Stary rybak. Melodramat austriackiej Mony Lisy. O czym Munch krzyczy?

17.02.2019

Do niedawna nazwisko węgierskiego artysty Tivadara Kostki Csontvary’ego znało nieliczne osoby zainteresowane malarstwem, zwłaszcza ekspresjonizmem i prymitywizmem. Ostatnio wiele osób mówi o malarzu, który prawie 100 lat temu zmarł w biedzie, a także był uważany za szaleńca (niektórzy badacze jego biografii uważają, że Tivadar był chory na schizofrenię).

Faktem jest, że jeden z pracowników muzeum miejskiego Pecha, patrząc na obraz Tivadara Chontvariego, „ Stary rybak", odkryłem, że jeśli podzielisz płótno na pół za pomocą lustra, otrzymasz dwa różne obrazy! Ten szczegół zainteresował nie tylko wielu historyków sztuki, ale także zwykli ludzie. Zaczęli rozmawiać o sekretnym mistyce dzieła, podejściu do niego dziedzictwo twórcze Węgierski samouk. W Rosji zainteresowanie tym faktem wzrosło po emisji programu „Co? Gdzie? Gdy?" z dnia 1 października 2011 r., podczas którego widz z pytaniem o obraz „Stary rybak” przebił ekspertów.

Nierozpoznany artysta

Tivadar Kostka Csontvari urodził się w 1853 roku w małej węgierskiej wiosce Kisseben. Jego ojciec był lekarzem i farmaceutą, interesował się nauką, był zagorzałym przeciwnikiem alkoholu i tytoniu, gorąco opowiadając się za ich zakazem. Tiwadar otrzymał tutaj podstawową edukację, ale po pożarze w 1866 roku przeniósł się do krewnych swojej matki w Użgorodzie. Po zakończeniu szkoły Liceum, pracował jako asystent handlowy w Preszowie.

Po ojcu Laszlo młody Tivadar Csontvary odziedziczył zainteresowanie farmakologią. Dzięki temu zdobył wykształcenie farmaceutyczne na Uniwersytecie w Budapeszcie, a później studiował prawo i pracował jako urzędnik zastępcy burmistrza stolicy. W czasie studiów cieszył się szacunkiem innych studentów, został wybrany na przewodniczącego organizacji studenckiej i brał udział w strajkach 1879 roku.

Tivadar rozpoczął swoją karierę artystyczną w 1880 roku. Pewnego jesiennego dnia, pracując w aptece, wyjrzał przez okno, machinalnie wziął ołówek i formularz recepty i zaczął rysować. Nie było to coś abstrakcyjnego – był to przejeżdżający wóz, który uwieczniono na papierze. Właściciel apteki, widząc obraz, pochwalił Chontvariego, mówiąc, że dopiero dzisiaj urodził się artysta. Później, pod koniec życia, sam Tivadar w swojej autobiografii, napisanej w charakterystyczny dla siebie mistyczny i proroczy sposób, opisując to, co się wydarzyło, powiedział, że miał wizję. To właśnie zasugerowało Tivadarowi jego przeznaczenie - zostać wielkim malarzem.

Od tego czasu Tivadar Kostka zaczął podróżować, aby zapoznać się z twórczością wielkich artystów. Podróżował do Watykanu i Paryża. Następnie wrócił na Węgry, otworzył własną aptekę i całkowicie poświęcił się pracy, aby uzyskać niezależność finansową i robić to, do czego jego zdaniem się urodził. Tivadar namalował swój pierwszy obraz w 1893 roku. Rok później wyjechał do Niemiec (Monachium, Karlsruhe, Dusseldorf) i Francji (Paryż) na studia rysunku. Jednak świeżo upieczonemu artyście szybko się to znudziło i w 1895 roku udał się w podróż do Włoch, Grecji, na Bliski Wschód i do Afryki, aby malować lokalne pejzaże. Z biegiem czasu zaczął podpisywać swoje obrazy nie nazwiskiem Kostka, ale pseudonimem Chontvari.

Tivadar Chontvari zajmował się malarstwem do 1909 roku. W tym czasie zaczęła postępować jego choroba (prawdopodobnie schizofrenia, której towarzyszyły urojenia wielkości), a rzadkie obrazy zaczęły odzwierciedlać surrealistyczne wizje. Artysta napisał także kilka alegorycznych traktatów filozoficznych. Przez całe życie Tivadar nigdy nie sprzedał żadnego ze swoich obrazów - wystawy w Paryżu nie cieszyły się szczególną popularnością, a w jego ojczyźnie prawie ich nie było. Malarz zmarł w 1919 roku, nie doczekawszy się uznania dla jego talentu.

Bóg i diabeł w filmie „Stary rybak”

Niedawno przedmiotem szczególnej uwagi krytyków sztuki był obraz Tivadara Kostki Chontvari „Stary rybak”, namalowany przez niego w 1902 roku. Odbijając na przemian lewą i prawą część obrazu, powstają dwa zupełnie różne obrazy - Bóg w łodzi na tle spokojnego jeziora lub Diabła na wulkanie i burzliwych wodach za sobą.

Po otwarciu ten fakt Inaczej podchodzono do rozpoznania autora obrazu. Ale co Tivadar Chontvari chciał powiedzieć swoją pracą? Wielu podejrzewało związek twórczości artysty z mistycyzmem i z wielką gorliwością zaczęło zgłębiać dziedzictwo węgierskiego malarza.

Najbardziej prawdopodobną wersją idei tkwiącej w obrazie jest opinia o dualistycznej naturze ludzka natura, co Tivadar chciał przekazać. Człowiek całe życie spędza w ciągłej walce między dwiema zasadami: męską i żeńską, dobrem i złem, intuicyjną i logiką. To są składniki istnienia. Podobnie jak Bóg i diabeł na obrazie Chontvariego, uzupełniają się, bez jednego nie ma drugiego.

