biblijny malarz figuratywny świecki

W sztuce rosyjskiej początku XX wieku, kiedy pewna część rosyjskiego społeczeństwa ulegała wpływom nastrojów religijnych i mistycznych, temat ziemskiego życia Pana zatracił swój dawny, tragiczny wydźwięk. Teraz nabrała konotacji filozoficzno-lirycznej. Tendencja ta jest szczególnie dobrze widoczna w twórczości Michaiła Wasiljewicza Niestierowa (1862-1942) i Wiktora Michajłowicza Wasniecowa (1848-1926). EN Petrova pisze o pracy M.V. Niestierow i V.M. Vasnetsova: „W różnym stopniu i każdy na swój sposób, ale w dziełach tych mistrzów zauważalne jest połączenie estetycznego wyrażania siebie i szczerze religijnego uczucia. Wasniecow - monumentalny i ekspresyjny, Niestierow - liryczny, wyrafinowany” [tamże .].

To niesamowite, ale biblijne historie i obrazy można znaleźć w pracach przedstawicieli różnego rodzaju ruchów modernistycznych. W połowie lat 1910. Kazimierz Sewerynowicz Malewicz (1879 - 1935), autor niesławnego „Czarnego kwadratu”, według E.N. Petrova „ucieleśniła w symbolicznym stylu kilka scen ewangelicznych: Wniebowstąpienie (Triumf nieba), Złożenie do grobu, Chrystusa w otoczeniu aniołów (Autoportret) i Modlitwę o kielich (Modlitwa)” [tamże].

Wielu twórców „rosyjskiej awangardy” zwróciło się ku opowieściom ewangelicznym. Natalia Siergiejewna Gonczarowa (1881 - 1962) została autorką cyklu poświęconego ewangelistom (1911). Święty Jerzy był wielokrotnie przedstawiany w swoich kompozycjach, wykonanych w stylu abstrakcyjnym, przez Wasilija Wasiljewicza Kandinskiego (1866–1944). Cała linia wątki z Nowego Testamentu są obecne w twórczości Pawła Nikołajewicza Filonowa (1883–1941). Wśród nich - "Święta rodzina" (1914), "Mędrcy" (1914), "Trzech przy stole" (1914 - 1915), "Święty Jerzy" (1915), "Matka" (1916), "Ucieczka do Egiptu" " (1918).

Historie biblijne i wizerunków, w tym związanych z postacią Chrystusa, obecne są także w twórczości Marca Chagalla (1887 - 1985), który urodził się w Witebsku w rodzinie ortodoksyjnych Żydów. Jego pierwszą pracą na temat Pisma Świętego jest Kalwaria (1912). W 1938 roku stworzył obraz „Białe Ukrzyżowanie”, który Michaił Vaishengolts uważa za reakcję Chagalla na antysemickie tendencje, które narastały w całej Europie przez cały okres przedwojenny.

Chagall również później zwrócił się do motywów biblijnych. Tak więc w latach 1960 - 1966. pracował nad obrazem „Ofiara Abrahama”. Witraż „Izaak spotyka swoją żonę Rebekę” (1977 - 1978) zdobi kościół św. Stefana w Moguncji.

W latach 30. - 80. XX wieku. w ZSRR artyści, mimo obowiązujących ograniczeń, dość często wykorzystywali w swoich pracach motywy biblijne. Niektórzy z nich poświęcili znaczną część swojego życia malarstwu religijnemu. kariera twórcza. Wśród mistrzów, którzy w swojej pracy zwrócili się do tematów biblijnych i obrazów, są David Pietrowicz Shterenberg (1881–1948), Paweł Dmitriewicz Korin (1892–1967). Na szczególną uwagę zasługuje najwyraźniej praca Siergieja Michajłowicza Romanowicza (1894–1968). CM. Romanowicz w latach 40 w latach pięćdziesiątych namalował obrazy „Pocałunek Judasza”, „Burza nad Jeziorem Tyberiadzkim”. - "Zwiastowanie", "Wyśmiewanie Chrystusa", "Oto człowiek", "Zdjęcie z krzyża", lata 60. - „Układanie korony cierniowej” itp.

Wszystkie te prace zostały wykonane w modernistyczny sposób. Nie mniejsze zainteresowanie wykazano na działkach i zdjęciach z Pismo Święte przedstawiciele „podziemia” lat 60. - 70. XX wieku. Na początku użytkowania „pierestrojki”. Motywy chrześcijańskie w sztuki piękne już nie potępiony, ale milcząco zatwierdzony. Następnie zgoda ta nabrała charakteru oficjalnego.

Legenda o wieży Babel i rozproszeniu ludów to ostatnia poświęcona legenda biblijna Historia świata ludzkość. Rozdział 11 Księgi Rodzaju kończy się genealogią potomków Sema, jednego z synów Noego, po czym wchodzą na scenę Patriarchowie Abraham, Izaak, Jakub- założyciele narodu żydowskiego. Abrahama

pierwszy z trzech biblijnych patriarchów, którzy żyli po potopie.

W sztuka europejska wizerunki biblijnych patriarchów długo pozostawały w cieniu.
Historia Starego Testamentu była postrzegana przez chrześcijanina świata jako prolog do wydarzeń przedstawionych w Nowym Testamencie,

dlatego przodkowie byli czczeni przede wszystkim jako przodkowie Chrystusa. Ewangelia Mateusza zaczyna się od „rodowodu Jezusa Chrystusa, syna Dawida, syna Abrahama”: „Abraham spłodził Izaaka, Izaak spłodził Jakuba, Jakub spłodził Judę i jego braci”. Po wielu pokoleniach z potomków Judy narodził się Józef, mąż Marii, matki Jezusa.

Mimo że Józef w ogóle nie był ojcem Chrystusa., uważany za Syna Bożego, dla kościoła nim był bardzo ważny wywyższyć rodzinę Józefa, w której rodzinie urodził się i wzrastał Jezus, do rangi patriarchów Starego Testamentu i podkreślić, że w swoim ziemskim życiu Chrystus pochodził z rodu Abrahama.

Oczywiście dzieła poświęcone patriarchom nie zajmowały eksponowanego miejsca w kościołach chrześcijańskich. . W kościołach rosyjskich z XV wieku. Obrazy patriarchowie tradycyjnie umieszczone w górnym, tzw. rzędzie przodków ikonostas. W sztuce Europy Zachodniej sceny z życia patriarchów odnaleźć można w rzeźbiarskiej dekoracji gotyckich katedr, na freskach i mozaikach, na bocznych skrzydłach ołtarzy.

Przełom w stosunku do interesującego nas tematu nastąpił w epoce Wielkiego Renesansu,

Renesans położył podwaliny pod nadchodzący triumf malarstwa: wiek XVII był okresem rozkwitu malarstwa klasycznego.

I to nie przypadek, że w XVII wieku artyści najczęściej zwracali się ku tematom Stary Testament, wśród których niezmiennie pociągały ich opowieści o patriarchach. Warto zauważyć, że choć w XVII wieku artysta stał się mniej zależny od woli klienta, to nadal nie miał całkowitej swobody w wyborze tematu przyszłego obrazu.

Tak więc w krajach katolickich – we Włoszech i Hiszpanii – malarzy nie zachęcano do szerokiego odwoływania się do Starego Testamentu; przeciwnie, w Protestancka Holandia takie ograniczenia nie obowiązywały już w XVII wieku. Niemniej jednak, znaczące prace Wątki starotestamentowe tworzą nie tylko Holendrzy – Rembrandt i artyści jego szkoły, ale rodowity z katolickiej Flandrii Rubens, pobożni Hiszpanie – Murillo, Ribera, Velasquez, włoski Caravaggio.
Nic wiecznego nie istnieje, nie ma harmonii, świat jest w ciągłym rozwoju, człowiek nie jest doskonały, nie jest idealny, ale jak wielostronny, jak ciekawy! Tak deklarowali artyści XVII wieku, a tradycje Starego Testamentu dały malarzom cenną okazję do pokazania osoby w punkcie zwrotnym, jak mówią teraz, fatalnym momencie w jego życiu.

W opowieściach patriarchów postacie są podane w rozwoju, ich wewnętrzna ewolucja jest bardzo przekonująca. Przyjrzyjmy się postaci Jakuba. Dzięki wątpliwej sztuczce uzyskuje błogosławieństwo swojego ojca Izaaka i pierworództwo. Wtedy sam Jakub staje się ofiarą niegodnego podstępu, zabawką w rękach teścia: zamiast Racheli, dla której Jakub służył przez siedem lat, Laban daje mu za żonę Leę.

