Okres rozwoju kultury i sztuki w Europie Zachodniej od czasu upadku Cesarstwa Zachodniorzymskiego (V w.) do początku renesansu (XV w.) został po raz pierwszy nazwany przez włoskich pisarzy humanistycznych „średniowieczem”. Uważali ten czas za dziki i barbarzyński w przeciwieństwie do starożytności i kultury swoich czasów. Później naukowcy zrewidowali tę negatywną ocenę. Dokładne badanie zabytków artystycznych, dokumentów, dzieł literackich doprowadziło do wniosku, że sztuka średniowieczna był ważnym i znaczącym etapem w rozwoju kultury światowej.

W historii sztuka zachodnioeuropejska W średniowieczu zwyczajowo wyróżnia się trzy okresy - sztukę wczesnego średniowiecza (V-IX w.), sztukę romańską i gotyk. Dwie ostatnie nazwy są warunkowe. Romansky (od łacińskiego słowa „Roma” - „Rzym”) archeolodzy XIX wieku. nazywali budynkami X-XII wieku, w których znaleźli podobieństwa z architekturą rzymską, później zaczęto nazywać sztukę epoki jako całość. Gotyk był pierwotnie nazywany całą sztuką średniowieczną. Humaniści włoscy uważali go na początku V wieku za produkt Gotów. złupiony Rzym. Kiedy pojawił się termin „sztuka romańska”, gotyk zaczęto rozumieć jako dzieła architektury, rzeźby i malarstwa z połowy XII-XV wieku, które różniły się od poprzednich wyraźną oryginalnością.

Odo z Metz. Wnętrze kaplicy pałacowej w Akwizgranie. OK. 798-805.

Epoka wczesnego średniowiecza – czas kształtowania się nowej kultury, która powstała na terenie Europy obce plemiona. Rzymianie nazywali ich barbarzyńcami. Po pokonaniu niegdyś potężnego Rzymu, ludy barbarzyńskie utworzyły swoje królestwa na terytorium podbitego imperium. Nowi władcy Europy nie wiedzieli, jak wznosić budowle z kamienia tak umiejętnie jak Rzymianie, niezwykle rzadko i bardzo warunkowo przedstawiali osobę w sztuce. Znacznie bliższy im był świat fantastycznych zwierząt i skomplikowany wzór ozdób, którymi ozdabiali metal, drewno, kości, elementy garderoby, broń, przybory rytualne.

Początkowo zdobywcy przyciągali budowniczych i artystów mieszkających na podbitych przez nich ziemiach, jednak umiejętności wysokich umiejętności konstrukcyjnych stopniowo zanikały, a ornament groził wyparciem starożytnych tradycji przedstawiania osoby na zawsze.

W miarę jak w Europie rozwijały się stosunki feudalne, umacniała się władza centralna, idea potęgi i wielkości starożytnego Rzymu przyciągała władców nowych państw, marzących o chwale rzymskich cezarów. Frankoński król Karol Wielki, twórca ogromnej potęgi, starając się otoczyć swoją potęgę wielkością i przepychem, został koronowany w Rzymie i starał się ożywić tradycje kultury rzymskiej na swoim dworze. W rezydencji Karola w Akwizgranie wybudowano pałac, a obok niego - kościół pałacowy - kaplicę. Jest dobrze zachowana. Wzorem był dla niej kościół San Vitale w Rawennie, skąd sprowadzono marmurowe kolumny zainstalowane w kaplicy. Ale ogólnie rzecz biorąc, stworzenie architekta frankońskiego jest cięższe i bardziej masywne niż świątynia bizantyjska.

