przez Zsolta Varankę
Jedną z potężnych metod wpływania na uwagę widza jest użycie linii w kompozycji ujęcia. Linie działają na dwa sposoby. Po pierwsze tworzą określony nastrój, ustawiając widza w pożądanej percepcji, a po drugie „prowadzą” wzrok przez zdjęcie, przyczyniając się w ten sposób do odczytania zdjęcia przez widza, utrzymując skupienie na tym, co najważniejsze.
Podczas pracy z liniami fotograf może zastosować następujące techniki do ich lokalizacji:
- linie poziome
- pionowy
- przekątna na zdjęciu
- postrzępione i nieregularne linie
linie poziome z reguły wywołują uczucie spokoju, braku zmian. Linie poziome są często używane do tych zdjęć, gdy fotograf chce pokazać ponadczasowość lub brak zmian i ruchu na zdjęciu. Kiedy istnieje chęć podkreślenia, że cała chwila lub jej część jest zamrożona. 
autorstwa Ashwantha Kadiyali
Linie poziome stosuje się, gdy konieczne jest dopasowanie kontrastu do bardziej dynamicznej części obrazu. Na przykład druty na niebie, tak znienawidzone przez wielu fotografów, dobrze współgrają swoją wyrazistością i regularnością z gwarem ulicy, burzliwym biegiem życia, czy po prostu ruchem, który można uchwycić na dole zdjęcia.
autorstwa Ralpha Graefa
Pionowe linie stworzyć nastrój stabilności i spokoju w otaczającej przestrzeni. Podczas projektowania nastroju trwałości linie często zachowują się tak samo, jak linie poziome. Kierunek w górę przekazuje to poczucie trwałości obrazowi. Przykłady prawidłowego użycia linii pionowej w celu zapewnienia stabilności obrazu można znaleźć w górach, słupach energetycznych i pionowych liniach budynków.
przez Max Live
Właściwe wykorzystanie linii pionowej może również wprowadzić widza w poczucie wyciszenia i wyciszenia. Na przykład drzewa we mgle, przez które prześwitują pionowe sylwetki, stare słupki ogrodzeniowe czy złożone parasole plażowe wczesnym rankiem nad morzem.
Linie ukośne przekazać znaczenie działań i uczynić obraz bardziej dynamicznym. Z tego powodu przekątne są uważane za bardzo potężne narzędzie. Ich siła tkwi w umiejętności przykucia uwagi widza, nakierowania jej we właściwym kierunku i utrzymania tak długo, jak wymaga tego fabuła. Wzrok widza z reguły przesuwa się tam iz powrotem wzdłuż przekątnych.
przez Stanislava Sav-ina
Linie ukośne mogą tworzyć nie tylko obiekty takie jak ulice, chodniki czy drogi, ale także kolor. Na przykład ukośna separacja kolorów może dodać dramatyzmu obrazowi. Przykłady przekątnych są liczne: drogi, ścieżki, rzeki, fale i inne, to tylko kilka przykładów obiektów, które można przekształcić w kształt ukośny.
autorstwa Daniego Mantisa
W postrzępione i nieregularne linie zawierać emocje i uczucia. Ukośne nieregularne linie pogrążą widza w poczuciu pośpiechu i dynamiki, podczas gdy poszarpane linie wypełnią niepokój i strach podczas oglądania obrazu.
Za pomocą intensywności tablic nieregularnych lub postrzępionych linii można kontrolować oglądanie obrazów i stopień percepcji widzów. Dlaczego w rzeczywistości fotograf uczy się poprawnie używać obrazów wizualnych.
przez dojazd
Przykłady postrzępionych linii można znaleźć w korzeniach drzew, linii szczytów górskich lub w wygiętym metalu na miejscu wypadku lub w magazynach fabrycznych.
Potężną bronią w rękach fotografa są te linie, za pomocą których okazuje się, że pomagają widzowi dokładnie zobaczyć obraz i nastrój, który chcieli przekazać.