Taki jest Jakub w młodości. W swoich schyłkowych latach nie jest to już Jakub, ale Izrael - szanowany ojciec duża rodzina który żył sensownie i godnie. Samotnie walczył z Bogiem, który ukazał mu się pod postacią anioła (wyjście do Tekstu_9 „Czas aniołów”, część 2), jego potomstwo będzie liczne jak piasek morski. Jest jeszcze jeden powód, który skłonił artystów do zwrócenia się ku tematom Starego Testamentu: ich interpretacja dała mistrzowi Więcej wolności niż ucieleśnienie na płótnie epizodów z Ewangelii.
Wielowiekowe kanony mocno ciążyły na opowieściach ewangelicznych: sama scena, postacie, kompozycja i niezbędny zestaw atrybutów zostały „zatwierdzone” w średniowieczu. Te bardzo stabilne kanony reprodukowano tysiące razy i choć malarze XVII wieku interpretowali je nieporównanie swobodniej niż mistrzowie średniowiecza, a nawet renesansu, to jednak ich zadaniem było wprowadzanie innowacji w ramach istniejącej tradycji.

Sięgając do legend Starego Testamentu, artysta zyskał znacznie większą samodzielność.

niepoliczalna liczbakiedyś europejscy artyści przedstawiali pogrążoną w żałobie matkę, Matkę Boską, w kompozycjach ołtarzowych z krucyfiksem. Bezradnie opadając, zawsze stoi po prawicy Chrystusa.

Tymczasem liczymy tylko kilka prac, której tematem była żałoba jego ojca – Abrahama, który na rozkaz Boga złożył w ofierze swego syna Izaaka, jednak każde z tych dzieł oferuje oryginalne rozwiązanie tematu

JUDYTA

Charakter deuterokanonicznego Starego Testamentu „Księgi Judyty”, Żydowska wdowa, która uratowała swoje rodzinne miasto przed najazdem Asyryjczyków.

Według książki „Judyta”, dowódca Holofernes, dowódca armii Nabuchodonozora, wykonując jego rozkaz „dokonania… zemsty na całej ziemi”, przeszedł przez Mezopotamię, zniszczył wszystkie jej miasta, spalił wszystkie plony i zabił mężczyzn. Holofernes oblegał małe miasteczko Vetiluia, w którym mieszkała młoda wdowa Judyta. Kobieta zakradła się do obozu asyryjskiego i uwiodła Holofernesa. Kiedy dowódca zasnął, Judith odcięła mu głowę. „Ponieważ jej piękno zawładnęło jego duszą, - miecz przeszedł przez jego szyję!” Pozostawiona bez wodza armia nie mogła stawić oporu mieszkańcom Vetilui i została rozproszona. Judith otrzymała namiot Holofernesa i wszystkie jego przybory jako trofeum i weszła do Vetiluji jako triumfatorka.

Judyta. Giorgione.

Około 1504 roku

Jedno z wielu dzieł sztuki na temat historii Judyty i Holofernesa. Wybór chwili gdy morderstwo zostało już popełnione, Giorgione, w przeciwieństwie do wielu artystów, którzy zwrócili się ku tej biblijnej historii, stworzył zaskakująco spokojny obrazek. Judyta trzymająca miecz w prawej ręce opiera się o niski parapet. Jej lewa noga spoczywa na głowie Holofernesa. Za Judith rozwija się harmonijny krajobraz morski.

DZIAŁKA

„Lot z córkami”.

Obraz Holenderski artysta Joachima Etevala

ABRAHAM

Abrahama - najpierw biblia trzech biblijnych patriarchów, którzy żyli po potopie, przodek Żydów i (poprzez Ismaila) Arabów . Według legendy pierwotnie miał na imię Abram, urodził się w Ur chaldejskim. Tam ożenił się z Sarą. Razem z Sarra wyszedł ojczyzna. Po drodze Jahwe obiecał, że potomstwo Abrahama stanie się wielkim narodem. Zgodnie z poleceniem Jahwe Abraham kontynuował swoją drogę w 75 roku życia; w czasie głodu Abraham wraz z żoną i ludem udał się do Egiptu, gdzie w obawie przed śmiercią podał Sarę jako swoją siostrę. Tymczasem Abraham martwił się swoją bezdzietnością, ale Jahwe ponownie obiecał, że będzie miał potomstwo niezliczone jak piasek na ziemi. Obietnica ta została przypieczętowana zawarciem unii (przymierza) Boga i Abrahama. Wtedy Abraham dowiedział się, że jego potomkowie będą niewolnikami na swojej ziemi przez kolejne 400 lat. Jednak Sara, wciąż bezdzietna, dała swoją niewolnicę Abrahamowi za żonę. Hagar która urodziła mu syna Ismail. Nowe pojawienie się Boga potwierdza, że ​​obietnica, którą złożył, nie dotyczy Ismaila, ale ok Izaak, urodzić się Sarze. Następnie Bóg rozkazał Abrahamowi, aby nazywał się Abraham (ojciec tłumów ludów) i aby wszyscy mężczyźni w domu Abrahama zostali obrzezani. Kiedy Abraham miał 100 lat, a Sara 90 lat, urodził się Izaak. Sara nalegała na wysłanie Hagar i małego Izmaela na pustynię. Aby sprawdzić siłę wiary Abrahama, Bóg nakazał złożyć Mu w ofierze Izaaka. Ale kiedy związany Izaak leżał już na ołtarzu, a Abraham podniósł rękę z nożem, aby go dźgnąć, anioł zatrzymał rękę Abrahama i zamiast Izaaka złożono w ofierze barana zaplątanego w zarośla. Po śmierci Sary Abraham ożenił się z kobietą o imieniu Keturah (Ketura), miał jeszcze 6 synów. Abraham zmarł w wieku 175 lat i został pochowany obok Sary na rodzinnym cmentarzu w jaskini Machpela.

Piotra Lastmana. Abraham w drodze do Kanaanu. 1614

Petera Paula Rubensa. Wyjazd Hagar z domu Abrahama.

Hagar – w tradycjach Starego Testamentu – Egipcjanka, niewolnica Sary i nałożnica Abrahama.

Bezdzietna Sara, działając zgodnie ze zwyczajem, sama zaproponowała mężowi, aby „przyszedł” do Hagar z zamiarem adopcji poczętego dziecka. „Abram posłuchał słów Sary... Poszedł do Hagar, a ona poczęła. Widząc, że poczęła, zaczęła gardzić swoją kochanką… ”. Sarah zaczął uciskać Hagar, a ona uciekła od niej na pustynię, ale posłaniec Boży nakazał jej wrócić. " Nadaj imię Ismael synowi, którego urodzisz, gdyż Bóg usłyszał o twoich cierpieniach. Będzie silny jak dziki osioł, a wielki lud odejdzie od niego”. Po narodzinach syna Izaaka Sarze i Abrahamowi podczas uroczystości patriarchalnej w dniu, w którym został odstawiony od piersi, dawna wrogość między kochanką a pokojówka (skomplikowana konfliktem prawnym między pierworodztwem Ismaela a prawowitością Izaaka) wybuchła z nową energią: „I Sara zobaczyła, że ​​syn Hagar, Egipcjanki, którego urodziła Abrahamowi, kpi sobie. I rzekła do Abrahama: tę niewolnicę i syna…” Hagar w ramionach z Ismaelem została zmuszona do udania się na wygnanie. Hagar udała się na południe, osiadła na pustyni arabskiej, gdzie Ismael został później założycielem plemion arabskich, zwanych Ismaelitami (od jego imię i Agarianie(nazwa pochodzi od jego matki). Jako matka Ismael, tradycyjnie uważany za protoplastę Arabów, Hagar zajmuje ważne miejsce w tradycjach arabskich.

W Arabska literatura zachowało się wiele legend o Hagar, na obrazie scena wypędzenia Hagar i Izmaela z domu Abrahama była wielokrotnie reprodukowana przez artystów wszystkich czasów.

ISAAC

Syn sędziwego Abrahama i Sary który stał się nosicielem wszystkich obietnic, które złożył. Kiedy miał 37 lat, Abraham otrzymał polecenie złożenia go w ofierze, a Izaak potulnie posłuchał ojca: nóż ofiarny był już podniesiony nad nim, ale został odrzucony przez anioła. Izaak był żonaty z wnuczką swojego mezopotamskiego wuja Nachora, Rebeką, z którą miał dwóch synów, Ezawa i Jakuba. Jego życie upłynęło bez innych równie wybitnych wydarzeń i zmarł w wieku 180 lat, stając się jeden z najdłużej żyjących patriarchów.

Ofiara Abrahama, 1635.

Obraz holenderskiego malarza Rembrandta van Rijna

Do doświadczyć mocy wiary Abrahama Bóg polecił mu złożyć Izaaka w ofierze na górze Moria. Abraham posłuchał bez wahania, ale w najbardziej decydującym momencie, gdy Izaak leżał związany na ołtarzu, a Abraham podniósł nóż, by wbić się w syna, anioł zatrzymał go i uratował chłopca. Ten wyczyn Abrahama służy Żydom jako niekończący się temat wspomnień w ich modlitwach, a przez wiele stuleci obraz ofiary Izaaka był w kościele chrześcijańskim ulubionym tematem sztukaterii i Prace malarskie artyści.

Biblijne obrazy i wątki w sztuce europejskiej.

