano ideałem, ale klasycyzm, który nawoływał do realizacji tradycji sztuki klasycznej, był w rzeczywistości bardzo daleki od afirmującego życie świata helleńskiego. Najbliższa ze wszystkich tym, którzy wołali: „Naprzód – ku przeszłości!”, była być może filozofia rzymskich stoików, którzy wzywali do zachowania niewzruszonego męstwa pośród ogólnego chaosu.

Wczesny klasycyzm był zbyt poprawny, zbyt spekulatywny i abstrakcyjny. Pisarze tamtych czasów - przede wszystkim dramatopisarze Corneille, Racine, Moliere - rozwinęli teorię klasycyzmu i wcielili ją w życie. Wady i cnoty w dramacie klasycznym są wyraźnie rozłożone, w postaciach nie ma tonów i półtonów: jeśli bohater jest w stu procentach, jeśli łajdak jest w dwustu procentach. Głównym konfliktem tragedii klasycyzmu jest konflikt między uczuciem a obowiązkiem, i to obowiązek wygrywa. W zadziwiający sposób teoria i praktyka klasycyzmu łączą się w sztuce ogrodnictwa krajobrazowego. Tak więc park przy królewskiej rezydencji w Wersalu został zaplanowany według ścisłych zasad: baseny o wyraźnym geometrycznym kształcie, proste alejki, czyste poziome linie. Kwietniki przypominają doskonale wybarwiony parkiet, a nawet krzewom i drzewom nie pozostawia się żadnych swobód: ich korony nabierają stożkowatych i kulistych kształtów za pomocą nożyczek i sekatorów. Ściśle regularne planowanie mistrza ogrodów i parków Le Nôtre jest ucieleśnieniem racjonalistycznego ducha klasycyzmu.

Rozkwit neoklasycyzmu przypadł na epokę Wielkiej Rewolucji Francuskiej (1789 - 1794).Epikurejskim nastrojom i miłosnym zachciankom rokoka przeciwstawiła się prostota formy, patos obywatelskiego obowiązku, ideowość i poprawność.

W malarstwie klasycyzm jest najwyraźniej reprezentowany przez dzieła Nicolasa Poussina, Jeana Baptiste'a Chardina, Auguste'a Dominique'a Ingresa. Najbardziej konsekwentnym przedstawicielem neoklasycyzmu był śpiewak rewolucji Jacques Louis David.

MARZENIA. We Francji myśliciele Oświecenia, będący duchowymi prekursorami rewolucji, pilnie pielęgnowali tendencję do odrzucania rodzącego się w malarstwie rokoka. Ten zwrot myśli, początkowo bardziej merytoryczny niż stylowy, spowodowany był nagłą popularnością Jean-Baptiste Greuze (1735-1850) w latach sześćdziesiątych XVIII wieku. Jego „Wiejska panna młoda”, podobnie jak inne jego obrazy z tamtych lat, przedstawia scenę z życia klasy niższej. Od wcześniejszych gatunków płócien wyróżnia się teatralnością kompozycji, zapożyczoną z "cichych scen" Hogartha. Ale w dziełach Greza nie ma kpiny ani sarkazmu. Jego moralistyczny obraz jest ilustracją społecznych kazań Jeana-Jacquesa Rousseau: ubodzy, w przeciwieństwie do niemoralnych arystokratów, są nieodłącznie związane z „naturalnymi” cnotami i autentycznością uczuć. Wszystko na obrazie ma nam o tym przypominać, począwszy od żałosnych gestów i mimiki przedstawionych postaci, po najdrobniejszy szczegół – kurę z pisklętami, którą widzimy na pierwszym planie. Jedna pisklę opuściła swoich braci i siostry i usiadła na brzegu miski z wodą, więc panna młoda ma zamiar opuścić swoją rodzinę. „The Village Bride” została uznana za arcydzieło, a Denis Diderot, ten apostoł Rozumu i Natury, wychwalał ją najgłośniej ze wszystkich. Wreszcie, mówił, pojawił się artysta, który spełnia misję społeczną, odwołuje się do moralnego poczucia widza, a nie tylko stara się podobać, jak to czynili frywolni artyści epoki rokoko! W pierwszym przypływie zachwytu Diderot ocenił akcję obrazu Grese'a według formuły Poussina jako „szlachetny i poważny czyn człowieka”.

DAWID. Później, gdy na scenie pojawił się jeszcze bardziej utalentowany artysta, surowy „neopussenista” Jean-Louis David (1748 - 1825), Diderot zmienił swój punkt widzenia. Sądząc po obrazie „Śmierć Sokratesa”, napisanym w 1787 r., David jest bardziej „Poussinem” niż sam Poussin. Kompozycja rozwija się, jak w reliefie, równolegle do płaszczyzny obrazu, a postacie są monumentalne i nieruchome, jak posągi. David wprowadził do obrazu nieoczekiwany szczegół - oświetlenie jest ostro skupione i tworzy wyraźne cienie. Tę dość realistyczną technikę zapożyczył od Caravaggia. Tym samym obrazy stają się bliższe życia, co przy tak doktrynerskim wcieleniu nowego stylu idealnego jest nieco zaskakujące. Biorąc starożytność za przykład obywatelstwa i umiłowania wolności, stał się założycielem tzw. rewolucyjny klasycyzm końca XVIII wieku, wykonywał dzieła o wielkim publicznym brzmieniu, surowe w kompozycji i rytmie (Przysięga Horacjuszy, 1784), portrety (Doktor A. Levois, 1783). W latach rewolucji francuskiej organizator życia artystycznego, twórca portretów, malarstwa historycznego, m.in. poświęcony aktualnym wydarzeniom („Śmierć Marata”, 1793). Od 1804 r. „pierwszy artysta” Napoleona I malował spektakularne kompozycje ceremonialne („Koronacja Józefiny”, 1805–1807). W 1816 wyemigrował do Belgii.

Literatura światowa.

Klasycy starali się naśladować wzorce sztuki antycznej, kierując się normami określonymi przez antycznych teoretyków sztuki (Arystoteles i Horacy). Klasycyzm uderza w obywatelskość, skalę, powagę, harmonię form.

Klasycy widzieli cel sztuki w poznaniu prawdy, która spełnia rolę ideału piękna. Klasycyści zaproponowali metodę osiągnięcia tego celu, opartą na trzech centralnych kategoriach ich estetyki: rozum, model, smak. Wszystkie te kategorie uznano za obiektywne kategorie artyzmu. Z punktu widzenia klasycystów wielkie dzieła nie są owocem talentu, natchnienia, nieartystycznej fantazji, ale wytrwałego studiowania nakazów rozumu, studiowania dzieł klasycznych starożytności i znajomości reguł smaku. Tym samym klasycyści zbliżają działalność artystyczną do działalności naukowej. Dlatego akceptowalna okazała się dla nich filozoficzno-racjonalistyczna metoda francuskiego filozofa René Descartesa (1596-1650), która stała się podstawą wiedzy artystycznej w klasycyzmie.

Drugą najważniejszą kategorią klasycznej estetyki jest wzór. Klasycy wierzyli, że ideał estetyczny jest wieczny i ten sam przez cały czas, ale dopiero w starożytności został wcielony w sztukę z największą kompletnością. Dlatego, aby ponownie odtworzyć ideał, należy zwrócić się do sztuki starożytnej i dokładnie przestudiować jej prawa. Dlatego naśladownictwo wzorców było cenione przez klasyków wyżej niż oryginalne dzieło. Zwracając się do starożytności, klasycy porzucili tym samym naśladownictwo modeli chrześcijańskich, kontynuując walkę humanistów renesansu o sztukę wolną od dogmatów religijnych.

Kult rozumu wymagał radykalnej przebudowy treści i formy dzieł, zasad typizacji, systemu gatunkowego. Klasycy głosili zasadę naśladowania natury, ściśle ograniczając prawo artysty do fantazji. Sztuka zbliżyła się do życia politycznego, jej najważniejszym zadaniem było wychowanie prawdziwego obywatela swojego kraju. Dlatego w centrum dzieł klasycyzmu znajdują się problemy o znaczeniu narodowym.

