Cytat wiadomości Najsłynniejsze i najbardziej znaczące obrazy świata dla historii sztuki. | 33 arcydzieła malarstwa światowego.
Pod zdjęciami artystów, do których należą, znajdują się linki do wpisów.
Nieśmiertelne obrazy wielkich artystów podziwiają miliony ludzi. Sztuka, klasyczna i nowoczesna, jest jednym z najważniejszych źródeł inspiracji, gustu i edukacji kulturalnej każdego człowieka, a tym bardziej twórczej.
Na pewno obrazów światowej sławy jest ponad 33. Jest ich kilkaset i nie wszystkie zmieściłyby się w jednej recenzji. Dlatego dla ułatwienia oglądania wybraliśmy kilka obrazów, które są najbardziej znaczące dla kultury światowej i często są kopiowane w reklamach. Do każdej pracy dołączono interesujący fakt, wyjaśnienie znaczenia artystycznego lub historii jego powstania.
Przechowywane w Galerii Starych Mistrzów w Dreźnie.
Obraz ma mała tajemnica: tło które z daleka wydają się chmurami, po bliższym przyjrzeniu się okazują się głowami aniołów. A dwa anioły przedstawione na poniższym zdjęciu stały się motywem licznych pocztówek i plakatów.
Rembrandt „Nocna straż” 1642
Przechowywane w Rijksmuseum w Amsterdamie.
Prawdziwy tytuł obrazu Rembrandta brzmi: „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenburga”. Historycy sztuki, którzy odkryli obraz w XIX wieku, sądzili, że postacie stoją ciemne tło i nazywała się „ Nocna Straż" Później odkryto, że warstwa sadzy powoduje, że obraz jest ciemny, choć akcja tak naprawdę rozgrywa się w dzień. Jednak obraz znalazł się już w skarbnicy sztuki światowej pod nazwą „Nocna straż”.
Leonardo da Vinci „Ostatnia wieczerza” 1495-1498
Znajduje się w klasztorze Santa Maria delle Grazie w Mediolanie.
W ponad 500-letniej historii dzieła fresk był wielokrotnie niszczony: w obrazie wycięto i następnie zamurowano drzwi wejściowe, refektarz klasztoru, w którym znajduje się obraz, służył jako zbrojownia, więzienie i został zbombardowany. Słynny fresk odnawiany co najmniej pięć razy, przy czym ostatnia renowacja trwała 21 lat. Dziś, aby obejrzeć dzieło sztuki, należy wcześniej zarezerwować bilety, a w refektarzu można spędzić tylko 15 minut.
Salvador Dali „Trwałość pamięci”, 1931
Według samego autora obraz powstał w wyniku skojarzeń, jakie Dali miał z widokiem sera topionego. Wracając z kina, do którego poszła tego wieczoru, Gala całkiem słusznie przewidziała, że nikt, kto obejrzy Trwanie pamięci, nie zapomni o tym.
Pieter Bruegel Starszy „Wieża Babel” 1563
Przechowywany w Kunsthistorisches Museum w Wiedniu.
Zdaniem Bruegla, awaria, która spotkała konstrukcję Wieża Babel, według opowieści biblijnej przyczyną nie są nagle pojawiające się bariery językowe, ale błędy popełnione w trakcie budowy. Na pierwszy rzut oka ogromna konstrukcja wydaje się dość mocna, ale po bliższym przyjrzeniu się staje się jasne, że wszystkie kondygnacje są ułożone nierównomiernie, dolne piętra są albo niedokończone, albo już się zawalają, sam budynek przechyla się w stronę miasta, a perspektywy na cały projekt jest bardzo smutny.
Kazimierz Malewicz „Czarny kwadrat” 1915
Według artysty obraz malował przez kilka miesięcy. Następnie Malewicz wykonał kilka kopii „Czarnego kwadratu” (według niektórych źródeł siedem). Według jednej wersji artysta nie był w stanie ukończyć obrazu w terminie, dlatego musiał pokryć dzieło czarną farbą. Następnie, po publicznym uznaniu, Malewicz namalował na pustych płótnach nowe „Czarne kwadraty”. Malewicz namalował także „Kwadrat Czerwony” (w dwóch egzemplarzach) i jeden „Kwadrat Biały”.
Kuźma Siergiejewicz Pietrow-Wodkin „Kąpiel czerwonego konia” 1912
Znajduje się w Państwowej Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.
Namalowany w 1912 roku obraz okazał się wizjonerski. Czerwony koń jest Losem Rosji lub samej Rosji, którego kruchy i młody jeździec nie jest w stanie utrzymać. Tym samym artysta swoim obrazem symbolicznie przepowiedział „czerwone” losy Rosji w XX wieku.
Peter Paul Rubens „Gwałt na córkach Leukipposa” 1617-1618
Przechowywany w Alte Pinakothek w Monachium.
Obraz „Gwałt na córkach Leucypa” uważany jest za uosobienie męskiej namiętności i fizycznego piękna. Silne, muskularne ramiona młodych mężczyzn podnoszą młode nagie kobiety i wsadzają je na konie. Synowie Zeusa i Ledy kradną narzeczone swoim kuzynom.
Paul Gauguin „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?" 1898
Przechowywane w Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie.
Według samego Gauguina obraz należy czytać od prawej do lewej – trzy główne grupy postaci ilustrują postawione w tytule pytania. Trzy kobiety z dzieckiem symbolizują początek życia; grupa środkowa symbolizuje codzienną egzystencję dojrzałości; w ostatniej grupie, zgodnie z planem artysty, „ staruszka, zbliżając się do śmierci, wydaje się pojednana i oddana swoim myślom”, u jej stóp „dziwne biały ptak... reprezentuje daremność słów.”
Eugene Delacroix „Wolność wiodąca naród”, 1830
Przechowywany w Luwrze w Paryżu
Delacroix stworzył obraz oparty na rewolucji lipcowej 1830 roku we Francji. W liście do brata z 12 października 1830 roku Delacroix pisze: „Jeśli nie walczyłem za Ojczyznę, to przynajmniej będę dla niej pisał”. Nagie piersi kobiety przewodzącej ludowi symbolizują poświęcenie ówczesnego narodu francuskiego, który „ naga klatka piersiowa„Jechaliśmy w stronę wroga.
Claude Monet „Wrażenie. Wschodzące słońce” 1872
Przechowywane w Muzeum Marmottan w Paryżu.
Tytuł pracy to „Impresja, soleil levant”. lekka ręka dziennikarz L. Leroy stał się nazwiskiem kierunek artystyczny"impresjonizm". Obraz został namalowany z życia w starym porcie Le Havre we Francji.
Jan Vermeer „Dziewczyna z perłą” 1665
Przechowywane w Galerii Mauritshuis w Hadze.
Jeden z najbardziej znanych obrazów Holenderski artysta Johannes Vermeer nazywany jest często nordycką lub holenderską Mona Lisą. Niewiele wiadomo o obrazie: nie jest on datowany, a imię przedstawionej dziewczyny jest nieznane. W 2003 powieść o tym samym tytule Tracy Chevalier nakręciła film fabularny „Dziewczyna z perłą”, w którym hipotetycznie przywracana jest historia powstania obrazu w kontekście biografii i życie rodzinne Vermeera.
Iwan Aiwazowski „Dziewiąta fala”, 1850 r
Przechowywany w Petersburgu w Państwowym Muzeum Rosyjskim.
Iwan Aiwazowski to światowej sławy rosyjski malarz morski, który poświęcił swoje życie przedstawianiu morza. Stworzył około sześciu tysięcy dzieł, z których każde zyskało uznanie za życia artysty. Obraz „Dziewiąta fala” znajduje się w książce „100 wielkich obrazów”.
Andriej Rublow „Trójca” 1425-1427
Ikona Trójcy Świętej, namalowana przez Andrieja Rublowa w XV wieku, jest jedną z najsłynniejszych ikon rosyjskich. Ikona to tablica w formacie pionowym. Carowie (Iwan Groźny, Borys Godunow, Michaił Fiodorowicz) „pokryli” ikonę złotem, srebrem i kamienie szlachetne. Dziś pensja jest przechowywana w Państwowym Rezerwacie Muzealnym Siergijewa Posada.
Michaił Wrubel „Siedzący demon” 1890
Przechowywane w Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.
Fabuła filmu inspirowana jest poematem Lermontowa „Demon”. Demon jest obrazem siły ludzkiego ducha, wewnętrznej walki, zwątpienia. Tragicznie załamując ręce, Demon siedzi ze smutnymi, wielkimi oczami skierowanymi w dal, otoczony niespotykanymi kwiatami.
William Blake „Wielki architekt” 1794
Przechowywane w British Museum w Londynie.
