Ermitaż najwyraźniej postanowił porzucić swój wizerunek repozytorium sztuka klasyczna. Oczywiście na trzecim piętrze znajdowały się zbiory artystów XX wieku, ale zwiedzający postrzegali muzeum bardziej jako świątynię Rembrandta i Rubensa niż galerię. Sztuka współczesna. Wszystko się zmieniło, gdy Ermitaż otworzył oddział - Siedziba Główna w którym kuratorzy mogli wreszcie robić wystawy Sztuka współczesna bez obawy przed atakami petersburskiej publiczności. Najbardziej znaczącym w tym roku było Manifesta Biennale, otwarte pod dyrekcją Kaspera Koeniga. Przyszedł miesiąc po jego zamknięciu nowa wystawa„od nowoczesności”: „Dada i surrealizm”. Choć sztuka ta ma już 60 lat, wielu współczesnych wciąż postrzega ją jako coś świeżego.
Wystawa prezentuje dwa obszary sztuki pierwszej połowy XX wieku. Jeśli w przypadku drugiego, surrealizmu, wszystko jest mniej więcej jasne, to w przypadku dadaizmu wszystko jest bardziej skomplikowane. Najczęściej dyskutowanym artystą wystawy będzie prawdopodobnie Marcel Duchamp, przyjaciel i współczesny Dali.
Malował dopiero na początku swojej kariery, potem zaczął wystawiać łopatę, pisuar i suszarkę do butelek. Dla niedoświadczonego widza może to być szokujące. Dlatego przed pójściem do Ermitażu na wystawę proponujemy przeczytać odpowiedzi na popularne pytania dotyczące twórczości jednego z najbardziej znaczących artystów XX wiek.
Marcel Duchamp obok swojej gotowej „Fontanny”
Co to jest dadaizm?
Pierwszy Wojna światowa okazał się katastrofalny dla Europy. Nigdy w historii świata nie było tak długiej i krwawej konfrontacji. Wydarzenia te postrzegane były jako bezsensowna i okrutna masakra, która zmusiła Europejczyków do ponownego przemyślenia swoich poglądów na życie.Sztuka, jako społeczne lustro, odzwierciedlała zmianę w myśleniu i aspiracjach ludzi. Pojawił się nowy trend - dadaizm, w którym artyści przekazali dekadenckie nastroje swojej epoki.
Słowo „dada” nie tłumaczy się w żaden sposób, to tylko zestaw dźwięków. Bezsensowność i irracjonalność stały się głównymi zasadami pracy dadaistów. Artyści chcieli zniszczyć wszystkie istniejące kanony w sztuce. Zapoczątkowali to impresjoniści w r koniec XIXw wieku, ale nikt nie działał tak radykalnie. Do dadaistów należą amerykański fotograf Man Ray, rumuński poeta Tristan Tzara, francuski grafik i pisarz Francis Picabia. Ale najdalej w swoich artystycznych poszukiwaniach poszedł Francuz Marcel Duchamp. Jego twórczość wciąż jest przedmiotem ostrych kontrowersji.
"Koło od roweru"
Jak pisuar może stać się sztuką?
Pisuar Duchampa jest mniej więcej taki sam jak. Obaj artyści żyli w tej samej epoce i ogłosili swoją śmierć Sztuka tradycyjna mniej więcej w tym samym czasie. Ale jednocześnie każdy z nich rozwiązał ten problem na swój sposób. Jednak Duchamp zszokował publiczność jeszcze bardziej niż Czarny kwadrat Malewicza.
Według Duchampa koniec sztuki nie oznacza końca jej w ogóle, a jedynie jej zwykłej formy dla widza. Artysta nie musi już studiować na uczelniach i kopiować przez kilka lat znani mistrzowie, teraz ważne jest, aby stworzyć koncepcję swojej pracy. Czyli nie trzeba uczyć się rysować „jak w życiu”, ale umieć wytłumaczyć, dlaczego np. koło od roweru powinno być na wystawie. Co więcej, koło to stanie się dziełem sztuki dopiero po wystawieniu w muzeum i docenieniu jego wartości przez publiczność. Pierwsze prace koncepcyjne Duchampa to Koło rowerowe (1913) i Suszarka do butelek (1914). W 1917 roku Duchamp przedstawił jedno ze swoich najśmielszych dzieł, Fontannę. . Był to pisuar odwrócony do góry nogami.
"Fontanna"
Duchamp wymyślił nowe określenie dla takich dzieł - ready-made (ready-made). Zgodnie z jego pomysłem absolutnie każdy przedmiot, który przykuł uwagę artysty, może stać się gotowym. Co więcej, są tu dwa ważne warunki: przedmiot ten nie powinien być zbyt piękny i niezwykły oraz nie powinien wywoływać u widza żadnych przewidywalnych skojarzeń.
„Suszarka do butelek”
Czym różni się suszarka do butelek od innych gotowych produktów?
Spośród trzech najsłynniejszych ready-mades Duchampa (Koło rowerowe, Suszarka do butelek i Fontanna) tylko Suszarkę do butelek można nazwać czystym ready-made, ponieważ artysta nie zmienił jej kształtu. „Fontanna” nie jest do końca gotowa z kilku powodów. Po pierwsze, sam obiekt, pisuar, obiekt wyraźnie nie jest neutralny. Po drugie, Duchamp nie pozostawił go w stanie nienaruszonym, on go przewrócił.
Suszarka do butelek została zakupiona w zwykłym paryskim sklepie, eksponowana w stanie niezmienionym, a nazwa odnosi się tylko do samego przedmiotu, a nie do symbolicznego podtekstu, jak w przypadku Fontanny. Widz zostaje sam ze swoimi skojarzeniami. To, co zrodzi się w jego głowie, będzie sensem dzieła. Oznacza to, że artysta nie narzuca już swojej woli w interpretacji dzieła, jak to miało miejsce wcześniej.
Jak Duchamp doszedł do tego punktu?
Marcel Duchamp jako pierwszy namalował tradycyjne obrazy swoich czasów. Próbował fowizmu, symbolizmu i kubizmu. Jego ostatnim dziełem, namalowanym w technice olejnej, jest „Akt schodzący po schodach”. Następnie porzuca poszukiwania obrazkowe i zaczyna opracowywać nowe koncepcja artystyczna. W efekcie dochodzi do pomysłu readymades. Duchamp nie miał poprzedników, był pierwszy.
Marcel Duchamp „Akt schodzący po schodach”
Co artyści powinni teraz zrobić?