„Stary rybak” jako ucieleśnienie życia i życia ludzka mądrość używając prosta sztuczka pokazuje, jak dobro i zło, dobro i zło, Bóg i diabeł harmonizują w każdym z nas. A ich zrównoważenie jest zadaniem każdego człowieka.

Po odkryciu tego faktu, odmienne podejście do uznania twórczości autora. Ale co Tivadar Chontvari chciał powiedzieć swoją pracą? Wielu podejrzewało związek twórczości artysty z mistycyzmem i z wielką gorliwością zaczęło zgłębiać dziedzictwo węgierskiego malarza.

Faktem jest, że jeden z pracowników muzeum miejskiego w Pecu, oglądając obraz „Stary rybak” Tivadara Chontvariego, odkrył, że jeśli podzielisz płótno na pół za pomocą lustra, otrzymasz dwa różne obrazy!

Ten szczegół zainteresował nie tylko wielu krytyków sztuki, ale także zwykłych ludzi. Zaczęto rozmawiać o tajemniczym mistyce dzieła i zrewidowano stosunek do twórczego dziedzictwa węgierskiego samouka. W Rosji zainteresowanie tym faktem wzrosło po emisji programu „Co? Gdzie? Gdy?" z dnia 1 października 2011 r., podczas którego widz z pytaniem o obraz „Stary rybak” przebił ekspertów.

Najbardziej prawdopodobną wersją idei stojącej za obrazem jest idea dualistycznej natury natury ludzkiej, którą Tivadar chciał przekazać. Człowiek całe życie spędza w ciągłej walce między dwiema zasadami: męską i żeńską, dobrem i złem, intuicyjną i logiką. To są składniki istnienia. Podobnie jak Bóg i diabeł na obrazie Chontvariego, uzupełniają się, bez jednego nie ma drugiego.

„Stary Rybak”, jako ucieleśnienie przeżytego życia i ludzkiej mądrości, za pomocą prostej techniki pokazuje, jak dobro i zło, dobro i zło, Bóg i diabeł współgrają w każdym z nas. A ich zrównoważenie jest zadaniem każdego człowieka.

W naszym sklepie internetowym możesz kupić reprodukcję tajemniczy obraz i sam stwórz to arcydzieło.

Nieznany nikomu za życia artysta Tivadar Kostka Chontvary, sto lat po śmierci, zyskał nagle sławę dzięki obrazowi „Stary rybak”. Sam mistrz był pewien swojego mesjańskiego przeznaczenia, choć jego współcześni nazywali to schizofrenią. Teraz w jego obrazach szukają ukryte postacie i zawoalowane wskazówki. Czy oni tam są? Jednym z takich dzieł, które przeszło wszechstronną analizę, jest obraz „Stary rybak”.

Nierozpoznany artysta

W 1853 roku w węgierskiej wiosce Kisseben urodził się przyszły malarz. Los Tivadara i jego pięciu braci był przesądzony od dzieciństwa. Byli gotowi kontynuować dzieło ojca. A rodzic był farmaceutą i miał praktykę lekarską. Ale zanim zajął się farmakologią, młody człowiek zdążył ukończyć szkołę średnią, pracować jako sprzedawca i studiować Wydział Prawa. I po tym wszystkim się zwróciłem biznes rodzinny. Po przybyciu do apteki Tivadar pracował tu przez czternaście długich lat.

Któregoś dnia, gdy miał 28 lat, w normalny dzień pracy chwycił formularz recepty i ołówek i naszkicował fabułę: przejeżdżający w tym momencie obok okna wóz z zaprzęgniętymi do niego bawołami. Wcześniej nie wykazywał skłonności do rysowania, ale później napisał w swojej autobiografii, że tego dnia miał wizję, która przepowiadała losy wielkiego malarza.

Wiosną 1881 roku Tivadar Kostka otworzył aptekę w północnych Węgrzech i zaoszczędził wystarczająco dużo pieniędzy, aby podróżować do Włoch. Jak wszyscy młodzi artyści marzył o zobaczeniu arcydzieł dawnych mistrzów. Szczególnie pociągały go obrazy Rafaela. Trzeba powiedzieć, że później rozczarował się swoim idolem, nie znajdując na swoich płótnach niezbędnej żywotności i szczerości w naturze. Po Rzymie Kostka udaje się do Paryża, a potem do ojczyzny.

Chontvari (artysta przyjął ten pseudonim w 1900 r.) zaczął poważnie zajmować się malarstwem w połowie lat 90. XIX wieku. Zostawia aptekę braciom i przyjeżdża do Monachium, aby studiować malarstwo. W wielu źródłach Kostka nazywana jest samoukiem, choć w międzyczasie studiował na Szkoła Artystyczna jego słynny rodak, odnoszący większe sukcesy na polu sztuki, Shimon Hollosy. Nauczyciel był prawie dziesięć lat młodszy od swojego ucznia.

W Monachium Chontvari tworzy kilka portretów. Ślad smutku na twarzach modelek odróżnia je od pogodniejszych prac. Portrety naturalne malował dopiero w czasie studiów, później przestał się nimi interesować. Po opuszczeniu Monachium artysta udał się do Karlsruhe, gdzie kontynuował naukę, obecnie w Kallmorgen. Biografowie artysty podają, że żył on w tym czasie wygodnie, kupując do pracy najlepsze płótna Produkcja belgijska.

Ostatnie lata

Studia nie przyniosły Chontvariowi satysfakcji. Wydawało się, że rozumie prawa malarstwa tylko po to, żeby je łamać. W 1895 roku ponownie wyjechał do Włoch, aby pracować na świeżym powietrzu w swoim ulubionym gatunek pejzażowy. Artysta odwiedza nie tylko Włochy, ale także Francję, Grecję, Bliski Wschód i Liban.

W latach 1907-1910 odbyło się ich kilka. wystawy osobiste w Paryżu, Budapeszcie i w domu. Nie przynoszą mu szczególnej sławy, choć niektórzy krytycy wypowiadają się z dużą aprobatą. Na Węgrzech mówi się nawet o artyście, jakby był wariatem. Nie jest tajemnicą, że cierpiał na ataki schizofrenii, ale wciąż liczył na uznanie ze strony rodaków.