Tytuł obrazu „Przedwieczny” dosłownie tłumaczy się z angielskiego jako „Przedwieczny”. Wyrażenie to było używane jako imię Boga. Główny bohater Obrazy przedstawiają Boga w chwili stworzenia, który nie ustanawia porządku, ale ogranicza wolność i wyznacza granice wyobraźni.
Edouard Manet „Bar w Folies Bergere”, 1882
Przechowywane w Courtauld Institute of Art w Londynie.
Folies Bergere to paryski program rozrywkowy i kabaret. Manet często odwiedzał Folies Bergere i ostatecznie namalował ten obraz, ostatni przed śmiercią w 1883 roku. Za barem, pośrodku tłumu pijącego, jedzącego, rozmawiającego i palącego, stoi pogrążona we własnych myślach barmanka, obserwując akrobatę na trapezie, którego widać w lewym górnym rogu zdjęcia.
Tycjan „Miłość ziemska i miłość niebiańska” 1515-1516
Przechowywany w Galerii Borghese w Rzymie.
Warto zauważyć, że współczesna nazwa obrazu nie została nadana przez samego artystę, ale zaczęła być używana dopiero dwa wieki później. Do tego czasu obraz nosił różne tytuły: „Piękno, zdobione i pozbawione ozdób” (1613), „Trzy rodzaje miłości” (1650), „Kobiety boskie i świeckie” (1700), a ostatecznie „Miłość ziemska i niebiańska”. Miłość” „(1792 i 1833).
Michaił Niestierow „Wizja młodego Bartłomieja” 1889-1890
Przechowywane w Państwowej Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.
Pierwsze i najważniejsze dzieło z cyklu poświęconego Sergiuszowi z Radoneża. Artysta do końca swoich dni był przekonany, że „Wizja młodości Bartłomieja” jest jego najlepszym dziełem. Artysta na starość lubił powtarzać: „To nie ja przeżyję. „Młody Bartłomiej” będzie żył. Teraz, jeśli trzydzieści, pięćdziesiąt lat po mojej śmierci nadal mówi coś ludziom, to znaczy, że żyje, a to oznacza, że ja żyję.
Pieter Bruegel Starszy „Przypowieść o niewidomych”, 1568
Przechowywany w Muzeum Capodimonte w Neapolu.
Inne tytuły obrazu to „Ślepy”, „Parabola niewidomych”, „Ślepy prowadzący ślepego”. Uważa się, że fabuła filmu opiera się na biblijnej przypowieści o niewidomym: „Jeśli ślepiec prowadzi ślepego, obaj wpadną do dołu”.
Wiktor Wasniecow „Alyonuszka” 1881
Przechowywane w Państwowej Galerii Trietiakowskiej.
Opiera się na bajce „O siostrze Alyonuszce i bracie Iwanuszce”. Początkowo obraz Wasnetsowa nazywał się „Głupiec Alyonushka”. W tamtych czasach sieroty nazywano „głupcami”. „Alyonushka” – powiedział później sam artysta – „wydawało się, że żyła w mojej głowie przez długi czas, ale w rzeczywistości widziałem ją w Achtyrce, kiedy spotkałem jedną prostowłosą dziewczynę, która zawładnęła moją wyobraźnią. W jej oczach było tyle melancholii, samotności i czysto rosyjskiego smutku... Emanowała z niej jakaś szczególna rosyjska dusza.
Vincent van Gogh „Gwiaździsta noc”, 1889 r
Przechowywane w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku.
W przeciwieństwie do większości obrazów artysty, „Gwiaździsta noc” została namalowana z pamięci. Van Gogh przebywał w tym czasie w szpitalu Saint-Rémy, dręczony atakami szaleństwa.
Karl Bryullov „Ostatni dzień Pompejów” 1830–1833
Przechowywany w Państwowym Muzeum Rosyjskim w Petersburgu.
Obraz przedstawia słynną erupcję Wezuwiusza w 79 r. n.e. mi. i zniszczenie Pompejów pod Neapolem. Wizerunek artysty w lewym rogu obrazu jest autoportretem autora.
Pablo Picasso „Dziewczyna na balu” 1905
Przechowywane w Muzeum Puszkina w Moskwie
Obraz trafił do Rosji za sprawą przemysłowca Iwana Abramowicza Morozowa, który kupił go w 1913 roku za 16 000 franków. W 1918 r. znacjonalizowano zbiory osobiste I. A. Morozowa. W obecnie Obraz znajduje się w zbiorach Państwowego Muzeum Sztuk Pięknych im. A.S. Puszkin.
Leonardo da Vinci „Madonna Litta” 1491
Przechowywany w Ermitażu w Petersburgu.
Oryginalny tytuł obrazu brzmiał „Madonna z Dzieciątkiem”. Nowoczesne imię obraz pochodzi od nazwiska jego właściciela – hrabiego Litta, właściciela rodziny Galeria Sztuki w Mediolanie. Istnieje przypuszczenie, że postać dziecka nie została namalowana przez Leonarda da Vinci, ale należy do pędzla jednego z jego uczniów. Świadczy o tym nietypowa w stylu autorki poza dziecka.
Jean Ingres „Łaźnia turecka” 1862
Przechowywany w Luwrze w Paryżu.
Ingres zakończył malowanie tego obrazu, gdy miał już ponad 80 lat. Artysta podsumowuje tym obrazem wizerunek kąpiących się, którego tematyka od dawna obecna jest w jego twórczości. Początkowo płótno miało kształt kwadratu, jednak rok po jego ukończeniu artysta przekształcił go w kształt kwadratu okrągły obraz- tondo.
Iwan Szyszkin, Konstantin Sawicki „Poranek w sosnowym lesie” 1889
Przechowywane w Galerii Trietiakowskiej w Moskwie
„Rano w Las sosnowy„- obraz rosyjskich artystów Iwana Szyszkina i Konstantina Sawickiego. Savitsky namalował niedźwiedzie, ale kolekcjoner Paweł Tretiakow, kiedy nabył obraz, usunął jego podpis, więc teraz jako autora obrazu wskazany jest sam Szyszkin.
Michaił Wrubel „Księżniczka łabędzi”, 1900 r
Przechowywane w Państwowej Galerii Trietiakowskiej
Obraz oparty jest na scenicznym obrazie bohaterki opery N. A. Rimskiego-Korsakowa „Opowieść o carze Saltanie” opartej na fabule bajka o tym samym tytule A.S. Puszkin. Vrubel stworzył szkice scenografii i kostiumów na premierę opery w 1900 roku, a jego żona śpiewała rolę Księżniczki Łabędzi.
Giuseppe Arcimboldo „Portret cesarza Rudolfa II jako Vertumnusa” 1590
Znajduje się w zamku Skokloster w Sztokholmie.
Jedno z niewielu zachowanych dzieł artysty, który komponował portrety z owoców, warzyw, kwiatów, skorupiaków, ryb, pereł, instrumentów muzycznych i innych, książek i tak dalej. „Vertumnus” to portret cesarza, przedstawiany jako starożytny rzymski bóg pory roku, roślinność i przemiany. Na zdjęciu Rudolf składa się wyłącznie z owoców, kwiatów i warzyw.
Edgar Degas „Niebiescy tancerze” 1897
Znajduje się w Muzeum Sztuki. A. S. Puszkina w Moskwie.
Być może Mona Lisa nie zyskałaby światowej sławy, gdyby nie została skradziona w 1911 roku przez pracownika Luwru. Obraz odnaleziono dwa lata później we Włoszech: złodziej odpowiedział na ogłoszenie w gazecie i zaproponował reżyserowi sprzedaż „Giocondy” Galerie Uffiziego. Przez cały czas trwania śledztwa „Mona Lisa” nie schodziła z okładek gazet i czasopism na całym świecie, stając się obiektem kopiowania i kultu. Sandro Botticelli „Narodziny Wenus” 1486
Przechowywany we Florencji w Galerii Uffizi
Obraz ilustruje mit o narodzinach Afrodyty. Naga bogini podpływa do brzegu w otwartej skorupie, niesiona wiatrem. Po lewej stronie obrazu Zefir (zachodni wiatr) w ramionach swojej żony Chloris dmucha w muszlę, tworząc wiatr wypełniony kwiatami. Na brzegu boginię spotyka jedna z łask. Narodziny Wenus są dobrze zachowane dzięki temu, że Botticelli nałożył je na obraz warstwa ochronna z żółtka jaja.
...
Część 21 -
Część 22 -
Część 23 -
W prawie każdym znacząca praca sztuka jest tajemnicą, „podwójnym dnem” lub tajna historia, które chcę ujawnić.
Muzyka na pośladkach
Hieronima Boscha, „Ogród rozkoszy ziemskich”, 1500-1510.