Musimy wymyślić nowe sposoby na kreatywność. Na przykład sam Duchamp stworzył swoją Mona Lisę. Kupił zwykłą pocztówkę ze zdjęciem sławny obraz Leonardo da Vinci. Ta kartka sama w sobie nie jest sztuką, ale kiedy Duchamp dodał Monie Lisie wąsy i brodę, jak to robią dzieci, ten kawałek tektury został przekształcony: stał się dziełem autora.
„Mona Lisa” Marcela Duchampa
Ta zasada przekształcania zwykłej rzeczy w dzieło sztuki jest nadal stosowana przez wielu artystów. Na przykład bracia Chapman, którzy, nawiasem mówiąc, również niedawno wystawiali w Ermitażu, zrobili tę sztuczkę z papierowymi banknotami: pomalowali je. Pieniądz stracił więc status banknotu, ale stał się przedmiotem sztuki.
Jak sobie z tym poradzić ogólnie?
Z tego, co napisano powyżej, wynika, że Duchamp proponuje, by każdą rzecz uznać za sztukę, że przedmiot sztuki różni się od zwykłego przedmiotu tylko tym, że ten ostatni ma pojęcie. Jednak dla Philippe'a Serse'a, który napisał monografię "Totalitaryzm i awangarda", ready-made to wyzwanie dla społeczeństwa.
Jako dowód przytacza ciekawa historia. W 1912 roku w Paryżu Duchamp został zmuszony do usunięcia obrazu „Akt schodzący po schodach” z wystawy zbiorowej, ponieważ zszokował on organizatorów. Jednak rok później w Nowym Jorku wystawił go ponownie i ustawiła się do niej ogromna kolejka. Obraz stał się sensacją w Nowym Świecie. Pouczony tym doświadczeniem w 1917 roku artysta wysyła anonimowo swoją „Fontannę” na wystawę. Trzeba powiedzieć, że sam Duchamp był jednym z założycieli tego wydarzenia. Rzeźba została odrzucona. Kiedy jednak ponownie przysyła swój readymade, ale już wskazujący, że to on go wykonał, pisuar od razu zostaje przyjęty na wystawę.
Marcela Duchampa
Okazuje się, zdaniem Philippe'a Serse, "Fontanny" nie można uznać za dzieło sztuki w konwencjonalnym tego słowa znaczeniu. Sam Duchamp napisał niemiecki artysta Hans Richter: „Rzuciłem im w twarz suszarką i pisuarem – prowokując – a oni podziwiają ich estetyczne piękno”.
Poprzez to, że pisuar może być wystawiony, Duchamp chciał pokazać, że odbiorca docenia dzieło sztuki, będąc pod jarzmem społecznych wyobrażeń i narzuconych norm. To znaczy, jeśli wszyscy uznali Claude'a Moneta za mistrza, to niewielu odważy się powiedzieć, że tak nie jest. A jeśli w pewnym okresie, przypuśćmy, w Starożytny Egipt, zwyczajowo przedstawiano faraona idealne ciało, prawidłowe rysy twarzy i we właściwej pozycji, to inne obrazy będą niezrozumiałe i najprawdopodobniej ulegną zniszczeniu. Nie oznacza to jednak, że za tysiąc lat to właśnie ten znienawidzony obraz zostanie uznany za jedyny piękny. Duchamp chciał, aby „Fontanna” podważyła tę ocenę publiczności.
Demonstracja zadziałała jednak aż nazbyt skutecznie: pisuar stał się „oficjalnym” dziełem sztuki, ku irytacji dadaistów, a przede wszystkim samego Duchampa. W 2004 roku Fontanna została uznana za najbardziej znacząca praca sztuka XX wieku. Więc możesz traktować twórczość tego artysty jak chcesz, jest mało prawdopodobne, aby coś się zmieniło.
Wydawca Grundrisse, znane z tłumaczeń kontrowersyjnej literatury intelektualnej i znakomitego designu, wydało książkę Maurizio Lazzarato Marcel Duchamp i odmowa pracy. Francusko-włoski filozof, socjolog, teoretyk mediów i działacz polityczny zajmuje się tematyką pracy niematerialnej, fragmentacją pracy najemnej, problemami biopolityki i bioekonomii. Tym razem bohaterem badania był Marcela Duchampa. Współcześni nie mogli określić roli tej osoby: kim on jest - genialny artysta czy sprytny prowokator? Duchamp uwiecznił się nie tylko gotową metodą leniwych, drwiąc z podstawowych wyobrażeń o wartości dzieł sztuki i talent artystyczny, ale także „bezczynności”, ujawniającej nieznane dotąd formy istnienia. Możliwość zrozumienia, w jaki sposób Duchamp wykonał swoje główne dzieło własne życie, podaje książkę Maurizio Lazzarato, do której wstęp ARTANDHOUSES publikuje za uprzejmą zgodą wydawcy.
Zdjęcie na okładce Phila Stanzioli z archiwum Biblioteki Kongresu: Akcjonariusze i maklerzy uważnie obserwują wahania giełdy, rejestrowane na dużej tablicy wyników
Nowy Jork, 1956
„John Cage chwalił się, że wprowadził ciszę do muzyki, a ja jestem dumny, że ja gloryfikowałem lenistwo w sztuce” – powiedział kiedyś Marcel Duchamp. „Wielkie lenistwo” Marcela Duchampa wywołało o wiele bardziej radykalną i trwałą rewolucję w sztuce niż energiczna twórczość Picassa z jego 50 000 dzieł.
Brigitte Bardot odwiedza Pabla Picassa
Zdjęcie: Jérôme Bière
Cannes, Willa Kalifornia
Wiosna 1956
Duchamp uparcie odmawia pracy – czy to pracy najemnej, czy pracy twórczej. Odmawia podporządkowania się obowiązkom, rolom i normom społeczeństwa kapitalistycznego. I nie kwestionuje on po prostu definicji roli artysty i sztuki, gdyż stanowisko Duchampa, odmienne od „robotniczego nieposłuszeństwa” teoretycznie uzasadnionego przez włoskich intelektualistów lat 50., może pomóc nam zrozumieć przyczyny licznych protestów, które przetoczyły się przez place i ulice całej planety (Turcja, Brazylia, Hiszpania, Stany Zjednoczone itd.) od 2008 roku.
Muzyka ludowa. Zdjęcie autorstwa Milana Pavica
Czasopismo „Jugosławia”, nr 5
1952
Z jednej strony Duchamp poszerza pole działania, odnosząc się nie tylko do pracy najemnej, ale także do wszelkich obowiązków i ról społecznych narzuconych przez społeczeństwo (kobieta/mężczyzna, konsument, klient, pośrednik, bezrobotny itp.). Podobnie jak niezliczone osobowości pełniące te funkcje, artysta nie podlega panu, lecz arsenałowi mechanizmów władzy. Jak każdy „kapitał ludzki”, którego wzorem dla neoliberalizmu stał się twórca, jest on zmuszony unikać nie tylko presji „zewnętrznych” autorytetów, ale także presji własnego „ego” (twórczego – dla artysty czy przedsiębiorczego – dla kapitał Ludzki), dając obojgu iluzję swobodnego istnienia.