W 1910 roku choroba zaczęła się rozwijać. Ataki stawały się coraz dotkliwsze, praca była utrudniona. Chontvari już prawie nie pisze, robiąc jedynie małe szkice. Nigdy nie ukończył ani jednego dzieła, chociaż podejmował próby. W wieku sześćdziesięciu lat artysta zmarł w Budapeszcie, gdzie został pochowany.

Twórcze dziedzictwo

Tivadar Kostka Chontvari pozostawił po sobie ponad sto pięćdziesiąt obrazów i rysunków. Obraz „Stary rybak”, namalowany w 1902 roku, jest chyba najbardziej znanym ze wszystkich, „kultowym”. Większość prac powstała w r krótki okres między 1903 a 1909 rokiem. To było twórczy rozkwit artysta, przebłysk geniuszu. Swoją stylistyką nawiązują do ekspresjonizmu. Jego twórczości przypisuje się także cechy symboliki, postimpresjonizmu, a nawet surrealizmu.

Pośmiertne uznanie

Po śmierci Chontvari jego dzieła przetrwały jedynie cudem. Siostra zwróciła się do rzeczoznawców, aby dowiedzieć się, ile może dostać za obrazy. Zapewniali ją, że ich wartość artystyczna jest zerowa. Wtedy kobieta rozumowała, że skoro obrazy są złe, to płótna przynajmniej komuś się przydadzą. I wystawiaj je na sprzedaż hurtową. Całą pracę podjął się architekt Gedeon Gerlotsi, przebijając handlarza śmieciami. Później wystawiał obrazy w szkole budapeszteńskiej sztuki piękne, a w 1949 wystawiał je w Belgii i Francji.

Przed śmiercią architekt przekazał swoje zbiory Zoltanowi Fülepowi, przyszłemu dyrektorowi Muzeum Csontvari. To już był sukces. Ale artysta pozostałby w swojej ojczyźnie znany tylko wąskiemu kręgowi fanów, gdyby prawie sto lat po jego śmierci jeden z pracowników muzeum nie odkrył pewnej tajemnicy, którą wciąż skrywa obraz „Stary rybak”. Od tego czasu imię Chontvari, który przez całe życie nie sprzedał ani jednego obrazu, stało się znane na całym świecie.

„Stary rybak”: opis obrazu

Prawie całą przestrzeń płótna zajmuje postać starszego mężczyzny. Burzowy wiatr rozwiewa jego włosy i stare, zniszczone ubrania. Rybak ubrany jest w czarną bluzkę, szary beret i płaszcz. Opiera się na lasce i patrzy prosto na widza. Jego twarz ma szorstką skórę i jest pokryta częstą siecią zmarszczek. W tle artysta umieścił zatokę morską. Fale rozbijają się o brzeg, a z kominów domów na brzegu wydobywa się gęsty dym. Na horyzoncie widać góry, a raczej ich sylwetki, ukryte za mleczną mgłą. W stosunku do postaci rybaka krajobraz ma charakter wtórny i pełni rolę tła.

Obraz „Stary rybak” Chontvariego utrzymany jest w powściągliwej kolorystyce, w której dominują stonowane, delikatne kolory: gołębica, szarość, piasek, odcienie brązu.

Tajemnica obrazu „Stary rybak”

Jakiego odkrycia dokonał pracownik muzeum? Zdradźmy intrygę: odkrył, że jeśli zakryjesz połowę płótna, a pozostałą część odzwierciedlisz symetrycznie, otrzymasz całkowicie wykończony dzieło sztuki. Co więcej, działa to w obu przypadkach: zarówno z prawą, jak i lewą częścią obrazu. Oto tajemnica, którą obraz „Stary rybak” trzymał przez prawie sto lat. Zdjęcia zamontowanych połówek można teraz łatwo znaleźć w Internecie. Odbiciem prawej połowy jest przystojny starzec, rozjaśniony siwymi włosami, na tle tafli morza. Jeśli odbijemy lewą stronę, zobaczymy mężczyznę w spiczastym kapeluszu ze skośnymi oczami i szalejącymi falami za nim.

Interpretacja

Obraz „Stary rybak” zapoczątkował poszukiwania mistycznych wskazówek w twórczości Chontvariego. Oliwy do ognia dolał fakt, że artysta za życia często przybierał proroczy ton. Płótno to jest zwykle interpretowane jako symbol dwoistej natury człowieka: w jednym człowieku współistnieją zarówno jasna, jak i ciemna połowa, dobro i zło. Czasami nazywana jest także „Bogiem i diabłem”, co ponownie odzwierciedla jej dualizm.

Tak naprawdę historia sukcesu Tivadara Kostki Chontvariego jest przykładem serii szczęśliwych wypadków (lub wielkie przeznaczenie, który ukazał mu się w wizjach, kto wie?). Obraz „Stary rybak” – geniusz i szaleństwo – jak na ironię stał się jego kluczem do światowej sławy. Niestety, uznanie nie przyszło mu za życia. Ale dziś Chontvari jest uważany za jeden z najlepszych i najbardziej oryginalni artyści Węgry.

W prawie każdym znacząca praca sztuka jest tajemnicą, „podwójnym dnem” lub tajna historia, które chcę ujawnić.

Muzyka na pośladkach

Hieronim Bosch, „Ogród” ziemskie przyjemności", 1500-1510.

Fragment części tryptyku

Spory o znaczenia i ukryte znaczenia najsłynniejszego dzieła Holenderski artysta nie ustąpiły od czasu jego pojawienia się. Prawe skrzydło tryptyku „Muzyczne Piekło” przedstawia grzeszników torturowanych w podziemiach za pomocą instrumenty muzyczne. Jeden z nich ma wytłoczone nuty na pośladkach. Studentka Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, która studiowała obraz, przetłumaczyła XVI-wieczny zapis na współczesny akcent i nagrała „500-letnią piekło z piekła rodem”.

