1930-40 - okres triumfu socrealizmu. Chociaż były inne kierunki. Głównymi tematami przedstawiania nagości pozostały „modele w pracowni” i procedury wodne- plaże, basen i sauna. Z wyjątkiem pracowni - w imię sztuki, z higienicznym myciem i leczniczym opalaniem ludzie radzieccy oczywiście nie wypadało afiszować się nago.
Zacznijmy więc od pływaków.
K. Somow. „Kąpiący się w słońcu”, 1930 r.
W Kovalenko, „Na plaży”, 1930.
Przejdźmy teraz do pracowni artystów.
Obraz W. Bukowieckiego nosi tytuł „W pracowni”. 1930
Piotr Konczałowski. „Model” (studium). 1930.
Czasami modelki nie mogły tego znieść i zasypiały. N.Tyrsa. Śpiąca modelka, 1930.
Ten chyba nie śpi. Ale na krawędzi. Nikolai Mako, Akt leżący, 1930.
G. Goriełow. "Akt od tyłu", 1930.
Aleksander Samochwałow. „Dziewczyna z ręcznikiem”, 1930. Obraz jest nieszkodliwy, ale obawiam się, że teraz biedny artysta zostanie oskarżony o co, do cholery…
Jurij Annenkom w 1930 roku namalował obraz na 10. rocznicę śmierci Amedeo Modiglianiego. „Pamięci Modiglianiego”.
Władimir Lebiediew, „Akt”, 1932.
I jeszcze jeden obraz tego samego artysty, z tego samego roku i pod tym samym tytułem.
Oprócz scen studyjnych i wodnych zaczęły pojawiać się obrazy z gatunku „nago” z motywem „rano”. Kierunek ten będzie szczególnie popularny później, począwszy od lat powojennych.
K. Somow, „Letni poranek”, 1932.
Alexander Deineka, gdzie bez niego. „Kąpiące się dziewczyny”, 1932.
I znowu - „Poranek”. Nasz Aleksander Deineka, 1933.
Czasami artyści malowali męską naturę. P. Konczałowski. "Uczniowie w warsztacie", 1932. Co ciekawe, mieli tam zajęcia. Ale wtedy ludzie byli nieskorumpowani i nikomu nic takiego nie mogło przyjść do głowy.
Mimo to artyści woleli kobiecą naturę. G. Goriełow. „Leżąca dziewczyna”, 1934.
I tutaj socrealizm nie nocował. David Burliuk, „Akt”, 1933.
A. Samochwałow, „Po biegu przełajowym”, 1935. Sportowiec, a już na pewno komsomolec…
B. Jakowlew. „Dziewczyna na skale”, 1936.
Obraz Vl. Pebiediewa o nieoczekiwanej nazwie „Kasjer”, 1936.
Rok później artysta rysuje tę samą kasjerkę, ale z tytułem „Kobieta ze skrzyżowanymi ramionami”.
Nikolai Tyrsa, Siedzący model, 1937.
Artystka Tatyana Mavrina wyraźnie odeszła od zasad socrealizmu i uległa obcym wpływom. „Akt z niebieskim imbrykiem”, 1936.
Jej własny, „Portret Olgi Hildbrant”, 1937. Nie ma to jak portret, prawda?
Olga Amosova-Bunak, „Dmuchawiec”, 1939.
I znowu sprawy związane z myciem wodą. N. Bogdanow-Belski, „Przeciąganie liny”, 1939.
Najwyraźniej Aleksander Gierasimow był miłośnikiem kąpieli. Zwłaszcza kobiece. „W kąpieli”, 1940 r.
Jego własna „Łaźnia”, datowana jakoś dziwnie: 1938-1956.
V. Dreznina, "Odpoczynek na brzegu", 1940.
I znowu Alexander Deineka, „Biegnące dziewczyny”, 1941.
