Sztuka > Malarstwo
I dzieła malarskie o dużej skali, związane z architekturą, ale posiadające samodzielną i istotną społecznie treść figuratywną: panele obrazowe, obrazy, mozaiki.
płyta (francuskie panneau z łac. pannus – kawałek materiału) - Po pierwsze, jest to obraz o celach dekoracyjnych, wmurowany w ścianę wnętrza architektonicznego.W odróżnieniu od malarstwa monumentalnego, panel niemal zawsze wykonywany jest poza miejscem do tego przeznaczonym, na płótnie i przy użyciu zwykłej techniki malarskiej.
I drugie znaczenie panelu - część powierzchni ściany, podkreślona obramowaniem i wypełniona reliefem malarskim lub rzeźbiarskim.
obraz - termin z zakresu malarstwa monumentalnego i dekoracyjnego, obejmujący wszelkie dzieła malarstwa związane z architekturą, z wyjątkiem mozaik i paneli. Malarstwo nazywa się kompozycjami fabularnymi i czysto dekoracyjnymi, zdobniczymi, wykonywanymi farbami bezpośrednio na powierzchni ściany, sufitu, sklepienia, filaru, kolumny itp. na naklejonym na nim gipsie lub płótnie.
Fresk znajduje się tutaj wraz z obrazem olejnym. Technika malarska w prawdziwym znaczeniu tego słowa jest stosowana na równi z techniką szablonu itp.
Czasami w niedokładnym znaczeniu terminem malarstwo obejmuje wszelkie dzieła malarstwa monumentalnego, w tym panele i mozaiki. Malarstwo w sztuce użytkowej - obrazy fabularne i ozdobne nanoszone na obiekty za pomocą pędzla lub zastępujących go narzędzi, np. aerografu.
Zwykle proces malowania jest ściśle powiązany z produkcją malowanych przedmiotów, jednak w niektórych przypadkach może wyróżniać się jako samodzielna dziedzina artystyczna. Taka branża jak powszechna sztuka malowania tkanin, która nosi nazwę „batik”. Tace do malowania, trumny, lalki gniazdujące, fajans itp.
Fresk(otit. fresk - świeży, surowy) - najważniejsza odmiana techniczna malarstwa monumentalnego farbami rozcieńczonymi czystą lub wapienną wodą na świeżym, wilgotnym tynku. Tutaj jako główne spoiwo stosuje się wapno.
Podstawowych spoiw jest kilka: olej roślinny, klej roślinny i zwierzęcy, jajko, wosk, wapno.
Fresk w najszerszym znaczeniu obejmuje malowanie fresk
(po włosku fresk), czyli w sposób surowy, „surowy”,-
główny rodzaj techniczny malarstwa freskowego-
Charakteryzuje się wykończeniem na świeżym tynku wapiennym. Farby utrwalane są tu w procesie wysychania tynku, na którym tworzy się warstwa związków węglanu wapnia.
Charakterystyczna dla tej techniki konieczność szybkiego wykonania pracy powoduje, że przy znacznych rozmiarach kompozycji należy ją wykonywać fragmentarycznie. Wady tego projektu występują kilka dni po całkowitym wyschnięciu tynku, co znacznie zmienia farbę.
Malowanie freskiem niemal zawsze wymaga uzupełnienia temperą w celu skorygowania detali, dlatego też technika pozbawiona poprawek jest czystym freskiem ( fresk Buona) , dlatego jest to szczególnie trudne i rzadkie.
W przypadku malowania fresku typowe, choć nie zawsze konieczne, jest wykonanie go w częściach. Ślady tzw. szwów łączących stanowią granice pomiędzy tymi częściami. Rysować - jest to transfer naturalnej wielkości z rysunku konturowego na karton lub gruby papier. Następnie rysunek przenoszony jest z tektury na materiał, na którym zostanie wykonany monumentalny obraz.
Obraz powinien jednak znajdować się w pomieszczeniu zamkniętym i nie być narażony na działanie niekorzystnych warunków atmosferycznych, nagłe zmiany temperatury.
technika freskowa sekunda(włoski a secco - sucha droga, sucha droga- jedna z odmian polegająca na malowaniu na twardym, już wyschniętym tynku wapiennym.
Następnym sposobem na wykonanie fresku jest malowanie kazeinowo-wapniowe na świeżym tynku. To najdoskonalszy sposób. Polega na zastosowaniu jako łącznika mieszaniny kazeiny z wapnem. Pod względem wytrzymałości obraz ten przewyższa zwykły fresk. Malowanie kazeinowo-wapienne można wykonywać na wilgotnym, a nawet suchym tynku. Swobodnie wytrzymuje zmywanie wodą i można go ustawić na zewnątrz.
Zobacz także barokowe malarstwo monumentalne
Mozaika - specjalny techniczny rodzaj malarstwa monumentalnego, polegający na zastosowaniu wielobarwnych brył- smalta (wł. smalto). Są to małe kawałki nieprzezroczystego kolorowego szkła, naturalne kolorowe kamienie, kolorowe emalie na wypalanej glinie jako główny materiał artystyczny. Obraz składa się z kawałków takich materiałów, dobrze do siebie dopasowanych, wzmocnionych cementem lub specjalnym mastyksem i wypolerowanych.
Zgodnie z metodą tzw. zestawu bezpośredniego mozaikę wykonuje się od strony frontowej w miejscu do tego przeznaczonym (ściana, sklepienie lub osobna płyta, którą następnie wtapia się w ścianę).
W przypadku zestawu rewersowego kolorowe elementy są widoczne dla artysty jedynie od tyłu: nakleja się je przednią powierzchnią na tymczasową cienką podszewkę, którą usuwa się po przeniesieniu mozaiki na ścianę.
Pierwsza z tych metod jest skomplikowana i czasochłonna, ale doskonalsza od strony artystycznej. Mozaika składu składa się z wcześniej przygotowanych małych kawałków, które odpowiadają konturom wzoru tylko w masie.
W mozaice plastikowej lub kawałkowej elementy mozaiki są znacznie większe i wycięte zgodnie z konturami obrazu.
Tak zwana mozaika florencka składa się z płytek z kolorowych kamieni. W Moskwie mozaikowe panele można zobaczyć na stacjach metra: Kijów Koltsevaya, Novokuznetskaya, Czechovskaya, Victory Park, Frunzenskaya (Pałac Młodzieży) itp.
witraż (francuski vitrage, z vitre- szyba) - dzieło sztuki zdobniczej o charakterze malarskim lub zdobniczym, wykonane z wielobarwnie malowanego szkła, przeznaczone do oświetlenia przelotowego i przeznaczone do wypełnienia otworu okiennego w dowolnej konstrukcji architektonicznej.
Witraż można wykonać w specjalnym pudełku z podświetleniem, jak na przykład na kolumnach stacji Nowosłobodskaja moskiewskiego metra.
Witraże są szeroko rozpowszechnione w gotyckich katedrach XIII-XV wieku. Styl gotycki w sztuce zachodnioeuropejskiej znalazł żywe i charakterystyczne ucieleśnienie we Francji i Niemczech. We Włoszech rozwinął się jedynie w niewielkim stopniu ze względu na bardziej stabilne starożytne tradycje.
Gotyckie katedry symbolizowały chęć wzniesienia się do nieba i całą ich dekoracyjną dekorację - posągi, płaskorzeźby, witraże,- przyczynił się do tego. Witraże składały się z małych szkieł o różnych kształtach, mocowanych za pomocą ołowianych ramek. Obrazy nałożono najpierw farbą kryjącą w kolorze brązowym (przeznaczoną do konturów i innych elementów linearnych) oraz półprzezroczystą szarą. Od XIV wieku dodatkowo zastosowano technikę skrobania na specjalnie barwionym, wielobarwnym szkle.
W XX wieku. produkcja witraży ze szkła bezbarwnego, poddanego obróbce metodą piaskowania, trawienia, grawerowania
Obrazy malarstwa są bardzo wyraźne i przekonujące. Potrafi przekazać objętości i przestrzenie, naturę, ucieleśnić uniwersalne idee, wydarzenia z przeszłości historycznej i lot fantazji, ujawnić złożony świat ludzkich uczuć i charakteru. Malowanie może być jednowarstwowe (wykonywane natychmiast) i wielowarstwowe, w tym podobrazie I szlifowanie Na wyschniętą warstwę farby nakładane są warstwy farby przezroczystej i półprzezroczystej.
Pozwala to uzyskać najdrobniejsze niuanse i odcienie kolorów.
Konstrukcja objętości i przestrzeni w malarstwie związana jest z perspektywa liniowa i powietrzna, właściwości przestrzenne barwy ciepłej i zimnej, modelowanie formy świetlno-cieniowej, przeniesienie ogólnego tła kolorystycznego płótna. Aby stworzyć obraz, oprócz koloru, potrzebujesz dobry rysunek i wyrazista kompozycja. Artysta z reguły rozpoczyna pracę od płótna, szukając najskuteczniejszego rozwiązania w szkicach. Następnie w licznych szkicach obrazowych z natury wypracował niezbędne elementy kompozycji.
MALOWANIE SZTALALOWE
.
Obrazy sztalugowe to takie, które mają samodzielne znaczenie (są zapisane na sztalugach). Malarstwo sztalugowe ma wiele gatunków.
Gatunek muzyczny
(francuski „sposób”, „wygląd”, „smak”, „zwyczaj”, „rodzaj”) – historycznie powstający i rozwijający się rodzaj dzieła sztuki.
Gatunek można zauważyć w tytule obrazu (ok. „Sprzedawca ryb”).
Gatunki malarstwa sztalugowego:
Jak pokazano na rysunku:
1.Portret
2.Sceneria
3.Martwa natura
4.Gospodarstwo domowe (gatunek)
5.Historyczny
6.Bitwa
7.animalistyczny
8.Biblijny
9.Mitologiczny
10.Bajka
1.Portret
- obraz osoby lub grupy osób, który istnieje lub istniał w rzeczywistości.