Naga Mona Lisa

Słynna „La Gioconda” występuje w dwóch wersjach: naga wersja nosi tytuł „Monna Vanna”, została napisana przez mało znany artysta Salai, który był uczniem i wzorem wielkiego Leonarda da Vinci. Wielu historyków sztuki jest przekonanych, że to on był wzorem dla obrazów Leonarda „Jan Chrzciciel” i „Bachus”. Istnieją również wersje, w których Salai ubrana w kobiecy strój służyła jako wizerunek samej Mony Lisy.

Stary rybak

W 1902 roku węgierski artysta Tivadar Kostka Csontvary namalował obraz „Stary rybak”. Wydawać by się mogło, że w obrazie nie ma nic niezwykłego, jednak Tivadar umieścił w nim podtekst, który nigdy nie został ujawniony za życia artysty.

Niewiele osób myślało o umieszczeniu lustra na środku obrazu. W każdej osobie może być zarówno Bóg (zduplikowane jest prawe ramię Starego Człowieka), jak i Diabeł (zduplikowane jest lewe ramię Starego Człowieka).

Czy był wieloryb?

Hendrik van Antonissen, Scena na brzegu.

Wydawałoby się, że zwyczajny krajobraz. Łodzie, ludzie na brzegu i bezludne morze. I dopiero badanie rentgenowskie wykazało, że ludzie gromadzili się na brzegu nie bez powodu - w oryginale oglądali zwłoki wieloryba wyrzuconego na brzeg.

Artysta jednak zdecydował, że nikt nie będzie chciał patrzeć na martwego wieloryba, i przepisał obraz.

Dwa „Śniadania na trawie”

Edouard Manet, „Obiad na trawie”, 1863.

Claude Monet, „Obiad na trawie”, 1865.

Artyści Edouard Manet i Claude Monet są czasami zdezorientowani - w końcu obaj byli Francuzami, żyli w tym samym czasie i pracowali w stylu impresjonizmu. Monet zapożyczył nawet tytuł jednego z najsłynniejszych obrazów Maneta „Obiad na trawie” i napisał własny „Obiad na trawie”.

Podwaja się podczas Ostatniej Wieczerzy

Leonardo da Vinci, „Ostatnia wieczerza”, 1495-1498.

Kiedy Leonardo da Vinci napisał: „ Ostatnia Wieczerza„, przywiązywał szczególną wagę do dwóch postaci: Chrystusa i Judasza. Bardzo długo szukał dla nich modeli. Wreszcie udało mu się znaleźć wzór obrazu Chrystusa wśród młodych śpiewaków. Leonardo przez trzy lata nie mógł znaleźć wzoru dla Judasza. Ale pewnego dnia natknął się na pijaka, który leżał w rynsztoku. Był to młody człowiek, który postarzał się wskutek intensywnego picia. Leonardo zaprosił go do tawerny, gdzie od razu zaczął malować z niego Judasza. Kiedy pijak opamiętał się, powiedział artyście, że już raz mu pozował. Było to kilka lat temu, gdy śpiewał w chórze kościelnym, Leonardo namalował z niego Chrystusa.

„Straż nocna” czy „Straż dzienna”?

Rembrandta”, Nocna Straż", 1642.

Jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandta „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenburga” wisiał w różnych pokojach przez około dwieście lat i został odkryty przez historyków sztuki dopiero w XIX wieku. Ponieważ cyfry wydawały się wystające ciemne tło nosił nazwę „Straż Nocna” i pod tą nazwą wszedł do skarbnicy sztuki światowej.

I dopiero podczas renowacji przeprowadzonej w 1947 roku odkryto, że w holu obraz zdążył pokryć się warstwą sadzy, co zniekształciło jego kolorystykę. Po oczyszczeniu oryginalne malowanie Ostatecznie wyszło na jaw, że scena przedstawiona przez Rembrandta faktycznie rozgrywa się w dzień. Położenie cienia z lewej ręki Kapitana Koka pokazuje, że czas akcji nie przekracza 14 godzin.

Przewrócona łódź

Henri Matisse, „Łódź”, 1937.

W Muzeum Nowego Jorku Sztuka współczesna w 1961 r. wystawiono obraz Henriego Matisse'a „Łódź”. Dopiero po 47 dniach ktoś zauważył, że obraz wisiał do góry nogami. Płótno przedstawia 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Artysta nie bez powodu namalował dwa żagle, drugi żagiel jest odbiciem pierwszego na powierzchni wody.
Aby nie popełnić błędu w sposobie zawieszenia obrazu, należy zwrócić uwagę na szczegóły. Większy żagiel powinien znajdować się na górze obrazu, a szczyt żagla obrazu powinien znajdować się w kierunku prawego górnego rogu.

Oszustwo w autoportrecie

Vincent van Gogh, „Autoportret z fajką”, 1889.

Istnieją legendy, że Van Gogh rzekomo odciął sobie ucho. Najbardziej wiarygodna wersja mówi, że van Gogh uszkodził sobie ucho podczas małej bójki z udziałem innego artysty, Paula Gauguina.

Autoportret jest o tyle ciekawy, że odzwierciedla rzeczywistość w zniekształconej formie: artysta ukazany jest z zabandażowanym prawym uchem, gdyż podczas pracy korzystał z lustra. W rzeczywistości dotknięte było lewe ucho.

Obce niedźwiedzie

Iwan Szyszkin, „Poranek Las sosnowy", 1889.

Słynny obraz należy nie tylko do Szyszkina. Wielu zaprzyjaźnionych artystów często korzystało z „pomocy przyjaciela”, a Iwan Iwanowicz, który przez całe życie malował pejzaże, obawiał się, że jego dotykające się niedźwiedzie nie wyjdą tak, jak chciał. Dlatego Szyszkin zwrócił się do swojego przyjaciela, artysty zwierząt Konstantina Savickiego.