Arkady Plastov, „Kierowcy ciągników”, 1942. Mężczyźni walczyli, a kobiety opanowały zawody, które wcale nie były kobiece…
Chłopaki, wkładamy naszą duszę w stronę. Dziękuję za to
za odkrycie tego piękna. Dzięki za inspirację i gęsią skórkę.
Dołącz do nas o godz Facebook I W kontakcie z
Przede wszystkim wiemy o obrazie dwie rzeczy: jego autora i być może historię płótna. Ale o losie tych, którzy patrzą na nas z płócien, wiemy niewiele.
strona internetowa Postanowiłam opowiedzieć o kobietach, których twarze są nam znane, ale ich historie już nie.
Joanna Samary
Auguste Renoir, Portret aktorki Jeanne Samary, 1877
Aktorka Jeanne Samary, choć nie mogła zostać gwiazdą teatralną (grała głównie pokojówki), miała szczęście w czymś innym: przez pewien czas mieszkała niedaleko warsztatu Renoira, który w latach 1877-1878 namalował jej cztery portrety, gloryfikując w ten sposób znacznie więcej, niż mogła zrobić kariera aktora. Zhanna grała w przedstawieniach od 18 roku życia, w wieku 25 lat wyszła za mąż i miała troje dzieci, a potem nawet napisała książkę dla dzieci. Ale ta urocza dama niestety nie żyła długo: w wieku 33 lat zachorowała na tyfus i zmarła.
Cecylia Gallerani
Leonardo da Vinci, Dama z gronostajem
1489-1490
Cecilia Gallerani była dziewczyną ze szlachty włoska rodzina, która w wieku 10 (!) lat była już zaręczona. Jednak gdy dziewczynka miała 14 lat, zaręczyny z nieznanych przyczyn odwołano, a Cecylię wysłano do klasztoru, gdzie poznała (a właściwie wszystko było ustawione) księcia Mediolanu Ludovico Sforzę. Rozpoczął się romans, Cecylia zaszła w ciążę, a książę osiedlił dziewczynę w swoim zamku, ale potem przyszedł czas na dynastyczne małżeństwo z inną kobietą, której oczywiście nie podobała się obecność jej kochanki w ich domu. Następnie, po narodzinach Galleraniego, książę wziął sobie syna i poślubił zubożałego hrabiego.
W tym małżeństwie Cecylia urodziła czwórkę dzieci, prowadziła prawie pierwszy w Europie salon literacki, odwiedzała księcia i chętnie bawiła się z jego dzieckiem z nowa kochanka. Po pewnym czasie zmarł mąż Cecylii, wybuchła wojna, ona straciła dobre samopoczucie i znalazła schronienie w domu siostry tej samej żony księcia – w tak cudownym związku udało jej się przebywać z ludźmi. Po wojnie Gallerani wróciła do swojej posiadłości, w której mieszkała aż do śmierci w wieku 63 lat.
Zinaida Jusupowa
VA Sierow, „Portret księżniczki Zinaidy Jusupowej”, 1902
Najbogatsza rosyjska dziedziczka, ostatnia z rodu Jusupowów, księżniczka Zinaida była niesamowicie przystojna i pomimo tego, że zabiegały o jej względy m.in. dostojne osoby, chciała wyjść za mąż z miłości. Spełniła swoje pragnienie: małżeństwo było szczęśliwe i urodziło dwóch synów. Jusupowa poświęciła dużo czasu i wysiłku działalność charytatywna, a po rewolucji kontynuował ją na emigracji. Ukochany najstarszy syn zginął w pojedynku, gdy księżniczka miała 47 lat, a ona nie mogła znieść tej straty. Wraz z nadejściem niepokojów Jusupowowie opuścili Petersburg i osiedlili się w Rzymie, a po śmierci męża księżniczka przeniosła się do syna do Paryża, gdzie spędziła resztę swoich dni.