Biblia, księga ksiąg, dotarła do nas przez całe stulecia. Została zakazana, spalona, ​​ale przeżyła. Od ponad dwóch tysiącleci cały świat wychowywany jest na tradycjach i przypowieściach zaczerpniętych z Biblii. Biblijne obrazy i historie stały się podstawą wielu rodzajów sztuki. Wielcy artyści świata przedstawiali na swoich obrazach sceny biblijne. Biblijni bohaterowie są żywym uosobieniem piękna cechy ludzkie: duchowa wielkość, wewnętrzna integralność, surowa prostota, wielka szlachetność.Biblia jest najważniejszą skarbnicą duchowości i dziedzictwo kulturowe. Ucieleśnia ideały dobroci, sprawiedliwości, bezinteresownej służby ludzkości, wiary w wartość osoby ludzkiej. Biblia podpowiadała artystom, rzeźbiarzom i architektom najważniejsze dla nich obrazy, optymalne rozwiązania artystyczne. Motywy biblijne przenikały twórczość najwięksi mistrzowie kultura świata. Motywy biblijne dostarczały materiału do fantazji, do wyrażania własnego stosunku do świata poprzez fabułę biblijną.Postacie i historie Świętej Historii nadal inspirują artystów przez ostatnie dwa tysiąclecia.

Wątki chrześcijańskie są niewyczerpanym źródłem twórczych poszukiwańw różnych rodzajach sztuki i dla różnych narodów,chociaż każdy naród ma swoją własną wizję, swój własny światopogląd, a co za tym idzie, własne wyniki twórczej realizacji w postacioryginalna kultura narodowa.

Ogólne idee początkowe chrześcijańskiej sztuki sakralnej w rozwój artystyczny różne części świata chrześcijańskiego mają znaczące różnice. Różnice te wynikały z rozgraniczenia państwowego, politycznego, a następnie kościelno-teologicznego między Wschodem a Zachodem. Katolicyzm i prawosławie zostały ostatecznie dwoma różne rodzaje kultura. Kult Jezusa, Matki Bożej – Dziewicy Maryi – w katolicyzmie nabrał bardziej wzniosłego charakteru. Jeśli w prawosławiu Matka Boża jest przede wszystkim Królową Nieba, patronką i pocieszycielką, to dla katolików Dziewica Maryja - Madonna - jest ucieleśnieniem prawdy, mądrości, piękna, młodości, szczęśliwego macierzyństwa. Ta różnica znalazła później odzwierciedlenie w obrazach malujących ikony.

Prawosławny Jezus Chrystus jest Pantokratorem, Wszechmogącym, królującym w chwale w niebie po ziemskich mękach i Zmartwychwstaniu. W obrazach katolickich ziemskie męki Chrystusa są uchwycone bardziej przenikliwie, bardziej wyraziście niż triumf Zmartwychwstania. A same malownicze obrazy w kościołach katolickich nie mają tego sakralnego (świętego) znaczenia, jak Prawosławna ikona. W katolickiej katedrze w zasadzie nie ma ikon, ale obrazy. Dlatego w okresie renesansu to właśnie w ośrodkach katolickich nastąpiło zbliżenie świeckich i malarstwo kościelne, - wielcy artyści tacy jak Leonardo da Vinci, Michał Anioł, Rafał - zarówno w gatunkach kościelnych, jak i świeckich piszą w podobny sposób. Ale Cerkiew ściśle przestrzegała swoich kanonów w malowaniu ikon.

Jeszcze więcej różnic stwierdzono w muzyka kościelna. Kościół wschodni stanowczo zakazał używania jakichkolwiek instrumenty muzyczne podczas nabożeństwa. W katedrze katolickiej znajdują się organy.

W miastach Europy Zachodniej od XIII do XVII wieku w katedrze dominuje architektura, rzeźba, malarstwo – reprezentowane głównie przez witraże i obrazy ołtarzowe, chóralne i muzyka organowa są nierozerwalną jednością.

W XIX wieku problemy duchowe i historie biblijne zostały szczególnie mocno osadzone w tkance kultury europejskiej, rosyjskiej i całej światowej. Gdyby wymienić tylko tytuły wierszy, wierszy, dramatów, opowiadań poświęconych problematyce biblijnej na przestrzeni ostatnich dwustu lat, to wyliczenie takie zajęłoby bardzo dużo czasu, nawet bez opisów i cytatów.

Apeluje do obrazy biblijne miało miejsce już w pierwszych latach istnienia nowej formy sztuki, jaką jest kino.

Mimo więc, że historie biblijne opowiadają o czasach minionych, artyści sięgają po nie, by poprzez znane wszystkim wątki oddać współczesną rzeczywistość.

Obrazy I. Boscha i A. Iwanowa.

Inspiracją twórczą Iwanowa były dwa główne uczucia - bezgraniczna miłość do sztuki i współczucie dla upokorzonych, pozbawionych życia ludzi, chęć niesienia im pomocy. Iwanow był przekonany, że celem sztuki jest zmiana życia.
Rosyjski artysta Aleksander Andriejewicz Iwanow mieszkał i studiował we Włoszech przez dwadzieścia osiem lat. Tam, w 1833 roku, wymyślił, jak to określił, „spisek światowy”, zdolny do duchowej przemiany nie tylko sztuki, ale wszystkiego, co nowoczesne społeczeństwo. Iwanow postanowił ukazać ludzkość w punkcie zwrotnym i głównym momencie jej dziejów, a jako temat wybrał wydarzenia opisane w pierwszym rozdziale Ewangelii św. Jana.

Zaczyna opracowywać szkice do przyszłego dużego obrazu „Pojawienie się Chrystusa ludziom”, który badacze później nazwą „rozszerzonym poematem filozoficznym”, „nieśmiertelną metaforą”.
W sumie podczas prac nad obrazem (według szacunków historyków sztuki Iwanow pracował nad nim przez 20 lat) cały galeria zdjęć: około czterystu studiów przygotowawczych i szkiców. Są to kompletne genialne krajobrazy i portrety.
Poważnie iz wielką starannością Iwanow szukał krajobrazu do swojego zdjęcia. Malował szkice skalistego brzegu, nierównej gleby, drzew, bagna, nad którym rozpościera się szara mgła, odległych gór spowitych błękitną mgiełką. Malował nieskończone przestrzenie, tylko na samym horyzoncie zarysowanym łańcuchem niebieskich gór i pojedynczym kamieniem, ukazując jego kształt, strukturę, ciężar, kolor - szary, fioletowy, czerwony. Iwanow nauczył się przekazywać iluminację przedmiotów na dworze- rano popołudnie wieczór. Nauczył się też przekazywać samo powietrze, a to wielka umiejętność.
Krytycy zwracają uwagę przede wszystkim na kunszt kompozytorski, z jakim reżyser Iwanow kieruje wiele wyraźnie zindywidualizowanych postaci ku jednemu, wzniosłemu celowi.
Uczestnicy obrazu łączą się w grupy. W centrum kompozycji znajduje się Jan Chrzciciel dokonujący obrzędu chrztu w wodach Jordanu. Wskazuje słuchaczom zbliżającego się Chrystusa.Chociaż Żydzi zostali ochrzczeni przez Jana, chrzest Janowy nie miał odpuszczenia grzechów, Jan głosił tylko jedno nawrócenie i doprowadził do odpuszczenia grzechów, to znaczy do chrztu Chrystusowego, z którego – odpuszczenie grzechów . Prorok, który według legendy spędził długi czas na pustyni, z dala od ludzi, przygotowując się do wysokiego stanowiska, ubrany jest w pożółkłą skórę wielbłąda i lekki płaszcz z grubej tkaniny. Bujne długie włosy opadające w nieładzie na ramiona i gęsta broda okalają jego bladą, szczupłą twarz z lekko zapadniętymi oczami. Wysokie czyste czoło, stanowczy i inteligentny wygląd, odważna, mocna sylwetka, muskularne ręce i nogi – wszystko to zdradza w nim wybitną inteligencję i siła fizyczna, nie złamane, a jedynie inspirowane ascetycznym życiem pustelnika. Trzymając w jednej ręce krzyż – nieodzowny atrybut ikonograficzny Jana Chrzciciela – drugą wskazuje ludziom samotną postać Chrystusa, która pojawiła się już w oddali na skalistej, spalonej słońcem drodze. John wyjaśnia słuchaczom, że idący człowiek przynosi im nową prawdę, nowy dogmat.