W sztuce klasycyzmu zwraca się uwagę nie na to, co szczególne, indywidualne, przypadkowe, ale na to, co ogólne, typowe. Dlatego postać bohatera w literaturze nie ma cech indywidualnych, działając jako uogólnienie całego typu ludzi. Zasada klasycznego typowania prowadzi do ostrego podziału bohaterów na pozytywnych i negatywnych, poważnych i zabawnych. Jednocześnie śmiech staje się coraz bardziej satyryczny, ponieważ skierowany jest głównie właśnie do postaci negatywnych.

Kategoria rozumu okazuje się być centralna w kształtowaniu się odkrytego przez klasycyzm nowego typu konfliktu artystycznego: konfliktu między rozumem, powinnością wobec państwa a uczuciami, osobistymi potrzebami, namiętnościami. Odkrywszy w człowieku niejako dwa byty - państwo i osobę prywatną, pisarze szukali także sposobów na zharmonizowanie rozumu i uczuć, wierzyli w ostateczny triumf harmonii. Jest to jedno z głównych źródeł optymizmu w literaturze klasycznej.

Wielki wpływ na teorię gatunku wywarli klasycy. Kierowali się zasadami hierarchii, są gatunki główne i niegłówne. Do połowy XVII wieku ugruntowała się opinia, że ​​najważniejszym gatunkiem literackim jest tragedia (w architekturze - pałac, w malarstwie - portret ceremonialny itp.). Proza była uważana za gorszą od poezji, zwłaszcza fikcji. Dlatego takie gatunki prozy, jak kazania, listy, wspomnienia, które z reguły nie są przeznaczone do percepcji estetycznej, stały się powszechne; fikcja, w szczególności powieść, została zapomniana. Zasada hierarchii dzieli gatunki na „wysokie” i „niskie”, a do gatunków przypisuje się określone sfery artystyczne. Tak więc gatunkom „wysokim” (tragedia, oda itp.) Przypisano problemy ogólnokrajowe, mogli mówić tylko o królach, generałach, najwyższej szlachcie, język tych dzieł miał optymistyczny, uroczysty charakter („wysoki spokój” ). W gatunkach „niskich” (komedia, bajka, satyra itp.) można było dotykać tylko konkretnych problemów lub abstrakcyjnych przywar (skąpstwo, hipokryzja, próżność itp.), pełniących rolę absolutyzowanych prywatnych cech ludzkiego charakteru. Bohaterami gatunków „niskich” mogli być przedstawiciele niższych klas społecznych, natomiast usuwanie osób szlacheckich było dozwolone tylko w wyjątkowych przypadkach (wyższym można docenić odwagę Moliera, który wizerunek markiza uczynił stałym komiksem postać). W języku takich prac dopuszczano chamstwo, dwuznaczne aluzje i grę słów („niski spokój”), użycie słowa „wysoki spokój” miało tu z reguły charakter parodystyczny. Zgodnie z zasadami racjonalizmu klasycy wysuwali postulat czystości gatunkowej. Gatunki mieszane, takie jak tragikomedia, są wypierane. Uderza to w zdolność danego gatunku do kompleksowego odzwierciedlenia rzeczywistości. Odtąd tylko cały system gatunków jest w stanie wyrazić różnorodność życia.

Klasycyzm jako styl to system środków figuratywnych i ekspresyjnych, charakteryzujących rzeczywistość przez pryzmat antycznych sampli, postrzeganych jako ideał harmonii, prostoty, jednoznaczności i uporządkowanej symetrii. Tym samym styl ten odtwarza jedynie racjonalistycznie uporządkowaną zewnętrzną powłokę kultury antycznej, nie oddając jej pogańskiej, złożonej i niepodzielnej istoty. Istota stylu klasycyzmu tkwi nie w antycznym stroju, ale w wyrażaniu światopoglądu człowieka epoki absolutnej. Wyróżnia się klarownością, monumentalnością, chęcią usunięcia wszystkiego, co zbędne (zasada oszczędności), tworząc jednolite i integralne wrażenie. Klasycyzm jako nurt rozwijał się różnie w krajach europejskich. Tak więc we Francji ukształtował się w latach 90. XVI wieku, stał się dominującym trendem w połowie XVII wieku, osiągnął swój szczyt w latach 60. i 70., a następnie przeszedł pewien kryzys. W Anglii, z drugiej strony, jego wpływ nie staje się jasny aż do końca wieku.

Twórczość największego angielskiego poety XVII wieku, Johna Miltona (1608 - 1674), można uznać za przykład angielskiego klasycyzmu (zwłaszcza jego późniejsze wiersze). Milton urodził się w Londynie, w rodzinie notariusza, ukształtował się jako osoba pod wpływem purytanów (w rodzinie, w St. Paul's School, na Uniwersytecie Cambridge). Po ukończeniu uniwersytetu w 1632 r. Milton osiadł w miasteczku Horton, gdzie rozpoczął działalność literacką. Tutaj namalował dyptyk „L'allegro” (Wesoły) i „Il penseroso” (Zamyślony), gdzie namalował harmonię uczuć i rozumu, oddając palmę pierwszeństwa rozsądkowi. W latach 1638 - 1640. Milton podróżuje po Europie, we Włoszech jest uznawany za wybitnego poetę i naukowca. Ale wiadomość o zwołaniu parlamentu w Anglii, początku rewolucji, każe mu wrócić do ojczyzny i aktywnie włączyć się w walkę o odnowę społeczeństwa.

Drugi okres w twórczości Miltona (1640 - 1660) związany jest przede wszystkim z jego udziałem w angielskiej rewolucji burżuazyjnej i działalnością publicystyczną.

Milton był wspaniałym poetą. W jego wierszach wyczuwalny jest wpływ estetyki klasycznej. Tak więc w wierszu „Szekspir” Milton powtarza obraz „Pomnika” Horacego: Szekspir wzniósł sobie pomnik wyższy i silniejszy niż piramidy. Poeta porównuje twórczość Szekspira z literaturą współczesną, o której mówi ze smutkiem: „Cóż można porównać z twoją swobodną piosenką? // A w dzisiejszych czasach sztuka tylko sobie wyobraża // Być wolnym.

Ostatni okres twórczości Miltona obejmuje lata 1660 - 1674. Wraz z klęską rewolucji i początkiem restauracji Stuartów nadchodzi dla poety mroczny czas. Ledwo unika egzekucji i więzienia. W sierpniu 1660 roku dekretem króla publicznie spalono publicystyczne książki Miltona The Iconoclast i The Defense of the English People . W tym okresie powstały najsłynniejsze dzieła pisarza - wiersz „Raj utracony! (1658 - 1667) i „Raj powrócił” (1671), tragedia „Samson zapaśnik” (1671).

Neoklasycyzm kontra romantyzm.

Historia tych dwóch nurtów obejmuje z grubsza całe stulecie, od około 1750 do 1850 roku. Paradoksalnie, neoklasycyzm z jednej strony uważany jest tylko za aspekt romantyzmu, z drugiej strony jest przeciwstawnym mu nurtem. Trudność polega na tym, że te dwa terminy są ze sobą równie słabo spójne, jak powiedzmy „czworonogi” i „mięsożercy”. Neoklasycyzm reprezentuje nowe odrodzenie klasycznej starożytności, jest bardziej spójny niż poprzednie klasyczne trendy i przynajmniej początkowo był związany z ideami oświecenia. Romantyzm, przeciwnie, nie odnosi się do żadnego konkretnego stylu, ale raczej sposób myślenia, który można wyrazić w dowolny sposób, w tym w duchu klasycyzmu. Dlatego romantyzm jest pojęciem znacznie szerszym, dlatego o wiele trudniej znaleźć dla niego definicję. Złożoność dodatkowo pogłębia fakt, że neoklasycy i romantycy żyli w tym samym czasie i deklarowali powrót do rozkwitu stylu rokoko. I tak np. Goya i David urodzili się w odstępie zaledwie kilku lat, aw Anglii czołowi przedstawiciele rokoka, neoklasycyzmu i romantyzmu – Reynolds, West i Fuseli – pod wieloma względami podzielali swoje idee, choć jednocześnie zdecydowanie różniły się stanowiskami i stylem.

