Dzieło genialnego Rembrandta (1606-1669) jest jednym ze szczytów malarstwa światowego. Niezwykła rozpiętość tematyki, najgłębszy humanizm, który inspiruje twórczość, prawdziwa demokracja sztuki, nieustanne poszukiwanie najbardziej wyrazistych środków artystycznych, niezrównany kunszt dały artyście możliwość ucieleśnienia najgłębszych i najbardziej zaawansowane pomysły czas. Kolorystyka obrazów Rembrandta z okresu dojrzałego i późnego, zbudowana na zestawieniu ciepłych tonów bliskich, opalizujących najdelikatniejszymi odcieniami, światła, drżącego i skupionego, jakby emitowanego przez same przedmioty, przyczynia się do niezwykłej emocjonalności jego dzieł. Ale szczególnej wartości nadają im wzniosłe, szlachetne uczucia, które nadają poezji i wzniosłego piękna codziennym rzeczom.
Rembrandt malował obrazy historyczne, biblijne, mitologiczne i codzienne, portrety i pejzaże; był jednym z największych mistrzów akwaforty i rysunku. Ale bez względu na to, w jakiej technice pracował Rembrandt, w centrum jego uwagi zawsze znajdował się człowiek, jego wewnętrzny świat, jego doświadczenia. Rembrandt często odnajdywał swoich bohaterów wśród przedstawicieli holenderskiej biedoty, w nich ujawniał najlepsze cechy charakteru, niewyczerpane bogactwo duchowe. Artysta niósł wiarę w człowieka przez całe jego życie, trudy i próby. Do ostatnich dni pomagała mu tworzyć dzieła, które wyrażają najlepsze aspiracje Holendrów.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn urodził się w Leiden jako syn właściciela młyna. Jego nauczycielami byli Swannenburgh, a później Lastman. Od 1625 roku Rembrandt zaczął pracować samodzielnie. Jego wczesne prace noszą ślady wpływów Lastmana, czasem malarzy z Utrechtu, naśladowców Caravaggia. Wkrótce młody Rembrandt znalazł swoją drogę, wyraźnie zaznaczoną na portretach, przedstawiających głównie siebie i swoich bliskich. Już w tych pracach światłocień stał się dla niego jednym z głównych środków wyrazistość artystyczna. Uczył się różne przejawy charaktery, mimika, mimika, cechy indywidualne.
W 1632 roku Rembrandt przeniósł się do Amsterdamu i od razu zyskał sławę dzięki obrazowi Lekcja anatomii doktora Tulpa (1632, Haga, Mauritshuis). W istocie jest to duży portret grupowy lekarzy, którzy otaczali doktora Tulpa i uważnie słuchali jego wyjaśnień na temat anatomicznych zwłok. Taka konstrukcja kompozycji pozwoliła artyście oddać indywidualne cechy każdej portretowanej osoby i połączyć je w swobodną grupę o ogólnym stanie głębokiego zainteresowania, aby podkreślić żywotność sytuacji. W przeciwieństwie do portretów grupowych Halsa, gdzie każdy z portretowanych zajmuje równoważną pozycję, na obrazie Rembrandta wszystkie postacie są psychicznie podporządkowane Tulpie, której postać podkreśla szeroka sylwetka i swobodny gest ręki. Jasne światło wydobywa centrum kompozycji, stwarza wrażenie skupienia grupy i zwiększa ekspresję.
Sukces pierwszego obrazu przyniósł artyście wiele zleceń, a wraz z nimi bogactwo, które powiększyło się wraz z jego małżeństwem z patrycjuszką Saskią van Uylenburgh. Jeden po drugim Rembrandt pisze duże kompozycje religijne, takie jak Ofiara Abrahama (1635, Sankt Petersburg, Ermitaż), pełne dynamiki i patosu, ceremonialne portrety. Fascynują go heroiczno-dramatyczne obrazy, z pozoru spektakularne konstrukcje, wspaniałe fantazyjne stroje, kontrasty światła i cienia, ostre kąty. Rembrandt często przedstawia Saskię i siebie samego, młodych, szczęśliwych, pełnych sił. Są to „Portret Saskii” (ok. 1634, Kassel, Galeria Sztuki), „Autoportret” (1634, Paryż, Luwr), „Autoportret z Saskią na kolanach” (ok. 1636, Drezno, Galeria Sztuki). Rembrandt dużo pracował w dziedzinie akwaforty, upodobał sobie motywy rodzajowe, portrety, pejzaże, stworzył całą serię wizerunków przedstawicieli niższych klas społecznych.
Pod koniec lat trzydziestych XVII wieku ujawnił się pociąg artysty do realistycznych obrazów w obrazach wielkoformatowych. Temat mitologiczny w obrazie Danae (1636, większość obrazu przemalowano w połowie lat czterdziestych XVII wieku, Petersburg, Ermitaż) uzyskał niezwykle żywotne i przekonujące rozwiązanie. Odrzucając brutalny patos i efekty zewnętrzne, Rembrandt dążył do psychologicznej ekspresji. Ciepłe barwy stały się bogatsze, światło zyskało jeszcze większą rolę, nadając dziełu szczególny niepokój i ekscytację.
Wraz z pogłębianiem się warsztatu realistycznego artysty narastały jego nieporozumienia z otaczającym go środowiskiem mieszczańsko-patrycjuszowskim. W 1642 roku na zlecenie kompanii strzelców namalował duży obraz (3,87 x 5,02 m), ze względu na okresowe ciemnienie kolorów, który później otrzymał nazwę „Nocna straż” (Amsterdam, Rijksmuseum). Zamiast tradycyjnej biesiady z portretami jej uczestników, gdzie każdy z nich przedstawiony jest z całą dbałością o indywidualne cechy, jak to miało miejsce wcześniej, artysta przedstawił występ strzelców na kampanii. Podnosząc sztandar, prowadzeni przez kapitana, maszerują szerokim mostem w pobliżu budynku gildii przy dźwiękach bębna. Niezwykle jasny promień światła, oświetlający poszczególne postacie, twarze uczestników pochodu i małej dziewczynki z kogutem u boku, jakby torującej sobie drogę przez szeregi strzelców, podkreśla nieoczekiwanie, dynamikę i ekscytację obrazu. obrazy odważni ludzie, uchwycone heroicznym impulsem, łączą się tu z uogólnionym obrazem Holendrów, inspirowanym świadomością jedności i wiarą we własne siły. W ten sposób portret grupowy nabiera charakteru swoistego malarstwa historycznego, w którym artysta stara się ocenić teraźniejszość. Rembrandt uosabia swoją ideę wzniosłych ideałów obywatelskich, ludzi, którzy powstali, by walczyć o wolność i niepodległość narodową. W latach, w których coraz bardziej ujawniały się wewnętrzne sprzeczności dzielące kraj, artysta wzywał do obywatelskiego czynu. Rembrandt dążył do stworzenia obrazu bohaterskiej Holandii, gloryfikacji patriotycznego zrywu jej obywateli. Jednak ten pomysł był już w dużej mierze obcy jego klientom.
W latach czterdziestych XVII wieku różnice między artystą a społeczeństwem mieszczańskim narastały. Ułatwiają to trudne wydarzenia w jego życiu życie osobiste, śmierć Saski. Ale właśnie w tym czasie nadszedł czas dojrzałości w twórczości Rembrandta. W miejsce skutecznych dramatyczne sceny W jego wczesnych obrazach pojawia się poetyzacja życia codziennego: dominują wątki liryczne, jak „Pożegnanie Dawida z Jonatanem” (1642), „Święta rodzina” (1645, oba obrazy – Petersburg, Ermitaż), w których głębokość ludzkie uczucia urzeka zaskakująco cienkim i mocnym wcieleniem. Wydawać by się mogło, że w prostych, codziennych scenach, w oszczędnych i trafnie odnalezionych gestach i ruchach artysta odsłania złożoność życia duchowego, tok myśli bohaterów. Scenę z obrazu „Święta Rodzina” przenosi do biednego wiejskiego domu, gdzie ojciec pracuje jako stolarz, a młoda matka pilnie pilnuje snu dziecka. Wszystko tu tchnie poezją, podkreśla nastrój ciszy, spokoju, wyciszenia. Sprzyja temu delikatne światło, które oświetla twarze mamy i dziecka, najsubtelniejsze odcienie ciepłej, złotej barwy.
Obrazy grafik Rembrandta - rysunki i akwaforty - są pełne głębokiego wewnętrznego znaczenia. Demokratyzm jego sztuki wyraża się ze szczególną siłą w rycinie „Chrystus uzdrawiający chorych” (ok. 1649 r., „Arkusz stu guldenów”, nazwany tak ze względu na wysoką cenę, jaką kupował na aukcjach). Uderza przenikliwa interpretacja obrazów chorych i cierpiących, żebraków i biedaków, którym przeciwstawiają się zadowoleni z siebie, bogato ubrani faryzeusze. Prawdziwą monumentalność, malowniczość, subtelne i ostre kontrasty światłocienia, bogactwo tonalne wyróżniają jego akwaforty i rysunki piórkiem, zarówno tematyczne, jak i pejzażowe.
Ogromne miejsce w późnym okresie zajmują kompozycje proste, ale najczęściej pokoleniowe portrety bliskich i przyjaciół, w których artysta skupia się na ukazaniu duchowego świata portretowanych. Wielokrotnie pisze do Hendrickje Stoffels, odsłaniając jej duchową dobroć i życzliwość, szlachetność i godność – jak np. „Hendrickje w oknie” (Berlin, Muzeum). Często wzorem jest jego syn Tytus, chorowity, kruchy młodzieniec o delikatnej duchowej twarzy. Na portrecie z książką (ok. 1656, Wiedeń, Kunsthistorisches Museum) obraz zdaje się być przesiąknięty promieniami słońca. Do najbardziej przenikliwych należy portret Breuninga (1652, Kassel, Galeria), młodego złotowłosego mężczyzny o ruchliwej twarzy oświetlonej wewnętrznym światłem oraz portret zamkniętego, smutnego Jana Six (1654, Amsterdam, kolekcja Six) , jakby zatrzymany w zamyśleniu, naciągając rękawiczkę.
Do tego typu portretów należą również późne autoportrety artysty, uderzające różnorodnością cech psychologicznych, wyrazem najbardziej ulotnych poruszeń duszy. Szlachetna prostota i majestat wykonany „Autoportret” Muzeum Wiedeńskie(ok. 1652); na „Autoportrecie” z Luwru (1660) artysta przedstawił siebie zamyślonego, głęboko zasmuconego.
W tym samym czasie namalowano portret starej kobiety, żony brata (1654, Sankt Petersburg, Ermitaż), portret-biografia, która mówi o ciężkim życiu, o trudnych dniach, które pozostawiły wymowne ślady na pomarszczonej twarzy i pracowitych dłoniach tej kobiety, która wiele widziała i przeżyła. Koncentrując światło na twarzy i dłoniach, artysta zwraca na nie uwagę widza, ukazując duchowe bogactwo i ludzką godność portretowanych. Prawie wszystkie te portrety nie są wykonywane na zamówienie: z roku na rok zamówień jest coraz mniej.
Ostatnia dekada to najtragiczniejszy okres w życiu Rembrandta; ogłoszony niewypłacalnym dłużnikiem, osiedla się w najbiedniejszej dzielnicy Amsterdamu, traci najlepszych przyjaciół i bliskich. Hendrickje i syn Tytus umierają. Ale nieszczęścia, które go spotkały, nie mogły powstrzymać rozwoju twórczego geniuszu artysty. Najgłębsze i najpiękniejsze dzieła zostały napisane przez niego w tym czasie. Zbiorowy portret "Sindiki" (starszych cechu sukienników, 1662, Amsterdam, Rijksmuseum) dopełnia dorobek artysty w tym gatunku. Jej żywotność tkwi w głębi i specyfice każdego z portretowanych, w naturalności kompozycji, czytelności i wyważeniu, w skąpstwie i precyzji doboru detali, w harmonii powściągliwej kolorystyki, a jednocześnie w tworzeniu integralnego obrazu grupy ludzi, których łączą wspólne interesy, które chronią. Niezwykły kąt podkreśla monumentalność obrazu, wagę i powagę tego, co się dzieje.