Po lewej stronie obrazu, za Janem Chrzcicielem, przedstawiona jest grupa apostołów: młody Jan Teolog, za nim Piotr, następnie Andrzej Pierworodny i Natanael. Tej grupie przeciwstawia się grupa ludzi schodzących ze wzgórza, prowadzona przez faryzeuszy.
Obraz jest skonstruowany w taki sposób, że ludzie na pierwszym planie wydają się patrzeć w gigantyczne lustro, w którym odbija się przyroda z postacią Chrystusa działającego na jego tle. Wydaje się, że przynosi ze sobą przymierze pokoju i pokojowej harmonii, które panują naturalny świat.
Ponadto na płótnie w całej swej różnorodności przedstawione są ludzkie charaktery, temperamenty i stany ducha: tutaj i już zamienione w wiara chrześcijańska i pogan, i chwiejnych, i bojaźliwych, i wątpiących ludzi. Na pierwszym planie wyróżnia się „niewolnik i pan”. O twarzy niewolnika sam artysta powiedział: „Poprzez zwykłe cierpienie po raz pierwszy pojawiła się radość”. Iwanow uważał, że nie może być szczęścia na ziemi, dopóki nie zostanie zniesione niewolnictwo, i mówiąc to, miał na myśli nie tylko starożytnych niewolników czy miliony rosyjskich chłopów. Miał na myśli także wewnętrzną niewolę, jaka tkwi w człowieku żyjącym w niesprawiedliwym świecie.
Dla głowy niewolnika artysta wykonał świetna ilość szkice, aby stworzyć ten jeden dokładny obraz. Namalował inteligentnego, dumnego mężczyznę i żałosnego jednookiego starca znalezionego w biednej chacie na obrzeżach Rzymu. Namalował modelkę Mariuccię i więźnia z piętnem na czole i grubym sznurem na szyi. I żadna inna twarz na zdjęciu nie wyraża tak złożonego uczucia. Oto radość, nieufność, nadzieja, kpina i życzliwy uśmiech, być może po raz pierwszy rozświetlający jego brzydkie rysy.
Na pierwszym planie przedstawiony jest Jan Chrzciciel. Z punkt artystyczny Widok jest również bardzo jasny i wyrazisty obraz. Wzywa nie tylko do powitania przychodzącego z daleka Chrystusa, ale także przepowiada zbawczą drogę dla wszystkich wokół. Sam Iwanow wierzył w tę drogę: „Jeśli ja i moi rówieśnicy nie jesteśmy szczęśliwi, to następne pokolenie po nas z pewnością przebije się przez wysoką drogę do rosyjskiej chwały…”.
Co ciekawe, w głębi centralnej grupy schwytał się Iwanow – w postaci wędrowca, w szarym kapeluszu z szerokim rondem iz laską. A wśród tych, którzy schodzą ze wzgórza, od razu rzuca się w oczy postać mężczyzny w brązowej tunice z odkrytą głową. Ujawnia cechy pisarza N.V. Gogola, z którym przyjaźnił się Iwanow.

"Ogród ziemskie przyjemności» - najsłynniejszy tryptyk Hieronima Boscha, który wziął swoją nazwę od tematu części centralnej, poświęcony jest grzechowi zmysłowości. oryginalne imię ta praca Boscha nie jest znana na pewno. Naukowcy nazwali tryptyk „Ogrodem rozkoszy ziemskich”. Ogólnie rzecz biorąc, żadna z dostępnych dziś interpretacji obrazu nie jest uznawana za jedyną prawdziwą. Większość teorii na temat znaczenia obrazu rozwinęła się w XX wieku.

Lewe skrzydło tryptyku przedstawia Boga przedstawiającego Ewę oszołomionemu Adamowi w pogodnym i spokojnym Raju. W centralnej części kilka scen, różnie interpretowanych, przedstawia prawdziwy ogród rozkoszy, w którym tajemnicze postacie poruszają się z niebiańskim spokojem. Prawica uchwyciła najstraszniejsze i najbardziej niepokojące obrazy z całej pracy Boscha: skomplikowane maszyny tortur i potwory stworzone przez jego wyobraźnię.

Ogród rozkoszy ziemskich to obraz raju, w którym zostaje zniesiony naturalny porządek rzeczy, a króluje chaos i rozpusta, odciągając ludzi od drogi zbawienia.

Zamiast figury Chrystusa, która jest tutaj rzekoma, tutaj jest przedstawiona ziemskie życie ludzi w całym swoim grzesznym „przepychu”. Po bokach przedstawiono niebo i piekło. Tym samym wzrok widza nie jest skierowany od lewej krawędzi do prawej, co stwarza wrażenie niekończącej się serii męki (Stworzenie świata – ofiara Chrystusa – Sąd Ostateczny), ale od środka do krawędzi, a jego moralność można wyrazić słowami „Dostaniesz to, na co zasłużyłeś”. I nie wiadomo, czy się zgodzi Bosch zachwyca na tym świecie lub potępia.

Kochająca się para przeszła na emeryturę w bańce; młody mężczyzna przytula sowę; inny człowiek stoi do góry nogami, między którymi gniazduje ptak. Pierwszy plan zajmują „różne radości”, drugi różne zwierzęta ludzie jeżdżą, trzeciego latają na skrzydlatych rybach lub sami. Ale według ówczesnych snów wiśnie, truskawki i winogrona oznaczają różne formy rozpusty, scena z kiścią winogron w basenie jest symbolem komunii; pelikan podniósł dziobem wiśnię (symbol zmysłowości) i drażni nią ludzi; pośrodku, w wieży cudzołóstwa, pośród jeziora pożądania, wśród rogów śpią oszukani mężowie. Stalowa kula z kolorowego szkła - symbole z holenderskiego przysłowia "Szczęście i szkło - są krótkotrwałe". A w prawym skrzydle znajdujemy Szatana z nogami w kształcie dziupli i ciałem w kształcie otwartego skorupka jajka, zając wyższy od człowieka, nienaturalne chimery, karczma w środku potwora – to wszystko wykracza poza „zwykły” obraz kar…

Na pierwszy rzut oka środkowa część jest chyba jedyną idyllą w twórczości Boscha. Ogromny obszar ogrodu wypełniony jest nagimi mężczyznami i kobietami, którzy zajadają się gigantycznymi jagodami i owocami, bawią się z ptakami i zwierzętami, pluskają się w wodzie, a przede wszystkim otwarcie i bezwstydnie oddają się miłosne przyjemności w całej ich różnorodności. Jeźdźcy w długiej kolejce, jak na karuzeli, jadą wokół jeziora, gdzie pływają nagie dziewczyny; kilka postaci z ledwo zauważalnymi skrzydłami szybuje po niebie. Ten tryptyk jest lepiej zachowany niż większość Duże obrazy ołtarzowe Boscha i beztroską zabawę unoszącą się w kompozycji podkreśla wyraźne, równomiernie rozłożone światło na całej powierzchni, brak cieni oraz jasny, nasycony kolor. Na tle traw i listowia, niczym dziwaczne kwiaty, mienią się blade ciała mieszkańców ogrodu, wydające się jeszcze bielsze w zestawieniu z trzema czy czterema czarnoskórymi postaciami umieszczonymi w tym tłumie. Za opalizującymi fontannami i budynkami otaczającymi jezioro w tle widać na horyzoncie gładka linia stopniowo topniejące wzgórza. miniaturowe figurki ludzie i fantastycznie ogromne, dziwaczne rośliny wydają się równie niewinne, jak wzory średniowiecznego ornamentu, który zainspirował artystę.

główny cel artysty - by pokazać zgubne skutki zmysłowych przyjemności i ich ulotność: aloes wbija się w nagie ciało, koral mocno chwyta ciała, muszla zatrzaskuje się, obracając para zakochanych w swoich jeńcach. W Wieży Cudzołóstwa, której pomarańczowo-żółte ściany mienią się jak kryształy, wśród rogów śpią oszukani mężowie. Szklana kula, w której kochankowie oddają się pieszczotom i szklany dzwonek, który chroni troje grzeszników, ilustrują holenderskie przysłowie: „Szczęście i szkło – jakie one są krótkotrwałe”

Mogłoby się wydawać, że obraz przedstawia „dzieciństwo ludzkości”, „złoty wiek”, kiedy ludzie i zwierzęta pokojowo egzystowali obok siebie, bez najmniejszego wysiłku, otrzymując owoce, które ziemia dała im w obfitości. Nie należy jednak zakładać, że tłum nagich kochanków, zgodnie z planem Boscha, miał stać się apoteozą bezgrzesznej seksualności. Dla średniowiecznej moralności stosunek płciowy był dowodem na to, że człowiek utracił swoją anielską naturę i upadł. W najlepszym wypadku współżycie było postrzegane jako zło konieczne, w najgorszym jako grzech śmiertelny. Najprawdopodobniej dla Boscha ogród ziemskich rozkoszy to świat zepsuty przez pożądanie.

Lewe skrzydło.

Lewe skrzydło przedstawia trzy ostatnie dni stworzenia świata. Niebo i Ziemia wydały na świat dziesiątki żywych stworzeń, wśród których można zobaczyć żyrafę, słonia i mityczne bestie jak jednorożec. W centrum kompozycji wznosi się Źródło Życia - wysoka, smukła, różowa konstrukcja. Lśniące w błocie klejnoty, podobnie jak fantastyczne bestie, są prawdopodobnie inspirowane średniowiecznymi wyobrażeniami o Indiach, które swoimi cudami urzekały wyobraźnię Europejczyków już od czasów Aleksandra Wielkiego. Istniało popularne i dość rozpowszechnione przekonanie, że to właśnie w Indiach znajdował się utracony przez człowieka Eden.