Budowle sakralne dominowały wśród kamiennej architektury epoki karolińskiej (tzw. dynastia królów frankońskich, najwybitniejszy przedstawiciel kim był Karol Wielki). Wiązało się to z tą szczególną rolą.

w co grałeś w życiu średniowieczne społeczeństwo kościół. Jako największy właściciel feudalny uzasadniała istniejący system swoimi naukami i jako główny klient dzieła sztuki, władczo kierował rozwojem sztuki we własnych interesach. Pod jej wpływem zaczęły kształtować się surowe zasady przedstawiania przedmiotów sakralnych, obowiązujące każdego artystę.

Kościół w Paray-le-Monial. OK. 1100. Francja.

Kościoły i pałace Karolingów były ozdobione malowidłami i mozaikami, a rzeźby znajdowano także w świątyniach. Jednak wiele zabytków uległo zniszczeniu, a twórczość karolińskich artystów możemy ocenić jedynie po zachowanych do naszych czasach rzeźbionych tabliczkach z kości słoniowej, biżuterii, drogocennych pensjach ksiąg rękopiśmiennych, a przede wszystkim po ilustracjach w tych księgach – miniaturach. Książki we wczesnym średniowieczu były rzadkością. Tworzyły je rozkazy cesarzy, wielkich panów feudalnych, biskupów i opatów klasztorów w specjalnych warsztatach – skryptoriach. W epoce karolińskiej skryptoria istniały na dworze królewskim iw dużych ośrodkach kościelnych. W przeciwieństwie do swoich poprzedników, artyści z VIII-IX wieku. uważnie studiował dzieła mistrzów rzymskich i bizantyjskich i wiele się od nich nauczył. Głównym elementem projektu w książkach były miniatury opowieści przedstawiające aktorzy% krajobrazów, tło architektoniczne (patrz Miniatura).

W epoce romańskiej architektura odgrywała wiodącą rolę w twórczości artystycznej. Do XI wieku rozbudowana konstrukcja kamienna rozwinęła się w całej Europie. Podczas wznoszenia budowli kamiennych średniowieczni architekci napotkali szereg trudności technicznych, zwłaszcza przy wznoszeniu stropów: często paliły się drewniane belki i stropy, natomiast konstrukcje kamienne - łuki, kopuły, sklepienia - miały półkoliste zarysy i, jak naciągnięty łuk, sprawiały wrażenie starać się rozsunąć ściany budynku na boki. Aby tego uniknąć, romańscy architekci wykonali bardzo grube mury oraz masywne filary i podpory.

W rozdrobnionej, walczącej Europie X-XII wieku. główne typy konstrukcji architektonicznych były zamek rycerski, zespół klasztorny i świątynia. W dobie konfliktów domowych i wojen kamienne budowle służyły jako ochrona przed atakami. Dlatego budowle romańskie są bardzo podobne do twierdzy: mają masywne mury, wąskie okna, wysokie wieże.

Figury apostołów. Fragment dekoracji rzeźbiarskiej fasady kościoła św. Trofima w Arles. OK. 1180-1200. Francja.

Sztuka romańska najdobitniej przejawiała się w architekturze budowli sakralnych, ich dekoracji malarsko-rzeźbiarskiej. Romańska świątynia charakteryzuje się surową, odważną urodą, wyróżnia się imponującą powagą i podniosłą powagą. W Europie Zachodniej kościoły miały wydłużoną część środkową. Wewnątrz pomieszczenie to podzielone było rzędami podpór, filarów lub częściej arkad na węższe podłużne hale – nawy. Po stronie zachodniej, gdzie znajdował się wjazd, obramiono go lub zwieńczono basztami; we wschodniej części umieszczono sanktuarium świątyni – ołtarz. Wyznaczono ją specjalną niszą – absydą. Część ołtarzową kościoła poprzedziła nawa poprzeczna. Oddalenie od wejścia do jasno oświetlonego ołtarza, do którego prowadziła ścieżka przez półmroczną nawę, podkreślało odległość, która, jak wówczas wierzono, zdawała się oddzielać człowieka od boga.