Era oświecenia.

Jeśli weźmiemy pod uwagę, że epoka nowożytna narodziła się podczas rewolucji amerykańskiej 1776 r. i rewolucji francuskiej 1789 r., to musimy pamiętać, że te kataklizmy poprzedziła rewolucja umysłowa, która rozpoczęła się pół wieku wcześniej. Jej sztandarami byli myśliciele oświecenia w Anglii, Francji i Niemczech – David Hume, Francois-Marie Voltaire, Jean-Jacques Rousseau, Heinrich Heine i inni – wszyscy oni głosili, że ludzie w swoim postępowaniu powinni kierować się rozsądkiem i pragnieniem dla wspólnego dobra, a nie tradycjami i uznanymi autorytetami. W sztuce, podobnie jak w życiu, ten racjonalistyczny nurt skierowany był przeciwko dominującemu wówczas stylowi – wyrafinowanemu i arystokratycznemu rokokowi. W połowie XVIII wieku wezwanie do powrotu do zdrowego rozsądku, do natury, do moralności oznaczało dla sztuki powrót do starożytności - czyż zresztą klasyczni filozofowie nie zapoczątkowali kultu rozumu? Ten punkt widzenia po raz pierwszy sformułował Johann Joachim Winckelmann, niemiecki historyk i teoretyk sztuki, który głosił słynne stwierdzenie o „szlachetnej prostocie i spokojnej wielkości” sztuki greckiej (w pracy „Rozważania o naśladowaniu dzieł greckich w malarstwie i Kultury”, napisany w 1755 r.). Jednak większość malarzy niewiele wiedziała o sztuce antyku, powrót do klasyki oznaczał dla nich podążanie za stylem i „akademicką” teorią Poussina, połączone z maksymalnym wykorzystaniem detali antycznej rzeźby, odkrytych podczas wykopalisk archeologicznych w Hercalonum i Pompeje.

Architektura.

Odrodzenie zainteresowania Palladio.

Anglia stała się kolebką neoklasycyzmu w architekturze. Najwcześniejszym dowodem neoklasycyzmu był powrót do stylu palladiańskiego w XII latach XVIII wieku, ułatwiony przez bogatego architekta-amatora Lorda Burlingtona. Chiswick House, zbudowany przez niego w stylu Villa Rotonda, to prosta, zwarta, geometrycznie surowa budowla - dokładne przeciwieństwo barokowej pompatyczności. Neoklasycyzm różni się od poprzednich stylów klasycznych nie tyle zewnętrznymi przejawami, ile motywami, które doprowadziły do ​​\u200b\u200bodwołania się do niego. Neoklasycy nie poprzestali na próbach udowodnienia wyższości architektury antycznej, starali się, aby budynki odpowiadały wymogom ich przeznaczenia, dzięki czemu wyglądały bardziej „naturalnie” niż budowle barokowe. Takie racjonalne podejście wyjaśnia chłodny, wyraźnie połączony wygląd Chiswick House: płaskie, niezakłócone powierzchnie, ubogi wystrój, świątynny portyk ostro wystający z bryły budynku, który przypomina bryłę budynku.

SUFFLO. (1713 - 1780), francuski architekt. przedstawiciel klasycyzmu. Kościół Sainte-Genevieve w Paryżu (1755 - 1789, od 1791 Panteon) z okazałą kopułą wyróżnia się wyrazistością podziałów, surową monumentalnością i śmiałością rozwiązań konstrukcyjnych.

Neoklasycyzm i starożytność.

Wielkimi wydarzeniami połowy XVIII wieku było odrodzenie zainteresowania sztuką grecką, jako prawdziwym źródłem stylu klasycznego, oraz wykopaliska w Herkalonum i Pompejach, które po raz pierwszy umożliwiły zapoznanie się z życiem starożytnych i uzyskaj pełny obraz sztuki i rzemiosła tamtych czasów. W Anglii i Francji zaczęto publikować bogato ilustrowane księgi o Akropolu i Atenach, świątyni w Paestum oraz znaleziskach z wykopalisk w Herkalonum i Pompejach. Archeologia przejęła władzę.

ADAMA. Wszystko to doprowadziło do powstania nowego stylu w wystroju wnętrz, którego najlepsze przykłady widzimy w twórczości Anglika Roberta Adama (1728 - 1792), w szczególności w wystroju salonu frontowego w Domu Domowym. Dekoracja swoją elegancją nawiązuje do wnętrz urządzonych w stylu rokoko, ale z charakterystycznym dla neoklasycyzmu akcentem płaskich powierzchni oraz zachowaniem symetrii i dokładności geometrycznej.

JEFFERSONA. W tym samym czasie palladinizm, wskrzeszony przez Lorda Burlingtona, rozprzestrzenił się poza stary świat w koloniach amerykańskich, gdzie nazwano go stylem gruzińskim; Najbardziej znaczącym przykładem tego stylu był dwór Thomasa Jeffersona „Monticello”. Zbudowany z cegły, wykończony drewnem, nie jest tak surowy jak Chivik House. Zamiast stosować porządek koryncki, Jefferson (1743 - 1826) wybrał porządek rzymsko-dorycki, chociaż pod koniec XVIII wieku preferowano bardziej surowy grecki porządek dorycki. Anglia po raz pierwszy oddała hołd kolejnemu etapowi neoklasycyzmu - odrodzeniu architektury starożytnej Grecji, ale na niewielką skalę. Po Anglii styl ten szybko rozpowszechnił się wszędzie, ponieważ uznano, że w większym stopniu odzwierciedla „szlachetną prostotę i spokojną wielkość” klasycznej sztuki greckiej niż późniejsze, mniej „męskie” porządki. Grecki porządek dorycki nie jest tak elastyczny, co utrudnia dostosowanie go do nowoczesnych zastosowań, nawet w połączeniu z elementami rzymskimi lub renesansowymi. Tylko sporadycznie służył jako bezpośredni model dla neoklasycystycznych budowli architektonicznych.

muzyka europejska.

Od początku XVIII wieku w krajach Europy Zachodniej została ostatecznie ustalona powszechna dominacja muzyki świeckiej. Od drugiej połowy wieku twórczość kompozytorska rozwijała się pod wpływem idei oświeceniowego klasycyzmu.

Włoscy kompozytorzy XVIII wieku koncentrowali się na operze. Śpiewaków kształcono głównie w konserwatoriach, które otwierano w okresie „szpitala”. Wykładali tam znani muzycy włoscy. Wybitnym nauczycielem śpiewu był Nicola Porpora (1686-1768), jeden z bardziej płodnych kompozytorów operowych szkoły neopalintońskiej.

Jeszcze za życia szefa tej szkoły, A. Scarlattiego, twórcy opery seria, ujawniły się tkwiące w niej artystyczne sprzeczności, które posłużyły do ​​ostrych krytycznych wypowiedzi przeciwko niej. W połowie XVIII wieku istniała tendencja do z góry określania klisz opery seria, do bliższego związku muzyki z dramaturgią. Wyraźnie zostało to wyrażone w twórczości M. Yomelliego i T. Traetty, kompozytorów szkoły nowoneapolitańskiej J. Sartiego, P. Guglielmiego i innych. A. Sacchini i A. Salieri byli zagorzałymi zwolennikami nowego.

