Zdjęcie przedstawiające opis dużej rodziny Rene Magritte'a. Rene Magritte, malarstwo, zagadki filozoficzne i surrealizm

13.02.2019

Bella Adzejewa

Belgijski artysta René Magritte, pomimo niewątpliwej przynależności do surrealizmu, zawsze wyróżniał się w tym nurcie. Po pierwsze, był sceptyczny wobec być może głównego hobby całej grupy Andre Bretona – psychoanalizy Freuda. Po drugie, same obrazy Magritte'a nie przypominają ani szalonych fabuł Salvadora Dali, ani dziwacznych pejzaży Maxa Ernsta. Magritte posługiwał się głównie zwykłymi, codziennymi obrazami - drzewami, oknami, drzwiami, owocami, postaciami ludzi - ale jego obrazy są nie mniej absurdalne i tajemnicze niż prace jego ekscentrycznych kolegów. Bez tworzenia fantastycznych obiektów i stworzeń z głębi podświadomości, Belgijski artysta zrobił to, co Lautreamont nazwał sztuką – zorganizował „spotkanie parasola i maszyna do pisania na stole operacyjnym”, w niebanalny sposób łącząc banały. Krytycy i znawcy sztuki wciąż proponują nowe interpretacje jego obrazów i ich poetyckich tytułów, prawie nigdy nie kojarzonych z obrazem, co po raz kolejny potwierdza, że prostota Magritte'a jest zwodnicza.

Sam Rene Magritte nie nazwał swojej sztuki nawet surrealizmem, ale magiczny realizm, i był bardzo nieufny wobec wszelkich prób interpretacji, a tym bardziej poszukiwania symboli, argumentując, że z obrazami liczy się tylko ich rozważanie.

Od tego momentu Magritte okresowo powracał do obrazu tajemniczego nieznajomego w meloniku, przedstawiającego go albo na piaszczystym brzegu morza, albo na moście miejskim, albo w zielonym lesie lub zwróconym w stronę górski krajobraz. Nieznajomych mogło być dwóch lub trzech, stali tyłem do widza lub półbokiem, a czasem – jak na przykład w obrazie Wysokie społeczeństwo (1962) (można przetłumaczyć jako „ Wyższe sfery"- red.) - artysta zaznaczył jedynie kontur mężczyzny w meloniku, wypełniając go chmurami i listowiem. znane obrazy, przedstawiający nieznajomego - „Golcondę” (1953) i oczywiście „Syna człowieczego” (1964) - najczęściej powielane dzieło Magritte'a, którego parodie i aluzje są tak powszechne, że obraz żyje już oddzielnie od swojego twórcy. Początkowo Rene Magritte namalował obraz jako autoportret, w którym symbolizowała postać mężczyzny nowoczesny mężczyzna który utracił swoją indywidualność, lecz pozostał synem Adama, który nie potrafi oprzeć się pokusom – stąd jabłko pokrywające jego twarz.

"Zakochani"

Rene Magritte dość często komentował swoje obrazy, jednak jeden z najbardziej tajemniczych – „Kochankowie” (1928) pozostawił bez wyjaśnienia, pozostawiając miejsce na interpretację krytyków sztuki i fanów. Ta pierwsza ponownie dostrzegła w obrazie nawiązanie do dzieciństwa artystki i przeżyć związanych z samobójstwem matki (kiedy jej ciało wyłowiono z rzeki, głowę kobiety zakrył brzeg koszuli nocnej – przyp. red.). Najprostsze i najbardziej oczywiste istniejące wersje- „miłość jest ślepa” – nie budzi zaufania specjalistów, którzy często interpretują obraz jako próbę przekazania izolacji między ludźmi, którzy nawet w chwilach namiętności nie są w stanie pokonać wyobcowania. Inni widzą tu niemożność zrozumienia i poznania do końca bliskich, inni rozumieją „Kochanków” jako urzeczywistnioną metaforę „tracenia głowy z miłości”.

W tym samym roku Rene Magritte namalował drugi obraz zatytułowany „Kochankowie” - na nim twarze mężczyzny i kobiety również są zamknięte, ale zmieniły się ich pozy i tło, a ogólny nastrój zmienił się z napiętego na spokojny.