Do późnego okresu należy również wiele wielkoformatowych obrazów tematycznych mistrza: „Spisek Juliusa Civilisa” (1661, Sztokholm, Muzeum Narodowe), kompozycja historyczna, przedstawiający przywódcę plemienia Batawów, uważanych za przodków Niderlandów, którzy w I wieku podnieśli lud do buntu przeciwko Rzymowi, a także obrazy o tematyce biblijnej: „Assur, Haman i Estera” (1660, Moskwa, Muzeum Puszkina).
Fabuła biblijnej przypowieści o synu marnotrawnym pociągała artystę już wcześniej, znajduje się na jednej z jego rycin. Ale dopiero pod koniec życia Rembrandt doszedł do najgłębszego objawienia. W obrazie zmęczonego, skruszonego człowieka, który padł na kolana przed ojcem, wyraża się tragiczna ścieżka poznania życia, a w obrazie ojca, który przebaczył synowi marnotrawnemu, najwyższe szczęście dostępne człowiekowi, granica uczuć, które wypełniają serce, jest ucieleśniona. Rozwiązanie tej wielkoformatowej kompozycji jest zdumiewająco proste, gdzie główni bohaterowie zdają się być oświetleni wewnętrznym światłem, gdzie gest rąk ojca, który odzyskał syna, wyraża jego nieskończoną dobroć, a opadająca postać wędrowca w brudnych łachmanach, kurczowo trzymającego się ojca, wyraża całą moc skruchy, dramat poszukiwań i strat. Inne postacie są spychane na dalszy plan, w półcieniu, a ich współczucie i troskliwość tylko jeszcze bardziej uwydatniają, jakby promieniowały ciepłym blaskiem, ojcowską miłością i przebaczeniem, które wielki holenderski artysta pozostawił ludziom jak testament.
Wpływ sztuki Rembrandta był ogromny. Wpłynęło to nie tylko na twórczość jego bezpośrednich uczniów, z których Karel Fabritius był najbliższy zrozumienia nauczyciela, ale także na sztukę każdego mniej lub bardziej znaczącego holenderskiego artysty. Sztuka Rembrandta wywarła głęboki wpływ na późniejszy rozwój całej światowej sztuki realistycznej. Podczas gdy największy artysta holenderski, popadłszy w konflikt ze społeczeństwem mieszczańskim, umierał w potrzebie, innym malarzom, opanowawszy umiejętność wiernego przekazu przedstawianych, udało się osiągnąć dożywotnie uznanie i dobrobyt. Koncentrując swoje wysiłki w dziedzinie jednego lub drugiego gatunku malarstwa, wielu z nich stworzyło znaczące dzieła w swojej dziedzinie.
Rembrandta van Rijna(15 lipca 1606 – 4 października 1669) – genialny artysta holenderski. Urodzony i wychowany w rodzinie najzwyklejszego młynarza w mieście Leiden. Rembrandt pracował tam do 1632 roku, po czym przeniósł się do Amsterdamu. Dwa lata później ożenił się z dziewczyną z zamożnej rodziny Saskich. Malarz uwiecznił wizerunek swojej wybranki na wielu swoich płótnach, przekazując całą jej kobiecość i piękno ze szczególną miłością i czułością. Ale biografia Rembrandta nie jest tak prosta i zwyczajna, jak mogłoby się wydawać na pierwszy rzut oka. Świadczą o tym jego prace, które oddają ukrytą istotę codziennych zjawisk i oddają wewnętrzny świat portretowanych.
Cechy kreatywności: zainteresowanie artysty wewnętrznym światem człowieka było widoczne już w okresie Lejdy, kiedy Rembrandt van Rijn przekazał Cechy indywidulane ludzi poprzez ich portrety. Specjalna uwaga malarz poświęcił się ujawnieniu stanu ducha portretowanej osoby, pomijając przy tym drobne szczegóły.
Kreatywność Rembrandta to niesamowita rozpiętość tematyczna. Najgłębszy humanizm można prześledzić w pracach artysty. Jednocześnie malarz nieustannie poszukuje twórczych środków, starając się znaleźć jak najbardziej wyraziste środki artystyczne. To właśnie te ciągłe dążenia do perfekcji stały się powodem, dla którego Rembrandt van Rijn jest dziś największym artystą. Pracownicy sztuk pięknych wciąż dorównują jego niezrównanym umiejętnościom, a płótna malarza fascynują od pierwszego wejrzenia.
Słynne obrazy Rembrandta van Rijna
Pomimo faktu, że wszystkie dzieła Rembrandta są godne uwagi, są wśród nich takie, które naprawdę fascynują swoją szczególną magią. Najbardziej znanym obrazem artysty jest Night Watch. Dzieło otrzymało swoją nazwę dopiero pod koniec XVIII wieku. Wynika to z faktu, że usunięty później ciemny werniks stworzył wrażenie, że wszystkie wydarzenia na płótnie rozgrywają się późną nocą. Głównym bohaterem tej pracy jest kapitan Kok, który wydaje rozkaz wyruszenia do walki porucznikowi Willemowi van Rei-Tenburgowi. Portret wyróżnia się wyrazistością i naturalnością przedstawionych postaci.Później artysta namalował inny obraz, który stał się nie mniej znany - „Powrót syna marnotrawnego”, w którym Rembrandt van Rijn przedstawił biblijną historię. Płótno jest pełne współczucia i czułości, a każdy, kto kiedykolwiek go widział, zgodzi się, że ma przed sobą największe dzieło malarza ze wszystkich, jakie kiedykolwiek stworzył.
Twórczość Rembrandta: główne okresy
Wczesne prace holenderskiego artysty Rembrandta, napisane przez niego w latach 30. XVII wieku. - to głównie portrety jego ukochanej żony. Szczególnie wyróżnia się autoportret malarza z Saskią na kolanach. Artysta przedstawia siebie jako wesołego dżentelmena, który jedną ręką obejmuje swoją na wpół obróconą żonę, a drugą trzyma kieliszek wina. Obrazy Rembrandta z tego okresu są pełne witalności, siły i miłości. W tych samych latach poważnie interesował się opowieściami biblijnymi.Na początku lat czterdziestych artysta stał się popularny i wysoko opłacany. Obrazy Rembrandta są podziwiane i inspirowane. Apogeum jego twórczości w tym okresie to płótno „Danae”, przedstawiające mitologiczną bohaterkę. Malarz umiejętnie maluje aksamitny baldachim, piękne nagie ciało dziewczyny, świecące w miękkich promieniach złotego światła.
Ale naprawdę pomysłowe obrazy utalentowanego Rembrandta tworzył między latami 50. a 60. XX wieku. Pomimo tego, że artysta przeżywał wówczas niezwykle trudny czas z powodu problemów z władzami i innych kłopotów, w jego życiu wciąż było wystarczająco dużo miejsca na kreatywność.
Ostatnie obrazy Rembrandta
Jednym z ostatnich dzieł wielkiego mistrza jest płótno „Żydowska panna młoda”. Na tym obrazie artysta tak po mistrzowsku pogrążony jest w tajemnicy, że bez słów udaje mu się wyrazić wszystkie emocje portretowanych. Główne postacie obrazu odgrywają określone role. Przedstawiają starotestamentową parę Rebekę i Izaaka, którzy osiedlili się w kraju Filistynów i udają siostrę i brata. Obraz reprezentuje najwyższą ostateczną drogę w pragnieniu artysty, aby zaprzyjaźnić się z tym, co uniwersalne i wyjątkowe.Płótno „Batszeba” zasługuje na nie mniejszą uwagę. Inspiracją do namalowania tego obrazu Rembrandta była opowieść ze Starego Testamentu o królu Dawidzie, władcy Izraela. Pewnego wieczoru Dawid udał się na dach własnego pałacu, skąd zauważył kąpiącą się kobietę o niewiarygodnej urodzie. Król nakazał dowiedzieć się wszystkiego o tej dziewczynie. A służący poinformowali go, że kąpie się niejaka Batszeba. Rembrandt przeniósł tę scenę na swoje płótno. Skoncentrował całą swoją uwagę na cudzołóstwie, gniewie Bożym i krwawej zbrodni.
Jeździec polski to kolejny obraz Rembrandta z późnego okresu, który stał się szeroko znany po tym, jak został nabyty przez wpływowego kolekcjonera. Głównym bohaterem płótna jest odważny młodzieniec na koniu. Rembrandt przedstawił swoją postać w ruchu, ale spojrzenie portretowanej osoby w zamyśleniu pędzi w dal. Sądząc po stylu ubioru, w jaki ubrany jest młodzieniec, należy on do kawalerii polskiej XVII wieku. Nosi długi kaftan, futrzaną czapkę i skórzane buty. Jeździec uzbrojony jest w sztylet i szablę, aw prawej ręce dzierży łuk. Wciąż nie wiadomo, kto dokładnie pozował wielkiemu holenderskiemu artyście do tego portretu. Niektórzy historycy badający twórczość Rembrandta sądzą, że nie był on kawalerzystą, lecz zwykłym Polakiem. Malarz zwrócił szczególną uwagę na drugą postać – konia bojowego. Koń jest pełen wdzięku i dostojny, ma szeroko otwarte nozdrza. Ponieważ jest w ruchu, jej śnieżnobiała grzywa rozwija się na wietrze, a mięśnie grają na jej ciele. Koń wraz z jeźdźcem postrzegany jest jako jedna całość, dążąca do wspólnego celu.
Autoportret Rembrandta, 1661. Olej na płótnie, 114x91.
Kenwood House, Londyn, angielskie dziedzictwo.
Ilustracja z http://rembr.ru/
Rembrandt, Harmenz van Rijn (1606-1669), holenderski malarz, rysownik i rytownik, jeden z największych mistrzów sztuka zachodnioeuropejska. Urodził się w Lejdzie 15 lipca 1606 roku w rodzinie bogatego młynarza. W 1620 wstąpił na uniwersytet w Leiden, ale nie pozostał tam długo i wkrótce został uczniem miejscowego artysty Jacoba Isaacsa Swanenbürcha. Około 1623 przeniósł się do Amsterdamu, gdzie wstąpił do warsztatu Jana Peynasa, studiował u mistrza malarstwa historycznego Pietera Lastmana. Ten ostatni zapoznał Rembrandta z twórczością mistrzów sztuki włoskiej. Od 1625 do 1631 roku Rembrandt prowadził własny warsztat w Leiden, czasami współpracując z malarzem i rytownikiem Janem Lievensem. Spośród uczniów Rembrandta najbardziej znany jest Gerard Dou.
W 1631 lub pod koniec 1632 Rembrandt powrócił do Amsterdamu. 22 czerwca 1635 ożenił się z Saskią van Uilenbürch, córką bogatego burmistrza Leuwarden. W 1642 roku sukces w twórczości i życiu osobistym został zastąpiony serią nieszczęść. Pod koniec lat trzydziestych XVII wieku urodziło mu się jedno po drugim czworo dzieci, ale wszystkie zmarły w niemowlęctwie, a potem 14 czerwca 1642 r. nagle zmarła też jego ukochana żona. Artysta został z roczny syn Tytus. Obraz Straż nocna (1642, Amsterdam, Rijksmuseum), ukończony wkrótce po śmierci Saskii, wyznacza początek jego nowych poszukiwań twórczych.
Pod koniec lat czterdziestych XVII wieku Hendrikje Stoffels została nieoficjalną żoną Rembrandta (zgodnie z wolą Saskii nie mógł on ożenić się po raz drugi). W 1654 roku urodziła się ich córka Kornelia. Jednak teraz artystę ścigały trudności finansowe. W lipcu 1656 roku został zmuszony do ogłoszenia bankructwa, aw ciągu następnych dwóch lat jego znakomita kolekcja została sprzedana. Chcąc pomóc Rembrandtowi, pod koniec 1658 roku Tytus i Hendrickje rozpoczęli handel obrazami.
Ostatnie lata życia artysty przyćmiła śmierć najbliższych. Hendrikje zmarł 24 lipca 1663 roku. Tytus ożenił się w lutym 1668 roku i zmarł sześć miesięcy później. Teraz Rembrandt został sam z młodą Kornelią. Rembrandt zmarł 4 października 1669 r.
Rembrandt stworzył około 600 obrazów, prawie 300 akwafort i ponad 1400 rysunków. Poniżej znajduje się chronologiczny przegląd jego twórczości.