Typy portretów
: portret półdługi, do ramion, do klatki piersiowej, portret pełnej długości, portret na tle krajobrazu, portret we wnętrzu (pokoju), portret z dodatkami, autoportret, portret podwójny, portret grupowy, portret pary, portret w kostiumie , miniaturowy portret.
Ze względu na charakter obrazu wszystkie portrety można podzielić na 3 grupy:
A ) portrety ceremonialne
z reguły sugerują pełnowymiarowy wizerunek osoby (na koniu, stojącej lub siedzącej), zwykle na tle krajobrazu lub architektury;
B) portrety w połowie ubrane
(może nie do końca pełnometrażowy, brak tu tła architektonicznego);
V ) komora
portrety (intymne), w których wykorzystuje się ramiona, klatkę piersiową, obraz półpostaciowy, często na neutralnym tle.
Rosyjscy portreciści: Rokotow, Lewicki, Borovikovsky, Bryullov, Kiprensky, Tropinin, Perov, Kramskoy, Repin, Serov, Nesterov
2.Sceneria
(francuskie „miejsce”, „kraj”, „ojczyzna”) - przedstawia przyrodę, teren, krajobraz.
typy krajobrazu
: wiejskie, miejskie, morskie (marina), architektoniczne miejskie (weduta), przemysłowe.
Krajobraz może być liryczny, heroiczny, epicki, historyczny, fantastyczny..
Rosyjscy malarze pejzażu: Szczedrin, Aiwazowski, Wasiliew, Lewitan, Szyszkin, Polenow, Sawrasow, Kuindzhi, Grobar i inni.
3.Martwa natura (francuska „martwa natura”) – przedstawia oryginalne portrety rzeczy, ich spokojnego życia. Artyści przedstawiają rzeczy najzwyklejsze, ukazują ich piękno i poezję.
Artyści: Serebryakova, Falk
4.Gatunek krajowy (malarstwo rodzajowe) - przedstawia codzienne życie człowieka i zapoznaje z życiem ludzi z dawnych czasów.
Artyści: Venetsianov, Fedotov, Perov, Repin i inni.
5.gatunek historyczny - przedstawia ważne wydarzenia historyczne, wydarzenia z przeszłości, czasy epickie. Gatunek ten często przeplata się z innymi gatunkami: domowym, bitewnym, portretowym, krajobrazowym.
Artyści: Losenko, Ugryumov, Ivanov, Bryullov, Repin, Surikov, Ge i inni.
Surikowa, wybitnego mistrza malarstwa historycznego: „Poranek egzekucji Streltsy”, „Bojar Morozowa”, „Mienszykow w Berezowie”, „Przeprawa Suworowa przez Alpy”, „Podbój Syberii przez Jermaka”.
6.Gatunek bitewny - przedstawia kampanie wojskowe, bitwy, wyczyny zbrojne, operacje wojskowe.
7.Gatunek zwierzęcy - przedstawia świat zwierząt.
MALARSTWO MONUMENTALNE.
Od zawsze kojarzony z architekturą. Ozdabia ściany i sufity, podłogi, otwory okienne.
Rodzaje malarstwa monumentalnego(różnią się w zależności od techniki wykonania):
1.Fresk (z włoskiego „na surowym”) – pisany jest na surowym tynku wapiennym farbami (pigment suchy, barwnik w proszku), rozcieńczonymi wodą. Po wyschnięciu wapno wydziela bardzo cienką warstwę wapnia, która utrwala znajdującą się pod spodem farbę, sprawia, że obraz jest nieścieralny i bardzo trwały.
2.Tempera - farby rozcieńczane jajkiem, klejem kazeinowym lub spoiwem syntetycznym. Jest to niezależny i powszechny rodzaj malarstwa ściennego. Czasami piszą temperą na już wyschniętym fresku. Tempera szybko schnie i po wyschnięciu zmienia kolor.
3.Mozaika (łac. „Poświęcony Muzom”) - malarstwo, ułożone z małych kawałków kolorowych kamieni lub smalty (specjalnie zespawane nieprzezroczyste kolorowe szkło)
4. witraż (francuskie „glazura”, z łac. „szkło”) – malowanie wykonane z kawałków przezroczystego kolorowego szkła, połączonych ze sobą taśmami ołowianymi (lutowanie ołowiem)
5.płyta
(francuska „deska”, „tarcza”)
- a) fragment ściany lub sufitu (plafon), podkreślony sztukaterią lub ozdobą wstęgową i wypełniony malowidłem;
b) wykonane farbami na płótnie, a następnie przymocowane do ściany. W przypadku ścian zewnętrznych panel może być wykonany z płytek ceramicznych.
ARCHITEKTURA
Architektura - sztuka tworzenia budynków i ich zespołów tworzących środowisko życia człowieka. Różni się od innych rodzajów sztuki tym, że realizuje nie tylko zadania ideologiczne i artystyczne, ale także praktyczne.
Rodzaje architektury:
publiczny (pałac);
budynki użyteczności publicznej;
urbanistyka;
przywrócenie;
ogrodnictwo krajobrazowe (krajobraz);
przemysłowy.
Ekspresyjne środki architektury:
kompozycja budowlana;
skala;
rytm;
światłocień;
kolor;
otaczająca przyroda i budynki;
malarstwo i rzeźba.
1. Kompozycja budowlana
- układ jego głównych części i elementów w określonej kolejności . Kompozycja budynku jest bardzo ważna, ponieważ decyduje o wrażeniu, jakie sprawia budynek.. Tworząc kompozycję architektoniczną, architekt stosuje różne techniki: naprzemienność i łączenie różnych przestrzeni (otwartych i zamkniętych, oświetlonych i zaciemnionych, komunikujących się i izolowanych itp.); różne objętości (wysokie i niskie, proste i krzywoliniowe, ciężkie i lekkie, proste i złożone); elementy powierzchni otaczających (płaskie i tłoczone, głuche i ażurowe, gładkie i kolorowe). Wybór kompozycji zależy od przeznaczenia budynku.
Rodzaje kompozycji:
- symetryczny
. Taki sam układ elementów budynku względem osi symetrii, która wyznacza środek kompozycji. Budowle tego typu były charakterystyczne dla architektury epoki klasycyzmu.
- Asymetryczny
. Zasadnicza część budynku jest odsunięta od centrum. Zastosowano różne bryły, kontrastujące kształtem, materiałem i kolorem, co prowadzi do dynamicznego obrazu architektonicznego. . charakterystyczne dla współczesnego budownictwa.
Odbiór symetrii i asymetrii w kompozycji poszczególnych elementów, rozmieszczeniu słupów, okien, schodów, drzwi itp.
2. Rytm .Duże znaczenie organizacyjne w kompozycji architektonicznej ma rytm, tj. wyraźny rozkład brył i detali budowlanych powtarzających się w określonych odstępach (amfilada pomieszczeń i sieni, kolejne zmiany kubatur pomieszczeń, grupowanie kolumn, okien, rzeźb )
Rodzaje rytmu:
-rytm pionowy
. Naprzemienność poszczególnych elementów w kierunku pionowym. Nadaje budynkowi wrażenie lekkości, aspiracji ku górze.
- Rytm poziomy
. Naprzemienność elementów w kierunku poziomym sprawia, że budynek jest przysadzisty i stabilny.
Gromadząc i zagęszczając poszczególne detale w jednym miejscu i wyładowując je w innym, architekt może podkreślić centrum kompozycji, nadać budynkowi charakter dynamiczny lub statyczny.
3. Skala
. Proporcjonalne proporcje budynku i jego części. Określa wielkość poszczególnych części i detali budynku w odniesieniu do wielkości całego budynku jako całości, do osoby, otaczającej przestrzeni i innych budynków. Skala budynku nie zależy od wielkości budynku, ale od ogólnego wrażenia, jakie robi na człowieku.
4. Światłocień . Właściwość ujawniająca rozkład jasnych i ciemnych obszarów na powierzchni formy. Wzmacnia i ułatwia wizualną percepcję formy architektonicznej, nadaje jej bardziej malowniczy wygląd. Sztuczne oświetlenie brył budynków stosuje się na poziomie ulicy, magistrali i oświetlenia. Odbite światło we wnętrzu stwarza iluzję lekkości form.
Osobliwością architektury jako sztuki jest tworzenie jedności kompozycji architektonicznej z różnorodnych form architektonicznych. Najprostszym sposobem na stworzenie jedności jest nadanie bryle budynku prostego kształtu geometrycznego. W złożonym zespole budynku jedność osiąga się poprzez podporządkowanie: drugorzędne części budynku są podporządkowane głównej bryle (centrum kompozycyjne). Tektonika jest także narzędziem kompozycyjnym.
Tektonika-artystycznie ujawniona struktura konstrukcyjna budynku.
5. Kolor . Jest często stosowany w obiektach architektonicznych, zwłaszcza w przestrzeniach wewnętrznych (zwłaszcza w budynkach klasycystycznych i barokowych). Nowoczesne wnętrza charakteryzują się jasnymi, jasnymi kolorami.
6. Malarstwo i rzeźba Do artystycznych środków tworzenia kompozycyjnej jedności obiektu zalicza się sztukę monumentalną i użytkową, w szczególności rzeźbę i malarstwo, których połączenie z architekturą nazywano „syntezą sztuk”.
7. Otaczająca przyroda i budynki .Architektura skłania się ku zespołowi. W przypadku jego konstrukcji ważne jest, aby wpasować się w naturalny (naturalny) lub miejski (miejski) krajobraz. Formy architektury wyznaczane są: naturalnie (w zależności od warunków geograficznych i klimatycznych, charakteru krajobrazu, natężenia światła słonecznego); społecznie (w zależności od charakteru ustroju społecznego, ideałów estetycznych, potrzeb utylitarnych i artystycznych społeczeństwa).