Podczas korzystania z linii ukierunkowanej uwagi należy przestrzegać dwóch zasad. Po pierwsze, należy upewnić się, że linie zawsze wskazują najważniejsze obiekty na obrazie. Pozwala również skierować uwagę widza.
przez Milesa Morgana
Po drugie, upewnij się, że wzdłuż linii nie ma zauważalnych „punktów”, które mogą odprowadzić wzrok widza w bok, kiedy musi on wyraźnie podążać w kierunku linii, którą fotograf specjalnie dla niego „wytyczył”, tak aby mógł wszystko poczuć obraz jako całość.
Dodatkowe linie i kropki poza obrazem rozpraszają uwagę, zmienia się kierunek spojrzenia, traci się koncentrację niezbędną do pełnego zrozumienia obrazu, traci się zainteresowanie, a postrzeganie całej fotografii staje się nudne.
autorstwa Joseby Herrero
Żaden z najbardziej zaawansowanych i nie zastąpi fotografa. Jeśli chcesz nauczyć się robić zdjęcia i robić zdjęcia, które są interesujące dla osób postronnych, zawsze powinieneś dokładnie przestudiować teorię, a to może być dobrą pomocą w jej opanowaniu.
Co to jest kompozycja?
W każdym rodzaju sztuki kluczową rolę odgrywa prawidłowe ułożenie elementów dzieła, co pozwala najdokładniej przekazać ideę tej pracy. To znaczy, aby podkreślić kluczowe wątki fabularne, przekazać niezbędny nastrój i jednocześnie zachować harmonię. Kompozycja (z łac. compositio) to połączenie (połączenie) tych elementów w jedną całość.
Centrum geometryczne i kompozycyjne.
Budujemy kompozycję na płaszczyźnie. Niezależnie od tego, czy jest to fotografia, kartka papieru czy monitor komputera. Jeśli przez tę płaszczyznę zostaną poprowadzone dwie ukośne linie, punkt ich przecięcia wskaże geometryczny środek naszej przyszłej kompozycji. Każdy obiekt wpisany w to centrum będzie czuł się całkiem pewnie.
(zbieżność centrów geometrycznych i kompozycyjnych)
Centrum kompozycyjne służy skupieniu uwagi widza na szczegółach kompozycji. W fotografii, malarstwie i rysunku z reguły wyróżniają się ośrodki przedmiotowo-kompozycyjne. Oznacza to, że w centrum kompozycyjnym znajduje się główny wątek dzieła.
Środek kompozycji i geometryczny środek kompozycji mogą się nie pokrywać.
W kompozycji może być kilka centrów kompozycji, podczas gdy jest tylko jeden środek geometryczny.
Centrum kompozycyjne można wyróżnić:
- kontrast światła i cienia
- kontrast kolorów
- rozmiar
- kształt
Podstawowe pojęcia i zasady kompozycji.
Ukośne linie w kompozycji:
Wykres na rysunku po lewej oznacza wzrost. Wykres na rysunku po prawej oznacza spadek. Tak się po prostu stało. I odpowiednio, w kompozycji ukośna linia narysowana od lewego dolnego rogu do prawego górnego rogu jest postrzegana lepiej niż linia narysowana od lewego górnego rogu do prawego dolnego rogu.
Zamknięta i otwarta kompozycja:
W kompozycji zamkniętej główne kierunki linii zmierzają do środka. Taka kompozycja nadaje się do przenoszenia czegoś stabilnego, nieruchomego.
Elementy w nim nie mają tendencji do wychodzenia poza płaszczyznę, ale niejako zamykają się w środku kompozycji. A widok z dowolnego punktu kompozycji zmierza do tego centrum. Aby to osiągnąć, można zastosować zwarty układ elementów w centrum kompozycji, kadrowanie. Ułożenie elementów w taki sposób, aby wszystkie wskazywały środek kompozycji.
Otwarta kompozycja, w której kierunki linii wychodzą ze środka, daje nam możliwość mentalnego kontynuowania obrazu i wyniesienia go poza płaszczyznę. Nadaje się do przenoszenia otwartej przestrzeni, ruchu.
Zasada złotego podziału:
Harmonia to harmonia. Jedna całość, w której wszystkie elementy wzajemnie się uzupełniają. Jakiś pojedynczy mechanizm.
Nie ma nic bardziej harmonijnego niż sama natura. Stąd pochodzi dla nas zrozumienie harmonii. A w naturze ogromna liczba obrazów wizualnych podlega dwóm zasadom: symetrii i zasadzie złotego podziału.