Tak czy inaczej, „Kochankowie” pozostają jednym z najbardziej rozpoznawalnych obrazów Magritte’a, którego tajemniczy klimat przejęli dzisiejsi artyści – nawiązuje do niego chociażby okładka. album debiutowy grupa brytyjska Pogrzeb przyjaciela ubranego niedbale i pogrążonego w rozmowie (2003).

„Zdrada obrazów”, czyli to nie…

Nazwy obrazów Rene Magritte’a i ich związek z obrazem to temat na osobne opracowanie. „Szklany klucz”, „Osiągnąć niemożliwe”, „Przeznaczenie człowieka”, „Przeszkoda pustki”, „ piękny świat„, „Imperium światła” – poetyckie i tajemnicze, prawie nigdy nie opisują tego, co widz widzi na płótnie, można się jedynie domyślać, jakie znaczenie artysta chciał nadać nazwie w każdym indywidualnym przypadku. „Nazwy dobierane są w sposób w taki sposób, że nie pozwalają mi umieścić moich obrazów w sferze tego, co znane, gdzie automatyzm myślenia z pewnością zadziała, aby zapobiec niepokojowi” – wyjaśnił Magritte.

W 1948 roku stworzył obraz „Zdrada obrazów”, który stał się jednym z najbardziej znanych znane prace Magritte’a, dzięki znajdującemu się na nim napisowi: od niekonsekwencji artysta doszedł do zaprzeczenia, pod wizerunkiem fajki, pisząc „To nie jest fajka”. "Ta słynna fajka. Jak mi ją zarzucano! A przecież można ją napełnić tytoniem? Nie, to tylko obrazek, prawda? Więc gdybym pod obrazkiem napisał "To jest fajka", to bym kłam!" – powiedział artysta.

Niebo Magritte’a

Niebo z unoszącymi się po nim chmurami to tak codzienny i zużyty obraz, że żeby go zrobić” karta telefoniczna„Konkretny artysta wydaje się niemożliwy. Nie można jednak pomylić nieba Magritte’a z cudzym – częściej ze względu na to, że na jego obrazach odbija się w dziwacznych lustrach i wielkich oczach, wypełnia kontury ptaków i wraz z linią horyzontu z pejzażu niepostrzeżenie przechodzi na sztalugi (cykl „Human Destiny”). spokojne niebo służy jako tło dla nieznajomego w meloniku („Kalkomania”, 1966), zastępuje szare ściany pokoju („Wartości osobiste”, 1952) i odbija się w trójwymiarowych lustrach („Kosmogonia elementarna”, 1949) .

Wydawać by się mogło, że słynne „Imperium Światła” (1954) wcale nie przypomina twórczości Magritte’a – w wieczornym krajobrazie na pierwszy rzut oka nie było miejsca na niezwykłe przedmioty i tajemnicze kombinacje. A jednak istnieje takie połączenie, które tworzy obraz „Magritte” – czyste, dzienne niebo nad jeziorem i dom pogrążony w ciemności.

18.07.2017 Oksana Kopenkina

Rene Magritte’a. Jasnowidzenie (autoportret). 54 x 64,9 cm 1936 Prywatna kolekcja. Archiwum.ru

W sztuce Rene Magritte'a nie ma ani kropli postawy. Nie „interesuje” widza za pomocą swoich tajemnicze obrazy. Zamiast tego zachęca do myślenia.

Malarstwo przyjemne dla oka nie jest sztuką dla Magritte’a. Jest dla niego zupełnie pusty.

Encyklopedie dziś określają Magritte'a jako wybitnego surrealistę. Mistrzowi by się to nie spodobało. Unikał psychoanalizy i nie lubił Freuda.

Zerwawszy kiedyś twórcze więzi z Andre Brettonem (teoretykiem surrealizmu), zabronił nazywać siebie surrealistą.

Stał się pionierem realizmu magicznego. Magritte był na ogół artystą wolnym, nie gotowym rezygnować z wolności w imię uznania. Dlatego pisał tylko to, co było dla niego ważne.

Kontrowersje dotyczące punktu wyjścia

Rene urodził się 21 listopada 1898 roku w mieście Lessine (Belgia). Później Krótki czas urodziło się trzech kolejnych braci.