Fragment części tryptyku
Spory o znaczenia i ukryte znaczenia najsłynniejsze dzieło Holenderski artysta nie ustąpiły od czasu jego pojawienia się. Prawe skrzydło tryptyku „Muzyczne Piekło” przedstawia grzeszników torturowanych w podziemiach za pomocą instrumenty muzyczne. Jeden z nich ma wytłoczone nuty na pośladkach. Studentka Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, która studiowała obraz, przetłumaczyła XVI-wieczny zapis na współczesny akcent i nagrała „500-letnią piekło z piekła rodem”.
Naga Mona Lisa
Słynna „La Gioconda” występuje w dwóch wersjach: naga wersja nazywa się „Monna Vanna” i została namalowana przez mało znanego artystę Salai, który był uczniem i opiekunem wielkiego Leonarda da Vinci. Wielu historyków sztuki jest przekonanych, że to on był wzorem dla obrazów Leonarda „Jan Chrzciciel” i „Bachus”. Istnieją również wersje, w których Salai ubrana w kobiecy strój służyła jako wizerunek samej Mony Lisy.
Stary rybak
W 1902 roku węgierski artysta Tivadar Kostka Csontvary namalował obraz „ Stary rybak" Wydawać by się mogło, że w obrazie nie ma nic niezwykłego, jednak Tivadar umieścił w nim podtekst, który nigdy nie został ujawniony za życia artysty.
Niewiele osób myślało o umieszczeniu lustra na środku obrazu. W każdej osobie może być zarówno Bóg (zduplikowane jest prawe ramię Starego Człowieka), jak i Diabeł (zduplikowane jest lewe ramię Starego Człowieka).
Czy był wieloryb?
Hendrik van Antonissen, Scena na brzegu.
Wydawałoby się, że zwyczajny krajobraz. Łodzie, ludzie na brzegu i bezludne morze. I dopiero badanie rentgenowskie wykazało, że ludzie gromadzili się na brzegu nie bez powodu - w oryginale oglądali zwłoki wieloryba wyrzuconego na brzeg.
Artysta jednak zdecydował, że nikt nie będzie chciał patrzeć na martwego wieloryba, i przepisał obraz.
Dwa „Śniadania na trawie”
Edouard Manet, „Obiad na trawie”, 1863.
Claude Monet, „Obiad na trawie”, 1865.
Artyści Edouard Manet i Claude Monet są czasami zdezorientowani - w końcu obaj byli Francuzami, żyli w tym samym czasie i pracowali w stylu impresjonizmu. Monet zapożyczył nawet tytuł jednego z najsłynniejszych obrazów Maneta „Obiad na trawie” i napisał własny „Obiad na trawie”.
Podwaja się podczas Ostatniej Wieczerzy
Leonardo da Vinci, „Ostatnia wieczerza”, 1495-1498.
Pisząc Ostatnią Wieczerzę Leonardo da Vinci przywiązywał szczególną wagę do dwóch postaci: Chrystusa i Judasza. Bardzo długo szukał dla nich modeli. Wreszcie udało mu się znaleźć wzór obrazu Chrystusa wśród młodych śpiewaków. Leonardo przez trzy lata nie mógł znaleźć wzoru dla Judasza. Ale pewnego dnia natknął się na pijaka, który leżał w rynsztoku. Był to młody człowiek, który postarzał się wskutek intensywnego picia. Leonardo zaprosił go do tawerny, gdzie od razu zaczął malować z niego Judasza. Kiedy pijak opamiętał się, powiedział artyście, że już raz mu pozował. Było to kilka lat temu, gdy śpiewał w chórze kościelnym, Leonardo namalował z niego Chrystusa.
„Straż nocna” czy „Straż dzienna”?
Rembrandt, „Nocna straż”, 1642.
Jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandta „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenburga” wisiał w różnych pokojach przez około dwieście lat i został odkryty przez historyków sztuki dopiero w XIX wieku. Ponieważ postacie zdawały się pojawiać na ciemnym tle, nazwano go „Nocną Strażą” i pod tą nazwą wszedł do skarbnicy sztuki światowej.
I dopiero podczas renowacji przeprowadzonej w 1947 roku odkryto, że w holu obraz zdążył pokryć się warstwą sadzy, co zniekształciło jego kolorystykę. Po oczyszczeniu oryginalne malowanie Ostatecznie wyszło na jaw, że scena przedstawiona przez Rembrandta faktycznie rozgrywa się w dzień. Położenie cienia z lewej ręki Kapitana Koka pokazuje, że czas akcji nie przekracza 14 godzin.
Przewrócona łódź
Henri Matisse, „Łódź”, 1937.
W Muzeum Nowego Jorku Sztuka współczesna w 1961 r. wystawiono obraz Henriego Matisse'a „Łódź”. Dopiero po 47 dniach ktoś zauważył, że obraz wisiał do góry nogami. Płótno przedstawia 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Artysta nie bez powodu namalował dwa żagle, drugi żagiel jest odbiciem pierwszego na powierzchni wody.
Aby nie popełnić błędu w sposobie zawieszenia obrazu, należy zwrócić uwagę na szczegóły. Większy żagiel powinien znajdować się na górze obrazu, a szczyt żagla obrazu powinien znajdować się w kierunku prawego górnego rogu.
Oszustwo w autoportrecie
Vincent van Gogh, „Autoportret z fajką”, 1889.
Istnieją legendy, że Van Gogh rzekomo odciął sobie ucho. Najbardziej wiarygodna wersja mówi, że van Gogh uszkodził sobie ucho podczas małej bójki z udziałem innego artysty, Paula Gauguina.
Autoportret jest o tyle ciekawy, że odzwierciedla rzeczywistość w zniekształconej formie: artysta ukazany jest z zabandażowanym prawym uchem, gdyż podczas pracy korzystał z lustra. W rzeczywistości dotknięte było lewe ucho.
Obce niedźwiedzie
Iwan Szyszkin, „Poranek w sosnowym lesie”, 1889.
Słynny obraz należy nie tylko do Szyszkina. Wielu zaprzyjaźnionych ze sobą artystów często korzystało z „pomocy przyjaciela”, a Iwan Iwanowicz, który przez całe życie malował pejzaże, obawiał się, że jego dotykające się niedźwiedzie nie wyjdą tak, jak chciał. Dlatego Szyszkin zwrócił się do swojego przyjaciela, artysty zwierząt Konstantina Savickiego.
Savitsky narysował prawdopodobnie najlepsze niedźwiedzie w historii Malarstwo rosyjskie, a Tretiakow nakazał zmyć jego imię z płótna, ponieważ wszystko w obrazie „od koncepcji po wykonanie, wszystko mówi o sposobie malowania, o metoda twórcza, charakterystyczne dla Szyszkina.”
Niewinna historia „Gothica”
Granta Wooda”, amerykański gotyk", 1930.
Twórczość Granta Wooda uznawana jest za jedną z najdziwniejszych i najbardziej przygnębiających w historii. Malarstwo amerykańskie. Obraz z ponurym ojcem i córką jest wypełniony szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i wsteczny charakter przedstawionych ludzi.
Tak naprawdę artysta nie miał zamiaru przedstawiać żadnych horrorów: podczas podróży do Iowa zauważył mały dom styl gotycki i postanowił sportretować te osoby, które jego zdaniem idealnie nadawałyby się na mieszkańców. Siostra Granta i jego dentysta zostają uwiecznieni jako bohaterowie, którymi mieszkańcy Iowa byli tak urażeni.
Zemsta Salvadora Dali
Obraz „Postać w oknie” został namalowany w 1925 roku, gdy Dali miał 21 lat. Gala nie była jeszcze wówczas obecna w życiu artysty, a jego muzą była jego siostra Ana Maria. Relacje między bratem i siostrą uległy pogorszeniu, gdy na jednym z obrazów napisał: „Czasami pluję na portret własnej matki i sprawia mi to przyjemność”. Ana Maria nie mogła wybaczyć tak szokującego zachowania.
W swojej książce Salvador Dali oczami siostry z 1949 roku pisze o swoim bracie bez żadnych pochwał. Książka rozwścieczyła Salvadora. Przez kolejne dziesięć lat wspominał ją ze złością przy każdej okazji. I tak w 1954 roku ukazał się obraz „Młoda dziewica oddając się grzechowi sodomii za pomocą rogów własnej czystości”. Postawa kobiety, jej loki, pejzaż za oknem i kolorystyka obrazu wyraźnie nawiązują do „Postać w oknie”. Istnieje wersja, w której Dali zemścił się na swojej siostrze za jej książkę.
Danae o dwóch twarzach
Rembrandt Harmens van Rijn, „Danae”, 1636 - 1647.