Maria Łopuchina
V.L. Borowikowski, „Portret M.I. Łopuchina", 1797
Borowikowski namalował wiele portretów rosyjskich szlachcianek, ale ten jest najbardziej czarujący. Maria Lopukhina, członkini hrabiowskiej rodziny Tołstoja, jest tu przedstawiona w wieku zaledwie 18 lat. Portret został zamówiony przez jej męża Stepana Avraamovicha Lopukhina wkrótce po ślubie. Swoboda i nieco wyniosłe spojrzenie wydają się albo typową pozą dla takiego portretu z epoki sentymentalizmu, albo przejawem melancholijnego i poetyckiego usposobienia. los tego tajemnicza dziewczyna okazał się smutny: zaledwie 6 lat po namalowaniu obrazu Maria zmarła na suchoty.
Giovannina i Amacilia Pacini
Karl Bryullov, Jeźdźca, 1832
„Amazonka” Bryullov – genialny formalny portret, w którym wszystko jest luksusowe: jasność kolorów, przepych draperii i piękno modeli. Przedstawia dwie dziewczynki noszące nazwisko Pacini: najstarsza Giovannina siedzi na koniu, najmłodsza Amacilia patrzy na nią z ganku. Obraz Karola Bryulłowa, jej wieloletniego kochanka, zamówiła ich przybrana matka, hrabina Julia Pawłowna Samoiłowa, jedna z najpiękniejszych kobiet w Rosji i spadkobierczyni kolosalnej fortuny. Hrabina gwarantowała swoim dorosłym córkom duży posag. Okazało się jednak, że na starość była praktycznie zrujnowana, a potem adoptowane córki Giovanina i Amazilia drogą sądową odebrały od hrabiny obiecane pieniądze i majątek.
Simonetta Vespucci
Sandro Botticelli, Narodziny Wenus
1482–1486
Słynny obraz Botticellego przedstawia Simonettę Vespucci, pierwszą piękność florenckiego renesansu. Simonetta urodziła się w zamożnej rodzinie, w wieku 16 lat wyszła za mąż za Marco Vespucciego (krewnego Amerigo Vespucciego, który „odkrył” Amerykę i nadał kontynentowi swoje imię). Po ślubie nowożeńcy osiedlili się we Florencji, zostali przyjęci na dworze Lorenzo Medici, w latach słynących z wystawnych biesiad i przyjęć.
Piękna, a jednocześnie bardzo skromna i życzliwa Simonetta szybko zakochała się we florenckich mężczyznach. Sam władca starał się o nią zaopiekować Florencja Lorenzo, ale jego brat Giuliano poszukiwał go najaktywniej. Piękno Simonetty zainspirowało wielu ówczesnych artystów, wśród których był Sandro Botticelli. Uważa się, że od momentu ich poznania Simonetta była wzorem dla wszystkich Madonn i Wenus Botticellego. W wieku 23 lat Simonetta zmarła na gruźlicę, mimo wysiłków najlepszych nadwornych lekarzy. Następnie artysta przedstawił swoją muzę tylko z pamięci, a na starość zapisał, że zostanie pochowany obok niej, co zostało zrobione.
Wiera Mamontowa
VA Serow, „Dziewczyna z brzoskwiniami”, 1887
Najbardziej sławny obraz portret mistrza Valentina Serowa został napisany w majątku bogatego przemysłowca Savvy Ivanovicha Mamontova. Codziennie przez dwa miesiące pozowała artyście jego córka, 12-letnia Vera. Dziewczyna dorosła i stała się czarująca dziewczyna, żonaty wzajemna miłość dla Aleksandra Samarina, który należy do sławnych rodzina szlachecka. Po podróż poślubna we Włoszech rodzina osiedliła się w mieście Bogorodsk, gdzie jedno po drugim urodziło się troje dzieci. Ale niespodziewanie w grudniu 1907 roku, zaledwie 5 lat po ślubie, Vera Savvishna zmarła na zapalenie płuc. Miała zaledwie 32 lata, a jej mąż nigdy nie ożenił się ponownie.