Szczęśliwe dzieciństwo zakończył się dla przyszłego artysty w wieku 14 lat. W 1912 roku jego matka utonęła w rzece. Widząc, jak mieszkańcy wyciągnęli martwe ciało jego matki, młody Rene próbował zrozumieć przyczynę tego, co się stało. Zawsze wierzył w siłę myśli. Musisz tylko bardzo się postarać, a wtedy umysł znajdzie odpowiedzi.

Historycy sztuki spierają się dziś o wpływ tragedii dzieciństwa na malarza. Niektórzy uważają, że pod patronatem tego dramatu pojawiła się seria obrazów przedstawiających syreny. To prawda, że Magritte ma syreny, wręcz przeciwnie: z rybim wierzchem i ludzkim dnem.

Rene Magritte’a. wynalazek zbiorowy. 1934 kolekcja sztuki Nadrenia Północna-Westfalia, Düsseldorf. Wikiart.org

Inni, nie zaprzeczając wpływowi tej ponurej strony biografii, nadal skłonni są widzieć naturę talentu w samej osobowości artysty.

R. Magritte’a. Portret. 1935 MOMA, Nowy Jork

Był prawdziwym wizjonerem. Wymyślił niespotykane dotąd gry i rozrywkę. Ale romantyczny sposób myślenia René był obcy jego braciom. Nigdy nie udało im się zostać ludźmi rodzinnymi.

Kto wie, może mamy portret któregoś z jego braci. Co odzwierciedla fajne relacje między krewnymi.

Czy widzisz oko w bekonie? Myślę, delikatnie mówiąc, trzeba kogoś nie lubić, żeby namalować jego taki portret.

Miłość na całe życie

Ale jego żona, Georgette Berger, stała się dla niego naprawdę bliską osobą. Poznali się jako nastolatkowie. I spotkanie przez przypadek ogród Botaniczny już dorośli, nigdy więcej się nie rozstawali.

Georgette była jego muzą i najlepszy przyjaciel. Magritte poświęcił jej niejeden ze swoich płócien, a ona poświęciła mu całe swoje życie.

Tylko jedna historia ich przyćmiła życie rodzinne. Po 13 latach małżeństwa Magritte zainteresował się inną kobietą. Georgette zemściła się na nim, wdając się w romans z jego przyjacielem. Mieszkali osobno przez 5 lat.

To właśnie w tym okresie z jakiegoś powodu Magritte namalował ten portret Georgette.

Rene Magritte’a. Żorżeta. Muzeum 1937 sztuki piękne, Bruksela. Wikiart.org

Ten portret szczególnie przypomina pocztówkę. Taka otwartość jest charakterystyczna dla prawie wszystkich obrazów Magritte'a.

W 1940 roku para ponownie się połączyła. I nie rozstali się.

Po śmierci męża Georgette przypomniała sobie, że do tej pory, oglądając jego obrazy, rozmawia z nim i często się kłóci.

Magritte nie chciał ucieleśniać swojej miłości w formie banału. Próbując dotrzeć do istoty tego uczucia, tworzy płótno „Kochankowie”. Na nim twarze młodych ludzi owinięte w prześcieradła.

Rene Magritte’a. Zakochani. 54 x 73,4 cm Muzeum 1928 Sztuka współczesna(MOMA), Nowy Jork. Renemagritte.org

Praca ta uderza swoją anonimowością. Nie widzimy twarzy bohaterów. Taka bezosobowość była charakterystyczna dla prawie wszystkich dzieł artysty.

Nawet jeśli na twarzach nie było welonu, rysy twarzy zasłaniał zwykły przedmiot. Na przykład jabłko.

Rene Magritte’a. Syn mężczyzny. 116 x 89 cm 1964. Kolekcja prywatna. Archiwum.ru

Uznanie i obywatelski obowiązek

W 1918 roku młody człowiek ukończył Królewską Akademię Sztuk Pięknych. Przekroczywszy próg „alma mater”, zaczął boleśnie szukać środków do życia.

Nie mógł sprzeciwić się swojemu pomysłowi, dostosowując się do gustów publiczności. Dlatego dostał pracę w warsztacie malującym tapety.

Trudno wyobrazić sobie smutniejszą sprzeczność: artysta, który przede wszystkim starał się uchwycić ideę, zmuszony był narysować na tapecie kwiaty.