Na pierwszym planie tego pejzażu, przedstawiającego przedpotopowy świat, nie znajduje się scena kuszenia czy wygnania Adama i Ewy z raju, ale ich zjednoczenie przez Boga. Biorąc Ewę za rękę, Bóg prowadzi ją do Adama, który właśnie obudził się ze snu i wydaje się, że patrzy na to stworzenie z mieszanym poczuciem zaskoczenia i oczekiwania. Sam Bóg jest znacznie młodszy niż na innych obrazach, pojawia się pod postacią Chrystusa, drugiej osoby Trójcy Świętej i wcielonego Słowa Bożego.

Prawica („Muzyczne piekło”)

Prawe skrzydło ma swoją nazwę ze względu na obrazy narzędzi używanych tutaj najczęściej w dziwny sposób: jeden grzesznik zostaje ukrzyżowany na harfie, poniżej lutnia staje się narzędziem tortur dla drugiego, „muzykiem” leżącym twarzą w dół, na którego pośladkach odciśnięte są nuty melodii. Wykonuje go chór potępione dusze prowadzony przez regenta - potwora o rybiej twarzy.

Jeśli w części środkowej przedstawiony jest sen erotyczny, to na prawym skrzydle przedstawiona jest koszmarna rzeczywistość. Oto najstraszniejsza wizja piekła: tutejsze domy nie tylko płoną, ale eksplodują, rozświetlając się błyskami ognia ciemne tło i uczynił wody jeziora szkarłatem jak krew.

Na pierwszym planie królik ciągnie zdobycz, przywiązany za nogi do słupa i krwawi – to jeden z ulubionych motywów Boscha, ale tutaj krew z rozerwanego brzucha nie płynie, ale tryska, jakby pod wpływem ładunku prochowego. Ofiara staje się katem, ofiara myśliwym i to najlepiej odda chaos panujący w piekle, gdzie odwrócone zostają normalne relacje, które kiedyś istniały na świecie, a najzwyklejsze i nieszkodliwe przedmioty codziennego życia, urastając do monstrualnych rozmiarów, zamieniają się w narzędzia tortur. Można je porównać do gigantycznych jagód i ptaków w centralnej części tryptyku.

Na zamarzniętym jeziorze w środkowym ujęciu kolejny grzesznik balansuje niepewnie na ogromnej łyżwie, ale niesie go prosto na polnię, gdzie już brnie w Lodowata woda kolejny grzesznik. Te obrazy są inspirowane starym holenderskim przysłowiem, którego znaczenie jest podobne do naszego wyrażenia „według cienki lód". Nieco wyżej przedstawiono ludzi, jak muszki gromadzące się w świetle latarni; po przeciwnej stronie „skazany na wieczną śmierć” wisi w „oczku” klucza do drzwi.

Diabelski mechanizm – narząd słuchu wypreparowany z ciała – składa się z pary gigantycznych uszu, w które przebija się strzała z długim ostrzem pośrodku. Istnieje kilka interpretacji tego fantastycznego motywu: według niektórych jest to ślad ludzkiej głuchoty na słowa Ewangelii „kto ma uszy, niechaj słucha”. Wyryta na głowni litera „M” oznacza albo znak rusznikarza, albo inicjał malarza, z jakiegoś powodu szczególnie niemiły dla artysty (być może Jana Mostaerta), albo słowo „Mundus” („Pokój”), wskazujące na uniwersalną oznaczający rodzaj męski, symbolizowane przez ostrze, czyli imię Antychrysta, które zgodnie ze średniowiecznymi proroctwami będzie zaczynało się na tę literę.

Dziwne stworzenie z ptasią głową i dużą przezroczystą bańką pochłania grzeszników, a następnie przewraca ich ciała w idealnie okrągły szambo. Tam skąpiec jest skazany na wieczne wypróżnianie się złotymi monetami, a drugi, najwyraźniej żarłok, na bezustanne zwracanie zjedzonych smakołyków. U stóp tronu szatana, obok płomieni piekielnych, naga kobieta z ropuchą na piersi jest przytulana przez czarnego demona z ośle uszami. Twarz kobiety odbija się w lustrze przymocowanym do pośladków innego, zielonego demona - taka jest kara dla tych, którzy ulegli grzechowi pychy.

Żaluzje zewnętrzne.

W posępnych barwach przedstawiony jest świat trzeciego dnia po stworzeniu go przez Boga z wielkiej pustki. Ziemia jest już pokryta zielenią, otoczona wodami, oświetlona słońcem, ale nie ma na niej jeszcze ani ludzi, ani zwierząt. Napis po lewej stronie brzmi:„Powiedział i stało się”(Psalm 32:9), po prawej -„Rozkazał i ukazało się”(Psalm 149:5).

Spis wykorzystanej literatury.

1. Światowa kultura artystyczna / P.A. Juchwidin M. « Nowa szkoła» 1996

2. Obrazy i historie ewangeliczne w kultura artystyczna/ JEŚĆ. Chetina M. "Frinta", "Nauka" 1998

3. Platonova N.I. "Sztuka. Encyklopedia" - "Rosmen-Press", 2002

Nie, oczywiście nie w sensie „niekochanych”, że ktoś rzekomo czuje do nich wrogość, ale w sensie przeciwstawiania ich tym, których kochają szczupli ludzie. Na przykład istnieje wiele obrazów na temat „Zuzanna i starcy” lub „Batszeba” - może z powodu fabuły „truskawkowej” lub „Grzech pierworodny Adama i Ewy” - a gdzie jeszcze można zamówienie średniowiecznych malarzy przedstawiać nagich ludzi? Artyści lubili też rysować Judytę w trakcie odpiłowywania głowy Holofernesa lub zaraz po niej - skutecznie iz ukrytą sprzecznością: łagodną damą - i nagle takie krwawe skłonności! A także „Ofiara Izaaka” i „Powrót syna marnotrawnego” oraz wiele innych różnych historii.

Przyjrzyjmy się, do jakich tematów biblijnych w sztukach wizualnych rzadko się odwoływano, i przywróćmy nieco sprawiedliwość, wspominając o nich.

„Stworzenie Ewy”. Średniowieczna miniatura księgowa z XIV-XV wieku.

Oczywiście jeszcze nie obraz, ale dość szczegółowy obraz. Wzrusza mnie swoją szczegółową wykonalnością - tak Pan wziął żebro Adama, a na jego końcu w cudowny sposób uformowała się najpierw głowa kobiety, a potem reszta ciała. Głowa najprawdopodobniej natychmiast zaczęła wydawać zalecenia: więc tutaj jest bardziej, bardziej wypukła, ale tutaj możesz trochę usunąć! Na zdjęciu Bóg wydaje się jej grozić: jesteś nim, nie mów za dużo!

„Bóg sprowadza Ewę do Adama”, bizantyjska mozaika z XII wieku.

Adam jest oczywiście zakłopotany: tutaj okazuje się, jakie zabawne rzeczy można zrobić z moich żeber! "Dawaj dwa!"

„Noe wypuści gołębicę”. Miniatura książki.

O Kainie i Ablu nie wspominam – często przedstawiano ich w czasach bratobójstwa w najróżniejszych efektownych pozach, więc pomińmy kilka pokoleń. Więc Noe.

Wiadomo, że gdy powódź była w pełnym rozkwicie, Noe żeglował na swojej arce z gromadą wszystkich żywych stworzeń. Aby dowiedzieć się, czy nadszedł czas, aby zejść na ziemię, trzykrotnie wypuścił gołębia. Za pierwszym razem ptak wrócił z niczym, za drugim przyniósł listek oliwny, co dało jasno do zrozumienia, że ​​gdzieś ziemia została już uwolniona od wody, a za trzecim razem gołąb nie wrócił – został gdzieś, by założyć gniazdo. Noe zdał sobie sprawę, że katastrofa się skończyła i nadszedł czas, aby szukać brzegu.

Kolejny Noe z gołębicą. Mozaika Bazyliki św. Marka w Wenecji (XII-XIII wiek)

Nawiasem mówiąc, początkowo Noe wypuścił kruka, ale znalazł w wodzie zwłoki i natychmiast zaczął się leczyć, zapominając o swoim patronie. Wtedy musiałem skorzystać z pomocy „niemięsożernej” gołębicy.