Najsilniejszą opozycją wobec warunkowo heroicznej opery seria był nowy demokratyczny gatunek opery buffa (opera komiczna). Za jej pierwszy klasyczny przykład uważa się operę kompozytora Giovanniego Battisty Pergolesiego (1710 - 1736) „Pani-pani” (1733).

w 1760 roku w operze - buffa zaczęły pojawiać się tendencje liryczno-sentymentalistyczne, które znalazły odzwierciedlenie w twórczości Niccolo Piccinniego (1728 - 1800). W 1776 r. w Paryżu N. Piccinni został wciągnięty w walkę „glukistów” z „pikcynistami”. Przeciwnicy reformy operowej Glucka starali się przeciwstawić muzyce operowej Piccinniego jego sztuce. Konkurując, kompozytorzy pracowali nad fabułą opery Ifigenia w Taurydzie. W rezultacie Gluck wygrał.

Ostatnim etapem rozwoju opery buffa jest twórczość Giovanniego Paisiello (1740 - 1816) i Domenico Chimorosa (1749 - 1801). Obaj kompozytorzy pracowali na dworze petersburskim w różnym czasie.

Znaczący wkład w muzykę instrumentalną wnieśli kompozytorzy włoscy. Sztuka skrzypcowa wiele zawdzięcza największemu mistrzowi w tej dziedzinie, Giuseppe Tartiniemu (1692 – 1770), włoskiemu skrzypkowi, kompozytorowi i teoretykowi muzyki. Kierownik szkoły skrzypcowej w Padwie. Opracował gatunek koncertu na skrzypce i orkiestrę (łącznie 125), sonaty skrzypcowej (łącznie 175), m.in. „Diabelski tryl”, sonaty triowe; traktaty o muzyce. Założył Akademię Muzyczną w Padwie (1727).

W muzyce wiolonczelowej wyróżniał się Luige Boccherini (1743 - 1805), włoski kompozytor i wiolonczelista. Przyczynił się do rozwoju klasycznych gatunków kameralno-instrumentalnych i symfonii. Od końca lat 60. mieszkał w Madrycie. Koncerty na wiolonczelę i orkiestrę, ok. 30 symfonii, sonat instrumentalnych, ansamblów itp. Jego kompozycje łączyły elementy stylu galant (rokoko) z estetyką przedromantyczną.

Domenico Scarlatti (1685-1775), włoski kompozytor i klasowy winiarz, był prawdziwym innowatorem w muzyce clavier. Syn A. Scarlattiego. Pracował w Lizbonie i Madrycie. Stworzył wirtuozowski styl gry na klawesynie. W jego sonatach na klawesyn (St. 550, pod nazwą „Ćwiczenia”) powstało allegro sonatowe. Opery, kantaty itp. Jego sonaty klawesynowe stały się swego rodzaju encyklopedią sztuki clavier.

Ważną rolę w rozwoju gatunków instrumentalnych odegrał największy włoski kompozytor Antonio Vivaldi (1678 - 1741), wirtuoz skrzypiec. Twórca gatunku solowego koncertu instrumentalnego (228 na skrzypce) oraz (wraz z A. Corellym) Concerto grosso (łącznie 49). Jego cykl „Pory roku” (1725) jest jednym z najwcześniejszych przykładów programowania w muzyce. St. 40 opery, oratoria, kantaty; koncerty instrumentalne różnych kompozycji (465) itp. W Sienie – Instytut Włoski im. A. Vivaldiego. Jego twórczość zawierała cechy charakterystyczne dla późnego baroku.

Muzyka francuska XVIII wieku preferowano gatunki muzyczne i teatralne. W latach 30. - 60. XVIII wieku. czołową pozycję w operze dworskiej – „Królewskiej Akademii Muzycznej” – zajął największy francuski kompozytor Jean Philippe Rameau (1683 – 1764), teoretyk muzyki. Wykorzystując dorobek francuskiej i włoskiej kultury muzycznej, znacząco zmodyfikował styl klasycznej opery, przygotował operową reformę K. V. Glucka. Tragedie liryczne Hipolit i Arizja (1733), Kastor i Polluks (1737), opera-balet Gallant India (1735), utwory klawesynowe itp. Jego prace teoretyczne stanowią ważny etap w rozwoju doktryny harmonii.

Do końca lat czterdziestych XVIII wieku. wokół jego dzieł scenicznych walka między „ramistami” a „lullistami” nie wygasła. Ten ostatni uważał muzykę Rameau za zbyt uczoną i „prowłoską”. W rzeczywistości, wykazując twórcze zainteresowanie językiem włoskim, kompozytor miał wielki szacunek dla tradycji JB Lully'ego. Tworząc żywe przykłady lirycznych tragedii i baletów operowych, Rameau zaktualizował muzyczne i ekspresyjne środki gatunku operowego oraz wzbogacił wokalny i deklamacyjny styl francuskiej opery włoskimi formami ariozy.

Do połowy XVIII wieku opery heroiczno-mitologiczne. Lyuli, Rameau i inni kompozytorzy nie zaspokajają już estetycznych potrzeb publiczności. Jej gusta były bardziej zadowolone z ostro satyrycznych spektakli jarmarkowych (które powstały pod koniec XVII wieku). W trzewiach teatru jarmarcznego stopniowo dojrzewał nowy francuski gatunek operowy - komik operowy. Przybycie do Paryża w 1752 roku włoskiej trupy operowej, która wystawiła kilka oper buffas (m.in. Służącą Panią Pergolesiego), przyczyniło się do umocnienia jego pozycji. Egilio Duni (1709-1795) i François André Philidor (1726-1795) byli jednymi z pierwszych autorów francuskiej opery komicznej. Philidor (prawdziwe nazwisko Danikan Philidor), francuski kompozytor. Jeden z twórców gatunku francuskiej opery komicznej (fabuły z życia zwykłych ludzi): „Sadonik i jego pan” (1761), „Kowal” (1761). Był najsilniejszym szachistą Europy drugiej połowy XVIII wieku. Praca „Analiza partii szachów”.

W drugiej połowie XVIII wieku komik operowy zbliżył się do „poważnej komedii”. Charakterystycznym przedstawicielem tego nurtu stał się Pierre Alexandre Monsigny (1729 - 1813), kompozytor francuski. Jeden z twórców francuskiej opery komicznej zbliżył ją do dramatu sentymentalnego (Dezerter, 1769 itd.).

Komik znacznie rozszerzył sferę figuratywno-artystyczną opery francuskiego kompozytora Andre Gretry'ego (1741 - 1787). Belg z pochodzenia. Mistrz gatunku operowego (od komedii sentymentalnej po operę romantyczną). Opery „Lucille” (1769), „Ryszard Lwie Serce” (1784) itp. Pozostawił głęboki ślad w dziedzinie myśli muzycznej i estetycznej.

Idee francuskiego oświecenia dotyczące przywrócenia jedności sztuk istniejącej w antycznym teatrze stały się podstawą operowej reformy wielkiego kompozytora Christophera Willibalda Glucka (1714-1787). Dzieło Glucka (Niemca z urodzenia) było długo oczekiwaną „radykalną rewolucją” w operze. Stworzony przez niego w latach 60. XVIII wieku. w Wiedniu opery „Orfeusz i Eurydyka”, „Alceste” i inne w latach 70. XVIII wieku, w przedrewolucyjnej sytuacji w Paryżu. Armida, Ifigenia w Taurydzie i inni powołali do życia nowy styl operowy - klasyczny dramat muzyczny. Głównym osiągnięciem kompozytora było podporządkowanie wszystkich środków wyrazu wykonania jednej idei dramatycznej.

Pod wpływem idei rewolucji francuskiej narodowa sztuka muzyczna nabrała obywatelsko-demokratycznego charakteru. Najbardziej uderzającym przykładem pieśni rewolucyjnej jest Marsylianka Claude'a Josepha Rouget de Lille (1760-1836), napisana przez niego w 1792 roku. Był francuskim inżynierem wojskowym, poetą i kompozytorem. Pisał hymny, pieśni, romanse.