Aleksandra Pietrowna Strujskaja
F.S. Rokotow, „Portret Struyskiej”, 1772
Ten portret Rokotowa jest jak zwiewna wskazówka. Alexandra Struyskaya miała 18 lat, kiedy wyszła za mąż za bardzo bogatego wdowca. Istnieje legenda, że na ślub jej mąż dał jej nic innego jak nowy kościół. I przez całe życie pisał do niej wiersze. Nie wiadomo na pewno, czy to małżeństwo było szczęśliwe, ale każdy, kto był w ich domu, zwracał uwagę na to, jak bardzo różni są małżonkowie. Przez 24 lata małżeństwa Aleksandra urodziła mężowi 18 dzieci, z których 10 zmarło w niemowlęctwie. Po śmierci męża żyła jeszcze 40 lat, rzetelnie zarządzała majątkiem i pozostawiła porządny majątek dzieciom.
Galina Władimirowna Aderkas
BM Kustodiew „Kupiec herbaty”, 1918 r
„Kupiec herbaty” Kustodiewa jest prawdziwą ilustracją tej jasnej i dobrze odżywionej Rosji, gdzie są jarmarki, karuzele i „chrupanie francuskiego chleba”. Obraz powstał w porewolucyjnym głodnym roku 1918, kiedy o takiej obfitości można było tylko pomarzyć.
Galina Władimirowna Aderkas pozowała na tym portrecie żonie kupca - naturalnej baronowej z rodziny, której historia sięga jednego rycerza inflanckiego z XVIII wieku. W Astrachaniu Galia Aderkas była współlokatorką Kustodiewów z szóstego piętra; żona artysty przyprowadziła dziewczynę do studia, zauważając kolorową modelkę. W tym okresie Aderkas był bardzo młody - student pierwszego roku Wydział Lekarski- a na szkicach jej sylwetka wygląda na znacznie szczuplejszą. Po ukończeniu uniwersytetu i pracy przez pewien czas jako chirurg porzuciła zawód i lata sowieckieśpiewała w rosyjskim chórze, brała udział w filmach dubbingowych, wyszła za mąż i zaczęła występować w cyrku.
Lisa del Giocondo
Leonardo da Vinci, Mona Lisa, 1503-1519
Być może jeden z najbardziej znanych i tajemnicze portrety wszystkich czasów i narodów jest słynna Monia Lisa autorstwa wielkiego Leonarda. Wśród wielu wersji o tym, kto jest właścicielem legendarnego uśmiechu, w 2005 roku oficjalnie potwierdzono następujące: płótno przedstawia Lisę del Giocondo, żonę Francesco del Giocondo, handlarza jedwabiem z Florencji. Portret mógł zostać zamówiony przez artystę z okazji narodzin syna i zakupu domu.
Wraz z mężem Lisa wychowała pięcioro dzieci i najprawdopodobniej jej małżeństwo opierało się na miłości. Kiedy jej mąż zmarł na dżumę i Lisę również dotknęła ta ciężka choroba, jedna z córek nie bała się zabrać do siebie matki i pozwolić jej odejść. Mona Lisa wyzdrowiała i mieszkała przez jakiś czas ze swoimi córkami, umierając w wieku 63 lat.
Przyjrzyjmy się jeszcze 7 artystom, którzy tworzą swoje dzieła sztuki, używając nagiego ludzkiego ciała.
W jednym ze swoich najsłynniejszych przedstawień, Rhythm 0, Abramović stała nieruchomo na środku sali. Do dyspozycji widzów było wiele przedmiotów sprawiających przyjemność lub ból, którymi mogli dysponować według uznania własna wola i rób co chcesz z nieruchomą Mariną Abramowicz. Performance zakończył się podartym ubraniem artystki i jej ciałem pełnym nacięć i cierni od róż.