Wewnątrz romańskie kościoły były pomalowane freskami, na zewnątrz były ozdobione jaskrawymi płaskorzeźbami o tematyce biblijnej. Zwieńczenia kolumn – kapitele – ozdobiono narracyjnymi wizerunkami rzeźbiarskimi. Artyści romańscy nie stracili zamiłowania do ornamentalnych dekoracji, ale w znacznie większym stopniu pociągały ich wizerunki osoby i jej działania. Ówcześni mistrzowie coraz częściej zaczęli sięgać do dziedzictwa przeszłości, znali dzieła artystów bizantyjskich, byli spostrzegawczy. Potrafiły dostrzec i przekazać wyrazistą pozę, charakterystyczny gest iw zabawny sposób opowiedzieć o wydarzeniu. Aby ta historia była bardziej wyrazista, mistrzowie romańscy często naruszali proporcje ludzkiego ciała, zwiększali je poszczególne części, przesadne ruchy.

Często malarze i rzeźbiarze puszczali wodze fantazji i „zamieszkiwali” ściany świątyń lub strony rękopisów wizerunkami fantastycznych stworzeń, postaciami akrobatów, ptaków i zwierząt, wizerunkami zapożyczonymi z popularnych wierzeń.

Zachowało się niewiele dzieł sztuki świeckiej z epoki romańskiej. Dlatego szczególnie interesujący jest duży haftowany dywan, który zdobił katedrę w Bayeux we Francji (XI wiek). Przedstawione na nim sceny opowiadają o podboju Anglii przez Normanów.

Aż do XII wieku główny ośrodki kultury były klasztory, w których przebywała ludność najbardziej wykształcona, dyskutowano o problemach budowlanych, kopiowano książki. W XII wieku. przewaga zaczęła przenosić się do nowych ośrodków gospodarczych i kulturalnych - miast. Tu narodziła się średniowieczna nauka, kwitło rzemiosło i kreatywność artystyczna. Miasta walczyły z panami feudalnymi o swoją niepodległość. Wśród mieszczan narodziła się wolnomyślność i krytyczny stosunek do ustroju feudalnego. W tym okresie poezja rycerska osiągnęła szczyt rozkwitu i ukształtowała się literatura klasy miejskiej. Wyprawy krzyżowe zmieniły reprezentacje geograficzne Europejczyków, poszerzyły wiedzę o otaczającym ich świecie. Wydawał się ogromny i dynamiczny.

Wnętrze katedry Notre Dame w Reims. 13 wiek Francja.

W tym czasie we Francji, gdzie władza królewska walczyła o zjednoczenie kraju, zaczęła kształtować się sztuka gotyku, która następnie rozprzestrzeniła się na Anglię, Niemcy, Hiszpanię, Czechy i inne kraje europejskie.

Architektura pozostała główną formą sztuki w epoce gotyku. Najbardziej żywo ucieleśniała nowe idee dotyczące otaczającego ją świata. Inne formy sztuki, przede wszystkim rzeźba, zaczęły nabierać samodzielnego znaczenia. Najwyższym gotyckim dziełem jest majestatyczna katedra miejska. W ojczyźnie sztuki gotyckiej, we Francji, na jednym z miejskich placów wzniesiono katedry. Budowniczowie, którzy pracowali nad stworzeniem okazałego budynku, zjednoczyli się w specjalnej organizacji - loży, w skład której wchodzili murarze, stolarze, rzeźbiarze i dmuchacze szkła, którzy wykonywali kolorowe szkło do witraży. Budową kierował główny mistrz, doświadczony i zręczny architekt. Architekci katedr gotyckich byli odważnymi eksperymentatorami. Udało im się opracować złożoną konstrukcję, która pozwoliła na wyodrębnienie w budynku zrębu z podpór sklepiennych i dodatkowych filarów wsporczych – przypór. Specjalne łuki łączące – latające przypory przenosiły nacisk sklepień nawy głównej, które były wyższe od bocznych, na przypory usytuowane wzdłuż ścian. Teraz to nie mur, ale ta budowla jako całość podtrzymywała sklepienia, więc mistrzowie gotyku odważnie wycięli w ścianach okna, a między podporami zbudowali lekkie i wysokie arkady. Gotyk charakteryzuje się ostrołukowymi łukami skierowanymi ku górze. Podkreślali lekkość i aspirację architektury gotyckiej ku wzniesieniu. We Francji mistrzowie zwrócili szczególną uwagę na projekt elewacji zachodniej, która została bogato zdobiona rzeźbą. Rzeźbiarskie wizerunki umieszczono także na portalach po bokach nawy poprzecznej. Wewnątrz katedry smukłe filary, otoczone cienkimi półkolumnami, szybko wznosiły się do ostrołukowych sklepień, arkady tworzyły majestatyczną perspektywę naw.