Ale Rene nadal pisał czas wolny. Bohaterami jego obrazów są zwyczajne przedmioty. A raczej idee, które się za nimi kryją.

Jest seria obrazów negatywowych, na których artysta celowo rysuje np. fajkę i zostawia podpis: „To nie jest fajka”. Zwrócenie w ten sposób uwagi na to, co kryje się za znajomą powłoką podmiotu.

Rene Magritte’a. Zdrada obrazów (To nie jest fajka). 63,5 x 93,9 cm 1948. Kolekcja prywatna. Wikiart.org.

Każdy obraz Magritte'a to dowcipna, niezależna historia. Elementy płótna nie rozciągają się, nie odkształcają. Są realistyczne i rozpoznawalne.

Ale w agregacie kompozycyjnym tworzą one jakiś zupełnie nowy pomysł. Mistrz twierdził, że w każdym jego obrazie „wszyte” jest szczególne znaczenie. Żadnego bezsensownego bałaganu.

Jakie jest na przykład znaczenie ludzkiego deszczu? Sam artysta nigdy nie rozszyfrował swoich obrazów. Każdy szuka dla siebie ukrytego podtekstu.

Rene Magritte’a. Golkonda. 100 x 81 cm 1953. Zbiory prywatne, Houston. Archiwum.ru

W 1927 roku otwarto pierwszą wystawę Rene, która nie odniosła krytycznego sukcesu. A para Magritte’ów wyjeżdża do Paryża, stolicy sztuki awangardowej.

Po krótkiej współpracy ze środowiskiem Bretton artysta wybiera własną drogę i szybko osiąga sukces.

Współcześni pamiętają, że Rene różnił się od wszystkich artystów. Nigdy nie miał własnego warsztatu. A w domu, w którym mieszkał Magritte, nie było charakterystycznego dla malarza nieporządku. Magritte powiedział, że farba została stworzona do nakładania na płótno, a nie do rozmazywania jej po podłodze.

Jednak jego obrazy były równie „czyste”, a nawet raczej suche. Ostre linie, idealne formy. Najwyższy realizm zamieniający się w iluzję.

Rene Magritte’a. Warunki ludzka egzystencja. 1934 Zbiory prywatne. Archiwum.ru

Wraz z nadejściem wojny Magritte zaczął malować obrazy, które nie były charakterystyczne dla jego stylu. Okres „ ” będzie tym razem nazywany przez krytyków sztuki.

Rene myślała, że to jego obywatelski obowiązek, pisać obrazy afirmujące życie, dające widzowi nadzieję. Gołębica pokoju z ogonem kwiatów - doskonały przykład sztuka „wojskowa” Magritte’a.

Rene Magritte’a. Pomyślny omen. 1944 Zbiory prywatne. Wikiart.org

Osiągnięto nieśmiertelność

Po wojnie Magritte ponownie powrócił do swojego zwykłego stylu, dużo myśląc o śmierci i życiu.

Wystarczy przypomnieć jego parodie słynnych obrazów innych artystów, w których wszystkie postacie zastąpił trumnami. Tak wygląda obraz „Balkon” w interpretacji Magritte’a.

Rene Magritte’a. Perspektywa II: Balkon Maneta. 80 x 60 cm 1950 Muzeum Sztuk Pięknych w Gandawie. Archiwum.ru

Magritte dostrzega wielkość śmierci jeszcze przed myślą. Ci ludzie prawdziwi ludzie, którzy kiedyś pozowali dla Edouarda Maneta, już nie żyją. A wszystkie ich myśli na zawsze odeszły w zapomnienie.

Ale czy Magritte’owi udało się oszukać śmierć? Jego żona Georgette stwierdziła, że tak! Żyje w swoich obrazach, w zagadkach, łamigłówkach, które każdy niesie w sobie. I namawianie widza, aby znalazł odpowiedź.

Po śmierci artystki na raka trzustki w 1967 r., Georgette do końca swoich dni zachowała w nienaruszonym stanie wszystko, co należało do jej utalentowanego małżonka – pędzle, paletę, farby. A na sztalugach wciąż stał niedokończony obraz „Imperium Światła”.

Rene Magritte’a. Imperium Światła. 146 x 114 cm, lata 50. XX w. Kolekcja Peggy Guggenheim w Wenecji.