„Trzej aniołowie odwiedzają Abrahama” Aerta de Geldera

Opowieść o tym, jak praojciec Abraham przyjął jako gościa trzech aniołów, którzy pojawili się przed nim w zwykłej, ludzkiej postaci. W ogóle był bardzo gościnnym człowiekiem, mimo że był szlachetnym i nie biednym starcem, ale tym razem włamał się całkowicie do ciasta, jakby czuł, że goście nie są łatwymi: sam pobiegł za najlepszymi cielaka, aby go ugotować i podawać do stołu bez niewolników. W podzięce aniołowie obiecali mu długo oczekiwanego następcę. Jego żona Sarah nawet śmiała się do siebie - w końcu miała już 90 lat, ale aniołowie wyrzucali jej niewiarę. Ale stara kobieta bardzo szybko cierpiała i urodziła syna, Izaaka, przodka Żydów. Nie jest jednak dobrze z konkubiną Hagar, która dawno temu urodziła syna Abrahama Ismaila – została wypędzona z potomstwem na pustynię. To prawda, obaj przeżyli, a rodzina muzułmańska wywodzi się od nich. To prawda, że ​​\u200b\u200b„Wypędzenie Hagar” to tylko fabuła ukochana przez artystów.

„Śmierć Sodomy” Kerstiana de Keynika.
Fabuła jest dobrze znana, ale rzadko była przedstawiana. Na drodze po lewej stronie i za grupą uciekających widać białą postać - to zbyt ciekawska żona Lota. Podczas ucieczki z Sodomy, która była niszczona przez anioły, złamała rozkaz aniołów i odwróciła się - i natychmiast zamieniła się w słup soli. Następnie córki Lota musiały zlutować ojca i na zmianę płodzić z nim dzieci (wnuki?), aby rodzina nie została przerwana. Ale to już „truskawkowa” fabuła ukochana przez malarzy.

Kolejna Sodoma. Artysta Peter Shawbreck.
Jeśli pamiętacie, Gomora została zniszczona w ten sam sposób. Tutaj na zdjęciu wszyscy już uciekli, pozostała tylko żona-filar i krzyki ginących sodomitów, tonących w ogniu.

„Dom letni Jakuba”, Mikael Lukas Wilman
Bardzo dziwna mistyczna historia - Jakub śnił o drabinie prowadzącej do nieba i aniołach, którzy wspinali się po niej i schodzili po niej. To jak tunel do innego wymiaru.

„Jakub i Rachela” Giacomo d'Antonio de Nigretti Palma Vecchio, XVI wiek

Z Jakubem wiąże się jeszcze jedna piękna historia. Zakochał się w swojej kuzynce Rachel od pierwszego wejrzenia. O prawo do poślubienia jej pracował u jej ojca, swojego wuja Labana, przez siedem lat, „a wydawało mu się to jak kilka dni, bo ją kochał”. Wujek był jeszcze owocem i wsunął Jakuba w ciemność, gdy nadszedł czas, jego najstarszą córkę, mniej piękną, Leę. Kiedy oszustwo zostało odkryte, Jakub został poproszony o pracę przez kolejne siedem lat, ponieważ zabrał dwie córki Labana. Oznacza to, że jeśli zakochał się w 17-letniej dziewczynie, ma już 31-letnią kobietę. I Jakub to zrobił! Jest taka cudowna powieść „Jak kilka dni”. Przeczytaj, to niesamowite! Legenda biblijna Dowiedziałem się, kiedy przeczytałem tę książkę, chociaż są one prawie niezwiązane.

„Praca w Festerze”. Fresk z XIV wieku, Serbia.
Hiob jest prawym człowiekiem, którego Bóg postanowił poddać próbie, a nawet zgodził się w tej sprawie z diabłem. Kiepska praca Hiob został pozbawiony majątku, dzieci, mieszkania, „nagrodził” go trądem. I usiadł na kupie łajna, zdrapując strupki ze swojej zapalonej skóry odłamkiem gliny. Jego żona oczywiście narzekała i narzekała na Boga, który poddał jej sprawiedliwego męża takim próbom, ale nie przestała karmić swojego biedaka. Fresk w bardzo ciekawy sposób przedstawia technikę karmienia - za pomocą takiej szpatułki (miłosierdzie to miłosierdzie, a trąd to nie żart!). Ze względu na tak niezwykłe detale umieściłem ten obraz tutaj, ale generalnie Hiob był często przedstawiany na ropie. Jeśli pamiętacie, pozostał wierny Panu, za co został przywrócony do zdrowia i bogactwa, a nowe dzieci urodziły się w tej samej liczbie.

„Córki faraona przynoszą małego Mojżesza”, fresk z III wieku w synagodze Dura-Europos w Syrii

Bardzo nietypowy archaiczny obraz. Księżniczka i jej służące nie są przedstawiane w znanych nam klasycznych tradycjach, postrzegamy je jako prawdziwe orientalne kobiety jacy naprawdę byli. Jedna służąca, jak widać, musiała się całkowicie rozebrać i wejść do wody, aby złapać koszyk z dzieckiem. A fabuła zawsze była dość popularna.

„Proces małego Mojżesza” Giorgione

Kiedy córka faraona przyniosła ojcu znalezione dziecko, dziecko zerwało mu z głowy królewską koronę i rzuciło nim o ziemię. Nie spodobało się to faraonowi i postanowił wystawić Mojżesza na próbę. Niemowlęciu przyniesiono naczynie z węglami oraz naczynie ze złota i drogocennych kamieni. Anioł skierował rękę dziecka, a on złapał węgiel i włożył go do ust. Od tego czasu wielu Żydów jest nieco zadziornych. Podejrzenia faraona zostały rozwiane, dziecko (na głowie) pozostawiono w pałacu.

Mojżesz ratujący córki Jetro – Rosso Fiorentino

Córki kapłana Jetry (było ich siedem) chciały napoić swoje owce ze źródła, ale pasterze brutalnie je wypędzili. Młody Mojżesz stanął w obronie dziewcząt. Później ożenił się z jedną z nich. Taka nudna historia scena domowa, ale obraz jest przedstawiony jako wielka masakra.

„Samson ze szczęką osła”. Salomon de Bry

Ogólnie rzecz biorąc, wśród starożytnych szczęki zwierząt kopytnych były popularną bronią, ponieważ Kain zabił Abla w ten sam sposób. Samson w malarstwie „zasłynął” z rozerwania paszczy lwa, zniszczenia świątyni Filistynów i nierozważnego spoczynku na kolanach zdradzieckiej Dalili, która obcięła mu włosy, w których zmagazynowana była siła śmiałka. Znany jest również z tego, że zabił 1000 Filistynów szczęką osła. Rzadko był tak przedstawiany, cichy, swojski, czule gładzący broń.

„Saul rzuca włócznią w Dawida”, Gverchino

Saul jest takim starożytnym żydowskim królem. Na początku wydawał się normalnym człowiekiem, a potem zaczął być dziwny. Młody Dawid, który zabił olbrzyma Goliata, był bardzo popularny wśród ludu, a Saul zazdrościł mu i ledwo tolerował młodzieńca. Podczas jednej z uroczystości w pałacu nie mógł się oprzeć i rzucił włócznią w Dawida, gdy pieśnią zachwycił uszy otaczających go osób. Facet ledwo zdołał uciec.

Śmierć Absaloma – Francesco Pesellino

Dawid, jakby chcąc zrobić na złość swemu winowajcy Saulowi, w końcu został królem. Miał syna Absaloma, który postanowił zbuntować się przeciwko ojcu i zebrał przeciwko niemu armię. Jego armia została pokonana, a on sam uciekł, ale podczas pościgu jego długie włosy zaczepiły się o konary dębu. W tym momencie jeden z dowódców Dawida rzucił w niego trzema włóczniami. Zwykle artyści przedstawiają, jak rzuca wszystkimi trzema włóczniami naraz. Pomimo zdrady syna, Dawid ze smutkiem go opłakiwał.

Śmierć Cycery Artemisia Genileschi

Oto ta słodka dziewczyna, która tak spokojnie i pracowicie wbija kołek w głowę śpiącego mężczyzny, aby przymocować namiot - Jael z rodzaju Kenitów. Zabiegowi przybicia jego głowy do podłogi dokonał kananejski wódz Sisera, prześladowca Żydów, jak mówią, zły człowiek. Ogólnie rzecz biorąc, Artemisia Genileschi uwielbiała takie historie, w których mężczyźni wpadali w różne złe sytuacje. Ona sama cierpiała z powodu mężczyzn i najwyraźniej w podobny sposób mściła się. Znana jest niefortunna historia, kiedy pozwała swojego nauczyciela plastyki za zgwałcenie jej. Nauczyciel został skazany, ale prawie natychmiast uniewinniony i zwolniony z więzienia. Krążyły pogłoski, że był po prostu kochankiem Artemizji i obiecał się ożenić, ale tego nie zrobił, ponieważ był już żonaty.

„Kara Jezebel” André Celesti, XVII wiek

Izebel jest nikczemną córką króla Sydonu, złego władcy i ciemiężcy narodu żydowskiego, który próbował wykorzenić jego religię. Walczył z nią prorok Eliasz. Za wszystkie swoje okrucieństwa Jezebel otrzymała w pełni - ostatecznie została wyrzucona przez okno, jej ciało zostało stratowane przez konie i rozszarpane na kawałki przez psy. Czy widzisz psy jedzące staruszkę na zdjęciu? To jest zła Jezebel.