Czym jest symetria, jest jasne. Co to jest złoty podział?
Złoty podział można uzyskać dzieląc odcinek na dwie nierówne części w taki sposób, aby stosunek całego odcinka do większej części był równy stosunkowi większej części odcinka do mniejszej. To wygląda tak:
Części tego segmentu są w przybliżeniu równe 5/8 i 3/8 całego segmentu. Oznacza to, że zgodnie z zasadą złotego podziału centra wizualne na obrazie będą zlokalizowane w następujący sposób:
Reguła trzech trzecich:
Na tym rysunku zasada złotego podziału nie jest przestrzegana, ale powstaje poczucie harmonii. Jeśli podzielimy płaszczyznę, na której znajdują się nasze figury geometryczne, na dziewięć równych części, zobaczymy, że elementy znajdują się w punktach przecięcia linii podziału, a poziomy pasek pokrywa się z dolną linią podziału. W tym przypadku obowiązuje zasada trzech trzecich. Jest to uproszczona wersja zasady złotego podziału.
Dynamika i statyka w obrazie, ruch, rytm.
Kompozycja dynamiczna – kompozycja dająca wrażenie ruchu i wewnętrznej dynamiki.
Kompozycja statyczna (statyka w kompozycji) - stwarza wrażenie bezruchu.
Obraz po lewej stronie wygląda na statyczny. Obraz po prawej stronie tworzy iluzję ruchu. Czemu? Ponieważ doskonale wiemy z własnego doświadczenia, co stanie się z okrągłym przedmiotem, jeśli przechylimy powierzchnię, na której się znajduje. I postrzegamy ten obiekt nawet na obrazie jako poruszający się.
Tak więc ukośne linie mogą być użyte do oddania ruchu w kompozycji.
Możliwe jest również oddanie ruchu, pozostawiając wolną przestrzeń przed poruszającym się obiektem, aby nasza wyobraźnia mogła kontynuować ten ruch.
Statyczność kompozycji uzyskuje się dzięki brakowi ukośnych linii, wolnej przestrzeni przed obiektem oraz obecności linii pionowych.
Rytm jest jednym z kluczowych momentów w sztuce. Może sprawić, że kompozycja będzie spokojna lub nerwowa, agresywna lub uspokajająca. Rytm napędzany jest przez powtarzanie.
Rytm w sztukach wizualnych można tworzyć poprzez powtarzanie się koloru, obiektów, plam światła i cienia.
Symetria i asymetria w kompozycji, osiągnięcie równowagi.
Symetria:
W naturze duża liczba obrazów wizualnych podlega prawu symetrii. Dlatego symetria jest przez nas łatwo dostrzegalna w kompozycji. W sztukach wizualnych symetrię uzyskuje się poprzez takie ułożenie przedmiotów, aby jedna część kompozycji wydawała się lustrzanym odbiciem drugiej. Oś symetrii przechodzi przez środek geometryczny. Symetryczna kompozycja służy przekazaniu spokoju, stabilności, niezawodności, czasem majestatu. Jednak tworzenie obrazu, który jest absolutnie symetryczny, nie jest tego warte. W końcu nic nie jest doskonałe w naturze.
Symetria to najłatwiejszy sposób na osiągnięcie równowagi w kompozycji. Jednak nie jedyny.
Asymetria, osiągnięcie równowagi:
Aby zrozumieć, czym jest równowaga, można sobie wyobrazić równowagę mechaniczną.
W tym przypadku działa prawo symetrii. Dwa przedmioty tego samego kształtu i wielkości są symetrycznie umieszczone po lewej i prawej stronie wagi w tej samej odległości. Tworzą równowagę.
Asymetria zaburzy tę równowagę. A jeśli jeden z obiektów jest większy, to po prostu przeważy mniejszy.
Można jednak zrównoważyć te obiekty, dodając do kompozycji coś jako przeciwwagę. Asymetria pozostanie:
Możliwe będzie również osiągnięcie równowagi z asymetrią poprzez przeważenie większego obiektu bliżej środka:
Osiągnięcie równowagi jest jednym z najważniejszych kroków w budowaniu kompozycji asymetrycznej. Równowagę można osiągnąć poprzez kontrastowanie wielkości, kształtów plam barwnych i cieni.