Wiele tajemnic jednego z najsłynniejszych obrazów Rembrandta wyszło na jaw dopiero w latach 60. XX wieku, kiedy płótno zostało oświetlone zdjęcia rentgenowskie. Na przykład filmowanie pokazało, że we wczesnej wersji pojawiła się twarz księżniczki romans u Zeusa była podobna do twarzy Saskii, żony malarza, zmarłej w 1642 roku. W ostatecznej wersji obrazu zaczął on przypominać twarz Gertje Dirks, kochanki Rembrandta, z którą artysta zamieszkał po śmierci żony.
Żółta sypialnia Van Gogha
Vincent Van Gogh, „Sypialnia w Arles”, 1888 - 1889.
W maju 1888 roku Van Gogh nabył małą pracownię w Arles na południu Francji, gdzie uciekł przed paryskimi artystami i krytykami, którzy go nie rozumieli. W jednym z czterech pokoi Vincent urządza sypialnię. W październiku wszystko jest już gotowe i postanawia namalować „Sypialnię Van Gogha w Arles”. Dla artysty bardzo ważny był kolor i wygoda pomieszczenia: wszystko musiało przywoływać na myśl o relaksie. Jednocześnie obraz jest utrzymany w niepokojących żółtych odcieniach.
Badacze twórczości Van Gogha tłumaczą to faktem, że artysta zażywał naparstnicę, lek na epilepsję, który powoduje poważne zmiany w postrzeganiu koloru przez pacjenta: cała otaczająca rzeczywistość jest pomalowana na odcienie zieleni i żółci.
Bezzębna doskonałość
Leonardo da Vinci, „Portret Lady Lisy del Giocondo”, 1503 - 1519.
Powszechnie panuje opinia, że Mona Lisa jest perfekcją, a jej uśmiech jest piękny w swojej tajemniczości. Jednak amerykański krytyk sztuki (i dentysta na pół etatu) Joseph Borkowski uważa, że sądząc po wyrazie twarzy, bohaterka straciła wiele zębów. Studiując powiększone fotografie arcydzieła Borkowski odkrył także blizny wokół ust. „Uśmiecha się” właśnie z powodu tego, co ją spotkało – uważa ekspert. „Wyraz jej twarzy jest typowy dla ludzi, którzy stracili przednie zęby”.
Specjalizacja w kontroli twarzy
Paweł Fedotow, „Swatanie majora”, 1848.
Publiczność, która po raz pierwszy zobaczyła obraz „Major's Matchmaking”, roześmiała się serdecznie: artysta Fiedotow wypełnił go ironicznymi szczegółami, które były zrozumiałe dla ówczesnej publiczności. Na przykład major wyraźnie nie zna zasad etykiety szlacheckiej: pojawił się bez wymaganych bukietów dla panny młodej i jej matki. A jej kupieccy rodzice sami ubrali pannę młodą w wieczorową suknię balową, chociaż był dzień (wszystkie lampy w pokoju były zgaszone). Dziewczyna najwyraźniej po raz pierwszy przymierzyła głęboko wyciętą sukienkę, jest zawstydzona i próbuje uciec do swojego pokoju.
Dlaczego Liberty jest naga?
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, „Wolność na barykadach”, 1830.
Zdaniem krytyka sztuki Etienne Julie Delacroix wzorował twarz kobiety na słynnej paryskiej rewolucjonistce – praczce Annie-Charlotte, która po śmierci brata z rąk królewskich żołnierzy poszła na barykady i zabiła dziewięciu gwardzistów. Artysta przedstawił ją z nagimi piersiami. Według jego planu jest to symbol nieustraszoności i bezinteresowności, a także triumfu demokracji: naga pierś pokazuje, że Liberty jako zwykły człowiek nie nosi gorsetu.
Kwadrat niekwadratowy
Kazimierz Malewicz, „Czarny plac suprematystyczny", 1915.
Tak naprawdę „Czarny kwadrat” wcale nie jest czarny i wcale nie jest kwadratowy: żaden z boków czworokąta nie jest równoległy do żadnego z pozostałych boków, ani do żadnego boku kwadratowej ramy otaczającej obraz. A ciemny kolor- to wynik zmieszania różne kolory, wśród których nie było czarnego. Uważa się, że nie było to zaniedbanie autora, ale pryncypialne stanowisko, chęć stworzenia dynamicznej, poruszającej formy.
Specjaliści z Galerii Trietiakowskiej odkryli autorski napis na słynnym obrazie Malewicza. Napis głosi: „Bitwa Czarnych w ciemnej jaskini”. To zdanie nawiązuje do tytułu humorystycznego obrazu francuskiego dziennikarza, pisarza i artysty Alphonse’a Allaisa „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini”. późno w nocy", który był całkowicie czarnym prostokątem.
Melodramat austriackiej Mony Lisy
Gustav Klimt, „Portret Adele Bloch-Bauer”, 1907.
Jeden z najważniejszych obrazów Klimta przedstawia żonę austriackiego magnata cukrowniczego Ferdinada Blocha-Bauera. Cały Wiedeń dyskutował burzliwy romans Adele i sławny artysta. Ranny mąż chciał zemścić się na swoich kochankach, ale wybrał bardzo nietypowy sposób: postanowił zamówić u Klimta portret Adele i zmusić go do wykonania setek szkiców, aż artysta zaczął na nią wymiotować.
Bloch-Bauer chciał, aby praca trwała kilka lat, aby opiekunka mogła zobaczyć, jak słabną uczucia Klimta. Złożył artyście hojną ofertę, której nie mógł odmówić, i wszystko potoczyło się zgodnie ze scenariuszem oszukanego męża: praca została ukończona w ciągu 4 lat, kochankowie już dawno się ochłodzili. Adele Bloch-Bauer nigdy nie wiedziała, że jej mąż był świadomy jej związku z Klimtem.
Obraz, który przywrócił Gauguina do życia
Paul Gauguin, „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?”, 1897-1898.
Najbardziej sławny obraz Gauguin ma jedną osobliwość: „czyta się” go nie od lewej do prawej, ale od prawej do lewej, jak teksty kabalistyczne, którymi interesował się artysta. W tej kolejności rozwija się alegoria życia duchowego i fizycznego człowieka: od narodzin duszy (śpiące dziecko w prawym dolnym rogu) do nieuchronności godziny śmierci (ptak z jaszczurką w szponach w lewy dolny róg).
Obraz został namalowany przez Gauguina na Tahiti, gdzie artysta kilkakrotnie uciekał przed cywilizacją. Ale tym razem życie na wyspie nie ułożyło się: totalna bieda doprowadziła go do depresji. Po ukończeniu płótna, które miało stać się jego duchowym testamentem, Gauguin wziął skrzynkę z arszenikiem i udał się w góry, aby umrzeć. Nie obliczył jednak dawki i samobójstwo się nie powiodło. Następnego ranka pojechał do swojej chaty i zasnął, a gdy się obudził, poczuł zapomniane pragnienie życia. A w 1898 roku jego działalność zaczęła się poprawiać i rozpoczął się w jego pracy jaśniejszy okres.
112 przysłów na jednym obrazku
Pieter Bruegel Starszy, „Przysłowia holenderskie”, 1559
Pieter Bruegel Starszy przedstawił krainę zamieszkałą przez dosłowne obrazy holenderskich przysłów tamtych czasów. Obraz zawiera około 112 rozpoznawalnych idiomów. Niektóre z nich są stosowane do dziś, np.: „płynie pod prąd”, „walenie głową w mur”, „uzbrojenie po zęby” czy „uzbrojenie po zęby”. Duża ryba zjada małego.”
Inne przysłowia odzwierciedlają ludzką głupotę.
Subiektywność sztuki
Paul Gauguin, " Wieś bretońska pod śniegiem”, 1894
Obraz Gauguina „Bretońska wioska w śniegu” został sprzedany po śmierci autora za jedyne siedem franków i w dodatku pod tytułem „ wodospad Niagara" Mężczyzna prowadzący aukcję przez przypadek powiesił obraz do góry nogami, bo zobaczył na nim wodospad.
Ukryty obraz
Pablo Picasso, „Niebieski pokój”, 1901
W 2008 roku promieniowanie podczerwone ujawniło, że pod Błękitnym Pokojem ukryty był kolejny obraz – portret mężczyzny ubranego w garnitur z muszką i opierającego głowę na dłoni. „Tak szybko, jak Picasso nowy pomysł, wziął pędzel i ucieleśnił go. Ale nie miał możliwości zakupu nowe płótno za każdym razem, gdy odwiedzała go muza” – wyjaśnia możliwa przyczyna krytyk sztuki Patricia Favero.