W prezbiterium, nawach bocznych oraz w górnej kondygnacji nawy głównej lśniły liczne okna z wielobarwnymi witrażami. W zależności od pogody, pory dnia czy roku światło przenikające przez kolorowe szkło barwiło wnętrza świątyni na różne sposoby, czyniąc je albo tajemniczymi, albo radośnie odświętnymi.

Rzeźba gotycka w porównaniu z romańską bardziej przypomina okrągły posąg. Figury, choć przymocowane do kolumny czy ściany, stały się bardziej obszerne, odważnie wystają w realną przestrzeń. Tematyka obrazów również stała się bardziej zróżnicowana. Wraz z tematami kościelnymi pojawiły się postacie starożytnych filozofów, królów, prawdziwe wizerunki przedstawicieli różnych ludów, ilustracje budujących bajek. Wizerunki świętych zaczęły upodabniać się do współczesnych im, pojawiły się pierwsze próby tworzenia portretów osób świeckich. Wcześniej takie obrazy znajdowały się tylko na nagrobkach szlacheckich panów feudalnych i wybitnych przedstawicieli kościoła. średniowiecznych mistrzów nie działał z natury i stworzył idealne i reprezentatywne obrazy portretowe. Już w epoce gotyku artyści starają się nadać modelowi realistyczne cechy. Rzeźbiarze, którzy wykonali około 1250 roku dwanaście posągów panów feudalnych w niemieckim mieście Naumburg, którzy ofiarowali fundusze na budowę świątyni, nie mogli zobaczyć portretów, które zmarły dużo wcześniej. Niemniej jednak mistrzowie je obdarzyli cechy indywidualne, wyraziste twarze, charakterystyczne gesty.

Wraz ze świątyniami w epoce gotyku duże skupienie płacili na budowę świeckich budowli – ratuszów, centrów handlowych, szpitali i magazynów. W zamkach bogato przebudowywano sale ceremonialne. W miastach stopniowo powstawały dwa place – katedralny i targowy. strzegł miasta wysokie ściany z bramami wjazdowymi. Ratusz, budynek magistratu miejskiego, był symbolem samorządności miejskiej. W krajach, w których miasta kwitły, ratusze mogły czasem konkurować swoją wielkością z katedrami.

Z wyjątkiem kilkudziesięciu rękopisów twarzy, o życiu malarstwa średniowiecznego do X wieku. znamy głównie z przekazów literackich. Ale łącząc to drugie z tym, co zachowały się w obrazowych księgach, co „przetrwało” w więcej późna epoka w sztuce malowideł ściennych, kolorowego szkła, które ostatecznie objawiło się w pokrewnej dziedzinie dekoracji rzeźbiarskich, możemy uzyskać pewne wyobrażenie o poszukiwaniach Zachodu w tej epoce.