Wniosek.
Zasady składu nie są wiążące. Nawet odwrotnie. Niektóre zasady są ze sobą sprzeczne. Zanim jednak złamiesz jakąkolwiek zasadę, musisz ją znać i umieć z niej korzystać. Pamiętaj, jeśli łamiesz zasady, musisz jasno zrozumieć DLACZEGO to robisz.
ZADANIE 1. Wykonanie układów prostych brył geometrycznych (rys. 1). Cel: Opanowanie podstawowych umiejętności motorycznych prototypowania. Zadania: Zapoznanie się z podstawowymi wstępnymi technikami wykonywania modeli form trójwymiarowych.
Wymagania: Wykonać modele: sześcian (8×8 cm), walec (średnica 8 cm, wysokość 16 cm), ostrosłup (bok 8 cm, wysokość 16 cm), stożek (średnica 8 cm, wysokość 16 cm) według zaproponowanych próbek . wytyczne: Sześcian i piramida pokazane na schemacie (ryc. 2) są sklejone od końca do końca klejem PVA. Aby linie zagięcia na krawędziach sześcianu i piramidy były równe i wyraźne, konieczne jest wykonanie nacięcia wzdłuż linii zagięcia na zewnątrz papieru. Nacięcie wykonuje się na 0,5 grubości arkusza papieru, należy to zrobić łatwo, aby nie przeciąć papieru. Następnie musisz zgiąć papier wzdłuż tych linii i skleić połączenia.
Podstawy stożka i cylindra (koła) są cięte nożem i przycinane nożyczkami. Koło można również ciąć miernikiem, jeśli jedna z igieł jest bardzo dobrze naostrzona. Można przewidzieć dodatkowy zawór do klejenia powierzchni bocznych stożka i cylindra. Aby boczna powierzchnia cylindra wyginała się równomiernie, na jego wzór można nakładać nacięcia w regularnych odstępach (5 mm). Równomierną krzywiznę można również uzyskać, skręcając części między dwoma arkuszami folii używanej do zdjęć rentgenowskich.
We wszystkich poniższych rysunkach źródłowych przyjęto pewne konwencje: najgrubsza linia odpowiada linii głównego konturu i przecina; linia przerywana jest niewidocznym konturem, należy ją wyciąć z niewłaściwej strony; najcieńsza linia odpowiada wycięciu z przodu.
Aby jakość układu była wysoka, konieczne jest wykonanie bardzo dokładnego rysunku, wykonanie nacięć i nacięć oraz staranne wymazanie śladów ołówka. Czasami nie można użyć ołówka, ale wykonać zastrzyki miernikiem we właściwych miejscach. Najpierw na wzorach wykonuje się nacięcia, a następnie nacięcia.
ZADANIE 5. Rozwiązanie plastyczne dwóch ścian sześcianu za pomocą wzorców metrorytmicznych. cel: Badanie niektórych właściwości formy trójwymiarowej: wyglądu geometrycznego, masy, położenia w przestrzeni, światłocienia itp.
Zadania: Naucz się KONCEPCJI kompozycji frontalnej i objętościowej.
Opanowanie technik tworzenia plastyki powierzchni objętościowych.
Wymagania: Stwórz kompozycję frontalną, jako część trójwymiarowej struktury, zwróconą do publiczności główną fasadą (percepcja statyczna). Rozmiar sześcianu wynosi 10 × 10 cm, głębokość plastyczności nie powinna przekraczać 5 cm.Zorientuj sześcian w przestrzeni na główny kierunek percepcji ze względu na rytmiczną artykulację jego powierzchni (ryc. 16-20). wytyczne: Środek KOMPOZYCJI może znajdować się na jednej ze ścian sześcianu lub na jego krawędzi. Plastyczne podziały sześcianu muszą być wykonane w taki sposób, aby podczas transformacji przechodziły w płaszczyznę arkusza ograniczoną konturami wzoru.
Przykłady pokazują, że wraz ze wzrostem plastyczności do głównej objętości sześcianu wprowadzana jest przestrzeń. Tom ma dominującą orientację na główny punkt percepcji. W zależności od umiejscowienia i charakteru podziałów (kątowe, centralne, symetryczne, asymetryczne) zmienia się także postrzeganie samej bryły w przestrzeni, jej orientacji względem widza.