Dla tych, którzy nie chcą przegapić najciekawszych informacji o artystach i malarstwie. Zostaw swój e-mail (w formularzu pod tekstem), a jako pierwszy dowiesz się o nowych artykułach na moim blogu.

W kontakcie z

(o. Rene Francois Ghislain Magritte; ur. – 21 listopada 1898 w Lessin, zm. – 15 sierpnia 1967 w Brukseli) – belgijski artysta surrealista. Znany jako autor dowcipnych i zarazem poetycko tajemniczych obrazów.

René Magritte'a traktowano z podejrzliwością. Szczególnie lekarze. Szczególnie psychoanalitycy. Ci, którzy nie zauważyli u tego artysty żadnych nieprawidłowości psychicznych, szybko zmienili zdanie na przeciwne. Jak poznałeś jego twórczość?

Jednak w odpowiedzi na ich wtargnięcie sam artysta nie bez sarkazmu przekonywał, że najlepszym pacjentem dla psychoanalityka jest inny psychoanalityk. A najpopularniejszego wówczas Zygmunta Freuda w ogóle nie traktowano poważnie. Ale nadal rysował jabłka i twarze, lustra z fantastycznymi odbiciami, trumny dla siedzących zmarłych oraz inne dziwactwa i niezrozumiałości.

Rene spędził dzieciństwo i młodość w małym przemysłowym mieście Charleroi. Życie było trudne.

Rene Magritte „Syn Człowieczy”, 1964.

W 1912 roku jego matka utonęła w rzece Sambre, co najwyraźniej miało miejsce duży wpływ o ówczesnym nastolatku, przyszłym artyście. Kiedy znaleziono zwłoki, ich głowę starannie owinięto lekką gazą.

Pewnie dlatego szczególne miejsce w twórczości Magritte’a zajmują twarze, a raczej ich brak. Najczęściej twarz na portrecie jest albo zakryta obcym przedmiotem, albo owinięta tkaniną, albo zamiast twarzy przedstawiany jest po prostu tył głowy lub inna część ciała.

Magritte przywiózł z dzieciństwa szereg innych, nie tak tragicznych, ale nie mniej tajemniczych wspomnień, o których sam powiedział, że znalazły one odzwierciedlenie w jego twórczości.

Od 1916 roku Magritte studiował w Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych w Brukseli, którą opuścił w 1918 roku. W tym samym czasie poznał Georgette Berger, z którą ożenił się w 1922 roku i mieszkał z nią aż do śmierci w 1967 roku.

Zagrożony zabójca – 1927

Obrazy Magritte'a charakteryzują się oderwanym, niejako niewzruszonym stylem. Przedstawiają zwykłe przedmioty, które Magritte, w przeciwieństwie do innych wielkich surrealistów (Dali, Ernst), prawie nigdy nie traci swojej „obiektywności”: nie rozprzestrzeniają się, nie zamieniają się we własne cienie. Jednak bardzo dziwne połączenie tych obiektów robi wrażenie i skłania do refleksji. Spokój stylu tylko pogłębia to zdziwienie i pogrąża widza w swego rodzaju poetyckim odrętwieniu wywołanym samą tajemnicą rzeczy.

W wieku 14 lat Rene poznaje dziewczynę o imieniu Georgette. Kilka lat później zostaje jego żoną, kochanką, muzą, koleżanką i przyjaciółką – jedyną modelką artysty. W jego życiu nie było innych kobiet. Piękna twarz Georgette jest nieuchwytna na obrazach Magritte'a. Jest mgliste i zaszyfrowane, jak nieuchwytne piękno.

Znaczenie nocy 1927

Celem Magritte'a, jak sam przyznaje, jest skłonienie widza do myślenia. Z tego powodu obrazy artysty często przypominają zagadki, których nie da się do końca rozwiązać, rodzą bowiem pytania o samą istotę bytu: Magritte zawsze mówi o zakłamaniu tego, co widzialne, o jego ukrytej tajemnicy, której zwykle nie zauważamy. Istnieje cykl prac artysty, w których pisze pod zwykłymi przedmiotami: to nie on. Szczególnie popularny jest obraz „Zdrada obrazów”, który przedstawia fajkę z podpisem „To nie jest fajka”. W ten sposób Magritte ponownie przypomina widzowi, że obraz przedmiotu nie jest samym przedmiotem.