W spektaklu „Związki w kosmosie” naga Abramowicz i jej kochanek wirowali i bili się do wyczerpania, starając się pokazać, do czego prowadzą poważny związek między mężczyzną a kobietą. Innym skandalicznym trikiem Abramowicza jest pomysł umieszczenia nagich ludzi przy wejściu na wystawę w taki sposób, aby odwiedzający musieli się między nimi przecisnąć.
Na jednej z ostatnich akcji artystka pojawiła się zupełnie naga w centrum Kolonii z plakatem « Szanuj nas! Nie jesteśmy celem ataków, nawet nago!”, wyrażając w ten sposób swój stosunek do migrantów atakujących ludność cywilną. Jednak już w 2014 roku zasłynęła z występu, w którym malowała za pomocą pochwy. Muare się rozpędził jaja kurze malować strzykawką, umieszczać je w jej pochwie i upuszczać na płótno z wysokości. Rezultatem jest obraz z gatunku malarstwa abstrakcyjnego.
Ponadto artystka wyśmiała miłość wielu mieszkańców Ziemi do selfie, zapraszając mieszkańców Paryża i Berlina do zrobienia sobie z nią zdjęcia w centrum miasta. Moire została oczywiście sfotografowana nago.
Poppy Jackson
Poppy Jackson siedziała kiedyś na dachu w Londynie przez cztery godziny. Według niej, tą akcją chciała wyciągnąć ludzi Wirtualna rzeczywistość V prawdziwe życie. Jak powiedziała Jackson, korespondencja w sieciach społecznościowych zastąpiła normalną komunikację dla ludzi i aby przywrócić „bliskość” do życia, zaaranżowała ten występ. Rzeczywiście, londyńczycy mogli na chwilę odpocząć od monitora i podziwiać nagie ciało Poppy Jackson w oknie.
Caseya Jenkinsa
Feministka Casey Jenkins zasłynęła z robienia na drutach waginy w jednej z galerii w Australii. Przez miesiąc codziennie wpychała w siebie kłębek wełnianych nici i robiła z nich sweter, nie zatrzymując się nawet podczas menstruacji. Tym samym artystka podjęła próbę wypowiedzenia się przeciwko błędnemu, jej zdaniem, społecznemu postrzeganiu kobiecych narządów płciowych. Casey Jenkins uważa, że kobiety nie powinny się wstydzić i nieśmiało je ukrywać.
Tunika Spencera
Amerykański artysta najbardziej znany jest ze swoich wielkoformatowych performansów, w których czasami biorą udział tysiące nagich osób. Rekordem dla niego była akcja w Mexico City w 2007 roku, do której artyście udało się zebrać 18 000 ochotników. Wtedy prawie cały Plac Konstytucji stolicy Meksyku był wypełniony nagimi ludźmi. Jednocześnie dla Twojej instalacji z ludzkie ciała Tunick kazał swoim ochotnikom zwinąć się w kłębek na ziemi w pozycji embrionalnej.
Sara Mała
Najbardziej znaną akcją artysty była produkcja Tableau Vivant, co można przetłumaczyć jako „żywy obraz”. W spektaklu wzięło udział około 120 osób różnej płci, narodowości, wieku i kategorii wagowych, z których większość była zupełnie naga. Jednocześnie artysta częściowo występował jako twórca muzycznego serialu, a także grał w produkcji Wiodącą rolę. żywy obraz Sarah Small przypominała wielu jednocześnie twórczość surrealistów i twórczość Boscha.
Hilda Kron Hughes
Żenujący okazał się jeden z występów norweskiej artystki Hildy Kron Hughes, której prace można było zobaczyć na wystawie Bloomberg New Art Exhibition. Aby stworzyć instalację wideo, Hughes włączył kamerę, wspiął się na drzewo w lesie i zwisał z niego na linie głową w dół. Hughes nie mogła jednak wydostać się o własnych siłach, więc musiała wisieć w ten sposób przez ponad trzy godziny, aż w końcu została uratowana. Pomimo tego, że występ nie poszedł zgodnie z planem, artysta nie był zagubiony i wymyślił nowy koncept za instalację, która według Hughesa pokazała teraz niemoc artysty, która jest kluczem do zrozumienia prawdziwej sztuki.