Niewątpliwie już od V w. zachodnie kościoły pokryte były jakimś malowidłem na dużych połaciach ścian, aby nieco później ich okna zaczęto dekorować mozaikami z kolorowego szkła. Co więcej, na zachodnich kodeksach jesteśmy przekonani, że w ówczesnych warsztatach pisarskich (głównie klasztornych) dokonano nowej, nieznanej klasycznej starożytności pracy nad księgą, co oznaczało syntezę pisma i malarstwa, gdzie samo pismo staje się „malowniczości”, gdzie „obraz” podporządkowany jest inicjałowi jako definiującej ramie i gdzie twórczy wysiłek wkładany jest w stworzenie ornamentalnej dekoracji tekstu i ściśle z nim związanego inicjału.

Ale już z epoki ottońskiej w Niemczech (X wiek) zachowały się bardziej imponujące zabytki: nie tylko drobna sztuka miniatury książek, ale również wielka sztuka monumentalne obrazy. Freski, odsłonięte w 1888 roku w kościele św. Jerzego w Oberzell na wyspie Reichenau, są zupełną analogią z miniaturami rękopisów tego samego klasztoru, mówiącymi o wielostronnym praca artystyczna mocne palenisko. Nie był jedyny. Ale spokojna i nieco nieruchoma sztuka innych słynne szkoły Niemcy z tego samego okresu (Trier-Echternach, Kolonia) są spychane w cień przez niesamowity rozkwit Reichenau z jego charakterystyczną siłą kreatywny pomysł, oryginalną harmonię kompozycji, jędrność wzoru i piękno zestawień kolorystycznych. Relacje z Italią i Bizancjum odżyły pod wpływem Ottona, pod wpływem sztuki „Wysp Oceanu” – od IX wieku. Ren i część Dunaju stały się drogą wędrówek Irów i Anglosasów – wszystko to wyjaśnia rozkwit malarstwa w Niemczech w X wieku. Nie trwało to długo. A jeśli przez X wiek. Francja nie może przeciwstawić się niczemu, co byłoby jej równoważne, ale dzieło ujawnione przez pomniki następnego stulecia (głównie na freskach kościoła Saint-Sauvin) otwiera długą i owocną erę w jej historii. Obecnie usuwa się szarą pokrywę wapienną, pod którą w XVII-XIX wieku. zakopane starożytne malowidła ukazują piękno romańskich fresków w najróżniejszych regionach Francji: dzieła różnych szkoły artystyczne wszędzie przepojone podstawową jednością.

Tak jak ilustracja księgi z tej epoki dostosowała się do awersu strony, do podziału tekstu, stawiając i oryginalnie rozwiązując zadania głównie ozdobne, tak jej malarstwo dostosowało się do architektonicznego podziału romańskiego kościoła. Bez zagłuszania harmonii linie architektoniczne, w harmonii z nią podkreśla ją i wzbogaca ornamentalnymi kadrami, układem i stylem kompozycji, szerokimi i prostymi, wolnymi od zbędnych detali, redukujących sceny do minimum akcji, niczym grecki dramat, który nie zna ani głębi perspektywy, ani światło i cień, ale życie jakby w wieczności dwóch wymiarów. A oczarowany widz mimowolnie zadaje sobie pytanie: czy można znaleźć epokę, która lepiej rozumiała prawo monumentalnej dekoracji?

Malarz romański, choć żyje w świecie, w którym „oczy chaosu patrzą przez królestwo porządku”, jest bliskim lub dalekim uczniem wschodnich – syryjskich i bizantyjskich – nauczycieli, uczniem ich ucznia, mnicha z Paderborn Teofila , bardziej niż on, daleki od tradycji starożytności. Wykonując polecenia Teofila, jest wierny swojej kolorystycznej gamie, swojej recepturze na „farbę do ciała”, prawu „absolutnego światła” i „absolutnego cienia”. Nie odbiega od bizantyjskiego typu przylegających ubrań. Na ogół powtarza orientalne schematy i typy ikonograficzne.