Wczesny okres twórczości Rembrandta należy rozpatrywać w kontekście wpływu sztuki włoskiej na malarstwo niderlandzkie. Spośród mistrzów włoskich Holendrów szczególnie pociągał Caravaggio, w którego dziełach śmiały naturalizm i kontrastowe modelowanie światła i cienia wydawało się wyzwaniem dla sztuki klasycznej. Artyści tacy jak Gerard Terbruggen i nauczyciel Rembrandta Peter Lastman pracowali w stylu Caravaggia, stopniowo wprowadzając do arsenału środków artystycznych karawagizm. Malarstwo holenderskie. Do tego nurtu należą również obrazy Rembrandta z okresu Lejdy (1625-1631). Obrazy Zmieniacza pieniędzy (1627, Berlin) i Naukowca w swoim gabinecie (1629, Londyn, National Gallery) pokazały zainteresowanie mistrza przenoszeniem efektów świetlnych. Pierwsza z nich przedstawia starca w okularach przy pracy, w kącie zawalonym księgami rachunkowymi. Jego pomarszczoną twarz oświetla słabe światło pojedynczej świecy, którą zakrywa dłonią. W drugim obrazie Rembrandt starał się oddać atmosferę wypełnionego powietrzem wnętrza. Głównym tematem obrazu jest samo pomieszczenie z wysokim sufitem, skąpane w miękkim, trzepoczącym świetle.
Artysta przez całą swoją twórczość zwracał się ku tematom, w których głęboki dramat życiowy łączy się z elementami subtelnego psychologizmu. Na obrazie Wieczerza w Emaus (ok. 1630, Paryż, Jacquemart-André Museum) widoczne są cechy malarstwa Rembrandta z tego okresu. Rembrandt przedstawił ten epizod jako teatralną mise-en-scène. Sylwetka Chrystusa wyróżnia się na tle oślepiającego światła, większość płótna pogrążona jest w cieniu.
Przeprowadzka do Amsterdamu i następujące po nim wielkie sukcesy artystyczne otwierają nowy okres w twórczości Rembrandta; dekady, w czasie której powstały dzieła przesycone dramatyzmem, a jednocześnie niepozbawione materialnej zmysłowości, po części pokrewne duchem twórczości Flamandczyka Petera Paula Rubensa. Pierwszy duże zamówienie, otrzymany przez Rembrandta w Amsterdamie, to obraz Anatomia doktora Tulipana (1632, Haga, Mauritshuis). Jest to wizerunek słynnego amsterdamskiego lekarza i jego kolegów z miejskiego gildii chirurgów.
Wśród obrazów o tematyce historycznej wykonanych przez Rembrandta w latach trzydziestych XVII wieku Oślepienie Samsona (1636, Frankfurt nad Menem, Shtedelevsky instytut sztuki). Odbicia światła, dynamiczne przekątne i jaskrawe kolory służą zwiększeniu napięcia fabuły; obraz wypełnia ostry, szybki ruch.
Hedonizm i techniczna wirtuozeria, które charakteryzują malarstwo Rembrandta z tych lat, mogły znaleźć swoje najbardziej uderzające wcielenie w Autoportrecie z Saskią (ok. 1635, Drezno, Galeria Sztuki). Tutaj artysta przedstawił się w romantycznym stroju dżentelmena; Jedną ręką unosi kufel z piwem, a drugą przytula siedzącą mu na kolanach Saskię. Jasność kolorów i swoboda kreski są w pełni zgodne z nastrojem sceny.
Autoportret z Saskią na kolanach. 1635
Na początku lat czterdziestych XVII wieku życie i działalność artystyczna Rembrandt uzyskał stabilność i regularność. Autoportret z 1640 r. (Londyn, National Gallery), powstały pod wpływem twórczości Rafaela i Tycjana, przedstawia pewnego siebie, rozsądnego mężczyznę, ubranego zgodnie z modą włoską XVI wieku, opartego o balustradę ; jego ramiona są lekko obrócone, jego wzrok skierowany jest na widza.
Jeden z najbardziej znane obrazy tego okresu - Nocna Straż (1642, Amsterdam, Rijksmuseum). Prawdziwa nazwa dzieła to Kompania kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Reitenburga. Został on napisany z okazji wizyty w Amsterdamie francuskiej królowej Marii Medycejskiej i uroczystego wyjazdu oddziałów miejskiej milicji zorganizowanej z tej okazji. dominujący na zdjęciu ciemne tło pozwala lepiej uwypuklić sylwetki postaci. Dlatego w XVIII w. obraz został błędnie zatytułowany Straż nocna. Podobnie jak Anatomia doktora Tulipana, ten obraz wykracza poza tradycyjny portret grupowy. Przedstawia 29 postaci, z których 16 to prawdziwe postacie historyczne; ich ruchy i umiejscowienie na obrazie podlegają jednej wspólnej akcji, która rozwija się na oczach widza. Tyczki, chorągwie i muszkiety sterczą w różnych kierunkach, dzięki czemu kompozycja jest bardziej swobodna i dynamiczna; wrażenie potęguje gra światła i cienia.
Straż nocna. 1642
W latach czterdziestych XVII wieku malarstwo religijne Rembrandta staje się mniej retoryczne, pojawia się w nim charakterystyczna dla twórczości zmarłego mistrza pokora i głęboka wewnętrzna siła. Od wydarzeń renesansowych Pismo Święte były zazwyczaj interpretowane w sposób heroiczny, a ich postacie obdarzone fizycznym pięknem. Wizja Rembrandta znacznie różniła się od tej koncepcji; Chrystus w swoich dziełach wydaje się pokorny i cichy, upokorzony i niewidoczny wśród ludzi.
Arkusz stu guldenów, grawerunek, którego nazwa pochodzi od ceny, po jakiej został sprzedany na jednej z pierwszych aukcji, dotyczy tematu chrześcijańskiej pokory. Postać Chrystusa nie wyróżnia się z tłumu ani strojem, ani specjalną pozycją, ale uwaga widza zwraca się ku centrum kompozycji – twarzy Zbawiciela, z której emanują najcieńsze promienie boskiego światła. Przez lewa ręka od Niego – złamani słabością ducha i ciała, bogaci i biedni, zjednoczeni cierpieniem. Po prawej stronie są faryzeusze, niewierzący i pogrążeni w niekończących się sporach. Małe dzieci padają do stóp Chrystusa. Na rycinie Liszta przedstawiającej sto guldenów, przy braku widocznego działania, Rembrandtowi udało się doskonale oddać cud obecności Boga w ludzkim świecie.
Od początku lat pięćdziesiątych XVII wieku portrety Rembrandta stały się głęboko osobiste, kompozycje stały się surowe i geometryczne w konstrukcji, a kolorystyka stała się ogromną gamą odcieni trzech lub czterech kolorów. Sztuka Rembrandta nie odzwierciedla już artystycznych gustów publiczności; artysta zajmuje się teraz badaniem właściwości technologii obraz olejny. Postawa mistrza, ucieleśniona w jego późniejszych, dziś tak wysoko cenionych dziełach, pozostawała niezrozumiała dla współczesnych.
Rembrandta. „Danae”. 1636.
Obraz Człowiek w pozłacanym hełmie (1651, Berlin-Dahlem) autorstwa warsztatu Rembrandta pokazuje cechy charakteru późny styl mistrzowie. Twarz siwowłosego wojownika pogrążona jest w głębokim, miękkim cieniu, a refleksy światła na hełmie oddane są swobodnymi, szerokimi, grubymi pociągnięciami. Dla Rembrandta niezwykła fabuła mogła czasem stać się okazją do śmiałych artystycznych eksperymentów. Przykładem jest tutaj obraz Skinned padlina byka(1655, Paryż, Luwr). Pędzel przywraca życie martwemu ciału i piękno brzydocie. Rembrandt zawsze unikał klasycznej idealizacji w przedstawianiu ludzkiego ciała. Na obrazie Batszeby (1654, Paryż, Luwr) kobieta, którą król Dawid ujrzał kąpiącą się i w której zakochał się za jej niezwykłą urodę, nie jest przedstawiona w chwili kąpieli, tak często wybieranej przez artystów do opowiedzenia tej historii, a nie w ogóle piękny. Jest pogrążona w głębokich myślach i zdaje się przewidywać śmierć męża.
W swojej późniejszej twórczości Rembrandt coraz częściej zwraca się ku interpretacji wydarzeń. Historia chrześcijańska. Obraz Zejście z krzyża (ok. 1655, Waszyngton, National Gallery) poświęcony jest nie tylko śmierci Chrystusa, ale także smutkowi tych, którzy Go opłakują.
Jeden z najbardziej znane prace malarstwo religijne Rembrandt z tego okresu to obraz Peter's Denial (ok. 1660, Amsterdam, Rijksmuseum). W centrum młoda dziewczyna zwraca się do Piotra, a on potwierdza gestem złożonej dłoni swoje słowa o wyrzeczeniu się Chrystusa. Przestrzeń pierwszego planu oświetla pojedyncza świeca, którą osłonięta jest ręką służącej, technika bardzo popularna wśród karawagigistów na początku wieku. Miękkie światło świecy modeluje kształty postaci i przedmiotów na pierwszym planie. Są napisane lekkimi pociągnięciami kresek, w brązowo-żółtawej kolorystyce z kilkoma czerwonymi akcentami. Czasami formy wydają się rozpuszczone w świetle lub wypełnione nim, jak ręka pokojówki zasłaniająca świecę. Na twarzy Piotra maluje się głęboki smutek. Tutaj, podobnie jak w późniejszych portretach i autoportretach artysty, Rembrandt przedstawia starość z niezrównaną wprawą, z jej nagromadzoną przez lata mądrością, słabością ciała i hartem ducha.
Portrety Rembrandta z biegiem lat stają się głęboko osobiste. Na portrecie poety Jana Six (1654, Amsterdam, zbiory rodziny Six) portretowana postać przedstawiona jest w ledwie zauważalnym skróceniu perspektywicznym od dołu do góry; z wyjątkiem delikatnie wymodelowanej twarzy, portret malowany jest szybko i swobodnie, szerokimi pociągnięciami pędzla. W kolorystyce dominuje mieniąca się czerwień peleryny i złoto guzików garnituru, kontrastujące z różnymi odcieniami zieleni i szarości.
Na portrecie Hendrickje Stoffels (ok. 1656, Berlin-Dahlem) postać wpisana jest w ramę otworu okiennego i ze względu na wybraną przez artystę dużą skalę wydaje się stać bardzo blisko płaszczyzny obrazu. Wzrok Hendrickje jest skierowany na widza, jej postawa jest swobodna, głowa przechylona na bok, a ręce leżą bardzo naturalnie. schemat kolorów obraz jest połączeniem odcieni złota, bieli, czerwieni i czerni.
Jeden z najlepszych portretów grupowych Rembrandta - Sindiki (1661-1662, Amsterdam, Rijksmuseum). Klientami portretu byli przedstawiciele amsterdamskiego cechu sukienników (syndyków). Są one przedstawione wokół stołu, na którym leży księga rachunkowa. Artysta czyni widza uczestnikiem tego, co dzieje się na obrazie. Wygląda na to, że właśnie przerwaliśmy syndykom, którzy są zajęci swoimi obliczeniami, dlatego wszyscy, jakby oderwani na chwilę od swojej pracy, patrzą na widza. W obrazie dominują linie proste, ale obrót stołu i skomplikowana gra świateł łagodzą surowość kompozycji. Plamy światła rozsiane są po całym płótnie, ożywiając jego malowniczą powierzchnię. Ten obraz jest niezwykły zarówno jako studium psychologiczne, którego celem jest portretowanie ludzi o różnych charakterach, jak i jako dokument historyczny.