Savitsky narysował prawdopodobnie najlepsze niedźwiedzie w historii Malarstwo rosyjskie, a Tretiakow nakazał zmyć jego imię z płótna, ponieważ wszystko w obrazie „od koncepcji po wykonanie, wszystko mówi o sposobie malowania, o metoda twórcza, charakterystyczne dla Szyszkina.”

Niewinna historia „Gothica”

Granta Wooda”, amerykański gotyk", 1930.

Twórczość Granta Wooda uznawana jest za jedną z najdziwniejszych i najbardziej przygnębiających w historii. Malarstwo amerykańskie. Obraz z ponurym ojcem i córką jest wypełniony szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i wsteczny charakter przedstawionych ludzi.
Tak naprawdę artysta nie miał zamiaru przedstawiać żadnych horrorów: podczas podróży do Iowa zauważył mały dom styl gotycki i postanowił sportretować te osoby, które jego zdaniem idealnie nadawałyby się na mieszkańców. Siostra Granta i jego dentysta zostają uwiecznieni jako bohaterowie, którymi mieszkańcy Iowa byli tak urażeni.

Zemsta Salvadora Dali

Obraz „Postać w oknie” został namalowany w 1925 roku, gdy Dali miał 21 lat. Gala nie była jeszcze wówczas obecna w życiu artysty, a jego muzą była jego siostra Ana Maria. Relacje między bratem i siostrą uległy pogorszeniu, gdy na jednym z obrazów napisał: „Czasami pluję na portret własnej matki i sprawia mi to przyjemność”. Ana Maria nie mogła wybaczyć tak szokującego zachowania.

W swojej książce Salvador Dali oczami siostry z 1949 roku pisze o swoim bracie bez żadnych pochwał. Książka rozwścieczyła Salvadora. Przez kolejne dziesięć lat wspominał ją ze złością przy każdej okazji. I tak w 1954 roku ukazał się obraz „Młoda dziewica oddając się grzechowi sodomii za pomocą rogów własnej czystości”. Postawa kobiety, jej loki, pejzaż za oknem i kolorystyka obrazu wyraźnie nawiązują do „Postać w oknie”. Istnieje wersja, w której Dali zemścił się na swojej siostrze za jej książkę.

Danae o dwóch twarzach

Rembrandt Harmens van Rijn, „Danae”, 1636 - 1647.

Wiele tajemnic jednego z najsłynniejszych obrazów Rembrandta wyszło na jaw dopiero w latach 60. XX wieku, kiedy płótno zostało oświetlone zdjęcia rentgenowskie. Na przykład filmowanie pokazało, że we wczesnej wersji pojawiła się twarz księżniczki romans u Zeusa była podobna do twarzy Saskii, żony malarza, zmarłej w 1642 roku. W ostatecznej wersji obrazu zaczął on przypominać twarz Gertje Dirks, kochanki Rembrandta, z którą artysta zamieszkał po śmierci żony.

Żółta sypialnia Van Gogha

Vincent Van Gogh, „Sypialnia w Arles”, 1888 - 1889.

W maju 1888 roku Van Gogh nabył małą pracownię w Arles na południu Francji, gdzie uciekł przed paryskimi artystami i krytykami, którzy go nie rozumieli. W jednym z czterech pokoi Vincent urządza sypialnię. W październiku wszystko jest już gotowe i postanawia namalować „Sypialnię Van Gogha w Arles”. Dla artysty bardzo ważny był kolor i wygoda pomieszczenia: wszystko musiało przywoływać na myśl o relaksie. Jednocześnie obraz jest utrzymany w niepokojących żółtych odcieniach.

Badacze twórczości Van Gogha tłumaczą to faktem, że artysta zażywał naparstnicę, lek na epilepsję, który powoduje poważne zmiany w postrzeganiu koloru przez pacjenta: cała otaczająca rzeczywistość jest pomalowana na odcienie zieleni i żółci.

Bezzębna doskonałość

Leonardo da Vinci, „Portret Lady Lisy del Giocondo”, 1503 - 1519.

Powszechnie panuje opinia, że Mona Lisa jest perfekcją, a jej uśmiech jest piękny w swojej tajemniczości. Jednak amerykański krytyk sztuki (i dentysta na pół etatu) Joseph Borkowski uważa, że sądząc po wyrazie twarzy, bohaterka straciła wiele zębów. Studiując powiększone fotografie arcydzieła Borkowski odkrył także blizny wokół ust. „Uśmiecha się” właśnie z powodu tego, co ją spotkało – uważa ekspert. „Wyraz jej twarzy jest typowy dla ludzi, którzy stracili przednie zęby”.

Specjalizacja w kontroli twarzy

Paweł Fedotow, „Swatanie majora”, 1848.

Publiczność, która po raz pierwszy zobaczyła obraz „Major's Matchmaking”, roześmiała się serdecznie: artysta Fiedotow wypełnił go ironicznymi szczegółami, które były zrozumiałe dla ówczesnej publiczności. Na przykład major wyraźnie nie zna zasad etykiety szlacheckiej: pojawił się bez wymaganych bukietów dla panny młodej i jej matki. A jej kupieccy rodzice sami ubrali pannę młodą w wieczorową suknię balową, chociaż był dzień (wszystkie lampy w pokoju były zgaszone). Dziewczyna najwyraźniej po raz pierwszy przymierzyła głęboko wyciętą sukienkę, jest zawstydzona i próbuje uciec do swojego pokoju.

Dlaczego Liberty jest naga?

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, „Wolność na barykadach”, 1830.

Zdaniem krytyka sztuki Etienne Julie Delacroix wzorował twarz kobiety na słynnej paryskiej rewolucjonistce – praczce Annie-Charlotte, która po śmierci brata z rąk królewskich żołnierzy poszła na barykady i zabiła dziewięciu gwardzistów. Artysta przedstawił ją z nagimi piersiami. Według jego planu jest to symbol nieustraszoności i bezinteresowności, a także triumfu demokracji: naga pierś pokazuje, że Liberty jako zwykły człowiek nie nosi gorsetu.