Architektura jest ściśle związana z rozwojem sił wytwórczych i technologii. Żadna inna sztuka nie wymaga takiej koncentracji zbiorowych wysiłków i zasobów materialnych., na przykład: Katedrę św. Izaaka budowało 500 tysięcy ludzi w ciągu 40 lat.
Trójca architektury: użyteczność, siła, piękno. Inaczej mówiąc, są to najważniejsze elementy architektonicznej całości: funkcja, konstrukcja, forma (Witruwiusz, I w. n.e., starożytny rzymski teoretyk architektury). Konstrukcja stała się architekturą, gdy celowy budynek nabrał estetycznego wyglądu.
Architektura powstała w czasach starożytnych. W starożytnym Egipcie w imię celów duchowych i religijnych budowano wspaniałe budowle.(grobowce, świątynie, piramidy). W starożytnej Grecji architektura nabiera demokratycznego wyglądu, a miejsca kultu (świątynie) już potwierdzają piękno i godność greckiego obywatela. Pojawiają się nowe typy budynków użyteczności publicznej: teatry, stadiony, szkoły. A architekci podążają za nimi humanistyczna zasada piękna sformułowana przez Arystotelesa: „Piękne nie powinno być ani za duże, ani za małe ".
W starożytnym Rzymie architekci szeroko stosowali łukowe, sklepione konstrukcje wykonane z betonu. Nowe typy budynków, forów, łuków triumfalnych i kolumn odzwierciedlają idee państwowości i siły militarnej. W średniowieczu architektura staje się wiodącą i najpopularniejszą formą sztuki.. W gotyckich katedrach aspirujących do nieba wyrażał się religijny impuls do Boga i namiętne, ziemskie marzenie ludu o szczęściu . Architektura renesansu rozwija na nowych podstawach zasady i formy starożytnych klasyków, wprowadza się nową formę architektoniczną - podłogę.Klasycyzm kanonizuje techniki kompozytorskie starożytności.
Jedność kompozycji architektonicznej implikuje jedność stylu, który tworzy połączenie cech typowych dla sztuki danego czasu. Na styl każdej epoki wpływały różne czynniki: poglądy ideologiczne i estetyczne, materiały i techniki budowlane, poziom rozwoju produkcji, potrzeby życia codziennego, formy artystyczne.
Styl
- suma elementów ujawniających cechy tej epoki.
Styl
- historycznie ustalony zestaw środków i technik artystycznych charakteryzujących cechy sztuki danego czasu.
Styl jest obecny we wszystkich formach sztuki, ale kształtuje się głównie w architekturze. Styl architektoniczny kształtował się przez dziesięciolecia, a nawet stulecia, na przykład w starożytnym Egipcie styl zachował się przez 3 tysiące lat, w związku z czym nazwano go kanonicznym (kanon (norma, reguła) - zbiór zasad które rozwinęły się w procesie praktyki artystycznej i utrwaliły się w tradycji).
Podstawowe zasady stylu egipskiego, charakterystyczne dla całej sztuki starożytnego Egiptu:
- jedność obrazów i napisów hieroglificznych;
- pionowy obraz obiektów i ludzi (mniej istotne przedstawiono na płaszczyźnie powyżej);
- obraz linia po linii złożonych scen z poziomymi paskami;
- figury w różnej skali, których wielkość nie zależy od położenia w przestrzeni, ale od znaczenia każdej z nich;
- obraz postaci ludzkiej niejako z różnych punktów widzenia (twarzą w twarz) - zasada spłaszczenia postaci na płaszczyźnie (kiedy głowa i nogi zostały przedstawione z profilu, a tułów i oczy z przodu).
KALENDARZ-TEMATYCZNE PLANOWANIE LEKCJI.
Planowanie tematyczne kalendarza uzależnione jest od wieku uczniów. Idealną opcją jest obecność lekcji w klasach 5 (6) -11, do tego przeznaczony jest państwowy program Yu. A. Solodovnikova i L. N. Predchetenskaya. Należy mieć na uwadze, że specyfika pracy kadry kierowniczej średniego i wyższego szczebla jest odmienna. . Uczniowie szkół średnich potrafią już dostrzegać uogólnione idee zawarte na przykład w pojęciu stylu, gdzie dominuje zjawisko zasady „od ogółu do szczegółu”. Uczniowie szkół średnich, zwłaszcza klas 5-6, nie zawsze są gotowi na zrozumienie stylu, czyli nadal nie mają umiejętności dostrzegania ogólnego wzorca w wielu konkretnych zjawiskach. Umiejętność ta rozwija się stopniowo, dlatego na poziomie średnim odbywają się lekcje „zanurzenia” w dowolne dzieło, wydarzenie, zjawisko, życie i ścieżkę twórczą autora, na przykład „Mity starożytnej Grecji”, „Narodziny opery”, „Florentine Commerata” da lepszy wynik. Zajęcia te mogą mieć formę inscenizacji, gier biznesowych, quizów, dysput itp. Jednocześnie studenci otrzymują informacje dotyczące konkretnych postaci, cech środków wyrazu danej sztuki. Zdolność dostrzeżenia ogólnych wzorców kryjących się za tymi „prywatnymi” chwilami powstaje na poziomie podświadomości. Ale konkretne obrazy i sytuacje zapadają w pamięć dobrze, żywo i na długo.
Następnie studenci, którzy nabyli doświadczenie w komunikowaniu się z poszczególnymi dziełami sztuki, zjawiskami kultury, zdobywają umiejętność realizowania, formułowania i wyrażania uogólnionych sądów. Ten moment przychodzi, gdy uczeń przychodzi do klasy 9, rzadziej do klasy 8. Uczniowie klas 8 i 9 mają różne spostrzeżenia. Klasa 8 to etap wieku przejściowego, który objawia się na różne sposoby. W jednym przypadku ósmoklasiści są już gotowi na bardziej złożony poziom percepcji, w drugim nie. O takiej sytuacji każdorazowo decyduje nauczyciel.
Jeśli szkoła MHC uczy się w klasach 5–11, wówczas najskuteczniejsze może być podejście dwuetapowe. Lekcje w klasach 5-7(8) to ekscytujące „zanurzenie” w świat konkretnych zjawisk kultury, sztuki itp., z wykorzystaniem aktywnych, praktycznych form pracy. Może to być podżeganie, gry, spory, korzystanie z programów komputerowych, badania z wykorzystaniem Internetu, prace projektowe, quizy itp. Jednocześnie zachowana jest zasada historyzmu – w planowaniu tematycznym nauczyciel uwzględnia najważniejsze dzieła i zjawiska kulturowe, które odzwierciedlają różne etapy jego rozwoju. Bardzo dobrze jest, jeśli jest to połączone z zajęciami z historii, które uczniowie realizują równolegle. Możliwe powiązanie z lekcjami plastyki, literatury, muzyki itp.
Koncepcja wybrana przez nauczyciela jako podstawa może definiować różne materiały i ćwiczenia. Solodovnikov sugeruje oparcie się na mitologii jako możliwej zasadzie organizacji przedmiotu. Możliwe są jednak także inne zasady.
Po osiągnięciu drugiego etapu, mając wiedzę o konkretnym zjawisku kulturowym, uczniowie klas 9-11 mogą jeszcze raz przejść tę drogę, ale z punktu widzenia stylów, cech obrazu artystycznego w danej epoce. Uzyskane wcześniej oddzielne idee łączy się w jeden system zależności, przyczyny i skutki stają się jasne.
Tworząc program dla klas 6-8, nauczyciel może przyjąć za podstawę treść fakultatywnego kursu MHC Danilova, gdzie z obszernego i różnorodnego materiału nauczyciel może wybrać to, co jest mu najbliższe i spełnia warunki jego praca.
Możliwe jest również zaplanowanie lekcji MHK na poziomie średnim, gdy w każdej klasie obowiązuje zasada koncentryczna, tj. na każdych zajęciach uczniowie konsekwentnie poruszają tematykę związaną ze sztuką starożytnego świata, średniowiecza, Wschodu, Rosji, renesansu itp.
Fresk. Fresk dziś często oznacza dowolne dekoracyjne malarstwo wnętrz, niezależnie od techniki, w jakiej jest wykonany, czy to malarstwo olejne, klejowe, czy tempera. Malarstwo freskowe znane jest już od starożytnej Grecji, choć sama nazwa pochodzi z języka włoskiego (tesso, co oznacza „świeży”). Wykonywano je farbami mineralnymi rozcieńczanymi w wodzie na świeżo nałożonym tynku wapiennym. W okresie renesansu nazywano go fresk(afresco), co oznacza „pisać na świeżym tynku”. Ze wszystkich technik malarskich jest to najtrudniejsza, ponieważ wymaga od artysty dużych umiejętności: trzeba pisać szybko (gdy tynk jest mokry) i natychmiast poprawnie , bo nic Trzeba też wziąć pod uwagę, że farby na mokrej ścianie wyglądają inaczej niż na suchej, dlatego wielu artystów zajmujących się zawodowo olejem i temperą nie może pracować w tej technice.
Malowanie fresków z jednej strony zapewnia siłę i czystość odcienia koloru (z wyjątkiem wody, do farby nie dodaje się żadnych dodatków), z drugiej zaś dużą wytrzymałość i trwałość (farba rozpływa się, gdy tynk jest jeszcze nieruchomy). zmoczone we wszystkie najmniejsze nierówności i pory na powierzchni) i utrwalone chemicznie wapnem zawartym w tynku).