„Jonasz i wieloryb” Jan Brueghel Starszy.

Bóg nakazał Jonaszowi udać się na ziemie pogańskie i głosić, ale prorok postanowił uniknąć niebezpiecznej misji i chciał odpłynąć statkiem w zupełnie innym kierunku. Wtedy na morzu zerwała się straszna burza, statek miotał się na boki, a marynarze zaczęli rzucać losy, aby dowiedzieć się, kto rozgniewał Boga. Los padł na Jonasza. Prorok zdał sobie sprawę, że nie może uniknąć trudnego losu, i rzucił się w otchłań morską, gdzie został połknięty przez dużą rybę (wieloryb, jak mówią niektóre źródła). Kilka dni później wieloryb wypluł Jonasza bez szwanku, a on nadal musiał iść tam, gdzie mu nakazano, i głosić. Wszystko zakończyło się pomyślnie: Jonaszowi udało się nawrócić cały naród na prawdziwą wiarę.

Były to historie Starego Testamentu, a teraz przejdźmy do rzadkich historii Nowego Testamentu.

„Święta Rodzina” Bartolome Esteban Pérez Murillo, XVII wiek
Rzadko w ten sposób przedstawiano małego Chrystusa, świętego Józefa i Marię Pannę. I to jest bardzo słodkie!

„Dzieciństwo Chrystusa w domu Józefa” Gerrit van Horst, XVII wiek.
Tu też dochodzi do rzadkiego spisku – Józef uczy Jezusa umiejętności stolarskich, pomaga mu chłopiec, trzymając świecę. Jest taki obraz w Caravaggio.

Bardzo rzadkie Grecka ikona- Pierwsze kroki Jezusa Chrystusa(uwaga 15-16 wiek). Niestety jest poważnie uszkodzony; Aby zrozumieć jej ikonografię, cytuję późniejszą podobną ikonę:

Pierwsze kroki Jezusa Chrystusa. Grecja

Nakarmienie pięciu tysięcy ludzi pięcioma bochenkami Lambert Lombard, XVI wiek

Legenda jest dobrze znana, ale rzadko przedstawiana.

"Nie dotykaj mnie!" Lavinia Fontana

Były oczywiście takie prace, ale jest ich niewiele (na przykład autorstwa Giotta). To pierwsze pojawienie się Chrystusa ludziom po Zmartwychwstaniu, Maria Magdalena widziała go, ale Chrystus zabronił jej podejść: „Nie dotykaj mnie, bo jeszcze nie wstąpiłam do Ojca mego, ale idź do braci moich i powiedz im: Wstępuję do Ojca mego i Ojca waszego oraz do Boga mego i Boga waszego”.

„Niemiłosierny dłużnik” Domenico Fetti

To są przypowieści Chrystusa. Jedna z przypowieści opowiada o uwolnieniu pewnego niewolnika, darowaniu mu całej masy długów. I pierwszą rzeczą, jaką zrobił, gdy tylko odzyskał wolność, było chwycić za gardło swego dłużnika, który był mu winien parę groszy.

„Przypowieść o robotnikach w winnicy” Rembrandta
Opowieść o buncie winiarzy, którzy byli oburzeni, że równo płacą tym, którzy pierwsi przyszli do pracy i pracowali cały dzień, i tym, którym udało się pracować tylko do ostatniej godziny. Winnica jest alegorią wiary, królestwa niebieskiego. Nie ma znaczenia, kto i kiedy to przyjmie, nagroda będzie taka sama dla wszystkich.

Oto kilka rzadkich historii. Teraz będziesz wiedział, co jest pokazane na niektórych niezrozumiałe zdjęcia. I może kiedyś do tego wrócimy.

W lutym mija 185. rocznica urodzin Nikołaja Ge, rosyjskiego malarza i rysownika, mistrza malarstwa historycznego i religijnego. Krytycy, a zwłaszcza kościół, nie zawsze akceptowali jego interpretację opowiadań ewangelicznych, zbyt naturalistyczną dla sztuki rosyjskiej, ale dość tradycyjną, jak pokazują zbiory Wielkiej Kolekcji Sztuk Pięknych ASG, dla Europy Zachodniej.

Urodził się przyszły artysta Nikolai Ge w 1831 r. W rodzinie właściciela ziemskiego z Woroneża. Niezwykłe nazwisko wywodzi się od Gay – dziadek artysty był Francuzem i wyemigrował do Rosji pod koniec XVIII wieku, najprawdopodobniej uciekając przed rewolucją.

W wieku trzech miesięcy dziecko zostało bez matki - w roku jego narodzin cholera szalała w centralnych prowincjach Rosji. Za namową ojca wszystkie troski o dziecko przejęła jego niania – służąca.

Zdolność Nikołaja Ge do rysowania ujawniła się nawet w gimnazjum, ale nie śmiejąc sprzeciwić się ojcu, studiował najpierw w Kijowie, a następnie na uniwersytetach w Petersburgu na Wydziale Matematyki. Większość czasu poświęcił jednak rysowaniu w murach Ermitażu. W 1850 roku Ge opuścił uniwersytet i wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych, gdzie studiował przez siedem lat. Duży złoty medal otrzymany na zakończenie studiów dał mu możliwość wyjazdu na koszt Akademii do Europy.

Według krytyków jedną z głównych zalet Nikołaja Ge jest to, że jako pierwszy wśród rosyjskich artystów uchwycił nowy realistyczny trend w tematyce biblijnej. Ge pracował boleśnie: tworzył opcję za opcją, rzadko doprowadzał je do końca, nigdy nie był zadowolony z tego, co zostało zrobione. A same losy jego obrazów ewoluowały dramatycznie.

W 1861 Ge zaczął pisać Ostatnią wieczerzę, aw 1863 przywiózł ją do Petersburga i wystawił na jesiennej wystawie w Akademii Sztuk Pięknych.

Nikołaj Ge
Ostatnia Wieczerza. 1863
Płótno, olej. 283x382 cm.
Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu

Dziś obraz uważany jest za dzieło potężne, odzwierciedlające specyfikę postrzegania przez artystę mitu biblijnego. W małym pokoju z wysokimi sufitami i kamiennymi ścianami w jednym z domów w Jerozolimie znajduje się zwykła kanapa, na której opierał się Jezus. U jego stóp stoi młody Jan, a za nim stoją inni apostołowie. Siwowłosy Piotr (uważa się, że Ge przedstawił się w nim) - u szczytu stołu. Za nim jest jeszcze kilka niewyraźnych ciemnych postaci. Po prawej stronie, pod ścianą, znajduje się lampa, która bardzo jasno oświetla całą postać Piotra (przede wszystkim twarz), biały obrus, pochyloną głowę Chrystusa i oczy apostołów pełne niepokoju i zakłopotania. Sama lampa nie jest widoczna: zasłania ją ciemna sylwetka Judasza, którego wyglądu domyślamy się, ale nie widzimy.

W kompozycji można prześledzić symbolikę biblijną: stół oświetla sprawiedliwe światło dobroci i mądrości – artystyczne uosobienie wspólnoty duchowego pokarmu dla apostołów. To światło oświetla Chrystusa, oszołomione spojrzenia apostołów skierowane na Judasza, pada też na Piotra, strzegącego bram nieba. Wszyscy są oburzeni i zdezorientowani czynem Judasza, który zaćmił im światło rozumu. I tylko Jezus jest spokojny i smutny.

Zdjęcie udostępnione publiczności mocne wrażenie. Oficjalna prasa dostrzegła w nim „triumf materializmu i nihilizmu”, a cenzura zabroniła powielania tego obrazu w kopiach. Jednak Ostatnia wieczerza Nikołaja Ge została zakupiona przez rosyjskiego cesarza do jego osobistej kolekcji. Akademia nadała Nikołajowi Ge tytuł profesora, omijając tytuł akademika. Ge został wybrany na pełnoprawnego członka Akademia Imperialna sztuki. W ten sposób jego praca została doceniona przez wyrafinowaną metropolię.

Nikolai Ge nie odbiega od tematu religijnego i od 1869 do 1880 maluje obraz „Chrystus w ogrodzie Getsemani”. Jest krytykowany i zmuszany do uwierzenia w swoją przeciętność, ale po chwili autor przerabia płótno, po czym krytycy milkną. Ten obraz jest uznawany za jedno z arcydzieł wielkiego artysty.

Nikołaj Ge
Chrystus w Ogrodzie Getsemane. 1880
Płótno, olej.

Ge pokazuje widzowi Chrystusa, który jest gotowy rozłożyć ręce. Zna swój cel, ale dość trudno mu się z tym zgodzić do końca. Do ukrzyżowania zostało bardzo mało czasu, Jezus jest zmęczony, aw Ogrodzie Getsemane dręczą go wątpliwości i zmaga się ze swoimi lękami. Jego szata była rozczochrana jak dusza wielkiego grzesznika. Na twarzy zbawiciela widzimy niepokój, ale nie rozpacz. Całkiem sam w ciemny las zwraca się do Ojca i wie, że został wysłuchany i otrzymał przebaczenie.