Kwadrat niekwadratowy

Kazimierz Malewicz, „Czarny plac suprematystyczny", 1915.

Tak naprawdę „Czarny kwadrat” wcale nie jest czarny i wcale nie jest kwadratowy: żaden z boków czworokąta nie jest równoległy do żadnego z pozostałych boków, ani do żadnego boku kwadratowej ramy otaczającej obraz. A ciemny kolor- to wynik zmieszania różne kolory, wśród których nie było czarnego. Uważa się, że nie było to zaniedbanie autora, ale pryncypialne stanowisko, chęć stworzenia dynamicznej, poruszającej formy.

Specjaliści Galeria Trietiakowska odkryto inskrypcję autora sławny obraz Malewicz. Napis głosi: „Bitwa Czarnych w ciemnej jaskini”. To zdanie nawiązuje do tytułu humorystycznego obrazu francuskiego dziennikarza, pisarza i artysty Alphonse’a Allaisa „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini”. późno w nocy", który był całkowicie czarnym prostokątem.

Melodramat austriackiej Mony Lisy

Gustav Klimt, „Portret Adele Bloch-Bauer”, 1907.

Jeden z najważniejszych obrazów Klimta przedstawia żonę austriackiego magnata cukrowniczego Ferdinada Blocha-Bauera. Cały Wiedeń dyskutował burzliwy romans Adele i sławny artysta. Ranny mąż chciał zemścić się na swoich kochankach, ale wybrał bardzo nietypowy sposób: postanowił zamówić u Klimta portret Adele i zmusić go do wykonania setek szkiców, aż artysta zaczął na nią wymiotować.

Bloch-Bauer chciał, aby praca trwała kilka lat, aby opiekunka mogła zobaczyć, jak słabną uczucia Klimta. Złożył artyście hojną ofertę, której nie mógł odmówić, i wszystko potoczyło się zgodnie ze scenariuszem oszukanego męża: praca została ukończona w ciągu 4 lat, kochankowie już dawno się ochłodzili. Adele Bloch-Bauer nigdy nie wiedziała, że jej mąż był świadomy jej związku z Klimtem.

Obraz, który przywrócił Gauguina do życia

Paul Gauguin, „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?”, 1897-1898.

Najbardziej sławny obraz Gauguin ma jedną osobliwość: „czyta się” go nie od lewej do prawej, ale od prawej do lewej, jak teksty kabalistyczne, którymi interesował się artysta. W tej kolejności rozwija się alegoria życia duchowego i fizycznego człowieka: od narodzin duszy (śpiące dziecko w prawym dolnym rogu) do nieuchronności godziny śmierci (ptak z jaszczurką w szponach w lewy dolny róg).

Obraz został namalowany przez Gauguina na Tahiti, gdzie artysta kilkakrotnie uciekał przed cywilizacją. Ale tym razem życie na wyspie nie ułożyło się: totalna bieda doprowadziła go do depresji. Po ukończeniu płótna, które miało stać się jego duchowym testamentem, Gauguin wziął skrzynkę z arszenikiem i udał się w góry, aby umrzeć. Nie obliczył jednak dawki i samobójstwo się nie powiodło. Następnego ranka pojechał do swojej chaty i zasnął, a kiedy się obudził, poczuł zapomniane pragnienie życia. A w 1898 roku jego działalność zaczęła się poprawiać i rozpoczął się w jego pracy jaśniejszy okres.

112 przysłów na jednym obrazku

Pieter Bruegel Starszy, „Przysłowia holenderskie”, 1559

Pieter Bruegel Starszy przedstawił krainę zamieszkałą przez dosłowne obrazy holenderskich przysłów tamtych czasów. Obraz zawiera około 112 rozpoznawalnych idiomów. Niektóre z nich są stosowane do dziś, np.: „płynie pod prąd”, „walenie głową w mur”, „uzbrojenie po zęby” czy „uzbrojenie po zęby”. Duża ryba zjada małego.”

Inne przysłowia odzwierciedlają ludzką głupotę.

Subiektywność sztuki

Paul Gauguin, " Wieś bretońska pod śniegiem”, 1894

Obraz Gauguina „Bretońska wioska w śniegu” został sprzedany po śmierci autora za jedyne siedem franków i w dodatku pod tytułem „ wodospad Niagara" Mężczyzna prowadzący aukcję przez przypadek powiesił obraz do góry nogami, bo zobaczył na nim wodospad.

Ukryty obraz

Pablo Picasso, „Niebieski pokój”, 1901

W 2008 roku promieniowanie podczerwone ujawniło, że pod Błękitnym Pokojem ukryty był kolejny obraz – portret mężczyzny ubranego w garnitur z muszką i opierającego głowę na dłoni. „Tak szybko, jak Picasso nowy pomysł, wziął pędzel i ucieleśnił go. Ale nie miał możliwości zakupu nowe płótno za każdym razem, gdy odwiedzała go muza” – wyjaśnia możliwa przyczyna krytyk sztuki Patricia Favero.

Niedostępne Marokańczycy

Zinaida Serebryakova, „Nago”, 1928

Kiedyś Zinaida Serebryakova otrzymała kusząca oferta- iść do twórcza podróż przedstawiać nagie postacie orientalnych dziewcząt. Okazało się jednak, że w tych miejscach po prostu nie da się znaleźć modeli. Z pomocą przyszedł tłumacz Zinaidy – przyprowadził do niej swoje siostry i narzeczoną. Nikomu wcześniej ani później nie udało się uchwycić zamknięcia orientalne kobiety nagi.

Spontaniczny wgląd

Walentin Sierow, „Portret Mikołaja II w marynarce”, 1900

Przez długi czas Sierow nie mógł namalować portretu cara. Kiedy artysta całkowicie się poddał, przeprosił Nikołaja. Nikołaj był trochę zdenerwowany, usiadł przy stole i wyciągnął przed siebie ramiona... I wtedy dotarło do artysty - oto obraz! Prosty wojskowy w kurtce oficerskiej o jasnych i smutnych oczach. Ten portret jest brany pod uwagę najlepszy obraz ostatni cesarz.