Rysunek 20
ZADANIE 6. Rozwiązanie plastyczne powierzchni sześcianu (rys. 21-23). cel i zadania patrz zadanie 5. wymagania: Rozwiąż plastycznie sześcian jako trójwymiarową formę, oglądaną ze wszystkich stron. Prześledzić pojedynczy pomysł kompozycyjny w rozwiązywaniu tworzyw sztucznych wszystkich twarzy. Kostka o wymiarach 10×10 cm.
Wskazówki metodyczne: Kompozycja zapewnia percepcję ze wszystkich stron, co nie wyklucza głównego kierunku ruchu w kierunku tego tomu.
Na przykładach można zobaczyć różne opcje rozwiązania plastycznej powierzchni sześcianu, od słabego do głębokiego reliefu.
Modele objętości cylindrycznych zostały rozwiązane na tej samej zasadzie co sześciany.
W ZADANIE 7. Rytmiczne podziały powierzchni walca. cel i zadania, patrz zadanie 6. wymagania: Określ objętość cylindra
Relacja z plastycznego rozwoju tego na górze - | (il. 24-26). Średnica podstawy 10 cm, wysokość 18 cm.
Instrukcje metodyczne: Układ jest klejony metodą doczołową. Plastyczne rozwiązanie powierzchni uzyskuje się za pomocą wycięć, szczelin, zagięć.
FORMOWANIE FORM OBJĘTOŚCIOWYCH ZA POMOCĄ ELEMENTÓW RYTMICZNYCH
Rozważ inną możliwość uzyskania trójwymiarowej formy z kartki papieru bez kleju. Rysunek (ryc. 28) przedstawia geometryczne wzory szczelin w postaci kół i kwadratów. Wycinając i wyginając poszczególne części, możesz stworzyć półkulę i piramidę (ryc. 27). Kształt piramidy zbudowany jest z wzajemnie prostopadłych trójkątnych płyt o różnych rozmiarach. Stwarza wrażenie objętości i przestrzeni wewnątrz. Rytmiczny wzór szczelin na poziomej powierzchni podstawy określa orientację objętości piramidy w przestrzeni kosmicznej w stosunku do widza. Zorganizowany ruch wokół piramidy i kierunek głównego ruchu wewnątrz niej.
Technikę tę można wykorzystać do podziału powierzchni i wniknięcia w wewnętrzną przestrzeń bryły. W tym przypadku różne wrażenia uzyskuje się z rozwiązania powierzchni i stopnia ujawnienia przestrzennego samej formy.
Rysunek 29
ZADANIE 8. Podział trójwymiarowej formy za pomocą elementów rytmicznych. cel: Zbadanie właściwości form trójwymiarowych: wyglądu geometrycznego, wielkości, masy, położenia w przestrzeni.
Cele: Prześledzenie, jak zmieniają się właściwości kształtu geometrycznego w zależności od stopnia jego podziału i charakteru elementów użytych do podziału. wymagania: Wykonać układy form trójwymiarowych z elementów rytmicznych według zaproponowanych próbek (il. 27-29). Opracuj jedną z form objętościowych (sześcian, piramida, czworościan) wykorzystując rytmiczne elementy przestrzenne (il. 30-33). wytyczne: Elementy, jako części płaszczyzny, mogą zmieniać się zgodnie z rytmicznymi wzorami i wyginać się na zewnątrz lub do wnętrza głównej objętości. Konieczne jest zginanie elementów dopiero po sklejeniu głównej objętości, aby nie marszczyć części, które mają być zgięte.
Otwiera się interesująca możliwość badania kombinacji przestrzennych różnych kształtów geometrycznych: sześcianu, piramidy, półkuli, czworościanu.
W zależności od liczby, wielkości, rozmieszczenia elementów przegubowych uzyskuje się różny stopień zmiany masy początkowej objętości głównej. Z głuchej, statycznej formy może zamienić się w lekką, ażurową, posiadającą własną wewnętrzną przestrzeń. Kiedy forma wolumetryczna jest gładka, jej powierzchnia nie jest rozwinięta, wtedy przestrzeń wewnętrzna jest nieczytelna. Jeśli powierzchnie są artykułowane, przecinane, to pojawiają się przestrzenne otwory, zaczyna się wyłaniać przestrzeń wewnętrzna o najbardziej obszernej formie.