Malowanie fresków wykonujemy na ścianach kamiennych lub ceglanych spojonych zaprawą wapienną, na ścianach otynkowanych drewnem - pod warunkiem, że tynk ma znaczną grubość. Tynk stosowany jako podkład nie jest nakładany na cegłę, ale na wcześniej ułożone podłoże. Ten ostatni nakłada się w dwóch warstwach (dolna nazywa się sprayem, górna jest powłoką). Dolna warstwa wyrównuje powierzchnię podłoża. Pokrycie nakłada się przed rozpoczęciem malowania wyłącznie na powierzchnię, która ma być malowana. Ziemię gipsową wykonuje się z chudej zaprawy wapiennej. Jako wypełniacz stosuje się przemyty piasek rzeczny średniej frakcji.
Gdy potrzebna jest gładka, drobnoziarnista powierzchnia, powłokę nakłada się w dwóch lub trzech warstwach: pierwsza o grubości 10-12 mm, druga pół godziny po pierwszej, o grubości 1,5-3,5 mm . Ostatnią warstwę gesso-szpachli wykonuje się z mieszaniny równej ilości ciasta wapiennego i mąki marmurkowej, wymieszanych na konsystencję szpachli. Gdy do malowania wymagane jest ogólne zabarwienie tła, do roztworu warstwy powłokowej dodaje się pigmenty w ilości do 10% całkowitej masy wapna.
Większość produkowanych pigmentów proszkowych do malowania fresków należy przed użyciem rozdrobnić, tak aby po nałożeniu na podłoże mocno związały się (cząsteczki pyłu muszą stanowić część twardej skorupy powstałej na powierzchni tynku). Farby nie tylko miesza się z wodą, ale wciera, aż znikną grudki.
Malowanie farbami olejnymi. Jak pokazało wielowiekowe doświadczenie, malarstwo olejne jest mniej odpowiednie do malowania niż inne. Jest to gęsta, nieprzepuszczalna warstwa farby, która uniemożliwia samowentylację ściany. Ta wada wymaga specjalnego przygotowania ściany, utrzymania odpowiednich warunków temperaturowo-wilgotnościowych w pomieszczeniu, aby zabezpieczyć obraz przed wilgocią, która może gromadzić się wewnątrz i powodować zniszczenie obrazu. Przykładem tego jest historia obrazu Leonarda da Vinci „Ostatnia wieczerza”. W okresie renesansu malarze olejni na próżno poszukiwali środków przeciwdziałających zmianie i zniszczeniu malarstwa pod wpływem zawilgoconych ścian. Pomimo tego, że fresk kwitło wówczas malarstwo temperowe, Leonardo da Vinci preferował olej, gdyż pozwalał on na rozciągnięcie procesu pracy. Pomimo starannego przygotowania powierzchni ścian w tamtym czasie, większość arcydzieła zawaliła się – głównie z powodu wilgoci. Kolejna wada oleju malowanie to błyszcząca powierzchnia, która utrudnia oglądanie obrazu ze wszystkich punktów pomieszczenia. Jednak pomimo oczywistych mankamentów ściany często zdobiono takimi obrazami.
Przygotowanie ścian i sufitów do malowania olejnego nie różni się od przygotowania do malowania wysokiej jakości. Wstępnie wypoziomowaną i otynkowaną powierzchnię należy przeszlifować tak, aby była gładka i miała drobnoziarnistą fakturę. Do tego celu najlepiej nadaje się tynk wapienny. Musi być suche
Wysuszony tynk można zaimpregnować kwasem linolenowym, roztworem węglanu amonu lub siarczanu cynku, olejem lnianym, pokryć podkładem olejowym lub olejem schnącym. Ale lepiej w ogóle nie pisać na tynku, tylko oddzielić obraz od ściany, wbijając go w ostatnią płytę (wielkości obrazu) z łupka (wolnego od pirytu żelazowego) i bolenia, blachy (cynowej, miedź, aluminium), płyta drewniana lub linoleum. W niektórych przypadkach na tynk przykleja się płótno. Naklejka jest produkowana na wstępnie naoliwionej powierzchni, która nadal pozostawia lekkie kłaczki. Najpierw płótno nasączone schnącym olejem przykleja się do gwoździ, a następnie za pomocą dłoni lub wałka dociska się do ściany, wykonując ruchy dłonią od środka do krawędzi. W niektórych przypadkach obraz nakłada się na podłoże, mocuje do ściany na noszach, zachowując między nimi pewien odstęp. Jako podstawę stosuje się płótno lniane o średniej grubości i gęstości, bez sęków i rzadkich włosków. Rama pomocnicza wykonana jest z suchego drewna. Płótno jest rozciągane równomiernym wysiłkiem od środka do krawędzi, a następnie gruntowane.
Obraz wykonany artystycznymi farbami olejnymi w tubkach. Głównymi wadami obrazów olejnych są więdnięcie, czyli utrata połysku i nasycenia kolorów, pęknięcia. Głównymi przyczynami takiego stanu rzeczy są porowaty podkład wchłaniający olej z farb, nadmierna ilość lotnych rozpuszczalników, nakładanie farby na niedostatecznie wyschniętą poprzednią warstwę, nakładanie zbyt grubych warstw farby oraz starzenie się powłoki farby. Powstałe zwiędłe miejsca eliminuje się poprzez impregnację olejem lub pokrywa specjalnymi lakierami.
Malowanie farbami klejowymi. Malowanie samoprzylepne, podobnie jak freski, jest jednym z najstarszych. Ze względu na łatwość wykonania, porównywalną taniość materiałów, a także piękną, zwiewną, a jednocześnie aksamitną barwę, nadal cieszy się popularnością. Pomimo pewnych niedociągnięć, w warunkach normalnej eksploatacji budynków, pozostaje przez długi czas i nie traci swojej pierwotnej świeżości. Spoiwa do farb klejowych to odmiany klejów zwierzęcych (klej kostny lub rybny) rozpuszczalnych w ciepłej wodzie. Malowanie samoprzylepne łatwo zmyć lub rozmazać wodą. Jego głównym wrogiem jest zwiększona wilgotność powietrza w pomieszczeniu (wraz z nim klej traci zdolność wiązania). Dodatki ałunu do koloru sprawiają, że folia klejąca jest wodoodporna, ale zmieniają właściwości farby: staje się ona lepka, co utrudnia pracę. Nadmiar kleju pogarsza malowniczą jakość koloru, prowadzi do pęknięć i łuszczenia się. Im mniej kleju zawiera roztwór, tym piękniejsza i dźwięczna jest farba.
Obrazy samoprzylepne wykonywane są bezpośrednio na przyklejonym do niego gipsie lub płótnie. Niektórzy artyści malują na płótnie naciągniętym na noszach. Następnie płótno przykleja się do powierzchni ściany lub sufitu. Nie jest łatwo przykleić gotową pracę, gdyż tego rodzaju malarstwo nie jest tak elastyczne jak olej czy tempera. Dlatego możliwe są pęknięcia lub łuszczenie się farby z podłoża. W celu zwiększenia elastyczności do roztworu kleju wprowadza się odrobinę pasty z mąki, gliceryny lub oleju suszącego.
Przed rozpoczęciem malowania na tynku nakłada się na niego roztwór mydła lub siarczanu miedzi w następujących proporcjach: 1 kg mydła pobiera się na 16 litrów wody i 1,2 kg siarczanu miedzi na tę samą ilość wody. Rast-złodzieje są nakładani na gorąco. Po wyschnięciu na wierzch nakłada się biały podkład. Pracując z farbami klejącymi należy pamiętać, że po wyschnięciu znacznie rozjaśniają się, jak wszystkie farby na bazie wody.
Malowanie woskiem. Technika malowania farbami woskowymi jest dość stara. Wosk jest substancją bardzo stabilną i w normalnych warunkach może pozostać niezmieniony przez długi czas. W przeciwieństwie do oleju wosk nie utlenia się, nie tworzą się w nim pęknięcia, nie rozpuszcza się w wodzie, nie jest nawet przez nią zwilżany. Wadą wosku jest łatwopalność. W eterze, terpentynie, benzynie, wosku rozpuszczają się bez ogrzewania, a w olejach tłustych - po podgrzaniu.
Najczęściej stosuje się dwie metody malowania woskiem: na gorąco (pigmenty wciera się najpierw w roztopiony wosk, następnie farbę woskową roztapia się na specjalnej palecie i nakłada na powierzchnię za pomocą gorącego metalowego narzędzia) i na zimno (farby woskowe nakłada się na zimno za pomocą Szczotka). Jako spoiwo stosuje się roztwory wosku lub emulsje.
Podstawą malowania woskiem jest drewno, gips, plastik, kamień, które nie mają wypolerowanej powierzchni. Podkład nie jest wymagany.
Malarstwo temperowe. Tempera, wraz z freskami, ze względu na swoje walory była bardzo popularna w średniowieczu i w okresie renesansu, a ze względu na pracochłonność tego ostatniego często stosowano te dwie metody w jednym dziele. W zależności od składu spoiwa tempera ma większą lub mniejszą gęstość i dlatego w różnym stopniu (ale wciąż mniej niż olej) zamyka pory muru i ma inny odcień.
Do malowania najlepiej nadają się tempery jajeczne i kazeinowe. Stary przepis na temperę do malowania: całe jajko, słaby ocet winny lub stołowy (piwo, kwas chlebowy, wino rozcieńczone wodą) w ilości równej objętości jajka.
Do malowania ścian wykorzystuje się także temperę kazeinową o różnym składzie, za bardziej odpowiednią uważa się temperę zawierającą mniejszą ilość olejów i żywic. Ma jaśniejszą i zwiewną tonację, w mniejszym stopniu zaburza „oddychanie” ścian. Tempera kazeinowa ma wysoką przyczepność. Dobrze wiąże się z powierzchnią materiału, na który jest nakładana, dlatego wymaga mocnego tynku i gęsta gleba, w przeciwnym razie może rozerwać powierzchnię.
Farbę nakłada się na tynk wapienny, który może składać się z dwóch warstw. Pierwsza zawiera gruboziarnisty piasek i wapno, druga - pokruszony marmur (przepuszczony przez drobne sito) i wapno; lub na jedną część wapna bierze się dwie części alabastru; lub alabaster zmieszany z kruszonym marmurem. Rezultatem jest gładka powierzchnia w kolorze białym.