Kolejny dwójka

Słynny obraz „Deuce Again” to dopiero druga część artystycznej trylogii.

Pierwsza część to „Przyjechałem na wakacje”. Widać, że bogata rodzina ferie zimowe, radosny, doskonały uczeń.

Druga część to „Znowu dwójka”. Biedna rodzina z robotniczych przedmieść, szczyt roku szkolnego, przygnębiony idiota, który znów dostał złą ocenę. W lewym górnym rogu widać obraz „Przybył na wakacje”.

Trzecia część to „Ponowne badanie”. Dom na wsi, lato, wszyscy chodzą, jeden złośliwy ignorant, który nie zdał rocznego egzaminu, zostaje zmuszony do siedzenia cztery ściany i wkuwać. W lewym górnym rogu widać obraz „Deuce Again”.

Jak rodzą się arcydzieła

Joseph Turner, Deszcz, para i prędkość, 1844

W 1842 roku pani Simon podróżowała pociągiem po Anglii. Nagle zaczęła się silna ulewa. Starszy pan siedzący naprzeciw niej wstał, otworzył okno, wystawił głowę na zewnątrz i patrzył przez około dziesięć minut. Nie mogąc powstrzymać ciekawości, kobieta również otworzyła okno i zaczęła patrzeć przed siebie. Rok później na wystawie w Królewskiej Akademii Sztuk odkryła obraz „Deszcz, para i prędkość” i rozpoznała w nim ten sam epizod w pociągu.

Lekcja anatomii od Michała Anioła

Michał Anioł, „Stworzenie Adama”, 1511

Para amerykańskich ekspertów w dziedzinie neuroanatomii uważa, że Michał Anioł rzeczywiście pozostawił pewne ilustracje anatomiczne w jednym ze swoich najbardziej znanych dzieł znane prace. Wierzą, że prawa strona obrazu przedstawia ogromny mózg. Co zaskakujące, można znaleźć nawet złożone elementy, takie jak móżdżek, nerwy wzrokowe i przysadka mózgowa. A przyciągająca wzrok zielona wstążka idealnie komponuje się z położeniem tętnicy kręgowej.

„Ostatnia wieczerza” Van Gogha

Vincent van Gogh, " Nocny taras kawiarnia”, 1888

Badacz Jared Baxter uważa, że obraz Van Gogha „Taras kawiarni nocą” zawiera zaszyfrowaną dedykację dla „Ostatniej wieczerzy” Leonarda da Vinci. W centrum obrazu stoi kelner z długie włosy i w białej tunice przypominającej szaty Chrystusa, a wokół niego jest dokładnie 12 gości kawiarni. Baxter zwraca także uwagę na umieszczony bezpośrednio za kelnerem krzyż w kolorze białym.

Obraz pamięci Dali

Salvador Dali, „Trwałość pamięci”, 1931

Nie jest tajemnicą, że myśli, które nawiedziły Dali podczas tworzenia jego arcydzieł, zawsze miały formę bardzo realistycznych obrazów, które artysta następnie przeniósł na płótno. Zatem, według samego autora, obraz „Trwałość pamięci” powstał w wyniku skojarzeń, jakie narosły na widok sera topionego.

O czym Munch krzyczy?

Edvard Munch, „Krzyk”, 1893.

Munch opowiadał o tym, jak wpadł na pomysł jednego z najbardziej tajemnicze obrazy w malarstwie światowym: „Szedłem z dwójką przyjaciół ścieżką - zachodziło słońce - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując zmęczenie, oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebieskawym- czarny fiord i miasto – moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałam, drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę.” Ale jaki zachód słońca mógł tak przestraszyć artystę?

Istnieje wersja, że pomysł na „Krzyk” narodził się u Muncha w 1883 roku, kiedy doszło do kilku potężnych erupcji wulkanu Krakatoa – tak potężnych, że zmieniły temperaturę ziemskiej atmosfery o jeden stopień. Po całym pomieszczeniu unosiły się ogromne ilości kurzu i popiołu na globus docierając nawet do Norwegii. Przez kilka wieczorów z rzędu zachody słońca wyglądały, jakby miała nadejść apokalipsa – jeden z nich stał się źródłem inspiracji dla artysty.

Pisarz wśród ludzi

Aleksander Iwanow, „Pojawienie się Chrystusa ludowi”, 1837-1857.

Dziesiątki modelek pozowało Aleksandrowi Iwanowowi do jego zdjęcia główne zdjęcie. Jeden z nich jest znany nie mniej niż sam artysta. W tle, wśród podróżników i jeźdźców rzymskich, którzy nie słyszeli jeszcze kazania Jana Chrzciciela, widać postać w tunice. Iwanow napisał to od Mikołaja Gogola. Pisarz utrzymywał ścisły kontakt z artystą we Włoszech, zwłaszcza w kwestiach religijnych i udzielał mu rad podczas procesu malowania. Gogol uważał, że Iwanow „już dawno umarł za cały świat, z wyjątkiem swojej pracy”.

Dna Michała Anioła

Rafaela Santi”, Szkoła ateńska", 1511.

Tworzenie słynny fresk„Szkoła ateńska” Rafael uwiecznił na obrazach swoich przyjaciół i znajomych starożytni filozofowie greccy. Jednym z nich był Michelangelo Buonarotti „w roli” Heraklita. Przez kilka stuleci fresk skrywał tajemnice życie osobiste Michał Anioł i współcześni badacze przyjęli założenie, że dziwnie kanciaste kolano artysty wskazuje na chorobę stawów.

Jest to całkiem prawdopodobne, biorąc pod uwagę specyfikę stylu życia i warunków pracy artystów renesansu oraz chroniczny pracoholizm Michała Anioła.