Subskrybuj Qibble na Viber i Telegram, aby być na bieżąco z najciekawszymi wydarzeniami.
Piękno kobiecego ciała było i pozostaje pożądanym obiektem do przedstawiania przez artystów wszystkich czasów i narodów.
Przede wszystkim malowniczą nagość dał nam oczywiście renesans, kiedy energicznie śpiewano wspaniałość nagich ciał według starożytnych kanonów. W niczym jednak nie ustępują mistrzom późniejszych czasów w umiejętnej prezentacji wizerunek kobiety. Zmieniały się techniki, miejsca, na tle których przedstawiano dziewice, a same muzy z czasem nabierały innych cech. Ale obraz kobiecej natury jest nadal szczególnym tematem, który podnieca umysły wszystkich fanów naturalnego piękna.
Sandro Botticellego
„Narodziny Wenus” 1482-1486
Petera Paula Rubensa
Rubens był znakomitym malarzem portretowym, malował pejzaże i obrazy o tematyce religijnej, zapoczątkował styl barokowy, ale ogół społeczeństwa najlepiej zna Rubensa z wizerunków nagich kobiet i mężczyzn, delikatnie mówiąc, nie astenicznej budowy ciała.
„Unia ziemi i wody”, 1618
„Trzy Gracje”, 1639
Franciszek Goja
Maja Akt, ok. 1800 r
Nie wszyscy wiedzą, że Maha to wcale nie imię, ale imię zwykłych hiszpańskich mieszczuchów XVIII-XIX wieku.
Macha, której wizerunek ukształtował się w Andaluzji, z czasem zaczęła być postrzegana jako kwintesencja Hiszpanki. Z powodu romantyzmu, malowniczości, silnego narodowego akcentu i gwałtownej namiętności.
Eugeniusza Delacroix
„Wolność prowadząca lud”, 1830
Delacroix stworzył obraz oparty na rewolucji lipcowej 1830 r., Która położyła kres restauracyjnemu reżimowi monarchii Burbonów. W liście do brata z 12 października 1830 r. Delacroix pisze: „Jeśli nie walczyłem za Ojczyznę, to przynajmniej będę dla niej pisał”.
Nagie piersi na zdjęciu nie bez powodu. Symbolizuje poświęcenie ówczesnego narodu francuskiego, który wraz z „ nagi tors' udał się do wroga.
Jules Joseph Lefebvre
Lefebvre był francuskim malarzem salonowym, który specjalizował się w przedstawianiu piękne dziewczyny. Dzięki obrazowi kobiece piękno zajmował bardzo poczesne miejsce jako elegancki, choć nieco wychowany rysownik.
„Maria Magdalena w grocie”, 1836 r
Obraz „Maria Magdalena w grocie” ma swoją szczególną historię. Po wystawie w 1876 roku kupił go syn Aleksandra Dumasa. Po jego śmierci została wysłana do Petersburga na wystawę w 1896 roku. Kupił ją za nią Mikołaj II Zimowy pałac a teraz „Marię Magdalenę” można zobaczyć wśród skarbów Ermitażu.
Edwarda Maneta
Na Salonie Paryskim w 1865 roku obraz wywołał jeden z największych skandali w historii sztuki. Współcześni nie widzieli objętości przedstawionej postaci i uważali kompozycję obrazu za szorstką i płaską. Maneta oskarżano o niemoralność i wulgaryzmy. Obraz zgromadził setki ludzi, którzy przyszli na wystawę tylko po to, by przeklinać obraz i pluć na niego. W rezultacie obraz zawisł w najdalszej sali Salonu na taką wysokość, że był prawie niewidoczny. Jacy ludzie byli w tamtych czasach zdenerwowani.