Około 1661 roku Rembrandt otrzymał zamówienie na jeden z ośmiu historycznych obrazów, które miały ozdobić amsterdamski ratusz. Olbrzymie płótno (oryginalne wymiary 5x5 m) Konspiracja Juliusa Civilisa według różnych wersji albo nigdy nie zawisło w ratuszu, albo zajmowało wyznaczone mu miejsce nie dłużej niż dwa lata, po czym zostało zastąpione obrazem Piekarników na tej samej działce. Zachował się jedynie fragment tego dzieła Rembrandta, który znajduje się w Muzeum Narodowym w Sztokholmie. Rembrandt przedstawił wydarzenie opisane w Rocznikach rzymskiego historyka Tacyta (I w.): przywódcy plemienia Batawów przysięgają walczyć mieczem o wyzwolenie spod panowania rzymskiego. Skalę tego dzieła w jego pierwotnej formie można ocenić na podstawie szkicu kompozycyjnego znajdującego się w Monachium. Wynika z niego, że początkowo stół i zgromadzeni wokół niego ludzie ukazywani byli w przestrzeni ogromnej sali, której głębię oddawała gra światła i cienia.
w XVII wieku rysunek zwykle służył jako wstępny szkic do opracowania dużej kompozycji, studium poszczególnych szczegółów przyszły obraz lub nakładane na tekturę, a następnie przenoszone na powierzchnię przeznaczoną do malowania. Bardzo rzadko rysunek był uważany za skończone dzieło sztuki; często po zakończeniu projektu rysunki były wyrzucane. Każdy rysunek Rembrandta to eksploracja natury zjawisk i próba uchwycenia natury chwili czy przedmiotu. Kiedy artysta wykonywał szkice z dzieł dawnych mistrzów, tworzył nie kopie, ale wariacje na ten sam temat, rozwiązując jednocześnie własne problemy artystyczne. W latach trzydziestych i czterdziestych XVII wieku malował, łącząc linie o różnej grubości z najdelikatniejszym cieniem wzgórza. Czasami jego rysunki wydają się być szybkimi szkicami, w których linia nerwu prawie nigdy nie pozostaje ciągła.
Rembrandt jako pierwszy zdał sobie sprawę z bogatych możliwości akwaforty w porównaniu do rytownictwo na metalu. Taki grawer powstaje poprzez wydrapanie wzoru na metalowej płytce; następnie płyta jest pokrywana farbą, wypełniając wgłębienia pozostawione przez frez, i drukuje się z niej na papierze za pomocą prasy. Nóż wymaga silnego nacisku i dużej ostrożności. Akwaforta, wręcz przeciwnie, nie wymaga dużej siły fizycznej, a linie są swobodniejsze i bardziej elastyczne. Zamiast drapać metal dłutem, artysta pokrywa płytkę werniksem kwasoodpornym i rysuje po niej igłą, następnie płytkę zanurza w kwasie, a metal jest trawiony w miejscach wolnych od werniksu. Akwaforta daje artyście znacznie większą swobodę i może rysować igłą, jak długopis na papierze. Na akwafortach Rembrandta linie są równie swobodne i ruchome jak na szkicach piórem. Dla uzyskania nowych wyrazistych efektów często łączył różne techniki: czasem przesuwał dłutem po desce już wytrawionej kwasem, czasem grawerował „suchą igłą” – narzędziem z diamentem na końcu, które pozostawia rowki z nacięciami na metalu, nadając miękkości i aksamitności obrysowi nadruku. Na przykład w Liszcie stu guldenów artysta zastosował wszystkie te techniki (prace nad tą deską trwały kilka lat).
Liszt Zwiastowanie pasterzom (1634) to prawdziwie barokowe przedstawienie teatralne. Rysunek wykonany jest gęsto ułożonymi przecinającymi się pociągnięciami, które tworzą kontrasty jasnych i ciemnych tonów. Pięć lat później, we Wniebowzięciu Matki Bożej, dominacja gęsto zacienionych stref ciemnych została zastąpiona przewagą obszarów jasnych i cienkich cieniowań równoległych. W rycinie Three Trees (1643) kontrast między mocno cieniowanymi fragmentami obrazu a białym papierem zostaje doprowadzony do granic możliwości; skośny równoległe linie Na tle nieba doskonale oddają atmosferę letniej burzy. Najbardziej dramatycznym z rycin Rembrandta jest liść Trzech Krzyży (ok. 1650).
Powrót syna marnotrawnego. 1669
Wykorzystywane są materiały z encyklopedii „Świat wokół nas”.
Literatura:
Rovinsky D. Kompletny zbiór rycin Rembrandta, tomy 1–4. Petersburg, 1890
Rembrandta. Kultura artystyczna Europy Zachodniej w XVII wieku. SPb, M., 1970
Jegorowa K.S. Rembrandt Harmensz van Rijn. Obrazy artysty w muzeach Związku Radzieckiego [Album]. L., 1971
Jegorowa K.S. Portret w dziełach Rembrandta. M., 1975
Czytaj dalej:
Irina Nenarokomowa. Rembrandta. (Dziecięca powieść-gazeta).
Artyści(przewodnik biograficzny).
Czytaj więcej w Internecie:
Strona internetowa http://rembr.ru/ - o holenderskim artyście Rembrandcie Van Rijnie. Galeria malarstwa, biografia artysty, książki i opracowania dotyczące życia Rembrandta.
Przyszły wspaniały artysta Rembrandt urodził się 15 lipca 1606 roku, w żyznej epoce rozkwitu wszystkich dziedzin kultury duchowej w Holandii. To jest czas, kiedy literaturę narodową, architektura, malarstwo i teatr rozwijały się szczególnie szybko. Jednak żadna z dziedzin sztuki, w tym „złotym wieku”, nie stworzyła tak wielu wartości kulturowych uznanych na światowym poziomie jak malarstwo.
Sztuki wizualne Holandii dojrzewały w latach rewolucji, walki wyzwoleńczej i porewolucyjnego zrywu. Jasne, że dlatego malarstwo narodowe ma tak wyraźny demokratyczny charakter. Artyści holenderscy już w XVII wieku mieli rzadka okazja otwarcie wyrażać swoje poglądy i stosunek do otaczającej rzeczywistości. Ich prace wyróżnia odważny realizm w odniesieniu do przedstawienia osoby i jej życia.
Wszystkie prace Rembrandta są nasycone najwyższym ucieleśnieniem holenderskiego realizmu, który był niezwykle bliski duszy samego artysty. Jego prace uderzają rozmachem tematyki, co jest rzadkością w historii sztuki światowej.
wczesne lata
Wcześniej dzieciństwo Rembrandta miało miejsce w mieście Leiden (Holandia), gdzie jego ojciec prowadził młyn nad brzegiem jednego z dopływów Renu. W rzeczywistości przedrostek „Van Rhine” to ogólny pseudonim malarza, dosłownie oznaczający „kto jest znad Renu”.
Po ukończeniu gimnazjum łacińskiego, w 1620 roku, chłopiec spędził około roku na uniwersytecie w Leiden. To tam po raz pierwszy pokazał swoje umiejętności rysowania. Młody artysta rozpoczął naukę u miejscowego malarza Jacoba van Swannenbürcha. Wkrótce jednak przeniósł się do Amsterdamu, gdzie znalazł wybitniejszego nauczyciela, Pietera Lastmana (1583-1633). Nowym mentorem Rembrandta był przedstawiciel grupy Holenderscy artyści zajmujący się wyłącznie przedstawianiem scen starożytnych i biblijnych.
Historyczne obrazy Lastmana urzekały barwnymi detalami inscenizacji z życia starożytnych ludów. Jego indywidualny styl polegał na przedstawianiu silnych emocji na twarzach bohaterów. Z tego powodu, pomimo niewątpliwej kunsztu wykonawczego i umiejętności tworzenia realistycznych detali, wszystkie jego obrazy są naciągane i teatralne wręcz prawdziwych wydarzeń. Niemniej jednak wiele charakterystycznych cech malarstwa Lastmana znacząco wpłynęło na kształtowanie się stylu Rembrandta, mimo że spędził on w swojej pracowni zaledwie około sześciu miesięcy.
W wieku dziewiętnastu lat Rembrandt wrócił do rodzinnej Lejdy. Tutaj sam zaczyna uprawiać sztukę malarską. Wszystkie obrazy z okresu „Leiden” wyróżniają się dokładnością, ostrymi przejściami kolorów i światła oraz nieco surowym, suchym pędzlem, który zdradza niedoświadczonego początkującego artystę.
Gatunek portretowy pociągał Rembrandta od samego początku. Zamówienia było niewiele, więc artysta niestrudzenie ćwiczył na sobie, swoich bliskich i przyjaciołach. W tym czasie maluje wiele autoportretów, przedstawiających siebie z różnymi wyrazami twarzy: zawstydzony, uśmiechnięty, roześmiany, zirytowany. Rembrandt zaczął więc doskonalić swoją umiejętność realistycznego przekazywania stany psychiczne ich bohaterowie. Prawie wszystkie wczesne autoportrety są powierzchowne, a nawet niegrzeczne, co tłumaczy się młodością i brakiem doświadczenia artysty.
Dużo ciekawsze są natomiast pierwsze eksperymenty malarza w zakresie grafiki drukowanej, również związane z okresem Lejdy. Nie ma informacji o tym, u kogo Rembrandt studiował sztukę akwaforty. Jednak jego wczesne ryciny wyróżniają się już świetnym kunsztem, a także głębokim zrozumieniem rysunku.
Sądząc po rycinach Rembrandta, wolał wybierać postacie do swoich dzieł z samego dna holenderskiego społeczeństwa. Jego akwaforty, poświęcone żebrakom, kalekom i włóczęgom, były tak umiejętne, że zwróciły uwagę opinii publicznej na jego twórczość. Rembrandt miał więcej zamówień, zaczęli do niego przychodzić studenci, artysta zaczął przepowiadać wspaniałą przyszłość.
Początkowo malarz sygnował swoje prace monogramem własnej kompozycji „RHL” – Rembrand Harmen (imię ojca) Leiden (rodzinne miasto). Jednak po przeprowadzce do Amsterdamu w 1631 roku zaczął podpisywać się jednym nazwiskiem, podobnie jak wielcy mistrzowie Rafał i Titiau.
Po przeprowadzce do Amsterdamu malarz miał jeden z najbardziej udanych okresów w swojej twórczości i życiu. Niemal natychmiast otrzymał bardzo korzystne zamówienie od cechu chirurgów. W styczniu 1632 roku Rembrandt uczestniczy w wykładzie wybitnego lekarza Nicholasa Petersa, podczas którego słuchacze byli świadkami sekcji zwłok złodzieja. Lekarze mieli prawo otwierać zwłoki tych przestępców, którzy zostali skazani na śmierć. Działo się to bardzo rzadko, więc zawsze było to prawdziwe wydarzenie. Ten moment artysta uchwycił na swoim słynnym obrazie „Lekcja anatomii doktora Nicholasa Tulpa” (1632, Mauritshuis, Haga).
W procesie tworzenia tej pracy autor występuje jako głęboki psycholog, któremu udało się subtelnie zauważyć i przekazać złożony obraz relacje osobiste. Grupa słuchaczy - młodych chirurgów, ubranych w odświętne stroje na płótnie. Dla Hollanda rodzaj portretu przedstawiający mężczyznę robiącego to, co kocha, był bardzo powszechny. Taki obraz wymagał powszechnego używania przedmiotów gospodarstwa domowego - włączenia do fabuły otaczających elementów, które charakteryzują życie portretowanej osoby. Najtrudniejszym zadaniem dla artysty było utrzymanie przewagi obraz portretowy ponad codzienność, Rembrandt poradził sobie z tym zadaniem znakomicie.
W opiniach bohaterów zdjęcia – podziw dla wykładu, który pokazał zadziwiająco głęboką wiedzę prowadzącego. Chirurdzy, którzy przybyli, są spięci, porównując anatomię otwartej dłoni z tym, co jest przedstawione w dużej księdze leżącej u jego stóp. Na ich tle sam lekarz wygląda na bardzo powściągliwego. Jak przystało na prawdziwego profesjonalistę, lekarz nie odczuwa ani strachu, ani nieśmiałości, ani zakłopotania. Dr Tulp jest pewny siebie, spokojny, nie boi się rzeczywistości. Nawet służący lekarza, który w tle zdjęcia odbiera pelerynę odwiedzającemu go chirurgowi, wcale nie jest przerażony tym widowiskiem.
Obraz pomógł Rembrandtowi zdobyć uznanie amsterdamskiej publiczności. Zaczął otrzymywać wiele zamówień na portrety szlachetnych dżentelmenów, których stworzył ponad pięćdziesiąt w ciągu zaledwie pierwszych dwóch lat. Popularność artysty rosła wraz z jego bogactwem.