Marcela Duchampa
„Trzy zatrzymane standardy”
1913−1914
Do produkcji Three Stopped Standards Duchamp wziął trzy metry długości nici do cerowania i rozciągnąwszy je poziomo na niebieskim płótnie, rzucił je na płótno. Następnie utrwalił lakierem kształt nitek, przypadkowo nabytych podczas upadku i wyrzeźbił drewniane „standardy” według tego kształtu.
Z drugiej strony Duchamp pozwala zrozumieć i urzeczywistnić „odmowę pracy” opartą na zasadzie etycznej i politycznej, która nie uznaje pracy. W ten sposób wyprowadza nas z błędnego koła produkcji, produktywności i sił wytwórczych. Praca była zarówno silna, jak i słaba strona doktryna komunistyczna. Emancypacja pracy czy emancypacja przez pracę? Beznadziejna dwuznaczność.
Ruch robotniczy istniał tylko dlatego, że strajk był zarówno odmową pracy, jak i bezruchem, radykalną bezczynnością, bezczynnością i zatrzymaniem produkcji, które spowalniało obowiązki, role i hierarchię podziału pracy w fabryce. Uznanie za problem tylko jednego aspektu walki, a mianowicie zasięgu ruchu, oznacza uczynienie z niego przeszkody, która uczyniła z ruchu robotniczego akceleratora produktywności i industrializacji, orędownika pracy. Inne aspekty walki, w tym „odmowa pracy”, bezruch czy bezczynność, schodziły na margines neoliberalizmu lub nie były w nim wystarczająco rozwinięte.
Jedno z głównych targów sztuki w świecie sztuki Armoury Show
Zdjęcie nieznany autor
Nowy Jork
2016
W komunizmie odmowa pójścia do pracy zawsze zawiera podtekst, który w rzeczywistości nie jest w niej osadzony. Odwołuje się do polityki i to w podwójnym znaczeniu – partii i państwa, podczas gdy Duchamp każe nam skupić się na samej odmowie, bezruchu, braku aktywności i wypróbować wszystkie możliwości, jakie otwiera „leniwe działanie” dla odwrócenia podmiotowości, wynalezienia nowych sposobów bycia i nowych rodzajów czasu życia. Wydaje się, że ruchy feministyczne, z ich niechęcią do pełnienia funkcji (i pracy) „kobiet”, wybrały raczej tę strategię niż klasyczne wybór polityczny. W każdym razie antropologia odmowy pracy pozostaje antropologią pracy, upodmiotowienie klasowe jest zawsze upodmiotowieniem „producentów”, „robotników”. Bezczynność otwiera zupełnie nową antropologię i zupełnie inną etykę. Podważając „pracę” w jej samej istocie, podważa nie tylko tożsamość „producentów”, ale także ich przypisanie płci. W grę wchodzi tu antropologia nowoczesności: podmiot, jednostka, wszechświat, wolność – to wszystko są koncepcje „męskiego” społeczeństwa.
Aukcja
Zdjęcie autorstwa Dicka Demarsico
Nowy Jork
1965
Ruch komunistyczny miał okazję rozwinąć zarówno inne typy antropologii i etyki niż te charakterystyczne dla współczesnej pracy, jak i inne procesy upodmiotowienia, które nie skupiały się na producentach. „Prawo do lenistwa”, sformułowane przez zięcia Marksa, Paula Lafargue’a, było odpowiedzią na „Prawo do pracy” Louisa Blanca i wracało do starożytna koncepcja otium, za pomocą którego próbował przemyśleć na nowo demokratyzację niewolnictwa w pracy najemnej po zastąpieniu pracy niewolniczej pracą najemną. Ale komuniści nie widzieli w tym ontologicznego i konsekwencje polityczne do czego doprowadziło zaprzestanie pracy i relacji w zespole. Stracili też możliwość wyjścia z modelu homo faber (człowiek, który tworzy) próżność wytwórców i ukryte za nią prometejskie pragnienie podboju natury. I tu znowu pojawia się Duchamp ze swoim bezwarunkowym radykalizmem, bo prawo do lenistwa, „prawo, które nie wymaga ani usprawiedliwienia, ani niczego w zamian” jest już atakiem na trzy fundamenty społeczeństwa kapitalistycznego. Pierwszym z nich jest wymiana: „Ale znowu, kto wymyślił wymianę, proszę mi powiedzieć? Dlaczego wymiana ma być równa? Nie rozumiem, jak ktokolwiek w ogóle wpadł na pomysł barteru”. Potem jeszcze bardziej podstawowe pojęcie – własność, warunek wymiany: „Własność – tak, w dosłownie słowami, idea wymiany zakłada posiadanie. I wreszcie - praca. Dla Marksa jest żywą podstawą własności, a ta własność to nic innego jak zmaterializowana praca. Jeśli chcesz zadać śmiertelny cios własności, mówi Marks, musisz ją pokonać nie tylko jako warunek obiektywny, ale także jako aktywną działalność, jako pracę. Prawo do lenistwa pokonuje wymianę, własność i pracę, ale jednocześnie odbiega od tradycji marksistowskiej.
Oznaczający praktyki artystyczne Marcel Duchamp nie tylko na sztukę XX wieku, ale i na sztukę dzisiejszą jest tak wielki, że wciąż jest przedmiotem wszelkiego rodzaju przemyśleń, a sama osobowość francuski artysta często wspominane we współczesnych tekstach o sztuce.
Większość ludzi zna Marcela Duchampa, ponieważ „kiedyś wystawił pisuar w galerii, twierdząc, że to dzieło sztuki i nazwał go „Fontanną”. Nie jest to jednak do końca prawdą i jeśli nadal będziesz mówić w tym duchu, możesz skończyć w sytuacji, która zdemaskuje Ignorancję (roszczenie do Wiedzy) i zdemaskuje mówcę jako zdezorientowanego i niekompetentnego podmiotu, który w dodatku robi mądre komentarze na temat swojej Ignorancji. Ogólnie rzecz biorąc, będzie to prowadzić do substytucji i zastępowania jednego przez drugiego. Właściwie ku czemu skierowana była praktyka artysty. W związku z tym trochę historii o "Fontannie" Marcela Duchampa.