On, podobnie jak Dali i inni surrealiści, przeniósł sny i myśli na płótno. ale nienawidził, gdy krytycy nazywali go surrealistą. "I - magiczny realista”, powiedział sobie Magritte.

W wieku 18 lat Rene rozpoczął studia w brukselskiej Akademii Sztuk Pięknych, gdzie szybko zdał sobie sprawę, że jego zadaniem jest przeniesienie detali na płótno prawdziwe życie- śmiertelna udręka. Tutaj „zachoruje” na kubizm i futuryzm w duchu Fernanda Légera, lecz zostaje wyleczony poprzez zapoznanie się z twórczością Maxa Ernsta i Giorgio de Chirico.

Zatrzymany czas 1938

Ogólnie rzecz biorąc, nazwy obrazów odgrywają u Magritte'a szczególną rolę. Prawie zawsze są poetyckie i na pierwszy rzut oka nie mają nic wspólnego z samym obrazem. I właśnie w tym sam artysta dostrzegł ich znaczenie: wierzył, że ukryty poetycki związek nazwy z obrazem przyczynia się do tej magicznej niespodzianki, którą Magritte widział jako cel sztuki.

W 1921 roku Magritte został powołany do wojska, a rok później po powrocie do niego życie obywatelskie, dostał pracę jako kreślarz w fabryce tapet, gdzie godzinami pisał róże na papierze najdrobniejsze szczegóły(róże stały się później jednym z motywów przewodnich jego obrazów - symbolem piękna fatalnego i niebezpiecznego - „Grób wojownika”, 1961). Następnie wraz z bratem otwiera agencję reklamową, co pozwoliło im szybko zapomnieć o palących problemach.

W 1930 roku doszło do zerwania z Bretonem. Magritte wraca do Brukseli i wraz z Paulem Delvaux zostaje jednym z przywódców tutejszego ruchu surrealistycznego. W tym owocny okres Magritte stworzył wiele obrazów o tematyce tajemniczej i poetyckiej, w tym swój najczęściej kopiowany obraz Kondycja człowieka (1935). Wizerunek morza na obrazie na sztalugach przed Otwórz okno, cudownie łączy się z „prawdziwym” widokiem na morze z okna.

Kiedy Niemcy zajęli Belgię w 1940 r., Magritte spędził najpierw trzy miesiące na emigracji w Carcassonne (Francja), a następnie wrócił do Brukseli, gdzie przeżył wojnę. Zaraz po wojnie Magritte zdecydował się malować zamaszystymi pociągnięciami pędzla, w stylu Renoira i Matisse'a, tłumacząc to potrzebą odnalezienia radości w przeciwieństwie do ogólnego pesymizmu tamtych lat. Okres ten w twórczości Magritte’a nazywany jest najczęściej okresem „jasnego słońca” („plein soleil”). Jednak motywy impresjonizmu i fowizmu w twórczości mistrza obrazów misteryjnych nie przekonały opinii publicznej i krytyki, a do 1948 roku artysta powrócił do własnego stylu.

„Za pytanie biorę dowolny przedmiot lub temat” – napisał – „a następnie zaczynam szukać innego przedmiotu, który mógłby służyć jako odpowiedź. Aby stać się kandydatem do odpowiedzi, poszukiwany obiekt musi być połączony z przedmiotem pytania za pomocą zestawu tajemnych połączeń. Jeśli odpowiedź nasuwa się sama z całą jasnością, wówczas ustanawia się połączenie między obydwoma przedmiotami.” I znowu: „Dla mnie myśl początkowo składa się tylko z rzeczy widzialnych, a sama może stać się widoczna dzięki malarstwu”. Rene Magritte’a

W latach 50. artysta tworzy jedne ze swoich najbardziej znane prace. Wśród nich jest obraz „Golconda” (1953). Artysta przedstawił kilkudziesięciu schludnie ubranych rentierów (w melonikach, krawatach i modnych płaszczach) unoszących się w bezkresnej przestrzeni, zachowujących absolutny spokój. Golkonda - starożytne miasto w Indiach, co stało się synonimem niezliczone skarby i bogactwa, bo to właśnie tutaj znajdowało się wiele słynnych diamentów i nie tylko kamienie szlachetne. Osoby na zdjęciu wydają się być przyciągane przez skarby Golcondy.