I to jednak nie tylko w najlepszych kreacjach palenisk niemieckich i francuskich, ale często w drugorzędnych lokalne szkoły poprzez naśladownictwo, oryginalne poszukiwania przełamują drogę, wpływając na naiwną świeżość pomysłu, na twórczą oryginalność, ujawniając, że malarz własną obserwacją ustalił ruch i intymne szczegóły życia, które sam „wczytał w jego piękno. "

Malowidła z epoki romańskiej, które pokrywały ściany, sklepienia, krypty, a nawet kolumny, również uwieczniły posągi. Rzeźba romańska nadal czasami zachowuje ślady ożywiającej ją niegdyś kolorystyki. Ten artystyczny gust, stając się stopniowo religijnym szablonem, przejdzie także przez gotyckie miejskie średniowiecze, by w czasach nowożytnych zejść do wyrobów rękodzielniczych, które do dziś zapełniają katolickie sklepy malowanymi lalkami. Ale rzeźby artystyczne od renesansu do epoki Klingerów pozostają bezbarwne.

W romańskim fresku średniowiecze stworzyło najlepsze, co było w jego mocy, w sensie sztuki. malarstwo monumentalne. W architekturze gotyckiej stopniowo obumiera. Niekorzystne dla jej życia są dwa czynniki. Po pierwsze, zminimalizowanie płaszczyzny ściany, oprócz przełamania kolumnami, kolumnami i ozdobnymi fryzami. Po drugie, efekt kolorowych okularów. Pod jasnymi refleksami, którymi wypełnili świątynię, delikatne kolory obrazu blakły i zmieniały się. Co prawda indywidualni artyści, szukając sposobów na zniwelowanie zabójczego dla malarstwa efektu, podwyższają jego tonację do jasnej i współbrzmiącej ze szkłem, malują złotem („złoto to jedyna farba, której nie gasną niebieskie i czerwone refleksy szkło”) ramki, bordiury, czułki, wprowadzają osobne złote detale: złote laski, rzeczy, paski, nadgarstki, buty, anielskie skrzydła. Taki jest obraz utkanych z kolorowego szkła filarów Sainte Chapelle i całej gamy kościołów francuskich, które je naśladowały. Sufit zaczął pokrywać się błękitem i usiany złotymi gwiazdami – efekt uwielbiany przez włoski gotyk.

Ale w ogóle wszędzie, z wyjątkiem Włoch, które zachowały architekturę romańską, która przez szereg niedostrzegalnych przejść przełożyła ją na architekturę renesansu i wprowadziła malarstwo ścienne do tej epoki, ta ostatnia nie była chlubą architektury gotyckiej, zwłaszcza kościelne (zamki i pałace w większym stopniu zachowywały szerokie płaszczyzny murów i naturalne światło wewnątrz). Dominuje tu blask kolorowego szkła.

Był znany zarówno przez przedromańskich, jak i epoka rzymska we wszystkich krajach zachodnich, a przede wszystkim we Francji. Ale najbardziej niezwykłym okresem w jego historii był koniec XII i początek XIII wieku. Kiedy dla uzupełnienia bazyliki Saint-Denis pod Paryżem, na wezwanie opata tego klasztoru Sugera, w bazylice ufundowano olśniewającą galaktykę „witrażowych okien”, powstała tu prawdziwa szkoła tej sztuki . Jej doświadczenie i artyści wykorzystali następnie przy ukończonym kościele Notre-Dame w Paryżu, a od 1210 roku największe siły skoncentrowane są w Chartres, w pobliżu jego katedry. Po pół wieku ośrodek ponownie przeniósł się do Paryża, gdzie częściowo zmienione techniki i upodobania czasu „burzy i nawałnicy” wpłynęły na pracę na szkle. Spokojna piękna fuzja niebieskiego tła wczesne pory, przepych ozdobnych ram, romański styl figur i grup ustępuje miejsca mniejszej mozaiki tła, gdzie połączenie błękitu i czerwieni w zbyt bliskiej odległości daje mniej radosny liliowy ton, a ramy stają się uboższe. Grupy, odchodzące od prostoty i skupienia stylu monumentalnego, przepełnione są ruchem i życiem. Legenda o świętych, z bogactwem intymnych, realistycznych detali, których nie przewiduje żaden kanon, wypiera kanoniczne wątki i skłaniając artystę do otwarcia oczu na świat, ożywia jego sztukę...