Aby nie bawić się tynkiem, możesz przykleić płótno z gotowym obrazem lub czyste płótno do malowania na ścianie. Malarstwo temperowe, wykonane na płótnie (z drobnoziarnistej tkaniny lnianej lub konopnej), naklejonym na tynk (za pomocą pasty na mące żytniej, do której wprowadza się kalafonię i zasady zwiększające lepkość), charakteryzuje się dużą wytrzymałością. W razie potrzeby można go zdjąć ze ściany lub sufitu i przenieść w inne miejsce. Płótno średniej gęstości zagruntowuje się jednorazowo grubą warstwą. Jeśli chcemy uzyskać idealnie brzydką powierzchnię, płótno zagruntujemy od trzech do sześciu razy (cienką warstwą podkładu na bazie emulsji jajecznej lub kazeinowej z niewielką zawartością oleju), a następnie podkład przeszlifujemy płótnem ściernym.
Malowanie nowoczesnymi kolorami. Ponieważ zainteresowanie malarstwem nie słabnie, współcześni artyści starają się znaleźć prostsze metody, które nie ustępują tradycyjnym ani pod względem jakości, ani trwałości. Przykładem tego jest malowanie silikatowe. W tym przypadku jako spoiwo do farb stosuje się szkło o określonym składzie (krzemian potasu). Ma postać syropowatej, bezbarwnej lub zabarwionej cieczy, dobrze rozcieńczonej wodą, posiadającej właściwości klejące. Paleta malarstwa silikatowego jest identyczna jak fresk. To prawda, że po naprawie farba trochę ciemnieje.
Czasem artyści wykorzystują do prac graficznych farby przeznaczone do malowania ścian wewnętrznych – lateksowe, wodne, dyspersyjne, wodno-emulsyjne, akrylowo-dyspersyjne, wodno-lateksowe, częściej jednak akrylowe, do prac plastycznych, które mają szeroką paletę rockową. Te ostatnie nie blakną z czasem, a nawet stają się jaśniejsze. W zależności od ilości rozcieńczalnika lub wody efekt jest olejny, gwaszowy lub akwarelowy. Na koniec pracy obraz pokrywany jest matowym lub półpołyskowym werniksem akrylowym, który tworzy warstwę ochronną. Dziś artyści z reguły nie piszą bezpośrednio na ścianach, ale jako podstawę wykorzystują karton, sklejkę, nosze z naciągniętym płótnem. Takie dzieła malarskie można przenieść do innego pokoju lub domu w przypadku zmiany miejsca zamieszkania.
Malarstwo monumentalne zawsze kojarzone jest z architekturą. Zdobi ściany i sufity budynków użyteczności publicznej. Dawniej malowali głównie świątynie, obecnie – pałace kultury, dworce, hotele, sanatoria, stadiony. Takie obrazy muszą być wykonane z trwałych materiałów, aby mogły współistnieć z budynkami przez wieki. Twórcy murali, przedstawiających wydarzenia historyczne lub sceny z ich współczesnego życia, starają się przekazać swoje wyobrażenie o świecie, zaawansowane idee swoich czasów. Malarstwo monumentalne kształtuje gust artystyczny szerokich mas widzów.
VI Lenin przywiązywał dużą wagę do malarstwa monumentalnego. W 1918 r. W rozmowie z Ludowym Komisarzem Oświaty A. V. Łunaczarskim W. I. Lenin zauważył: „Campanella w swoim „Słonecznym Państwie” mówi, że na ścianach jego socjalistycznego miasta namalowane są freski, które służą młodym ludziom jako wizualna lekcja nauk przyrodniczych ludzie. , historie, wzbudzają poczucie obywatelskie, jednym słowem uczestniczą w wychowaniu nowych pokoleń. Wydaje mi się, że nie jest to wcale naiwne i przy pewnej zmianie mogłoby zostać przez nas teraz przyswojone i wdrożone… ”(O Campanelli, patrz t. 8 DE, artykuł„ Tommaso Campanella ”). Lenin nazwał taką sztukę „propagandą monumentalną”, podkreślając w ten sposób siłę oddziaływania sztuki monumentalnej na szerokie masy ludu pracującego.
Jakie są zadania muralisty?
Malarstwo monumentalne umiejscowione jest na ścianach, stropach, sklepieniach, często przechodzi z jednej ściany na drugą. Oglądają obrazy poruszając się po budynku, czasem nawet z ulicy, przez duże okna nowoczesnych budynków. Innymi słowy, malarstwo monumentalne postrzegane jest w ruchu z różnych punktów widzenia, a jednocześnie nie powinno tracić na wpływie na widza.
Muralista potrafi w malarstwie rozwinąć złożoną narrację, połączyć wydarzenia, które miały miejsce w różnych miejscach i czasie. W ten sposób wielki włoski artysta Michał Anioł przedstawił wiele scen biblijnych na suficie Kaplicy Sykstyńskiej w Rzymie, łącząc je w jedną złożoną kompozycję (1508 - 1512; patrz ilustracja, s. 132).
Malarstwo monumentalne pojawiło się już dawno temu, jako miejsce zamieszkania człowieka. Już na ścianach jaskiń, w których schronił się prymitywny człowiek, można zobaczyć sceny myśliwskie wykonane dzięki niesamowitej obserwacji lub po prostu wizerunki poszczególnych zwierząt (patrz artykuł „Sztuka prymitywna”).
Studiując historię kultur starożytnych, wszędzie spotykamy zabytki malarstwa monumentalnego. Nie tylko sprawiają nam przyjemność artystyczną, ale także opowiadają o życiu, życiu, pracy, wojnach ludów starożytnego Egiptu, Indii, Chin, Meksyku i innych krajów.
Erupcja Wezuwiusza w 79 r. pokryła popiołem bogate miasto Cesarstwa Rzymskiego, Pompeje. Dzięki temu wiele murali zachowało dla nas nietykalną świeżość. Część z nich, usunięta ze ścian, zdobi obecnie muzeum w Neapolu.
Drugi okres rozkwitu malarstwa monumentalnego we Włoszech wiąże się z renesansem (XIV - XVI wiek). Freski Giotta, Masaccio, Piero della Francesca, Mantegny, Michała Anioła, Rafaela i artystów naszych czasów są przykładami umiejętności artystycznych (patrz Sztuka włoskiego renesansu).
Kultura artystyczna starożytnej Rusi znalazła swój wyraz także w zabytkach malarstwa monumentalnego. Malarstwo monumentalne przybyło na Ruś z Bizancjum po przyjęciu chrześcijaństwa, ale szybko nabrało cech narodowych, rosyjskich. Mimo że tematyka obrazów miała charakter religijny, rosyjscy artyści portretowali otaczających ich ludzi. Ich święci to prości Rosjanie i proste Rosjanki, to cały naród rosyjski w jego najszlachetniejszych rysach. Głównymi ośrodkami malarstwa monumentalnego na Rusi były Kijów, Nowogród, Psków, Włodzimierz, Moskwa, a później Jarosław (patrz artykuł „Sztuka staroruska”). Ale nawet poza tymi dużymi, starożytnymi miastami, w cichych, odległych klasztorach, powstawały też ciekawe obrazy.
W odległym klasztorze Ferapontow, osłoniętym nad jeziorami dawnej prowincji Wołogdy, wielki rosyjski artysta Dionizjusz stworzył murale, które zachwycają muzycznymi formami, delikatnością i wspaniałym doborem kolorów. Farby do obrazów Dionizy przygotowane z wielobarwnych kamieni, które posypały brzeg jeziora w pobliżu klasztoru.
Andriej Rublow, Dionizjusz, Feofan Grek zawdzięczają rosyjskiemu malarstwu monumentalnemu najwyższe osiągnięcia. Ale oprócz tych wielkich mistrzów, dziesiątki i setki artystów, których nazwiska pozostały nieznane, stworzyło wiele obrazów w Rosji, Ukrainie, Gruzji i Armenii.
W naszych czasach, ze względu na ogromną skalę budownictwa, pojawiły się nowe możliwości rozwoju malarstwa monumentalnego. Radzieccy artyści V. Favorsky, A. Deineka, E. Lansere, P. Korin i inni nadali tej sztuce wiele twórczej energii.
Murale różnią się w zależności od techniki wykonania: fresk, malarstwo temperowe, mozaika, witraż.
Słowo fresk jest często błędnie używane w odniesieniu do malarstwa ściennego. Słowo to pochodzi od włoskiego słowa „al fresco”, co oznacza „świeży”, „surowy”. I rzeczywiście fresk jest napisany na surowym tynku wapiennym. Farby – suchy pigment, czyli barwnik w proszku – rozcieńcza się w czystej wodzie. Po wyschnięciu tynku zawarte w nim wapno uwalnia najcieńszą skorupę wapienną. Skorupa ta jest przezroczysta, utrwala znajdujące się pod nią farby, sprawia, że obraz jest nieścieralny i bardzo trwały. Takie freski dotarły do nas na przestrzeni wieków niewiele się zmieniły.
Czasami już wyschnięty fresk maluje się temperą - farbami rozcieńczonymi na kleju jajecznym lub kazeinowym. Tempera to także samodzielny i bardzo powszechny rodzaj malarstwa ściennego.
Mozaika nazywana jest malarstwem, ułożona z małych kolorowych kawałków kamienia lub smalty - nieprzezroczystego kolorowego szkła specjalnie zespawanego do mozaiki. Płytki smaltowe nakłuwa się w kostki o pożądanej przez artystę wielkości i z tych kostek, według szkicu i rysunku wykonanego w pełnym rozmiarze (wg tzw. tektury), zostaje wypisany na maszynie obraz. Wcześniej kostki umieszczano w mokrym tynku wapiennym, obecnie umieszcza się je w cemencie zmieszanym z piaskiem. Cement twardnieje, a kostki kamienia lub smalty są w nim mocno osadzone. Mozaikę znali już starożytni Grecy i Rzymianie. Rozpowszechniano go także w Bizancjum, krajach bałkańskich i we Włoszech. Włoskie miasto Rawenna jest szczególnie znane ze swoich mozaik (patrz Sztuka Bizancjum).