Pierre-Auguste Renoir
Renoir znany jest przede wszystkim jako mistrz portretu świeckiego, nie pozbawionego sentymentalizmu; był pierwszym z impresjonistów, który odniósł sukces wśród bogatych paryżan. Akt był jednym z ulubionych gatunków Renoira.
„Nago w światło słoneczne", 1876
Po raz pierwszy pokazany na Drugiej Wystawie Impresjonistów w 1876 roku, gdzie otrzymał bardzo surowe recenzje od krytyków: „Zainspiruj Monsieur Renoir, że kobiece ciało nie jest kupą rozkładającego się mięsa z zielonymi i fioletowymi plamami, które wskazują, że zwłoki już gniją pełną parą!”
« duże kąpiące się", 1887
I ten obraz oznaczał przejście Renoira od czystego impresjonizmu do klasycyzmu i angryzmu. „Duże kąpiące się” są wykonane z wyraźniejszymi liniami, zimniejszymi kolorami, a podczas pisania tego obrazu Renoir najpierw użył szkiców i szkiców.
Władysław Podkowiński
„Kobiecy orgazm”, 1894
Z tytułu jasno wynika, że w swojej pracy przedstawiał polski artysta Vladislav Podkovinsky... Wystawa malarstwa rozpoczęła się od wielki skandal i trwał przez 36 dni. Nie mogąc wytrzymać presji, 37 dnia Podkovinsky przyszedł z nożem i przeciął całe płótno. Artysta zmarł na gruźlicę w wieku 29 lat. Po jego śmierci obraz postanowiono poddać renowacji.
Adolphe Williama Bouguereau
Johna Colliera
Wachlarz tematyczny w obrazach angielskiego malarza Colliera jest bardzo szeroki. Jednak największą popularność zyskał dzięki zastosowaniu w rzeczywistości romantyczna tradycja obrazy piękne kobiety z legend, mitów, literatury i historii jako główny temat jego obrazów.
„Lady Godiva” została napisana zgodnie z fabułą legendy. Ukazana na obrazie naga piękność (Lady Godiva) błagała swojego potężnego i władczego męża (hrabiego Leofrica) o obniżenie podatków dla ubogich w jego posiadłości. Na co zaproponował prawie przegrany zakład. Obiecał obniżyć podatki, jeśli jego pani przejedzie nago przez wieś Coventry na koniu, co zrobiła jego żona.
Herberta Jamesa Drapera
„Odyseusz i syreny”, 1909
Dawid Szterenberg
„Akt”, 1908
Gustawa Klimta
Wszystkie szczegóły dot opowieść mitologiczna, są usuwane z obrazu, pozostawiając jedynie scenę zapłodnienia przez złoty deszcz, w który zamienił się Zeus. Wybór postawy i zniekształcona perspektywa nadają ciału Danae niezwykłą seksualność.
W żadnej innej pracy artystka nie doprowadziła kobiecej seksualności do takiej hipertrofii - to samolubna żądza.
Herberta Jamesa Drapera
Herbert James Draper był artystą, znane prace do historycznego i motyw mitologiczny. Chociaż Draper zyskał uznanie za życia, jego prace są teraz niesprawiedliwie zapomniane i rzadko widywane na aukcjach.
„Góra mgieł”, 1912
„Góra mgieł” to jeden z najmocniejszych, najbardziej zmysłowych i urzekających obrazów artystki. Przedstawione nagie dziewczyny są równie piękne jak nimfy Waterhouse'a, choć w przeciwieństwie do niego Femme fatale zwabić ludzi na ich zgubę.
Borys Kustodiew
Malownicza plastyczność, nacisk na kunszt modelki i efektowny wygląd – to główne cechy twórczości Borysa Kustodiewa.