I to jest historia. Przed otwarciem wystawy w 1912 roku w Salonie Niezależnych, gdzie eksponowano obraz Marcela Duchampa „Akt schodzący po schodach”, organizatorzy zażądali jego usunięcia. To był cios dla Duchampa. Jednak ta sama praca została zaprezentowana w Nowym Jorku w następnym roku i dosłownie wysadziła w powietrze publiczność, która ustawiła się w kolejce, aby spojrzeć na zdjęcie. Podaje się nawet, że od 10 lutego do 15 marca 1913 roku wystawę odwiedziło 100 tysięcy osób!
Marcela Duchampa. Nagie schodzące schody, 1912
Duchamp został rozpoznany. Obroty jego popularności wzrosły. Amerykańska sensacja związana z malarstwem Marsylii dotarła także do Paryża. Z kolei Duchamp zaczął zastanawiać się nad mechanizmem percepcji dzieła sztuki i oceną estetyczną w ogóle. Co reguluje wartościowanie w procesie percepcji? Wiara Duchampa w świat sztuki została zachwiana już w 1912 roku, kiedy zaprezentował w Paryżu swoje dzieło, które zostało odrzucone, ale przyjęte w Ameryce.
A cztery lata później przeprowadza eksperyment, z którego wyników i znaczenia nie do końca zdawał sobie sprawę (wg rózne powody). Duchamp anonimowo wysyła w tym samym Nowym Jorku do Salonu Niezależnych (będąc jednym z jego założycieli) nieco odwrócony zwykły pisuar o nazwie „Fontanna, gotowa” i podpisany „R. Mutt” (w pasie „głupiec” lub podpis jest interpretowany jako zniekształcona nazwa producenta hydrauliki) . I obserwuje, co się dzieje. Naturalnie proponowany obiekt został odrzucony przez Salon, zszokował wszystkich, wywołał falę oburzenia, gdyż jego założyciele nie wiedzieli, że jest to dzieło samego Duchampa. Potem sytuacja się odwraca. I oczywiście dlatego, że wszyscy o wszystkim wiedzieli. Radość Duchampa, jak sądzę, nie znała granic. Gra go satysfakcjonowała. Ale do pewnego momentu. Ku ogromnemu żalowi Duchampa wszyscy zaczęli podziwiać jego „Fontannę”, nazwali pisuar dziełem sztuki i doszli do sakralizacji zwykłego przedmiotu, przekładając go na współrzędne sztuki. Okazuje się, że Fontanna Duchampa, nawet jeśli początkowo nie była wystawiana w formacie (anonimowy głupek), w jakim została pierwotnie zaproponowana, automatycznie stała się sztuką, bo później okazało się, że Marcel Duchamp ją zaproponował (a nawet nie wykonał)!
Duchamp postąpił wręcz przeciwnie. Nigdy nie uważał Fontanny za dzieło sztuki. W liście do Hansa Richtera pisze: „Kiedy odkryłem zasadę ready-made, miałem nadzieję położyć kres temu całemu karnawałowi estetyzmu. Ale neo-dadaiści używają gotowych, próbując się w nich odnaleźć wartość estetyczna. Rzuciłem im w twarz suszarką i pisuarem - prowokując - a oni podziwiają ich estetyczne piękno. Dlatego Marcel Duchamp nie pozycjonował pisuaru i suszarki do butelek jako dzieła sztuki w takim sensie, w jakim zwykle to nadajemy. Swoją demonstracją odsłonił miraż, który kryje w sobie estetykę percepcji: jeśli powierzyć osąd odwiedzającym muzeum i salony artystyczne, dzieło sztuki zostanie potwierdzone przez bezimienne pole instytucjonalne.*
Duchamp zerwał także związek między znakiem a tym, co oznaczane. Oznacza to, że znak zawsze coś sugeruje, ujawnia, jednym słowem, że zawsze coś się za znakiem kryje. Jednak readymades Duchampa zrywają to połączenie. A skoro teraz jest tylko znak (suszarka, pisuar itp.), to miejsce znaczonego jest wolne, puste, a zatem „może stać się nośnikiem jakiegokolwiek znaczenia intelektualnego lub afektywnego”.
Kiedy Boris Groys wygłosił wykład na temat „Czym jest sztuka współczesna” (tekst wykładu jest swobodnie dostępny w Internecie), rozpoczął go od stwierdzenia, że pytanie „czym jest sztuka?” występuje stale. A najciekawsze jest to, dlaczego w ogóle występuje.
Zanim Duchamp wprowadził do systemu przedmiot gotowy, jedynym kryterium, według którego odróżnialiśmy dzieło sztuki od niesztuki, było jego „wykonanie”, tj. coś dotkniętego ludzką ręką. Groys uważa, że to tradycyjne kryterium zostało zakwestionowane właśnie przez praktykę Duchampa, gdyż artysta nie zmienił się w żaden sposób wygląd swoich ready-mades, a tym samym wykonał zerowy akt twórczy. A jak wiadomo, wszystkie problemy, w tym filozoficzne, w jakimkolwiek systemie powstają, gdy w tym systemie pojawia się zero. A ta operacja Duchampa polegająca na wystawieniu ready-mades była zerową operacją artystyczną, która sproblematyzowała pole sztuki.**
Readymades Duchampa postrzegane są więc jako gest zniknięcia przedmiotu sztuki, jego desakralizacji. Wydawać by się mogło, że gest ten jest w pełni uzasadniony w ramach ówczesnego „bezsensownego” dadaizmu czy surrealizmu. Jednak Duchamp nie przyłączył się ani do pierwszego, ani do drugiego, zawsze zachowując neutralność, chociaż ich popierał, bo są one niedużo, nie mało - „znaki zachęcające”.
*Philip Serse, Totalitaryzm i awangarda. W oczekiwaniu na zaświaty”.
**Boris Groys „Czym jest sztuka współczesna”.
Portret Marcela Duchampa. USA, 1953 //fot. Wiktor Obzatz
rosyjscy widzowie część swojej kolekcji sztuki współczesnej prezentuje się po raz pierwszy Muzeum Jerozolimskie Izrael. Ermitaż został sprowadzony do Ermitażu przez dzieła tych artystów, których prace nie są reprezentowane w Rosji i których wcześniej nie można było sobie wyobrazić w murach tego repozytorium klasyków. Wśród nich jest „Fontanna” Marcela Duchampa (1887-1968), największego przedstawiciela anarchistycznego ruchu artystycznego – dadaizmu. Dadaizm, który powstał na początku XX wieku i następujący po nim surrealizm to dwa nurty, które przenikają się. Opierają się na prowokacyjnym początku, walce z klasyką i nakazami burżuazyjnego społeczeństwa. W rezultacie, jak zwykle, sami rewolucjoniści sztuki stali się częścią społeczeństwa, którym się sprzeciwiali, a ich rewolucyjne gesty są teraz muzealne i wyceniane na ogromne sumy pieniędzy.