Rembrandt był zapalonym kolekcjonerem. Bardzo zarobione pieniądze wydawał na zakup dzieł sztuki, strojów z epoki i antyków. Podczas inwentaryzacji jego majątku wśród dzieł jego bogatej kolekcji znalazły się obrazy Rubensa, Rafaela, Albrechta Dürera, Van Dycka, Pietera Brueghela i innych mistrzów.
Sukces i osobiste szczęście
Po zaledwie dwóch latach życia w Amsterdamie Rembrandt żeni się. Żoną malarza była córka zamożnych patrycjuszy Saskia van Uylenborch. Artysta bardzo kochał swoją żonę i często tworzył jej portrety w najróżniejszych wizerunkach: w zwykłym stroju holenderskiego mieszczanina lub w stroju, który przemieniał ją w bohaterkę biblijnej lub antycznej mitologii.
W 1634 roku Rembrand namalował swój obraz „Flora” (Państwowe Muzeum Ermitażu w Sankt Petersburgu), na którym Saskia pojawia się jako bogini wszelkiej roślinności, Flora. Kobieta jest w ciąży, jej głowę zdobi wieniec, w którym wyraźnie widać tulipany, wskazujące na jej holenderskie pochodzenie. Saskia z gałązką w dłoniach przypomina baśniową księżniczkę spacerującą po lesie. Uderza z jaką umiejętnością rozpisany jest materiał jej ubrań, wywołujący chęć dotknięcia płótna, by poczuć delikatność atłasu. Obraz mimo zimnej palety robi zaskakująco ciepłe wrażenie. Wizerunek młodej Saskii jest bardzo wzruszający i bardzo różny od królewskiej kobiety, którą ukazuje się nam na obrazie namalowanym rok później.
Praca „Sofonisba bierze miskę trucizny” (1634, Muzeum Prado, Madryt) była jednym z najwcześniejszych obrazów o tematyce historycznej. Kobieta na obrazie jest bardzo podobna do Saskii. Fabuła obrazu opowiada o Sofonisbie, córce dowódcy Kartaginy, która żyła podczas zaciekłej wojny między Rzymem a Kartaginą. Jej ojciec oddaje ją jako króla Syphaxa, który ginie w bitwie z Masinissą, który z kolei chciał wziąć królową za żonę. Ale Rzymianie zabraniają tego małżeństwa, a wtedy Masinisse wysyła Sofonisbe miskę trucizny, którą królowa wypija bez wahania.
Płótno „Autoportret z Saskią na kolanach” (1635-1636, Galeria Sztuki, Drezno) ukazuje nam promieniującego szczęściem artystę i jego żonę. Rembrandt na wizerunku pana młodego, ubranego w elegancki garnitur, trzyma na kolanach Saskię, także ubraną w starą suknię kupioną przez artystę od antykwariusza. Artysta emanuje zabawą, która jest przekazywana widzowi. Jedną ręką delikatnie trzyma towarzysza w pasie, drugą unosi luksusowy kieliszek, jakby częstował widza napojem za rodzinne szczęście, dzieląc ucztę swojej duszy. W całej pracy czuć czułość i miłość malarza do żony.
Religia i mitologia
Na przełomie XVI i XVII wieku Rembrandt był zafascynowany malarstwo historii, które zgodnie z ówczesną tradycją obejmowały opowieści mitologiczne starożytności, a także opowieści biblijne. Pomimo faktu, że w wielu pracach malarza wyraźnie widać wpływ jego nauczyciela Lastmana, jego płótna znacznie wyróżniały się na ogólnym tle rozkwitającego malarstwa holenderskiego.
Faktem jest, że Rembrandt był doskonały w głęboko indywidualnej interpretacji każdego obrazu. Mimo podobieństwa kolorystycznego, techniki kompozytorskie i kostiumy swoich bohaterów z płótnami Lastmana, artyście udało się wypracować własny, niepowtarzalny styl, oparty na chęci oddania prawdziwych uczuć samej osoby, tak jak mogłyby być w rzeczywistości. Pozostając w ramach tradycyjnych wątków mitologicznych i biblijnych, obrazy Rembandta pozbawione są sztuczności i teatralności.
W płótnach serie historyczne, talent Rembrandta jako gawędziarza, jego pragnienie pokazania niespójności i dwoistości natury ludzkiej, w której zdaniem mistrza leżą motywy każdego czynu, jest niezwykle jasno ujawnione.
Wielki wpływ na twórczość malarza wywarła filozofia Pascala, który uważał, że „człowiek jest czymś pięknym, co zachowuje w sobie prawdę, z jednej strony jest naczyniem niepewności i błędów, które sobie zaprzecza”.
Zdjęcie z krzyża (1634, Państwowe Muzeum Ermitażu, Sankt Petersburg) było jednym z serii obrazów na temat Męki Pańskiej, zamówionych u Rembrandta przez księcia Fryderyka Hendrika Orańskiego. Na płótnie widzimy, jak nocą krewni i krewni zdejmują ciało ukrzyżowanego Jezusa z krzyża. Potężna gra światłocienia tworzy bardzo silny efekt dramatyczny. Twarze bohaterów są wzburzone i blade. Jedyne źródło światła wydobywa z półmroku postać umęczonego Chrystusa. Pochodzenie światła nie jest jasne – albo pochodzi ono gdzieś z góry, albo pochodzi od samego Pana. Dziewica Maryja jest przedstawiona jako prosta kobieta. Twarz Matki Bożej jest również oświetlona światłem. Jej postać znajduje się po prawej stronie, po obu jej stronach - ludzi, którzy pomagają Maryi utrzymać się na nogach, jej stan mówi o najgłębszym smutku. Luksusowe płótno jest rozłożone na ziemi, na której teraz zostanie złożone ciało Chrystusa.
Rembrandt celowo sportretował wszystkich uczestników tej akcji zwykli ludzie aby podkreślić, że śmierć Syna Bożego jest powszechnym smutkiem. Ten obraz, jeden z pięciu zamówionych przez księcia, został później przez artystę powtórzony, ale w większej skali.
Temat zabójstwa i zmartwychwstania Chrystusa jest kontynuowany na płótnie „Niewiara św. Tomasza” (1634, Muzea sztuki piękne imienia A. S. Puszkina, Moskwa). Oto epizod, w którym zmartwychwstały Jezus ukazuje się apostołom i pokazuje rany. Uczniowie Chrystusa opowiadają o cudzie Tomasza, który z niedowierzaniem oświadcza: „Jeżeli nie zobaczę ran po gwoździach na moich rękach i nie włożę palca w rany po gwoździach i nie włożę ręki w bok Jego, nie uwierzysz." Kilka dni później Jezus ponownie ukazuje się apostołom, z którymi przebywał także Tomasz. Chrystus podszedł do niego i zaproponował, że zrobi to, czego zażądał Tomasz jako dowód – włoży palce w rany. Przestraszony Tomasz spełnia prośbę i ze wstydem wyznaje Pana.
Obraz namalowany jest w ciemnych barwach, a tylko środkowa część kompozycji jest oświetlona jasnym światłem emitowanym przez postać Jezusa. Niezwykła gra światła i cienia tkwiąca w płótnach mistrza oddaje wewnętrzną dynamikę epizodu, jego ekscytujący charakter.
Kolejnym dziełem poświęconym historii biblijnej było płótno „Uczta Baltazara” (1635, National Gallery, Londyn). Na obrazie klasyczna historia związane z panowaniem i śmiercią Baltazara, ostatniego króla babilońskiego odpowiedzialnego za upadek Babilonu (według Księgi Proroka Daniela).
Kiedy Babilon był oblegany, przechowywano w nim wystarczającą ilość żywności, dzięki której mieszkańcy nie mogli długo martwić się o żywność. Ale król babiloński Belszaccar niespodziewanie postanawia urządzić wystawną ucztę z zupełnie błahej okazji, zapraszając na nią prawie tysiąc szlachciców i dworzan. Obraz przedstawia punkt kulminacyjny historii, gdy w trakcie uczty za plecami króla pojawia się ręka, która pisze jakieś słowa. Król, którego postać znajduje się w centrum kompozycji i zajmuje prawie całą jej przestrzeń, odwraca się, aby zrozumieć, co się dzieje. Po jego prawej stronie, jakby wylewając na siebie wino z drogocennego naczynia, jedna z ucztujących dam przykucnęła ze strachem.
Według Ewangelii nadworni mędrcy króla Baltazara nie potrafili odczytać magicznej inskrypcji. Następnie władca babiloński zaprasza proroka Daniela, który rozszyfrował litery. Napis na ścianie pałacu głosił: „Bóg policzył twoje królestwo i położył mu kres. Jesteś zważony, a twoja waga nie jest duża. Twoje królestwo jest podzielone i przekazane Persom i Medom”. Według biblijnej opowieści, tej samej nocy zginął Baltazar, król Chaldejczyków.
Obraz „Ofiara Abrahama” (1635, Państwowe Muzeum Ermitażu, Sankt Petersburg) był kontynuacją serii scen z święta księga. Płótno spowija mrok, światło wyrywa tylko trzy fragmenty: ciało młodego Izaaka z rękami związanymi z tyłu, pochylone, czekające na śmiertelny cios; twarz Abrahama, blada z żalu i przerażenia, zdając sobie sprawę, że ma zamiar zarżnąć własnego syna na rozkaz Boga; oraz postać anioła, jakby wpadającego w kompozycję chmur, aby uratować bohaterów przed trwającym horrorem.
W całej swojej twórczości, w przedstawianiu osoby, pociągały Rembrandta spektakularne uczucia strachu, bólu, stanów radości, żalu, oburzenia, zdziwienia - wszystko to, co widać gołym okiem, a nie wewnętrzne przeżycia ukryte głęboko w środku.
Jest to szczególnie widoczne w dużych, wielopostaciowych dziełach, jak na przykład obraz „Oślepienie Samsona” (1636, Städel Art Institute, Frankfurt nad Menem). Sercem płótna jest jeden z dramatycznych epizodów opowieści biblijnych.
Potężny Samson wpada w ręce wrogów z powodu zdrady swojej ukochanej – pięknej i zdradzieckiej Delili, która zdradziła Samsona dla nagrody. Napastnicy oślepiają go, wbijając mu sztylety w oczy. Bohaterskie ciało Samsona, oświetlone jasnym światłem, zgięło się w bólu. Dynamiczna kompozycja dzieła nasycona jest barwnymi kontrastami ciemności i jaskrawego światła emitowanego przez postać silnego mężczyzny, wywołując uczucie niepokoju i grozy. Wszystko wokół było pomieszane w zaciekłej walce, aw tle Delilah szybko ucieka.
Według najnowszych badań z obrazem „Oślepienie Samsona” ściśle związany jest inny obraz mistrza, Danae. Analiza płócien wykazała budowę absolutnie identyczną, być może oba zostały wycięte z jednego kawałka. Prace związane są nie tylko z podstawą i wielkością, ale również konstrukcja kompozycyjna, co nadaje pracom monumentalności ze względu na fakt, że postacie na nich są przedstawione w pełnym rozkwicie. Istnieje również wersja, w której artysta przekazał oba te dzieła Konstantinowi Heytensowi, sekretarzowi księcia Fryderyka Hendrika, dzięki któremu Rembrandt miał wiele zamówień.
Przypuszczenie to potwierdzają także listy artysty, w których informuje on Haytensa, że ukończył dwa obrazy, które pragnie mu wręczyć w dowód wdzięczności. Ich fabuła nie jest wskazana, ale najprawdopodobniej autor miał na myśli te prace.
Tak gruntowna analiza obrazu „Danae” (1636, Państwowe Muzeum Ermitażu, Sankt Petersburg) nie jest przypadkowa, obraz ten stał się jednym z najlepszych dzieł mistrza, a poza tym jest także hymnem na cześć jego miłości do Saskii. Rembrandt datował obraz na rok 1636, jednak znawcy jego twórczości przypisują dzieło późniejszemu okresowi. Wynika to z faktu, że wczesny okres twórczości mistrza nie charakteryzował się jeszcze siłą i głębią, z jaką pisano to dzieło. W laboratoriach Państwowego Ermitażu przeprowadzono dokładne badania rentgenowskie, które rozwiały wszelkie wątpliwości: płótno zostało wprawdzie namalowane w latach trzydziestych XVII wieku, jednak w następnych dziesięcioleciach zostało poddane przez autora znacznej rewizji.