Lustro pary Arnolfinich

Jan van Eyck, „Portret pary Arnolfinich”, 1434

W lustrze za parą Arnolfinich widać odbicie dwóch kolejnych osób w pokoju. Najprawdopodobniej są to świadkowie obecni przy zawarciu umowy. Jednym z nich jest van Eyck, o czym świadczy łaciński napis umieszczony wbrew tradycji nad lustrem w centrum kompozycji: „Jan van Eyck był tutaj”. W ten sposób zazwyczaj zawierano umowy.

Jak wada zamieniła się w talent

Rembrandt Harmens van Rijn, Autoportret w wieku 63 lat, 1669.

Badaczka Margaret Livingston przestudiowała wszystkie autoportrety Rembrandta i odkryła, że artysta cierpiał na zez: na obrazach jego oczy patrzą w różnych kierunkach, czego nie obserwuje się na portretach innych osób autorstwa mistrza. Choroba sprawiła, że artysta potrafi lepiej postrzegać rzeczywistość w dwóch wymiarach niż osoby o prawidłowym wzroku. Zjawisko to nazywane jest „ślepotą stereo” – niemożnością zobaczenia świata w 3D. Ale ponieważ malarz musi pracować dwuwymiarowy obraz, to właśnie ta wada Rembrandta mogła być jednym z wyjaśnień jego fenomenalnego talentu.

Bezgrzeszna Wenus

Sandro Botticelli, „Narodziny Wenus”, 1482-1486.

Przed pojawieniem się „Narodzin Wenus” wizerunek nagiego kobiece ciało w malarstwie symbolizował jedynie ideę grzechu pierworodnego. Sandro Botticelli był pierwszym z europejskich malarzy, który nie znalazł w nim nic grzesznego. Co więcej, historycy sztuki są tego pewni pogańska bogini symbolizuje miłość na fresku chrześcijański wizerunek: jej pojawienie się jest alegorią odrodzenia duszy, która przeszła rytuał chrztu.

Lutniarz czy lutnista?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, „Lutnista”, 1596.

Przez długi czas obraz był wystawiany w Ermitażu pod tytułem „Lutnista”. Dopiero na początku XX w. historycy sztuki zgodzili się, że obraz przedstawia młodego mężczyznę (pozował mu prawdopodobnie znajomy Caravaggia, artysta Mario Minniti): na notatkach przed muzykiem widać nagranie basu wers madrygału Jakuba Arkadelta „Wiesz, że cię kocham”. Kobieta nie mogłaby dokonać takiego wyboru - po prostu ciężko jest jej w gardle. Poza tym lutnia, podobnie jak skrzypce na samym brzegu obrazu, w czasach Caravaggia uważana była za instrument męski.

Do cedrów Libanu

Stało się to w przypadku skromnego węgierskiego farmaceuty o nazwisku Tivadar Kostka Csontvary, które trudno nam zapamiętać. Siedział w swojej aptece w małej karpackiej wiosce Iglo, porządkował nieczytelne przepisy, wydawał krople i pigułki oraz wysłuchiwał narzekań starszych kobiet, że proszki nie pomagają. Siedział długo, kilkanaście lat. I nagle ciepło letnia noc W 1881 roku miał sen...

Kostka nikomu o swoim śnie nie powiedział, ale dosłownie następnego dnia wynajął aptekę, zebrał całą gotówkę, kupił pędzle i farby i prosto do Libanu pojechał malować libańskie cedry.

Świeżo upieczony artysta nie pojawił się już w swojej aptece. Podróżował do Grecji, Włoch, północna Afryka podróżował i w tym czasie stworzył ponad sto obrazów.

Pisał o sobie tak: „Ja, Tivadar Kostka, w imię odnowy świata wyrzekłem się młodości. Kiedy przyjąłem inicjację od niewidzialnego ducha, byłem w bezpiecznej sytuacji, żyłem w dobrobycie i komforcie. Ale opuściłem ojczyznę, bo chciałem, żeby pod koniec mojego życia była bogata i chwalebna. Aby to osiągnąć, dużo podróżowałem po Europie, Azji i Afryce. Chciałem odnaleźć przepowiedzianą mi prawdę i zamienić ją w malarstwo.”

„Stary rybak”

Wartość jego dzieł była kwestionowana przez wielu krytyków. Wystawiano je w Europie (choć bez większego sukcesu), ale na rodzimych Węgrzech Csontvary raz na zawsze nazwano szalonym. Dopiero pod koniec życia przyjechał do Budapesztu i przywiózł tam swoje obrazy. Próbowałem przekazać je lokalnemu muzeum, ale nikomu nie były potrzebne. W 1919 roku Tivadar Kostka Chontvari naprawdę oszalał i zmarł biedny, samotny, wyśmiewany i nikomu nieprzydatny.

Po pochowaniu nieszczęśnika krewni zaczęli dzielić majątek. Ale jedyne, co było dobre, to zdjęcia. I tak po konsultacji z „ekspertami” postanowili zezłomować płótna jak zwykłe płótno, a pieniądze podzielić między siebie, żeby wszystko było sprawiedliwie.

W tym czasie zupełnie przypadkowo przechodził obok nas młody architekt Gedeon Gerlotsi. To on uratował dzieła artysty, płacąc za nie nieco więcej, niż oferował handlarz śmieciami.

Obecnie obrazy Tivadara Csontvariego przechowywane są w muzeum miasta Pecz (Węgry).

A niedawno jeden z pracowników muzeum, oglądając obraz Kostki „Stary rybak” z 1902 roku, wpadł na pomysł, aby umieścić na nim lustro. A potem zobaczył, że na płótnie nie było jednego obrazu, ale co najmniej dwa! Spróbuj sam podzielić płótno lustrem, a zobaczysz albo boga siedzącego w łodzi na tle spokojnego, można powiedzieć, niebiańskiego krajobrazu, albo samego diabła, za którym szaleją czarne fale. A może w innych filmach Chontvari tak jest ukryte znaczenie? Okazuje się jednak, że w przypadku byłego farmaceuty ze wsi Iglo nie było to takie proste.