Duchamp vs.
Słynny pisuar Duchampa (lub „Fontanna” – pod taką nazwą artysta zaproponował go na wystawie) – najbardziej skandaliczny i jeden z najbardziej drogie prace sztuka ostatni wiek. Ten nieartystyczny obiekt wystawiony w sakralnej przestrzeni muzealnej jest niezrozumiały, nieprzyjemny i sprawia, że widz ma wrażenie, że jest wyśmiewany. W rzeczywistości o to właśnie chodziło artyście. Ten szyderczy gest ma swoją historię. Marcel Duchamp był oburzony, że jego obraz „Akt schodzący po schodach”, wykonany w tradycji kubizmu, nie został przyjęty na Salon des Indépendants w Paryżu w 1912 roku. Potem wysłał ją do następnego roku, 1913, na podobny pokaz „Zbrojowni” w Ameryce, gdzie zrobiła furorę. Autor wyjaśnił koncepcję obrazu jako „organizację elementów kinetycznych, przeniesienie czasu i przestrzeni poprzez abstrakcyjny obraz ruchu”. Mówi o tym fakt, że obraz nie został przyjęty na jedną wystawę i przyjęty na inną, zdaniem Duchampaże opinia krytyków, którzy dyktowali publiczności, co jest sztuką, a co nią nie jest, była całkowicie subiektywna.
Po 1913 roku Duchamp zasłynął w Stanach Zjednoczonych „nie mniej niż Napoleon czy Sarah Bernhardt”, jak ironicznie zauważyli współcześni. W 1917 roku zdecydował się wziąć udział w wystawie New York Society of Independent Artists (Society of Independent Artists) – kupił zwykły pisuar JL Mott Iron Works na Piątej Alei, w swojej pracowni w obecności znajomych podpisał go pseudonimem R. Mutt i ustalił datę. Tak przygotowany eksponat pod nazwą "Fontanna" wysłał Duchamp anonimowo na wystawę - a tymczasem sam był członkiem zarządu Towarzystwa Twórców Niezależnych. Członkowie rady gorąco dyskutowali o tym potencjalnym eksponacie i odrzucili go. Później, w drugim numerze magazynu Dada The Blind Man, opublikowano dyskusję na temat tego, czy uznać pisuar Duchampa za dzieło sztuki. „To, czy Duchamp wykonał fontannę własnymi rękami, czy nie, nie ma znaczenia” – napisali w czasopiśmie. WYBRAŁ to. Odetchnął w przedmiot nowe życie, usuwając jego stare znaczenie, tworząc nową myśl dla przedmiotu.
Miłośnicy sztuki zastanawiali się: jaki jest sens tego gestu artysty? Okazuje się, że każdy przedmiot znajdujący się w muzeum lub przestrzeń sztuki, już samo w sobie nabiera wartości przedmiotu artystycznego, niezależnie od autora? Duchamp napisał w liście do niemieckiego artysty awangardowego Hansa Richtera: „Kiedy odkryłem zasadę ready-made*, miałem nadzieję położyć kres temu całemu karnawałowi estetyzmu. Ale neodadaiści sięgają po ready-mades, próbując znaleźć w nich walory estetyczne. W ramach prowokacji rzuciłem im w twarz suszarką i pisuarem, a oni podziwiają ich estetyczne piękno”.
To jest, kiedy w pytaniu o ready-mades mamy przed sobą nie tyle samą pracę, co ilustrację konkretnej myśli artysty. Dokładnie sformułował to rosyjski artysta Avdey Ter-Oganyan: „Wyobraziłem sobie sytuację, w której rozbiła się Fontanna Duchampa. Co oni zrobią pracownicy muzeów? Przykleić stary czy kupić nowy? Myślę, że zrobią najbardziej absurdalną rzecz - zrobią kopię. Ale nie chodzi o konkretny temat, ale o pomysł. Duchamp pozostawił nawet instrukcje, że muzea powinny zawsze wystawiać to, co zwykle nowy model za trzy kopiejki - aby uniknąć przekształcenia „fontanny” w nostalgiczne antyki… ”
A jednak okazało się antyki. Oryginalny pisuar umarł, uważa się, że został wyrzucony do kosza. Pierwszej reprodukcji autor dokonał w 1950 roku. Osiem kopii wykonano w 1964 roku. W listopadzie 1999 roku w Sotheby's jeden z tych ośmiu egzemplarzy Fontanny został sprzedany za 1,7 miliona dolarów, a kiedy 77-letni emeryt Pierre Pinocelli rozbił młotkiem pisuar Duchampa w Centrum Pompidou w 2006 roku, został skazany na grzywnę w wysokości 245 490 dolarów.
Ogon krowy
Ruch artystyczny Dada narodził się w Szwajcarii na początku lat 20. Narodził się po kubizmie i ekspresjonizmie i był spowodowany kryzysem, który nastąpił po I wojnie światowej. Założyciel ruchu, rumuński poeta Tristan Tzara, napisał w manifeście z 1918 r., że słowo „dada” w języku indiańskiego plemienia Karu oznacza ogon świętej krowy, ale co najważniejsze, „dada” to bezsensowna dziecinna gadka. To takie bzdury i były pierwszymi działaniami artystycznymi tej grupy. Dadaiści uważali, że społeczeństwo burżuazyjne jest winne masakry ostatnia wojna, a jednym z celów było zniszczenie sztuki klasycznej w ogólności, ponieważ ich zdaniem ona przypodoba się temu społeczeństwu, uszlachetnia je. Na swoich wystawach wykorzystywali jako przedmioty lub przedmioty do instalacji liny, guziki, druty, skrawki gazet czy fotografie, rozbite szkło. Największą sławę dadaistom przyniosła wystawa w Kolonii w 1920 roku, na której zwiedzający musieli przejść przez toaletę, aby dostać się na ekspozycję. bar piwny, sama ekspozycja wywołała takie odrzucenie, że wkrótce wszystko zamieniło się w bójkę. Dadaiści nawoływali do zniszczenia wszelkich wartości z przeszłości, w tym muzeów, aw Paryżu domagali się zniszczenia Luwru. Oprócz Duchampa do ruchu, który stał się popularny, dołączył André Breton**, fotograf Man Ray, wspierali ich Pablo Picasso, interesowali się nimi poeci Kandinsky, Paul Eluard i Louis Aragon. „Więc malowanie się skończyło. Kto może zrobić lepiej niż ta śruba jest zrobiona? – wykrzykiwał Duchamp w okresie entuzjazmu dla dadaizmu, sugerując, by zamiast malarstwa eksponować w salach muzealnych prawdziwe przedmioty. Takie podejście uzasadnił Andre Breton: jest to „zwykły przedmiot podniesiony do rangi dzieła sztuki prostym wyborem artysty”. Duchamp używany z mocą i mocą nowy pomysł, prezentując na wystawach, oprócz pisuaru, „Koło rowerowe” (1913), „Suszarkę do butelek” (1914) i inne „dzieła”.