Niedostępne Marokańczycy
Zinaida Serebryakova, „Nago”, 1928
Pewnego dnia Zinaida Serebryakova otrzymała kuszącą ofertę – wyjazdu twórcza podróż przedstawiać nagie postacie orientalnych dziewcząt. Okazało się jednak, że w tych miejscach po prostu nie da się znaleźć modeli. Z pomocą przyszedł tłumacz Zinaidy – przyprowadził do niej swoje siostry i narzeczoną. Nikomu wcześniej ani później nie udało się uchwycić zamknięcia orientalne kobiety nagi.
Spontaniczny wgląd
Walentin Sierow, „Portret Mikołaja II w marynarce”, 1900
Przez długi czas Sierow nie mógł namalować portretu cara. Kiedy artysta całkowicie się poddał, przeprosił Nikołaja. Nikołaj był trochę zdenerwowany, usiadł przy stole i wyciągnął przed siebie ramiona... I wtedy dotarło do artysty - oto obraz! Prosty wojskowy w kurtce oficerskiej o jasnych i smutnych oczach. Ten portret jest brany pod uwagę najlepszy obraz ostatni cesarz.
Kolejny dwójka
© Fedor Reshetnikov
Słynny obraz „Deuce Again” to dopiero druga część artystycznej trylogii.
Pierwsza część to „Przyjechałem na wakacje”. Oczywiście zamożna rodzina, ferie zimowe, radosny, doskonały student.
Druga część to „Znowu dwójka”. Biedna rodzina z robotniczych przedmieść, szczyt roku szkolnego, przygnębiony idiota, który znów dostał złą ocenę. W lewym górnym rogu widać obraz „Przybył na wakacje”.
Trzecia część to „Ponowne badanie”. Dom na wsi, lato, wszyscy chodzą, jeden złośliwy ignorant, który nie zdał rocznego egzaminu, zostaje zmuszony do siedzenia cztery ściany i wkuwać. W lewym górnym rogu widać obraz „Deuce Again”.
Jak rodzą się arcydzieła
Joseph Turner, Deszcz, para i prędkość, 1844
W 1842 roku pani Simon podróżowała pociągiem po Anglii. Nagle zaczęła się silna ulewa. Starszy pan siedzący naprzeciw niej wstał, otworzył okno, wystawił głowę na zewnątrz i patrzył przez około dziesięć minut. Nie mogąc powstrzymać ciekawości, kobieta również otworzyła okno i zaczęła patrzeć przed siebie. Rok później na wystawie w Królewskiej Akademii Sztuk odkryła obraz „Deszcz, para i prędkość” i rozpoznała w nim ten sam epizod w pociągu.
Lekcja anatomii od Michała Anioła
Michał Anioł, „Stworzenie Adama”, 1511
Para amerykańskich ekspertów w dziedzinie neuroanatomii uważa, że Michał Anioł rzeczywiście pozostawił po sobie pewne ilustracje anatomiczne w jednym ze swoich najsłynniejszych dzieł. Wierzą, że prawa strona obrazu przedstawia ogromny mózg. Co zaskakujące, można znaleźć nawet złożone elementy, takie jak móżdżek, nerwy wzrokowe i przysadka mózgowa. A przyciągająca wzrok zielona wstążka idealnie komponuje się z położeniem tętnicy kręgowej.
„Ostatnia wieczerza” Van Gogha
Vincent Van Gogh, Taras kawiarni nocą, 1888
Badacz Jared Baxter uważa, że obraz Van Gogha „Taras kawiarni nocą” zawiera zaszyfrowaną dedykację dla „Ostatniej wieczerzy” Leonarda da Vinci. W centrum obrazu stoi kelner z długie włosy i w białej tunice przypominającej szaty Chrystusa, a wokół niego jest dokładnie 12 gości kawiarni. Baxter zwraca także uwagę na umieszczony bezpośrednio za kelnerem krzyż w kolorze białym.
Obraz pamięci Dali
Salvador Dali, „Trwałość pamięci”, 1931
Nie jest tajemnicą, że myśli, które nawiedziły Dali podczas tworzenia jego arcydzieł, zawsze miały formę bardzo realistycznych obrazów, które artysta następnie przeniósł na płótno. Zatem, według samego autora, obraz „Trwałość pamięci” powstał w wyniku skojarzeń, jakie narosły na widok sera topionego.
O czym Munch krzyczy?
Edvard Munch, „Krzyk”, 1893.
Munch opowiadał o idei jednego z najbardziej tajemniczych obrazów w malarstwie światowym: „Szedłem z dwoma przyjaciółmi ścieżką – słońce zachodziło – nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, wyczerpany, oparłem się o płot – patrzyłem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miastem – moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałem drżący z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę.” Ale jaki zachód słońca mógł tak przestraszyć artystę?
Istnieje wersja, że pomysł na „Krzyk” narodził się u Muncha w 1883 roku, kiedy miało miejsce kilka potężnych erupcji wulkanu Krakatoa – tak potężnych, że zmieniły temperaturę ziemskiej atmosfery o jeden stopień. Po całym pomieszczeniu unosiły się ogromne ilości kurzu i popiołu na globus docierając nawet do Norwegii. Przez kilka wieczorów z rzędu zachody słońca wyglądały, jakby miała nadejść apokalipsa – jeden z nich stał się źródłem inspiracji dla artysty.
Pisarz wśród ludzi
Aleksander Iwanow, „Pojawienie się Chrystusa ludowi”, 1837-1857.
Dziesiątki modelek pozowało Aleksandrowi Iwanowowi do jego zdjęcia główne zdjęcie. Jeden z nich jest znany nie mniej niż sam artysta. W tle, wśród podróżników i jeźdźców rzymskich, którzy nie słyszeli jeszcze kazania Jana Chrzciciela, widać postać w tunice. Iwanow napisał to od Mikołaja Gogola. Pisarz utrzymywał ścisły kontakt z artystą we Włoszech, zwłaszcza w kwestiach religijnych i udzielał mu rad podczas procesu malowania. Gogol uważał, że Iwanow „już dawno umarł za cały świat, z wyjątkiem swojej pracy”.
Dna Michała Anioła
Rafaela Santi”, Szkoła ateńska", 1511.
Tworząc słynny fresk „Szkoła ateńska”, Rafael uwiecznił na obrazach swoich przyjaciół i znajomych starożytni filozofowie greccy. Jednym z nich był Michelangelo Buonarotti „w roli” Heraklita. Przez kilka stuleci fresk skrywał tajemnice życie osobiste Michał Anioł i współcześni badacze przyjęli założenie, że dziwnie kanciaste kolano artysty wskazuje na chorobę stawów.
Jest to całkiem prawdopodobne, biorąc pod uwagę specyfikę stylu życia i warunków pracy artystów renesansu oraz chroniczny pracoholizm Michała Anioła.
Lustro pary Arnolfinich
Jan van Eyck, „Portret pary Arnolfinich”, 1434
W lustrze za parą Arnolfinich widać odbicie dwóch kolejnych osób w pokoju. Najprawdopodobniej są to świadkowie obecni przy zawarciu umowy. Jednym z nich jest van Eyck, o czym świadczy łaciński napis umieszczony wbrew tradycji nad lustrem w centrum kompozycji: „Jan van Eyck był tutaj”. W ten sposób zazwyczaj zawierano umowy.
Jak wada zamieniła się w talent
Rembrandt Harmens van Rijn, Autoportret w wieku 63 lat, 1669.
Badaczka Margaret Livingston przestudiowała wszystkie autoportrety Rembrandta i odkryła, że artysta cierpiał na zez: na obrazach jego oczy patrzą w różnych kierunkach, czego nie obserwuje się na portretach innych osób autorstwa mistrza. Choroba sprawiła, że artysta potrafi lepiej postrzegać rzeczywistość w dwóch wymiarach niż osoby o prawidłowym wzroku. Zjawisko to nazywane jest „ślepotą stereo” – niemożnością zobaczenia świata w 3D. Ale ponieważ malarz musi pracować dwuwymiarowy obraz, to właśnie ta wada Rembrandta mogła być jednym z wyjaśnień jego fenomenalnego talentu.
Bezgrzeszna Wenus
Sandro Botticelli, „Narodziny Wenus”, 1482-1486.
Przed pojawieniem się „Narodzin Wenus” wizerunek nagiego kobiece ciało w malarstwie symbolizował jedynie ideę grzechu pierworodnego. Sandro Botticelli był pierwszym z europejskich malarzy, który nie znalazł w nim nic grzesznego. Co więcej, historycy sztuki są tego pewni pogańska bogini symbolizuje miłość na fresku chrześcijański wizerunek: jej pojawienie się jest alegorią odrodzenia duszy, która przeszła rytuał chrztu.
Lutniarz czy lutnista?
Michelangelo Merisi da Caravaggio, „Lutnista”, 1596.