Włochy zachowały ich w większej względnej liczbie. Zwykły rozkład materiału, odwołujący się do przedrenesansowych włoskich fresków, zaczynając nie tylko od Giotta, ale często od Cimabue, daje zewnętrzne uzasadnienie naszej pomyłki: ten rozdział jest zbyt bogaty, by omówić go w pigułce. W tych ramach linie, które poświęciliśmy malarstwu francuskiego średniowiecza, które na dłużej zachowało pierwotny charakter epoki, będą bardziej naturalne i całościowe. Tutaj, podobnie jak we Włoszech, a także nad Renem, w Niemczech Zachodnich, liczne podręczniki z XIII-XIV w. zachodniego malarza, doświadczenie, które zaczerpnął z receptur wschodnich i bizantyjskich i wzbogacił o własne obserwacje.

Następujący w XI-XV wieku. za historią miniatury widzimy, jak kanon ustępuje miejsca swobodnej obserwacji, wyszczerbione i emaliowane tło naturalnemu krajobrazowi, hieratyczne grupy warunkowe scenom życia pełnym wolności i ludzkiego piękna. Niewątpliwie codziennie i o każdej godzinie „Ulica Malarzy” Paryża z XIV-XV wieku. był teatrem odkryć i wydarzeń technicznych i artystycznych. Jeśli w tym wieku ostatnie słowo mówiono w kierunku doskonałości złotego tła (przepis na nałożenie i wypolerowanie płatków prawdziwego złota na stronie, która wciąż sprawia wrażenie zalanej masywnym złotem i daje rodzaj złotego wybrzuszenia, jest na Zachodzie niezwykle wyrafinowany ), miał wiek niesamowite przepisy farby z efektem emalii, które rozkwitły w delikatnych grupach Jacquemart d'Esden, żyjących niejako w niespokojnym światło słoneczne. Ilustracja przedstawia tylko bezbarwną fotografię zegarmistrza z jego szkoły i tylko dzięki wysiłkowi wyobraźni można sobie wyobrazić delikatny blond kolor miękkich loków anioła, rumieniec policzków świecący jak płatki róży i miękką pistacjową zieleń rizy na tle śnieżnobiałej alby. Inne warsztaty z tego samego miasta i tego samego stulecia zagłębiają się w zadania światłocienia, tworząc niezrównane paryskie rzemiosło, w którym białe formy i figury są lekko muśnięte różowymi i liliowymi refleksami. Dziewięć odcieni szarości – od perłowych i srebrnych po mysie i ciemne „krety” – można policzyć na przetykanych złotą nicią szatach amiktów-śpiewaków w scenie pochówku (tego samego zegarmistrza).

Pod koniec stulecia coraz bardziej obiecujące znaleziska, więcej płaskorzeźb figur, więcej urokliwych detali krajobrazu, żywsze tematy i nastroje.

Postacie są pokryte powietrzem; zielone łąki rozciągają się, błękitniejąc, ku horyzontowi w dal, poprzecinane jasną rzeką; zamki, miasta rysowane są na tle gór, dal wygląda przez okno, kędzierzawe obłoki płyną po niebie, grupy łączy intymne życie i naznaczone są piętnem jednostki w twarzach i gestach.