W latach 1950-1960 obrazy Rene Magritte'a wstrząsnęły amerykańskim rynkiem sztuki, gdzie przez cały sezon odbywały się wyłącznie jego wystawy. Pieniądze napływały ze wszystkich stron, ale ten człowiek o twarzy życzliwego farmaceuty, jak twierdzili jego najbliżsi, pozostał wierny sobie: żadnej bohemy, skromny dom, cichy warsztat i jazda ulubionym środkiem transportu – tramwajem.

Magritte zmarł 15 sierpnia 1967 roku w wieku 69 lat na raka, pozostawiając niedokończony Nowa wersja jego być może najsłynniejszy obraz „Imperium światła”. Na zawsze pozostała w ich pokoju na sztalugach. Georgette powiedziała, zwracając się do męża: „W jednym się myliłeś - w kończynach własne życie w zwycięstwie śmierci nad wszystkim. Pozostałeś żywy nie tylko dla mnie, ale dla wszystkich, którzy oglądają Twoje obrazy: w końcu wszyscy w nich jesteście. Patrzę na nich, rozmawiam z tobą i kłócę się, jak zawsze. Nadal zrobiłeś to, o czym marzyłeś. Przeniknąłeś przez lustro, ale zostałeś. Pokonałeś śmierć.”

Starał się zniszczyć utarte wyobrażenie o tym, co znane, niezmienne, aby przedmiot ujrzał nowy wymiar, wprowadzając widza w zamieszanie. W swoich płótnach stworzył świat fantazji i snów z rzeczy realnych, zanurzając widza w atmosferze marzeń i tajemnicy. Artysta znakomicie wiedział, jak „pokierować” swoimi uczuciami. Wydawać by się mogło, że świat stworzony przez artystę jest statyczny i solidny, jednak surrealizm zawsze wkracza w codzienność, niszcząc ten znany świat (zwykłe jabłko w pokoju, rosnące, wypiera ludzi lub parowóz wyskakuje z kominka na pełnych obrotach) prędkość - „Przebity czas”, 1938).

Bella Adzejewa

Belgijski artysta Rene Magritte, mimo niewątpliwej przynależności do surrealizmu, zawsze wyróżniał się w tym nurcie. Po pierwsze, był sceptyczny wobec być może głównej pasji całej grupy Andre Bretona – psychoanalizy Freuda. Po drugie, same obrazy Magritte'a nie przypominają ani szalonych fabuł Salvadora Dali, ani dziwacznych pejzaży Maxa Ernsta. Magritte posługiwał się głównie zwykłymi, codziennymi obrazami - drzewami, oknami, drzwiami, owocami, postaciami ludzi - ale jego obrazy są nie mniej absurdalne i tajemnicze niż prace jego ekscentrycznych kolegów. Nie tworząc fantastycznych przedmiotów i stworzeń z głębi podświadomości, belgijski artysta dokonał tego, co Lautreamont nazwał sztuką – zaaranżował „spotkanie parasola i maszyny do pisania na stole operacyjnym”, łącząc banalne rzeczy w niebanalny sposób. Krytycy i znawcy sztuki wciąż proponują nowe interpretacje jego obrazów i ich poetyckich tytułów, prawie nigdy nie kojarzonych z obrazem, co po raz kolejny potwierdza, że prostota Magritte'a jest zwodnicza.

Sam Rene Magritte nazywał swoją sztukę nawet nie surrealizmem, ale realizmem magicznym i był bardzo nieufny wobec wszelkich prób interpretacji, a tym bardziej poszukiwania symboli, argumentując, że jedyne, co ma wspólnego z obrazami, to ich rozważanie.