„Rosyjska Wenus” 1925-1926
„Rosyjska Wenus” przedstawia opuchniętą kobietę w kąpieli, ale w przeciwieństwie do bogini nagą dziewczynę otacza nie morska piana, ale para rosyjskiej łaźni. Opalizujące bąbelki na drewnianej ławce potwierdzają, że Wenus jest przed nami. Bogini narodziła się z piany Morza Śródziemnego! A tutaj, w Rosji - z piany do kąpieli ...
Amedeo Modiglianiego
Modigliani jest słusznie uważany za śpiewaka piękna nagiego kobiecego ciała. Był jednym z pierwszych, którzy przedstawiali nagość w sposób bardziej realistyczny emocjonalnie. To właśnie ta okoliczność doprowadziła kiedyś do błyskawicznego zamknięcia pierwszego wystawa indywidualna w Paryżu. Obrazy Modiglianiego, wykonane w gatunku aktów, uważane są za perłę jego twórczego dziedzictwa.
„Akt siedzący”, 1916
Egona Schielego
Malarstwo i grafiki Egona Schiele są nerwowe, wyrafinowane, dramatyczne i bardzo seksowne. Będąc pod silny wpływ psychoanalizy Zygmunta Freuda, Schiele w swojej twórczości dawał upust własnym kompleksom i wątpliwościom, a wiele jego prac miało charakter jawnie seksualny. Stało się to nawet powodem uwięzienia artysty za „tworzenie niemoralnych rysunków”.
„Akt na kolanach”, 1917
„Kobieta leżąca”, 1917 r
Andersa Zorna
Szwedzki malarz i grafik, który zwrócił szczególną uwagę na indywidualność aktu modelki, oryginalność jej mimiki, gestów, mimiki, które są ostro uchwycone w jego pracach.
„W łodzi wiosłowej Wernera”, 1917
„Refleksje”, 1889
Zinaida Serebryakowa
Zinaida Evgenievna Serebryakova jest jedną z pierwszych Rosjanek, które zapisały się w historii malarstwa. Malarskimi środkami artysta przedstawił obraz czystego kobiecego ciała. Jej modelki nie miały atletycznej sylwetki, nie mają sztywności, ostrości, a jedynie płynne współbrzmienie z otoczeniem.
W „Łaźni” Serebryakova przedstawiała nagie kobiety bez upiększeń, cechy idealizacji pojawiły się w jej twórczości później.
„Akt leżący”, portret Nevedomskiej, 1935
W później praca Serebryakova coraz bardziej zwiększała temat prac przedstawiających nagie modelki, a Serebryakova pozostała wierna gatunkowi nagości. W "Reclining Nude" czuje, że udaje jej się ten temat i nieustannie do niego nawiązuje.
Model śpiący, 1941
Igora Emmanuiłowicza Grabara
Igor Emmanuilovich Grabar jest jednym z najbardziej znany artysta w historii kultury rosyjskiej XX wieku. Jednym z jego najsłynniejszych dzieł jest portret Flory.
Aleksander Michajłowicz Gierasimow
Kolejny znany rosyjski artysta, który w przeciwieństwie do poprzedniego zajmował się przedstawianiem szorstkiej i uproszczonej erotyki.
„Łaźnia wiejska”, 1938 r
Na temat „wiejskiej łaźni” artysta przez lata napisał wiele szkiców „dla siebie”. Na zdjęciu jest kilka aktów kobiece ciała połączone złożoną kompozycją strukturalną. Każda postać jest obrazem, indywidualną postacią.
Arkadij Aleksandrowicz Plastow
Arkady Plastov - „piosenkarz radzieckiego chłopstwa”. Specjalna uwaga w swoich utworach poświęcił patriotycznej pracy kobiet w latach Wielkiego Wojna Ojczyźniana. kolorowy obraz a artysta uchwycił prostotę w obrazie „Kierowcy traktorów”
„Traktorzyści”, 1943 r