Kościół św. Sofii w Kijowie. Powstały w XI wieku. wraz z rosyjskimi mistrzami, greckimi artystami zaproszonymi przez księcia Jarosława.
Wielkim entuzjastą mozaiki był M.V. Łomonosow. Zorganizował warsztaty mozaikowe w Petersburgu i zapoczątkował gotowanie smalty.
W Związku Radzieckim starożytna sztuka mozaiki przeżywa nowy rozkwit. Mozaiki można zobaczyć na stacjach moskiewskiego metra, na fasadzie Moskiewskiego Pałacu Pionierów itp.
Witraż składa się z kawałków przezroczystego, kolorowego szkła, połączonych według wzoru za pomocą lutowania ołowiem. Powstałe w ten sposób obrazy wstawiane są w otwory okienne. Kolorowe okulary przepuszczają światło i same świecą. Nowoczesna technologia pozwala na wykonanie witraży także innymi sposobami.
Witraże były szczególnie powszechne w średniowieczu (patrz Sztuka średniowiecza w Europie Zachodniej i Środkowej). Witraże można zobaczyć w każdej gotyckiej katedrze.
Wszystkie te metody malarstwa monumentalnego istnieją od bardzo dawna, są szeroko stosowane w naszych czasach. Na bazie żywic syntetycznych i innych nowoczesnych materiałów rozwijana jest także nowa technika malarstwa monumentalnego.
Ministerstwo Edukacji i Nauki Federacji Rosyjskiej
Federalna państwowa budżetowa instytucja edukacyjna wyższej edukacji zawodowej
NOWGORODSKI UNIWERSYTET PAŃSTWOWY IMIENIA JAROSŁAWA MĄDREGO
Katedra „Wzornictwa”
Sztuka monumentalna i dekoracyjna.
Rodzaje MDI.
Streszczenie dyscypliny
(„Sztuka monumentalna i dekoracyjna”)
specjalność 070601.65 - wzornictwo
specjalizacja 070601С – projektowanie środowiska
Kierownik:
Sokolova D.V.
Grupa studencka 7403
Waniaszow I.V.
Wielki Nowogród.
2012
Wprowadzenie…………………………………………………………….…....3
Zadania i zasady sztuki monumentalnej.………………………..4
Malarstwo monumentalne………………………………………………9
Mozaika……………………………………………………………………….15
Fresk………………………………………………………………….......22
Witraże………………………………………………………………………24
Rzeźba dekoracyjna i monumentalna……………………………30
Wykaz wykorzystanej literatury………………………………….…34
Załącznik……………………………………………………………..35
Wstęp.
Monumentalność w historii sztuki, estetyce i filozofii odnosi się ogólnie do tej właściwości obrazu artystycznego, która w swojej charakterystyce wiąże się z kategorią „wzniosłości”. Słownik Władimira Dahla podaje taką definicję słowa monumentalny - „chwalebny, sławny, rezydujący w formie pomnika”. Dzieła obdarzone cechami monumentalności wyróżniają się treścią ideologiczną, doniosłą społecznie lub polityczną, ucieleśnioną w wielkoformatowej, wyrazistej, majestatycznej (lub majestatycznej) formie plastycznej. Monumentalność występuje w różnych typach i gatunkach sztuk pięknych, jednak jej walory uważa się za niezbędne w przypadku dzieł sztuki monumentalnej właściwej, w której stanowi ona podłoże artyzmu, dominujący psychologiczny wpływ na widza. Nie należy przy tym utożsamiać pojęcia monumentalności z samymi dziełami sztuki monumentalnej, gdyż nie wszystko, co powstaje w nominalnych granicach tego typu przedstawienia i dekoracyjności, posiada cechy i walory autentycznej monumentalności.
Zadania i zasady sztuki monumentalnej.
Dzieła sztuki monumentalnej, wchodzące w syntezę z architekturą i krajobrazem, stają się ważną dominacją plastyczną lub semantyczną zespołu i obszaru. Elementy figuratywne i tematyczne fasad i wnętrz, pomniki czy kompozycje przestrzenne są tradycyjnie dedykowane lub poprzez swoje cechy stylistyczne odzwierciedlają współczesne nurty ideowe i trendy społeczne, ucieleśniają koncepcje filozoficzne. Zwykle dzieła sztuki monumentalnej mają na celu utrwalenie wybitnych postaci, znaczących wydarzeń historycznych, ale ich tematyka i orientacja stylistyczna są bezpośrednio związane z ogólnym klimatem społecznym i atmosferą panującą w życiu publicznym.
Pragnienie symbolicznego przedstawienia wzniosłych, powszechnie znaczących zjawisk i idei determinuje i dyktuje majestat i znaczenie form dzieł, odpowiednich technik kompozytorskich oraz zasad uogólnienia detalu lub miary jego wyrazistości. Poszczególne prace pełnią rolę pomocniczą w stosunku do obiektów architektonicznych, będąc dopełnieniem, wzmacniającym wyrazistość ich ogólnej struktury i cech kompozycyjnych. Pewna zależność funkcjonalna szeregu ugruntowanych rodzajów sztuki monumentalnej, ich pomocnicza rola, wyrażająca się w rozwiązywaniu problemów dekoracyjnej organizacji ścian, różnych elementów architektonicznych, fasad i stropów, zespołów krajobrazowych lub samego krajobrazu, gdy prace były zamierzone bowiem obdarzone są walorami architektonicznymi i zdobniczymi lub właściwościami estetyzacji aranżacyjnej, wpływa ich przypisanie do sztuka monumentalna i dekoracyjna. Jednak pomiędzy tymi odmianami sztuki monumentalnej nie ma ścisłej linii oddzielającej je od siebie. Jedna z głównych cech sztuki monumentalnej, która ma określone walory, ściśle uogólnione formy lub dynamikę współmierną do treści. polega na tym, że w większości przypadków są one wykonane z trwałych materiałów.
Sztuka monumentalna nabiera szczególnego znaczenia w okresach globalnych przemian społeczno-politycznych, w czasach rozkwitu społecznego, rozkwitu intelektualnego i kulturalnego, w zależności od stabilności rozwoju narodowego, kiedy wzywa się kreatywność do wyrażania najistotniejszych idei. Liczne tego przykłady dają zarówno sztuka prymitywna, jaskiniowa, rytualna (konstrukcje megalityczne i ciemne), sztuka starożytnego świata jako całości, jak i najbardziej wyraziste przykłady sztuki monumentalnej starożytnych Indii, starożytnego Egiptu i starożytności, dzieła tradycji kulturowych Nowego Świata. Zmieniające się postawy religijne, przemiany społeczne dostosowują się do trendów wyraźnie widocznych w sztuce monumentalnej. Dobrze pokazuje to sztuka średniowiecza i renesansu. W Rosji, podobnie jak w innych państwach, zaobserwowano również podobną cykliczną zależność, którą reprezentują monumentalne dzieła średniowiecza - katedry starożytnych miast rosyjskich, w których zachowały się freski, mozaiki, ikonostasy i dekoracje rzeźbiarskie, rzeźba z epoki Piotra do okres przemian ustrojowych, który rozpoczął się w pierwszej ćwierci XX wieku, kiedy zaczęto wykorzystywać monumentalizm do celów ideologicznych i propagandowych. Stopień uzasadnienia dramatu, stosowność motywacji patosu lub patosu dogmatycznego, „asortyment” tematyczny są w końcu nieuchronnie odciśnięte także w dziełach sztuki monumentalnej.
Okresom niepokojów towarzyszą drobne tematy, które dotyczą nie tylko uniwersalnego tematycznie gatunku rzeźba ogrodnicza krajobrazowa, gdzie dopuszczalna jest obecność „literackiego” początku, ale także na plastiku w ścisłym, spójnym stylistycznie środowisku miejskim, które niszczy organiczną jedność tego ostatniego, wypełniając jego otoczenie dekoracyjnym rzemiosłem eklektycznym, sentymentalnymi fabułami, mnożąc przykłady prowincjonalny gatunek zwierzęcy, strukturalnie podobny do małego plastiku, wątpliwy nie tylko pod względem smaku, ale także profesjonalizmu; naturalną reakcją na takie przejawy jest powrót do formalnego tradycjonalizmu, potrzeba „ożywienia” kulturowego bohatera i zwrócenia się ku nowemu pseudoepickiemu tematowi. co utrudnia brak oznak „porządku społecznego” epoki budowania form… Sztuka monumentalna ze swojego przeznaczenia nie może kierować się gustami publiczności, chcąc ją zadowolić, ma na celu kultywowanie zrozumienie harmonii i wysokiego piękna; jednocześnie muralista musi być w stanie przeciwstawić się żądaniom „elitarnej” mniejszości społecznej. Pusty „dekoratywizm” i niewyraźne, nieprzekonujące pod żadnym względem przykłady sztuki figuratywnej, poza przygnębieniem, nie wnoszą nic do żadnego otoczenia. Oto bardzo wymowny przykład nowoczesności, stylu, który formalnie i ideologicznie sprzeciwia się występowaniu w sztuce monumentalnej (z wyjątkiem, w niektórych przypadkach, czysto „nowoczesnej” kompozycji ogólnej). a teraz - jako akcent stylistyczny w ramach koncepcji specjalnego projektu lub „scenariusza”, celowość rekonstrukcyjna. Pośrednie okresy poszukiwań stylu to okresy eklektyzmu i rekonstrukcyjnego pseudo- i pseudoklasycznego, „pseudogotyckiego”, „pseudorosyjskiego”, pompatycznego „mieszczańskiego” i kupieckiego „wzorzystego”. Brak ścisłego określenia, a w konsekwencji kategorycznego rozgraniczenia sztuki monumentalnej i monumentalno-dekoracyjnej, jest bezpośrednio zależny od ich oczywistego wzajemnego oddziaływania i przenikania się.