Z końcem XIV i początkiem XV wieku. miniaturyści, nie mniej mobilni niż kupcy czy studenci, tworzą w miastach artystycznych całe międzynarodowe kolonie. „Ulica malarzy” tego okresu gościła wielu włoskich i flamandzkich gości i chciwie piła ich znaleziska. Sztuka braci Limburg, z bezgraniczną elegancją paryskiego pędzla, łączy w sobie włoski urok i flamandzki przemyślany realizm. Te cechy wyróżniają najlepsze miniatury zegarmistrza Peterhof.

Nie wszystko jest naprawdę artystyczne w sztuce ilustracji obrazkowej, która rozkwitła pod koniec średniowiecza. Rosnące zapotrzebowanie na nią powołuje do życia szablonowe produkty niskiej jakości. Nie tylko miejski szlachcic, mieszczański profesor, lekarz, mieszczanka chce mieć barwnie zdobiony psałterz, podręcznik, powieść, księgę snów czy księgę zegarków. Obok takich mistrzów jak Fouquet sztuką ilustracji zajmowała się ogromna liczba trzeciorzędnych rzemieślników.

Ich prace nie są pozbawione zainteresowania. Nie mylimy się co do wartości artystycznej mechanizmu zegarowego, który wyszedł z nieznanego warsztatu paryskiego w połowie XV wieku, z obrazami miesięcy, na których zachowały się 24 sceny „zabaw i dzieł XV wieku”. Ale w wielu z tych scen – w postaci pielgrzyma, spokojnie pochrapującego pod amboną przy akompaniamencie wspaniałej homilii (marzec); na ulicy miasta w kwietniowy dzień, pełnej gospodyń domowych z koszami i chłopców z gałązkami; na zdjęciu z pola siana w połączeniu z czerwcowym piknikiem na trawie; w rozwijającym się maju; w lipcowej rzece, ożywionej kajakami, w grudniowej grze w śnieżki itp., itd. - życie budzi się do życia średniowieczne miasto swoją pracą i zabawą. Przeciętne pod względem jakości wykonania, te pozornie codzienne i warunkowo wesołe sceny omijają wszelkie poważne podejście do przedstawionego życia. Praca miejska, a zwłaszcza wiejska, jest tu interpretowana idyllicznie, z punktu widzenia zamożnego artysty, który wyszedł go podziwiać w wolnym czasie. Ani „niegrzeczni chłopi”, obiekt jego pogardy, ani mniej faworyzowani przez historię i los sąsiedzi, którzy mają „niebieskie paznokcie” i których „dzień pracy jest długi”, nie stanowią poważnego problemu dla tej zabawnej sztuki u schyłku renesansu . Został osadzony głębiej przez „myśl dialektyczną” XII wieku, aby powrócić z nową penetracją sztuki flamandzkiej.

Jesteśmy w przeddzień narodzin świetne malarstwo, gdzie Północ powie nowe słowo, tak że ze swoją charakterystyczną szczerością i silne uczucieżycia, aby przypomnieć zadowolonemu z siebie, harmonijnie ukojonemu uczuciu renesansowej Europy o tragicznych tajemnicach życia i artystycznego ucieleśnienia.

Nie mieliśmy okazji rozwodzić się nad różnymi rodzajami sztuki „stosowanej” tego pięknego średniowiecznego życia miejskiego: emalią i naczyniami Limoges, rękodziełem z kości słoniowej, drewnianymi rzeźbami i intarsjami, metalowymi rzeźbami zdobiącymi drzwi i okna średniowieczny dom i plecy, gotyckie meble siedziska.

Styl renesansowy jest wyrazem odmiennych już stosunków społecznych i innej organizacji pracy. Wraz z nim wchodzimy w relacje z wielkim kapitalizmem w gospodarce i reżimem absolutyzmu w polityce.

Spośród wydarzeń „porządku zewnętrznego” zaraza 1348 roku i wojna stuletnia wyryły w ciele codzienności i mentalnej drogi Zachodu głęboką bruzdę, która po części wyznaczyła dolną granicę „miejskiego”, „gotyckiego” „sztuki”, jak i samego pogranicza średniowiecza.