Kompozycja płótna oparta jest na fabule starożytnego mitu greckiego. Król Argos, ojciec Danae, uwięził swoją córkę w wieży. Ale zakochany w Danae, najwyższym bóg Zeus mimo to przeniknął do niej, przybierając postać złotego deszczu. Z mieszanym uczuciem nieśmiałości i radości (dwoistość ludzkiej natury), Danae dąży do złotego blasku. Rembrandt nie przedstawił ideału na obrazie kobiece ciało jak to było w zwyczaju wśród innych artystów. Jego Danae daleka jest od ideałów idealnej urody, ale zwróćcie uwagę na jej twarz, ile w niej nadziei i natchnienia, jest pełna miłości i wiary. Jej postawa jest niezwykle kobieca, a jej gesty pełne zachwytu.
Kontynuując temat toczących się wokół obrazu dyskusji, należy zauważyć, że twarz Danae niewiele przypomina dobrze znaną postać Saskii. Wykonana fluoroskopia rozwiązała również tę zagadkę. Faktem jest, że płótno nie było przeznaczone na sprzedaż, przez długi czas był przechowywany w osobistej pracowni artysty aż do jego całkowitego bankructwa, po czym cały jego dobytek został skonfiskowany i sprzedany.
Rembrandt nieustannie wracał do swojego ulubionego dzieła, przepisując je zgodnie z nowym poziomem profesjonalnej wizji obrazowej lub w zależności od stanu umysłu i nastroju. Przepisując rysy twarzy Danae, albo nadał mu charakterystyczne rysy Gertje Dirks, służącej, która mieszkała w jego domu po śmierci żony, albo dał mu podobieństwo do Hendrickje Stoffels. W rezultacie twarz bohaterki jest połączeniem cech kobiet bliskich artystce. Ale podobieństwo do Saskii, jego pierwszej miłości, jest jeszcze wyraźniejsze.
Losy obrazu nie były łatwe, a po śmierci Rembrandta. Po sprzedaży majątku artystki zmieniała wielu prywatnych właścicieli, aż do 1772 roku, kiedy to kupiła ją Katarzyna II. Później została umieszczona w sali Państwowego Ermitażu, gdzie w 1985 roku została zaatakowana przez maniaka, który dwukrotnie dźgnął płótno i oblał je kwasem. Na szczęście konserwatorzy zachowali arcydzieło, zachowując je dla publiczności.
We wczesnym okresie swojej twórczości Rembrandt nie zwracał uwagi na pejzaż. Dopiero po latach, pod silną presją okoliczności życiowych, artysta zwrócił uwagę na przyrodę i ukojenie, jakie może ona dać człowiekowi. Jednak w 1638 roku malarz tworzy piękny obraz „Pejzaż z kamiennym mostem” (Riksmuseum, Amsterdam). Płótno wypełnia walka światła z cieniem, emocjonalność kompozycji i kolorystyki, ogólna dynamika.
Jakby przeciskając się przez gęste chmury, strumień jasności światło słoneczne płynie na dwóch drzewach przedstawionych w centralnej części obrazu. Wszystko inne - ludzie w łódce, spieszący do domów, przestraszeni początkiem burzy, most na rzece, pogrążeni w półmroku. W jedynym oświetlonym słońcem fragmencie działki widoczne są zarysy rozklekotanego starego płotu, liści i przechodzącej osoby.
Nierozpoznany mistrz
Niestety, czas sławy i dobrobytu materialnego Rembrandta nie trwał długo. Twórczość wielkiego mistrza bardzo różniła się od twórczości modnych artystów holenderskich. A jak wiadomo, to moda dyktuje swoje upodobania burżuazji, która wówczas była najliczniejszą i najlepiej prosperującą klasą w Holandii. Rembrandt nie chciał ulegać żadnym modowym trendom, wyraźnie widział swoją drogę w sztuce, wypełnioną głębią cechy indywidualne. Głównym tematem twórczości malarza zawsze był człowiek, jego życie zewnętrzne i ukryte pragnienia, życie bez fantazji i sztuczności, jakie jest.
Realistyczny styl twórczości artysty zmylił współczesnych naga prawda. Doprowadziło to do nieuchronnego konfliktu między panem a społeczeństwem burżuazyjnym. Pierwsza poważna kolizja między Rembrandtem a opinia publiczna Stało się to w związku z dużym zamówieniem na portret grupowy amsterdamskiej kompanii strzeleckiej, kierowanej przez porucznika Willema van Reitenberga i kapitana Fransa Banninga Cocka, nad którym artysta pracował około dwóch lat.
Wielkoformatowe dzieło „Występ strzelców kompanii kapitana Fransa Banninga Cocka” (lub „Nocna straż”, Riksmuseum, Amsterdam), ukończone przez mistrza w 1642 r., Przedstawia pamiętne wydarzenie historyczne, przypuszczalnie udział Amsterdamu strzelców na uroczystym spotkaniu francuskiej królowej Marii Medycejskiej w 1639 roku.
Zdjęcie przedstawia kompanię kapitana Koka, która wyłania się z ciemnej przestrzeni na pierwszy plan zalany jasnym światłem. Każdy z bohaterów jest zajęty swoim dziadkiem, co sprawia wrażenie, jakby odcinek został porwany przez przypadek. Strzelcy na zdjęciu czyszczą i demontują szczyty, ktoś wydaje rozkazy, aktywnie gestykuluje, chorąży rozwija kolorowy sztandar. Po prawej stronie obrazu starszy mężczyzna bije w bęben, u jego stóp szczeka pies. Te niejednorodne działania, które wydają się stwarzać wrażenie lekkiego chaosu, wypełnione hałasem i dynamiką, pozostawiają bardzo żywe wrażenie.
Ogólna kolorystyka płótna jest raczej ciemna, rozcieńczona tylko dwoma jasnożółtymi plamami: pośrodku po prawej stronie - postać niskiego mężczyzny - porucznika Willema van Reitenberga, a po prawej - mała dziewczynka w żółtej sukience . Strzały są przedstawione przeplatane przechodniami, co sprawia wrażenie pewnego zamieszania. Tylko kapitan Kok, wsparty na lasce, rozmawia z kimś absolutnie spokojnie.
Pomysł Rembrandta, aby przedstawić grupę ludzi zjednoczonych jednym impulsem obywatelskich uczuć, niestety pozostał niezrozumiany i nie zaakceptowany przez społeczeństwo Amsterdamu. Strzelcy, którzy zapłacili za polecenie wejścia na płótno, byli niezadowoleni, że na zdjęciu są zupełnie obcy ludzie. A jeszcze bardziej oburzyło ich to, że twarze niektórych klientów były zasłonięte innymi postaciami.
Ten obraz stał się punkt zwrotny w życiu artysty. Podczas gdy Rembrandt malował płótno, jego ukochana żona Saskia, która miała zaledwie trzydzieści lat, zmarła na gruźlicę. Być może to wydarzenie wpłynęło również na artystę, który przedstawił na płótnie małą dziewczynkę, której twarz przypomina nieco młodą żonę malarza.
Wielkie i kontrowersyjne publiczne oburzenie w związku z „Nocną strażą” sparaliżowało popularność Rembrandta, która od tego czasu dopiero zaczęła spadać. Liczba zamówień spadła, studenci odeszli. W życiu mistrza nadszedł bardzo trudny okres.
Zdezorientowany i zdenerwowany Rembrandt zaczął szukać samotności i pocieszenia w naturze. W rezultacie mistrz bardzo zainteresował się krajobrazem, do którego wcześniej nie przywiązywał wagi. Stan umysłu malarza można ocenić po typach, które wybrał dla swoich płócien - tych wcale nie było spektakularny widok ale ciche, skromne, zaciszne zakątki.
Oprócz malarstwa, w ogromnej spuściźnie Rembrandta znaczące miejsce zajmują ryciny i rysunki wykonane przez mistrza o nie mniejszym talencie niż jego obrazy. Artysta tworzył ryciny w technice akwaforty. Istotą techniki jest wydrapanie rysunku igłą na lakierowanej metalowej desce, którą następnie traktuje się kwasami. Następnie lakier jest usuwany z deski, a linie wypalone na metalu kwasem są wypełniane farbą. Następnie wykonuje się wydruki z tektury na mokrym papierze pod ciśnieniem. Zarówno sposób grawerowania, jak i wynikający z niego odcisk nazywane są akwafortą. W sumie mistrz stworzył około trzystu rycin metodą akwaforty, które należą do największych światowych osiągnięć w dziedzinie grafiki. Do naszych czasów zachowało się również około półtora tysiąca rysunków artysty.
Przykładem wspaniałej grafiki Rembrandta jest jego jasna, symboliczna akwaforta „Trzy drzewa” (1643, kolekcja J. de Bruyne). Po lewej stronie ryciny są liczne Pionowe linie, sprawiając wrażenie lejących się rwącymi strumieniami deszczu. Prawa i środkowa część akwaforty nie jest usiana kreską, przez co niebo i cała przestrzeń kompozycji wydaje się świetlista, przestronna, otwarta. Artysta przedstawił więc symboliczną walkę i nieuchronne zwycięstwo światła nad ciemnością. Oczyszczona i jakby ożywiona natura tworzy afirmujący życie i optymistyczny nastrój. Trzy drzewa górujące po prawej stronie kompozycji wydają się być osią tego świata, życiodajną zasadą – wszystko, co jest wokół, jest w nich tak w pełni i wyraźnie ucieleśnione: w grubych pniach – siła cierpliwej ziemi ; w trzepotaniu liści na gałęziach - swobodne zasysanie powietrza.
Pomimo zamiłowania do grawerowania, Rembrandt nigdy nie przestawał doskonalić swojego malarskiego stylu. On w latach 40 techniki wizualne stają się jeszcze bardziej zróżnicowane, konstrukcja kompozycyjna jest odważniejsza, kolorystyka bogatsza i bardziej temperamentna, dominują w niej jasne odcienie czerwieni, brązu i złota. Dominującymi tematami są nadal historie biblijne i ewangeliczne, które ujawniają prostotę cechy ludzkie: miłość macierzyńska i małżeńska, cierpienie, miłosierdzie, dobroć. Przykładem jest płótno „Święta rodzina i anioły” (1645, Państwowe Muzeum Ermitażu, Sankt Petersburg), jest nasycone tak niesamowitą czułością, miłością, w której przeplata się boskość i ziemskość.
Najświętsza Maryja Panna, która czytała książkę, przerywa, aby wyprostować zasłonę na Dzieciątku, aby zasłonić Go przed niezwykle jasnym światłem. Gest Matki Bożej przepełniony jest nieskończoną miłością i troską. Jezus śpi słodko, jego twarz jak zawsze promienieje boskim blaskiem. Mąż Mary pracuje w tle obrazu. Ten epizod z życia młodej rodziny mógłby wydawać się banalny, gdyby nie szybujące w niebie anioły.
W 1647 r. Rembandt tworzy dramatyczny obraz z wyraźnym erotyzmem „Zuzanna i starcy” ( Państwowe Muzeum, Berlinie). Zuzanna kieruje się do łaźni znajdującej się w jej ogrodzie, nagle z ukrycia wychodzi dwóch starszych, którzy zaczynają namawiać dziewczynę, by dzieliła z nimi łóżko. Grożą Zuzannie, że w przeciwnym razie złożą fałszywe świadectwo, że Zuzanna dopuściła się cudzołóstwa z innym mężczyzną. Dziewczyna stanowczo odmawia. Przestraszona próbuje zakryć swoją nagość welonem, ale jeden ze złoczyńców zrywa go, nie przestając nalegać. Czerwone pantofelki pozostawione przez Zuzannę przy wannie to oczywiście symbol erotyzmu sztuki niderlandzkiej XVII wieku.