Jednocześnie istnieją na przykład dość produktywne kierunki monumentalna sztuka kinetyczna, którego prace są równie istotne zarówno w krajobrazie, jak i w środowisku nowoczesnej architektury, gdy uzasadnione jest odejście od posągowych żądań zespołu starego miasta, zmuszając artystę do kierowania się nie tylko taktem i przemyślanym podejściem do kompetencji instalacji w istniejącej kompozycyjnie wypełnionej przestrzeni, ale także przestrzegania stałej objętości. Ale kompozycje o różnym stopniu konwencjonalnej sztuki, obdarzone prawdziwymi oznakami plastycznej treści i perswazji, otrzymują, a nawet zdobywają, prawo do istnienia w niemal każdym zespole. Nawet wytwór kontrkultury, a nawet w formie antytezy, może aktywnie wkroczyć, a nawet wtargnąć w środowisko dowolnego zrealizowanego i ukończonego w czasie, wyczerpanego w swym rozwoju stylu, ale tylko wtedy, gdy jest to naprawdę dzieło i naprawdę - monumentalne sztuka. Sztuka antycypuje zmianę epok.
Wymogom sztuki monumentalnej rozwijającej się na przestrzeni wieków przedstawiono ogólne cechy plastyczne w harmonii ze składnikiem treściowym. Kryteria rozumienia retrospektywnej oceny obiektu we wszystkich aspektach zobowiązują nie tylko do podążania za adekwatnym rozumieniem przyszłości dzieła, ale także do znalezienia równoważnych realnych form.
Zrozumienie tego jest niezwykle trudne nawet dla specjalistów. W sztuce pytanie „jak?” jest uzasadnione, są zasady, proporcje i techniki, ale pytanie „co?” nie ma prawa istnieć. (z jednym wyjątkiem – porządkiem moralnym) w tej części nie ma ścisłych standardów. Preferencja nie zawsze jest oczywista, a obecnie pozornie akceptowalne „jedno rozwiązanie” nie zawsze ma uzasadnienie. Nie zawsze da się jednoznacznie odpowiedzieć na pytanie o dalsze losy dzieła, a jego obecność w konkretnym środowisku nie może być alternatywą jedynie dla określonej korespondencji semantycznej czy stylizacji. Każdemu twierdzeniu można przeciwstawić wystarczająco przekonujące argumenty, każda próba klasyfikacji może być obarczona sprzecznościami i mieć wyjątki. Doświadczenie historyczne pokazuje, że najmniej skuteczna i obarczona stagnacją jest ochronna i restrykcyjna ścieżka ideologicznej ingerencji w sprawy czysto zawodowe. Natomiast sztuka monumentalna ze względu na siłę oddziaływania i powszechną dostępność, jak każda sztuka, powinna być wolna od tej kwalifikacji. Ale ideał został tu ogłoszony i dopóki istnieje państwo i pieniądze, będzie ideologia i porządek - sztuka monumentalna jest od nich bezpośrednio zależna.
Obraz jest monumentalny.
monumentalne malarstwo- rodzaj malarstwa związany ze sztuką monumentalną i dekoracyjną. Do malarstwa monumentalnego zalicza się dzieła bezpośrednio związane z obiektami architektonicznymi, umieszczane na ścianach, stropach, sklepieniach, rzadziej na podłogach, a także wszelkiego rodzaju obrazy na tynku – jest to fresk, enkaustyka, tempera, malarstwo olejne (lub malarstwo na innym spoiwo), mozaiki, malownicze panele malowane na płótnie, specjalnie przystosowane do konkretnego miejsca w architekturze, a także witraże, sgraffito, majolika i inne formy dekoracji planarno-obrazowych w architekturze.
Sztuka monumentalna rozwija się szczególnie aktywnie, gdy kultura artystyczna epoki jest przesiąknięta wyraźnym patosem utwierdzania pozytywnych wartości społecznych. Początki malarstwa monumentalnego sięgają społeczeństwa prymitywnego. W menhirach, posągach kultowych i malowidłach naskalnych ucieleśnione są wyobrażenia prymitywnego człowieka o potędze sił natury, jego umiejętności pracy są ustalone. Wraz z pojawieniem się klas, relacje społeczne stały się decydujące dla sztuki monumentalnej. Zasady monumentalności i statyki, które dominowały w sztuce starożytnego Egiptu, w warunkach społeczeństwa posiadającego niewolników, powinny były przyczynić się do ugruntowania się idei nienaruszalności porządku społecznego i ubóstwiania osobowości władca (tzw. Wielki Sfinks w Gizie, ale w historycznie uwarunkowanej formie ucieleśniały także idee o potędze ludzkiego umysłu, zwycięstwie zbiorowości ludzkiej nad siłami natury). W okresie rozkwitu starożytnej greckiej demokracji niewolniczej powstały dzieła sztuki monumentalnej przepojone wiarą w piękno i godność człowieka (dekoracja rzeźbiarska ateńskiego Partenonu), które w wiernych formach ucieleśniały humanistyczne ideały starożytnej Grecji polis. Cała konstrukcja artystyczna gotyckiej katedry, jej dekoracja malarsko-rzeźbiarska wyrażała nie tylko idee hierarchii społecznej i kościelnej generowane przez ustrój feudalny, cały system średniowiecznego światopoglądu religijno-dogmatycznego, ale także rosnącą samoświadomość miast , patos pracy kolektywu gminy miejskiej (dekoracja rzeźbiarska katedr w Reims, Chartres, Naumburgu i in.). Ogólnokrajowy wzrost duchowy w epoce wysokiego renesansu we Włoszech (koniec XV - pierwsza tercja XVI wieku) wyraził się z całą siłą w dziełach sztuki monumentalnej, naznaczonych szerokością dźwięku publicznego, pełnych tytanicznych dźwięków. moc i intensywny dramat.
Katedra w Reims.
Ze względu na charakter treści i struktury figuratywnej wyróżnia się obrazy posiadające cechy monumentalności, będące najważniejszą dominującą cechą zespołu architektonicznego, oraz obrazy monumentalne i dekoracyjne, które zdobią jedynie powierzchnię ścian, sufitów, fasad, które niejako „rozpływają się” w architekturze. Malarstwo monumentalne nazywane jest także malarstwem monumentalno-dekoracyjnym lub dekoracją malarską, co podkreśla szczególny cel dekoracyjny murali. W zależności od funkcji dzieła malarstwa monumentalnego rozwiązywane są w sposób wolumenowo-przestrzenny lub planarno-dekoracyjny.
Malarstwo monumentalne zyskuje integralność i kompletność dopiero w interakcji ze wszystkimi elementami zespołu architektonicznego.
Najstarsze znane dekoracje ścienne to wydrapane sylwetki zwierząt w jaskiniach Dordogne we Francji i na południu Pirenejów w Hiszpanii. Prawdopodobnie stworzyli je Cro-Magnonowie pomiędzy 25 a 16 tys. p.n.e. Powszechnie znane są malowidła jaskiniowe Altamiry (Hiszpania) i doskonalsze przykłady tej sztuki z epoki późnego paleolitu w jaskini La Madeleine (Francja).
Malowidła jaskiniowe Altamiry.
Obrazy zwierząt z epoki górnego paleolitu z jaskini La Madeleine. Francja.
Malowidła ścienne istniały w przeddynastycznym Egipcie (5-4 tys. p.n.e.), np. w grobowcach Hierakonpolis (Hierakonpolis); na tych obrazach widoczna jest już tendencja Egipcjan do stylizowania postaci ludzkich. W epoce Starego Państwa (3-2 tys. p.n.e.) ukształtowały się charakterystyczne cechy sztuki egipskiej i powstało wiele pięknych malowideł ściennych. W Mezopotamii zachowało się niewiele malowideł ściennych ze względu na kruchość użytych materiałów budowlanych. Znane są obrazy figuratywne, odzwierciedlające pewną skłonność do realizmu w przenoszeniu natury, ale ozdoby są bardziej charakterystyczne dla Mezopotamii.
W 2 tys. p.n.e. Kreta staje się mediatorem kulturowym pomiędzy Egiptem a Grecją. W Knossos i innych pałacach wyspy zachowało się wiele fragmentów wspaniałych fresków, wykonanych z żywym realizmem, co znacznie odróżnia tę sztukę od hieratycznego malarstwa egipskiego. W Grecji w okresach przedarchaicznych i archaicznych malowidło ścienne nadal istniało, ale prawie nic z niego nie przetrwało. O rozkwicie tego gatunku w okresie klasycznym świadczą liczne wzmianki w źródłach pisanych; Szczególnie znane były malowidła ścienne Polignota w Propylejech ateńskiego Akropolu. Pod warstwą popiołu na ścianach domów w Pompejach, Herkulanum i Stabii, które zginęły podczas erupcji Wezuwiusza w 79 r., a także w Rzymie, zachowały się wspaniałe przykłady starożytnego rzymskiego malarstwa monumentalnego. Są to kompozycje polichromowane o różnorodnej tematyce, od motywów architektonicznych po złożone cykle mitologiczne, np. fresk Odyseusza w krainie Laestrigonów z domu na Eskwilinie w Rzymie; w takich kompozycjach widać doskonałą wiedzę artysty o naturze i umiejętność jej przekazania.