Od tego momentu Magritte okresowo powracał do obrazu tajemniczego nieznajomego w meloniku, przedstawiającego go albo na piaszczystym brzegu morza, albo na moście miejskim, albo w zielonym lesie, albo z widokiem na górski krajobraz. Nieznajomych mogło być dwóch lub trzech, stali tyłem do widza lub półbocznie, a czasem – jak na przykład w obrazie Wysokie społeczeństwo (1962) (można przetłumaczyć jako „Wysokie społeczeństwo” – przyp. red.) - artysta wskazał jedynie zarys mężczyzn w meloniku, wypełniając go chmurami i listowiem. Najsłynniejsze obrazy przedstawiające nieznajomego to „Golconda” (1953) i oczywiście „Syn człowieczy” (1964) - najczęściej powielane dzieło Magritte'a, którego parodie i aluzje są tak powszechne, że obraz żyje już oddzielnie od swojego twórca. Początkowo Rene Magritte namalował obraz jako autoportret, gdzie postać mężczyzny symbolizowała współczesnego człowieka, który zatracił swoją indywidualność, ale pozostaje synem Adama, który nie potrafi oprzeć się pokusom – stąd jabłko pokrywające jego twarz.

"Zakochani"

Rene Magritte dość często komentował swoje obrazy, jednak jeden z najbardziej tajemniczych – „Kochankowie” (1928) pozostawił bez wyjaśnienia, pozostawiając miejsce na interpretację krytyków sztuki i fanów. Ta pierwsza ponownie dostrzegła w obrazie nawiązanie do dzieciństwa artystki i przeżyć związanych z samobójstwem matki (kiedy jej ciało wyłowiono z rzeki, głowę kobiety zakrył brzeg koszuli nocnej – przyp. red.). Najprostsza i najbardziej oczywista z istniejących wersji – „miłość jest ślepa” – nie budzi zaufania specjalistów, którzy często interpretują obraz jako próbę przekazania izolacji między ludźmi, którzy nawet w chwilach namiętności nie są w stanie pokonać wyobcowania. Inni widzą tu niemożność zrozumienia i poznania do końca bliskich, inni rozumieją „Kochanków” jako urzeczywistnioną metaforę „tracenia głowy z miłości”.

Tak czy inaczej, „Kochankowie” pozostają jednym z najbardziej rozpoznawalnych obrazów Magritte’a, którego tajemniczą atmosferę przenoszą dzisiejsi artyści – chociażby okładka debiutanckiej płyty brytyjskiego zespołu Funeral for a Friend Casually Dressed & Deep w Rozmowie (2003) nawiązuje do tego.

„Zdrada obrazów”, czyli to nie…

Nazwy obrazów Rene Magritte’a i ich związek z obrazem to temat na osobne opracowanie. „Szklany klucz”, „Osiągnąć niemożliwe”, „Przeznaczenie człowieka”, „Przeszkoda w próżni”, „Piękny świat”, „Imperium światła” są poetyckie i tajemnicze, prawie nigdy nie opisują tego, co widz widzi na płótnie, ale o tym, jakie znaczenie artysta chciał nadać nazwie, w każdym przypadku można się tylko domyślać. „Tytuły są dobrane w taki sposób, że nie pozwalają mi umiejscowić moich obrazów w obszarze tego, co znane, gdzie automatyzm myślenia z pewnością zadziała, zapobiegając niepokojowi” – wyjaśnił Magritte.

W 1948 roku stworzył obraz „Zdrada obrazów”, który stał się jednym z najsłynniejszych dzieł Magritte’a dzięki znajdującemu się na nim napisowi: artysta przeszedł od niekonsekwencji do zaprzeczenia, pisząc pod wizerunkiem fajki „To nie jest fajka”. . "Ta słynna fajka. Jak mi ją zarzucano! A przecież można ją napełnić tytoniem? Nie, to tylko obrazek, prawda? Więc gdybym pod obrazkiem napisał "To jest fajka", to bym kłam!" – powiedział artysta.

Niebo Magritte’a

Niebo z unoszącymi się po nim chmurami jest obrazem tak codziennym i używanym, że nie sposób uczynić z niego „wizytówki” konkretnego artysty. Nieba Magritte'a nie można jednak pomylić z cudzym - częściej ze względu na to, że w jego obrazach odbija się w fantazyjnych lustrach i wielkich oczach, wypełnia kontury ptaków i wraz z linią horyzontu z pejzażu niepostrzeżenie przechodzi w sztaluga (seria „Ludzkie przeznaczenie”). Pogodne niebo stanowi tło dla nieznajomego w meloniku („Kalkomania”, 1966), zastępuje szare ściany pokoju („Wartości osobiste”, 1952) i odbija się w trójwymiarowych lustrach („Elementarna kosmogonia” , 1949).