Marcela Duchampa. "Suszarka do butelek", 1914 // fot. AP
Drogie śmieci
Dadaizm jednak szybko się wyczerpał, a na jego gruzach powstał surrealizm – po części z tym samym aktorzy. Masowa publiczność zna surrealizm (superrealizm) przede wszystkim dzięki twórczości najbardziej oburzającego z jego przedstawicieli - Salvadora Dali. Jednak sam ruch, sformalizowany manifestem jego lidera André Bretona w 1924 roku, jest znacznie głębszy i ciekawszy niż twórczość Dalego. Promując „pisanie automatyczne”, dryfując w marzeniach i marzeniach, opierając się na Freudzie, Breton stworzył niesamowitą przestrzeń dla możliwych fantazji w literaturze, malarstwie, kinie i fotografii. Takie osobowości jak Max Ernst, Rene Magritte, Jean Cocteau, Alberto Giacometti, Man Ray, Yves Tanguy, Luis Buñuel przeszły przez pasję do surrealizmu. Wystawa w Ermitażu prezentuje prace wielu artystów tych dwóch nurtów – są tu ready-mades Duchampa oraz kolaże ze skrawków gazet i śmieci autorstwa Kurta Schwittersa (nazywał ich „mertami”). Joan Miro jest reprezentowany przez obrazy „Lato” i „Ptak”, Man Rey – przez obiekt „Stolik z paletami”, Max Ernst – wczesne obrazy„Cztery ptaki i klatka” oraz „Las”.
Marcela Duchampa. „Fontanna”, 1917 r
Sława „Fontanny” Duchampa przesłoniła publiczności resztę jego twórczości i Wystawa Ermitażu po prostu wzmocnij ten wzór. Aby go zniszczyć, możesz skorzystać z okazji i odwiedzić retrospektywę tego artysty w Paryżu, w Centre Georges Pompidou, gdzie otwiera się w tych dniach i potrwa do 5 stycznia. Wystawa francuska da wyobrażenie o dość szerokim spektrum zainteresowań autorki – od minimalizmu po pop-art, sztuka koncepcyjna, film. W końcu Duchamp zaczął malować w wieku 14 lat, odnosząc sukcesy zarówno w impresjonizmie, jak i fowizmie. Przez całe życie lubił szachy i kiedyś porzucił sztukę, całkowicie oddając się temu hobby - bronił nawet Francji na międzynarodowych mistrzostwach szachowych. Jednym z motywów jego twórczości w ostatnich latach był podglądactwo, a za etykietę butelki wody toaletowej Belle Haleine Man Ray wziął ją w 1921 roku w wizerunek kobiety. Nawiasem mówiąc, ta butelka zachowała się w jednym egzemplarzu w kolekcji Yves Saint Laurent i została sprzedana na aukcji za 8,9 miliona euro.
Marcel Duchamp zmarł w 1968 roku w wieku 81 lat na przedmieściach Paryża w Neuilly-sur-Seine. Po jego śmierci okazało się, że wszystko ostatnie lata Duchamp potajemnie pracował nad obiektem Dano. Tak nazywała się instalacja, czyli drzwi, przez których wizjer widać pewien „sekret” – pejzaż z nagą kobietą. Sceneria jest trochę surrealistyczna, słychać szum wodospadu, nogi kobiety są rozrzucone, aw dłoniach trzyma lampę stołową.
André Breton, René Hilzum, Louis Aragon i Paul Eluard z magazynem Dada 3 T. Tzary. Paryż, 1920
Salvador Dali, lupy. Zdjęcie Willy'ego Rizzo, Paryż, 1950
Butelka perfum z portretem Marcela Duchampa z kolekcji Yves Saint Laurent i Pierre Berger. 1921
**Technika artystyczna, która polega na wykorzystaniu gotowej rzeczy jako dzieła sztuki. Umieszczony w przestrzeni artystycznej, otwiera się nowym, nieoczekiwana strona. To Marcel Duchamp jako pierwszy użył tego terminu w 1913 roku.
**Andre Breton (1896-1966) - Francuski pisarz, poeta, twórca surrealizmu.
„Mój pomysł polegał na umieszczeniu mózgów tam, gdzie zawsze były tylko oczy”. Marcela Duchampa
Dla dumnych nosicieli domowej świadomości świeckiej Duchamp (1887-1968) jest jeszcze większym draniem niż Malewicz. Nasze coś pudruje mózgi populacji, choć niezrozumiałe, ale nieszkodliwe kwadratowe malowanie, a także szydzi nieprzyzwoicie. Uczucia ranią. Cóż, trzeba to przemyśleć - pokazywać bezwstydnie bezczelną hydraulikę z publicznej toalety. Trzeba mieć sumienie.
Fontanna
Ale od porządnego człowieka rodzinnego. Jego ojciec był wspaniałym notariuszem. Dziadek jest artystą. Rodzeństwo to także artyści. Duchamp początkowo próbował jakoś korespondować wartości rodzinne. Studiował, brał udział w olimpiadach matematycznych, uczęszczał do Akademii Juliana, malował przyzwoite obrazy impresjonistyczne.
mężczyzna przy oknie
Ale przez długi czas Duchamp nie wystarczał. Co więcej, na początku XX wieku impresjonizm we Francji był za młody człowiek z niespokojną duszą i dociekliwym umysłem głęboko archaicznym. Duchamp zaczął próbować czegoś nowszego.
portret ojca
Tutaj spróbował Cezanne'a.
barka do prania
Oto fowizm. Ale jakoś mu się to nie podobało. A w 1910 roku dołączył do słynnej kubistycznej grupy „De Puteaux” - w końcu kubizm był wówczas najświeższym w Paryżu.
Portret szachistów
Ale w grupie też nie dorastał razem. Kiedy kilka lat później pokazał kolegom z klasy swoją pierwszą słynną* pracę, miażdżąco ją odrzucili.