We wczesnym okresie chrześcijańskim (III-VI wiek) oraz w średniowieczu malarstwo monumentalne było jedną z wiodących form sztuki. W tym okresie ściany i sklepienia katakumb ozdobiono freskami, a następnie malowidła ścienne i mozaiki stały się głównymi rodzajami monumentalnej dekoracji świątyń zarówno w zachodnim imperium rzymskim (do 476 r.), jak i w Bizancjum (4-15 w.) i innych krajów Europy Wschodniej. W średniowieczu w Europie Zachodniej kościoły dekorowano głównie freskami lub malowidłami na suchym tynku; we Włoszech nadal istniały również mozaiki. W malowidłach ściennych w stylu romańskim (XI-XII w.), w przeciwieństwie do malarstwa klasycznego i renesansowego, nie ma zainteresowania plastycznym modelowaniem bryły i przenoszeniem przestrzeni; są płaskie, warunkowe i wcale nie starają się wiernie odtworzyć otaczającego świata.
Modelarstwo plastyczne pojawia się ponownie w twórczości włoskich mistrzów końca XIII i początku XIV wieku, zwłaszcza Giotta. We Włoszech w okresie renesansu fresk był niezwykle rozpowszechniony. W swoich pracach artyści tej epoki starali się osiągnąć maksymalny pozór rzeczywistości; interesowało ich przede wszystkim przeniesienie objętości i przestrzeni.
Artyści wysokiego renesansu również zaczynają eksperymentować z technikami malarskimi. I tak kompozycja Ostatnia wieczerza Leonarda da Vinci w refektarzu klasztoru Santa Maria delle Grazie w Mediolanie została namalowana farbą olejną na słabo przygotowanej powierzchni ściany. Jednak z biegiem czasu bardzo ucierpiał i stał się prawie nie do odróżnienia pod warstwą późniejszych aktualizacji. W XVI – XVIII w we włoskim malarstwie monumentalnym rośnie pragnienie przepychu, dekoracyjności i iluzjonizmu.
W 19-stym wieku malowidła ścienne były często używane do dekoracji budynków użyteczności publicznej zarówno w Europie, jak i Ameryce. W XX wieku malarstwo monumentalne i dekoracyjne przeżyło nowy rozkwit dzięki działalności meksykańskich artystów D. Rivery, J. Orosco i D. Siqueirosa.
Mozaika
Mozaika (francuska mozaika, włoska mozaika z łac. (opus) musivum - (dzieło) poświęcone muzom) - sztuka dekoracyjna, użytkowa i monumentalna różnych gatunków, której dzieła polegają na tworzeniu obrazu poprzez układanie, pisanie na maszynie i utrwalanie powierzchnia (zwykle - na płaszczyźnie) wielobarwnych kamieni, smalty, płytek ceramicznych i innych materiałów.
Historia mozaiki
Historia mozaiki sięga drugiego piętra. 4 tysiąclecie p.n.e mi. - czas, na który datowana jest zabudowa pałaców i świątyń sumeryjskich miast Mezopotamii: Uruk, Ura, Eridu.
Mozaika stożkowa. Uruk. Mezopotamia. 3 tys pne mi.
Mozaika składała się z patyków-stożków z wypalanej gliny o długości 8-10 cm i średnicy 1,8 cm, które układano na zaprawie glinianej. Obraz powstał z końców tych stożków, które pomalowano, zwykle na kolor czerwony, czarno-biały. Wykorzystano motywy geometryczne: romb, trójkąt, zygzak.
Wczesny przykład techniki inkrustacji, czyli techniki mozaiki opus sectile, którą w starożytności nazywano, a później rozwinięto w technikę mozaiki florenckiej, można uznać za artefakt umownie nazywany „Standartem z Ur” (2600-2400 p.n.e.). Do VIII wieku p.n.e mi. zawierają wczesne przykłady zastosowania techniki mozaikowej z nieobrobionych otoczaków, która stanowiła jeden z etapów rozwoju technik mozaikowych, a pod koniec została przez Rzymian lekceważąco nazwana opus barbaricum. Podczas wykopalisk odkryto zdobione żwirowe podłogi Altyn-tepe (wschodnia Anatolia) i pałac w Arslan-tash (Asyria), ale najbogatszym zabytkiem są mozaiki żwirowe Gordion.
Gordiona. VIII w. pne mi. W latach dziewięćdziesiątych mozaiki zostały częściowo zdemontowane i przewiezione do muzeum. Nowoczesne zdjęcie.
Pierwsze antyczne mozaiki wykonane z surowych otoczaków odnaleziono w Koryncie i datowano aż do końca. V w. pne mi. Są to konturowe wizerunki ludzi, zwierząt, stworzeń mitologicznych, ozdobione ornamentami geometrycznymi i roślinnymi, wykonane najczęściej w kolorze białym na czarnym, stylistycznie nawiązującym do malarstwa wazowego z czerwonofigurowymi postaciami. Podobne próbki z IV w. PNE. spotykany także w Olyncie, Sicyonie, Eretrii. Ważnym krokiem w stronę realizmu były mozaiki z Pelli (koniec IV wieku p.n.e.).
W starożytnym Rzymie podłogi i ściany willi, pałaców i łaźni były wykładane mozaikami. Mozaiki rzymskie wykonywano z małych kostek bardzo gęstego szkła – smalty, ale nierzadko stosowano drobne kamienie i otoczaki.
Epokę Cesarstwa Bizantyjskiego można uznać za najwyższy rozkwit sztuki mozaikowej. Mozaiki bizantyjskie stają się bardziej wyrafinowane, stosuje się mniejszy moduł kamieni i delikatny mur, tło obrazów staje się przeważnie złote.
Bizantyjska mozaika
Mozaiki były szeroko stosowane w projektowaniu pałaców władców Wschodu. Pałac Chanów Szekich jest wybitnym dziełem średniowiecznej architektury Azerbejdżanu. Gdyby nie było innych starożytnych budowli Azerbejdżanu, wystarczyłoby pokazać całemu światu tylko Pałac Chanów Szekich.
Pałac Chanów Szekich, uważany za jeden z cennych zabytków architektury XVIII wieku w Azerbejdżanie, został zbudowany w 1762 roku przez Huseykhana. Pałac, który kiedyś był częścią kompleksu budynków pałacowych i służył jako rezydencja chanów Sheki, jest budynkiem dwupiętrowym. Fasada pałacu to podnoszona kratowa rama z zestawem shebeke – wielobarwnych małych okularów. Wielobarwny wzór szebeke barwnie uzupełnia murale pokrywające ściany pałacu.
Pałac Chanów Szekich
W drugiej połowie XVIII w. w Chanacie Szekskim duży rozwój osiągnęła sztuka malarstwa, bezpośrednio związana z architekturą i budownictwem. Wszystkie znaczące obiekty architektoniczne miasta Sheki były bogato zdobione malowidłami ściennymi, które w tamtym czasie były najpopularniejszym rodzajem techniki malarskiej. Dowodem na to są próbki malarstwa z pałacu chanów Szeków, które przetrwały do dziś i nie utraciły swojej artystycznej wyrazistości.
Malowidła ścienne poświęcone były różnorodnej tematyce: scenom polowań na dzikie zwierzęta, bitwom, zdobieniom roślinnym i geometrycznym, rysunkom stworzonym na podstawie „Khamse” (Pięć), genialnego azerbejdżańskiego poety Nizami Ganjavi, scenom z życia pałacowego, codziennym szkicom z życia chłopskiego itp. e. Głównie używane kolory, takie jak niebieski, czerwony, złoty, żółty. Na plafonie sali pałacu chanów Szekich zaszyfrowane jest imię utalentowanego malarza Abbasa Kuli. Należy zauważyć, że ściany pałacu były odnawiane wielokrotnie, dlatego też można tu znaleźć obrazy wykonane przez mistrzów żyjących w różnych czasach. Pałac Chanów Szekich (Azerbejdżan)
Mozaika w Rosji
Na Rusi mozaika pojawia się wraz z przyjęciem chrześcijaństwa, lecz nie zyskuje dystrybucji ze względu na wysoki koszt materiału importowanego z Konstantynopola.
Mozaiki M.V. Łomonosowa są częścią działalności naukowca, która łączy promocję dwóch ważnych i ściśle powiązanych obszarów jego pracy: rozwój założonej przez niego nauki o szkle, tutaj jest ona stosowana, oddana w służbie specjalny rodzaj szkła - topienie, tzw. szkło głuche, smalta - niezwykle piękny materiał nadający się do celów artystycznych - tworzenie różnorodnych dzieł mozaikowych - w tym przypadku główny kierunek, który zakłada zadowolenie z dość szerokiego zakresu zainteresowań i potrzeb – począwszy od przedmiotów użytkowych (koraliki, blaty składu, dodatki, dekoracje mebli i małe formy architektoniczne, elementy wyposażenia wnętrz).
Pierwsza mozaika M. V. Łomonosowa.
Niezłomna energia naukowca, determinacja przyczyniły się do tego, że jego aspiracje miały się spełnić: w specjalnym aneksie jego domu na Wyspie Wasiljewskiej otwarto pracownię zestawu mozaikowych obrazów, w której rozpoczął zajęcia ze swoimi pierwszymi uczniami - artystami mozaiki Matveyem Wasiljewiczem Wasiljewem i Efimem Tichonowiczem Mielnikowem. A sam M.V. Łomonosow był pierwszą osobą w Rosji, która zaczęła opanowywać technikę składu mozaikowego na podstawie własnego doświadczenia i własnych rąk. Demonstruje cechy niepowtarzalnego zamysłu artystycznego, szlachetny patos idei. Mając trzeźwe spojrzenie na sztukę, M.V. Łomonosow w najkrótszym możliwym czasie staje na czele grupy artystów, którzy zasłynęli z tworzenia najwyższej klasy obrazów mozaikowych, porównywalnych pod względem jakości z najlepszymi obrazami do niezależnych dzieł sztuki - „obrazów mozaikowych” i monumentalnych paneli, odrodzenie tego zapomnianego rzemiosła i sztuki.