Jeden z nauczycieli Bauhausu, Mogol-Nagy, uważał przestrzeń za wynik rozwoju masywnej formy. Oto niektóre etapy transformacji, które jego zdaniem zachodzą w prostej formie na drodze przekształcania stałej tablicy w formę przestrzenną:
Ekstremalna masywność, integralność niepodzielnej objętości;
Cała forma, ale już plastycznie przekształcona;
Forma, która zachowuje integralność kompozycyjną konstrukcji z aktywnym włączeniem przestrzeni.
W przypadku tych zadań badane są podstawowe właściwości form trójwymiarowych: rozmiar, proporcje; widok geometryczny; pozycja w przestrzeni; masa jako stan, który waha się od największej masywności do maksymalnej przestrzenności; światłocień. Stosowane są takie środki kompozycyjne, jak niuans, kontrast, rytm plastyczny.
Jednym z najlepszych przykładów prowadzenia linii jest molo. Jest atrakcyjny nie tylko ze względu na swoje linie, ale także fakt, że molo nieodmiennie kojarzy się z obecnością zalewu. Możesz tworzyć różne obrazy w zależności od dodatkowych elementów w pobliżu obiektu.
Drogi i korytarze to również świetne przykłady linii prowadzących. Wciągają widza w krainę motywów architektonicznych.
Linie wiodące nie zawsze mają wiele linii równoległych. Czasami trzeba improwizować z tym, co się ma. Na przykład kierownica łodzi, która jest skierowana do Taj Mahal, jak na powyższym zdjęciu. Linie statku zbierają się w jednym punkcie, tworząc strzałę. Praktycznie kierują widza na główną część obrazu.
Wiodące linie nie zawsze są oczywiste. Zwłaszcza w przyrodzie, chociaż dzieje się tak również w świecie zabudowanym. Linie mogą być cienkie, ledwo widoczne. Możesz je zidentyfikować, obserwując wzór ułożonych elementów. Mogą to być skały, strumienie lub po prostu obiekty o podobnym kształcie.
Podczas fotografowania poruszającego się obiektu z długim czasem otwarcia migawki często pojawiają się linie prowadzące. Jednocześnie energia ruchu staje się jeszcze bardziej wyrazista, gdy obiektowi towarzyszy rozmycie w ruchu.
Nie zawsze konieczne jest rozpoczynanie linii wiodących od środka obrazu. Ponadto spróbuj umieścić je na zdjęciu, stosując zasadę trójpodziału. Przykłady takich obrazów są bardziej powszechne niż mogłoby się wydawać. Po prostu ćwicz, aby nauczyć się zauważać je wokół siebie.
Może się zdarzyć, że nie od razu znajdziesz wiodące linie. Czasami zwracasz na nie uwagę, gdy już zrobiłeś zdjęcie. Oto na przykład ujęcia w porcie w Sydney i Melbourne. Ruch promu na jednym zdjęciu i unoszące się chmury na innym to elementy, których fotograf nie miał na myśli. Ale strzały okazały się bardzo udane.
Wideo: Linie wiodące jako podstawa kompozycji obrazu
Witajcie drodzy fotografowie!
Dzisiaj porozmawiamy o liniach i ich roli w kompozycji fotografii.
Kiedy więc próbujemy skomponować ujęcie w wizjerze lub na ekranie LCD naszego aparatu, musimy zwracać szczególną uwagę na linie. To oni mogą łączyć różne elementy kompozycyjne kadru lub je rozdzielać, decydować o nastroju, wyrazistości i dynamice zdjęcia.
Linie mogą być zarówno pomocnikiem fotografa, wzmacniając ten lub inny efekt, jak i prawdziwym niszczycielem całego rozwiązania kompozycyjnego.
Wiedza fotografa na temat wykorzystania linii w kompozycji ujęcia nie tylko pomaga fotografowi w tworzeniu jasnych, interesujących obrazów fotograficznych, ale także pozwala mu zrozumieć, jak widz będzie oglądał wykonane przez niego zdjęcia. Gdzie zatrzyma się jego wzrok, na jakich szczegółach obrazu się skupi i jaki będzie jego ogólny odbiór zdjęcia. W zależności od umiejscowienia linie wyrażają dynamikę ruchu i nadają fotografii określony nastrój.