Przez długi czas obraz był wystawiany w Ermitażu pod tytułem „Lutnista”. Dopiero na początku XX wieku historycy sztuki zgodzili się, że obraz przedstawia młodego mężczyznę (pozował mu prawdopodobnie znajomy Caravaggia, artysta Mario Minniti): na notatkach przed muzykiem widać nagranie basu wers madrygału Jakuba Arkadelta „Wiesz, że cię kocham”. Kobieta nie mogłaby dokonać takiego wyboru - po prostu ciężko jest jej w gardle. Poza tym lutnia, podobnie jak skrzypce na samym brzegu obrazu, w czasach Caravaggia uważana była za instrument męski.
W artykule zaprezentowano 22 obrazy z różnych czasów, będące arcydziełami malarstwa światowego i będące własnością całej ludzkości.
Zdjęcie nr 1.
Obraz przechowywany jest w Luwrze w Paryżu we Francji. Być może Mona Lisa nie zyskałaby światowej sławy, gdyby nie została skradziona w 1911 roku przez pracownika Luwru. Obraz odnaleziono dwa lata później w: Złodziej odpowiedział na ogłoszenie w gazecie i zaproponował, że sprzeda „La Giocondę” dyrektorowi Galerii Uffizi. Przez cały czas trwania śledztwa „Mona Lisa” nie schodziła z okładek gazet i czasopism na całym świecie, stając się obiektem kopiowania i kultu.
Zdjęcie nr 2. 
Obraz przechowywany jest w klasztorze Santa Maria delle Grazie w Mediolanie.
W ciągu ponad 500-letniego istnienia dzieła fresk był wielokrotnie niszczony: w obrazie wycięto i następnie zamurowano drzwi wejściowe, refektarz klasztoru, w którym znajduje się obraz, służył jako zbrojownia, więzienie, i został zbombardowany. Słynny fresk był odnawiany co najmniej pięć razy, a ostatnia renowacja trwała 21 lat. Dziś, aby obejrzeć dzieło, zwiedzający muszą zarezerwować bilety z wyprzedzeniem, a w refektarzu mogą spędzić tylko 15 minut.
Zdjęcie nr 3. 
Utwór jest przechowywany w państwie Galeria Trietiakowska w mieście Moskwie.
Ikona Trójcy Świętej, namalowana przez Andrieja Rublowa w XV wieku, jest jedną z najsłynniejszych ikon rosyjskich. Ikona to tablica w formacie pionowym. Królowie (Iwan Groźny, Borys Godunow, Michaił Fiodorowicz) „pokryli” ikonę złotem, srebrem i drogimi kamieniami. Dziś pensja jest przechowywana w Państwowym Rezerwacie Muzealnym Siergijewa Posada.
Zdjęcie nr 4. 
Obraz znajduje się we Florencji w Galerii Uffizi.
Praca ilustruje mit o narodzinach Afrodyty. Naga bogini podpływa do brzegu w otwartej skorupie, niesiona wiatrem. Po lewej stronie obrazu Zefir (zachodni wiatr) w ramionach swojej żony Chloris dmucha w muszlę, tworząc wiatr wypełniony kwiatami. Na brzegu boginię spotyka jedna z łask. Narodziny Wenus są dobrze zachowane dzięki temu, że Botticelli nałożył na obraz ochronną warstwę żółtka jaja.
Zdjęcie nr 5. 
Przechowywany w Kunsthistorisches Museum w Wiedniu.
Według autora obrazu niepowodzenie budowy Wieży Babel nie było spowodowane barierą językową, która zgodnie z biblijną historią nagle się pojawiła, ale błędami popełnionymi podczas budowy. Na pierwszy rzut oka ogromna konstrukcja wydaje się dość mocna, ale po bliższym przyjrzeniu się staje się jasne, że wszystkie kondygnacje są ułożone nierównomiernie, dolne piętra są albo niedokończone, albo już się zawalają, sam budynek przechyla się w stronę miasta, a perspektywy na cały projekt jest bardzo smutny.
Zdjęcie nr 6. 
Obraz przechowywany jest w Muzeum Puszkina, Moskwa.
Obraz trafił do Rosji za sprawą przemysłowca Iwana Abramowicza Morozowa, który kupił go w 1913 roku za 16 000 franków. W 1918 r. znacjonalizowano zbiory osobiste I. A. Morozowa. Obecnie obraz znajduje się w zbiorach Państwowego Muzeum Sztuk Pięknych im. A.S. Puszkin.
Zdjęcie nr 7. 
Obraz znajduje się w Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.
„Poranek w sosnowym lesie” to obraz rosyjskich artystów Iwana Szyszkina i Konstantina Sawickiego. Savitsky namalował niedźwiedzie, ale kolekcjoner Paweł Tretiakow, kiedy nabył obraz, usunął jego podpis, więc teraz jako autora obrazu wskazany jest sam Szyszkin.
Zdjęcie nr 8. 
Obraz Aiwazowskiego przechowywany jest w Petersburgu w Ruskim Muzeum Państwowe.
Iwan Aiwazowski to światowej sławy rosyjski malarz morski, który poświęcił swoje życie przedstawianiu morza. Stworzył około sześciu tysięcy dzieł, z których każde zyskało uznanie za życia artysty. Obraz „Dziewiąta fala” znajduje się w książce „100 wielkich obrazów”.
Zdjęcie nr 9. 
Obraz przechowywany jest w Luwrze w Paryżu.
Delacroix napisał dzieło oparte na rewolucji lipcowej 1830 roku we Francji. W liście do brata z 12 października 1830 roku Delacroix pisze: „Jeśli nie walczyłem za Ojczyznę, to przynajmniej będę dla niej pisał”. Naga klatka piersiowa prowadząca lud symbolizuje poświęcenie ówczesnego narodu francuskiego, który z nagą klatką piersiową ruszył przeciwko wrogowi.
Zdjęcie nr 10. 
Arcydzieło przechowywane jest w Rijksmuseum w Amsterdamie.
Oryginalny tytuł dzieła Rembrandta brzmi „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenburga”. Historycy sztuki, którzy odkryli obraz w XIX wieku, uważali, że postacie wyróżniają się na ciemnym tle, dlatego nazwano go „Nocną Strażą”. Później odkryto, że warstwa sadzy powoduje, że obraz jest ciemny, choć akcja tak naprawdę rozgrywa się w dzień. Jednak obraz znalazł się już w skarbnicy sztuki światowej pod nazwą „Nocna straż”.
Zdjęcie #11. 
Obraz przechowywany jest w Ermitażu w Petersburgu.
Oryginalny tytuł obrazu brzmiał „Madonna z Dzieciątkiem”. Współczesna nazwa obrazu pochodzi od nazwiska jego właściciela – hrabiego Litty, właściciela rodzinnej galerii sztuki w Mediolanie. Istnieje przypuszczenie, że postać dziecka nie została namalowana przez Leonarda da Vinci, ale należy do pędzla jednego z jego uczniów. Świadczy o tym poza dziecka, dostosowana do stylu autora.
Zdjęcie nr 12. 
Obraz znajduje się w Państwowej Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.
Opiera się na bajce „O siostrze Alyonuszce i bracie Iwanuszce”. Początkowo obraz Wasnetsowa nazywał się „Głupiec Alyonushka”. W tamtych czasach sieroty nazywano „głupcami”. „Alyonushka” – powiedział później sam artysta – „wydawało się, że żyła w mojej głowie przez długi czas, ale w rzeczywistości widziałem ją w Achtyrce, kiedy spotkałem jedną prostowłosą dziewczynę, która zawładnęła moją wyobraźnią. W jej oczach było tyle melancholii, samotności i czysto rosyjskiego smutku... Emanowała z niej jakaś szczególna rosyjska dusza.
Zdjęcie #13. 
Dzieło przechowywane jest w Alte Pinakothek w Monachium.
Obraz „Gwałt na córkach Leucypa” uważany jest za uosobienie męskiej namiętności i fizycznego piękna. Silne, muskularne ramiona młodych mężczyzn podnoszą młode nagie kobiety i wsadzają je na konie. Synowie Zeusa i Ledy kradną narzeczone swoim kuzynom.
Zdjęcie nr 14. 
Obraz znajduje się w Państwowym Muzeum Rosyjskim w Petersburgu.
Obraz przedstawia słynną erupcję Wezuwiusza w 79 r. n.e. mi. i zniszczenie Pompejów pod Neapolem. Wizerunek artysty w lewym rogu obrazu jest autoportretem autora.
Zdjęcie nr 15. 
Obraz znajduje się w Galerii Starych Mistrzów w Dreźnie w Niemczech.