Pojawienie się tematów heroicznych w muzyce dało początek sztuce rewolucyjnego klasycyzmu. Największymi kompozytorami tamtych czasów byli F.J. Gossec, E. Megül, J.F. Lesueur, L. Cherubini. François Joseph Gossec (1734-1829) był twórcą francuskiej symfonii. Luigi Cherubini (1760 - 1842), włoski kompozytor mieszkający we Francji, jest jednym z twórców gatunku "opera ratunkowa".

Sztuka muzyczna Niemiec pierwszej połowy XVIII wieku charakteryzowała się rozkwitem twórczości wielkiego niemieckiego kompozytora Jana Sebastiana Bacha (1685-1750). W jego muzyce prawie wszystkie wcześniejsze trendy muzyczne półtora wieku zostały uogólnione i uzupełnione. Przez 50 lat twórczości tylko w ciągu pięciu z nich zainteresowania Bacha koncentrowały się na muzyce świeckiej. Większość życia pracował w kościele. Kompozytor, który oddał hołd niemal wszystkim dziedzinom sztuki muzycznej, ominął wiodący gatunek swoich czasów - operę. Bach, daleki od wszystkiego, co powierzchowne i zabawne, był operze dworskiej obcy. Jego poszukiwania twórcze, ściśle związane z tradycją luterańską, korespondowały z atmosferą katedry. Jednak najważniejsze osiągnięcia artystyczne dramatu muzycznego głęboko wniknęły w jego twórczość, łagodząc szorstką muzykę luteranizmu.

Ogromne dziedzictwo Bacha, obejmujące ponad 1000 dzieł różnych gatunków, obejmuje trzy dziedziny – organową, wokalno-dramatyczną i instrumentalną. W twórczości organowej kompozytora ukształtowały się prawidłowości małego cyklu polifonicznego, które zostały utrwalone w jego 48 preludiach i fugach „dobrze temperowanego klawesynu”. Wśród instrumentalnych kompozycji Bacha wyróżnia się sześć koncertów brandenburskich na orkiestrę (concerto grosso). W którym kontynuował tradycje Vivaldiego.

Dzieła wokalne i dramatyczne Bacha obejmują około 300 duchowych kantat i oratoriów (Pasja według Jana, Pasja według Mateusza i inne). Kantaty świeckie niewiele różnią się od kantat duchowych. Szczególnie interesujące są kantata kawowa i kantata chłopska, które antycypowały niemiecką operę komiczną.

Inaczej potoczyły się losy Jerzego Fryderyka Haendla (1685 - 1759), który za życia zyskał europejskie uznanie. Jego dążenie do publicznej aprobaty dla jego sztuki, do szerokiej demokratycznej publiczności, do żywej teatralności świeckich gatunków nie znalazło gruntu w Niemczech. Od 1717 mieszkał na stałe w Anglii; tutaj jego działalność odegrała dużą rolę w rozwoju angielskiej kultury muzycznej. Handel z łatwością dostosował się do gustów i wymagań artystycznych angielskiej publiczności, tworząc ponad 40 oper w stylu włoskim. Stał się wielkim mistrzem oratoriów, w których niemieckie tradycje narodowe umiejętnie łączono z cechami charakterystycznymi dla angielskich gatunków wokalno-instrumentalnych.

W sztuce muzycznej Austrii zaszły znaczące zmiany. Przedstawiciele tzw. szkoły starowiedeńskiej przyczynili się do rozwoju gatunków instrumentalnych (sonata, koncert) i starali się wprowadzić do opery element dramatyczny.

W 1748 r. przedstawieniami oper w Burgtheater kierował KV Gluck; pod jego rządami teatr stał się jednym z ośrodków europejskiego życia muzycznego. Od 1754 roku balet rozwinął się jako niezależny gatunek. Balet Glucka Don Juan pod wieloma względami zapowiadał jego reformistyczne przedsięwzięcia w operze. W latach 60. wybuchła walka między przeciwnikami i obrońcami wiedeńskiej komedii ludowej, zakorzenionej w XVII wieku. Zwyciężyła potrzeba opery narodowej, a austriacki Singspiegel zadomowił się na scenie Burgtheater. Dekretem cesarza z 1778 r. utworzono krajową trupę operową. W drugiej połowie XVIII wieku w Austrii powstała wiedeńska szkoła klasyczna. Jednym z jej założycieli był Józef Haydn (1732-1809). Wraz z Gluckiem i Mozartem określił cechy charakterystyczne szkoły. Haydn jest założycielem wiedeńskiej symfonii klasycznej i reformatorem w dziedzinie muzyki instrumentalnej. Autor 104 symfonii, zatwierdził czteroczęściowy cykl symfoniczny i ustalił stały, tzw. klasyczny, skład orkiestry symfonicznej.

Twórczość wielkiego austriackiego kompozytora Wolfganga Amadeusza Mozarta (1756 - 1791) to jeden z najważniejszych etapów światowego rozwoju muzyki operowej, symfonicznej, koncertowej i kameralnej. Harmonijnie czysta i jasna w wyrazie sztuka Mozarta, przedstawiciela wiedeńskiej szkoły klasycznej, pokrewna jest oświeceniowemu klasycyzmowi z jego kultem rozumu i jednocześnie sentymentalizmem.

Wielka spuścizna kompozytora. Napisał około 50 symfonii, wśród których szczególne miejsce zajmują trzy ostatnie. Będąc wybitnym klawiszowcem i skrzypkiem. Stał się twórcą nowego typu sonaty i koncertu. Mozart zrobił decydujący krok w rewizji zasad i tradycji teatru muzycznego. Przekształcił codzienną komiczną i sentymentalną operę i stworzył nowy typ opery realistycznej. W syntezie muzyki i dramatu Mozart pozostawił prymat muzyce, wypracowując system całkowitego podporządkowania librecisty kompozytorowi. Znane jest jego powiedzenie: „Poezja jest posłuszną córką muzyki”.

Na podstawie włoskiej opery buffa (i częściowo opery seria) Mozart napisał operę-komedia Wesele Figara (1786) i operę-dramat Don Giovanni (1787) - najlepsze z jego dzieł scenicznych. Jedną z najważniejszych zasług Mozarta jako dramaturga jest stworzenie klasycznego singspiela narodowego - Uprowadzenia z seraju (1782) i Czarodziejskiego fletu (1791).

Prace nad „Requiem” rozpoczęły się pół roku przed śmiercią kompozytora. Ta msza pogrzebowa na chór, kwartet solistów i wielką orkiestrę jest jedną z najgłębszych w myśli i wyrazie nowatorskich dzieł Mozarta. Requiem, zamówione anonimowo przez hrabiego F. Walsegg-Stuppach, pozostało niedokończone (brakujące numery napisał uczeń Mozarta, F. X. Süssmayr).

Rosyjska muzyka.

XVIII wiek otworzył nową erę w rozwoju muzyki rosyjskiej. Po wielu latach izolacji profesjonalnej sztuki muzycznej i jej podporządkowania kościołowi rozpoczął się szybki rozwój gatunków świeckich. Szybki rozwój dorobku zachodnioeuropejskiej kultury muzycznej doprowadził do powstania własnych tradycji narodowych. W ostatniej tercji stulecia ukształtowała się rosyjska szkoła kompozytorska.

Rozwój muzyki rosyjskiej do końca lat dwudziestych XVIII wieku. wiązał się z reformami Piotra I, które utorowały drogę do rozpowszechnienia się europejskich form muzykowania. Orkiestry wojskowe rozbrzmiewały na publicznych uroczystościach, balach dworskich i apelach.

Do połowy XVIII wieku rozwijał się chóralny koncert partes. Wśród mistrzów tego gatunku zasłynęli Nikołaj Kałasznikow, Nikołaj Bavykin i Fiodor Rednikov.

W XVIII wieku powstały panegiryki, stoły, kanty marynarskie. Narodziła się treść miłosna. Często wykorzystywali melodie europejskich tańców galanteryjnych, najczęściej menueta (kants to a minovet).