Kolejnym dziełem na temat historii biblijnej jest płótno „Wieczerza w Emaus” (Luwr, Paryż), namalowane przez mistrza w 1648 roku. Fabuła obrazu jest klasyczna - spotkanie zmartwychwstałego Chrystusa z uczniami. Ale w wersji Rembrandta płótno ma głębokie znaczenie psychologiczne. Jezus siedzi pośrodku stołu w ciepło oświetlonej restauracji. Jego spojrzenie jest spokojne i skupione. Twarzy towarzyszących Chrystusowi apostołów praktycznie nie widzimy – jeden z nich odwróci się plecami, drugi jest praktycznie nie do odróżnienia. Ale artysta szczegółowo rysuje twarz kelnera - młodego mężczyzny serwującego gościom posiłek. Chłopiec jest łagodny, w całej swojej postawie staranność i szacunek dla drogi Gościu. Artysta podkreśla więc, że dla przypadkowej osoby spotkanie z Chrystusem jest o wiele ważniejsze niż dla tych, którzy znali Go za życia, bo Pan wybiera swoich naśladowców spośród wszystkich.
Dzieło „Christ Healing the Rich” (1649, kolekcja J. de Bruyne), które ma drugie imię - „Liść stu guldenów”, jest również nasycone bezwarunkową miłością do ludzkości. Tutaj widzimy Chrystusa stojącego w opuszczonym pokoju, pogrążonym w półmroku. Otacza go wielu obcych – starców, dzieci, żebracy, kalecy. Ból, zwątpienie, potrzeba, wiara odbijają się w lekko ocienionych twarzach bohaterów. Mistrz doskonale oddał grę światła i cienia. Akwaforta była popularna i istnieją dowody na to, że jej odbitki sprzedawano po bardzo dobrej cenie.
W 1653 r. Rembrandt, realizując zamówienie bogatego kolekcjonera A. Ruffo, tworzy płótno „Arystoteles przed popiersiem Homera” (Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork). Obraz ostro wyróżniał się na ogólnym tle sztuki malarskiej w Holandii. Artyści tamtych czasów, zgodnie z modą, pisali jasnymi kolorami, lekkimi, gładkimi, równymi, niemal przezroczystymi kreskami. Dlatego dzieło mistrza, który kochał bogatą kolorystykę, bogatą fakturę, kontrasty kolorów został źle przyjęty przez społeczeństwo. Nie chcąc zmieniać swojego indywidualnego stylu, tracąc poparcie i popyt, malarz żył na skraju ruiny.
Oprócz twórczego braku popytu Rembrandt miał wiele problemów w życiu osobistym. Po śmierci żony artysta zainteresował się nianią swojego małoletniego syna Tytusa - Gertje Dirks, związek ten zakończył się wielkim skandalem, po którym Gertje na zawsze opuściła dom malarza.
Po chwili Rembrandt ponownie znalazł się w centrum publicznego oburzenia. W 1649 roku artysta zainteresował się mieszkającą w jego domu dwudziestopięcioletnią panną Hendrickje Stoffels. Malarz nie spieszył się z legitymizacją ich związku, by nie stracić prawa do rozporządzania spadkiem po zmarłej żonie, który chciał zachować dla syna Tytusa. W odpowiedzi rada kościelna w Amsterdamie ekskomunikowała Hendrickje z wieczornej komunii, żądając zaprzestania haniebnego romansu pozamałżeńskiego. Ale kobieta nie opuściła Rembrandta, a nawet urodziła jego córkę Kornelię.
Artysta poświęcił swoje nowe kochanie kilka jego płócien, w tym: „Portret Hendrikjo Stoffelsa” i „Młoda kobieta kąpiąca się w strumieniu”.
Na obrazie „Młoda kobieta kąpiąca się w strumieniu” (1654, National Gallery, Londyn) bohaterka jest przedstawiona w lekkiej sukience, która swobodnie opada z ramion. Ostrożnie wchodzi do rzeki, unosząc rąbek sukni powyżej kolan. Nagie części jej ciała są namalowane z wielką wprawą. Na twarzy młodej kobiety pojawia się cichy, czuły uśmiech. Hendrikjo wygląda tak, jakby nie zdawał sobie sprawy, że w tej chwili jest wzorem dla własnej małżonki. Nie jest spięta, ale też nie jest zaskoczona. Rysy twarzy są spokojne i zrelaksowane.
W tym samym 1654 roku Rembrandt namalował obraz „Batszeba z listem króla Dawida” (Luwr, Paryż), uważany za jeden z najpiękniejsze obrazy artysta. Dzieło oparte jest na fabule ze Starego Testamentu, która opowiada, jak pewnego razu władca Izraela Dawid ujrzał kąpiącą się dziewczynę z dachu swojego pałacu: „I ujrzał nagą kobietę z dachu; a ta kobieta była niezwykle piękna. A Dawid posłał, aby dowiedzieć się, kim była ta kobieta? A oni mu odpowiedzieli: To jest Batszeba, córka Eliama, żona Urniego Hepiana. I Dawid posłał sługi, aby ją zabrali…” (Drugie Królewska). Temat wybrany przez Rembrandta opowiada nam historię krwawej zbrodni, cudzołóstwa i boskiego gniewu. Batszeba otrzymała list od Dawida, trzyma go w dłoniach, przewidując przyszłą winę (niekonsekwencję człowieka). Piękne ciało bohaterki jest dosłownie nasycone, zalane światłem, w kompozycji i kolorystyce płótna wyczuwa się nieuchronność losu.
Nie mając już napływu zamówień i tracąc prawie wszystkich swoich uczniów, artysta, podobnie jak w młodości, zaczął malować wielu swoich krewnych, sąsiadów i znajomych. W tym okresie powstało wiele płócien dedykowanych osobom starszym, którym wystarczyło wolnego czasu na wielogodzinne pozowanie.
Jednym z takich dzieł jest „Portret starego człowieka w czerwieni” (1652, Państwowe Muzeum Ermitażu, Sankt Petersburg). Starość w interpretacji Rembrandta nie jest bynajmniej obumieraniem życia, ale godnym końcem. Wygląd bohatera, z twarzą pokrytą licznymi zmarszczkami, świadczy o mądrości i bogatym doświadczeniu. Wszystkie wydarzenia w życiu pozostawiają ślad: niektóre to rany na sercu, inne to zmarszczki na twarzy. W spokojnych oczach starca odbija się wieczna pamięć o wszystkim, co widział w swoim życiu, co przeżył, z czego się smucił, z czego się radował. A duże, zrogowaciałe ręce świadczą o tym, ile zrobił przed wyjazdem.
Obraz „Portret starszej kobiety” (Państwowe Muzeum Ermitażu w Sankt Petersburgu), namalowany w tym samym roku, przedstawia bohaterkę, pokornie składającą ręce na kolanach. W jej oczach widać zmęczenie codziennymi troskami.
Rembrandt lubił pracować rozważnie, cierpliwie i skrupulatnie, czasami spędzając dwa lub trzy miesiące na swoich pracach, bez końca je przerabiając, raz po raz nakładając gęste, bogate w pigmenty farby. Rembrandt wtarł farbę w ziemię, uzyskując efekt głębokiej przestrzeni, wyrzeźbił twarze i dłonie bohaterów w reliefie z dość gęstej kolorowej masy. Jak napisał jeden z biografów artysty, Arnold Houbraken: „Niektórych z jego bohaterów można było dosłownie „brać za nos” – kolory były tak gęsto nakładane”.
W 1656 roku Rembrandt ogłosił bankructwo, a dwa lata później jego dom, jak każdy majątek, został sprzedany za bezcen. W 1660 roku malarz musiał osiedlić się w dzielnicy ubogich artystów na dalekich przedmieściach Amsterdamu. Dopiero dorosły syn Tytus, który otworzył własną firmę zajmującą się sprzedażą dzieł sztuki, uratował go od śmierci głodowej. Rembrandta i jego nowa żona pomagali mu jak mogli.
Rzadkie martwe natury Rembrandta należały oczywiście do okresów jego ponurych rozmyślań, gdyż prawie wszystkie wyraźnie przedstawiają temat smutnej zagłady świata roślin i zwierząt, w których artysta dopatrywał się skojarzeń z życiem człowieka.
Obraz „Zarżnięta tusza byka” (1655, Luwr, Paryż) jest doskonałym przykładem tak smutnej martwej natury. Obraz wypełnia martwa cisza, nie ma w nim śladu życia ani dynamiki. W pustym pokoju pod sufitem zawieszone jest zarżnięte zwłoki byka. Być może jeszcze wczoraj to nic niepodejrzewające zwierzę pasło się na zielonej łące, a dziś jest bezpowrotnie pozbawione życia. Całe życie na ziemi ma swój czas, który i tak nadejdzie prędzej czy później.
W tym samym okresie powstał obraz „Jeździec polski” (1655, kolekcja Fricka, Nowy Jork). Postać jeźdźca, podobnie jak sam obraz, wzbudziła wiele kontrowersji, w tym autorstwa dzieła. Płótno młody człowiek, kapelusz obszyty futrem i kaftan nadają mu pewną teatralność, która nie była charakterystyczna dla maniery malarskiej Rembrandta. Strój jest bardziej orientalny i nie ma nic wspólnego z polskim. Skąd więc ta nazwa? Najwyraźniej dzieło zostało później nabyte przez Polaków. Ale jest jedno „ale”: w 1654 r. wydano w Amsterdamie pamflet „Jeździec polski”, broniący sekty, do której według licznych zeznań artysta przystąpił. Koń jest przedstawiony bardzo niezgrabnie, co nie pasuje do faktu, że sam Rembrandt mógł tak namalować zwierzę.
W ścisłej kompozycji „Błogosławieństwo Jakuba” (pełny tytuł - „Jakub błogosławi synów Józefa Manassesa i Efraima”, 1656, Galeria Sztuki, Kassel) przedstawia uroczyste wydarzenie - pobłogosławione przez starszego Jakuba Wilkowa. Płótno jest napisane w stylu charakterystycznym dla Rembrandta - szerokimi, odważnymi pociągnięciami, jasnymi, bogatymi kolorami. Obraz Jakuba jest pełen wielkości i godności. Unosząc się lekko na łóżku, lekko dotyka głowy wnuczki. Oboje dzieci w drżącym zachwycie umilkli przy łóżku. Obok patriarchy jest jego żona, obserwująca tę scenę z czcią. Narzuta z czerwonego aksamitu na pierwszym planie niezwykle ożywia płótno i wnosi do niego nuty powagi i doniosłości chwili.
Późny okres twórczości
Utraciwszy dom, majątek, najbogatszą kolekcję światowych obrazów, Rembrandt malował bliskie mu osoby - syna i Hendrikjo, pomagając i wspierając go w trudnym momencie życia.
Jeden z najbardziej najlepsze prace to wzruszający „Portret syna czytającego Tytusa” (ok. 1656, Artystycznie — muzeum historyczne, Wiedeń). Przed nami żywe ucieleśnienie młodości, świeżości i entuzjazmu. Chłopiec żyje we własnym świecie książek, fantazji i niesamowitych snów. Roziskrzone promienie słońca przebiegają po twarzy entuzjastycznie czytającego Tytusa, na jego ustach błąka się uśmiech. Rysy twarzy chłopca i rude loki przypominają jego matkę Saskię.
Z świetne uczucie ciepło i czułość, artysta pisze „Portret Hendrikjo Stoffelsa” (ok. 1656, Muzeum Państwowe w Berlinie). Po ruinie malarz mógł wreszcie legalnie poślubić swoją ukochaną. Pobrali się gdzieś w latach sześćdziesiątych XVII wieku, ponieważ w wielu dokumentach dotyczących tego okresu Hendrickjou jest już wymieniana jako żona Rembrandta.
Na portrecie młoda, ładna kobieta stoi w domowym ubraniu w pobliżu otworu okiennego. Jej wzrok skierowany jest przed siebie, być może czeka na ukochaną, która ma nadejść. Płótno doskonale odzwierciedla wieczność udział kobiet: czekanie, pożegnanie, spotykanie się z krewnymi i opieka nad nimi.
Obraz „Ewangelista Mateusz i anioł” (1661, Luwr, Paryż) przedstawia nam Mateusza w interpretacji Rembrandta. Tutaj pojawia się przed nami jako silny, odważny człowiek z wielkim doświadczenie życiowe. Teraz, zestarzał się, siada przy stole i spisuje Ewangelię według słów anioła. Praca wyraźnie odzwierciedla filozoficzne przesłanie autora – człowiek rodząc się przechodzi męki, pracuje, raduje się, cierpi, jego twarz pokrywa się zmarszczkami, jego ciało blaknie, po czym przychodzi śmierć.