Studium do „Madonny w grocie” Leonarda da Vinci
i jedna z możliwych „linii piękna” tego szkicu.
Taka linia może pełnić w kompozycji zarówno kontur kadrowania fotografowanego obiektu, jak i linię prowadzącą.
Linie ukośne
Ukośne linie w kompozycji kadru nie tylko dodają dynamiki obrazowi i de facto symbolizują ruch, ale też po prostu przyciągają uwagę widza.
Punkt początkowy linii ukośnej umieszcza się zwykle w jednym z rogów kadru, a następnie rysuje się linię albo od lewego górnego rogu do prawego dolnego („opadająca” przekątna), albo od lewego dolnego rogu do prawym górnym rogu („wznosząca się” przekątna). Realizacja obu wariantów ukośnej linii powoduje, że widz odczuwa napięcie ruchu.
Przekątne mogą być również wykorzystywane do kierowania wzrokiem widza w taki sposób, aby poruszając się po ukośnych liniach, w pełni dostrzegał wszystkie istotne dla fabuły szczegóły fotografii.
Przekątna może łączyć główny temat z drugorzędnym, zmuszając w ten sposób osobę do przeniesienia wzroku w kadr.
Ponadto ukośne linie pozwalają nadać obrazowi głębię i określony wymiar przestrzenny. Pod tym względem efekt specjalny występuje, gdy w kadrze występują jakiekolwiek linie zbiegające się w oddali.
Rozważaliśmy więc główne rodzaje linii w kompozycji fotografii. Ale nie zapominaj, że linia, po której porusza się oko widza, może być nie tylko progresywna, ale także tworzyć owal, trójkąt, kwadrat itp. Najsilniejsze wrażenie powstaje, gdy w kadrze znajduje się nieparzysta liczba obiektów przyciągających uwagę , a raczej, gdy liczba ta jest równa trzy (trójkąt składu).
Teraz wiemy, że linie w rękach wprawnego fotografa stają się potężną bronią, za pomocą której fotograf pomaga widzowi dokładnie zobaczyć obraz i nastrój, który chciał przekazać na swoim zdjęciu.
Istnieją jednak dwie zasady, których należy przestrzegać, korzystając z linii ukierunkowanej uwagi.
Po pierwsze, należy upewnić się, że linie zawsze wskazują najważniejsze obiekty na obrazie. Pozwala również skierować uwagę widza.
Po drugie, należy upewnić się, że wzdłuż linii nie ma zauważalnych „punktów”, które mogłyby odwrócić wzrok widza od głównej linii, którą fotograf specjalnie dla niego „utorował”, aby mógł poczuć cały obraz jako całość .
Dodatkowe linie i kropki poza obrazem rozpraszają uwagę, zmienia się kierunek spojrzenia, traci się koncentrację niezbędną do pełnego zrozumienia obrazu, traci się zainteresowanie, a postrzeganie całej fotografii staje się nudne.
A na koniec podsumujemy główne wyniki.
Linie to jeden z głównych elementów kompozycji każdej fotografii.
Linie, prawdziwe lub wyimaginowane, mogą poprawić efekt obrazu lub nadać fotografii określony nastrój.
Linie w kadrze niosą ze sobą różnorodny ładunek emocjonalny: zakrzywione i poziome uspokajają, przerywane irytują, pionowe uwznioślają, ukośne dodają dynamiki.
Oczywiście, aby nauczyć się poprawnie używać różnych rodzajów linii i co najważniejsze w odpowiednim miejscu, konieczna jest ciągła praktyka. Kiedy ponownie będziesz spacerować z aparatem, zobacz, jak możesz użyć linii w kadrze, aby dodać więcej wyrazistości i intensywności emocjonalnej do swojego ujęcia. Ponadto staraj się stale analizować kształt obiektów. Zadaj sobie pytanie, jak możesz sfotografować ten lub inny obiekt, aby zmaksymalizować jego kształt na zdjęciu, uczynić go bardziej interesującym dla widza i przekazać niezbędny nastrój w kadrze. I bardzo szybko rozwiniesz umiejętność analizowania kształtów i linii.