Za cesarzowej Anny Ioannovny w 1734 r. Do Petersburga przybyła pierwsza włoska trupa operowa. Jej repertuar obejmował głównie przerywniki i komedie w stylu dell'arte. Jednak wielkość rytuału pałacowego była bardziej zgodna z włoską operą seria. Znaczącą rolę w rozwoju opery seria w Rosji odegrała włoska trupa pod kierunkiem Francesca Arayi.

Duże znaczenie miała inscenizacja opery Arayi „Cefal i Prokris” (1755), której libretto napisał A.P. Sumarokow. Było to pierwsze przedstawienie operowe w języku rosyjskim, aw głównych rolach błyszczeli młodzi rosyjscy śpiewacy.

Pod koniec lat pięćdziesiątych XVIII wieku opera seria została zastąpiona bardziej demokratycznym gatunkiem – operą buffa. Od 1757 roku w Rosji występowały włoskie zespoły operowe. Znaczący wkład w rozwój rosyjskiej kultury muzycznej wnieśli B. Galuppi, T. Traetta, J. Paisiello i D. Cimarosa.

Galuppi Baldassare (1706-1785), włoski kompozytor. Kierował kaplicą katedry św. Marka w Wenecji. W latach 1765-1768 pracował w Rosji. Przedstawiciel szkoły weneckiej, mistrz opery buffa (The Village Philosopher, 1754 i inni).

Traetta Tommaso (1727-1779), włoski kompozytor. W latach 1768 - 1776 był nadwornym dyrygentem w Petersburgu. Przekształcając i aktualizując tradycje opery seria, przygotował operową reformę Glucka. Opery (łącznie ponad 50): Ifigenia w Taurydzie (1763), Antygona (1772), Lucjusz Ver (1774) i inne; oratorium, „pasja”, msze i inne dzieła kościelne.

Cimarosa Domenico (1749 - 1801), włoski kompozytor, klawesynista, skrzypek, śpiewak. W latach 1787 - 1791 pracował w Petersburgu. Mistrz opery buffa (ponad 70, w tym najlepszy – „Tajemne małżeństwo”, 1792). Cykl operowy „Horaces and Curations” (1796) i inne.

Równie ważną rolę w rozwoju muzyki rosyjskiej, a zwłaszcza gatunku operowego, odegrał francuski komik operowy. Francuski zespół operowy, zaproszony przez Katarzynę II, zaprezentował dwie wersje operowego komika: satyrę codzienną (F. Philidor) i operę sentymentalną (A.E.M. Grétry i P.A. Monsigny).

Francuskie opery były z powodzeniem wystawiane w teatrach fortecznych Moskwy i Petersburga. Teatr forteczny N. P. Szeremietiewa był jednym z najwybitniejszych ośrodków muzyki francuskiej.

Rosyjska szkoła kompozytorska powstała w ostatniej tercji XVIII wieku. Kompozytorzy rosyjscy starali się połączyć zasady i formy wczesnego klasycyzmu europejskiego z melodycznym magazynem rosyjskich pieśni ludowych. Pojawiły się pierwsze zbiory piosenek rosyjskich - V. F. Trutovsky, N. A. Lwów i I. Prach. W latach 1740–1760 pojawiła się „Kolekcja Kirszy Daniłowa”, której podstawą były epickie pieśni. Gatunek operowy zajmował najważniejsze miejsce w twórczości kompozytorów rosyjskich. Początkowo opera krajowa kontynuowała tradycje francuskiego teatru muzycznego. Pierwszym przykładem teatru operowego był The Miller-Sorcerer, Deceiver and Matchmaker (1779) Michaiła Matwiejewicza Sokołowskiego. Muzyka opery została zapożyczona głównie z kolekcji Trutowskiego. W tym samym roku ukazała się kompozycja wybitnego XVIII-wiecznego kompozytora operowego Wasilija Aleksiejewicza Paszkiewicza (1742–1797) „Nieszczęście z karety”. Paszkiewicz zyskał sławę jako mistrz pisania zespołowego („Skąpiec”, „Jak żyjesz, będziesz znany”). Mniej udane były opery napisane przez Paszkiewicza na zamówienie Katarzyny II na podstawie jej libretta.

Evstigney Ipatovich Fomin (1761 - 1800) w swoich utworach osiągnął poziom największych włoskich muzyków („Woźnice w bazie”, „Orfeusz”). Subtelny wdzięk i element komediowy tkwią w operze Dmitrija Stepanowicza Bortniańskiego (1751 - 1825) - Sokołowa i Syna rywala. Pracował w różnych gatunkach.

W połowie XVIII wieku pojawił się nowy rodzaj pieśni kameralnych z akompaniamentem – „pieśni rosyjskie”. Pod koniec XVIII wieku do głosu doszli mistrzowie gatunku wokalu kameralnego - Fiodor Michajłowicz Dubyansky (1796 - 1860) i Osip Antonovich Kozlovsky (1757 - 1831).

Największym kompozytorem XVIII wieku, który komponował głównie muzykę instrumentalną, jest Iwan Jewstrapowicz Chandoszkin (1747 - 1804). Jest autorem licznych wariacji na skrzypce solo lub dwoje skrzypiec na temat rosyjskich pieśni ludowych, sonat na skrzypce solo. Wariacje na fortepian napisali Trutowski i Karaułow. Forma sonatowa wczesnego typu klasycznego została opracowana przez Bortnyansky'ego. Elementy rosyjskiego symfonizmu dojrzewały w uwerturach operowych, a częściowo w muzyce baletowej.

Wybitny mistrz muzyki chóralnej - Maksym Sozotowicz Bieriezowski (1745 - 1777) dokonał przejść od baroku do klasycyzmu w zakresie harmonii i formy muzycznej. Bieriezowski i Bortniański wyznaczyli nowy etap w rozwoju rosyjskiej kościelnej muzyki chóralnej. Twórczość tych kompozytorów wyróżnia głębia ekspresji ludzkich uczuć, klasyczna klarowność i harmonia formy. Stworzyli oni rodzaj koncertu chóralnego, w którym wykorzystano dorobek opery, sztukę polifoniczną XVIII wieku oraz klasyczne gatunki muzyki instrumentalnej.

Z historii

*** W XVIII wieku zawód muzyka utożsamiany był niemal z rzemiosłem. W przeciwieństwie do twórczości literackiej, praca muzyka, podobnie jak malarza, była haniebna dla ludzi szlacheckich. Rosyjscy kompozytorzy XVIII wieku byli w większości pospólstwem - poddanymi (Degtyarev), żołnierzami (Fomin), rzemieślnikami (Khandoshkin). W hierarchicznej drabinie społecznej stali na tym samym poziomie co lokaje. Ich funkcją było zabawianie publiczności.

***Teatr Bolszoj w Moskwie prowadzi swoją historię od 1776 roku. Książę P. V. Urusow otrzymał wówczas przywilej „Być właścicielem wszystkich przedstawień teatralnych w Moskwie…” i wraz z przedsiębiorcą M. E. Medoxonem zbudował specjalny budynek teatralny („Dom Pietrowski” lub „Opera”). Był to pierwszy teatr stały. Tutaj obok oper odbywały się przedstawienia baletowe i dramatyczne.

Narodziny Teatru Maryjskiego sięgają 1783 r., Kiedy w Petersburgu zbudowano Teatr Kamienny (Bolszoj), a dekretem Katarzyny II zorganizowano trupę „… nie tylko do komedii, ale także do opery… "

Tak więc sztuka rokoka oddzieliła się od cerkwi, spychając tematy religijne daleko na dalszy plan. Odtąd zarówno malarstwo, jak i architektura miały być lekkie i przyjemne. Waleczne społeczeństwo XVIII wieku było zmęczone moralizowaniem i pouczaniem, ludzie chcieli cieszyć się życiem, czerpać z niego jak najwięcej. Największym mistrzem rokoka był François Boucher, który swoje obrazy przekształcił w dekoracyjne...