Obraz skrywa małą tajemnicę: tło, które z daleka wydaje się być chmurami, po bliższym przyjrzeniu się okazuje się, że są to głowy aniołów. A dwa anioły przedstawione na poniższym zdjęciu stały się motywem licznych pocztówek i plakatów.
Zdjęcie #16. 
Obraz przechowywany jest w Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.
Fabuła dzieła inspirowana jest wierszem Lermontowa „Demon”. Demon jest obrazem siły ludzkiego ducha, wewnętrznej walki, zwątpienia. Tragicznie załamując ręce, Demon siedzi ze smutnymi, wielkimi oczami skierowanymi w dal, otoczony niespotykanymi rzeczami.
Zdjęcie nr 17. 
Obraz można podziwiać w Państwowej Galerii Trietiakowskiej.
Artysta malował ten obraz przez kilka miesięcy. Następnie Kazimierz Malewicz wykonał kilka kopii „Czarnego kwadratu” (według niektórych źródeł siedem). Według jednej wersji artysta nie był w stanie ukończyć obrazu w terminie, dlatego musiał pokryć dzieło czarną farbą. Następnie, po publicznym uznaniu, Malewicz namalował na pustych płótnach nowe „Czarne kwadraty”. Malewicz namalował także „Kwadrat Czerwony” (w dwóch egzemplarzach) i jeden „Kwadrat Biały”.
Zdjęcie #18. 
Obraz znajduje się w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku.
Według samego autora obraz powstał w wyniku skojarzeń, jakie Dali miał z widokiem sera topionego. Wracając z kina, do którego poszła tego wieczoru, Gala całkiem słusznie przewidziała, że nikt, kto obejrzy Trwanie pamięci, nie zapomni o tym. Zdjęcie #19. 
Obraz przechowywany jest w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku.
W przeciwieństwie do większości obrazów artysty, „Gwiaździsta noc” została namalowana z pamięci. Van Gogh przebywał w tym czasie w szpitalu Saint-Rémy, dręczony atakami szaleństwa. Zdjęcie nr 20. 
Fresk znajduje się w Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie.
Obraz „Stworzenie Adama” jest czwartą z dziewięciu centralnych kompozycji sufitu Kaplica Sykstyńska, poświęcony dziewięciu opowieściom z Księgi Rodzaju. Fresk ilustruje epizod: „I Bóg stworzył człowieka na swój obraz”
Zdjęcie nr 21. 
Obraz znajduje się w Muzeum Marmottan w Paryżu.
Tytuł dzieła „Impresja, soleil levant”, dzięki lekkiej ręce dziennikarza L. Leroya, stał się nazwą ruchu artystycznego „impresjonizm”. Obraz powstał z życia na starym przedmieściu Le Havre we Francji.
Zdjęcie #22. 
Obraz znajduje się w Courtauld Institute of Art w Londynie.
Folies Bergere to paryski program rozrywkowy i kabaret. Manet często odwiedzał Folies Bergere i ostatecznie namalował ten obraz, ostatni przed śmiercią w 1883 roku. Za barem, pośrodku tłumu pijącego, jedzącego, rozmawiającego i palącego, stoi pogrążona we własnych myślach barmanka, obserwując akrobatę na trapezie, którego widać w lewym górnym rogu zdjęcia.
W kontakcie z
Strona prezentuje najwięcej znane obrazy Rosyjscy artyści XIX wieku z nazwiskami i opisami
Różnorodne malarstwo rosyjskich artystów od początku XIX wieku przyciąga uwagę w świecie krajowym swoją oryginalnością i wszechstronnością. sztuki piękne. Mistrzowie malarstwa tamtych czasów nie przestali zadziwiać swoim wyjątkowym podejściem do tematu i pełnym szacunku podejściem do uczuć ludzi, rodzima przyroda. W XIX wieku często malowano kompozycje portretowe z niesamowitym połączeniem emocjonalnego obrazu i epicko spokojnego motywu.
Obrazy rosyjskich artystów są wspaniałe pod względem umiejętności i naprawdę piękne w odbiorze, zdumiewająco dokładnie odzwierciedlając oddech swoich czasów, niepowtarzalny charakter ludzi i ich pragnienie piękna.
Najpopularniejsze płótna rosyjskich malarzy: Aleksandra Iwanowa - jasny przedstawiciel malowniczy kierunek biblijny, opowiadający barwami epizody z życia Jezusa Chrystusa.
Karl Bryullov – malarz popularny w swoich czasach, jego kierunek malarstwo historyczne, motywy portretowe, dzieła romantyczne.
Malarz morski Iwan Aiwazowski, jego obrazy doskonale i można powiedzieć, że po prostu niezrównanie odzwierciedlają piękno morza z przezroczystymi falami, morskimi zachodami słońca i żaglówkami.
Prace wyróżniają się wyjątkową wszechstronnością słynny Ilia Repin, który stworzył gatunek i dzieła monumentalne odzwierciedlające życie ludzi.
Bardzo malownicze i obrazy wielkoformatowe dla artysty Wasilija Surikowa opis historii Rosji jest jego kierunkiem, w którym artysta podkreślił epizody kolorami ścieżka życia Rosjanie.
Każdy artysta jest wyjątkowy, na przykład wyjątkowy w swoim własnym stylu malarz bajki i eposy Wiktora Wasnetsowa to zawsze bogate i jasne, romantyczne obrazy, których bohaterami jesteśmy wszyscy znani bohaterowie ludowe opowieści.
Każdy artysta jest wyjątkowy, na przykład malarski mistrz baśni i eposów Wiktor Wasniecow, wyjątkowy w swoim stylu - są to zawsze bogate i jasne, romantyczne płótna, których bohaterami są bohaterowie znanych nam wszystkim opowieści ludowych. Obrazy artysty Wasilija Surikowa są bardzo malownicze i wielkoformatowe, jego kierunkiem jest opis historii Rosji, w którym artysta podkreślił w malarstwie epizody ze ścieżki życiowej narodu rosyjskiego.
W malarstwie rosyjskim XIX wieku pojawił się taki ruch, jak realizm krytyczny, podkreślając w fabułach kpinę, satyrę i humor. Był to oczywiście nowy trend, na który nie każdy artysta mógł sobie pozwolić. W tym kierunku zdecydowali się tacy artyści jak Pavel Fedotov i Wasilij Perow
Swoją niszę zajęli także artyści krajobrazu tamtych czasów, a wśród nich Izaak Lewitan, Aleksiej Sawrasow, Arkhip Kuindzhi, Wasilij Polenow, młody artysta Fiodor Wasiliew, malowniczy mistrz lasu, leśne polany z sosnami i brzozami z grzybami, Iwan Szyszkin . Wszystkie barwnie i romantycznie odzwierciedlały piękno rosyjskiej przyrody, której różnorodność form i obrazów wiąże się z kolosalnym potencjałem otaczającego świata.
Według Lewitana w każdej nucie rosyjskiej natury kryje się niepowtarzalna paleta barw, stąd ogromna swoboda twórcza. Być może w tym tkwi tajemnica, że płótna tworzone na rozległych przestrzeniach Rosji wyróżniają się pewną wyrafinowaną surowością, ale jednocześnie przyciągają dyskretnym pięknem, od którego trudno oderwać wzrok. Albo obraz Lewitana „Mlecze”, który wcale nie jest zawiły i raczej nie krzykliwy, zdaje się zachęcać widza do myślenia i dostrzegania piękna w prostocie.
Artyści to ludzie zdolny do języka obrazy i formy wizualne przemawiają publicznie do społeczeństwa. Jednak ich popularność i popyt wcale nie wydają się zależeć od talentu. Kto był najsłynniejszym artystą w historii?
Edouarda Maneta (1832-1883)
Edouard Manet był jednym z twórców impresjonizmu. Jego ścieżka twórcza jak na prawdziwego artystę przystało, nie należał do najłatwiejszych – obrazy wywoływały kontrowersje i skandale, w latach 60. XIX wieku wystawiał je w tzw. „Salonie Odrzuconych”. Była to wystawa alternatywna dla artystów, którzy nie zostali przyjęci do oficjalnego Salonu Paryskiego.Taki los spotkał film „Olimpia”, który zszokował publiczność. Pisali, że bohaterka płótna patrzy na widza z takim wyzwaniem i trzyma lewą rękę, jakby w tej dłoni był portfel, a samej bohaterce nie obchodzi, co o niej myślą. Obraz uznano za zbyt płaski, jego fabuła była wulgarna, a bohaterkę porównywano nawet do... samicy goryla. Kto by pomyślał, że po półtora stuleciu obraz ten stanie się jednym z najbardziej rozpoznawalnych na świecie!