Sposób, w jaki Anioł delikatnie i troskliwie położył dłoń na ramieniu starca, odzwierciedla myśl artysty, jak ważne jest, abyśmy wszyscy na starość czuli się blisko swoich bliskich, kochany kto się nami zaopiekuje.
W 1660 roku Rembrandt otrzymał wreszcie duże nowe zamówienie od amsterdamskiego suknarza. Artysta maluje wspaniały grupowy portret starszych sukna, zwany „Sindiki” (Amsterdam, Riksmuseum). Opisując swoich bohaterów, malarz skupia się na ich profesjonalnej skromności i uczciwości. Pięciu syndyków i służący (którego podrzędna rola w ogóle nie jest odczuwalna na płótnie) spoglądają na widza uważnym spojrzeniem. Twarze bohaterów wyrażają sumienność, przyzwoitość, inteligencję.
Francuski malarz, historyk sztuki i pisarz Eugene Fromapgen doskonale opisał zdolność Rembrandta do tworzenia niezwykłych kompozycje krajobrazowe: „są zajęci, chociaż się nie ruszają, rozmawiają, chociaż ustami nie poruszają. Nikt nie pozuje, wszyscy żyją.
Surowe czarno-białe szaty bohaterów są rozcieńczone złotobrązowymi kolorami paneli i czerwonym obrusem. Na stole przed nimi leży otwarta księga - statut cechu zawierający normy jakości pracy sukienników w Amsterdamie. Książka jest wyraźnie wprowadzona do portretu na prośbę odbiorców płótna, jednak autorowi udało się uniknąć poczucia naciąganej fabuły, pełnej głębi i bogactwa.
Według zachowanych dowodów obraz ten, podobnie jak w swoim czasie rewelacyjna „Nocna straż”, wywołał wiele dyskusji i kontrowersji. Rentgen wykazał, że płótno przeszło dwie główne obróbki - w 1661 i 1662 roku. Dokładne powody, dla których dzieło zostało przerobione, nie dotarły do nas.
Losy wielkiego artysty z biegiem lat stały się smutniejsze. Demonstracyjne nieuznawanie twórczości, stale się pogarszające sytuacja finansowa oraz śmierć dwóch najbliższych osób (w 1663 zmarł Hendrikjo, aw 1668 artysta stracił jedynego syna Tytusa) wywarły ogromny wpływ na stan ducha artysty. Niemniej jednak Rembrandt nigdy nie wątpił w wierność własnej ścieżki.
Mimo prób, utraty bliskich, bankructwa, spadku liczby studentów i zamówień, skrajnie złej sytuacji materialnej tworzył dalej, tworząc coraz to nowe arcydzieła prawdziwie realistycznej sztuki.
Późniejsze prace Rembrandta pozbawione są ruchu, szumu, efektów. Fabuły są spokojne, jakby w tej właśnie sekundzie, wyrwanej przez artystę z życia bohaterów, otaczający ich świat zamarł, wszystko zamarło w oczekiwaniu na brzemienną w skutki chwilę. Do takich płócien należy obraz „Dawid i Uriasz” (ok. 1665 r., Państwowe Muzeum Ermitażu, Sankt Petersburg), przedstawiający mężczyznę wychodzącego z namiotu z listem na piersi. List zawiera wyrok śmierci na Dawida, który wiedząc o tym z góry, pokornie iw milczeniu patrzy mu w oczy.
Największe arcydzieła stworzone przed śmiercią
Obraz „Żydowska panna młoda” (ok. 1666, Riksmuseum, Amsterdam) jest jednym z największych arcydzieł mistrza. Płótno wywołało wiele kontrowersji. Niektórzy uważali, że obraz przedstawia jedno z biblijnych małżeństw: Rebekę i Izaaka, Rachelę i Jakuba lub Rut i Booza; inni widzieli tu syna artysty Tytusa i jego narzeczonej Magdaleny val Leia, inni wierzyli, że jest to portret współczesnych malarza poety Miguela de Barriosa i jego żony.
Jedno jest powszechnie uznawane, bez względu na to, kim byli bohaterowie, którzy pozowali dla Rembrandta, ta praca jest jednym z najbardziej wzruszających i niezwykłych obrazów. małżonkowie. Inny wielki artysta, Vancent van Gogh, opisał to w ten sposób: „Ta czułość, za którą kryje się ból, jest nieskończona, na wpół otwarta, nadludzka, a jednocześnie tak naturalna”.
Bohaterowie obrazu ubrani są w kolory pomarańczowo-czerwone i złoto-żółte, wypełnione równomiernym intensywnym światłem, symbolizującym jasny płomień ich miłości. Cała poza mężczyzny, ostrożnie pochylającego się ku żonie, delikatnie obejmującego ją za ramię, drugą ręką dotykającego jej piersi, mówi o nieskończonej trosce i czułości dla swojej kobiety, miłości i podziwie dla niej. Z kolei dziewczyna z drżeniem dotyka opuszkami palców jego dłoni, jest spokojna o swój los, powierzony nowemu małżonkowi.
Drugim największym arcydziełem mistrza, napisanym pod koniec życia, był obraz „Powrót syna marnotrawnego” (1668, Państwowe Muzeum Ermitażu, Sankt Petersburg). Było to znakomite zwieńczenie drogi twórczej Rembrandta.
Jeśli „Żydowska Oblubienica” była ziemskim hymnem, cielesna miłość, to obraz ten opowiada o miłości wyższego rzędu, pełnej pokuty, akceptacji, przebaczenia, tej wszechogarniającej miłości, która jest możliwa tylko między rodzicem a jego dzieckiem. Kolor obrazu jest wybrany bardzo stonowany, z przewagą ciemne kolory. Tylko płaszcze ojca, który przytulił syna, i mężczyzny stojącego po prawej stronie, płoną ogniem. W roli syna marnotrawnego Rembrandt widział siebie przez całe życie. Nawet praca „Autoportret z Saskią na kolanach” pierwotnie nosiła tytuł „Święto syna marnotrawnego”. Ta ewangeliczna przypowieść, ukochana przez artystę, stała się podstawą kilku rysunków.
Kompozycja obrazu jest prosta. Na pierwszym planie syn klęczy, licząc na przebaczenie, pochylając głowę do stóp ojca. Oboje nie patrzą na siebie, nie rozmawiają, nie patrzą sobie w oczy, ale w samych ich pozach jest wielka bliskość i miłość, jaka może zaistnieć tylko między dwojgiem kochanych, nieskończenie sobie drogich ludzi. Artysta wyciąga zdarte podeszwy starych butów swojego syna, abyśmy zrozumieli, ile czasu minęło, zanim stanął przed wyczerpanym ojcem, obejmując go znużonymi ramionami. Twarze postaci otaczających głównych bohaterów również są wyraziste, są bardzo wyraziste i pełne czci.
Największy artysta, Harmens Van Rijn Rembrandt, który pozostawił światu najbogatszy dziedzictwo kulturowe ponad sześćset obrazy, półtora tysiąca rysunków i trzysta akwafort, zmarł 4 października 1669 roku w zapomnieniu i nędzy. Został pochowany na cmentarzu Westerkerke w Amsterdamie obok tych, których kochał najbardziej za życia: Saskii, Hendrikjo i Tytusa.
Wszystkie perypetie twórczego i osobistego życia wielkiego artysty nie mogły złamać jego ducha i osłabić jego zdolności do pracy. Podobnie jak geniusz renesansu, Tycjan, Rembrandt pracował niemal do ostatnich dni swojego życia, niestrudzenie tworząc arcydzieła, starając się przeniknąć istotę ludzkiego życia i duszę samego człowieka, który przez całe życie był bohaterem jego niesamowitych obrazów. Nieoceniony wkład, jaki wniósł sztuka holenderska Rembrandt, który nigdy nie zdradził wybranego kreatywny sposób dokonał prawdziwej rewolucji w sztuce narodowej i światowej i skierował ją na drogę nieustannej ewolucji.
Rembrandt Harmens Van Rijn jeden z najbardziej znanych artystów na świecie. Urodzony 15 lipca 1606 w Leiden (Holandia, Holandia Południowa). Przez kilka lat uczył się jako praktykant u malarza z Lejdy, a następnie subtelności malarstwa uczył się u Pietera Lastmana w Amsterdamie, który z kolei studiował we Włoszech. To właśnie Lastman jako pierwszy wprowadził Rembrandta w sztukę światłocienia, efekty oddania objętości, głębi, a także dramatyzmu fabuły.
Rembrandt jest prawdziwym i niezrównanym mistrzem tematów biblijnych i mitologicznych, portretów i przekazu. Po przeprowadzce do Amsterdamu w 1631 (1632) wkrótce zyskał prawdziwą sławę. utalentowany artysta. Obraz „Lekcja anatomii doktora Tulipana” przyniósł mu sławę i uznanie wśród artystów i koneserów malarstwa. W tamtych czasach był modnym i odnoszącym sukcesy malarzem, który miał wiele zleceń. Jego biznes gwałtownie się rozwinął i stał się dość zamożną osobą.
Jednak pomimo jego dobrego samopoczucia jako artysty, wiele kłopotów spotkało Rembrandta w jego życiu osobistym. Troje jego dzieci zmarło w niemowlęctwie. Czwarty syn Tytus przeżył, ale jego żona Saskia zmarła rok po jego urodzeniu. W tych trudnych i krytycznych latach dla każdej osoby Rembrandt maluje obraz „Nocna straż”, który przyniósł mu prawdziwą sławę i nadal jest jednym z najbardziej jasne zdjęcia cała jego praca. Nocna Straż to portret grupowy członków gildii strzelców. Następnie porzucił klasyczny sposób układania twarzy w portrecie grupowym i stworzył obraz, w którym panuje dynamika i ruch. Ponadto niezwykły kontrast, sposób nakładania się światła i cienia, nadawał pracy szczególnego, ekscytującego posmaku. Trzeba przyznać, że klienci nie zrozumieli zamysłu Rembrandta, gdyż chcieli uzyskać coś na wzór prac innych artystów klasycznych tamtych czasów, uznawanych za standard w malarstwie.
Realistyczna sztuka na przestrzeni lat Rembrandta van Rijna wszystko idzie ku lepszemu. Wchodzi głębiej w swoją twórczość, coraz bardziej odmienną od współczesnych. Głębia i emocjonalność sięgają szczytu napięcia. Obrazy artystyczne na jego płótnach wydają się żyć własnym życiem własne życie i wcale nie są kopią oryginału ani prostym obrazem osoby. To właśnie nowość poszukiwań artystycznych pozwoliła mu stać się jednym z najwybitniejszych artystów wszystkich czasów i narodów. Przez całe życie nie przestawał zadziwiać ludzi. Nawet wtedy, gdy Rembrandt wyszedł z mody i nadal pisał zwykłe portrety na zamówienie, nieoczekiwanie dla wszystkich, namalował wspaniały obraz „Powrót syna marnotrawnego”. A jednak, pomimo ich umiejętności i zasług, świat i społeczeństwo były okrutne nawet w tamtych czasach. Rembrandt Van Rijn zmarł 4 października 1669 roku w biedzie i nędzy. Jego grób zaginął, ale wielka spuścizna pozostała w jego pamięci na wiele wieków.
Chcesz wyglądać modnie i nowocześnie? Wysokiej jakości druk na koszulkach od Print Salon jest do Twojej dyspozycji. Koszulki, napisy i obrazy na każdy gust.
Alegoria muzyki
Andromeda
Arystoteles z popiersiem Homera
Lot do Egiptu
Błogosławieństwo Jakuba
Łódź Chrystusa podczas burzy
Mężczyzna w złotym hełmie
Dawid i Jonatan
Ewangelista Mateusz i anioł
żydowska panna młoda
Fryderyk Riel na koniu
Poświęcenie
kamienny most
Młyn
Martwa natura z pawiem
Straż nocna
oskarżenie Józefa
Oślepienie Samsona
Wyrzeczenie się Apostoła Piotra
Święto Baltazara
Porwanie Ganimedesa
Portret Jeremiaha Dekkera
Portret Marii Trip
Portret starego wojownika
Portret starej kobiety
Portret Jana Szóstego
Portret Jana Utenbogarta