Nago schodząc po schodach
Tutaj oczywiście łatwo doszukać się potężnych zbiegów okoliczności z futuryzmem – i tu ruch jest przedstawiony w podziale na kolejne fazy. Ale Duchamp miał żelazne alibi na wypadek oskarżeń o plagiat – gdy w Paryżu odbywała się pierwsza wystawa futurystów, przebywał w Niemczech, a jednocześnie nie wiedząc nic o futurologach, wykonał pierwszy podobny obraz.
Smutny młody człowiek w pociągu
Ogólnie rzecz biorąc, Duchamp jakoś nie radził sobie zbyt dobrze z kubizmem, zwłaszcza że w społeczności „ złoty podział”, tworzonych przez jego braci w De Puteaux, poszukiwało matematycznych podstaw sztuki, idealnych proporcji i oczywiście złotego podziału, co było czystym rozpieszczaniem i raczej przystało na renesans lub jakiś klasycyzm. Futuryzm przejął niezależne odkrycie Duchampa. Trzeba było wymyślić coś, czego nie miał nikt inny.
Duchamp był wyjątkowy artysta Wiedział, jak milczeć, kiedy nie miał nic do powiedzenia. Po części dlatego, że nie musiał zarabiać na sztuce – rodzina była zamożna – i nieustannie przypominać rynkowi o swoim istnieniu. Jednym słowem siedział w warsztacie i robił różne śmieci. Zrobił idiotyczny obiekt do medytacji.
koło od roweru
Cóż, lubił patrzeć, jak się kręci. Następnie w tym samym warsztacie zainstalował suszarkę do butelek – spodobały mu się jej industrialno-barokowe formy.
suszarka do butelek
Czasami oczywiście coś namalowanego. Tutaj na przykład, tak w międzyczasie, odkrył jedną ze strategii przyszłego pop-artu - obraz zreplikowanych banalnych przedmiotów gospodarstwa domowego. Ale to był dopiero rok 1914.
Młynek do czekolady
Nie został zabrany na wojnę i wyjechał, aby myśleć w Ameryce. Siedział tam, wspominając swój paryski warsztat z kółkiem w stołku i suszarką do butelek, i myślał i myślał… No, w końcu strzelił w 1917.
Fontanna
Odtwarzam to jeszcze raz - nie mogę się napatrzeć. Ty też może? O tym najważniejszym Sztuka XX-XXI wieki jeden autor już tu napisał, więc dodam tylko trochę, aby jeszcze bardziej podnieść wartość tego pisuaru w Waszych oczach.
On, ta „Fontanna” i „Czarny kwadrat” to chyba dwa najbardziej uderzające przejawy faktu śmierci sztuki. I narzędzia zbrodni, oczywiście. Które same w sobie są dziełami sztuki. Ale już kolejny **. I zabili go, bo tak żyć się nie dało. Od renesansu sztuka w coraz większym stopniu dążyła do innowacji. I gdzieś na przełomie XIX i XX wieku. potencjał tych innowacji został wyczerpany. Tak, sztuka ma już dość. Jak długo można pracować w paradygmacie „okna na świat”. Te. trzeba było już coś radykalnie zmienić, nie w sztuce, ale w samej sztuce, jej znaczeniu, relacji z życiem, z widzem, z artystą, jej rolą w społeczeństwie itp. Dlatego sztuka umarła.
A główni zabójcy, Malewicz i Duchamp, poszli w zupełnie innych kierunkach. Pierwsza poszła w zupełną niereprezentację, poza horyzont życia w ogóle, w przestrzeń. Drugi – w pełną figuratywność, gdy obraz po prostu pokrywa się z samym tematem obrazu, w to, co nazywał ready-made.
Ogólnie rzecz biorąc, są tutaj trudności. Żaden z wymienionych i słynnych readymades Duchampa nie jest readymades. Żaden z nich nie był eksponowany – retrospektywy się nie liczą – a do „Koła” i „Fontanny” przymocowane są uchwyty: koło wkłada się do stołka, pisuar jest sygnowany i odwrócony do góry nogami. Jest również przemianowany, tj. Duchamp symbolicznie zmienił swoją funkcję. Wszystko to, widzicie, to straszne rzeczy, które uniemożliwiają użycie terminu „gotowe” w odniesieniu do opisanych pozycji ****.
Ale nie chodzi o czystość gatunku, ale o radykalność pomysłu. Pomysł, że zakupiony/znaleziony i wystawiony przedmiot jest dziełem sztuki. I Duchamp wpadł na ten pomysł, który, biorąc pod uwagę jego nieco oderwane od dzieł istnienie i występujące w nich problemy, i znowu ich dalsze istnienie („Fontanna”), wznosi go wprost na wyżyny konceptualizmu, którego jest jednym z przodków. W 1921 zamiast pracy wysłał telegram zastępczy na wystawę.
Ostatni o „Fontannie”. Interpretacji było wiele. Najbardziej niesamowite są Madonna, a to jest Budda. Cóż, ogólnie kontury pozwalają.
W ten sposób Duchampowi udało się dokonać tego, czego nikt wcześniej nie dokonał. Duchamp stał się innowatorem bardzo rzadkiego rodzaju – ma wielu naśladowców, ale ani jednego poprzednika.
Tymczasem wojna się skończyła. Duchamp wrócił do Francji, gdzie dadaiści byli już w pełnym rozkwicie. Czując z nimi nieznośne pokrewieństwo dusz i umysłów, czynnie wstąpił w ich szeregi.
LHOOQ
Skrót oznacza „Mogę sobie wyobrazić, jak ciepło jest w twojej dupie, kochanie”. Sens tej potwornej profanacji arcydzieła sztuki światowej polega właśnie na tym, że Gioconda została potraktowana jako arcydzieło sztuki światowej. „La Gioconda” była symbolem tej sztuki, była poza krytyką i dyskusją, tj. poza życiem. Można powiedzieć, że tym gestem Duchamp przywrócił Giocondę do historii sztuki i ludzi – po tym, co z nią zrobił, można było o niej normalnie mówić*****.
W kręgu dadaistów Duchamp wraz z Man Rayem stworzyli serię fotografii, na których występował jako kobieta.
Rosa Selyavi
Jest to pierwszy przypadek charakteryzacji w sztuce współczesnej. Duchamp podpisywał swoje prace jej imieniem, wprowadzał to imię do nazw przedmiotów itp. Oznacza to, że nie jest to banalne przebranie, to występ w imieniu innego.
Wraz z Man Rayem stworzył dyski wirujące z elektrycznością, antycypując sztukę op-art i sztukę kinetyczną.