Oczywiście nie było idyllicznie. Mistrzowie sztuki z całą pasją bronili swoich zasad estetycznych – jedno potwierdzali, drugie odrzucali. Ogólnie literatura zachodnioeuropejska XVII-XVIII wieku. wprowadził na arenę światową wielu pierwszorzędnych mistrzów i wniósł do skarbnicy sztuki światowej dzieła o wysokich walorach artystycznych. Jeśli masz na myśli oryginalność artystyczną, to...

Dyskusja nad filozoficznym znaczeniem przyrody wymaga zatem analizy relacji nie tylko między naturą a produkcją, ale także uwzględnienia relacji i ocen natury estetycznej, moralnej i społecznej. 2. FILOZOFIA EUROPEJSKA XVII-XVIII WIEKU. Filozofia europejska XVII wieku jest warunkowo nazywana filozofią czasów nowożytnych. Okres ten charakteryzuje się nierównomiernym rozwojem społecznym. ...

A dokonano tego poprzez rewizję treści przedmiotów klasycznych, w tym przede wszystkim dyscyplin matematycznych. Wyższa edukacja. XVII - XVIII wiek - czas szybkiego rozwoju szkolnictwa wyższego w Europie Zachodniej. Najważniejsze w rozwoju szkolnictwa wyższego było to, aby po pierwsze nauki przyrodnicze były szeroko włączane do jego treści, a tym samym...

Definicja klasycyzmu (z łac. сlassicus - przykładowy) to styl artystyczny i kierunek w sztuce Europy XVII-XIX wieku. Opiera się na ideach racjonalizmu, którego głównym celem jest edukacja społeczeństwa w oparciu o pewien ideał, model, zbliżony do modernizmu. Takim przykładem była kultura świata starożytnego. Reguły, kanony klasycyzmu miały nadrzędne znaczenie; musieli ich przestrzegać wszyscy artyści działający w ramach tego kierunku i stylu.

Definicja klasyka

Klasycyzm jako styl zastąpił bujną i pompatyczną powierzchowność. Pod koniec XVII wieku społeczeństwo europejskie było przesiąknięte ideami oświecenia, co znalazło odzwierciedlenie w kulturze sztuki. Uwagę architektów i rzeźbiarzy przykuła rygor, prostota, klarowność i zwięzłość kultury starożytnej, w szczególności starożytnej Grecji. , architektura stała się przedmiotem naśladownictwa i zapożyczeń.

Jako kierunek klasycyzm obejmował wszystkie rodzaje sztuki: malarstwo, muzykę, literaturę, architekturę.

Historia powstania stylu klasycznego: od starożytności do renesansu

Całkowitym przeciwieństwem jest klasycyzm, którego głównym celem jest edukowanie społeczeństwa w oparciu o pewien ideał i przestrzeganie wszystkich ogólnie przyjętych kanonów, który zaprzeczał wszelkim regułom i był buntem przeciwko jakiejkolwiek tradycji artystycznej w jakimkolwiek kierunku.

Klasycyzm prowincjonalny w Rosji

Ten kierunek jest charakterystyczny tylko dla architektury rosyjskiej. Większość historycznych budynków Petersburga i Moskwy, Jarosławia, Pskowa wykonana jest w prowincjonalnym klasycyzmie. Jego pochodzenie odnosi się do okresu Złotego Wieku. Klasyczni przedstawiciele struktur architektonicznych wykonanych w stylu klasycyzmu: katedra kazańska, katedra kozacka Mikołaja itp.

Okresy: wczesny, środkowy, późny (wysoki)

W swoim rozwoju klasycyzm przeszedł przez 3 okresy, które można wymienić w następujący sposób:

1. Wczesne (1760 - wczesne 1780) - rozkwit kierunku, przyjęcie koncepcji nowego stylu, określenie przyczyn i jakie cechy stylu będą należeć konkretnie do klasycyzmu;
2. Ścisły lub średni (lata 80. - 90. XVIII w.) - zakorzenienie stylu, opis w wielu dziełach literackich i wizualnych, konstrukcja budowli;
3. Późny lub wysoki, nazwany (pierwsze 30 lat XIX wieku).

Zdjęcie przedstawia Łuk Triumfalny w Paryżu - żywy przykład klasycyzmu.

Charakterystyka i cechy stylu światowego

Charakterystyka klasyków we wszystkich obszarach twórczości:

• wyraźne geometryczne kształty
• wysokiej jakości materiały,
• szlachetne wykończenia i powściągliwość.

Majestat i harmonia, wdzięk i luksus - to główne cechy wyróżniające klasycyzm. Te cechy zostały później wyeksponowane we wnętrzach w dobrym stylu.

Charakterystyczne cechy klasycyzmu w nowoczesnym wnętrzu

Podstawowe cechy stylu:

• gładkie ściany z delikatnymi motywami kwiatowymi;
• elementy starożytności: pałace i kolumny;
• stiuk;
• wykwintny parkiet;
• tapeta z tkaniny na ścianach;
• eleganckie, pełne wdzięku meble.

Spokojne prostokątne kształty, dyskretna, a zarazem różnorodna dekoracja, wyważone proporcje, dostojny wygląd, harmonia i smak stały się cechami stylu rosyjskiego klasycyzmu.

Na zewnątrz kierunek klasyka: budynki

Zewnętrzne oznaki klasycyzmu w architekturze są wyraźne, można je rozpoznać na pierwszy rzut oka na budynek.

1. Konstrukcje: stabilne, masywne, prostokątne i łukowe. Kompozycje są wyraźnie zaplanowane, zachowana jest ścisła symetria.
2. Formy: wyraźna geometria, objętość i monumentalność; posągi, kolumny, nisze, rotundy, półkule, frontony, fryzy.
3. Linie: ścisłe; regularny system planowania; płaskorzeźby, medaliony, płynny wzór.
4. Materiały: kamień, cegła, drewno, sztukateria.
5. Dach: złożony, skomplikowany kształt.
6. Dominujące kolory: bogata biel, zieleń, róż, fiolet, błękit nieba, złoto.
7. Charakterystyczne elementy: dyskretny wystrój, kolumny, pilastry, antyczne zdobienia, marmurowe schody, balkony.
8. Okna: półkoliste, prostokątne, wydłużone ku górze, skromnie zdobione.
9. Drzwi: prostokątne, płycinowe, często zdobione posągami (lew, sfinks).
10. Wystrój: rzeźbienie, złocenie, brąz, masa perłowa, intarsja.

Wnętrze: przejawy klasycyzmu i gatunki architektoniczne

We wnętrzach pomieszczeń z epoki klasycyzmu panuje szlachetność, powściągliwość i harmonia. Niemniej jednak wszystkie elementy wyposażenia wnętrz nie wyglądają jak eksponaty muzealne, a jedynie podkreślają delikatny gust artystyczny i szacunek właściciela.

Pokój ma prawidłowy kształt, wypełniony atmosferą szlachetności, wygody, ciepła, wykwintnego luksusu; nie przeładowany szczegółami.

Centralne miejsce w dekoracji wnętrz zajmują naturalne materiały, głównie szlachetne drewno, marmur, kamień, jedwab.

• Sufity: jasne wysokie, często wielopoziomowe, stiukowe, ornamenty.
• Ściany: ozdobione tkaninami, jasne, ale nie jasne, pilastry i kolumny, możliwe sztukaterie lub malowanie.
• Pokrycie podłogi: parkiet z cennych gatunków drewna (merbau, kamshi, teak, jatoba) lub marmur.
• Oświetlenie: żyrandole z kryształu, kamienia lub drogiego szkła; złocone żyrandole z plafonami w formie świec.
• Obowiązkowe atrybuty wnętrza: lustra, kominki, przytulne niskie krzesła, niskie stoliki do herbaty, lekkie ręcznie robione dywany, obrazy ze scenami antycznymi, książki, masywne wazony podłogowe stylizowane na antyk, trójnożne kwietniki.