Ten obraz jeszcze długo będzie eksponowany na prywatnych wystawach. Mówi się o nim zarówno dobre, jak i złe rzeczy. Nikolai Ge zrozumie, że to prawdziwy sukces.

Obraz „Golgota” stał się jednym z ostatnich dzieł Nikołaja Ge i według krytyków pozostał niedokończony. Autor starał się nadać swemu dziełu głęboki sens moralny.

Nikołaj Ge
Golgota (obraz nie jest skończony). 1893
Płótno, olej. 222,4 x 191,8 cm.
Galeria Trietiakowska, Moskwa, Rosja

W centrum obrazu znajduje się Chrystus i dwóch złodziei. Każda postać na obrazie jest obdarzona własnymi cechami charakteru. Autorka prowadzi więc dialog z widzem, subtelnie sugerując, co się dzieje i opowiadając o nastroju każdego z bohaterów. Syn Boży ogarnia rozpacz, załamuje ręce. Jego oczy są zamknięte, a głowa odrzucona do tyłu. Przestępca ze związanymi rękami wygląda zza Jezusa. Otworzył usta, a jego oczy rozszerzyły się z przerażenia. Po prawej młody mężczyzna, w przeszłości rozbójnik, obecnie męczennik, który niestety się odwrócił. Autor celowo kontrastuje swoich bohaterów.

Od lewej w polu widzenia pojawia się despotyczna ręka, która daje sygnał do rozpoczęcia egzekucji. Postać Jezusa emanuje beznadzieją, zapowiada długą i bolesną śmierć, u Jego stóp leży już krzyż. Nikolai Ge najdokładniej pokazał, jak Chrystus został zdradzony i wysłany na haniebną egzekucję. Artysta wszelkimi środkami plastycznymi podkreśla, że ​​Syn Boży został stracony niesprawiedliwie. Zadaniem, jakie postawił sobie autor, jest przekazanie widzowi, że Chrystus swoim czynem zadośćuczynił za grzechy całej ludzkości i dał ludziom szansę na zbawienie, poświęcając swoje życie.

Ge był zarzucany zaniedbaniu formy i nadużywaniu kontrastujących kolorów. Być może była to jedyna technika zdolna wyrazić uczucia artysty. Nie bojąc się przekraczać granic artyzmu, ignorując normy i konwencje, Nikolai Ge osiągnął niesamowite rezultaty w przedstawianiu fizycznych i moralnych udręk człowieka, opisując je z niezwykłą siłą i autentycznością.

Oprócz Nikołaja Ge, inni malarze rosyjscy zwrócili się ku dramatycznym tematom religijnym, w szczególności Aleksander Iwanow (1806-1858) i Nikołaj Kramskoj (1837-1887). Pionierami tego ikonograficznego kierunku byli jednak mistrzowie zachodnioeuropejscy. Szczególnie popularny jest temat zdrady Jezusa przez Judasza i w ogóle męki Chrystusa wśród dawnych mistrzów w XVII wiek w epoce baroku, gdyż tematyka ta pozwoliła na przedstawienie na obrazach silnych emocji: cierpienia, bólu, skruchy, udręki i zwątpienia.

I tak w Wielkim Zbiorze Sztuk Pięknych ASG znajdują się obrazy mistrzów francuskich i flamandzkich XVII wieku, za pomocą których można prześledzić ciąg fabularny od „Modlitwy o kielich w ogrodzie Getsemani” do „ Droga Krzyżowa Chrystusa na Golgotę”.

Wielu artystów podejmowało się fabuły „Modlitwy o kielich”, rozwiązując ją z różnym skutkiem. Chrystusa w Ogrodzie Getsemane malowali Andrea Mantegna (1455), Giovanni Bellini (1465-1470), El Greco (1605) i inni mniej wybitni mistrzowie, w szczególności Karel Savari, malarz flamandzki, którego daty i okoliczności życia nieznany. W kolekcji ASG znajduje się wykonana na miedzi kompozycja Savaryera, przedstawiająca Chrystusa modlącego się w noc przed aresztowaniem w Ogrodzie Getsemane.

Karola Saviera

Flandria, XVII wiek
Miedź, olej. 68,5×87 cm.
BSII ASG, nr inw. №04-2418

W środku klęczący Jezus. Położył rękę na piersi i spogląda w niebo, modląc się do Boga o zbawienie od nadchodzącej męki. Z odpowiedzią lecą do Chrystusa aniołowie, z których jeden niesie w dłoniach krucyfiks i kielich pełen cierpień, które Syn Boży będzie musiał wypić do dna. Uczniowie Zbawiciela śpią, aw oddali idą już strażnicy i Judasz.

W dalszej części serii tragicznych wydarzeń następuje „Pocałunek Judasza” – fabuła, która nie pozostawia nikogo obojętnym, gdyż poświęcona jest jednemu z najbardziej bolesnych tematów ludzkości – zdradzie bliźniego. Być może najbardziej słynne dzieło na ten temat w dzisiejszym świecie jest fresk Giotta (ok. 1267-1337). Na nim Judasz ubrany jest w płaszcz żółty kolor, który do tej pory uważany był za jeden z najbardziej radosnych i królewskich kwiatów. Tutaj, z woli artysty, przypisywana jest mu konotacja negatywna. Na zdjęciu koło francuski malarz XVII wieczny Michel Corneille Starszy (1642-1708) z kolekcji ASG, zdrajca Judasz ubrany jest cały na czarno.

Michel Corneille Senior, krąg

Francja, ok. 1700
Płótno, olej. 38,5×47 cm.
BSII ASG, nr inw. №04-2771

W centrum płótna znajduje się Jezus w czerwonej szacie. Pokornie pozwala Judaszowi się pocałować jako znak dla idących za nim żołnierzy, że to właśnie tego powinni aresztować. Po prawej stronie widzimy żołnierzy uzbrojonych we włócznie i halabardy, trzymają wzniesione pochodnie i latarnie. W kompozycji znalazł się także wątek z odrąbaniem ucha służącemu (lewy dolny róg płótna). Wspomina się o nim we wszystkich czterech Ewangeliach, chociaż tylko Jan wymienia jego uczestników z imienia: „A Szymon Piotr, mając miecz, dobył go, uderzył sługę arcykapłana i odciął mu prawe ucho; niewolnik miał na imię Malch”. Tym samym artysta ze środowiska Corneille'a Starszego przeciwstawia zdradę Judasza lojalności innego ucznia Chrystusa, gotowego walczyć o życie i wolność swojego nauczyciela.

Po tym identyfikującym pocałunku rozpocznie się fizyczne cierpienie Jezusa, gdzie jedną z najtrudniejszych będzie Droga Krzyżowa – droga Chrystusa od domu Piłata na Górę Kalwarię, gdzie zostanie ukrzyżowany. Podczas tej podróży Jezus był biczowany i wyszydzany przez żołnierzy, którzy ukoronowali Jego głowę koroną cierniową. I tu znów powrócimy do dzieła Flamandczyka Karela Saviera, który namalował obraz Droga Krzyżowa na Kalwarię, wybierając też do niego miedzianą blaszkę dokładnie takiej samej wielkości jak do Modlitwy o kielich.

Karola Saviera

Flandria, XVII wiek
Miedź, olej. 68,5×87 cm.
BSII ASG, nr inw. №04-1309

Patrząc na tę wielopostaciową kompozycję, trudno od razu utożsamić tu postać Chrystusa z jego ciężarem. Uwagę zwraca jeździec na białym koniu, obserwujący przebieg tego smutnego pochodu, a także jeźdźcy w metalowych zbrojach podążający za nim. Chrystus jest przedstawiony pośrodku, przykucnął na ziemi, tracąc siły. Ludzie, starając się pomóc, podtrzymują jego krzyż, a św. Weronika ociera pot z twarzy Zbawiciela prostym ręcznikiem, na którym w cudowny sposób została odciśnięta Jego twarz. Po prawej stronie Matka Boska, żałośnie obserwująca mękę syna i wspierająca swojego ucznia Chrystusa – Jana. W oddali Golgota, do której podnóża dotarł już Jezus. Na górze jest wielu ludzi, którzy czekają, aż dotrze do nich skazany na egzekucję męczennik.

Temat Męki Pańskiej jest wieczny w sztukach wizualnych. Podchodzili do niej mistrzowie różnych szkół i epok historycznych. W Kolekcji Sztuk Pięknych ASG znajdują się prace innych artystów, którzy poświęcili swoje prace temu tematowi, np. obraz warsztatu Fransa II Franckena „Droga krzyżowa na Kalwarię”. Wszystko to tylko dowodzi wielkiego zainteresowania artystów wszystkich epok i krajów problematyką moralną i duchową.

Swietłana BORODYNA
Alina BUŁGAKOWA