Obrotowy szklany talerz
A w 1923 roku Duchamp zamilkł, jak się zdawało, na zawsze*****. Stwierdził, że sztuka współczesna uzależniła się od biznesu i, co najgorsze, została zaakceptowana przez burżuazję. W ciągu następnych kilku dekad zasłynął z rzadkich rozwiązań ekspozycji retrospektyw dadaizmu / surrealizmu z proto-happeningami i promocją swojej twórczości. Tak, grał też dużo w szachy - był wielkim szachistą*******.
Jak się okazało po jego śmierci, nie zamilkł całkowicie. Okazuje się, że od 18 lat robi wielką instalację o nazwie Étant donnés.
Etant Donnes (drzwi)
Etan Donnes
Jest to instalacja składająca się z dioramy za drzwiami, która przedstawia całkowicie plastyczny, idylliczny pejzaż. Pośrodku pejzażu naga kobieta z obrazu Courbeta „Narodziny świata” w lustrzanym odbiciu. Dioramę można obejrzeć tylko przez dwa otwory w drzwiach. Co oznacza cały ten przepych z podglądactwem - nikt nie wie, istnieje wiele interpretacji, które najwyraźniej zostały włączone do pracy. Zwykle przed drzwiami jest kolejka do obejrzenia.
Ta praca jest w Muzeum Sztuki Filadelfia. To takie muzeum wszystkiego – ceramiki japońskiej, całej indyjskiej świątyni, kolekcji średniowiecznych zbroi, chińskiej rzeźby, wczesnego renesansu, impresjonistów itp. Duchamp zebrał dla tego muzeum prawie wszystkie swoje prace. Nie dla własnego, nominalnego muzeum, nie dla muzeum sztuki nowoczesnej, ale dla tego. W ten sposób wszedł do historii sztuki światowej, zrównał ją z nim. Rzeczywiście, jeśli jakaś koreańska średniowieczna miska porcelanowa do płukania rąk jest godna muzeum, to dlaczego pisuar z początku XX wieku nie może stać w tym samym muzeum?
Duchamp to typowy homo ludens, intelektualista, który stworzył i uosabiał ten typ współczesny artysta. Był pierwszym, który pracował mózgiem, a nie rękami. To od niego wyszedł shnyaga, że artysta niekoniecznie musi być malarzem. Duchamp... Panie, jak ja go kocham!
Premia
Panna młoda rozebrana przez swoich kawalerów, jedna na dwie twarze
Inny enigmatyczna praca Duchampa z wieloma trudnymi interpretacjami. I co, prace, które są poniekąd zrozumiałe, czy naprawdę są zrozumiałe? Czy one również nie dają podstaw do wielu interpretacji? Otóż ta praca po prostu dramatyzuje sytuację – po prostu nie ma progu wejścia. Zamiast tego jest ściana.
Wieszak
Przeczucie złamanej ręki
Apteka
Kolejna protokonceptualistyczna praca. Duchamp kupił go i położył temu kres, stając się tym samym jego autorem. Zawłaszczenie, 1914!
ukryty hałas
Tam, w środku, coś jest. Czego nie wiadomo, nie widać. Bardzo podobny do pudełka pokazanego przez postać w Beauty of the Day.
Gra w szachy nago
Występ na jednej z retrospektyw.
* Najpierw stała się sławna w Ameryce. Zdjęcie nie zostało zabrane na jakąś wystawę w Paryżu, a wyjechała do USA w ramach bardzo dużej i reprezentatywnej wystawy francuskiej sztuki współczesnej, która obejmowała wszystko, od impresjonizmu. Chronologicznie praca ta była ostatnią; najbardziej paryski pisk, więc zwrócono na niego szczególną uwagę. Ponieważ w kulturalnie Ameryka była wówczas odległą prowincją, a głupie Pindo rżały nad nią z całą mocą. Rysowano na niej karykatury, bawiono się jej imieniem na wszelkie sposoby itp. Jeden z krytyków nazwał to „Eksplozja fabryki makaronu”. Kiedy Duchamp przybył do Stanów Zjednoczonych w 1915 roku, był bardzo zaskoczony swoją sławą.
** Tak się wtedy wydawało. Teraz, po tym, jak mieliśmy ciężki czas postmodernizm Stało się jasne, że wszystkie sztuki są takie same.
*** Muszę powiedzieć, że nie ostatnia śmierć. Od tego czasu sztuka nieustannie umiera, bo każdy kolejny kierunek zabija poprzedni, tj. zabrania pewnych praktyk. Jednocześnie otwiera nowe praktyki, które zostaną wymazane przez następne pokolenie młodych punków, mających już w zanadrzu najnowsze praktyki, czyli… Sztuka jest więc nieśmiertelna. Cóż, w tym paradygmacie. Paradygmaty również nie są wiecznymi mieszkańcami.
**** Na tym problemy się nie skończyły. Kiedy Duchamp został mistrzem i trwały jego retrospektywy, okazało się, że na przykład Fontanna istnieje tylko w formie fotografii. Postanowiono go przywrócić. Znalazłem ten sam pisuar na pchlim targu. Ale to nie ten sam pisuar. Ponadto Duchamp postanowił zrobić kilka „Fontann”. różne muzea. Dlatego musiały być odlewane tą samą technologią co rzeźby. I to wciąż nie jest już produkt masowy, jakim była pierwsza „Fontanna”. Znów pojawiają się problemy z autentycznością – czy w przypadku produktu masowego drugi egzemplarz ready-made można uznać za autentyczny. Z jednej strony oryginał jest zawsze taki sam. Drugi - podczas gdy pierwszy egzemplarz nie różni się niczym od drugiego. Po trzecie, oba nie są produktem masowym, a jego unikalnymi imitacjami, tj. wciąż różne, ale bez względu na to, jak te różnice nie są brane pod uwagę. W ogóle przyczyniło się do rozwikłania całej tej plątaniny problemów stworzonej przez Duchampa dalszy rozwój sztuka współczesna, która oczywiście jest dobra.
***** Tutaj znowu Malewicz pojawia się w pobliżu. Oto jego obraz z 1914 roku (Duchamp - 1919).
Kazimierz Malewicz. Kompozycja z Mona Lisą
****** W 1964 Boyes wystąpił nawet z plakatem „Milczenie Marcela Duchampa jest przereklamowane”.
******* Nawiasem mówiąc, mistrz Paryża, członek francuskiej drużyny na czterech Olimpiadach Szachowych, był kiedyś w tej samej drużynie z Alechinem. Napisał książkę z Witalijem Halberstadtem na temat zakończeń pionków. Zrujnował swoje pierwsze małżeństwo szachami - w noc poślubną, a potem też grał w szachy. Jego krótko żyjąca żona z tęsknoty przykleiła szachy do szachownicy - dość dadaistyczny gest, odziedziczyła go po swoim mężu.