W wystroju pokoju często wykorzystywane są motywy antyczne: meandry, girlandy, girlandy laurowe, sznury pereł. Do dekoracji używa się drogich tekstyliów, w tym gobelinów, tafty i aksamitu.

Meble

Meble epoki klasycyzmu wyróżniają się dobrą jakością i poważaniem, wykonane z drogich materiałów, głównie z cennego drewna. Warto zauważyć, że faktura drewna działa nie tylko jako materiał, ale także jako element dekoracyjny. Elementy mebli wykonywane są ręcznie, zdobione rzeźbieniami, złoceniami, intarsjami, kamieniami szlachetnymi i metalami. Ale forma jest prosta: surowe linie, wyraźne proporcje. Stoły i krzesła do jadalni wykonane są z eleganckich rzeźbionych nóg. Naczynia - porcelanowe, cienkie, prawie przezroczyste, ze wzorem, złocenia. Za jeden z najważniejszych atrybutów mebli uznano sekretarzyk o kubicznej bryle na wysokich nogach.

Architektura: teatry, kościoły i inne budynki

Klasycyzm sięgnął do podstaw architektury antycznej, posługując się nie tylko elementami i motywami, ale także wzorami w budownictwie. Podstawą języka architektonicznego jest porządek z jego ścisłą symetrią, proporcjonalnością tworzonej kompozycji, regularnością układu i wyrazistością trójwymiarowej formy.

Całkowitym przeciwieństwem jest klasycyzm ze swoją pretensjonalnością i dekoracyjnymi ekscesami.

Powstały niefortunne pałace, zespoły ogrodowo-parkowe, które stały się podstawą ogrodu francuskiego z jego wyprostowanymi alejami, przystrzyżonymi trawnikami w formie stożków i kul. Typowymi detalami klasycyzmu są zaakcentowane schody, klasyczny antyczny wystrój, kopuły w budynkach użyteczności publicznej.

Późny klasycyzm (Imperium) nabiera symboli wojskowych („Łuk Triumfalny” we Francji). W Rosji Sankt Petersburg można nazwać kanonem architektonicznego stylu klasycyzmu, w Europie to Helsinki, Warszawa, Dublin, Edynburg.

Rzeźba: idee i rozwój

W epoce klasycyzmu rozpowszechniły się publiczne pomniki uosabiające militarną waleczność i mądrość mężów stanu. Ponadto głównym rozwiązaniem dla rzeźbiarzy był model przedstawiania słynnych postaci w postaci starożytnych bogów (na przykład Suworow - w postaci Marsa). Popularne wśród osób prywatnych stało się zamawianie nagrobków u rzeźbiarzy w celu uwiecznienia ich imion. Ogólnie rzecz biorąc, rzeźby z epoki charakteryzują się spokojem, powściągliwością gestów, beznamiętną ekspresją i czystością linii.

Moda: ubrania z Europy i Rosji

Zainteresowanie starożytnością ubiorem zaczęło objawiać się w latach 80. XVIII wieku. Było to szczególnie widoczne w stroju kobiecym. W Europie pojawił się nowy ideał piękna, celebrujący naturalne formy i piękne kobiece linie. Modne stały się najdelikatniejsze gładkie tkaniny w jasnych kolorach, zwłaszcza białe.

Suknie damskie traciły ramy, podszewki i halki i przybierały formę długich, drapowanych tunik, rozcinanych po bokach i przecinanych paskiem pod biustem. Nosili rajstopy w kolorze skóry. Sandały z tasiemkami służyły jako buty. Fryzury zostały skopiowane ze starożytności. Nadal w modzie pozostaje puder, którym pokrywano twarz, dłonie i dekolt.

Wśród dodatków używano albo zdobionych piórami turbanów kisei, albo tureckich szali lub kaszmirskich szali.

Od początku XIX wieku zaczęto szyć suknie ceremonialne z trenami i głębokim dekoltem. A w codziennych sukienkach dekolt zakrywała koronkowa chusta. Stopniowo zmienia się fryzura, a puder wychodzi z użycia. Modne są krótko ostrzyżone włosy, skręcone w loki, przewiązane złotą wstążką lub ozdobione wiankiem z kwiatów.

Moda męska ewoluowała pod wpływem Brytyjczyków. Popularny staje się angielski frak sukna, redingote (okrycie wierzchnie przypominające surdut), żabot i mankiety. To właśnie w epoce klasycyzmu weszły w modę męskie krawaty.

Sztuka

Malarstwo i sztuki piękne

W malarstwie klasycyzm charakteryzuje się także powściągliwością i rygorem. Głównymi elementami formy są linia i światłocień. Barwa lokalna podkreśla plastyczność przedmiotów i postaci, rozdziela plan przestrzenny obrazu. Największy mistrz XVII wieku. – Lorrain Claude, słynący z „doskonałych krajobrazów”. Cywilny patos i liryzm połączyły się w „dekoracyjnych pejzażach” francuskiego malarza Jacquesa Louisa Davida (XVIII w.). Wśród rosyjskich artystów można wyróżnić Karla Bryullova, który połączył klasycyzm z (XIX wiek).

Klasycyzm w muzyce kojarzony jest z tak wielkimi nazwiskami jak Mozart, Beethoven czy Haydn, którzy zdeterminowali dalszy rozwój sztuki muzycznej.

Literatura: bohaterowie i osobowość w dziełach

Literatura epoki klasycyzmu promowała umysł zwyciężający uczucia. Konflikt między obowiązkiem a pasją jest podstawą fabuły utworu literackiego, w którym człowiek jest w ciągłym napięciu i musi wybrać, którą decyzję podjąć. W wielu krajach zreformowano język i położono podwaliny sztuki poetyckiej. Czołowi przedstawiciele kierunku – Francois Malherbe, Corneille, Racine. Główną zasadą kompozycyjną dzieła jest jedność czasu, miejsca i akcji.

W Rosji klasycyzm rozwija się pod auspicjami Oświecenia, którego głównymi ideami były równość i sprawiedliwość. Najjaśniejszym autorem literatury epoki rosyjskiego klasycyzmu jest M. Łomonosow, który położył podwaliny pod wersyfikację. Głównym gatunkiem była komedia i satyra. Fonvizin i Kantemir pracowali w tym duchu.

„Złoty wiek” uważany jest za epokę klasycyzmu dla sztuki teatralnej, która rozwijała się bardzo dynamicznie i doskonaliła. Teatr był dość profesjonalny, a aktor na scenie nie tylko grał, ale żył, doświadczał, pozostając sobą. Styl teatralny został ogłoszony sztuką recytacji.

• Jacques-Ange Gabriel, Piranesi, Jacques-Germain Soufflot, Bazhenov, Carl Rossi, Andrey Voronikhin, (architektura);
• Antonio Canova, Thorvaldsen, Fedot Shubin, Borys Orłowski, Michaił Kozłowski (rzeźba);
• Nicolas Poussin, Lebrun, Ingres (malarstwo);
• Voltaire, Samuel Johnson, Derzhavin, Sumarokov, Chemnitzer (literatura).

Wideo: tradycje i kultura, cechy charakterystyczne, muzyka

Wniosek

Idee epoki klasycyzmu są z powodzeniem wykorzystywane we współczesnym designie. Zachowuje szlachetność i elegancję, piękno i wielkość. Główne cechy to malowanie ścian, draperie, sztukaterie, meble z naturalnego drewna. Dekoracji jest niewiele, ale wszystkie są luksusowe: lustra, obrazy, masywne żyrandole. Ogólnie rzecz biorąc, styl nawet teraz charakteryzuje właściciela jako osobę szanowaną, daleką od biednej.

Później pojawia się jeszcze, co oznaczało nadejście nowej ery - tej. było połączeniem kilku nowoczesnych stylów, do których zalicza się nie tylko klasycyzm, ale także barok (w malarstwie), kulturę antyczną i renesans.