Kazimierz Malewicz (1879-1935)
Co dziwne, najsłynniejszego rosyjskiego artystę można nazwać Kazimierzem Malewiczem. Pomimo tego, że rosyjska szkoła malarstwa nadała sztuce dziesiątki nazw - Repin, Aivazovsky, Vereshchagin i wielu innych - w pamięci masowej publiczności pozostał człowiek, który był raczej dekonstruktorem malarstwo klasyczne, a nie kontynuator swoich tradycji. 
Kazimierz Malewicz był twórcą suprematyzmu – a zatem w pewnym sensie ojcem całej sztuki współczesnej. Jego podręcznikowa praca „Czarny kwadrat” została wystawiona w 1915 roku i stała się dziełem programowym. Ale Malewicz nie jest jedynym znanym z „Czarnego kwadratu”: pracował jako scenograf przy groteskowych przedstawieniach Meyerholda, kierował pracownią plastyczną w Witebsku, gdzie inny wspaniały artysta- Marca Chagalla.
Vincent Van Gogh (1853-1890)
Świat zna postimpresjonistę Vincenta Van Gogha jako szaleńca i człowieka głęboko nieszczęśliwego, który jednocześnie pozostawił po sobie bogatą dziedzictwo kulturowe. Aktywnie pracował zaledwie nieco ponad 10 lat, ale w tym czasie udało mu się namalować ponad dwa tysiące płócien. Długotrwałą walkę z depresją przerywały jasne okresy; w drugiej połowie lat osiemdziesiątych XIX wieku Van Gogh przeprowadził się do Paryża i tam znalazł jedyne potrzebne mu krąg towarzyski – wśród podobnie myślących artystów. 
Opinia publiczna nie była jednak zachwycona obrazami Van Gogha, a obrazy nie sprzedawały się. Artysta ostatnie lata życia spędził w Arles na południu Francji, gdzie miał nadzieję stworzyć wspólnotę artystów. Plan niestety pozostał niezrealizowany. Zaburzenie psychiczne postępowało i pewnego dnia po kłótni Van Gogh zaatakował brzytwą przyjaciela, który przyszedł z wizytą. Przyjaciel, artysta Paul Gauguin, zamienił swojego przyjaciela w zakład dla wariatów. Tam Van Gogh zakończył swoje dni - zastrzelił się rok po uwięzieniu.
Warto zauważyć, że w tym okresie powstały być może najsłynniejsze dzieła Van Gogha - „Pole pszenicy z wronami”, „ Noc Gwiazd" i inni. Ale prawdziwa sława przyszła do artysty po jego śmierci – pod koniec lat 90. XIX wieku. Obecnie jego prace zaliczane są do najdroższych na świecie.
Edvarda Muncha (1863-1944)
Norweski ekspresjonista Edvard Munch mógł namalować tylko jeden obraz, ale nawet wtedy przeszedłby do historii malarstwa. Jego najbardziej rozpoznawalnym dziełem jest przerażający „Krzyk”, namalowany w latach 1893-1910. Co ciekawe, istnieją cztery różne autorskie wersje „Krzyku”. W 2012 roku obraz został sprzedany na aukcji za rekordową wówczas kwotę 120 milionów dolarów. 
„Krzyk” został napisany po tym, jak pewnego wieczoru Munch wracał do domu drogą i odwrócił się – zadziwił go czerwony zachód słońca, który zobaczył. Droga, którą Munch wrócił, przebiegała obok rzeźni i szpitala dla psychicznie chorych, w którym przetrzymywana była siostra artysty.
Współcześni pisali, że jęki pacjentów i krzyki zabitych zwierząt były nie do zniesienia. Uważa się, że „Krzyk” stał się swoistą przepowiednią dla sztuki XX wieku, przesiąkniętą motywami samotności, rozpaczy i egzystencjalnego koszmaru.
Hieronim Bosch (1450-1516)
Jeden z głównych artystów renesansu w Północna Europa Rozważany jest Hieronim Bosch. Jego styl malarski jest z pewnością rozpoznawalny, mimo że z całego korpusu malarskiego zachowało się zaledwie kilkanaście obrazów. Była to prawdziwa sztuka renesansu, wieloaspektowa, pełna symboli i aluzji. Jego obrazy bardziej przemawiały do współczesnych Boscha niż do ludzi XXI wieku, gdyż obficie sięgał on po średniowieczne motywy biblijne i folklorystyczne. 
Aby zrozumieć, że jest to obraz Boscha, nie trzeba być krytykiem sztuki. Na przykład najsłynniejsze dzieło Boscha - tryptyk „Ogród rozkoszy ziemskich” - zawiera wiele szczegółów: przedstawia siedem grzechów głównych, kilkakrotnie reprodukowanych, szczegółowo opowiada o piekielnych mękach czekających grzeszników (po prawej stronie) , a po lewej stronie Drzwi przedstawiają upadek Adama i Ewy. Dziwność postaci duża liczba drobne detale i specyficzna wyobraźnia artysty nie pozostawiają wątpliwości, kto jest autorem obrazu.
Andy Warhol (1928-1987)
Każdy zasługuje na swoje 15 minut sławy – powiedział żartowniś i postmodernista Andy Warhol. Jego własna sława okazała się jednak trwalsza. Być może ta wszechstronna osoba stała się symbolem ruchu pop-artu. Do jego autorstwa należą najbardziej rozpoznawalne dzieła drugiej połowy XX wieku (nie licząc oczywiście „prawdziwych” artystów). 
Andy Warhol stworzył dziesiątki dzieł i był jednym z głównych liderów kulturalnych lat sześćdziesiątych. Jednak w świadomość masowa niemal na pewno pozostanie autorem płócien z powielonymi identycznymi przedmiotami – w jednym przypadku takim obiektem była puszka zupy pomidorowej w puszkach, a w innym – symbol seksu lat 50. i symbol seksistowskiej epoki Hollywood, Marilyn Monroe.
Salvador Dali (1904-1989)
Surrealista Salvador Dali był także genialnym menadżerem i specjalistą od PR. Promował to, co obecnie nazywa się „brandingiem osobistym”, na długo przed ukuciem tego terminu. Wszyscy pamiętają jego wydatne wąsy, szalony wygląd i liczne szokujące wybryki – warto po prostu spacerować z mrówkojadem na smyczy. 
Jednocześnie Salvador Dali pozostaje jednym z głównych artystów swojej epoki. Wybierając między dwoma Hiszpanami w naszej ocenie (Dali i Pablo Picasso), redaktorzy strony nadal zdecydowali się na pierwszego - obrazy Salvadora Dali odgrywają znacznie większą rolę w Kultura popularna; przeciętnemu człowiekowi nazwy „Trwałość pamięci” lub „Przeczucie” wojna domowa„mówi więcej niż „Guernica” czy „Portret Dory Maar”.
Michał Anioł Buonarroti (1475-1564)
Michał Anioł był artystą, rzeźbiarzem i architektem. Jego osobowość w pełni odzwierciedlała to, co powszechnie nazywa się „naturą renesansu”. Jedno z jego najsłynniejszych dzieł rzeźbiarskich – posąg Dawida – często używane jest jako ilustracja samego słowa „renesans”, jako odzwierciedlenie poglądów i osiągnięć umiejętności i myśli tamtych czasów. 
Fresk „Stworzenie Adama” jest jednym z najbardziej rozpoznawalnych obrazy wszystkich czasów i narodów. Oprócz tego, co oczywiste Znaczenie kulturowe obraz ten odegrał także rolę w kulturze popularnej XXI wieku: to, co tylko internetowi żartownisie wkładają w wyciągniętą dłoń Adama: od pilota po miecz świetlny Jedi.
Leonardo Da Vinci (1452-1519)
Oczywiście najsłynniejszym artystą na świecie jest Włoch Leonardo da Vinci. Jednocześnie on sam nie faworyzował żadnej dziedziny działalności i uważał się za naukowca, inżyniera, rzeźbiarza… - słowem, człowieka renesansu, podobnie jak jego współczesny i kolega Michał Anioł. 
Wiadomo, że Leonardo długo pracował nad obrazami, często odkładał je „na później” i w ogóle najwyraźniej traktował malarstwo jako inny rodzaj twórczości, nie wyróżniając go zbytnio od innych. Dlatego też dotarła do nas stosunkowo niewielka liczba jego obrazów. Nie sposób nie wspomnieć podręcznika „La Gioconda”, a także „Damy z gronostajem”, „Madonny Litta” - i oczywiście fresku „Ostatnia wieczerza” w klasztorze Santa Maria delle Grazie w Mediolanie .
Nic dziwnego znany artysta często przyciągają naśladowców – zarówno tych, którzy chcą dotknąć chwały geniuszy, jak i tych, którzy chcą na tym zarobić. Zapraszamy do lektury o najsłynniejszych fałszerzach obrazów w historii.
Subskrybuj nasz kanał w Yandex.Zen